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Avda. Primero de Mayo, s/n
30006 Murcia
DOSSIER DE PRENSA
PROGRAMACIÓN AUDITORIO
OTRAS MÚSICAS
SEPTIEMBRE OCTUBRE NOVIEMBRE DICIEMBRE
2008
MURCIA CULTURAL, S. A. Avda. Primero de Mayo, s/n, Edificio Auditorio y Centro de Congresos - 30006 Murcia
C.I.F. A-30262596 – Registro Mercantil de Murcia, hoja 1309, folio 59, tomo 61, inscripción 1ª
Teléfono (+34) 968 341060. Fax (+34) 968 342968 – www.auditoriomurcia.org
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SÁBADO 6 DE SEPTIEMBRE ……21.30 horas
Sala Narciso Yepes
En concierto
JEFF TWEEDY
Localidad: 25 €
DOMINGO 5 DE OCTUBRE…....21.30 horas
Sala Audio
En concierto
NAJWAJEAN
presenta “Till It Breaks”
Localidad: 18 €
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SÁBADO 18 DE OCTUBRE…....21.30 horas
Sala Audio
En concierto
ANI DIFRANCO
Artista invitada: Anais Mitchell
Localidad: 20 €
SÁBADO 1 DE NOVIEMBRE…....21.30 horas
Sala “ Narciso Yepes”
En concierto
AL GREEN
presenta “Lay It Down”
Localidad: 38 €
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MARTES 4 DE NOVIEMBRE…....21.30 horas
Sala “Audio”
En concierto
JOAN AS POLICE WOMAN
presenta su último trabajo
“To Survive”
Localidad: 15 €
SÁBADO 8 DE NOVIEMBRE…....21.30 horas
Sala “Audio”
En concierto
HERCULES AND LOVE AFFAIR
Live band featuring Kim Ann, Nomi, Jason, Carter,
Guy, Morgan, Andrew & Andy
Localidad: 18 €
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VIERNES 28 DE NOVIEMBRE…....21.30 horas
Sala “Audio”
En concierto
THE RUMBLE STRIPS
Localidad: 12 €
SABADO 29 DE NOVIEMBRE…....21.30 horas
Sala “Miguel Angel Clares”
En concierto
JOSELE SANTIAGO
y sus Menudencias
presenta “ Loco Encontrao”
Localidad: 15 €
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SÁBADO 6 DE DICIEMBRE…....21.30 horas
Sala “Miguel Angel Clares”
En concierto
RON SEXSMITH
presenta
“Exit Strategy of the Soul”
Localidad: 12 €
JUEVES 11 DE DICIEMBRE…....21.30 horas
Sala “Narciso Yepes”
En concierto
ENRIQUE MORENTE
en “PABLO DE MÁLAGA”
Localidad: 35 €
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SÁBADO 13 DE DICIEMBRE…....21.30 horas
Sala “Miguel Angel Clares”
En concierto
LYDIA LUNCH
Localidad: 15 €
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JEFF TWEEDY
El líder de Wilco, Jeff Tweedy actúa mañana en Murcia, 6 de septiembre, finalizando su
gira española. Una buena oportunidad para disfrutar en tonos acústicos de uno de los
músicos más destacados de su generación. Un artista completo, original, hiperactivo y
angustiado. Sus inicios son como los de Dylan, Springsteen o cualquier otro héroe de la
tradición americana. Le regalan una guitarra a los seis años, a los ocho la domina y con
doce entra a formar parte como bajista de su primera banda. Ya había entrado en él su
gran vicio. Luego vinieron los tiempos de Uncle Tupelo (1984-94), una de las
formaciones pioneras del alternative country. Luego discusiones y diferencias con el
líder de la banda le lleva a la independencia de Wilco (contractura militar que significa
nosotros cumpliremos), donde por fin Tweedy toma el mando. Las entradas para ver a
Tweedy cuestan 25 Euros. El concierto será en la sala Narciso Yepes del Auditorio y
Centro de Congresos Víctor Villegas, de la Región de Murcia.
Wilco explotó, dio un pelotazo clave para el resurgir la tradición americana reformada y
puesta al día. Tras diez años con Uncle Tupelo, Tweedy revoluciona su propio sonido
con los primeros discos de Wilco. Álbumes tan sorprendentes como novedosos y llenos
de experimentación. Being there(1996), Yankee hotel foxtrot(2002) o A ghost is born
(Grammy al mejor disco de música alternativa en 2004), son piezas que ilustran la
nueva vuelta de tuerca que quiere dar esta banda. Pero Tweedy no se quedó ahí. Tras
pasar por una clínica de rehabilitación para tratarse de una adicción a los calmantes,
sufre fuertes migrañas desde la infancia, se sumerge en la historia para, juntó a Billy
Bragg, poner música a las canciones inacababas de Woody Guthrie, el primer cantante
protesta americano. Por esos años se estrena en la paternidad, uno de los hechos que
más ha cambiado su vida. Sus dos hijos preadolescentes ya tuvieron la oportunidad de
compartir cartel con su padre en el festival de Lollapalooza en 2006.
Entre tantas canciones, giras, compromisos y obligaciones, Jeff escribe, como Jim
Morrison, su propio libro de poesía. Adult head es una atormentada pero hipnótica
visión de su mundo interior, sus pesadillas y la depresión y ansiedad que padece el
cantante. Este hombre además mantiene proyectos paralelos con otras bandas con las
que ha sacado algún disco, e incluso llegado a girar como Golden Smog o Loose Fur.
Pero cuando el calendario se lo permite, cuando no graba, cuando su mujer Sue y sus
dos niños se lo consienten, a Jeff lo que realmente le gusta es salir de gira solo y llenar
a guitarra un escenario. Y eso es lo que estará haciendo mañana en Murcia, disfrutar de
su vicio oculto.
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NAJWAJEAN
Diez años después de su primer disco, Najwajean regresa con su nuevo álbum Till It
Breaks que se publica el 1 de abril. El disco “mira al rock” y marca un cambio radical en
la música de la banda liderada por Najwa Nimri y Carlos Jean
El 1 de abril de 2008 se publica Till It Breaks, el nuevo álbum de Najwajean. Han
pasado diez años desde que Najwa Nimri y Carlos Jean unieron sus fuerzas para crear
No Blood, uno de los discos que marcaron tendencia en el final del siglo XX y acaparó
multitud de premios. Después, la separación. Dos álbumes de bandas sonoras firmados
por Najwajean para las películas Guerreros y Asfalto apenas pudieron llenar el vacío de
un deseado segundo disco. Ahora, después de una década, llega Till It Breaks, un
álbum sorprendente, diferente y con mucha música dentro. Es el regreso de Najwajean,
esperado con una expectación similar al magnífico regusto que, hace una década, dejó
No Blood.
“Tras el primer disco, Carlos comenzó a producir a todo el mundo y la vuelta ha sido
sabiendo los dos muchas cosas”, dice Najwa. “Ha sido fuerte, con mucho respeto.
Nuestra intensidad musical es muy grande y el proceso fue emocionante e intenso.
Hemos llorado, hemos reído, nos hemos emborrachado..., y nos hemos reconciliado
tras el distanciamiento”. Para Carlos, volver a trabajar con Najwa también ha sido una
alegría: “Para mí, el reencuentro ha sido igual de importante. El amor siempre ha
perdurado. Con Najwa encuentro cosas que no consigo yo solo. Saco más cosas de mí.
Musicalmente, Najwajean es lo más importante, supera mis discos en solitario”
La unión de Najwa Nimri y Carlos Jean es la de dos artistas potentes y carismáticos.
Juntos publicaron como Najwajean el emblemático No Blood en 1998, álbum que se ha
convertido en referencial, calificado como “uno de los mejores discos de música
electrónica de la historia de este país”. Antes había lanzado tres singles (Like Those
Roses, I’m Gonna Be (500 Miles) y Garota de Ipanema) y después las bandas sonoras
de las películas de Daniel Calparsoro Guerreros (2002) y Asfalto (2000), ésta junto a
Mastretta. Una obra que consiguió aplauso y respeto, lo que no impidió que Najwajean
se dividiese en dos carreras individuales igualmente magníficas.
Como cantante y compositora, Najwa (su nombre significa “éxtasis” en árabe, el idioma
de su padre de origen jordano) comenzó en los grupos Respect y Clan Club, cantando
soul y jazz. Ha publicado tres álbumes en solitario: Walkabout (2006), que es Disco de
Oro, Mayday (2003) y Carefully (2001). Como actriz, desde que en 1995 apareció con
fuerza como protagonista de Salto al vacío (de Daniel Calparsoro) a su reciente
Mataharis (de Icíar Bollaín), ha trabajado en 22 películas, entre ellas Abre los ojos
(Alejando Amenábar), Oviedo Express (Gonzalo Suárez), Lucía y el sexo (Julio
Médem), Guerreros (Daniel Calparsoro) y Los amantes del círculo polar (Julio Médem),
con la que consiguió el Ondas a la mejor actriz en 1998.
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De padre haitiano, Carlos Jean también se estrenó discográficamente con No Blood.
Después publicó tres álbumes en solitario: Mr. Miracle (2006), Back to the Earth (2002)
y Planet Jean (2000). Para confirmar el paralelismo de sus carreras, a la importante
actividad cinematográfica de Najwa, Carlos aporta otra como productor no menos
brillante. Con un Ondas al mejor DJ remezclador musical en el 2002 y dos
nominaciones a los Grammy, su éxito como productor de Bebe no necesita
comentarios. Además, entre muchos otros artistas, ha trabajado con Bunbury, Fangoria,
Alejandro Sanz, Miguel Bosé, Presuntos Implicados y, recientemente, con el colombiano
Cabas.
Y tras la división, la suma que tiene como resultado Till It Breaes. “Es un disco
poderoso, con mucha fuerza. Yo me mantengo en el lado oscuro y Carlos saca la
potencia, la parte rítmica”, dice Najwa para que complete Carlos: “Nos pusimos a
trabajar con la guitarra, con el bajo, con el teclado y fuimos montando las canciones.
Najwa tiene las letras, a veces la melodía para cantar cosas que salen de ella. Sale de
los dos, de una manera muy simbiótica. La magia surge”.
Till It Breaks marca un cambio de rumbo radical en la música de Najwajean. Fuera la
ortodoxia. “Es un disco que mira al rock porque queríamos un disco que sonase a
banda. He cantado en directo, junto a los músicos. Las canciones han salido en tres
tomas como máximo. Las letras tienen mala baba. Hablan de Carlos, de chicos
imaginarios, de mi hijo... Alguna es bastante onírica, del tipo “nosotros contra el mundo”;
otra es un canto al aire antibélico, o sobre la sociedad enferma. Nunca hablando sobre
las cosas claramente, siempre con metáforas, como en un cuento. Tienen carga
sensual y mala leche, con cierto sentido oscuro que intenta salir afuera”, dice Najwa.
Para Carlos, el álbum “está en la frontera de la oscuridad. Es totalmente distinto de todo
lo que he hecho. De repente, encontramos que queríamos hacer ésto, llegando a lo
máximo que podemos. Creo que hemos vuelto a hacer algo original y distinto en este
país”.
Till It Breaks es un disco admirable por inesperado. La voz grave, sensual y misteriosa
de Najwa Nimri vuela a sus anchas sobre una música potente, enérgica, rock
contemporáneo. La banda formada por Najwa Nimri (voz), Carlos Jean
(multiinstrumentos), Javi Pedreira (guitarra eléctrica), Jacob Reguilón (bajo y
contrabajo), Raúl Quílez (teclados) y Carlos Gamón (batería) trabaja con libertad,
manteniendo la personalidad de cada músico, que es mucha. Por ésto, Till It Breaks es
un álbum que tiene atmósfera, emoción, texturas. Sorpresa. Es lo nuevo de Najwajean.
Un feliz reencuentro para todos que tiene una fecha para la cita: el 1 de abril espera Till
It Breaks.
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ANI DIFRANCO
Ani DiFranco (nacida Angela Marie Difranco, el 23 de septiembre de 1970) es una
cantante progresiva estadounidense. Nació en Buffalo, Nueva York, hija de padres
amantes de la música folk y comenzó su carrera musical a la edad de nueve años,
cuando su profesor de guitarra le ayudó a realizar su primer concierto -- sobre versiones
de los Beatles -- en un bar de la zona.
Sus gustos iniciales estaban influenciados por Suzanne Vega y Michelle Shocked pero
pronto abandonó la música para estudiar ballet, aunque a los 14 años regresó a la
guitarra y la composición. Un año después abandonó su hogar para vivir en casas de
amigos hasta que comenzó a forjarse un nombre en el circuito de bandas de Buffalo. En
1989, a la edad de dieciocho años, fundó su propio sello musical Righteous Babe
Records con apenas $50 y grabó Ani DiFranco, que fue lanzado en 1990. Más tarde se
mudó a Nueva York y realizó numerosas giras.
Actualmente tiene su propio sello musical, Righteous Babe Records fundado en 1990,
donde ha publicado la mayoría de sus canciones -- con 19 años ya había compuesto
más de 100 temas -- hasta la fecha. Su aspecto es una mezcla de estilos, una especie
de cantautora punk-folk, con tatuajes y piercings y una gran sensibilidad en sus
composiciones al piano o la guitarra. Es abiertamente bisexual, y en 1998 se casó con
su ingeniero de sonido, Andrew Gilchrist. Se separaron cinco años más tarde pero
siguen siendo amigos.
Algunas de sus canciones más recientes hablan de la idea de tener que elegir entre una
vida o la otra. En general, gran parte de su trabajo es autobiográfico, manteniendo la
tradición de líricas personales de los cantautores. También es un discurso politizado,
comprometido con temas contemporáneos como el racismo, el sexismo o el abuso
sexual, la homofobia, los derechos reproductivos, la pobreza y la guerra. La
combinación de estas dos características es parcialmente responsable de su temprana
popularidad en los círculos universitarios, algunos de los cuales armaron páginas en la
web en una fecha tan temprana como [1994]]. A causa de su rápida popularidad a
mediados de los 90 --- una popularidad alimentada del boca a boca, no acompañada
por las herramientas de difusión de las grandes compañías --- sus fans muchas veces
manifiestan un sentimiento de comunidad entre ellos. A medida que DiFranco se ha
hecho conocida por el público general, la fuerza con que sus fans se identifican con esa
comunidad ha decrecido.
Difranco también ha abrazado posiciones políticas concretas más allá de sus letras.
Durante las elecciones presidenciales del año 2000 en EEUU, manifestó su apoyo a
Ralph Nader y al candidato Dennis Kucinich en las elecciones primarias del 2004. Ha
cosechado una cohorte de admiradores en todo el mundo, entre ellos otro mítico
cantante y multi instrumentista conocido por su ambigüedad, Prince, también natural de
Buffalo, del que ha versionado varios temas, entre ellos el famoso Purple Rain.
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Muchas personas han notado un marcado estilo de staccato en el trabajo de DiFranco.
Otro aspecto importante es su virtuosismo en punteo rápido y su habilidad en general
en la guitarra acústica ---notable en la canción Out of Range, apareciendo en el álbum
homónimo. Sus letras también han recibido alabanzas por su sofisticación: aliteración y
juegos de palabras en general son un componente importante, y una ironía más o
menos leve llena muchas de sus canciones ---especialmente esas que están en la
intersección entre lo personal y lo político. Es conocida por su descriptivo uso de la
metáfora. Lee mucha de sus líneas en un estilo hablado notorio por su variación rítmica.
La canción Talking' Ani DiFranco's Mom Blues, un blues hablado de Dan Bern, une
algunas de las líneas más notables de la carrera temprana de DiFranco.
Su música ha sido clasificada como folk rock y rock alternativo, pero desde sus álbums
más tempranos ha cruzado entre géneros, habiendo colaborado con una gran variedad
de artistas incluyendo el músico de pop Prince, el músico folk Utah Phillips, y el rapero
Corey Parker. En varias canciones y álbums ella ha usado una variedad de
instrumentos así como estilos ---como instrumentos de viento, notablemente en Little
Plastic Castle de 1998 y cuerdas, particularmente notables en el álbum en vivo Living
ing Clip y su última grabación de estudio, Knuckle Down.
Citas de DiFranco hablando en Pavement Studio, revista de arte: "La música folk no es
una guitarra acústica. No es ahí donde esta el corazón del asunto. Yo uso la palabra
'folk' en referencia al punk y el rap. Es una actitud, es ser consciente de las herencias
de uno, y es una comunidad. Es música subcorporativa que da voz a diferentes
comunidades y su batalla contra la autoridad." "La gente me ha estado pidiendo
personalmente, por ejemplo, un libro de poesía durante mucho tiempo. Así que estoy
pensando en escribir un libro de poesía. Pero es aún acerca de mí, yo lo que realmente
quiero hacer pronto es una especie de documental". "Quiero hacer una película acerca
de la música folk vista desde el punto de vista de los festivales de folk. He pasado
tantos años en ellos. Hay una increíble riqueza de música a la que el público general no
está expuesto, punto. Es una extraña mezcla de hippie y mostacillas y están todos en
un campo, agitando los brazos, y mientras tanto la música que ocurre en el escenario es
toda... es realmente increíble, la música folk, y roots y world."
DiFranco es una escritora prolífica, habiendo producido tres álbums de estudio de
material nuevo y un álbum de remezclas sólo en 1999. Ha lanzado al menos un álbum
al año desde 1990, excepto en 2000 (tal vez porque había lanzado tres álbums en el
año 1999 y un álbum doble en 2001).
El éxito de su sello discográfico, Righteous Babe Records (RBR), es también notable.
Ser dueña de RBR le da a DiFranco una gran libertad artística, incluyendo la habilidad
de lanzar tanto y tan seguido como lo ha hecho, y la posibilidad de incluir material y
lenguaje controvertidos. Referencias a su independencia de las grandes productoras
aparecen ocasionalmente en sus canciones, muy notablemente en The Million You
Never Made, que discute el acto de rechazar un contrato luctrativo, The Next Big Thing,
una canción del temprano Not So Soft que describe una reunión imaginaria con un
cazador de un sello que evalúa a la cantante basándose en su aspecto y Napoleon, en
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el álbum Dilate, que simpatiza sarcásticamente con una amiga que sí firmó con un sello
discográfico.
DiFranco se ha unido ocasionalmente con Prince a discutir públicamente los problemas
asociados con las grandes compañías discográficas. DiFranco esta orgullosa de su
sello, que contrata a gente de su pueblo natal Buffalo. En una carta abierta a Ms.
magazine de 1997 ella expresó desagrado frente a que lo que ella ve como una forma
de asegurar su libertad artística, sea visto por otros sólo en términos de éxito financiero.
Educated Guess, fue lanzado el 20 de enero, 2004. De acuerdo con el sitio web de
RBR, "desde el lanzamiento del segundo álbum en 1991 nunca ha actuado Ani tan sola
como lo ha hecho en Educated Guess.". La única otra persona involucrada en el disco
fue Greg Calbi, que lo masterizó. DiFranco tocó todos los instrumentos e hizo todas las
grabaciones sola en su casa, y tuvo que ver con gran parte del arte y diseño de tapa.
Un nuevo álbum, Knuckle Down, fue lanzado el 25 de enero, 2005. El 22 de julio de
[2005]] RBR anunció por e-mail que DiFranco sufre de tendinitis y va a tomar un
descanso de un año de sus giras, volviendo a las rutas en el verano de 2006. DiFranco
ha estado de gira casi constantemente en los últimos 15 años, tomando breves pausas
para grabar álbums de estudio. Su tour de 2005 terminó con una aparición en el festival
de World Music y cruza de géneros FloydFest en Floyd, Virginia.
La cantante y compositora Ani DiFranco lanzará en septiembre su nueva producción, la
número 20 de su carrera, que llevará por título Red Letter Year, como siempre a través
de su propia casa discográfica Righteous Babe Records. Este nuevo trabajo, producido
por Mike Napolitano, es la número 20 en una carrera de 18 años en la que ha
demostrado ser una de las compositoras y cantantes más importantes de la música folk,
además de mostrar lo que verdaderamente significa ser una artista independiente.
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AL GREEN
La extraordinaria voz de Al Green se dio a conocer al mundo a través de una serie de
éxitos legendarios a principios de los 70, clásicos cómo “Tired of Being Alone”, “Let’s
Stay Together”, “I can’t Get Next to You”, “I’m Still in Love with You”, “Call Me”, “Here I
Am”, “Let’s Get Married” y “Love and Happiness”. Grabado en Memphis con el productor
y arreglista Willie Mitchell en los Royal Recording Studios de Mitchell, esas canciones –
y los chillidos de falsete de Green, apasionados susurros, estáticos lloros y gritos
ahogados – están grabados en las mentes de los amantes de la música de todo el
mundo.
Para I Can’t Stop, el álbum de debut de Al Green con Blue Note Records, el dinámico e
inimitable cantante vuelve a ese sonido glorioso, alcanzando nuevas cotas en el
proceso. Las grabaciones marcan la histórica reunión de Green y Mitchell, juntándolos
por primera vez desde 1985, cuando grabaron el disco gospel He is the Light, y sólo la
segunda vez desde el Have a Good Time de 1976. Ese álbum llegó tras una
colaboración de ocho años que dio como resultado las grabaciones más apreciadas del
soul, editadas en el sello Hi Records de Mitchell, incluyendo Green is Blues (1970), Al
Green Gets Next to You (1972), Call Me y Livin’ for You (1973), Al Green Explores Your
Mind (1974), Al Green is Love (1975) y Full of Fire y Have a Good Time (1976).
En el nuevo álbum, Green y Mitchell vuelven a capturar el sonido único que crearon
hace tres décadas – una mezcla perfecta de soul de Memphis, gospel, blues, e inicios
del rock&roll. Para hacerlo, Green volvió a los estudios Royal de Mitchell para cantar en
la misma sala, con el mismo micrófono (Nº9, un micrófono ribbon de RCA reservado
para el uso exclusivo de Green) y con muchos de los músicos estelares que tocaban en
la sesión original de Hi Records.
“Era mágico”, dice Green de la colaboración. “Nos juntamos porque Willie dijo que
quería terminar una pintura. Dijo que teníamos que terminarla y firmarla”.
Según recuerda Mitchell, “Le dije a Al, ‘Te estás haciendo un poco viejo, así que
deberías quitar algo de música’”, dice con una carcajada. “Así que dijo, ‘A trabajar
entonces’, y comenzamos a escribir canciones”. Trabajaron durante tres semanas, coescribiendo ocho canciones en el estudio (con Al Penning cuatro más propias), y
grabaron varias sesiones durante marzo y abril del 2003 para conseguir las 12 pistas
que conforman I Can’t Stop.
“Esas sesiones fueron lo más supremo y sorprendente que he visto nunca”, dice
Lawrence “Boo” Mitchell, hijo de Willie y productor asociado del álbum. “Al un maestro
de su propia voz – andaba y bailaba por toda la cabina, pero aún así podías distinguir
perfectamente cada nota”.
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De hecho, I Can’t Stop demuestra que el dinamismo vocal de Green es tan poderoso
como siempre. Saca el espíritu pomposo de R&B de “Play to Win” y el ritmo soul de “I’ve
been Waitin’ on You” y eleva la pasión en “Million to One” y el imbuido por el pop “I’d
Still Choose You”. Busca el soul en los tempos más lentos del álbum, profundizando en
la preciosa “Rainin’ in My Heart”, suplicando sobre la estela de las cuerdas en “Not
Tonight” y flotando suavemente para hacer un swing fuerte a través del blues de
combustión lenta en “My Problem Is You”.
Para recrear ese sonido auténtico e inimitable de la Royal, Mitchell llamó a tantos de los
músicos originales como pudo, incluyendo estilistas como el guitarrista Mabon “Teenie”
Hodges, el bajista Leroy Hodges, los vocalistas Donna Rhodes, Charlie Chalmers y
Sandra Rhodes (ver especialmente “”My Problem Is You”), el saxofonista tenor Andrew
Love y el trombonista Jack Hale.
“Tienes que usar a la misma gente para conseguir ese sonido”, dice Green. “Cuando
tocan, suena bien. Así que los trajimos, se sentaron y lo hicieron”.
Green comenzó a cantar profesionalmente a los nueve años, cuando él y sus hermanos
formaron un cuarteto de gospel, el Greene Brothers, en su ciudad natal de Forest City,
Arkansas. (Green eliminó la “e” final de su apellido cuando comenzó en solitario).
Recorrieron los circuitos de gospel del sur, y luego por Michigan cuando la familia se
mudó a Grand Rapids. A los 16, Green formó un grupo pop, Al Greene and the
Creations, con amigos del instituto, y el grupo sacó un single, “Back Up Train”, en 1967
(bajo el nuevo nombre Al Greene and the Soul Mates) que se convirtió en nº5 en las
listas de R&B nacionales.
La histórica reunión de Green y Mitchell tuvo lugar en 1969, poco después de que
Green decidiera emprender su carrera en solitario. Mitchell – para entonces un
renombrado líder, arreglista y trompetista – contrató al joven cantante para encabezar
su banda para un concierto en Midland, Texas, y oyendo algo especial, se acercó a
Green tras el espectáculo. “Le dije ‘ven a Memphis y puedes ser una estrella’”, dice
Mitchell. “Al me preguntó, ‘¿Cuanto tiempo?’ y dije ‘dieciocho meses, llevará algo de
trabajo.’ Me dijo que no tenía tanto tiempo”, dice Mitchell riendo. Aunque Green lo
reconsideró rápidamente. “No tenía dinero”, dice Green, “así que le dije, ‘acerca de eso
de ser una estrella, si es eso lo que quieres hacer, muy bien – pero necesito quince mil
dólares”:
Mitchell le dio el dinero, firmo con Green para Hi Records y comenzó a grabarle en
Royal – arreglando, produciendo y llevando la ingeniería él mismo. Y lo más importante
es que Mitchell asesoró a Green, empujándole a encontrar su propia y genuina voz.
“Intentaba cantar como Jackie Wilson y Wilson Pickett y James Brown y Sam Cooke”,
dice Green acerca de sus comienzos. “Y Willie dijo ‘Canta como tu’. No sabía cómo era
eso, así que tuvimos que encontrar ese equilibrio”.
Llevó mucho tiempo encontrarlo”, añade Mitchell, “pero lo hicimos trabajando de las 11
de la mañana a las 2 de la madrugada cada día. ‘Can’t Get Next to You’ estaba cerca,
pero la primera fue ‘Tired of Being Alone’”.
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De hecho, Green y Mitchell colaboraron para dar forma a un sonido que define su propio
lugar en la música pop y R&B. Grabaron ocho discos que vendieron más de 20 millones
de copias por todo el mundo, trabajando juntos hasta 1976. Por aquel entonces, Green
cambió su enfoque hacia la música gospel, fundando su propia congregación en
Memphis – The Full Gospel Tabernacle, donde todavía predica regularmente – y
grabando una serie de álbumes que le han supuesto ocho Grammys en la categoría de
gospel.
Treinta años después, I Can’t Stop vuelve y actualiza ese sonido clásico de principios
de los 70. Los arreglos de viento y orquestación de cuerdas por parte de Mitchell y
Lester Snell van de un pavoneo a un suspiro, mientras la voz de Green está llena de
fuego y dulce fervor. “Su voz es como un instrumento”, dice Mitchell. “Puede hacer lo
que quiera con ella; es el mejor que he oído nunca”:
Hubo una temporada en la que parecía que Al Green se quedaría, para siempre,
grabando discos de gospel, hablando del Todopoderoso, tomando pastas con té en la
iglesia de su barrio, vistiendo túnica púrpura y despojado de sus gafas de sol. Sin
embargo, este ha sido el año de su regreso oficial a lo más alto del soul secular. Sus
últimos trabajos, todo sea dicho, ya apuntaban en esta dirección. En la novela de Nick
Hornby, 'Alta Fidelidad', su protagonista aseguraba que 'Al Green Explores Your Mind',
su disco de 1974, "era tan serio como la vida misma". En 2008, el reverendo Green ya
no es un chaval para desprender tanta seriedad. Pero con su último álbum, 'Lay It
Down', algunos han creído oír en su voz una vuelta a aquellos años maravillosos en los
que cada disco que sacaba parecía mejor que el anterior.
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JOAN AS POLICE WOMAN
Aún resumiéndola a unas pocas líneas, la carrera musical de Joan resulta apabullante.
Su recorrido comienza en The Dambuilders, pasa por Those Bastards Souls -banda en
la que participaban David Shouse (The Grithers) y Steven Drozd (Flaming Lips)-, y
Black Beetle, en esta última formación junto a Michael Tighe y Parker Kindred, ambos
antiguos compañeros de Jeff Buckley.
También podríamos hablar de otras numerosísimas colaboraciones, desde Scissor
Sisters a Nick Cavede Dave Gahan (Depeche Mode) a Sheryl Crowde Lou Reeda
SparklehorseO de sus participaciones en bandas como Shudder To Think, Sex Mob
(con quienes revisó en clave de jazz el "About a Boy" de Nirvana) o su proyecto Mind
Science of The Mind por citar sólo algunas. Pero su carrera en distintas formaciones
cambió radicalmente cuando su amigo Antony la invitó a formar parte de The Johnsons,
con los que trabajó hasta que otro colega ilustre, Rufus Wainwright, le animase a
realizar su proyecto en solitario y la invitase a abrir sus conciertos.
Nacía así su proyecto Joan As Police Woman. Después de editar el 7” "My Gurl" y un
EP con seis temas, llega el momento de debutar con el álbum Real Life. Su voz,
comparada a menudo con grandes como Dusty Springfield, Annette Peacock o Chrissie
Hynde, conduce unas composiciones que atraviesan el jazz, el pop y el soul sin que
podamos decir a ciencia cierta cómo se llama eso que estamos escuchando. ”Yo lo he
llamado alguna vez “punk rockR&B”, pero quizás “american soul music” sea un adjetivo
mejor”, confiesa la propia Joan, para quien su música es la unión de dos corrientes que
siempre le han influenciado: “el soul de Al Green, Nina Simone o Isaac Hayes y todo lo
que vino a raíz del punk, como The Smiths, The Grifters o Siouxsie”. Y si asegura que el
punk cambió su vida, en su música ha conseguido transformar su energía en algo
distinto.
Dos años después llega “To Survive”, segundo álbum y constatación de todo lo
apuntado en su presentación. Guiado por su personalísima y profunda voz, este nuevo
trabajo ahonda en su personal visión del rock de autor, acercándose por momentos al
soul o al folk, y siempre con la sensibilidad como faro. Diez nuevas composiciones,
entre las que se incluye “To America” a dúo con Rufus Wainwright, que presentará en
directo en nuestro país ante un público que, si no lo ha hecho ya, no podrá más que
caer rendido ante uno de los grandes talentos de esta década.
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HERCULES AND LOVE AFFAIR
Hercules and Love Affair son un genuino producto del underground neoyorquino. Sólo
en la subterránea escena de los clubes de la ciudad un músico veinteañero llegado de
Denver (Andy Butler) podría haber reunido para su proyecto a una enigmática cantante
transexual (Nomi), a una diseñadora de joyas y dj lesbiana hawaiana (Kim Ann
Foxmann), y a Antony Hegarty, cantante gay con voz de Nina Simone y aspecto entre
Divine y Falete, también conocido como cabeza visible de Antony and The Johnsons.
La polisexual formación, que uno imagina forjada en antros de moralidad relajada como
el de la película Shortbus, se beneficia de las muy especiales personalidades de cada
miembro. Suman doble, eso sí, la voz y la sensibilidad única de Antony, y el
sorprendente talento de Butler, que se revela como el desconocido que la música
electrónica de baile necesitaba para volver a brillar tras años de predominio del rock.
En su estreno discográfico, Butler se ha empleado a conciencia para recuperar la
euforia vivida en los primeros días del house en los clubes de Nueva York y Chicago de
mediados de los ochenta. Tiempos en que los temas de este género no eran
machachonas sucesiones de ritmos encaminados a mover a una audiencia
empastillada, sino canciones con letra y melodía que reivindicaban el amor, la libertad
sexual y el sentimiento de comunidad a través de la cultura del baile.
Con las enseñanzas de los pioneros de aquella época instaladas en su disco duro,
Hercules and Love Affair practica el equilibrio entre el espíritu hedonista y la querencia
por transmitir sentimientos complejos y sinceros. Quieren divertir, pero no cargan las
tintas en la ironía y el petardeo como unos Scissor Sisters; buscan algo más que el
puro entretenimiento, pero no adoptan las poses arty de The Rapture y otras bandas
del dance-punk de la Gran Manzana.
Al contrario que otros artistas de su sello, DFA, el Hercules and Love Affair prescinden
del rock en la construcción de su sonido, y están más ligados a la tradición del pop de
sintetizadores. Sin embargo, su primer trabajo tampoco se deja meter con facilidad en el
cajón de la música de baile: llenapistas como Blind o You belong se combinan con
impecables cortes lentos como Easy o Time will. Ni siquiera el tema sobre el que gira el
álbum cae en lo convencional: la obsesión por la mitología griega -los títulos de dos
canciones, Iris y Athene, son nombres de diosas- no suele aparecer en los
recopilatorios de tecno al uso.
Hercules and Love Affair se corona así como nuevo salvador del disco, y por su
originalidad, el debut de los neoyorquinos a buen seguro aparecerá en las listas de lo
mejor del 2008. Ya sólo queda rezar para que el proyecto no se rompa y siga
produciendo obras tan satisfactorias como ésta.
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THE RUMBLE STRIPS
Vientos de cambio. Ahora que son cientos los grupos de pop británico que buscan
convertirse en los nuevos The Libertines, Oasis, Joy Division o Blur, sorprende que, con
“Girls And Weather” (Universal UK), The Rumble Strips guiñen un ojo al pop y otro al
soul en la forma en la que lo hicieron hace años Dexy’s Midnight Runners. Que el
pelotón quede rezagado.
Que la escena británica ha dado en los últimos años un sinfín de formaciones a tener en
cuenta es algo que únicamente los más intransigentes o los militantes de causas
perdidas pueden negar. Los nombres se acumulan, los hit singles no dejan de sonar
aquí, allí y ahora. ¿Cuál es el problema entonces? Pues la aparición de centenares (qué
digo, de miles) de grupos que se contentan con sonar exactamente igual que todos sus
compañeros de generación. Cuando las escenas musicales andan revueltas y
sobreexcitadas acabamos tragando mucho paja entre el grano, pero también tenemos
la oportunidad de descubrir a más nombres a los que quizás no llegásemos en otra
coyuntura.
Entre ellos siempre puede haber una joya en bruto o un oasis en un mar de clones. The
Rumble Strips son uno de esas piedras preciosas (como bien demuestra “Girls And
Weather”, su arrebatador disco de debut) y también uno de esos oasis estilísticos. Son
muchos los álbumes que nos llegan desde las islas que nos pueden hacer disfrutar,
pero ninguno suena como “Girls And Weather”. The Rumble Strips no quieren saber
nada del rock bailable, del post punk a la británica, ni siquiera de la new rave. The
Rumble Strips funden con maestría el pop y el soul. No hace falta más que escuchar
sus grandes canciones (“Building A Boat”, “Girls And Boys In Love”, “Motorcycle”,
“Time”, “Clouds”) para descubrirlo. Para darle forma a “Girls And Weather”, los cuatro
miembros de The Rumble Strips se trasladaron durante un par de semanas a Los
Angeles y contaron con Tony Hoffer (Beck, Air, Fischerspooner, The Thrills) en los
controles.
“Grabar este disco nos ha ayudado a sentirnos una banda de verdad. Suena crudo y
sucio por un lado, y hasta épico por el otro, lo cual es exactamente lo que queríamos
conseguir desde que empezamos en esto”, me comenta Henry Clark, trompeta,
pianista, músico de sesión para grupos como Mystery Jets y el único de los miembros
de The Rumble Strips que antes no había formado parte de los desconocidos The
Action Heroes. “Lo dejaron porque era un mal momento para un grupo como ellos. A la
gente sólo le interesaba la dance music, y nadie se preocupó por descubrir lo buenos
que eran”. Aunque ese no fue el principio de todo. De hecho, los miembros de The
Rumble Strips se conocen desde prácticamente la infancia, cuando compartían
aficiones en la localidad de Tavistock. “Mi padre tenía un grupo y todos tocábamos con
él. Para ser honesto, nosotros no hemos cambiado demasiado desde que teníamos
trece años. Hacemos las mismas bromas, vestimos igual de mal. La única diferencia es
que ahora hay dos tipos en la banda que están casados”. Pero volvamos a cuestiones
musicales. Quizás lo que más sorprenda de The Rumble Strips es la vital importancia
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de las trompetas y los saxos en un sonido que carga en los vientos buena parte de las
melodías y de la rítmica de las canciones. ¿Una excelente idea para distanciarse del
pelotón? “Para ser honesto, decidimos usar vientos en nuestra música porque eran los
instrumentos que teníamos. Trompetas y cosas así. Tocábamos las canciones de la
mejor forma que podíamos. No nos sentamos nunca y dijimos ‘estaría bien que
pusiéramos vientos en esta pieza’.
Creo que fue más algo como ‘eh, he escrito esta canción. ¿Qué instrumentos sabemos
tocar?’. Al principio de todo ni siquiera teníamos bajo, porque Tom se encargaba del
saxo y Sam llegó más tarde. Sonaba todo muy extraño, pero muy personal. ¡Batería,
guitarra y una sección de vientos!”. No lo escondamos, suenan como unos Dexy’s
Midnight Runners actuales o, por poner ejemplos más cercanos, como unos Dogs Die In
Hot Cars más centrados y conocedores de sus posibilidades. Clark descubre su propio
punto de vista al respecto, y el de Kevin Rowland, cantante y cerebro de Dexy’s
Midnight Runners. “El otro día conocimos a Kevin. Había escuchado a mucha gente
comparar a The Rumble Strips con los Dexy’s, y nos dijo que él no podía ver el motivo.
Es cierto que usamos vientos y tocamos con mucha pasión, pero si te centras en las
canciones no creo que nos parezcamos tanto. Eso no significa que no seamos fans
suyos, me parecen geniales, pero me gustaría que la gente no se quedase con las
similitudes más obvias y viera que somos muy distintos. Nuestras raíces vienen más del
rock’n’roll, del doo wop o del soul”.
Lo que sí resulta evidente es que la música de The Rumble Strips provoca excitación,
busca que lo pasemos bien, que nos divirtamos y bailemos como se ha bailado a lo
largo de la historia del pop.“Eso ocurre porque durante años no grabamos discos. Lo
único que hacíamos era tocar y tocar en directo, con lo que nuestro principal interés era
que la gente se entretuviese y me alegro de que hayamos podido mantener eso en el
estudio”. Eso no impide que Charles Waller (ex miembro del grupo de rock’n’roll
cincuentas Vincent Vincent & The Villains; vocalista, guitarra y responsable de las
letras) se esfuerce por expresar sentimientos cercanos. La grandeza de sus textos
reside en esa capacidad por parecer extrañas y no serlo, por abrirnos su corazón
manteniendo la mayor parte de las veces una distancia irónica con lo que intenta
transmitir, por dibujar momentos o imágenes con las que cualquiera puede sentir
empatía, esas nubes que recuerdan a dos amantes y que el viento separa (“Clouds”),
esa maldad que se esconde tras “No Soul” o ese chico que sueña con una motocicleta
que cambiaría su vida (“Motorcycle”).
“Charlie tiene la capacidad de cantar sobre pequeñas cosas y que parezcan muy
importantes, pero no me preguntes cómo lo consigue. Siempre hemos querido crear un
gran contraste entre la música y el contenido de las letras. Cuando nos escuchas
piensas que somos alegres y optimistas, pero si te fijas en lo que cantamos descubres
que la mayoría son miserables”. Y nada de política. “Pues no, no es importante en
nuestra música”, sentencia de forma escueta. “Las letras de Charlie están influidas por
gente como Ray Davies, Lou Reed, Adam Ant y un montón de viejos artistas como Dion
& The Belmonts o Billy Ward & The Dominoes”. Antes de conseguir fichar con una
multinacional como Universal, The Rumble Strips salieron a la luz gracias a la
publicación de varios singles en vinilo y tirada limitada. Por ejemplo, Transgressive
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Records, la discográfica londinense que descubrió a Duels, Mystery Jets, The Young
Knives o incluso The Pipettes, lanzó una edición de “Motorcycle” y otra de “Hate Me
(You Do), ambas presentes en “Girls And Weather”. “Tuvimos mucha suerte de conocer
a Tim y Toby de Transgressive Records, unos tipos jóvenes y muy entusiastas.
Cumplen con todo lo que dicen, lo cual es extraño en la industria musical, y gracias a
ellos pudimos ir dando pasos adelante hasta que la multinacional se dio cuenta de que
existíamos”.
Lo que no sabremos nunca es que hubiera pasado si The Rumble Strips no hubieran
abandonado jamás la pequeña localidad en la que crecieron, para afincarse en la
amada y odiada ciudad de Londres. “Nunca nos hemos sentido cómodos en Londres.
Crecimos en Tavistock, y desde jóvenes hemos estado fuera de la escena londinense.
Cuando llegamos a la ciudad lo único que nos preocupaba era poder continuar
haciendo lo que queríamos con la esperanza de que la gente nos acabara descubriendo
algún día. Ahora que ya nos conocen, no saben dónde ubicarnos. De hecho, creo que ni
siquiera nosotros sabemos qué tipo de grupo somos exactamente”. Si disfrutar de “Girls
And Weather” no supone demasiado esfuerzo, tampoco cuesta demasiado dejarse
llevar por algunas de las versiones que han grabado hasta la fecha. En las caras B de
singles como “Motorcycle” o “Girls And Boys In Love” –que también han colado como
tema central del filme “Run, Fatboy, Run”- nos encontraremos con su interpretación de
piezas ajenas como “Back To Back” (Amy Winehouse) o “The Boys Are Back In Town”
(Thin Lizzy). “En el caso de Amy Winehouse, fue una propuesta de la discográfica.
Grabamos dos versiones. Una con Charlie cantando y la otra con la voz original de
Amy. Era un proyecto interesante y nos gustó hacerlo, gracias a eso hemos apreciado
su música. En cuanto a la de Thin Lizzy, siempre pensamos que esa canción
funcionaría bien con vientos. Ah, y súmale que nuestro tour manager es ¡el mayor fan
de Thin Lizzy del planeta!”. Veremos qué les depara el futuro, aunque las cosas pintan
más que bien. Este mismo mes publican “The Alarm Clock Ep” en América y Canada de
la mano de Kanine Records, que anteriormente ha publicado referencias de nombres
como Grizzly Bear, Oxford Collapse o Northern State.
En consecuencia, en unas semanas inician una gira por Estados Unidos, país cada día
más abierto a acoger a los nuevos artistas que se acercan desde las islas con las que
comparten idioma y les distancian un mar de acentos, y donde ya estuvieron para
actuar en el festival South By Southwest y para grabar su disco. “Es imposible imaginar
qué tal nos irá por América, pero lo único que espero es que haga mejor tiempo que
aquí. Los inviernos ingleses son una mierda”. Ahora, atendiendo a que “Girls And
Weather” no va a publicarse oficialmente en nuestro territorio, falta esperar a que
vuelvan a visitarnos. Y no creo que ese día se haga esperar demasiado después de su
experiencia madrileña de hace unos meses. “Honestamente, nuestro concierto en el
Club Nasti ha sido una de las mejores noches que hemos vivido. Ir a un sitio del que
nunca habíamos oído hablar y conseguir esa reacción fue increíble. Además hicimos
grandes amigos... Fue una locura”.
Autor: Joan S. Luna
Información: Aparecida el 14-11-2007 en la revista Mondosonoro
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JOSELE SANTIAGO
Sin desmentir su categoría de clásico, con un suntuoso color ocre luminoso, aroma
complejo, notas espaciadas y almizcladas y una poderosa estructura con elegantísimos
aromas y notas de madera noble bien integrada con la historia. Largo y persistente.
Una de las mejores expresiones del buen caldo tradicional.
Y usted podría preguntarse que de qué exquisito vino le hablo, y a usted se le
contestaría que del nuevo disco de Josele Santiago, “Loco encontrao”, uno de esos
trabajos que merece la pena abrir con el mimo, la excitación, con que se abre una
botella de gran reserva.
Josele Santiago (voz y guitarras), Luca Frasca (piano, órgano y acordeón), David Krahe
(guitarras), Pablo Novoa (guitarras), Javier Rojas (bajo) y Jorge Santos (batería) han
hecho el mejor disco de la carrera de Josele, que no es baladí. “Loco encontrao” es el
tercer disco de una carrera en solitario iniciada con “Las Golondrinas etcétera”
(Virgin/EMI 04), continuada con “Garabatos” (Virgin/EMI 06) y redondeada ahora con
esta maravilla.
Ya ha llovido -y se nota- desde la separación de Los Enemigos, aquella banda a la que
se le quedó corto lo del malditismo y en la que Josele toreó con dosis de mártir de rock
para terminar riéndose de todo y regalarle a la posteridad el haber sido con Enemigos
uno de los escritores con más pulso y mejor entendimiento del rock de guitarras del
país. Ahora, desde esta otra perspectiva con su nombre y apellido, va camino de repetir.
“Loco encontrao” fue grabado y mezclado durante la primavera del 2008 en los estudios
Cinearte de Madrid con exquisita mano por Pablo Novoa (que además es el compañero
de Josele en sus correrías acústicas), en un cuerdísimo ejercicio que discurre como un
afluyente del Misisippi (da gustazo oír el atinado curro de Luca Frasca a las teclas),
donde destaca por encima de todo esa voz de cavernosa sabiduría, plagada de
participios (derretío, sudao, tumbao, arrastrao, esconjondriao y así hasta ciento) en
unos textos templados de acidez y cordura.
Sumergirse en “Loco encontrao” es ser pez y ladrar. Que de eso hay: de aullidos, de
inmersiones. También picaras declaraciones de intenciones (“Loco encontrao” o
“Pescao”) y optimismo ante los cuatro días que nos restan (“Baila al viento”). Y la
escalofriante naturalidad cuando se habla de los muertos propios (músicos como Poch,
Guille Martín, An-tonio) y de los ajenos (“De repente nada”). Hay amor que mata de frío
(“Fresa y limón”) y rocanrol-solivianta-oficinas (“Fotocopia”) y a veces emana una
tristeza casi pictórica (“Mar de fondo”). Hay una adaptación del “Ain’t Misbehavin’ del
negrazo Fats Waller, “Siendo Güeño”, y la jodía es güena, muy güena…
Y en estas anda este hombre, Josele Santiago, ni más alto, ni más guapo, ni más
gordo, ni más flaco, ni más loco, ni más encontrao que el Serge Gainsbourg, el Townes
Van Zant o el Paul Weller. Un hombre no más grueso que el Pettigrew de Faulkner, con
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burlones ojos sardónicos, invictos, que lo han visto todo sin creer en nada, cubierto por
un chaleco musical acuchillado de jazz y de blues, un encaje oral salpicado del barro de
a pie de calle de quien es a medias roquero a medias boulevardier.
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RON SEXSMITH
Canadá ha dado muy grandes cantautores, desde Neil Young a Gordon Lighfoot
pasando por Leonard Cohen. Ron Sexsmith es un cantautor actual canadiense nacido
en 1964 en St. Catharines, Ontario, establecido actualmente en Toronto. Cantante de
voz expresiva y reconocible, compositor de piezas breves y melódicas, combina con
lucidez la luminosidad de pop más clásico al estilo de Ray Davies de los Kinks y la
melancolía del sonido de raíces como hacían Tim Hardin o Harry Nilsson. Sus letras son
parcas, sencillas y poéticas. Su disco "Blue Boy", fue producido por el gran Steve Earle.
En sus posteriores disco empezó a modernizar su sonido introduciendo tecladitos,
sintetizadores e incluso bases electrónicas, aunque parece que con sus últimos discos
Ron Sexsmith está volviendo a las raíces.. Entre sus admiradores se incluyen Elvis
Costello, Sarah McLachlan, Radiohead, Bill Frisell, Elton John, John Hiatt, Rod Stewart,
Chris Martin y Paul McCartney.
Su último trabajo, el décimo, es Exit Strategy Of The Soul. Editado en el sello Yep Roc,
el disco ha sido producido por Martin Terefe y grabado en Londres y en La Habana.
Sexsmith ha contado, en este nuevo trabajo, con la ayuda de reputados músicos
cubanos como el trombonista Amaury Pérez, el trompetista Alexander Abreu y el
prestigioso arreglista Joaquín Betancourt quien ha sido el encargado de hacer los
arreglos de cuerda, percusión y metales. En este nuevo disco, Ron Sexsmith introduce
en su habitual sonido folk-pop un suave sabor latino y ritmos y arreglos de aire que
recuerdan el soul de las más grandes estrellas de la música afroamericana. Una vez
más, Sexsmith acierta en el tono y en la cadencia y nos ofrece un disco de hermosas y
agradables composiciones pop.
Documentación anexa:
La voz de un amigo. «Ahora que hay tantos problemas en el mundo, creo que las
canciones son importantes, significan algo para la gente: es una voz que dice cosas que
tú quiseras decir pero para las que no encuentras las palabras. Escuchar un nuevo
disco de un cantautor que te gusta es como quedar a tomar un café con un viejo amigo
que te pone al día de su vida, de las cosas que pasan...».
Su casero es portugués y tiene una tienda en el piso de abajo, en el barrio enrollado de
Toronto. A menudo sube a mediodía a saludarle y le encuentra con un café sobre el
piano, tocando distraído en pijama. «Piensa que soy el hombre más vago del mundo».
Pero no, Ron Sexsmith, 40 años, voz dulce, orfebre de pop rock preciosista, no para
quieto. En una década de trabajo ha publicado seis discos, siete incluyendo el próximo y
fantástico Retriever, y ha actuado profusamente en Norteamérica y Europa.
Paul McCartney, Elvis Costello y Daniel Lanois ya le han señalado como su alumno más
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aventajado y Elton John le manda un afectuoso christmas todas las navidades.
Agradable, educado y abrumadoramente normal, Ron no se queja de ser un artista de
culto, popular en todos los ámbitos... salvo en las listas de ventas. Incluso reconoce lo
obvio: «Me gustaría tener más dinero, claro, que alguna canción diera el pelotazo en
una película o un anuncio pero, a día de hoy, soy feliz con mi situación. Cada vez tengo
más público, sigo pasándolo bien componiendo y tocando en directo y la industria confía
en mí. De hecho, por primera vez he firmado con un sello de mi país: a lo mejor por fin
Canadá termina reconociendo mi trabajo, eso me llena de orgullo».
«Retriever es un disco muy directo, sencillo y animado, comparado con los anteriores –
Blue Boy y Cobblestone Runway–, que eran de baladas. Éste suena más rock, en ese
sentido. Además, es una colección de canciones de amor. ¿Por qué? Pues supongo
que porque estoy enamorado (ríe). Compuse mis trabajos precedentes mientras la
relación con mi esposa iba empeorando, hasta que hace dos años me divorcié: por eso
estaban tan llenos de melancolía y pérdida. Ahora el tono es el opuesto».
«En todo caso, no todas las canciones tratan sobre mí. También escribo historias o
temas que salen de la observación; incluso cuando son personales, pongo cierta
distancia para que el oyente pueda cantarlos sin problema. Lo que menos pretendo es
hacer un diario o resultar claustrofóbico. Ahora estoy dando forma a una serie de
composiciones que son como pequeños cuentos de hadas o parábolas que voy a
grabar con sonido country. En mi anterior elepé intenté hacer algo más moderno, utilicé
por primera vez arreglos electrónicos, pero el resultado no me convenció porque me di
cuenta de que iba a envejecer mal. Retriever es más clásico por eso».
«En realidad es curioso que me haya convertido en un cantautor. Desde niño, cuando
interpretaba viejas canciones para mis abuelos, lo que quería era cantar, no componer o
tocar la guitarra. Luego, siendo un adolescente actuaba en bares interpretando
versiones de Neil Young, y cuando incluía un tema propio, a nadie le gustaba».
«Todo cambió cuando, a los 20 años, tuve mi primer hijo. Empecé a sentir la vocación y
la inspiración, porque hasta ese momento no sabía qué hacer con mi vida. Aquello me
hizo mudarme a la gran ciudad y buscar en serio un empleo a través de la música. La
paradoja es que mi primer contrato fue como compositor para Interscope. Ya con casi
30 años grabé mi primer álbum...».
«Desde entonces, cada disco ha supuesto una batalla para sacarlo adelante, conseguir
que se publicara, que sonara en la radio... He grabado en todas partes, salvo en mi
ciudad (ríe). Cuando estaba en Interscope era ridículo: me mandaban a Nueva York a
un hotel carísimo y con un presupuesto increíble. A veces me despertaba y me partía de
risa de verme allí. Yo no necesitaba todo eso... Últimamente voy a Londres porque es
donde vive mi productor, Martin Terefe. Algunos amigos como Ed Harcourt o gente de
Coldplay me echaron una mano. Ahora, a ver si el resultado le gusta a la gente...».
Autor: Pablo Gil
Información: Apareció en 2004 en la Luna de Metrópoli.
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ENRIQUE MORENTE
PICASSO ESCRIBE...MORENTE CANTA... el nuevo trabajo de Enrique Morente, se
publicó el 10 de junio, con la realización de un concierto en el Centro Reina Sofia
(Madrid) y en la población de Guernika. Esta obra surge del contacto del genial cantaor
con los textos escritos por Pablo Picasso, textos que, redactados de su puño y letra,
cuenta como fue la infancia del gran pintor en su Málaga natal. Rafael Inglada, gran
experto en la vida y la obra del pintor, le facilitó documentación de primera mano sobre
el artista, incluidos textos autobiográficos, para que trabajara sobre ellos. Con este
material inédito, Enrique Morente construyó este personal homenaje a la figura de Pablo
Picasso en su faceta más desconocida, la de escritor.
Han pasado tres años desde que tuvimos la ocasión de disfrutar del talento y la pasión
de Enrique Morente de la mano de ‘Morente sueña la Alhambra’. Siguiendo una línea
temática, para este nuevo disco Morente homenajea a Pablo Picasso en su faceta más
desconocida, la de escritor en 'Pablo de Málaga'. De ese deseo de indagar, Morente
recupera poemas, textos y escritos del genial pintor para ponerles melodía y voz a los
recuerdos de la Málaga natal de Picasso, al olor a puchero, al sabor de casa, a los
recuerdos de la infancia que Morente transforma en gotas de arte, en alientos sonoros
avanzados para su tiempo. Morente busca, Morente arriesga, Morente marca los pasos
que muchos han de seguir y construye con paciencia y sutileza la leyenda de los que
están llamados a ser gran 'Pablo de Málaga' son trece colores que componen la
imagen de un gran genio, trece sabores que recuerdan al sur, a una ciudad que vio
crecer al pintor y que nos llega reconstruida en imágenes geométricas superpuestas.
Trece ofrendas sonoras, trece regalos que nos deja una voz prodigiosa y nos evoca la
belleza en si misma, en los que aparece la voz el pintor en uno de los temas,
"Autorretrato", dando forma así a todos estos textos originales e inéditos hasta el
momento. Inéditos son también los grabados que aparecen en el arte del disco, toda
una obra de arte en sí... 'Pablo de Málaga 'verá la luz en los primeros días del mes de
junio tras varios años de cuidados y mimos y la inestimable ayuda de Rafael Inglada,
gran conocedor los textos de Picasso, que dio a conocer a Enrique Morente la obra
literaria del pintor. “Me llamó la atención el sentido de la libertad y el desenfado que
había en su falta de pretensión como escritor, ya que todas sus líneas estaban escritas
con amor y gracejo, sentido que no había perdido de su condición de malagueño,
recordando constantemente la luz, los sabores y los olores de Málaga" Enrique Morente
Pablo de Málaga será presentado en la ciudad de Guernika la segunda semana del mes
de junio. A partir de este momento arrancará una gira de presentación de Pablo de
Málaga por toda la geografía nacional. Con este nuevo trabajo Enrique Morente
pretende no sólo recorrer los principales escenarios estivales de nuestro país sino
también embarcarse en una versión más teatral del espectáculo que le llevará a realizar
una gira de invierno en los teatros.
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Enrique Morente nació en el Albaicín granadino de 1942. Tiempos donde las sacudidas
de la post-guerra convertía a los españoles de a pie en supervivientes del orden,
expertos en la vergüenza ajena, y enigmáticos compañeros de la carencia. La
enfebrecida espiral de aprendizaje y autoafirmación le llevan a madrid cuando contaba
14 o 15 años de edad. en su atillo acarreaba un puñado de nerviosas ilusiones, unos
fandangos de “frasquito yerbabuena” y una sola forma de mirar, atenta, sincera y
humilde. El debut de Morente tiene lugar en la Peña Flamenca Charlot, que tantas
veces fue refugio de voces desamparadas y tantas otras aula magna de clases
magistrales. a esta actuación siguieron otras allá por el año 1964 en la casa de Málaga
o con la pareja de baile de José luis Rodríguez y Pepita Sarracena en diversas salas de
fiesta, pero debemos considerar su salto a la profesionalidad cuando en ese mismo año
es contratado por el ballet de Marienma, con el que actúa en el pabellón español de la
Feria Mundial de Nueva York y en la Embajada Española en Washington. El Morente de
ahora es el Morente de siempre. aquel que hace 30 años andaba en la búsqueda de
nuevos giros melódicos y nuevos cantes. Aquel al que iba a visitar el desaparecido
Camarón acompañado de un joven Tomatito en Madrid: “tomate, vamos a acercarnos a
la casa de Enrique, a ver en qué anda ahora…”.
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LYDIA LUNCH
El único modo de definir el trabajo de la norteamericana Lydia Lunch es simplemente
no definirlo. A través de su música, libros, spoken word performances, films, vídeos,
fotografías, poesía y la multitud de disciplinas creativas con las que ha experimentado,
ha conseguido ser una de las más prestigiosas, personales y arriesgadas artistas de las
últimas décadas.
Lydia Lunch comenzó a los 16 años (en 1976) como guitarrista y cantante de Teenage
Jesus And The Jerks, grupo emblemático de la "no-wave" neoyorquina de finales de los
70 que, junto a los Contortions, Mars y D.N.A., protagonizó el mítico álbum No New
York que produjera Brian Eno en 1978. También ha colaborado con artistas de la talla
de Nick Cave, Einstürzende Neubauten, Marc Almond, Michael Gira (Swans), Foetus o
Sonic Youth entre otros, además de dejar para la historia de la música más
inconformista discos tan indispensables como Queen Of Siam. Toda su obra tiene una
fuerte carga feminista y política, girando obsesivamente alrededor del dolor, el deseo, el
sexo y la violencia. Sus performances poéticas son como un aullido lanzado desde la
desesperación.
En un mundo en el que las referencias masivas del show bussiness musical
corresponden a mujeres con actitudes como la de Britney Spears o Christina Aguilera,
resulta casi imposible explicar quién es Lydia Lunch. Sería como intentar contarle a una
niña a la que sólo le han dejado jugar con Barbies por qué debería admirar a Miércoles
Addams (la siniestra hija de La Familia Addams).
Difícil. Lunch es una mujer polifacética, conscientemente inclasificable y capaz de
mezclar con una naturalidad asombrosa cualidades tradicionalmente atribuidas a los
hombres con otras que pertenecen a la naturaleza femenina. Lunch tiene la facultad de
romper con cualquier idea preconcebida.
Ella es, en teoría, una de las grandes reinas de la No Wave neoyorquina. Una de las
figuras esenciales del underground universal y, también, en teoría, performer, poeta,
escritora de prosa, artista multimedia, cantante, músico, compositora y una de las
grandes impulsoras del spoken word que iniciaron sus amigos y mentores de la
generación beat (nos referimos a William Burroughs o Allen Gingsberg).
En sus trabajos ahonda en el jazz recupera el aire de las 'femme fatale' del cine negro
de los años 50. Eso, en la superficie. Porque ese aire aterciopelado contrasta con la
dureza de unas letras que Lydia, desde Los Ángeles, explica que hablan de lo esencial:
sexo y política.
Esta mujer, que ha trabajado con todos los artistas de culto de finales del siglo XX y de
lo que llevamos de éste, aborda con absoluta devoción pero aparente displicencia
temas que golpean de lleno en lo políticamente incorrecto.
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En 'Smoke in the Shadows' vuelve a ser así y esa sinceridad (que algunos llaman
rebeldía) la ha conducido al exilio. A decidir que la mejor forma de llevar hasta las
últimas consecuencias su trabajo es marchar a Europa.
«Una de las razones por las que he elegido dejar mi país, Estados Unidos, es porque
estoy harta de lo que está pasando allí y de la presión a la que se somete a la gente. Lo
cierto es que en Europa se entiende mucho mejor lo que hago. No tengo que estar
explicándolo todo el tiempo. No importa si soy fotógrafa, poeta o actriz. Entienden que lo
que hago es articular las pasiones de la vida. De todas formas, también es cierto que
muchas de las expresiones artísticas más radicales surgen en Estados Unidos. Y está
claro por qué es. Las actitudes represivas hacen que florezca el radicalismo».
Lydia Lunch siempre ha tenido una actitud política muy clara y jamás se ha planteado
complacer ni a un lado ni a otro. La valentía la ha acompañado a lo largo de una carrera
que comenzó en los años 70 con su grupo 'Teenage Jesus and the Jerks'.
Pero su visión del feminismo, como abanderada de unas teorías en torno al tema en las
que, entre otras cosas, la sexualidad, se aborda con absoluta naturalidad, es una de los
grandes logros de una mujer a la que grandes estrellas como Madonna o Courtney Love
y todo el 'riot girl' deben más de lo que dicen.
«El problema es que el lenguaje tiene muchas trampas. Feminismo, ¿qué es el
feminismo? Yo soy una humanista que quiero que la gente progrese. Que haga lo que
le de la gana sin molestar al de al lado. Algunas mujeres me fastidian tanto como
algunos hombres. Me temo que es un problema de la especie humana, no de género.
Somos muy inseguros y esa inseguridad y el miedo nos hacen sacar lo peor de
nosotros mismos. La gente, muchas veces, tiene problemas con todo lo relacionado con
el sexo y se sienten agredidos si se aborda ese tema. Pero en mi caso, cuando hablo
de determinados temas relacionados con el sexo no lo hago por una actitud feminista».
Autor: Silvia Grijalva
Información: La Luna de Metrópoli. Año 2005.
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