Download 4º ESO La Música en el Siglo XX 2010

1. INTRODUCCIÓN
Desde el punto de vista cronológico, a la música de este periodo se le llama música
contemporánea y tiene su origen en los movimientos nacionalistas del último
Romanticismo que darán lugar a otras tendencias, en cierto modo continuistas, como
el Impresionismo o el Expresionismo.
CONTEXTO HISTÓRICO:
El siglo XX es un periodo de cambios acelerados. El desarrollo de las
comunicaciones y de las tecnologías van a influir en gran medida durante el
transcurso de este periodo. Sin embargo, los problemas socioeconómicos y políticos
derivados de la Revolución Industrial culminan a principios de siglo con la Primera
Guerra Mundial (1914-1918) y la Revolución Rusa (1917) y más tarde con la Segunda
Guerra Mundial (1939-1945). Estos hechos sacuden hasta lo más íntimo las conciencias
de la población. El panorama europeo es desolador ya que las guerras trajeron
millones de muertos y muchas personas se vieron obligadas a abandonar sus países.
Sin embargo, nada más terminar Segunda Guerra Mundial se inicia una
reconstrucción que abarcará todos los ámbitos: político, económico, social, ético y, por
supuesto, artístico. El auge de la tecnología, los medios de transporte y las
telecomunicaciones convierten a nuestro planeta en una aldea global que conoce casi
con total inmediatez lo que ocurre en el mundo entero.
CONTEXTO CULTURAL:
El siglo XX es un periodo en el que los cambios y las novedades en el mundo del
arte se van a dar con gran velocidad. Nunca antes, en la historia se había visto
proliferar tal cantidad de escuelas, movimientos y novedades como ahora. Los cambios
y las tendencias se suceden de forma acelerada. Estamos ante una época de
replanteamiento estético y formal del arte. Todos los movimientos que surjan tendrán
un nexo común: el deseo de ruptura con el pasado.
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El contacto de la sociedad europea con culturas lejanas, propiciado por el avance de
las comunicaciones y las exposiciones universales aportará nuevos horizontes a la
creación artística. Desde finales del siglo XIX la pintura asume un liderazgo
indiscutible en el terreno artístico, ya que encabezará todos los cambios y vanguardias
que vayan surgiendo en el transcurso del siglo XX.
CONTEXTO MUSICAL:
El mundo de la música también se verá influido por ese cambio social y cultural. La
música, cuyos recursos tradicionales habían sido explotados hasta la saciedad por los
autores románticos, busca abrirse nuevos caminos y romper con el pasado. Gran
cantidad de estilos vanguardistas musicales se irán yuxtaponiendo en el transcurso del
siglo en busca de la novedad y la experimentación, a través de un cambio estético que
dará lugar a las composiciones más variopintas.
La aparición de nuevos géneros como el Jazz o el Rock y sus derivados arrebatará a
la música culta el protagonismo, casi exclusivo, del que había gozado durante siglos.
Poco a poco se irá convirtiendo en una música de minorías, ajena al éxito y a los
intereses comerciales. En la segunda mitad de siglo, la llegada de la tecnología alterará
la forma de componer e interpretar la música. Los medios electrónicos e informáticos
tendrán una función importante dentro del fenómeno musical.
CARACTERÍSTICAS MUSICALES.
Aunque es complicado establecer unas características generales al abordar la
multitud de corrientes que se van a dar en este siglo, cada una de ellas con sus propios
fundamentos, vamos a destacar algunas ideas generales:
•
La pérdida de unidad estilística y técnica se hace evidente ya que no hay un
lenguaje y un tipo de expresión únicos, sino una pluralidad de movimientos.
Cada compositor busca su propio lenguaje musical para expresarse.
•
La ruptura con el pasado se manifiesta en el progresivo abandono del lenguaje
tonal, que parece haber llegado a su fin. El ritmo adquiere gran protagonismo.
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•
Búsqueda de la novedad, ninguna obra puede parecerse a otra y para ello hay
que experimentar con todo lo que se tenga a mano. Cualquier objeto puede ser
capaz de producir música.
•
El compositor no busca la belleza de melodías, sino llamar la atención del
oyente, por lo tanto nos encontraremos ante piezas extrañas que no tienen nada
que ver con la música que se había realizado hasta entonces.
•
En algunas corrientes, sobre todo en la 2º mitad de siglo, el compositor
acompaña su obra con textos explicativos propios para que la obra se pueda
interpretar y entender, ya que a menudo se usan sistemas de notación no
convencionales. Además, en esta época, entrarán en juego los avances
electrónicos e informáticos.
2. LA MÚSICA EN LA 1ª MITAD DE SIGLO
A comienzos de siglo, los nuevos lenguajes se fueron imponiendo de manera
gradual, y con mucha dificultad, en un mundo aún dominado por los últimos grandes
compositores del Postromanticismo y del Nacionalismo. Compositores que, a pesar de
componer en el umbral del siglo XX, tuvieron una gran influencia posterior.
La nueva concepción de componer vino de dos ciudades diferentes, que fueron
París y Viena. En el primer caso con las aportaciones del Impresionismo de la mano
de C. Debussy, que supone un punto de partida para la música de vanguardia; en el
segundo con la ruptura que suponía la música de Arnold Schoenberg y sus discípulos
en la Escuela de Viena.
Hubo otras rupturas, incluso más radicales, como la del Futurismo en Italia, que
aunque no tendrán mucha vigencia como corriente estética, influirán en los
movimientos que tendrán lugar en la 2ª mitad de este siglo. Otros movimientos, como
el Neoclasicismo, intentarán devolver a la música a sus cauces tradicionales.
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IMPRESIONISMO
El Impresionismo puede considerarse como la primera manifestación contemporánea
del siglo XX. En las últimas décadas del Romanticismo, un grupo de pintores franceses
se interesaron por el trabajo al aire libre. Un lienzo de Claude Monet titulado
"Impresión, sol naciente" será el origen del movimiento impresionista, estilo que
adoptarán otros pintores y que más tarde se trasladará al mundo de la música. Se trata
de pinturas que plasman paisajes y ambientes difuminados, en las que no se busca la
perfección y realismo del cuadro, sino la impresión que produce en los ojos de quien
lo observa. El impresionismo musical será un movimiento típicamente francés,
relacionado con la tendencia pictórica. Posiblemente es la corriente más novedosa y
original de todas las que se dan en esta época. El compositor más destacado de este
movimiento es Claude Debussy, con obras como "Preludio a la siesta de un
fauno" (1894).Al igual que la pintura impresionista, la música de Debussy es una
música de atmósferas y de sentimientos sutiles, carente de la grandiosidad postromántica.
EXPRESIONISMO
El término Expresionismo aparece a partir de 1911 para designar un estilo pictórico
en el que, poco a poco forma y color dejan de estar obligados a imitar la realidad. Este
movimiento es predominantemente alemán y afectará a la música y literatura, además
de a la pintura. Se caracteriza por buscar la expresión del alma del ser humano de
forma dura y pesimista. El tema principal del Expresionismo es el hombre y su
vivencia interior llena de conflictos y temores, que muestra una realidad marcada por
el dolor y la angustia. La obra "El grito" de Edward Munch es considerada como la
primera manifestación expresionista. En música, el compositor más representativo de
esta tendencia es Arnold Schoenberg, que considera la música como medio para
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expresar la personalidad del hombre. Una de las obras más destacadas de esta
corriente es "Pierrot Lunaire"
Las principales características del Expresionismo son:
•
Búsqueda de lo dramático mediante el uso constante de disonancias que
producen una tensión continua, sin momentos de reposo.
•
Utilización de un sistema atonal, que rompe con todas las reglas tradicionales de
organización melódica y armónica.
•
Pérdida del concepto de melodía en favor de un canto recitado (sprechgesang),
que tiene como objetivo la expresión violenta y agresiva del texto.
•
Normalmente son obras para pequeñas formaciones de cámara, en las que cada
instrumento tiene el papel de solista.
ATONALISMO
Este movimiento se funde con la corriente expresionista. Durante la primera década
del siglo XX, los excesos de los post-románticos en el plano de la armonía, hicieron
que poco a poco la tonalidad, que hasta entonces organizaba y era la base de las obras
musicales, perdiera su papel. El Atonalismo nace cuando una serie de compositores,
con Arnold Schoenberg a la cabeza, deciden otorgar a la disonancia la misma
importancia que a la consonancia y escribir sus obras con una tonalidad concreta. Esto
implica que todas las notas tienen el mismo valor, sin jerarquías. De ahí la sensación de
que se han perdido los puntos de equilibrio y de orientación, por lo que para nuestros
oídos, la música atonalista suena desafinada.
Entre las obras en las que Schoenberg recurre al Atonalismo, podemos destacar
"Cuarteto nº 2" y "La noche transfigurada". Esta ruptura con la tonalidad influiría
también en artistas como Richard Strauss, Gustav Mahler, Edgar Varese o Charles Ives,
entre otros. Sin embargo, la corriente del Atonalismo como tal tuvo una vida efímera,
ya que se trataba de componer sin ningún tipo de normas, sumiendo a la música en
una especie de caos.
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NEOCLASICISMO
El Neoclasicismo (nuevo Clasicismo) surge entorno a 1920 como reacción al PostRomanticismo, el Impresionismo y el Expresionismo. Es quizá el movimiento que
menos novedades aporta durante este periodo; supone una vuelta a la claridad formal
del Clasicismo, y el rechazo a una concepción expresiva de la música cargada de
significados subjetivos. Se vuelve al cultivo de las formas y géneros clásicos, buscando
una nueva sencillez, ya que aspira a devolver a las obras musicales la comprensibilidad
y el placer para el oído. Por esa razón, la mayoría de las obras de este movimiento
recuperan la tonalidad clásica.
Entre los principales representantes de esta tendencia se encuentra el francés Erik
Satie y el llamado "Grupo de los Seis", cuyos ideales fueron expuestos en 1918: "basta
ya de nubes, olas, ondas y fragancias nocturnas. Necesitamos una música con los pies
en la tierra, una música cotidiana,...". Una conocida obra de Satie es la titulada
"Gymnopédie nº 1". Otro conocido autor de inspiración neoclásica fue el ucraniano
Sergei Prokofiev que compuso obras como "La Sinfonía clásica op. 25" o el ballet
"Romeo y Julieta". Esta corriente ha tenido continuadores hasta la actualidad. FUTURISMO
Es un movimiento estético nacido en Italia en 1909. Se trata de la corriente más
radical del siglo XX, y su principal precursor es Tómmaso Marinetti, artista y escritor
que tuvo gran repercusión en las artes plásticas. Su incidencia en el terreno musical
fue más bien escasa, afectando casi exclusivamente a la obra de los italianos Luigi
Russolo y Balilla Pratella.
El movimiento futurista se basa en la introducción de los ruidos y las máquinas en la
música. Los futuristas se inspiran en el ambiente industrial de la sociedad del siglo
XX. Buscan enriquecer el sonido y desvincularse del pasado, declarando la guerra a la
tradición y a los timbres limitados de los instrumentos convencionales.
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Russolo, en 1913, publica "El manifiesto de los ruidos", obra en la que se dan a
conocer los fundamentos de esta corriente. En este libro, el autor clasifica los
instrumentos de la orquesta futurista en seis familias, en las que podemos encontrar
gruñidos, silbidos, risas, gritos, golpes... Russolo, fue capaz de crear un instrumento
capaz de producir ruidos variados. A este artefacto lo denominó "entonarruidos"
La corriente futurista, en su sentido más estricto, no duró mucho tiempo, pero su
idea de conectar la música con la realidad utilizando los ruidos de la vida moderna,
tendrá una gran influencia en muchos compositores contemporáneos y anticipará las
técnicas de la música concreta. Entre los músicos más influenciados por el Futurismo
podemos citar a Edgar Varese, con obras como "Ionization" (primera obra en la historia
escrita únicamente para instrumentos de percusión) o Arthur Honegger, con "Pacific
231" (obra que describe el movimiento de una locomotora).
DODECAFONISMO
Los fundamentos de la música dodecafónica fueron elaborados y desarrollados a
comienzos del siglo XX por el compositor austríaco Arnold Schoenberg y dos de sus
discípulos y amigos: Alban Berg y Anton Webern, que son conocidos en conjunto como
Escuela de Viena. Este método fue creado en 1923 y también fue conocido como
Serialismo. Después del periodo atonal y tras varios años de inactividad, el mismo
Schoenberg dio un paso de gigante al inventar un sistema de organización para las
obras, que, en cierto modo, vino a cumplir el papel que durante siglos había
representado la tonalidad. La técnica dodecafónica consistía en definir una serie con
las doce notas de la escala cromática (distancia de medio tono entre notas), que podían
ordenarse de la forma que el compositor decidiera. Sin embargo, una vez establecido el
orden, éste debía mantenerse a lo largo de toda la obra; era precisamente esta serie la
que se erigía como la estructuradora de toda la composición. Desaparece, por tanto, la
jerarquía entre los grados de la escala, originando una música atonal que podríamos
asociar a la pintura abstracta de autores como V. Kandinsky.
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Pronto, los compositores dodecafónicos se dieron cuenta de que una sola serie
limitaba enormemente las posibilidades compositivas; por ello, para disponer de un
mayor margen de acción, se empezaron a utilizar en la misma obra otras series
derivadas de la primera, retrógrada (hacia atrás), invertida (en espejo) o retrógrada
invertida.
3. LA MÚSICA EN LA 2ª MITAD DE SIGLO XX
Herederos de las novedades aportadas en las primeras décadas, durante la segunda
mitad de siglo el arte en general y en particular la música siguen las pautas de ruptura
con lo establecido marcadas por los autores de las generaciones anteriores.
Ya ha desaparecido de forma definitiva el lenguaje universal tonal, llegamos en este
periodo a la concreción de estilos artísticos mucho más radicales e individualistas, en
los que todo es válido para crear una obra de arte, que, muy a menudo, va a sorprender
al un público que no está preparado para este tipo de música.
Por primera vez en la historia de la música los medios electrónicos, que se van
desarrollando debido al gran avance de la tecnología, formarán parte de la
composición. Los instrumentos tradicionales van dejando su sitio a otros instrumentos
de nueva creación, que se congregarán en el laboratorio musical y más tarde en el
ordenador.
LA MÚSICA CONCRETA
Hacia mediados del siglo XX surge esta corriente, que se inspira en el Futurismo, ya
que utiliza cualquier sonido o ruido sacado de la realidad. El compositor se lanza a la
calle grabadora en mano, recogiendo todos los sonidos que cree interesantes; estos
sonidos posteriormente se manipulan en un laboratorio musical (se cortan, se pegan,
se modifican algunas de sus cualidades...) y se montan en una cinta magnetofónica. El
resultado es una composición de música concreta.
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En este tipo de música el papel del intérprete es sustituido por el magnetófono, y el
compositor presenta su obra de manera definitiva y objetiva. Por primera vez en la
historia la ciencia y los aparatos tecnológicos se usan para la creación de obras
musicales. Entre los compositores pioneros se encuentran los francese Pierre
Schaeffer, que expone sus teorías en "El tratado de los objetos musicales" y Pierre
Henry. Algunos de los títulos de las obras de estos artistas son: "Estudio de ruidos",
"Sinfonía para un hombre solo", "Variaciones para una puerta y un suspiro" o "El
micrófono bien temperado".
LA MÚSICA ELECTRÓNICA
Esta corriente surge influenciada por la música concreta. Como hemos visto, esta
música se basaba en la grabación de un conjunto de sonidos reales que se
manipulaban; sin embargo, en la música electrónica el sonido es creado en un
laboratorio, son sonidos que no existen en la realidad, que se crean, se procesan y se
graban electrónicamente. Este tipo de música suprime totalmente los intérpretes y las
partituras. El laboratorio musical es el centro de creación del artista. Aquí el
compositor utiliza sintetizadores y otros aparatos electrónicos para generar el
sonido.Entre los compositores más destacados de este movimiento está: Karl
Stockhausen, que desde 1953 dirige el Estudio de Música Electrónica de Colonia
(Alemania). Su obra más conocida es "El canto de los adolescentes". Otros autores que
seguirán los pasos de Stockhausen son Luciano Berio y Bruno Maderna. La música
electrónica se unirá a la música concreta, dando lugar a obras cuyo contenido es en
parte grabaciones de sonido real y otros creados por medios electrónicos. A esta
música se le conoce como Electroacústica, y se convertirá en uno de los
procedimientos más empleados por casi todos los compositores del siglo XX. La
conocida como música Estocástica puede considerarse una fase más del desarrollo de
la música electrónica; consiste en la introducción del ordenador en el campo de la
composición, que debidamente programado, calcula combinaciones de sonidos y crea
obras musicales. 9
4. CUESTIONARIO
1) INTRODUCCIÓN.
1. ¿Dónde tiene su origen la música contemporánea?
2. ¿Qué tres hechos históricos destacarán en la sociedad europea de la primera mitad
del siglo XX? Explica cuál es su origen común.
3. ¿Cómo cambiará el mundo tras la Segunda Guerra Mundial?
4. ¿Qué caracteriza el siglo XX?
5. ¿Qué arte liderará las vanguardias del siglo XX?
6. ¿Qué aspectos dirigirán la evolución de las vanguardias musicales?
7. ¿Cómo influirá la aparición de nuevos géneros como el Jazz o el Rock?
8. ¿Qué características generales podemos encontrar en la multitud de corrientes que
se van a dar en el siglo XX?
2) MÚSICA EN LA 1ª MITAD DE SIGLO.
IMPRESIONISMO Y EXPRESIONISMO
1. ¿Cómo influyeron París y Viena en la nueva concepción de componer del siglo XX?
2. ¿Qué otros movimientos producirán una ruptura más radical o intentarán devolver
a la música a sus cauces tradicionales?
3. ¿Cuál es el origen del Impresionismo? En qué país surge este movimiento.
4. ¿Quién es el compositor más destacado del Impresionismo? Describe en que basa
su música.
5. Señala la aparición del término Expresionismo, ¿qué caracteriza este movimiento?
6. ¿Cuál es el tema principal del Expresionismo? Escribe el nombre de las obras y los
autores más representativos de esta corriente artística en la pintura y en la música.
7. Elabora un resumen con las principales características del Expresionismo musical.
ATONALISMO Y NEOCLASICISMO
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1. ¿Cuál es el origen del Atonalismo? Qué implica esta corriente musical.
2. ¿Por qué la música atonal suena desafinada?
3. Escribe el nombre de los autores que recurrieron al atonalismo.
4. Describe el inicio del Neoclasicismo, ¿a qué aspira este movimiento?
5. Relaciona los siguientes conceptos:
Francia, Sergei Prokofiev, "Gymnopédie nº 1", Erik Satie, "Romeo y Julieta", Ucrania.
FUTURISMO Y DODECAFONISMO
1. Resume los orígenes del Futurismo. En qué se basa este movimiento.
2. ¿Qué eran los "entonarruidos"?
3. Escribe el nombre de los músicos más influenciados por el Futurismo y sus
principales obras (explica en qué consisten éstas)
4. Resume los orígenes del Serialismo o música dodecafónica.
5. ¿En qué consistía la técnica dodecafónica? Con qué pintor puede relacionarse esta
técnica compositiva.
3) LA MÚSICA EN LA 2ª MITAD DE SIGLO XX
1. Describe las características de la música de la segunda mitad del siglo XX.
2. Elabora un resumen sobre la música concreta del siglo XX.
3. Elabora un resumen sobre la música electrónica del siglo XX.
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