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HISTORIA DE LA MÚSICA
3º ESO
TEMA 1: MÚSICA MEDIEVAL ( Hasta el siglo XIV)
INTRODUCCIÓN
La música occidental nace con los griegos como el arte, la filosofía o el teatro. Se
concibe como un arte para perfeccionar al hombre y no meramente para el
entretenimiento, se considera como un medio de dirigirse a Dios.
CANTO GREGORIANO
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Lo crea el Papa Gregorio Magno, por lo tanto sólo lo cantan voces masculinas,
monjes.
Es monódico ( canto a una sola voz), sin acompañamiento instrumental, es decir,
a capella ( solo voces).
El idioma es en latín, con texto religioso.
El ritmo es libre, ondulante y flexible. (Nunca medido ni mecánico).
ESCRITURA MUSICAL
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Comienza la escritura con los neumas (signos, puntos y líneas colocados encima
de las palabras).
Luego aparece el tetragrama (4 líneas y 3 espacios con notas cuadradas), esta
escritura la realizan los monjes a mano, con pluma y tinteros, con dibujos y
adornos alrededor de la partitura. Este tipo de escritura la inventa Guido
d`Arezzo.
En el siglo XV aparece el pentagrama (5 líneas y 4 espacios), notas redondas y
medidas, esta escritura se realiza con la imprenta.
INSTRUMENTOS MUSICALES
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CUERDA: arpa, salterio, rabel o rabé, viola o fídula, organistrum o zanfoña,
cítola, etc.
VIENTO: chirimía o dulzaina, trompeta o añafil, flauta, gaita o cornamusa,
órgano portativo, cuernos, etc.
PERCUSIÓN: tambor o tamboril, címbalos, etc.
CÁNTIGAS
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Producidas por España.
Canciones monódicas, religiosas o profanas, escritas en galaico-portugués, se
alterna estribillo con estrofas.
TROVADORES Y JUGLARES
TROVADORES: Poetas músicos cortesanos que cantaban al amor caballeresco,
rindiendo homenaje a su amada.
JUGLARES: músicos ambulantes que, aparte de cantar y tocar instrumentos, contaban
historias y divertían al pueblo con sus chistes y malabarismos.
LA POLIFONÍA: ORGANUM , MOTETE
POLIFONÍA: canto a varias voces que suenan simultáneamente, enriquece y decora el
canto litúrgico.
ORGANUM: consiste en una segunda voz que ya está sometida a un ritmo medido, a
distancia de una cuarta o una quinta sobre la voz principal.
MOTETE: dos o tres voces en la cual cada una canta una letra diferente y con un ritmo
distinto, a veces incluso se mezclan letras profanas y religiosas.
COMPOSITORES
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Alfonso X el Sabio.
Guillermo de Machaut.
Léonin.
Pérotin.
TEMA 2: EL RENACIMIENTO ( hasta el siglo XVI)
INTRODUCCIÓN
Comienza en los Países Bajos, y se extiende a Francia, Alemania, Italia y España. Se
exaltan los valores humanos, la razón y la belleza, el ser humano es el centro del
Universo. Se enriquece el canto polifónico, apareciendo diferentes tesituras: soprano,
contralto, tenor y bajo. Aumenta la música profana. Aparece el maestro de capilla, que
dirige el coro.
MÚSICA VOCAL RELIGIOSA: MOTETE Y MISA
MOTETE: tiene una gran importancia, desaparecen las diferentes letras en una misma
obra, y suelen ser más de tres voces.
MISA: se convierte en una gran forma musical con cinco partes: Kyrie, Gloria, Credo,
Sanctus y Agnus Dei.
INSTRUMENTOS MUSICALES
Desaparecen la fídula, la cítola y el organistrum. Siguen vigentes la chirimía y la flauta.
Sufren cambios el laúd, el órgano, la viola y la trompeta. Instrumentos nuevos:
cromornos, trombones, clavicordio, espineta, vihuela, sacabuche, corneta, etc.
MÚSICA INSTRUMENTAL
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Surgen formas nuevas.
Se interpretan obras con varios instrumentos juntos que comienzan a llamarse
consort “concierto”.
Nace la imprenta y se comienza a imprimir libros de música instrumental.
MÚSICA PROFANA: EL MADRIGAL, EL ROMANCE, EL VILLANCICO, LA
ENSALADA Y LAS DANZAS
EL MADRIGAL: forma musical polifónica cantada a capella que pretende, a través de
la unión de letra y música, expresar los sentimientos del hombre como ser humano.
EL ROMANCE: forma musical polifónica, creado por antiguos españoles, formado por
cuatro frases musicales que corresponden a los cuatro versos de cada estrofa, es rítmico.
VILLANCICO: forma musical que consta de tres partes: estribillo, copla, estribillo. Su
comienzo no fue el destinado para la navidad.
ENSALADA: forma musical polifónica en el que se mezclan diferentes estilos como el
madrigal, la canción popular, el villancico, el romance y las danzas.
DANZAS: conjunto de pequeñas piezas con esquemas rítmicos marcados y regulares,
sólo instrumentales, se bailaban en los salones reales. Algunas son: pavana, gallarda,
gavota, zarabanda, etc.
COMPOSITORES
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Palestrina.
Dufay.
Orlando Di Lasso.
Ockeghem.
Juan del Enzina.
Monteverdi.
TEMA 3: FORMA Y ANÁLISIS DE UNA OBRA MUSICAL.
LA FORMA MUSICAL
La forma musical hace referencia a la estructura de una obra, es decir, movimientos,
partes, frases, etc.
LA FRASE MUSICAL
Suelen ser una o varias ideas principales, generalmente melódicas, muy claras y
entendibles.
FORMA BINARIA SIMPLE: A B. Fugas.
FORMA BINARIA COMPUESTA: /: A :/ : B :/. Suites, danzas, etc.
FORMA TERNARIA: A B A´ . Minuettos, Lieder, arias, etc.
FORMA RONDÖ: A B A C A D A. Conciertos.
FORMA LIBRE: A B B, A B C A ó A B C. Canon, canto gregoriano, misas, preludios.
FORMA TEMA CON VARIACIONES: A A´A´´ A´´´A´´´´.
FORMA SONATA
INTRODUCCIÖN: a veces no la hay, es la frase principal y la más importante de todas.
EXPOSICIÖN: Tema A y B, y generalmente se repite.
DESARROLLO: tiene modulaciones, cambios de tonalidad, parte movida y dramática.
REEXPOSICIÖN: repetición del tema A y B, con algunas variaciones.
CODA: sección muy breve y claramente conclusiva que anuncia el final de la obra, y en
muchas ocasiones no se ha escuchado antes.
La sonata consta de 3 ó 4 movimientos, Mozart la hacía de 3 movimientos y Beethoven
de 4. Es la forma más antigua de todas, procede de la Suite. Una sonata para orquesta
recibe el nombre de Sinfonía. Doménico Scarlatti fue un compositor de la época barroca
que también hizo sonatas, pero de 2 movimientos, poseía una técnica muy brillante con
la tecla, era un virtuoso con el clave.
ELEMENTOS DEL LENGUAJE MUSICAL
MELODÏA: adornos, cantábile, continua, frases organizadas o no, pensadas para
un instrumento o para la voz, virtuosismo, intervalos graves o agudos, acórdica o
melódica.
TEXTURA: monofónica (sólo melodía), melodía acompañada, acórdica, polifónica
o contrapuntística (varias líneas melódicas donde cada voz es independiente, y que
se van imitando una a otras).
ARMONÏA: acordes sencillos, con facilidad de entender o difícil para el oído,
consonante o disonante, si modula o no, si es triste o alegre, final masculino o
femenino.
TIMBRE: si se diferencian los diferentes instrumentos o voces, la calidad del
sonido, si aparece orquesta o no.
RITMO: se es medido o no, si es cantábile, estricto, libre, con contrastes de ritmo.
DINÄMICA O MATICES: si es escalonado F-P, con toques bruscos, o va con
reguladores, poco a poco.
CODA: parte nueva cortita que no se ha escuchado antes y que aparece al final de
la obra.
LA FUGA
Tiene un solo movimiento o tiempo, puede tener un tema A sólo, o puede aparecer otro
tema B. Es polifónica o contrapuntística, consiste en repetir el tema varias veces, con
progresiones, fragmentos libres, variaciones, etc. Pertenece al período barroco y lo
interpreta el instrumento de la clave.
EL CANON
Es una melodía que se va repitiendo en diferentes voces.
LA MISA
Es la más importante de las formas musicales religiosas, se canta en latín y sus partes
fundamentales son: Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus y Acnus Dei.
LA SUITE
Significa serie. Conjunto de diversas piezas instrumentales independientes entre sí, pero
combinadas para ejecutarse seguidas, suelen ser danzas, y se llaman: Allemande,
Courante, Zarabanda, Giga, Rondó, Bourrée, Gavota, Pavana, Minué, Pasacalle,
Siciliana, Gallarda, Musette, etc.
EL LIED
Significa canción y proviene de Alemania. Breve pieza lírica con verso y melodía
preponderante (con superioridad y autoridad) pero sencilla y sin efectos de alardes
vocales.
EL MINUETTO
Danza cortesana, que precede al vals, nunca popular, ya que se bailaba en los salones de
la nobleza. Es expresivo, cantábile, no muy rápido, consiste en expresar un saludo con
gracia y elegancia. El compás es en ¾ y generalmente en modo mayor.
MÜSICA SINFÖNICA
Música hecha por muchos instrumentos, es decir, por una orquesta sinfónica. Todos los
instrumentos tienen la misma igualdad de importancia.
MÜSICA DE CÄMARA
Es la que se realiza con un número reducido de instrumentos, el adecuado para sonar en
una cámara, es decir, en un salón pequeño. La música de cámara no nació para ser
apreciada en una función pública, como la ópera, sino para interpretación y audición
privada. Es interpretada tanto por músicos profesionales como por aficionados. Los
primeros ejemplos fueron las formas vocales y la música instrumental para violas. En la
música de cámara, cada instrumentista es solista de su parte. Las agrupaciones pueden
ser: dúos, como violín y piano, tríos, cuartetos, quintetos, sextetos, etc. En cualquier
combinación de instrumentos y pueden ser de cuerda, viento y percusión, pero siempre
con un número de ejecutantes no superior a 25 instrumentistas aproximadamente. El
cuarteto de cuerda está formado por el primer violín, segundo violín, viola y
violonchelo. El quinteto de viento está formado por flauta, oboe, clarinete, trompa y
fagot. Cuando hablamos de un RECITAL, nos referimos a la interpretación ofrecida por
un solo instrumento, por ejemplo un recital de piano, de guitarra, etc.
TEMA 4: EL BARROCO (siglos XVII y mitad del XVIII)
INTRODUCCIÓN
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Italia es el país más importante.
Los compositores comienzan a escribir para instrumentos solistas.
Se intenta representar y expresar ideas y sentimientos por medio de la música,
rebeldía, guerra, paz, pero en general, nunca los sentimientos del artista.
El ritmo es estrictamente medido, mecánico, estricto, con pulsaciones fuertes y
repetidas.
Los matices (dinámica) son escalonados, en forma de bloques, F-P, no se
colocan en la partitura pero se sabe lo que hay que hacer.
La textura es de una polifonía de voces independientes (polifónica o
contrapuntística), acórdica y melodía acompañada.
La melodía tiene muchos adornos, frases continuas y organizadas regularmente,
pensadas para que las ejecute un instrumento, hay muchas progresiones, ecos,
cargada de detalles musicales.
Enriquecimiento de la melodía instrumental, con mayor atención a los
instrumentos de viento.
La armonía es sencilla, consonante, con mucha calidad de sonido, se diferencias
bien las voces e instrumentos.
La orquesta se completa hasta 25 ó 30 componentes.
El clavicémbalo, o clave, es el instrumento rey de esta época, forma el bajo
continuo, sus cuerdas son delicadas, pellizcadas, con un volumen alto y sonido
brillante, hace los matices radicales. También tiene importancia el órgano de
iglesia.
MÚSICA RELIGIOSA
VOCAL:
- Oratorio: de carácter narrativo, sin representación escénica, se canta un drama
sobre el Antiguo o Nuevo Testamento en el que intervienen la orquesta, coro y
solista.
- Cantata: texto profano o religioso, de carácter lírico y no narrativo en el que
intervienen solos, orquesta y coro.
- Pasión: es una cantata gigantesca para glorificar la Pasión y muerte de Cristo.
INSTRUMENTAL:
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La suite: es la unión de varias danzas de distinto carácter y ritmo, consiguiendo
dar un sentido dramático.
El concierto: forma para orquesta que suele constar de tres movimientos
contrapuestos: 1º allegro, 2º lento, 3º allegro.
Sonata: obra corta, de uno o varios movimientos cortos con el fin de contrastar
matices y alardear de virtuosismo.
Fuga: forma muy importante en el barroco. Composición instrumental que se
realiza a partir de un solo tema, rítmica y contrapuntística, donde su melodía se
transforma a lo largo de la obra, con imitaciones, divertimentos, progresiones,
etc.
MÚSICA PROFANA
LA ÓPERA: obra dramática cantada, en la que los actores representan una historia
en un escenario. Consta de recitativo( recitar semicantando), arioso( se canta pero
con más adornos que el recitativo) y el aria( melodía cantada, proviene del lied). La
ópera seria es de carácter aristocrático, con temas y personajes mitológicos y dioses
de la Antigüedad. La ópera bufa es de carácter popular, los protagonistas son de
clase media. La duración de la ópera suele ser entre 2 y 4 horas, con vestimenta
elegante y seria, en idioma alemán, italiano e inglés.
LA ZARZUELA: obra de teatro cantada en castellano, pues es un género creado en
España. Se alternan escenas habladas y cantadas, es mucho más divertida, los
personajes visten muy sencillo y dura de 1 a 2 horas.
LOS LUTHIERS
Artesanos que construyen instrumentos de una perfección inigualable, el más
conocido de todos fue Antonio Satradivari.
INSTRUMENTOS MUSICALES
Se dejan de usan varios, mientras que aparecen el trombón, la flauta, el órgano, el
arpa, la trompeta, el clavicémbalo, el oboe, el fagot, el timbal y la guitarra entre
otros.
EL VIRTUOSISMO
Cantante o instrumentista de una lucida habilidad técnica de velocidad excepcional.
Las interpretaciones son brillantes y espectaculares, y despiertan gran admiración.
En ocasiones los compositores escriben obras con filigranas interpretativas
expresamente para estas personas.
COMPOSITORES
JOHANN SEBASTIÁN BACH (1685-1750)
Alemán, hijo de músico, queda huérfano a los 10 años y lo acoge un hermano
mayor. Tocaba instrumentos desde muy joven. Se ganaba la vida como organista y
maestro de capilla. Se casó 2 veces, tuvo 20 hijos, algunos fueron músicos, su
segunda mujer también sabía música. Bach tenía un rostro inflexible, duro, fuerte,
dispuesto a salirse con la suya siempre, era severo, de carácter vivo, obstinado,
difícil de congeniar con él, muy religioso, componía para la divinidad, sólido
burgués que nunca pasó necesidades, con actitud distante y superior. Tenía el oído
tan fino y perfecto que podía percibir el más leve error en los conjuntos más
grandes. Mientras dirigía, cantaba, ejecutaba su propia parte, mantenía el ritmo, y
daba la entrada a cada instrumento cuando le tocaba con la cabeza, a otro con un
golpe de pies, y al tercero con un dedo. Nadie podía afinar los instrumentos sin que
él estuviera satisfecho. Su música era titánica, virtuosa, con vigor, con mucha
intensidad, estricta, medida, disciplinada, con significados como el terror, el dolor,
la esperanza, la divinidad, etc. Solía firmar sus obras con notas: B: si, A: la, C: do y
H: si bemol. Muere ciego.
ANTONIO VIVALDI (1678-1741)
Italiano, fue sacerdote, aunque luego se sale de la orden. Se hace director,
compositor y maestro de una casa de recogida. Le da mucho virtuosismo al violín.
Hizo casi 500 conciertos, siendo uno de los creadores, donde el violín es
prácticamente el solista, destaca su melodía, con un timbre muy variado, con mucho
colorido y gran vigor. La forma es clara y sencilla, con ritmo vivo, le pone mucho
ímpetu a la frase, con movilidad emotiva, su prodigalidad inventiva es excepcional.
Compone mucha música de cámara.
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G. F. HÄNDEL.
Doménico Scarlatti.
J. Pachelbel.
Lully.
Purcell.
Corelli.
Padre Antonio Soler.
Télemann.
TEMA 5: EL CLASICISMO (siglo XVIII)
INTRODUCCIÓN
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La música y sobre todo la melodía es sencilla, clara, simétrica, consonante,
alegre, bella y brillante, equilibrada y proporcionada, con frases de 8 compases
bien divididos, con mucha elegancia, utilizando mucho el modo mayor.
Aparece la estructura sonata con una exposición, desarrollo y reexposición, de 3
y 4 movimientos y la sinfonía como formas principales.
Los matices (dinámica) se colocan en la partitura. Aparecen los reguladores.
Los sentimientos que se expresan son los que el artista siente en ese momento,
por lo tanto éste comienza a independizarse y a vivir de sus composiciones.
Se establecen normas fijas a la hora de componer y se da forma a la obra.
Aparece el piano-forte como instrumento muy importante de solista. Inventado
por Cristófori.
El director de orquesta ya no toca ningún instrumento, sólo se limita a dirigir.
La música vocal y la ópera sufren cambios, el coro toma más importancia y se
reforman los libretos, cuidando las cualidades dramáticas.
INSTRUMENTOS MUSICALES
Desaparece el Clave y aparecen el piano-forte, la trompa y el clarinete.
LA ORQUESTA CLÁSICA
Se amplía el número de instrumentos de cuerda para poder interpretar la gran forma de
sinfonía. Diez violines primeros, diez segundos, ocho violas, seis violonchelos y cuatro
contrabajos, aparte de los dos clarinetes y dos trompas en la familia de viento.
LA SONATA
Ya existía en el Barroco, pero cambia en el Clasicismo, con una forma muy estricta que
debe seguir el músico. Puede ser de 3 ó 4 movimientos (tripartita o cuatripartita).
PRIMER MOVIMIENTO: Allegro: A (exposición: tema 1, puente, tema 2)
B (desarrollo)
A´ (reexposición: tema 1, puente, tema 2)
SEGUNDO MOVIMIENTO: Adagio: forma ternaria: A B A
TERCER MOVIMIENTO: Minuetto o Scherzo: A (minuetto) B (trío) A´ (minueto).
Mozart realizó Minuettos y Beethoven Scherzos.
CUARTO MOVIMIENTO: Presto: como el primer movimiento o forma rondó
(ABACADA)
LA SINFONÍA
Es una gran sonata para orquesta, con los cuatro movimientos pero mucho más
completa y de más larga duración.
COMPOSITORES
FRANCISCO JOSÉ HAYDN (1732-1809)
Austriaco, nació en una familia humilde, recibe las primeras lecciones del maestro de su
pueblo, fue un niño cantor de la Catedral de Viena, se le conoce como “papá Haydn”
por su carácter alegre y sencillo, fue amigo de Mozart. Su música es alegre, ingenua,
hecha con gracia y mucho humor, sencilla y fácil, con frases cortas y claras, emplea
mucho el tema con variaciones. Funda los cuartetos de cuerda, juega mucho con los
contrastes de dinámica (matices). Se le considera el padre de la sinfonía.Trabajó muchos
años para una familia burguesa y noble (príncipes).
WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791)
Austriaco, estudia música con su padre, fue niño prodigio, desde los 4 ó 5 años daba
conciertos de violín y piano, a los 10 años ya escribe un cuento musical “Bastián y
Bastiana” y a esa edad ya era un gran improvisador. Siempre está rodeado de mucha
intriga y envidias. Su música es perfección, limpieza, alegría, claridad, espontánea,
compone todos los géneros, desde lo religioso hasta la ópera. Escucha mucha música de
otros compositores. Nunca hizo tachones ni borrones en la partitura. Fue el primero en
introducir el clarinete en la orquesta. Tenía los dedos muy pequeños, por eso tocaba tan
rápido. Sus sonatas son de tres movimientos. Con Mozart aparecen las primeras
indicaciones de matices escritas. Le interesa mucho el piano-forte por la dinámica, liga
los sonidos, es expresivo y transmite emociones. Coloca muchas articulaciones en la
partitura como ligados, picados y se preocupa mucho por la estructura. Su música está
entre seria y cómica, no le interesa el virtuosismo, mezcla la tristeza y la alegría, es
transparente, cantábile, expresiva, con muchas ideas espontáneas, su timbre es moderno,
ya que se arriesga con instrumentos nuevos. Siempre vive pobremente, en la última
etapa de su vida le va tan mal personalmente y económicamente que se refleja en su
música, se volvió oscura, con disonancias, cromatismos y al público no le gustó.
Cuando estaba trabajando en el Réquiem, muere. Fue llevado casi en solitario al
cementerio de Viena y enterrado en una fosa común, con 35 años.
LUDWING VANG BEETHOVEN (1770-1827)
Alemán, no fue niño prodigio pero estudia mucho para ser un segundo Mozart. Fue
alumno de Haydn y Mozart. Padeció una grave enfermedad, la sordera, hasta su muerte,
esto se expresa mucho en su música. Fue un artista libre, no hacía caso a las normas
musicales y vivía de la venta de sus obras. Tiene tres etapas: en la primera se dedica al
piano, en la segunda compone más sinfonías y conciertos, y en la tercera etapa se
adentra en el romanticismo. No crea nada nuevo de formas musicales, pero si amplia las
que ya existen. Cambia el minué por el Scherzo (tercer movimiento de la sonata). Sus
sonatas son de cuatro movimientos. Hace muchos tachones y borrones en las partituras.
Convierte al piano en el rey de la música, ampliando su técnica y su capacidad
expresiva. Introduce en la orquesta el contrafagot, trombones, flautín, y enriquece la
percusión. Las sinfonías con Beethoven llegan a su cumbre, compone 9. Tiene mucho
carácter, los F son muy fuertes y los P son muy suaves. Es muy apasionado, rebelde,
con muchos cambios de humor, y todo esto se refleja en su música.
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Gluck.
Sammartini.
Arriaga.
Clementi.
TEMA 6: EL ROMANTICISMO ( siglo XIX)
INTRODUCCIÓN
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Surge el mayor número de genios musicales.
El músico se siente más libre, busca más el contenido que la forma, expresa sus
sentimientos a un público más numeroso que cultiva la música.
Se usa ricas modulaciones, armonías, cromatismos y disonancias. La melodía es
más apasionada y lírica, con rubatos.
La orquesta crece mucho, sobre todo en la sección de viento, se usa una textura
compleja y densa.
El piano-forte se perfecciona y se le llamará piano. Instrumento de cuerda
pulsada por unos macillos, tiene más octavas que el piano-forte. Su sonido el
más brillante, hace matices de forma regulada, o sea que es más expresivo,
sonoro y con un gran perfeccionamiento y progreso técnico.
Se compone mucha música para piano.
Aparece la forma lied, significa canción en alemán, es una composición breve en
la que se pone música a una poesía, logrando la unión entre ambas, piano y voz.
Se perfecciona la figura del director de orquesta, con la mano derecha dirige
llevando el compás con la batuta, con la mano izquierda hace los matices y da la
entrada de los instrumentos.
Aparecen muchos virtuosos del piano y el violín.
Se perfecciona la sinfonía orquestal.
Aparece el verismo: tipo de ópera de finales del siglo XIX en la que se pretende
pintar y exponer la realidad tal como es, los protagonistas son gente humilde, la
orquestación es muy rica y compleja y las melodías son de gran belleza y fuerza
expresiva.
Aparece el metrónomo, patentado por Maelzel en 1819, marca la velocidad o
tiempo real de una obra, consiste en un péndulo que da un número determinado
de golpes por minuto, según la colocación del contapeso.
INSTRUMENTOS MUSICALES
En general crece el número de instrumentos en la orquesta en cantidad. Aparecen la
flauta píccolo, el contrafagot, el corno inglés, el clarinete bajo y el saxofón. En la
percusión hay 4 timbales, el gong, el bombo, el vibráfono y el carillón.
FORMAS MUSICALES
PIANÍSTICAS
Obras caracterizadas por ser muy libres, donde el músico se expresa como quiere,
siguiendo su inspiración, compuesta de varias formas: ABA, AB, ABC, AA, etc.
Reciben varios nombre: nocturno (íntima y sentimental), impromptu (improvisado),
estudios (pretende dominar la dificultad de interpretación del piano), balada (lírica y
melancólica), polonesa (danza de origen polaco, de ritmo majestuoso y guerrero),
mazurca (danza de origen polaco, de ritmo moderado, de origen popular que luego pasa
a formar parte del repertorio culto), polca (de origen checo), el poema (composición
orquestal, de un tiempo con elementos poéticos y descriptivos).
La música programática es un tipo de música sinfónica que sigue un tema o programa
literario o artístico que, en general inspira la obra.
COMPOSITORES
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Fréderic Chopin.
Robert Schumann.
Franz Liszt.
Félix Mendelssohn.
Franz Schubert.
J. Brahms.
Héctor Berlioz.
Rossini.
Puccini.
R. Wagner.
Verdi.
TEMA 7: EL NACIONALISMO Y EL IMPRESIONISMO
(tránsito del siglo XIX al siglo XX)
INTRODUCCIÓN
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Su música se centra en la danza y la canción folclórica, con lenguajes nuevos,
usando escalas, armonías y asuntos diferentes, busca la esencia del pueblo a
través del folclore, la música propia.
En Rusia aparece el grupo de los cinco: Cui, Balakirev, Rimski-Korsakov,
Mussorgski y Borodin.
Peter Llich Tchaikovski compone 6 sinfonías. Famoso por la música para ballets
como el cascanueces y el lago de los cisnes.
Sergei Rachmaninoff compone conciertos para piano muy sentimentales.
Compositores famosos fueron Mahler, Grieg, Sibelius, Bela Bartok, etc.
En España tuvo una gran fuerza, aparecen grandes compositores nacionalistas
que llevan su música inspirada en el folclore musical español a lo más alto:
Felipe Pedrell, Isaac Albéniz, Enrique Granados, Tomás Bretón, Ruperto Chapí,
J. Turina, Manuel de Falla, Bizet, Tárrega, etc.
El Nacionalismo transforma la música: falta de cadencias, la melodía no se
define mayor o menor, se usan escalas orientales, pentatónicas, con muchas
disonancias sin resolver.
Los compositores más famosos son Claude Debussy, Maurice Ravel, Igor
Stravinski, Arnold Schónberg, etc.
Aparece el dodecafonismo, escala de doce sonidos con cromatismos y
disonancias.
Se amplía muchísimo la sección de percusión en la orquesta sinfónica.
TEMA 8: MÚSCIA CONTEMPORÁNEA (siglos XX y XXI)
INTRODUCCIÓN
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Música concreta: parte de sonidos existentes en el mundo, es decir, de
cualquier objeto. Se usa mucho en los dibujos animados y anuncios
publicitarios. Compositores: Pierre Schaeffer, Pierre Henry, etc.
Música electrónica: es la que utiliza solamente sonidos producidos
electrónicamente a través de sintetizadores (teclados eléctricos, inventado por
Robert Moog en 1963). Compositor: Karlheinz Stockhausen.
El serialismo integral: se ordenan todos los elementos sonoros: ritmos, timbres,
intensidades, etc. en una serie de sonidos compuesta según el sistema
dodecafónico. Compositores: Oliver Messiaen, Boulez, etc.
Música aleatoria: el autor no escribe o determina totalmente lo que hay que
tocar, sino que los músicos, en el momento de ejecutarla, tienen que inventar
nuevas realidades o completar la partitura. Compositores: John Cage,
Penderecki, etc.
El minimalismo: Búsqueda del público, música sencilla y directa, ritmos
repetitivos y auditivos. Compositores: Young, Reich, Philip Glass, etc. Múscia
comercial.
La vanguardia: unión de diferentes estilos y formas musicales europeos.
Compositores: Barce, Halffter, Antón García Abril, etc.
Aparecen nuevos sistemas de escritura musical. Por una parte, la música
electrónica no necesita notas, sino otros signos distintos, sin compás: puntos,
rayas, líneas, círculos, etc.
Aparece la radio y la televisión.
Se crea una fusión de estilos.
Aparecen los cantautores: músicos que expresan sus sentimientos con la voz y
un instrumento, generalmente guitarra o piano.
Aparecen programas de composición para ordenador, dónde cualquier persona,
músico profesional o aficionado puede componer sin saber el lenguaje musical.
Se introduce en Europa el estilo latinoamericano y los bailes de salón.
Aparecen los musicales: música, danza y coreografía. Compositor famoso,
Webber.
Se introduce la música góspel en Europa: significa “llamada de Dios”, música
espiritual o evangélica, religiosa, surge en las iglesias afroamericanas, de
carácter ligero, cantada por un coro con grandes voces profundas y de gran
armonía. Se acompaña con palmas y movimientos rítmicos por parte de los
coristas.
EL CINE Y LA MÚSICA
Aparecen las bandas sonoras con el fin de producir una atmósfera especial, completar la
evocación de un lugar, época o período, construir un suspense en una escena, enfatizar
una emoción: tristeza, alegría, odio, miedo, pasión, amor, etc. Describir un personaje, su
estado de ánimo, pensamientos, etc. Para todo esto, el compositor primero conoce la
película, luego decide qué tipo de música necesita y en qué momento la va a utilizar.
En 1920 aparecen los primeros estudios cinematográficos.
Cada vez se va imponiendo más la filmación en vídeo digital, que ahorra tiempo y
película.
Compositores: John Williams (la guerra de las galaxias, E.T., Supermán, Tiburón, etc.).
Ennio Morricone (la misión, el Padrino, etc.). John Barry (King Kong). Leitmotiv (la
pantera rosa).