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Índice de espectáculos
- Jugadores (Producciones Teatrales Contemporáneas / CLECE) | Teatro
- Sorolla (Ballet Nacional de España) | Danza española
- XVI Festival Internacional de Música Contemporánea de Madrid
(COMA’14) (Ensemble Kuraia, Laura Sierra, Grupo Cosmos 21 y Dúo de
saxofón y piano –Beatriz Tirado e Isabel Puente–) | Música contemporánea
- True West (El auténtico Oeste), de Sam Shepard (Cía. El Auténtico Oeste
& 94 West Producciones) | Teatro
- El sur. Homenaje a Enrique Morente (Víctor Ullate Ballet - Comunidad de
Madrid) | Danza
- Compañía Nacional de Danza | Danza
- Lluvia constante de Keith Huff (Compañía Lluvia Constante) | Teatro
- Las niñas no deberían jugar al fútbol, de Marta Buchaca (La Trastienda) |
Teatro
- The Valley of Astonishment (El valle del asombro) - Festival de Otoño a
Primavera (Peter Brook y Marie-Hélène Estienne / Théâtre des Bouffes du
Nord) | Investigación teatral
- XIII Ciclo de Jóvenes Intérpretes (Fundación Scherzo) | Música
- An old Monk inspirada en Thelonious Monk - Festival de Otoño a
Primavera (Josse de Pauw y Kris Defoort / Lod Music Theatre y Théâtre
Vidy-Lausanne) | Teatro musical
- Bosque Ardora - Festival Madrid en Danza (Compañía Rocío Molina) |
Flamenco contemporáneo
- Memoria musical de una época de guerra (1914/18 centenario) | Música
- Ruhr-Ort - Festival Madrid en Danza (Susanne Linke / Renegade) | Danza
teatro
- Nómada - Festival Madrid en Danza (Compañía Manuel Liñán) | Flamenco
- LAC bajo la presidencia de S.A.R. la Princesa de Hanover - Festival
Madrid en Danza / Teatros del Canal (Les Ballets de Monte-Carlo) | Ballet
- What the Body does not remember - Festival Madrid en Danza (Compañía
Última vez) | Danza contemporánea
- Casa de muñecas de Henrik Ibsen (CulturArts Generalitat Valenciana) |
Teatro
- Free Fall - Festival Madrid en Danza (Compañía Sharon Fridman) | Danza
contemporánea
- Querido Ibsen: Soy Nora de Griselda Gambaro - De Baires a Madrid |
Teatro
- Pinti recargado de Enrique Pinti - De Baires a Madrid | Monólogo teatral
- Rememorando a Julio (Homenaje a Cortázar) - De Baires a Madrid
(Susana Rinaldi) | Música y literatura
- Marianne Faithfull en concierto - Festival de Otoño a Primavera | Música
- Bossi Big Bang Show - De Baires a Madrid | Musical humorístico
- Elena Roger en concierto - De Baires a Madrid | Música
- A + A (Ángel Corella y Ara Malikian) | Música y danza
- The Gagfather (Yllana) | Comedia gestual
- Pedro y el lobo tocan en la orquesta (Compañía PyEl) | Cuento músicoteatral, espectáculo familiar / pedagógico
- El asno de oro de Lucio Apuleyo (Rafael Álvarez, el Brujo) | Teatro
1
- Carmina Burana (La Fura dels Baus y Orquesta y Coro de la Comunidad
de Madrid) | Cantata escénica
- Mediterráneo (Compañía Miguel Ángel Berna) | Danza Española
- Dear Darwin (Parlon Film & Cup of Theatre) | Teatro familiar
- The Healing Notes (Las notas que curan) (Garnati Ensemble) | Documental +
concierto
- La belle au bois dormant (La bella durmiente) (Les Grands Ballets Canadiens de
Montréal) | Danza
- El reportaje de Santiago Varela (Teatro Picadero de Buenos Aires) | Teatro 74
- El pimiento Verdi (Teatros del Canal) | Espectáculo musical
- Ne m’oublie pas / Forget me not (No me olvides) (Philippe Genty) | Teatro, danza,
marionetas
- Carnaval barroco (Le Poème Harmonique) | Música, teatro, danza
- Teatralia | Teatro, música, danza, circo
- Inseguridad social... y tal (Enrique Viana) | Drama cómico-musical
- Martí: Versos de Cuba, canciones de libertad Andy García recita a José Martí
(Cargomusic / Teatros del Canal) | Música y poesía
- One man, two guvnors de Richard Bean (Teatros del Canal / Anexa) | Teatro
- Dignidad de Ignasi Vidal (Excéntrica producciones) | Teatro
- La ópera de cuatro notas de Tom Johnson (Teatros del Canal / Vania
Producciones) | Ópera
- El caserío (Teatro Arriaga) | Zarzuela
- Much ado about nothing (Mucho ruido y pocas nueces) (Globe Theatre on Tour) |
Teatro
- Talent 2015 (Teatros del Canal / Talent Festival) | Festival / Concurso
- III Encuentro de Bandas | Música
- Programa Aniversario (Les Ballets Trockadero de Montecarlo) | Ballet
- L’isola disabitata Música de Manuel García y Libreto de Metastasio (Teatro
Arriaga / Teatro de la Maestranza) | Ópera
- Festim015 (Impromadrid Teatro) | Improvisación teatral
- Angelus Novus de Jorge Fernández Guerra (Laperaopera) | Ópera de cámara
- X Festival Suma Flamenca (Comunidad de Madrid) | Música, danza
- Operadhoy | Ópera contemporánea
- Muestra de Compañías Residentes (Centro Danza Canal) | Danza
- Campaña escolar (Teatros del Canal) | Teatro, danza, música
- Maridaje sonoro | Música
- Concierto Ibercaja de Música - JORCAM | Música
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Teatro / Sala Verde
JUGADORES
Producciones Teatrales Contemporáneas / Clece
Del 27 de agosto al 5 de octubre
Sobre el espectáculo
En un piso antiguo, en torno a una mesa, bajo una lámpara, cuatro
hombres, un barbero, un enterrador, un actor y un profesor de matemáticas
juegan una partida de cartas. Este piso es un refugio en el que se aceptan
todos los fracasos, se permiten. El fracaso es la regla, no la excepción. El
dinero ha desaparecido, también cualquier posibilidad de éxito personal. A
punto de tocar fondo, los cuatro personajes deciden arriesgarse. En este
momento el juego se vuelve peligroso.
Ficha artística
Intérpretes (por orden de intervención):
Un barbero: Jesús Castejón
Un actor: Luis Bermejo
Un enterrador: Ginés García Millán
Un profesor: Miguel Rellán
Escrita y dirigida por: Pau Miró / Escenografía: Enric Planas / Vestuario:
Elisa Sanz / Iluminación: Juan Gómez-Cornejo / Espacio sonoro: Sila /
Sonido: Marta Folch / Producción ejecutiva: Olvido Orovio / Dirección de
producción: Ana Jelin
Más información en:
www.teatroscanal.com
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Danza española / Sala Roja
SOROLLA
Ballet Nacional de España
Del 28 de agosto al 14 de septiembre
Sobre el espectáculo
Sorolla es la propuesta artística más actual de Antonio Najarro para el
Ballet Nacional de España en la búsqueda continua de creaciones que
transmitan y preserven nuestra cultura dancística. Un espectáculo inspirado
en la colección Visión de España del pintor Joaquín Sorolla creada por
encargo de la Hispanic Society de Nueva York en el año 1911. La
coreografía Sorolla muestra las danzas más significativas del folclore junto
a otras creaciones de danza clásico española, escuela bolera y flamenco.
La luz, la frescura y el movimiento de la pintura de Sorolla se reflejan en
las coreografías diseñadas por Arantxa Carmona, Miguel Fuente, Manuel
Liñán y Najarro junto a la puesta en escena de Franco Dragone, el
vestuario de Nicolás Vaudelet y la partitura de Juan José Colomer.
ANTONIO NAJARRO
1. COSIENDO LA VELA
12. LOS NAZARENOS / Sevilla
13. LOS TOREROS / Sevilla
14. EL BAILE / Sevilla (1ª PARTE)
ARANTXA CARMONA
3. EL MERCADO / Extremadura
4. LA FIESTA DEL PAN / Salamanca
7. EL PESCADO / Cataluña
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9. EL PALMERAL / Elche
10. LAS GRUPAS / Valencia
MIGUEL FUENTE:
2. LA ROMERÍA / Galicia
6. LOS BOLOS / Gipuzkoa
8. LA JOTA / Aragón
MANUEL LIÑÁN
5. EL ENCIERRO / Andalucía
11. LA PESCA DEL ATUN / Huelva
14. EL BAILE / Sevilla (2ª PARTE)
Sobre la compañía
El Ballet Nacional de España (BNE) aborda en la actualidad nuevos
proyectos bajo la dirección de Antonio Najarro. Fundado en 1978 bajo el
nombre de Ballet Nacional Español con Antonio Gades como primer
director, es de las unidades de producción del Instituto Nacional de la Artes
Escénicas y de la Música (INAEM), una de las de mayor proyección
internacional como embajadora de nuestra cultura en el mundo.
El BNE ha obtenido el reconocimiento internacional de crítica y público con
la concesión de diversos premios, destacando entre otros el Premio a la
Crítica al Mejor Espectáculo Extranjero (1988) en el Metropolitan de Nueva
York; Premio de la Crítica Japonesa (1991); Premio de la Crítica al Mejor
Espectáculo (1994) en el Teatro Bellas Artes de México; Premio del Diario
El País (1999) al espectáculo Poeta y los Premios de la Crítica y del
Público (2002) a la coreografía Fuenteovejuna, de Antonio Gades en el VI
Festival de Jerez.
En 2008, 2010 y 2012, el BNE ha sido galardonado con los Premios Teatro
de Rojas (Toledo) al Mejor Espectáculo de Danza, concedido por el público
y, en agosto de 2010, el Festival Internacional del Cante de las Minas le ha
concedido el Premio Extraordinario a las Artes Escénicas por su magnífica
contribución a la preservación y difusión del mejor flamenco.
Sobre el director, Antonio Najarro
Joven bailarín y coreógrafo, formado por los más prestigiosos maestros de
danza en todos los estilos: ballet clásico, escuela bolera, clásico español,
folclore, flamenco y danza contemporánea. Matrícula de Honor en Danza
Española en el Real Conservatorio Profesional de Danza Mariemma de
Madrid, interpreta como Primer Bailarín coreografías de los Maestros
Rafael Aguilar, Antonio Gades, Alberto Lorca, Mariemma, José Antonio
Ruiz y José Granero, entre otros. Premio Mejor Coreógrafo en el Certamen
Internacional de Danza Española y Flamenco de Sevilla (2008), ha sido
galardonado con el Premio Harlequín al Mejor Joven Coreógrafo 2009 y, en
2010, Mejor Intérprete de Danza Masculino el Premio MAX de las Artes
Escénicas. Premio APDE 2012, otorgado por la Asociación de Profesores
de Danza Española, Clásico y Flamenco, por su valiosa aportación al
mundo de la danza. Antonio Najarro, nombrado Director del BNE en abril
de 2011, se incorpora a la Compañía el 1 de septiembre 2011.
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Ficha artística
Idea Original: Antonio Najarro / Director de escena: Franco Dragone /
Coreografía: Arantxa Carmona, Miguel Fuente, Manuel Liñán y Antonio
Najarro / Música: Juan José Colomer, Paco de Lucía (Zapateado), Enrique
Bermúdez (La pesca del atún y El baile, bulería) y música popular /
Grabación Musical: Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid
(ORCAM), bajo la dirección de Manuel Coves / Asistente del Director de
escena: Pascal Jacob / Diseño de Figurines: Nicolas Vaudelet / Diseño
de Iluminación: Felipe Ramos y Ginés Caballero / Diseño de
Escenografía: Vincent Lemaire / Diseño de Maquillaje: Eduardo Jiménez,
National Make-up artist de Yves Saint Laurent Beauté / Realización de
vestuario: Cosiendo la vela: taller de Nicolás Vaudelet; La fiesta del Pan
mujeres, El Palmeral, Grupas y El baile mujeres: Pipa y Milagros. En
Escena: Los bolos, Los toreros y Los Nazarenos: José Antonio Arroyo;
Fiesta del Pan hombres, el Mercado hombres y mujeres, La romería
hombres y mujeres, El encierro, El pescado, La jota hombres y mujeres, La
pesa del atún, El baile hombres: fondos de vestuario del BNE / Pintura
sobre vestidos de Valencia y Trajes de La pesca del Atún Nicolas Vaudelet
/ Taller de tintura: María Calderón / Pintura digital: Círculo textil /
Monteras de toreros: Sombrerería Medrano / Realización de tocados
valencianos: Peinetas ALM / Calzado: Gallardo y Sansha
Más información en:
www.teatroscanal.com
http://balletnacional.mcu.es
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Música contemporánea / Sala Verde
XVI FESTIVAL INTERNACIONAL DE
MÚSICA CONTEMPORÁNEA DE
MADRID (COMA ´14)
Asociación Madrileña de Compositores
7, 14, 21 y 28 de septiembre
Sobre el festival
El Festival de Música Contemporánea de Madrid, COMA’14, celebra este
año su decimosexta edición con una muestra de la creación musical actual
en Madrid, siempre de sorprendente variedad, siempre llena de tesoros.
Música para todos los gustos, novedosa, tradicional, popular, fascinante,
sugerente, sensible.
Compositores de todas las edades y estéticas, madrileños de nacimiento o
residencia, presentan sus creaciones interpretadas por los músicos más
extraordinarios.
Domingo 7 de septiembre - Ensemble Kuraia
Domingo 14 de septiembre -Laura Sierra
Domingo 21 de septiembre - Grupo Cosmos 21
Domingo 28 de septiembre - Dúo de saxofón y piano (Beatriz Tirado e
Isabel Puente)
Más información en:
www.teatroscanal.com
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Teatro / Sala Negra
TRUE WEST (EL AUTÉNTICO
OESTE)
Cía El Auténtico Oeste & 94 West Producciones
Del 8 al 27 de septiembre
Sobre el espectáculo
Estrenada en 1980, está etiquetada dentro de la obra de Sam Shepard
como "drama familiar" y pone en alza la cuestión de la identidad, tanto
individual como cultural.
Escrita durante la época que el dramaturgo trabajó como autor residente en
el Magic Theater de San Francisco, la obra ayudó a consolidar su prestigio
como escritor en la escena norteamericana. Es con El auténtico oeste
donde Shepard alcaza su plenitud como autor aunando su estilo más
subversivo e imaginativo con otro más poético y formal.
Para ello el autor sitúa la acción a 40 millas a las afueras de Los Ángeles,
donde dos hermanos que hace 5 años que no se ven y cuya relación
anterior dista mucho de ser buena, se encuentran en la casa materna
donde por diferentes razones se verán forzados a resolver sus diferencias y
sus identidades mientras intentar finalizar la escritura de un guión
cinematográfico que podrá cambiar sus vidas para siempre.
Mezclando un lenguaje directo, imaginativo, y musical con una prosa
poética, Shepard hace que tanto la historia como los personajes tengan
una complejidad y riqueza a la altura de los grandes dramas americanos. El
texto está lleno de humor, violencia o sátira y transita de lo que llamamos el
"naturalismo americano" al "realismo mágico".
Sobre la compañía
Nacen con el espíritu y la energía de poder generar proyectos en los cuales
el trabajo actoral y los textos de calidad sean la base y la esencia de
cualquiera de sus iniciativas. Buscan la colaboración con profesionales de
las artes escénicas, profesionales con inquietudes similares y un lenguaje
común para que de esa unión y esa mezcla, lo construido, lo que
finalmente el público pueda disfrutar, esté lleno de honestidad y de calidad.
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Creen en un trabajo colectivo, queriendo hacer equipo, por ello desean que
sus propuestas sean interesantes para que esa colaboración no se quede
en una mera participación, sino que todos aquellos que forman parte del
trabajo, lo hagan involucrándose de una manera más personal.
A lo largo de estos últimos 15 años han trabajado con grandes
profesionales del teatro: directores, actores, escenógrafos, iluminadores...
Y quieren seguir haciéndolo con ellos y con los que están por llegar. El
teatro es lo que los pone en movimiento. Es lo que nos hace seguir
buscando.
Sobre el director, José Carlos Plaza
José Carlos Plaza nace en Madrid en Noviembre de 1945. Estudia Derecho
y Psicología en la Universidad Complutense de Madrid. Estudia
interpretación y dirección con William Layton, Miguel Narros, Rosalía Prado
en el T.E.M. (Teatro estudio Madrid) y Roy Hart; Interpretación en Nueva
York con Stella Adler, Sandford Meinsner, Utta Hagen, Geraldine Page...
Componente y fundador del T.E.I. (Teatro Experimental Independiente) que
tiene sus actividades desde 1965 hasta 1977. Funda y co-dirige con William
Layton y Miguel Narros el T.E.C. (Teatro Estable Castellano) que tiene sus
actividades desde 1977 a 1988. Dirige el local Pequeño Teatro, de Madrid
desde 1971 a 1981.
Es fundador y profesor de interpretación y dirección del Laboratorio William
Layton. Ha recibido entre otros el premio Nacional de Teatro de 1967, 1970
y 1987, el premio Mayte, Fotogramas, Ciudad de Valladolid, Festival de
Almagro, etc. Ha trabajado como director en Francia, Italia, Argentina y
Alemania. Ha sido director del Centro Dramático Nacional (Teatro Nacional
de España) desde 1989 hasta 1994. Desde 1999 al 2011 dirige Escénica
(Centro de Estudios Escénicos de Andalucía)
También ha puesto en escena, entre otras, las siguientes óperas: Macbeth,
Orfeo y Eurídice, La favola de Orfeo, Wozzeck, Lulú, La dueña, El barbero
de Sevilla, La Vida Breve, Carmen, Divinas Palabras, Tosca, Diablos de
Loundun, La Dolores, Las bodas de Fígaro, La finta giardinera, Evangelio
según San Juan, El Gato Montés… Entre sus últimos trabajos ha dirigido la
ópera Fidelio, Romancero, Splendid’s, Solas, Fedra, Yo Claudio, In nomine
dei, La sonrisa etrusca y Electra.
Ficha artística
Reparto: Joaquín abad, Alberto Berzal, Inma Cuevas, Isarel Frías, Dani
Gallardo y Luis Rallo / Versión: Cía. El Auténtico Oeste / Vestuario: Felisa
Kosse / Diseño gráfico: Juanclemente / Fotografía: Alexandra Jiménez /
Diseño iluminación y escenografía: The Blue Stage Family /
Producción: Eslinga / Producción ejecutiva: Cía. El Auténtico Oeste & 94
West Producciones / Dirección: José Carlos Plaza / Música de Mariano
Díaz Dobro interpretado por Borja Montenegro / Maquillaje: Gema Moreno
Más información en:
www.teatroscanal.com
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Danza / Sala Roja
EL SUR
Víctor Ullate Ballet - Comunidad de Madrid
Del 18 al 27 de septiembre
Sobre el espectáculo
Más que un lugar físico, El sur es un sentimiento. Un sentimiento que surge
de un encuentro mágico en Granada a los pies de la Alhambra del Maestro
Morente y del Maestro Ullate. Esa noche de luna llena se gestó El sur, fruto
de la complicidad y la admiración, y nació una coreografía que refleja a
través de que desprende arte y pasión.
El sur narra la historia de una mujer, Estrella, víctima del desprecio y la
violencia de su marido, Antonio, lo que le alienta a encontrar su libertad y el
amor en brazos de otro hombre, Bernardo.
El odio acabará segando trágicamente la ilusión de los nuevos amantes,
cuyo sentimiento sobrevivirá incluso en el más allá.
Sobre la compañía
Víctor Ullate Ballet es una compañía fundada en 1988 por el bailarín,
coreógrafo y maestro de danza Víctor Ullate. Se presentó en sociedad con
22 bailarines en el Teatro Arriaga de Bilbao, el 28 de abril de 1988. Desde
entonces y hasta nuestros días, Víctor Ullate ha conseguido inculcar a su
ballet una personalidad propia que se ha visto reflejada en las diferentes
coreografías. En enero de 1997, Víctor Ullate Ballet se convierte en el ballet
de la Comunidad de Madrid.
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Desde su debut con un programa basado en coreografías neoclásicas, la
Compañía no ha dejado de cosechar éxitos con producciones cada vez
más ambiciosas. Actualmente, y tras más de 20 años de trayectoria, se
halla en un espléndido momento nacional e internacional, realizando entre
70 y 100 actuaciones anuales.
A lo largo de los más de 20 años de trabajo, Víctor Ullate Ballet –
Comunidad de Madrid ha conseguido marcar un estilo propio caracterizado
por la perfección en sus ejecuciones tanto en danza clásica (con grandes
obras como Giselle o Don Quijote) como en montajes más neoclásicos
(Jaleos, Seguirilla, Arrayán D’Araxa, El Amor Brujo, Arraigo, Ven que te
Tiente o Sur). Actualmente, la Compañía gira, tanto dentro como fuera de
nuestras fronteras, con cinco espectáculos diferentes: Samsara, 2 You
Maestro, Wonderland, El Arte de la Danza y Coppélia al que incorporan
Nexo Y Jaleos.
Ficha artística
Coreografía: Víctor Ullate / Dirección artística: Víctor Ullate y Eduardo
Lao / Cantado por: Estrella Morente y Enrique Morente
Más información en:
www.teatroscanal.com
www.victorullateballet.com
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Danza / Sala Roja
COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA
Compañía Nacional de Danza
Del 3 al 19 de octubre
Sobre el espectáculo
En la temporada 2014/2015 la Compañía Nacional de Danza celebra su 35
aniversario. La Compañía avanza con paso firme en la dirección
emprendida desde que José Carlos Martínez tomara la dirección en 2011,
ofreciendo a su público una amplísima paleta de estilos y cosechando hasta
la fecha grandes éxitos de crítica y público. Esta presentación en los
Teatros del Canal, con doble programa y las galas de celebración,
constituye una ocasión de lujo para demostrar hasta qué punto estamos
ante una CND renovada, con una nueva identidad, integradora, ecléctica y
sorprendente por la altura de sus propuestas coreográficas y la calidad de
sus bailarines en todos sus registros.
Programa
Clásicos de hoy (de Petipa a Forsythe)
3, 4, 5, 7 y 8 de octubre
¿Quieres bailar con nosotros? (Forsythe, Ek, Naharin)
11, 12, 14, 15 y 16 de octubre
Gala del 35 aniversario de la CND: Homenaje a María de Ávila
y Tony Fabre
18 y 19 de octubre (Compañía Nacional de Danza y Artistas Invitados)
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Sobre la compañía
La Compañía Nacional de Danza fue fundada en 1979 con el nombre de
Ballet Nacional de España Clásico, y tuvo como primer Director a Víctor
Ullate.
En febrero de 1983 se hizo cargo de la Dirección de los Ballets Nacionales
Español y Clásico María de Ávila, quien puso especial énfasis en abrir las
puertas a coreografías como las de George Balanchine y Anthony Tudor.
Además María de Ávila encargó coreografías a Ray Barra, bailarín y
coreógrafo
norteamericano
residente
en
España,
ofreciéndole
posteriormente el cargo de Director Estable que desempeñó hasta
diciembre de 1990. En diciembre de 1987 fue nombrada como Directora
Artística del Ballet, Maya Plisetskaya, extraordinaria bailarina rusa.
En junio de 1990 Nacho Duato es nombrado Director Artístico de la
Compañía Nacional de Danza, cargo que ejerció durante veinte años, hasta
julio de 2010. Su incorporación supuso un cambio innovador en la historia
de la formación incluyéndose en el repertorio de la compañía nuevas
coreografías originales, junto con otras de contrastada calidad.
En agosto de 2010 Hervé Palito sucede a Duato como Director Artístico
durante un año.
El 17 de diciembre de 2010 el Ministerio de Cultura anuncia el
nombramiento de José Carlos Martínez como nuevo director de la
Compañía Nacional de Danza. Martínez toma posesión de su cargo el 1 de
septiembre de 2011.
El proyecto del bailarín Estrella del Ballet de la Ópera de París para la
Compañía Nacional de Danza se basa en el fomento y la difusión del arte
de la danza y su extenso repertorio, reservando un amplio espacio a la
nueva creación española, sin olvidar a los grandes coreógrafos de hoy. Se
trata de favorecer el acercamiento de nuevos públicos a la danza e impulsar
la proyección nacional e internacional de la CND, de conferirle una nueva
identidad. Se están incluyendo en el repertorio de la CND piezas de otros
estilos como el clásico y el neoclásico, siempre sin descuidar la danza
contemporánea y de vanguardia.
Ficha artística
Director artístico: José Carlos Martínez
Más información en:
www.teatroscanal.com
http://cndanza.mcu.es/es/cnd
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Teatro / Sala Verde
LLUVIA CONSTANTE
Compañía Lluvia constante
Del 9 al 26 de octubre
Sobre el espectáculo
Dos jóvenes policías, Rodo y Dani, amigos desde la infancia, enfrentan en
pocos días una serie de acontecimientos que afectarán sus vidas para
siempre. No sólo su amistad es puesta a prueba, sino su escala de valores,
sentido del honor y lealtad. Los dos personajes nos dan su particular
definición de lo que es la familia, así como de las cuestionables decisiones
morales que toman en su nombre. Pero el recuerdo de cada uno sobre lo
que realmente sucedió en aquellos pocos días en los que esa lluvia
constante no cesó de caer, no necesariamente pareciera ser el mismo…
Lluvia constante fue producida originalmente en 2006 en el New York Stage
and Film`s Powerhouse Theater. Su primera producción profesional fue
realizada por Chicago Dramatists en 2007 y luego por el Royal George
Theatre de Chicago en 2008. En Broadway, se estrenó el 29 de septiembre
de 2010 en el Schoenfeld Theatre, protagonizada por Hugh Jackman y
Daniel Craig bajo dirección de John Crowley, batiendo a la fecha el récord
de espectadores semanales en Broadway para una obra teatral no musical.
Ficha artística
Reparto: Roberto Álamo y Sergio Peris-Mencheta / Versión y dirección:
David Serrano / Diseño de Escenografía y Vestuario: Eliza Sanz / Diseño
de Iluminación: Juan Gómez Cornejo / Ayudante de dirección: Daniel de
Vicente / Fotografías: Jean Pierre Ledos / Diseño gráfico: Alberto Valle
(Hawork Studio) / Producción ejecutiva: Lola Graiño / Dirección de
producción: Ana Jelin / Producción creativa: Coté Soler
Más información en:
www.teatroscanal.com
http://www.ptcteatro.com
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Teatro / Sala Negra
LAS NIÑAS NO DEBERÍAN JUGAR
AL FÚTBOL
La trastienda
Del 13 de octubre al 1 de noviembre
Sobre el espectáculo
Ana, una niña de doce años, Lidia, una chica de treinta y Jose, un hombre
de cincuenta, han tenido un accidente de coche. Sus familiares no saben
quiénes son las otras personas que iban en el coche con ellos ¿Quiénes
son Ana, Lidia y Jose? ¿De qué se conocían? ¿Dónde iban? Y, lo más
importante: ¿por qué ninguno de ellos había hablado de la existencia de los
demás?
Sobre la compañía
La Trastienda es una productora teatral joven, creada en 2013, que cuenta
con un espacio de exhibición propio en el centro de Madrid, donde se
realiza el proceso creativo de sus proyectos. Nace con el deseo de apoyar
la creación y la divulgación de las artes escénicas y de obras de autores
preferiblemente contemporáneos y de calidad
Ficha artística
Reparto: Marta Calvó, Dani Gallardo y Katia Klein / Diseño gráfico:
Juanclemente / Fotografía: Betty Olivares / Diseño iluminación y
escenografía: the BlueStage family / Producción: La Trastienda / Autor y
dirección: Marta Buchaca
Más información en:
www.teatroscanal.com
www.latrastiendamadrid.com
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Investigación teatral / Sala Roja
THE VALLEY OF ASTONISHMENT
(EL VALLE DEL ASOMBRO)
XXXII FESTIVAL DE OTOÑO A PRIMAVERA
Peter Brook y Marie-Hélène Estienne y Théâtre des Boufes du Nord
Del 23 al 26 de octubre
Sobre el espectáculo
“Mientras exploramos las montañas y valles del cerebro, alcanzaremos el
valle del asombro”. Así introduce el gran maestro del teatro contemporáneo
del último siglo Peter Brook su última creación, The Valley of Astonishment
(El valle del asombro), que en el mes de octubre inaugura el XXXII Festival
de Otoño a Primavera de la Comunidad de Madrid.
¿Es posible imaginar un mundo donde cada sonido tiene un color, donde
cada color tiene un sabor, donde el número ocho es una señora gorda?
Esta impactante nueva obra de teatro explora las experiencias fascinantes
de personas reales que ven el mundo bajo una luz radicalmente distinta.
The Valley of Astonishment (El valle del asombro) es un viaje
caleidoscópico a los misterios y maravillas del cerebro humano, inspirado
por años de investigación neurológica, historias reales y el épico poema
místico de Farid Attar La conferencia de los pájaros.
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Peter Brook y Marie-Hélène Estienne vuelven al Théâtre des Bouffes du
Nord tras el éxito internacional de las obras The Suit (El traje) y Une Flûte
Enchantée (Una flauta mágica), también presentadas en el Festival de
Otoño a Primavera, acompañados en esta ocasión por Kathryn Hunter
(Kafka’s Monkey, Fragments), Marcello Magni (Fragments) y Jared McNeill
(The Suit).
Sobre la compañía
Peter Brook es una de las figuras más influyentes del teatro europeo
contemporáneo. Tal y como afirmara El Cultural, “su propósito ha sido
horadar el arte teatral, descubriendo nuevos lenguajes, abriendo el espacio
escénico y apostando por el mestizaje cultural sobre el escenario”. Desde
que dirigió en 1943 su primera obra, ha llevado a escena más de 70 piezas
en Londres, París y Nueva York. Su trabajo con la Royal Shakespeare
Company se tradujo en piezas como Love´s Labour´s Lost (1946), Measure
for Measure (1950), Titus Andronicus (1955), King Lear (1962), US (1966),
A Midsummer Night´s Dream (1970) y Antony and Cleopatra (1978). En
1971 fundó el Centro Internacional para la Investigación Teatral en París y,
tres años más tarde, estableció su base permanente en el Théâtre des
Bouffes du Nord, donde ha dirigido obras como Timon of Athens, The IK,
Conference of the Birds, The Mahabbharata, The Tempest, Tierno Bokar,
The Grand Inquisitor, Sizwe Banzi est Mort, Fragments, Warum Warum,
Love is my Sin, 11 and 12, Une Flûte Enchantée y The Suit. También ha
dirigido óperas para el Covent Garden de Londres y la Metropolitan Opera
House de Nueva York y películas como El señor de las moscas o Le
Mahabbharata. La autobiografía de Brook, Hilos de tiempo, se publicó en
1998 y se unió a otros títulos como The Empty Space (1968), Evoking (and
Forgetting) Shakespeare (2002) y There are No Secrets (1993), traducidos
a 15 idiomas.
Ficha artística
Una investigación teatral de Peter Brook y Marie-Hélène Estienne /
Reparto: Kathryn Hunter, Marcello Magni, Jared McNeill / Músicos:
Raphaël Chambouvet and Toshi Tsuchitori Con la asistencia de: Franck
Krawczyk / Iluminación: Philippe Vialatte / Realización de los elementos
escénicos y regidor: Arthur Franc / Asistente de vestuario: Alice
François / Subtítulos: Pierre-Heli Monot / Producción: C.I.C.T. / Théâtre
des Bouffes du Nord / Coproducción: Theatre for a New Audience, Nueva
York; Les Théâtres de la Ville, Luxemburgo / Coproductores asociados:
Théâtre d’Arras / Tandem Arras Douai; Théâtre du Gymnase, Marsella;
Warwick Arts Center; Holland Festival, Ámsterdam; Attiki Cultural Society,
Atenas; Musikfest Bremen; Théâtre Forum Meyrin, Ginebra; C.I.R.T.; Young
Vic Theatre, Londres
Más información en
www.teatroscanal.com
http://www.bouffesdunord.com/
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Música / Sala Roja
CICLO JÓVENES INTÉRPRETES
Fundación Scherzo
28 de octubre, 2 de diciembre, 10 de febrero y 19 de mayo
Sobre los conciertos
En esta temporada 2014-2015, el Ciclo de Jóvenes Intérpretes de la
Fundación Scherzo vuelve con la fuerza que proporciona el éxito de
público, verdadero artífice de la oportunidad que se les ofrece a estos
jóvenes artistas del piano procedentes de diversos países, algunos ya
figuras internacionales. La labor de este Ciclo es preparar el camino de la
renovación constante del arte musical. Disfrutaremos de los conciertos de
los españoles Juan Carlos Fernández-Nieto el 28 de octubre y Noelia
Rodiles el 2 de diciembre. Ya en 2015, podremos escuchar al portugués
João Xavier Miguel el 10 de febrero y a Behzod Abdurimov, de Uzbekistán,
el 19 de mayo.
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Teatro musical / Sala Verde
AN OLD MONK
XXXII FESTIVAL DE OTOÑO A PRIMAVERA
Josse de Pauw y Kris Defoort / LOD music theatre y Théâtre VidyLausanne
Del 30 de octubre al 1 de noviembre
Sobre el espectáculo
Acompañado por la música de Kris Defoort, Josse De Pauw regresa al
Festival de Otoño a Primavera con la producción musical An old Monk, una
obra inspirada en Thelonious Monk, el mítico pianista y compositor de jazz
estadounidense fundador del bebop, conocido por su estilo único de
improvisación.
An old Monk es una creación que trata sobre las ganas de vivir a toda
costa. “Monk es a la vez sombrío y alegre. Triste y lleno de humor. Un poco
como la vida misma”, señala Jose De Pauw. Mientras su banda toca, un
viejo Monk se levanta dejando el piano a su suerte, estira sus extremidades
entumecidas y se marca un baile. Baila sin otro objetivo que el de bailar,
con entusiasmo y en soledad. En An old Monk, Josse De Pauw y Kris
Defoort se dejan llevar por el baile, que se convierte en una oda al deseo
de elevar los viejos huesos más allá de lo esperado e intentar bailar una
vez más.
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El título del montaje es un juego de palabras que hace referencia al nombre
del artista, pero cuya traducción literal sería “Un viejo monje”. A ritmo de
jazz, y con un centenar de antiguas ilustraciones que se proyectan en el
escenario durante la representación, la producción habla sobre envejecer,
sobre el proceso de desgaste del cuerpo, pero también sobre la resistencia
y el deseo de continuar bailando.
Sobre los artistas y la compañía
Josse De Pauw (1952) fundó la legendaria compañía teatral Radeis en la
década de 1970 y sentó las bases, junto a Hugo de Greef, del teatro
Schaamte, espacio del que después surgiría el Kaaitheater. De Pauw
posee una prolífica carrera como director y como intérprete, no solo de
obras teatrales, sino también de películas. Entre otros, ha trabajado con el
director Dominique Deruddere en Wait until spring, Bandini (1989),
Hombres Complicados (1997) y Everybody’s Famous (Ledereen Beroemd)
(2000), que recibió una nominación al Oscar como Mejor Película
Extranjera en el año 2000. Ese mismo año, su carrera fue reconocida con
el premio Océ Podium, uno de los galardones más importantes de su país.
Entre otros, ha coincidido también con el director Jaco van Dormael en Le
Huitième Jour (1996). Como director, su obra Weg and Larf obtuvo un gran
éxito internacional. Como actor, ha actuado en muchas películas y
producciones teatrales. En la última década, ha participado en diversos
proyectos teatrales, como Die Siel Van Die Mier (El alma de las termitas)
(2004), Onder de vulkaan (Toneelhuis, 2009), Blood and Roses
(Toneelhuis, 2011), The Hanged (LOD, 2011).
En sus más de 20 años de trayectoria, la compañía operística y de teatro
musical LOD Music Theatre ha conseguido conjugar de manera brillante la
experimentación sonora con diferentes textos dramáticos. Trabajando con
un comité de expertos, entre los que se encuentran compositores como
Kris Defoort, directores como Josse De Pauw y artistas visuales como
Patrick Corillon, la productora belga se ha convertido en un gran laboratorio
de ideas, cada día más ambicioso. El afán de investigación y de
aproximación al teatro a través de la música le ha llevado a cultivar
múltiples géneros y a cosechar firmes ovaciones no solo en su país sino
también en el extranjero. Montajes como The Woman Who Walked into
Doors, The Passion of Judas, Yerma, o más recientemente, The Hanged y
Middle East, han demostrado que la calidad no está reñida con la cantidad
y que la prolífica actividad de LOD tiene al público de su parte. Desde la
compañía aseguran que la sinergia entre artistas de diferentes disciplinas
es la base de su filosofía y aventuran numerosos proyectos para los
próximos años, sobre todo, en apoyo a los jóvenes artistas.
El Théâtre Vidy-Lausanne programa más de cuarenta producciones
diferentes al año, muchas de las cuales son de creación propia, con más de
500 representaciones anuales en su sede de Lausanne y aproximadamente
un millar de representaciones al año en 20 países con sus producciones en
gira. Por su parte, el Théâtre au bord de l’eau acoge con entusiasmo las
artes escénicas contemporáneas en todas sus formas.
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Muchos artistas suizos y europeos se sienten aquí como en casa, algunos
de ellos de renombre internacional, como Thomas Ostermeier, Krystian
Lupa, James Thiérrée, Sidi Larbi Cherkaoui, Luc Bondy o Heiner Goebbels,
aunque también ofrece un suelo fértil para jóvenes talentos.
Ficha artística
Texto: Josse De Pauw / Compositor: Kris Defoort / Inspirada en
Thelonious Monk / Intérpretes: Josse De Pauw y Kris Defoort Trio (Kris
Defoort piano; Nicolas Thys bajo eléctrico; Lander Gyselinck, batería) /
Imágenes: Bache Jespers y Benoit van Innis / Producción: LOD music
theatre y Théâtr Vidy-Lausanne.
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Flamenco contemporáneo / Sala Verde
BOSQUE ARDURA
XXIX FESTIVAL INTERNACIONAL MADRID EN DANZA
Compañía Rocío Molina
6 y 7 de noviembre
Sobre el espectáculo
Con Bosque Ardora Rocío Molina invita al público a adentrarse en el
corazón de un bosque quimérico donde se desarrolla un juego ambiguo y
peligroso.
Ella es la Mujer, a la vez Artemisa cazadora y la zorra Teumesia, criatura
mitológica inasible, seductora y dominante, enviada para destruir Tebas por
encargo de Dionisos. Es el combate entre naturaleza y civilización, cuando
las pulsiones más irracionales se imponen sobre la razón humana.
Rocío Molina asume con audacia una visión distinta y compleja del
flamenco para dar una vuelta de tuerca más a este género y reconvertirlo
en escena contemporánea.
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Música, Danza, Teatro
1914. MEMORIA MUSICAL DE UNA
ÉPOCA DE GUERRA (1914/18
CENTENARIO)
12 HORAS ININTERRUMPIDAS DE MÚSICA, DANZA, TEATRO Y
OTRAS ACTIVIDADES
9 de noviembre
Sobre el maratón
Tras la gran acogida que han tenido los maratones Chopinissimo,
TempoListz, Contrapunto juvenil y Suspiros de España, los Teatros del
Canal presentan esta vez un recorrido musical por una época- en torno a
la primera guerra mundial- determinante en el destino de las corrientes
artísticas. El término “vanguardia” proviene del léxico militar, y en 1914 el
arte de las llamadas “vanguardias” se encontraba en pleno nacimiento.
Doce horas de música, danza, teatro circo, cine, exposiciones, que se
complementan con gastronomía y conferencias.
Los grandes compositores del inicio del S.XX estuvieron influenciados por
este conflicto bélico, la reflexión estética irá incorporando estas vivencias
en sus obras dejando una huella evidente; una jornada para pasearse por
todos los rincones de los Teatros del Canal y emocionarse escuchando la
música de estos autores.
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Danza-teatro / Sala Roja
RURH-ORT
XXIX FESTIVAL INTERNACIONAL MADRID EN DANZA
Suzanne Linke / Renegade
Del 13 al 15 de noviembre
Sobre el espectáculo
Susanne Linke (1944) es una de las pioneras de la Tanztheater alemana.
Alumna de Mary Wigman y coetánea de Pina Bausch y Reinhild Hoffmann,
su investigación coreográfica está guiada por la transparencia y por
cuestionar permanentemente la motivación del movimiento. Su legendaria
pieza Ruhr-Ort, creada en 1991, adquiere nueva vida junto a la joven
compañía Renegade. Link lleva el duro trabajo de las minas al escenario,
con un grupo de hombres que en el siglo XXI aportan otro ritmo, otro
lenguaje y una complicidad intergeneracional que asume los cambios y
busca un nuevo futuro.
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Danza contemporánea / Sala Verde
NÓMADA
XXIX FESTIVAL INTERNACIONAL MADRID EN DANZA
Compañía Manuel Liñán
15 y 16 de noviembre
Sobre el espectáculo
El ser humano sigue siendo nómada. Manuel Liñán propone un viaje
colectivo ubicado en diferentes zonas geográficas que enmarcan el
flamenco en diversos momentos y circunstancias temporales. Este
espectáculo es una homenaje al movimiento, un canto al inmenso tapiz en
el que vivimos y una oda particular a la migración creativa responsable de
la supervivencia personal y artística. Con seis intérpretes, tres voces y dos
guitarras, Liñán busca nuevos lenguajes y lugares donde encontrar
emociones para llenar el inmenso vacío y sobrevivir. El viaje continúa y los
nuevos nómadas pueblan un mundo diferente.
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Danza / Sala Roja
LAC
XXIX FESTIVAL INTERNACIONAL MADRID EN DANZA
Les Ballets de Monte-Carlo / Madrid en Danza / Teatros del Canal
Del 20 al 23 de noviembre
Sobre el espectáculo
LAC de Jean-Christophe Maillot sitúa de nuevo la narración en el corazón
de la obra. En colaboración con el escritor Jean Rouaud, Maillor se
reconcilia con los tormentos de un relato en conexión con los miedos de la
infancia y los terrores nocturnos. Estas experiencias ocultas emergen aquí y
se asocian a un contexto familiar maquiavélico que sirve de base a un ballet
en claroscuro.
La obra muestra el tránsito del estado animal al humano, interrogando
nuestra propia naturaleza. Creemos ser diferentes a los animales por
nuestra capacidad de elección y decisión pero, ¿tenemos realmente esa
capacidad? ¿Acaso no estamos todos tan extraviados como este Príncipe?
Jean-Christophe Maillot muestra lo indeciso entre el blanco y el negro, entre
el bien y el mal, el candor y el erotismo. Puede que nuestra humanidad no
se apoye más que en esta insaciabilidad frustrada que define al ser humano
desde el primer grito - ¡Lo queremos todo!
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Sobre el coreógrafo, Jean-Christophe Maillot
Actual director coreógrafo de Les Ballets de Monte
Carlo estudió en la escuela de Rosella Higtower.
Premiado con el Prix de Lausana en 1977, fue solista
de John Neumeier y fundó la compañía CCN en
Tours. En los últimos treinta años ha creado unas
sesenta piezas para Les Ballets de Monte-Carlo
pasando por los grandes ballets narrativos hasta
piezas cortas. Algunas de sus piezas forman parte del repertorio de
compañías internacionales como los Grands Ballets Canadiens, Royal
SwedishBallett, Stuttgart Ballet, American Ballet Theatre, Béjart Ballet
Lausanne. Interesado en el trabajo de otros artistas , es conocido por su
espíritu abierto y su voluntad de invitar a coreógrafos de estilos diferentes a
crear para su compañía . En el año 2000 creo el Monaco Dance Forum, una
vitrina internacional de la danza donde se presentan tanto espectáculos
como exposiciones y atelier y conferencias.
En 2007 realiza su primera puesta en escena de ópera, Fausto, en el Teatro
Nacional de Hesse y su primer film Cendrillon, en 2008 el film Le Songe,
2009 Norma para la Ópera de Monte Carlo. En ese mismo año se celebra el
Centenario de los Ballets Rusos en Mónaco acogiendo a más de 50
compañías y coreógrafos. En 2011, bajo la Presidencia de SAR la Princesa
de Hanovre, Les Ballets de Monte Carlo reúne en una misma estructura a la
compañía, el Monaco Dance Forum y la Academia Princesa Grace.
Ficha artística
Coreografía: Jean-Christophe Maillot / Música: Piotr Ilitch Tchaikovski
Escenografía: Ernest Pignon Ernest / Vestuario: Philippe Gillotel /
Dramaturgia: Jean Rouaud / Composición: Bertrand Maillot
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Danza contemporánea / Sala Verde
WHAT THE BODY DOES NOT
REMEMBER
XXIX FESTIVAL INTERNACIONAL MADRID EN DANZA
Compañía Última vez
Del 21 al 23 de noviembre
(Foto: Danny Willems)
Sobre los conciertos
What the body does not remember fue concebida en 1987 por Win
Vandekeybus. Fue su primera pieza coreográfica. Una marea de cuerpos
sometidos a presión desbordaba la escena con áspera energía y febril
vehemencia. Mediante el uso de saltos electrizantes, giros y
desplazamientos en el suelo, este artista flamenco da lugar a una escritura
electrizante que se convierte en un manifiesto acerca de una danza animal
realizada en los límites del peligro y el riesgo corporal. Win va a influir en
numerosos artistas y esta recreación nos demuestra el origen de este
exceso físico llamado “Vandekeybus”.
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Teatro / Sala Verde
CASA DE MUÑECAS
CulturArts Generalitat Valenciana
Del 27 de noviembre al 7 de diciembre
Sobre la obra
Casa de muñecas es uno de los textos teatrales que ha propiciado el mayor
número de estudios críticos y cuyo personaje central, Nora Helmer, se ha
convertido en un icono absoluto del teatro. Escrita en 1879 y estrenada en
1880, Casa de muñecas constituye un reclamo por la libertad femenina,
aunque el clamor por ésta, es sólo una excusa para reclamar la libertad de
todo individuo a tomar su vida en manos propias. Las tópicas y recurrentes
etiquetas de obra feminista, reducen toda la profundidad que encierra la
obra, ya que fundamentalmente, Ibsen reflexiona sobre la alienación del
individuo en la sociedad. Por tanto, cabría denominar “muñecas” tanto a
Nora como a su marido Torvald, ya que este último, asumiendo su papel
patriarcal, también es víctima de una sociedad dictatorial con los roles.
Ibsen nos habla de la necesidad de tomar conciencia y de actuar. Nora lo
hace, en uno de los finales más hermosos jamás escritos en una pieza
teatral. La corrupción, la alienación económica, la descomposición de las
estructuras de organización tradicional como la familia, lo absurdo de la
justicia y las diferencias de clase, dan consistencia y rigor a la obra del
escritor noruego.
Nora Helmer es una auténtica heroína, una mujer capaz de amar como
pocos y de sacrificarse por los demás en un mundo profundamente
materialista, y al mismo tiempo Nora es un puro grito al inconformismo. Su
portazo final suscita un anhelo revolucionario más allá del escenario.
Sigamos la pista de Nora… - Ximo Flores
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Sobre el director, Ximo
Flores
En 1995 funda, junto a la
actriz Ruth Atienza, el
grupo y la sala Teatro de
los
Manantiales
de
Valencia,
donde
desarrolla
desde
entonces
labores
de
escenografía y dirección artística.
Dirección de escena: (2012) Rey Lear (2010) Hamlet (2009) Cíclido
Amarillo (2008) Ground Zero (2007) Ciudadano Sade con Textos de Paco
Zarzoso y Sergio Aguilar(2006) Makbet con textos de Antonio de Paco,
(2005) Parpadeos, con textos de Antonio de Paco, ESAD-Teatro de los
Manantiales, Valencia. (2004) Especulaciones, con textos de Arturo
Sánchez Velasco (2003) Ácaros, de Xavier Puchades (2002) Morir debería
ser tan simple como perder el equilibrio con textos de Arturo Sánchez
Velasco y Xavier Puchades. (2001) Rey Lear de Rodrigo García. (2000)
Escoptofilia con textos de Xavier Puchades y Arturo Sánchez Velasco
(2000) Camisetas blancas de manga larga de mujer de Daniel Veronese.
(1999) Acera derecha de Rodrigo García. (1998) Fin de partida de Samuel
Beckett, donde también participa de actor recibiendo premio a la mejor
interpretación en el Festival de Irún 1999. (1997) Las criadas de Genet.
(1995) Ligazón de Valle-Inclán, donde participa igualmente como actor.
Premios recibidos: (2005) Nominación a la mejor dirección de escena en
los Premis de les Arts Escèniques de la Generalitat Valenciana por Ácaros.
(2003) Morir debería ser tan simple como perder el equilibrio, Premi de les
Arts Escèniques de la Generalitat Valenciana, a la mejor dirección
escénica de Ximo Flores. (2001) Escoptofilia, obtiene el Premio de la
Crítica Valenciana al mejor espectáculo y escenografía. (2000) Premio de
la Crítica Valenciana a la mejor dirección por Acera derecha, obra que
también fue premiada a la mejor contribución actoral.
Ficha artística
Texto: Henrik Ibsen / Versión y adaptación: Jerónimo Cornelles y Ximo Flores /
Dirección: Ximo Flores / Reparto: Rebeca Valls, Jerónimo Cornelles, Teresa
Crespo, Manolo Puchades, Miquel Mars, María Minaya
Más información en:
www.teatroscanal.com
http://teatres.gva.es/teatro
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Danza contemporánea / Sala Verde
FREE FALL
XXIX FESTIVAL INTERNACIONAL MADRID EN DANZA
Compañía Sharon Fridman
28 y 29 de noviembre
(Foto: Jesús Ubera)
Sobre el espectáculo
Para Fridman la “supervivencia es una cuestión vertical: levantarse tras
caerse constituye un ciclo infinito que se reproduce cada día”. Desde esta
idea teórica y usando el contact como técnica corporal que implica la
consciente relación con el otro, Free Fall se convierte en una metáfora
sobre la supervivencia, la guerra y la reconstrucción. Sobre una impactante
partitura original de Luis Miguel Cobo, esta compañía pone en pie una obra
para veintiséis intérpretes. Crean paisajes y escenografías vivas mientras
seis bailarines principales llegan a la extenuación para restaurar un orden
propio.
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Teatro / Sala Verde
QUERIDO IBSEN: SOY NORA
DE BAIRES A MADRID
Del 4 al 7 de diciembre
(Foto: Valeria Fiorini)
Sobre la obra
Griselda Gambaro en su obra inédita Querido Ibsen: soy Nora (2012), una
vez más, confunde los tantos del consenso teatral: hace del autor un
comediante de sí mismo y del personaje una identidad de autoría. ¿Cómo
hace esta operación de inversión y desplazamiento? Poniendo a Henrik
Ibsen en escena, en el momento mítico, en que escribe su obra Casa de
muñecas. En la subversión de Gambaro, Henrik, tiene que vérselas con
Nora Helmer, el personaje principal de la obra. Debe negociar con ella lo
que dice y lo que hace. De esta manera el autor ya no es lo que “hace
hablar” al personaje sino una manera de intervenir en los intercambios y
negociaciones de una identidad en construcción. Henrik, un autor que no
puede desconocer las reglas machistas y colonialistas de su tiempo, está
obligado a litigar con un subalterno sus construcciones ficcionales. “Desde
antes, desde mucho antes de que usted intentara hablar por mí, señor
Henrik, desde un tiempo que usted no recuerda, ya me estaba escribiendo.
Usted sólo me copió a su modo”, le dice Nora a Henrik. Una mujer que ya
no sólo falsifica la firma del padre, abandona a su marido y a sus hijos sino
que también se emancipa del autor que supuestamente le da la voz.
Entonces, ¿quién es el autor de Casa de muñecas, Henrik Ibsen o Nora
Helmer? En la versión de Gambaro, Nora parece estar afirmando: soy mi
propia imagen, me construyo a mí misma.
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Se trata aquí de una Nora que ha entrado a la era de la revolución técnica
de la imagen y el litigio por el copyrigth, donde tanto el fotógrafo como el
fotografiado se declaran, al mismo tiempo, propietarios de la imagen.
Querido Ibsen: soy Nora, hace un teatro de la identidad como negociación
de las posibilidades de un sujeto culturalmente atrapado; y del litigio por la
autoría, una condición de posibilidad de la emancipación subjetiva.
Sobre la dramaturga, Griselda Gambaro
Es una de las dramaturgas argentinas más representadas en Argentina y
en el exterior. Sus obras de teatro, más de cuarenta, han sido traducidas a
diversos idiomas y publicadas y montadas en varios países En 1977 un
decretó de la dictadura militar argentina prohibió su novela Ganarse la
muerte, y Gambaro se exilia a España por tres años. Además, de haber
sido declarada Ciudadana Ilustre de la Ciudad de Buenos Aires, y haber
sido galardonada con diversos premios nacionales e internaciones, en el
2012 recibió el premio Atahualpa del Cioppo del Festival Iberoamericano de
Teatro de Cádiz en reconocimiento a su trayectoria artística. Por Querido
Ibsen: soy Nora recibió el premio Trinidad Guevara del Ministerio de Cultura
de la Ciudad de Buenos Aires como mejor autora de la temporada teatral
2013.
Sobre el director, Silvio Lang
Silvio Lang es director escénico y se dedica a la investigación teórica, la
enseñanza y colaboraciones artísticas. Ha puesto en escena obras de
Eurípides, Jean Racine, Margueritte Duras, Tennesse Williams, Yukio
Mishima, Alain Badiou, Griselda Gambaro, Daniel Veronese, Copi y
Alejandro Urdapilleta. Incursionó en la dramaturgia con su obra Tango
Nómade. Luego, en varios montajes, desarrolló una dramaturgia en diálogo
con la literatura. Escribió la “Introducción al teatro de Griselda Gambaro,
publicada en el teatro reunido de esa autora, por De la Flor, en el 2011. Por
Querido Ibsen: Soy Nora obtuvo el Premio Florencio Sánchez de la Casa
del Teatro de Argentina como Mejor Director de la temporada teatral 2013.
Sobre la compañía
Querido Ibsen: soy Nora fue producida y estrenada en el Teatro General
San Martín, sala Cunill Cabanellas, durante la temporada 2013 del
Complejo Teatral de Buenos Aires. Por su éxito de público y crítica – la
vieron más de 7.500 espectadores en una temporada de 4 meses, 5
funciones semanales, en la sala Cunill Cabenellas, de 110 localidades- la
obra se reestreno en abril del 2014, en el Teatro Hasta Trilce de Buenos
Aires, de 140 localidades, donde hasta el mes de junio la han visto, con 1
función semanal, más de 1300 espectadores. La obra ha sido invitada a:
Festival de Teatro de Rafaela (Santa Fe, Argentina, 2014), y Festival
Internacional de Buenos Aires (Argentina, 2013).
La obra ha obtenido los premios: Florencio Sánchez de la Casa del Teatro
(Argentina) por mejor Actriz Protagónica (Belén Blanco) y mejor Dirección
(Silvio Lang); Trinidad Guevara del Ministerio de Cultura de la Ciudad de
Buenos Aires por mejor Autora (Griselda Gambaro).
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Además de las nominaciones a los Premios Florencio Sánchez por mejor
Actor Protagónico (Alberto Suarez) y mejor Iluminación (Gonzálo Córdova);
Premios María Guerrero de la Asociación Amigos del Teatro Nacional
Cervantes (Argentina) por major Iluminación; y Premios Teatro del Mundo
de la Universidad Nacional de Buenos Aires (Argentina) también por mejor
Iluminación.
Ficha artística
Autoría: Griselda Gambaro / Dirección: Silvio Lang / Elenco: Belén
Blanco, Edgardo Castro, Ezequiel Díaz, Patricio Aramburu, Victoria Roland,
Esteban Masturini, Pochi Ducasse, Pablo Cécere / Música original: Pablo
Cécere / Escenografía e iluminación: Gonzálo Córdova / Diseño de arte
y vestuario: Renata Schussheim
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Teatro / Sala Roja
PINTI RECARGADO
DE BAIRES A MADRID
Enrique Pinti
4 y 5 de diciembre
(Foto: Gianni Mestichelli)
Sobre el espectáculo
La crisis es el “estado natural” de la historia mundial. Los períodos
aparentemente estables, son nada más ni nada menos, que incubaciones
de la próxima crisis. Partiendo de esa base el humor es una buena manera
de lograr, si no entender al menos soportar los embates del disparatado
devenir histórico. Tomar en broma lo aparentemente serio lejos de
banalizar el horror es quitarle la máscara siniestra y reducirlo al ridículo, lo
único que molesta realmente a los poderosos.
Este monólogo siempre irónico, a veces melancólico, otras mal hablado
trata de hablar de las crisis económicas, las sociales y las de nervios. El
autor – actor - tiene 75 años y es argentino, dos condiciones: la vejez y la
nacionalidad que lo habilitan para hablar del tema. Este será un paseo por
la historia del mundo con destino final incierto y varias escalas en el sur del
continente americano. Si puede, ría, si quiere llore, y si prefiere reflexione.
– Enrique Pinti.
Sobre Enrique Pinti
Enrique Alejandro Pinti (Buenos Aires, 1939) es un reconocido actor,
humorista, director teatral, escritor y dramaturgo argentino, con una extensa
trayectoria teatral y cinematográfica. Famoso por su “verborragia” y su
desenfado, ha creado obras infantiles y para adultos, sketches ,
monólogos, comedias musicales, cuentos y espectáculos para music-hall y
caféconcierto.
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Música / Sala Roja
REMEMORANDO A JULIO
DE BAIRES A MADRID
Susana Rinaldi
6 y 7 de diciembre
(Foto: Christian Inglize)
Sobre el espectáculo
A través de su clásico repertorio de tangos, fragmentos de la obra del
escritor y anécdotas de la amistad que compartieron, la cantante hace
posible un encuentro con Julio Cortázar. La acompaña en piano Juan
Esteban Cuacci, excelente músico argentino que reside en España.
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Música / Sala Roja
MARIANNE FAITHFULL EN
CONCIERTO
XXXII FESTIVAL DE OTOÑO A PRIMAVERA
10 de diciembre
Sobre el espectáculo
Este fin de año del 2014 va a ser muy especial en la carrera de Marianne
Faitfull, que celebra su 50 aniversario sobre los escenarios con una gira
mundial.
En septiembre, se publica su nuevo disco Give My Love to London. La
banda que la ha acompañado en la grabación está compuesta por Adrian
Utley (Portishead), los teclados de Ed Harcourt, Rob Ellis (batería), Dimitri
Tikovoi (bajo) y un cuarteto de cuerda. Como invitados aparecen Warren
Ellis y Jim Sclavunos (Nick Cave and the Bad Seeds). Marianne ha escrito
la mayoría de las letras, mientras que la música está compuesta por Nick
Cave, Anna Calvi, Roger Waters, Pat Leonard, Tom McRae y Steve Earle.
Casi nada. En noviembre la editorial Rizzoli publica, el libro As Tears go By
(coincidiendo con la aparición de la mítica canción de mismo nombre). Este
título pretende ser el libro definitivo sobre Faithfull. Reuniendo una
colección personal de fotografías que recorren su trayectoria, desde su
explosivo éxito en el Londres de los años 60, su relación con los Rolling
Stones, sus trabajos como actriz junto a Orson Welles, Jean-Luc Godard,
Alain Delon o Sofia Coppola y sus colaboraciones con David Bowie, Nick
Cave o Beck. Con introducción de Salman Rushdie y fotos de Steven
Meisel, David Bailey y Anton Corbijn, entre otros.
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Como cantante de folk, Marianne Faithfull fue descubierta en un café de
Londres por el manager de los Rolling Stones en 1964. Cinco décadas
después, su trabajos en la música, sus actuaciones como actriz de cine y
teatro y su estilo personal la han convertido en un icono indiscutible de la
cultura popular.
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Musical humorístico / Sala Verde
BOSSI BIG BANG SHOW
DE BAIRES A MADRID
Martin Bossi
10 y 13 de diciembre
(Foto: Claroscuro Producciones)
Sobre el espectáculo
Una gran apuesta musical de alto despliegue en la que Bossi, acompañado
por músicos en vivo, recrea a los grandes artistas de la música de todos los
tiempos, recorre con inteligencia a través de sus monólogos la problematica
del día a día de las personas, sus problemas de comunicación en la era de
la hiperconexión, la música, los valores extintos, ahondando siempre en
necesidad humana de la risa. Un espectáculo para ver, vivir y sentir.
Un recorrido por los últimos 50 años de historia de la música, la Televisión,
el cine y el teatro en un solo show. Una profunda reflexión humorística
sobre el Teatro, el Cine, la Música, la Comunicación y las Relaciones
Humanas en nuestros días. En este nuevo musical MARTÍN BOSSI
representará a los grandes íconos de la música internacional y nacional de
todos los tiempos, pasando por Frank Sinatra, Ray Charles, Elton John,
John Lennon, entre otros.
Martín Bossi, actor, humorista e imitador, es uno de los artistas de mayor
éxito de la cartelera teatral porteña. Comenzó su carrera como actor en el
año 2000, y desde entonces ha escalado a las cimas más altas de la
popularidad, conviertiendo cada uo de sus shows en espectaculares éxitos
de crítica y público.
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Famoso también en la televisión por sus intervenciones en el programa
Show Match en donde sobresalió sobre todo por su imitación de la
Presidenta Cristina Fernández de Kirchner
Ficha artística
Interpretación: Martín Bossi / Actuación Especial: Manuel Wirzt /
Dirección General: Emilio Tamer / Producción: Diego Djeredjian - Lino
Patalano
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Música / Sala Verde
ELENA ROGER EN CONCIERTO
DE BAIRES A MADRID
Elena Roger
11 y 12 de diciembre
(Foto: Fernando Carrera)
Sobre el espectáculo
Al tiempo que presenta Tiempo Mariposa -su nuevo trabajo discográficoElena Roger recorre los temas más emblemáticos de las comedias
musicales, con un repertorio que la lleva desde la famosa Evita de Weber y
Rice, pasando por Los Miserables, Fiebre del sábado noche y Mina che
cosa sei?, hasta llegar a La Piaf –por cuya interpretación ganó en
Inglaterra el Lawrence Olivier Award en 2008 y conmovió al público
español dos años más tarde.
Ficha artística:
Voz: Elena Roger / Direción musical: Javier López del Carril / Músicos:
Christine Brebes, Osvaldo Tabilo, Andrés Dulcet, Carlos Britez
Más información en
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Música, danza / Sala Roja
A+A
Ara Malikian y Ángel Corella
Del 18 de diciembre al 4 de enero
(Foto: Diego Berro // Foto Agency)
Sobre el espectáculo
A veces, el destino juguetón y aparentemente casual, provoca encuentros
entre seres carismáticos, como lo son Ángel Corella y Ara Malikian. Uno de
los violinistas más famosos del panorama internacional y uno de los
grandes bailarines del mundo, aúnan sus energías, su ímpetu, su coraje y
su capacidad de conectar con el público, para presentar un programa lleno
de encanto, fuerza y sugestión.
Arropados por los primeros bailarines del Barcelona Ballet; Dayron Vera;
Carmen Corella; Kazuko Omori, Natalia Tapia y Russell Ducker y la
extraordinaria participación de miembros de la orquesta de cuerda, “La
Orquesta en el Tejado”; curtidos todos ellos, en mil batallas escénicas, y
que conjuntamente con los dos primeros espadas, configuran un
espectáculo sumamente atractivo y cautivador.
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Sobre Ángel Corella
Comenzó a los 10 años su formación en danza
clásica de la mano de Víctor Ullate. En 1991 ganó el
Primer Premio en el Concurso de Ballet Nacional de
España, pasando a formar parte, con tan solo 15
años de la Compañía de Victor Ullate. Tras ser
preparado por Karemia Moreno, en 1994, recibe el
Gran Premio y la Medalla de Oro, máximas
distinciones en el Concurso Internacional de Danza
de París. En 1995, se incorpora al American Ballet
Theatre como Solista, y obtiene la categoría de
Bailarín Principal un año más tarde. Ángel Corella es
también estrella invitada del Royal Ballet de Londres, de la Scala de Milán,
del Bolshoi Ballet de Moscú, del Kirov Ballet de Sant Petersburgo, del New
York City Ballet, del Ballet de Australia, del Ballet de Tokio, del Ballet de
Chile, del Ballet de Caracas del Ballet de Georgia y del Ballet de Finlandia.
En el año 2000, fue galardonado con el Premio Internacional “Benois de la
Dance” por su trabajo en Other Dances, de Jerome Robins. A lo largo de su
trayectoria profesional ha representado todos los roles principales del
repertorio clásico y neoclásico, tales como: Basilio en Don Quijote; Alí y
Conrad en El Corsario; Solor en La Bayadera; Príncipe Deseado en La
Bella Durmiente; Romeo en Romeo y Julieta; Colás en La Fille Mal Gardèe;
Danilo y Camilo en La Viuda Alegre; Sigfrido en El Lago de los Cisnes;
Albrech en Gisselle; Aminta en Silvia; Príncipe en Cascanueces; Lensky en
Oneguin; Des Griex en Manon; James en La Silphide; Fancy Free de
Jerome Robins; Americans We; Push come to Shore; Concerto Nº 1 for
piano and orchestra de TTwyla Tharp; Tema y Variaciones, Mozartiana,
Allegro Brillante de G. Balanchine; Clear y WE got it Good de Stanton
Welch; In The Middle Somewhat elevated de William Forsythe;
Workwhitinwoek, Petit Mort, Sechs Tänze, Symphonieta de Jiri Kylian; VIII
de Cristopher Wheeldon, etc.
Coreógrafos de la talla de John Neumeier; Twyla Tharp, Mark Morris,
Cristopher Wheeldon, David Parson y María Pagés, han creado trabajos
especialmente para él.
Ángel Corella bailó en el estreno de la Temporada de Otoño del City Center
de New York, en una gala extraordinaria de lírica y danza junto a Cecilia
Bartoli. La Fórmula obtuvo tanto éxito que se repitió nuevamente con las
sopranos Ainhoa Arteta en San Sebastian y Andorra, Con Isabel Rey en el
Palau de la Música Catalana y con Ángeles Blancas en Miami. El 4 de
noviembre de 2002 le fue concedido el Premio Nacional de Danza en la
modalidad de “Interpretación”, en reconocimiento a la excepcionalidad de
su danza y como representante de toda una generación de artistas
españoles que han destacado en compañías internacionales.
En abril del 2008, nace el Corella Ballet, compañía creada por el bailarín y
que viene a cubrir un hueco importante de la danza en nuestro país desde
hace más de 20 años.
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Sobre Ara Malikian
Ara Malikian es, sin duda uno de
los más brillantes y expresivos
violinistas de su generación.
Poseedor de un estilo propio,
forjado a partir de sus orígenes y
ricas vivencias musicales, su violín
se alza como una de las voces
más originales e innovadoras del
panorama musical.
Galardonado con los premios más prestigiosos a nivel mundial, realiza más
de 450 funciones anuales en más de 40 países. Tiene más de 40 discos
grabados y ha creado su propia orquesta. Ha participado en proyectos para
la gran pantalla, ha elaborado BSO para varias películas y lleva cuatro años
presentando el programa semanal Pizzicato de TVE.
Nacido en Líbano en el seno de una familia Armenia, Ara Malikian se inició
en el violín a muy temprana edad de la mano de su padre. Dio su primer
concierto con 12 años y a los 15, recibió una beca del Gobierno Alemán
(DAAD) para cursar estudios en la Hochschule für Musik und Theater
Hannover. Posteriormente amplió sus estudios en la Guildhall School of
Music and Drama de Londres, además de recibir lecciones de algunos de
los más prestigiosos profesores del mundo como Franco Gulli, Ruggiero
Rici, Ivri Gitlis, Herman Krebbers o miembros del Alban Berg Quartett. Una
inagotable inquietud musical y humana, ha llevado a Ara Malikian a
profundizar en sus propias raíces y asimilar la música de otras culturas del
Medio Oriente (árabe y judía), Centro Europa (gitana y Kletzmer), Argentina
(tango) y España ( flamenco), todo ello dentro de un lenguaje muy personal
en el que se dan la mano la fuerza rítmica y emocional de estas músicas
con el virtuosismo y la expresividad de la gran tradición clásica europea.
Ficha artística:
Dirección artística coreografías: Ángel Corella / Director Artístico
Musical: Ara Malikian / Bailarines: Ángel Corella, Dayron Vera, Carmen
Corella, Kazuco Omori, Natalia Tapia, Russell Ducker / Músicos: Ara
Malikian, Humberto Armas, Jorge Guillén, Alaia Ferrán, Sara Morgado ,
Estefanía Villarón / Producción: Barcelona Ballet
Más información en
www.teatroscanal.com
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Teatro / Sala Verde
THE GAGFATHER
Yllana
Del 18 de diciembre al 11 de enero
(Foto: Julio Moya)
Sobre el espectáculo
Cuatro gánsters aterrorizan la ciudad. Un policía harto de la corrupción del
sistema y las tropelías de éstos, recluta a un selecto grupo de disparatados
polis para pararles los pies. El bien contra el mal, ¿o todo lo contrario?. Con
esta premisa arranca el nuevo espectáculo de Yllana, un homenaje al "cine
negro", lleno de delirantes situaciones de humor negro, inventiva teatral y el
código gestual marca de la compañía. Un divertidísimo viaje a las bajos
fondos y a los más bajos instintos, no exento de crítica y reflexión sobre el
bien y el mal.
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Sobre la compañía
Yllana nace en 1991 como compañía de teatro de humor gestual, aunque
en la actualidad ha diversificado su actividad ofreciendo distintas
prestaciones en el mundo de las artes escénicas y el audiovisual. Por un
lado se dedica a la creación, producción y distribución de espectáculos,
eventos y formatos audiovisuales y por otro gestiona espacios teatrales y
desarrolla diferentes proyectos en el ámbito cultural. Los miembros de
Yllana son Juan Francisco Ramos, Marcos Ottone, David Ottone, Joseph
O´Curneen y Fidel Fernández. En estos 23 años Yllana ha producido
veintitrés espectáculos teatrales: ¡Muu! (1991), Glub, Glub (1994), 666
(1998), Hipo (1999), Rock and Clown (2000), Spingo (2001), Splash!
(2002), Star Trip (2003), Los Mejores Sketches de Monty Python (2004),
Olimplaff (2004), La Cantante Calva (2005), Buuu! (2006), PaGAGnini
(2007), Musicall (2007), Brokers (2008), Zoo (2009), Sensormen (2010),
¡Muu! 2 (2011), The Hole (2011), Action Man (2012), Far West (2012),
Monty Python, Los Mejores Sketches (2013) y Malikianini, Sinfònic Ara
(2014). Estos montajes se han representado en más de 2000 ocasiones en
más de 30 países y han sido vistos por más de un millón y medio de
espectadores. Destacan en el extranjero temporadas teatrales en Nueva
York, Montreal, México DF, Roma, Londres y París y la participación en
festivales internacionales de gran prestigio como el Fringe Festival de
Nueva York (USA), obteniendo el Premio “Outstanding Unique Theatrical
Event” por 666 en 2009, El Fringe Festival de Edimburgo (UK)
galardonados con el Premio al Mejor Espectáculo del Fringe por los
editores del periódico “Three Weeks” por PaGAGnini en 2008, y el Festival
Printemps des Courges de Toulouse (Francia), ganando el premio con
Muuu! al Mejor Spectacle Etranger en 1993. En España Yllana ha hecho
temporadas teatrales en todas las grandes ciudades y recibido multitud de
premios, entre los que destaca el Max Al Mejor Espectáculo Infantil por Zoo
en 2010.
También Yllana ha dirigido espectáculos para otras compañías o
productoras, como Glorious, de Nearco Producciones, y asesorado en la
dirección a otras como Mayumana (Israel), Ye-Gam (Corea), Hermanos de
Baile (España) y varios de los espectáculos de la compañía Sexpeare
(España).
Yllana ha creado numerosos sketches y spots publicitarios que se han
emitido en televisiones de varios países. Desde 2009 colabora con
Paramount Comedy (VIACOM) en el desarrollo y producción de nuevos
formatos audiovisuales, entre los cuales el piloto de la serie Chic-cas ya ha
sido emitido. Desde 1996 gestiona el Teatro Alfil de Madrid, convirtiéndolo
en un espacio de referencia dedicado a la comedia en todas sus variantes.
En 1994 crea el FIHUM (Festival Internacional de Humor de Madrid), un
festival que presenta en cada edición las mejores propuestas
internacionales de humor. Además trabaja en el campo de la distribución de
artistas internacionales como Leo Bassi, Elliot, Avner The Eccentric, Joseph
Collard y Krosny. Yllana ofrece asesoramiento artístico a varias entidades
públicas y privadas para la organización de eventos culturales en los que el
humor tiene un protagonismo especial.
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Su experiencia en artes escénicas, desde la creatividad a la producción, se
pone al servicio de cualquier tipo de evento institucional. Yllana ha dirigido
y/o producido, entre otros, los siguientes eventos: Gala de los Premios Max
de las Artes Escénicas (2009), Galas de Presentación de la Red de Teatros
de la Comunidad de Madrid (2006), Galas de Presentación de la
Temporada teatral de la Comunidad de Madrid (Años 2005-2007), los
espectáculos del Parque de Atracciones de Madrid en 2006, 2008 y 2009 y
participado en galas y eventos para Volkswagen o el Real Madrid. Yllana es
una empresa joven, flexible, con capacidad de adaptación y soluciones
rápidas, que goza de reconocimiento en el sector cultural. No sólo a nivel
nacional sino también internacionalmente.
Ficha artística
Idea original: Yllana / Dirección artística: Yllana / Intérpretes: Fidel
Fernández, Luis Cao, Juan Fran Dorado, Jony Elías / Escenografía:
Eduardo Moreno / Vestuario: Anna Tussell / Diseño de sonido: Alberto
Fernández / Producción: Mabel Caínzos, Ramón Sáez, Fran Álvarez
Más información en
www.teatroscanal.com
www.yllana.com
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Música y teatro, espectáculo familiar / Sala Verde
PEDRO Y EL LOBO TOCAN EN LA
ORQUESTA
Compañía PYEL
Del 19 de diciembre al 5 de enero
Sobre el espectáculo
La Compañía Pyel presenta Pedro y el lobo tocan en la orquesta,
adaptación del conocido cuento musical Pedro y el lobo de Sergéi
Prokófiev. En esta novedosa producción músicos y actores se unen en la
misma persona para dar vida a los personajes. Un nuevo guión potencia el
aspecto educativo, transmitiendo los valores de la amistad y la
responsabilidad. Frescura y originalidad caracterizan a esta nueva
propuesta para toda la familia en la que descubriremos un insólito final del
relato.
Sobre la compañía PyeL
La compañía PyeL está formada por profesionales de la música y el teatro
interesados por los espectáculos didácticos. Sus músicos son titulados
superiores y desarrollan su actividad docente en diferentes puntos de la
geografía española, como la Escuela Superior de Canto de Madrid, la
Fundación Juan March, la Escuela Estímulos, etc. A su vez participan
activamente en diversas formaciones orquestales como la OFE, JORCAM,
JOGV, etc. Además varios de sus componentes tocan en el Quinteto
Enara, agrupación camerística con una amplia trayectoria y reconocimiento.
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La actividad teatral les ha unido en diversos marcos como el Festival de
Verano de San Lorenzo del Escorial, los Teatros del Canal o la Sala
Latinarte, donde, de manera individual han desempeñado diferentes
funciones como la interpretación, la caracterización y vestuario, la
repetición, etc. Entre sus proyectos de futuro se encuentran la
interpretación de nuevos cuentos musicales basados en textos clásicos
adaptados para la formación de la Compañía.
Ficha artística
Idea original: Isabel López / Dirección de escena: Compañía PyeL /
Escenografía y vestuario: Isabel López / Violín (Pedro): Jordi Hidalgo /
Trompa (Lobo): Roberto Sánchez / Fagot (Abuelo): Borja Ocaña / Flauta
(Pájaro): Laura Dudley / Oboe (Pato): Valle González / Clarinete (Gato):
Javier Povedano / Piano (Maestro): Borja Mariño / Narradora: Milena
Milyutenko / Sonido e Iluminación: Miguel López Garrido
Más información en
www.teatroscanal.com
www.pyel.es
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Teatro / Sala Verde
EL ASNO DE ORO
Rafael Álvarez, El Brujo
Del 14 de enero al 8 de febrero
(Foto: Fran Ferrer)
Sobre la obra
El asno de oro es un relato sorprendente. Su autor, Lucio Apuleyo junto con
Petronio está considerado como uno de los padres de la novela en Roma.
Natural de Madaura (en la actual Argelia) donde se descubrió en 1918 una
estatua erigida en su nombre, Apuleyo pertenece al grupo de los llamados
"neosofistas" que ejercían como oradores ambulantes. Filósofo, mago,
narrador.., paseó su facundia alrededor de aquel mundo mediterráneo
durante años. La influencia de su obra es inmensa en la posteridad, sobre
todo a partir del Renacimiento. Desde San Agustín, Marlowe o Milton
pasando por Shakespeare, Gracián, Cervantes o Lope de Vega hasta
Ionesco y kafka, o Ruleus, Goya y Rodin, su huella es constante en la
creación artística occidental. Se le considera un puente en la mentalidad y
la cultura oriental y su lengua está cargada de simbolismo, ritmo, belleza e
intenciones polisémicas. El protagonista, Lucio, convertido en un asno, vive
con su alma humana en el interior de un cuerpo animal un largo espacio de
tiempo hasta recobrar su forma humana otra vez con la luz ahora de un
nuevo nacimiento. Es una historia de caída y redención, de crisis y
conversión.
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Se ha relacionado el relato con los rituales procesos psicológicos
vinculados con los antiguos misterios, especialmente los mitos de Isis y
Osiris. Más allá de todas estas consideraciones, la peripecia está llena de
acción y dinamismo, humor, ironía y una llamativa excentricidad. Lucio
convertido en asno tiene ocasión de mostrarnos la corrupción y la crueldad,
la superstición y las tensiones del mundo mediterráneo de la época a través
de un viaje que recuerda al Lazarillo de Tormes pasando calamidades. De
hecho la novela se considera un antecedente clarísimo de la picaresca. Por
todos estos motivos he considerado el texto de relevante interés para
presentar un espectáculo en Mérida dentro de la línea que vengo
explorando desde hace tiempo. Grandes textos de la cultura mediterránea
que vienen de la tradición oral y paseando por la literatura vuelven otra vez
a esa misma tradición a través del teatro. El asno de oro no se ha
representado nunca bajo ninguna forma, lo que añade un valor especial a
su caso. El estreno mundial de un clásico latino. La música, la prosodia
específica para este tipo de textos, el humor y el sentido de fiesta priman
en su adaptación. Más allá del entretenimiento y la diversión que son
esenciales en un espectáculo, El asno de oro añade la visión de la
universalidad de los valores y los significados de las grandes obras: en el
Siglo II después de Cristo los paganos cultos, sensibles y piadosos
buscaban la realización del espíritu a través del sincretismo religioso y
filosófico más variado, mientras el Cristianismo derramaba ya su luz por el
mundo.
¿Sería posible un teatro vivo, que conecte con el público de hoy, hablando
del mundo de hoy, y al mismo tiempo de una vida grande contra la que
nada puede la muerte, ya que esa VIDA incluye la vida misma y la muerte?
Al menos merece la pena intentarlo. – Rafael Álvarez, el Brujo
Ficha artística:
Texto: Lucio Apuleyo / Dirección e Interpretación: Rafael Álvarez, el
Brujo
Más información en
www.teatroscanal.com
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Cantata escénica / Sala Roja
CARMINA BURANA
La Fura dels Baus y Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid
(ORCAM)
Del 16 al 18 de enero
(Foto: Íñigo Ibáñez / Quincena Musical)
Sobre el espectáculo
La Fura dels Baus ha concebido un Carmina Burana trepidante, donde el
espectador, a través de impactantes escenas, efectos especiales e incluso
fragancias primaverales, se sumerge en la contundente y visceral música
de Carl Orff.
Sobre el escenario, un cilindro de diez metros de diámetro envuelve
literalmente la orquesta, mientras los cantantes y las imágenes proyectadas
sobre él, ilustran la obra de principio a fin. Una luna gigante, el deshielo,
cascadas de agua, éxtasis floral, una vendimia en directo, vino, agua y
fuego. Un espectáculo que ya han visto cerca de 100.000 espectadores.
La Fura dels Baus en estado puro.
Sobre La Fura dels Baus
A lo largo de sus más de 30 años de trayectoria, la compañía La Fura dels
Baus ha desarrollado a partir de la creación colectiva, un lenguaje, un estilo
y una estética propios. Sus más de 2.500 representaciones han sido vistas
en directo por más de 3 millones de espectadores de todo el mundo y la
compañía está considerada como un grupo de culto por miles de
seguidores.
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Desde los años noventa, como reflejo de su constante evolución, La Fura
dels Baus ha cultivado el teatro de texto, el teatro digital, la ópera, los
grandes eventos (macroespectáculos) y el cine. La Fura se ha
caracterizado por explorar la idea del espectáculo total y ha encontrado en
la puesta en escena operística un territorio perfecto para desarrollar su
creatividad.
Sobre la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid
Baluarte de la vanguardia y modelo de atención al repertorio español,
desde su creación en 1984 (coro) y 1987 (orquesta), la Orquesta y Coro de
la Comunidad de Madrid (ORCAM) se ha distinguido por presentar unas
programaciones innovadoras, que han combinado lo más destacado de la
creación contemporánea con el repertorio tradicional. Crítica y público han
subrayado con unanimidad el interés y atractivo de las temporadas de
abono de la ORCAM. Su ciclo de conciertos en el Auditorio Nacional de
Música se ha convertido en referencia imprescindible en la vida musical
española y punto de encuentro de un público variado y dinámico,
interesado en conocer todas las corrientes musicales y los constantes
estrenos absolutos que incluyen sus diferentes ciclos de conciertos.
El sólido aval que representan sus abonados y el respaldo de los más
exigentes medios especializados expresan el relieve de la actividad de la
ORCAM, que ha prolongado el ámbito de sus actuaciones más allá de la
exitosa temporada de abono madrileña, habiéndose incorporado de forma
activa a las temporadas de otros escenarios de la Comunidad, como son
los Teatros del Canal y el Teatro Auditorio San Lorenzo de El Escorial.
Su presencia ha sido requerida en las salas y ciclos más prestigiosos de
toda España, así como en temporadas y festivales internacionales, con
visitas en diversas ocasiones a varios países de Latinoamérica y del
continente asiático. En Europa ha actuado en lugares tan emblemáticos
como el Teatro La Fenice de Venecia, el Lingotto de Turín, el Arsenal de
Metz y la Konzerthaus de Berlín. Italia es un país que acoge con frecuencia
las actuaciones de la ORCAM, señaladamente la Biennale di Venezia y el
Festival MITO (Milán y Turín). De igual modo hay que señalar la actuación
celebrada en el Carnegie Hall neoyorquino con Plácido Domingo, a las
órdenes del Maestro Miguel Roa.
La estrecha relación de la ORCAM con la lírica viene avalada por el hecho
de que la orquesta es, desde el año 1998, Orquesta Titular del Teatro de la
Zarzuela de Madrid, lo que le ha situado como máximo exponente del
género, llevando a cabo en sus diferentes temporadas reestrenos,
reposiciones, recuperaciones, grabaciones y encargos de diversa índole.
Asimismo, el Coro de la Comunidad de Madrid es asiduo partícipe de gran
número de producciones operísticas que han tenido lugar en el Teatro
Real de Madrid desde su reapertura en 1997.
Por el podio de la ORCAM han pasado maestros invitados tan prestigiosos
como Harry Christophers, Eric Ericson, Jean Jacques Kantorow, Isaac
Karabtchevsky, Fabio Biondi, José Serebrier, Michel Corboz, Lorin Maazel,
Paul McCreesh, Shlomo Mintz, Leopold Hager, Krysztof Penderecki,
Alberto Zedda y Libor Pesek.
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En la nómina de directores españoles figuran, entre otros, Edmon Colomer,
Rafael Frühbeck de Burgos, Antoni Ros Marbà, Enrique García Asensio,
Miguel Ángel Gómez Martínez, Cristóbal Halffter, Jesús López Cobos,
Ernest Martínez Izquierdo, Víctor Pablo Pérez, Josep Pons, Pablo
González y Juanjo Mena.
No menos extensa resulta la nómina de solistas, en la que cabe señalar
figuras como Aldo Ciccolini, Shlomo Mintz, Jennifer Larmore, Hansjörg
Schellenberger, Michael Volle, Nikolai Lugansky, Benjamin Schmidt, Barry
Douglas, Asier Polo, Joaquín Achúcarro, Dietrich Henschel, Dame Felicity
Lott, Akiko Suwanai, Artur Pizarro, Anatol Ugorsky, Pablo Sáinz Villegas y
Gerard Caussé.
El fundador y primer director titular de la ORCAM fue el Maestro Miguel
Groba, a quien sucedió en el puesto, en septiembre de 2000, José Ramón
Encinar, actual director Titular y Artístico de la Orquesta y Coro de la
Comunidad de Madrid. Jordi Casas Bayer ha sido el director del Coro de la
Comunidad de Madrid desde 2000 hasta 2011 y, en la actualidad, Pedro
Teixeira lo es desde octubre de 2012. Víctor Pablo Pérez tomará las
riendas de la dirección Titular y Artística de la ORCAM a partir de
septiembre de 2013.
Sobre el director, Carlus Padrissa
Nacido en 1959 en Balsareny, Barcelona, autodidacta y ambidiestro.
Fundador en 1979 de la compañía La Fura dels Baus, con la que ha
actuado por los cinco continentes. En 1992 dirigió, junto a Alex Ollé, Mar
Mediterrani, Mar Olímpic para la ceremonia de apertura de los Juegos
Olímpicos de Barcelona. Junto a Alex Ollé ha dirigido las óperas: Atlántida
de Falla (Granada,1996), El Martirio de San Sebastián de Debussy (Roma,
1997), La condenación de Fausto de Berlioz (Salzburgo, 1999), La Flauta
Mágica de Mozart (Bochum, 2003), Diario de un Desaparecido de Janacek
y El castillo de Barbazul de Bartok (París, 2007). Ha sido el responsable de
la dirección escénica de la tetralogía de El anillo del Nibelungo de Wagner.
A dirigido además, las óperas Michael reise um die Erde (2008) de
Stockhausen, Les Troyens de Berlioz (2009) Tannhäuser de Wagner (2010)
y Aida de Verdi en el Festival de Verona (2013).
Ficha artística:
Música: Carl Orff / Dramaturgia y dirección de escena: Carlus Padrissa /
Director Musical: Víctor Pablo Pérez / Cantantes: Amparo Navarro, Vasily
Koroshev, Toni Marsol / Interpretación: Luca Espinosa / Escenografía: La
Fura dels Baus / Vestuario: Taller Rose Collection / Iluminación: Melanie
Schroeder / Realización Audiovisual: David Cid / Producción: Agencia
Camera
Más información en
www.teatroscanal.com
www.carmina-burana.es
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Danza española / Sala Roja
MEDITERRÁNEO
Compañía Miguel Ángel Berna
Del 22 de enero al 1 de febrero
(Fotos: Juan Moreno)
Sobre el espectáculo
Desde siempre las manifestaciones musicales y coréuticas han sido los
instrumentos que los pueblos han utilizado para expresar y comunicar sus
tradiciones. Lenguaje universal que ha tenido la capacidad de unir a los
hombres en los tiempos de paz, de separarlos en los tiempos de soledad
mental.
Este Mediterráneo tan anhelado por los gobernantes de antaño fue el
transmisor de antiguas tradiciones que se depositaron en otras tierras. En
este recorrido circular en el que nada se destruye, sino que todo se
transforma, buscamos el principio. Este es el viaje que cada hombre
debería realizar; la búsqueda de su propia historia pasada y presente, para
escribir la futura. No olvidemos que las tradiciones mueren cuando se
sacan del contexto en el que se desarrollaron.
La decisión de realizar un espectáculo impregnado de aires del
Mediterráneo se tomó a partir de unas investigaciones realizadas sobre los
orígenes de algunas tradiciones coréuticas y musicales, que se
desarrollaron en toda la zona del Mediterráneo. Profundizando sobre el
origen y evolución del baile de la jota. Nuestros estudios se han basado
sobre la noción del intercambio cultural entre distintos periodos y regiones,
potenciando la idea del baile como una expresión que varía y se transforma
según el ritmo de los acontecimientos y circunstancias históricas.
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Sobre el director y coreógrafo, Miguel Ángel Berna
Nace en Zaragoza y comienza a bailar jota a
la edad de 8 años participando en más de 1000
festivales. En 1990 funda su propia compañía
con el nombre de “Danza viva”. En Junio de
1990 presenta la coreografía Entre dos al II
Certamen de Danza Española y Flamenco en el
Teatro Albéniz de Madrid, recibiendo el Premio
al Bailarín Sobresaliente. En el mismo mes de
Junio presenta la coreografía La templanza en
el IX Certamen Coreográfico de Danza
Española y Flamenco en el teatro Albéniz de
Madrid, obteniendo el
Primer Premio de
Coreografía.
Desde Julio de 2005 es compañía residente del
Exmo. Ayuntamiento de la ciudad de Zaragoza.
Trabaja con Carlos Saura en la película Iberia y en el audiovisual Sinfonía
de Aragón. Imparte clases magistrales en el City Center de Nueva York,
Ballet Nacional de España, Centro Andaluz de Danza de Sevilla,
Conservatorio Profesional de Danza de Almería y en el Institut del Teatre
de Barcelona.
Sus espectáculos se han visto por toda España y en grandes escenarios
de países como Francia, Grecia, Japón, Cuba, Londres, Nueva York,
Brasil, China, Uruguay, Italia, Israel, Méjico, Jordania, Siria y Libano.
Ficha artistica:
Dirección y coreografía: Miguel Ángel Berna / Vestuario cuerpo
de baile: María José Mora / Vestuario Miguel Ángel Berna: María
José Mora, Enrique Lafuente / Iluminación: Bucho Cariñena /
Sonido: Kike Cruz / Producción: Centro Aragonés de Danza
Más información en
www.teatroscanal.com
www.miguelangelberna.com
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Teatro familiar / Sala Verde
DEAR DARWIN
Parlon Company & Cup of Theatre
24 y 31 de enero
Sobre la obra
Dear Darwin es una obra de teatro dinámica e innovadora en inglés
representada por actores nativos que muestra las dificultades por las que
un adolescente pasa durante la Secundaria: sobreponerse al primer
desamor, la carga del bullying, las redes sociales y las pandillas. Aceptarse
a uno mismo y respetar a los demás son el centro de atención de este
montaje que junta a 12 artistas internacionales que realizan piezas
multimedia de animación, video arte, stop motion, free running, pop-up
comic, hip-hop/rap y danza contemporánea.
Dear Darwin mezcla el arte dramático, la música, las artes gráficas,
digitales y audiovisuales, el deporte y la danza en una pieza de menos de
dos horas de duración. ¿Cómo condensar y a la vez sacar todo el partido
de cada disciplina? La respuesta a esta pregunta se resolvió en el proceso
mismo de la creación del guión dramático, dado que la extensión y el
volumen de trabajo vinieron determinados por las necesidades del ritmo
narrativo al que todo se ha sometido. Bajo mi dirección y la mano
supervisora de Rick Limentani he decidido que toda pieza fuera concebida
por un artista que la liderara y otro que le complementara; de esta manera
se promueve el trabajo en equipo y la unión de todo el grupo (artístico y
técnico) compartiendo el proceso creativo entre todos.
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Se abre el telón y una obra de distintas disciplinas conduce una misma
historia dramática. Para cumplir este objetivo he visto necesario que las
diferentes ramas artísticas se complementaran y que el estilo de cada una
de las mismas no se perdiera sino que fuera parte integral y fruto de
armonía en el montaje.
Sobre la dirección de actores y artistas
Dirigir el trabajo de tantos artistas ha sido un verdadero reto puesto que la
mayoría de ellos no estaban familiarizados con el mundo teatral, de hecho,
muchos no habían acudido nunca a ver una obra de teatro. Su entusiasmo
ha hecho sencillo dirigir su arte hacia un formato amplio, de grandes
dimensiones y con finalidad no sólo de entretenimiento, sino también
educativa, social y cultural.
El guión comenzó a fraguarse en el verano del 2013 y el proceso de
escritura se alargó hasta la primavera del 2014, habiendo para entonces
realizado multiples entrevistas y habiendo procesado una investigación
sobre el bullying y las bandas callejeras en los distintos países donde
quisiéramos enfocar la obra teatral. Al tiempo que esto ocurría el trabajo
con los artistas se puso en marcha, dado que el tiempo para desarrollar
cada pieza variaba mucho (para algunas se necesitan días, mientras que
para otras largos meses de arduo esfuerzo) Esta combinación enriqueció,
como por efecto de osmosis, todo el proceso creativo.
Los ensayos con los actores y la actriz bailarina están forjados de tal
manera que lo primero que se diseñe durante toda una semana sea el
movimiento escénico, siendo la danza y el free running el foco inicial de
atención. Una vez cómodos en escena comienza el proceso de creación de
personajes para el que quiero dedicar al menos tres semanas. Kieran, el
papel protagonista que siempre está en el escenario cuando se trata de
una escena interpretada por actores, se mantendrá obviamente constante
en el proceso de ensayos, mientras que el resto de los actores acudirán en
días específicos durante las dos primeras semanas y la tercera semana
todo el equipo artístico trabajará de manera conjunta, para poder consolidar
la obra teatral.
Sobre la escenografía, el vestuario y la iluminación
Simpleza escénica, sin ornamentos, sin utilería y sólo con los elementos
que sean estrictamente necesarios para una buena comprensión de la
historia es la base de la concepción escenográfica. Hay 3 áreas de acción
imprescindibles: La cancha de baloncesto, la habitación de la abuela y una
pantalla donde poder proyectar imágenes. El resto de los lugares donde se
sitúa las distintas escenas serán delineados de manera individualizada en
la imaginación de cada espectador dado que se desarrollarán en el
escenario sin ser definidos escenográficamente. Líneas sesgadas, colores
fríos (morado, verde, azul…) con acabados metálicos para determinar la
juventud de Manchester, ciudad donde trascurre Dear Darwin.
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La iluminación no sólo complementa la acción dramática, sino que es
también uno de los grandes participantes artísticos de esta producción. La
locura de una discoteca a altas horas de la noche, una cancha de
baloncesto frente al atardecer de un frío invierno, una habitación de una
residencia de ancianos cuyo gran ventanal alumbra las despedidas, la
desesperación de transitar rápido por una ciudad que despierta a primera
hora de la mañana… todas estas localizaciones se ven envueltas de la
magia de las luces que enfrían o llenan de calor las escenas.
Ficha artística
Dirección: Rebeca Cobos / Dramaturgia: Rick Limentani y Rebeca Cobos
/ Música: Bryan Gentry / Escenografía y vestuario: Emma Jesse /
Sonido: Jorge Pablo / Iluminación: Paul Micah / Animaciones 3D: Alex
Zepherin / Producción: Cup of Theatre en colaboración con Parlon Film
Company
Más información en
www.teatroscanal.com
www.parlonfilm.com
www.cup-of-theatre.com
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Documental + concierto / Sala Verde
THE HEALING NOTES (LAS NOTAS
QUE CURAN)
Garnati Ensemble
1 de febrero
Sobre el espectáculo
¿Puede la música aliviar el alma herida de seres humanos de cualquier
edad, nacionalidad o condición a los que la vida ha situado en
circunstancias extremas? Durante varios meses, el equipo de grabación –
dirigido por la periodista Amparo Mendo- siguió a los hermanos granadinos
Pablo y Alberto Martos en un periplo que les llevó a Granada, Palestina y
Barcelona. Las imágenes recogen sus conciertos en la planta de Oncología
Pediátrica de un hospital granadino; en Palestina, durante una gira
auspiciada por la Fundación Barenboim-Said; y, en Barcelona, tocando
para mujeres privadas de libertad de la Fundación ARED o jóvenes en
riesgo de exclusión que acuden a la escuela de música, teatro y danza
Xamfrá, en El Raval.
The healing notes es una experiencia audiovisual única que incluye la
proyección del primer documental producido por Mercedes Milá y un
concierto en directo por el grupo de cámara Garnati Ensemble,
interpretando las Variaciones Goldberg de J.S. Bach.
Dos horas de entretenimiento para todos los públicos, presentadas por una
de las periodistas más conocidas del país y la música en directo de Johann
Sebastian Bach.
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Sobre el Garnati Ensemble
Garnati Ensemble son Pablo Martos (violín) y Alberto Martos (violonchelo).
En 2013 grabaron para el sello discográfico Sony Classical y con la
colaboración del violista Yuval Gotlibovich, su nueva transcripción para trío
de cuerda de las Variaciones Goldberg de J.S. Bach, una pieza original
para teclado. Esta nueva versión de la genial pieza compuesta por Bach
hace más de 300 años ha recibido una muy buena acogida tanto por parte
del público como de los medios de comunicación especializados y de la
crítica. En un tiempo récord, Sony Classical ha sacado al mercado la
tercera edición de este álbum, cuya partitura ha sido editada por Music
Sales. En diciembre del pasado año, Pablo y Alberto Martos recibieron el
Premio Andalucía Joven a la Solidaridad.
Ficha artística:
Presentación y producción ejecutiva del documental: Mercedes Milá /
Guión y dirección del documental: Amparo Mendo / En concierto:
Garnati Ensemble (Pablo Martos, Alberto Martos y Yuval Gotlibovich)
Más información en
www.teatroscanal.com
www.e-imusica.com
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Danza / Sala Roja
LA BELLE AU BOIS DORMANT (LA
BELLA DURMIENTE)
Les Grands Ballets Canadiens de Montréal
Del 5 al 8 de febrero
(Foto: John Hall)
Sobre la obra
Una versión más oscura del cuento de hadas que conocemos todos:
Aurora, una adolescente rebelde, se aburre en su vida demasiado perfecta
con sus cariñosos padres. En este caso el Príncipe Encantado es un
traficante de drogas que la induce al infierno sustituyendo una jeringuilla de
heroína por el uso.
Tras un remarcable éxito en Canadá, Les Grands Ballets presentan esta
obra única por primera vez en España. Acompañado por la música
atemporal del legendario Tchaikovski, esta potente creación del coreógrafo
sueco Mats Ek ofrece emoción, humor y una trama decididamente
moderna.
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Sobre el coreógrafo, Mats Ek
Nacido en 1945 en Malmö, Suecia, Mats Ek es hijo de la
renombrada coreógrafa Birgit Cullberg y el actor sueco
Anders Ek. Mats Ek se interesó por el teatro mientras
tomaba clases de danza con la directora de cine y
coreógrafa Donya Feuer.
Empezó su carrera de Director en el Stockholm’s
Marionette Theatre y el Royal Dramatic Theatre. En
1973 se unió al Cullberg Ballet como bailarín antes de
convertirse en 1976 en coreógrafo de la compañía. Sus
primeros ballets, El Sirviente del Oficial, San Jorge y el
Dragón, Soweto y La Casa de Bernarda Alba (basado en la novela de
Federico García Lorca) le proporcionaron un reconocimiento internacional.
Los trabajos originales que creó para la compañía ayudaron a que se
estableciera como uno de los mayores coreógrafos contemporáneos.
Ek sucedió a su madre como Director Artístico del Cullberg Ballet desde
1983 hasta 1993. Sus versiones de los trabajos clásicos de la compañía –
en particular Giselle (1982), La Consagración de la Primavera (1984), El
Lago de los Cisnes (1987), Carmen (1992) y La Bella Durmiente del
Bosque (1996) – aumentaron su renombre y todas ellas fueron adaptadas
con éxito para la televisión sueca. Recibió dos Emmys, una Italia y un
premio Dance Screen por sus producciones televisivas de Carmen y
Smoke, un dúo que revisó posteriormente y que pasó a llamarse Solo for
Two.
Desde 1993, Ek ha continuado trabajando con el Cullberg Ballet como
coreógrafo invitado. También ha sido constantemente solicitado por las
compañías de danza más importantes. Entre sus trabajos más notables
están La Bella Durmiente del Bosque para el Hamburg Ballet, A Sort Of
(1997) para el Nederlands Dans Theater, Appartement (2000) para el Ballet
de l’Opéra de Paris, Fluke (2002) para el Ballet de l’Opéra de Lyon,
Auminium (2005) para la Compañía Nacional de Danza de Madrid, Rättika
(2008) para el Royal Sweedish Ballet and Place (2008) un dúo para los
bailarines Mikhail Baryshnikov y Ana Laguna. Ek es también aclamado por
sus trabajos coreográficos de teatro, que incluyen Don Giovanny (1999),
Andrómaca (2001), El Mercader de Venecia (2004) y A Dreamplay (2007),
todas montadas en el Royal Dramatic Theatre. En 2007 creó la ópera Orfeo
en la Royal Sweedish Opera de Estocolmo. Siguiendo a Solo for Two y
Appartment, ambas adquiridas en 2003, La Bella Durmiente del Bosque es
el tercer trabajo de Ek a ser incluido en el repertorio de Les Grands Ballets
Canadiens de Montréal.
Sobre la compañía, Les grands Ballets Canadiens de Montréal
Desde la fundación de la compañía en 1957 por Ludmilla Chiriaeff, Les
Grands Ballets Canadiens de Montréal ha estado comunicando su pasión
por la danza y encendiendo la imaginación de las audiencias de todo el
Mundo. Esta compañía mundialmente aclamada está volcada en
desarrollar el ballet en todas sus formas sin por ello dejar de ser fiel al
espíritu del ballet clásico.
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Les Grands Ballets iluminan los escenarios del mundo entero, en particular
desde 1999, año en el que Gladimir Pankov se convirtió en el Director
Artístico de la compañía. La reputación de la compañía se ha visto
reforzada en los últimos años por un gran número de éxitos internacionales:
Oman (2012), China (2011), Oriente Medio (2009), Norte América y Europa
(Madrid, Berlín, Munich y tres semanas en Les Étés de la danse de París).
Líder entre las instituciones culturales de Montreal, la compañía está ahora
presentando los trabajos de artistas emergentes - Christian Spuck, Stephan
Thoss, Stijn Celis – y de grandes coreógrafos como Jiří Kylián, Mats Ek,
Nacho Duato y Ohad Naharin.
La compañía también ha hecho un fuerte compromiso con la comunidad
local. La Nutcracker Fund for Children ha dado, desde 1997, una
inolvidable Temporada de Vacaciones a miles de niños provenientes de
comunidades desaventajadas, con workshops educacionales y actuaciones
gratuitas del Cascanueces. Para recaudar fondos para la fundación, les
Grands Ballets lanzaron en el 2010 el Nutcracker Market, el primer
Mercado sin ánimo de lucro de Montreal.
Actualmente Les Grands Ballets está preparando una serie de proyectos a
gran escala que incluyen el National Centre for Dance Therapy. Además,
en el 2015, la compañía se muda a sus nuevas instalaciones en el corazón
del Montreal’s Quartier des spectacles, un auténtico crisol de creatividad.
Todas estas iniciativas tienen una finalidad: con-mover el mundo de forma
diferente.
Ficha artística:
Dirección artística: Gradimir Pankov / Coreografía: Mats Ek / Música:
Pyotr Ilyich Tchaikovsky / Diseño de luces: Erik Berglund / Asistentes de
coreografía: Margareta Lidström y Monica Mengarelli
Más información en
www.teatroscanal.com
www.grandsballets.com
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Teatro / Sala Negra
EL REPORTAJE
Teatro Picadero de Buenos Aires
Del 11 al 22 de febrero
(Foto: Augusto Starita)
Sobre la obra
El reportaje de Santiago Varela nos acerca al momento en que un canal de
televisión le ha pedido a un ex General de la Nación Argentina una
entrevista que se realizará en el penal en el que el protagonista cumple
condena por su participación durante la brutal dictadura genocida que asoló
a Argentina a partir de 1976.
El interés del programa que este periodista está armando reside en que
este militar dé testimonio sobre el modo en el que él participó en
actividades de censura en el campo de la cultura durante esos años y más
específicamente en el incendio de un teatro, El Picadero, que ardió una
noche de fines de Julio de 1981. En ese teatro un grupo de gente dedicada
al teatro, que incluía a autores, directores, escenógrafos y técnicos,
acababa de estrenar un ciclo de obras de media hora cada una que se
daban en series de tres por día durante todos los días de la semana hasta
totalizar veintiuna. Ese ciclo dio en llamarse Teatro abierto y con los años
es un reconocido icono de la resistencia cultural durante la dictadura. En
homenaje a ese ciclo, la Secretaria de Cultura de la Nación convocó este
año un concurso de autores cuyas obras agrupadas de a tres, evocaran el
espíritu de aquel ya legendario movimiento y que se darían durante seis
meses precisamente en aquel teatro que la dictadura mandó incendiar y
que hoy está de nuevo en pie y recuperado para el frondoso panorama
teatral de Buenos Aires.
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Lo que El reportaje permite en su nivel ficcional es acceder al pensamiento
autoritario de aquella y de todas las épocas.
Sobre el intérprete
Federico Luppi nació en Ramallo, de joven se fue a La Plata a estudiar
dibujo y ahí conoció el teatro, desde entonces abandonó sus estudios para
dedicarse a la actuación. Se formó durante años con maestros como Heddy
Crilla, Augusto Fernándes y Alezzo. En teatro participó en obras como
Soledad para Cuatro, Ha llegado un inspector, Nuestro fin de semana de
Tito Cossa, Luv, Tupac Amaru, Morir en familia, El gran deschave,
Convivencia, Mal de padre, Salven al cómico, El vestidor, El guía del
Hermitage, Por tu padre y La noche del ángel. Formó parte de Gente de
teatro, conocido popularmente como “el clan Stivel”, grupo integrado por el
propio David Stivel, Bárbara Mujica, Norma Aleandro, Marilina Ross, Carlos
Carella, y Emilio Alfaro, una de las primeras y más importantes
experiencias de cooperativa actoral, juntos hicieron series tan importantes
como Cosa Juzgada bajo la dirección de Juan Carlos Gené, Los herederos
en cine y numerosas obras de teatro.
En televisión trabajó en ciclos clásicos de la televisó argentina: Hombres de
Ley o Situación límite o Alta comedia. En los últimos años colaboró y
protagonizó series como Los sónicos, El pacto, Impostores, Trátame
bien, Los Simuladores o En terapia. En cine realizó una extensa carrera en
el que participó en más de 90 películas entre las que se encuentran El
romance del Aniceto y la Francisca de Leonardo Favio, Crónica de una
señora de Raúl de la Torre, La Patagonia rebelde de Héctor Olivera,
Tiempo de revancha de Adolfo Aristarain, con el que realiza al año
siguiente Últimos días de la víctima. Siguen Plata dulce, El arreglo, No
habrá más penas ni olvido, Pasajeros de una pesadilla. En el año 1988
realiza junto a Liv Ullman La amiga. En la década del 90 realiza 100 Veces
no debo de Alejandro Doria, Flop y vuelve a trabajar con Adolfo Aristarain
en la exitosa Un lugar en el mundo. En México en 1992 realiza Mi querido
Tom Mix, luego seguirán otras como Matar al abuelito, Caballos salvajes,
La ley de la frontera, Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto,
Éxtasis, Sol de otoño, Martín Hache, Bajo Bandera, Lisboa y Las huellas
borradas junto a Mercedes Sampietro. Entre sus últimas realizaciones se
encuentran Fase 7, Cuestión de principios, Inevitable y El laberinto del
fauno de Guillermo del Toro, con quien había realizado además El espinazo
del diablo y Cronos.
Debuta como director cinematográfico en la producción española Pasos de
Susana Hornos, con Fabián Vena, Ana Fernández y Alberto Jiménez,
Ginés García Millán y Susana Hornos.
Vuelve a Argentina para trabajar bajo las órdenes de Eduardo Mignogna en
El viento. Recibió premios como el Martín Fierro y numerosos premios en
festivales como San Sebastián, Portugal, Mar del Plata, Chicago , Los
Ángeles, Huelva, Valladolid, Montreal, entre otros.- También tiene en su
haber premios de la Asociación de Cronistas cinematográficos de la
Argentina , así como varios premios Cóndor de Plata.
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Sobre el director
Hugo Urquijo, doctor en medicina, médico psiquiatra, maestro, actor y
director de teatro desde 1975 cuando dirigió Tres por Chejov, ha dirigido
cerca de 40 obras de teatro. Director teatral de larga trayectoria en la
escena de Buenos Aires, Hugo Urquijo se ha caracterizado por una fina
intuición para trasladar al escenario el universo de dramaturgos tan
disimiles como Samuel Beckett, Harold Pinter o George Bernard Shaw. Sin
embargo, ha sido Tennessee Williams el autor que más ha despertado su
interés. Urquijo se define como un verdadero apasionado del teatro de
autor. Montó dos veces El zoo de cristal (en 1976 y 1992) y Un tranvía
llamado Deseo (en 1985). En el Teatro San Martín, ha montado Seis
personajes en busca de autor de Luigi Pirandello (Sala Casacuberta, 1976);
Casas de viudos, de Bernard Shaw (Sala Casacuberta, 1977); Esperando a
Godot, de Samuel Beckett (Sala Casacuberta, 1979); Viejos tiempos, de
Harold Pinter (Sala Casacuberta, 1980), Noches blancas, de Fiodor
Dostoievski (Sala Casacuberta, 1981), De repente el último verano de T.
Williams (1999); Platonov de Antón Chejov (2003) y Democracia de Michael
Frayn (2006).
Premios a la Mejor Dirección: María Guerrero, Premio Leónidas Barletta,
Estrella de Mar, Premio ACE. Participó de Teatro Abierto 1981 con la obra
Desconcierto de Diana Raznovich, de quien estrenó Jardín de otoño en
1983 en el Teatro Olimpia. También estrenó obras de autores argentinos
como Pacho O Donnel, Jorge Palant y Daniel Dalmaroni. Del teatro
argentino fue autor de la puesta de El organito de Discepolo en el
Cervantes en 1994 y Nuestro fin de semana de Tito Cossa en 1998.
Dirigió la puesta en escena de la primera obra teatral del premio Nobel
Gabriel García Márquez Diatriba de amor contra un hombre sentado
estrenada en el Teatro Nacional Cervantes en 1988, espectáculo que fue
repuesto en 2006 en el Teatro Payró. Ejerce la docencia teatral desde 1976
hasta la actualidad en que dedica sus seminarios especialmente al trabajo
sobre la acción y el texto (la escena, el monólogo, el relato).
Ficha artística
Texto: Santiago Varela / Dirección: Hugo Urquijo / Intérpretes: Federico
Luppi y dos actores por determinar / Producción: Sebastián Blutrach
Más información en
www.teatroscanal.com
www.ptcteatro.com
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Espectáculo musical / Sala Verde
EL PIMIENTO VERDI
Teatros del Canal
Del 13 de febrero al 1 de marzo
(Foto: Jaime Villanueva)
Sobre el espectáculo
El pimiento Verdi es una taberna restaurante en la que su propietario, gran
aficionado a la zarzuela y las óperas de Verdi, organiza una cena homenaje
para celebrar el 200º aniversario del nacimiento del gran compositor italiano.
Con el fin de amenizar la velada mediante fragmentos de sus óperas han
sido invitados a la cena una soprano y un tenor que son también asiduos
clientes del local. Esta intención se frustra una vez iniciado el homenaje lírico,
pues otros cantantes presentes en el restaurante muestran explícitamente su
desagrado ante la música de Verdi. Los disidentes wagnerianos reclaman
homenajear también al compositor alemán cuyo aniversario coincide
precisamente con el de Verdi. Con lo cual reivindican a Wagner como un
genio más profundo y menos pachanguero que el italiano.
A partir de aquí, se inicia un rifirrafe musical entre los dos bandos
aprovechando fragmentos operísticos de ambos compositores. Los dúos,
arias o coros, se lanzan como crítica, burla y escarnio hacia el rival.
El tono del enfrentamiento se eleva considerablemente cuando aparece la
cuestión Nazi-antisemita de Wagner en oposición al Nabucco-sionista de
Verdi. Aterrado por el ardor de la pugna, el melómano propietario del
restaurante induce a ambas partes a convenir una situación de consenso.
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El resultado del pacto pasa por improvisar sobre la marcha un típico
argumento wagneriano con los personajes más carismáticos de sus óperas,
pero expresando las pasiones líricas a través de las partituras de Verdi.
Algunos de los fragmentos cantados pertenecen a las óperas El Trovador, La
Traviata, Rigoletto, Otello, Nabucco, Aida, La fuerza del destino, Don Carlo,
Tristán e Isolda, Tannhäuser, Sigfrido, Lohengrin, Las Walquirias, Parsifal,
entre otros.
Sobre la música de El pimiento Verdi
G. VERDI (Le Roncole 1813 - Milán 1901) - R.WAGNER (Leipzig 1813 Venecia 1883)
“Podría parecer que este duelo musical Wagner-Verdi es un hecho derivado
sólo de la casualidad cronológica de haber nacido el mismo año. Tras
sumergirnos mínimamente en su historia y su música vemos que hay muchas
más razones en las que basarnos. Después de este espectáculo nos gustaría
sobre todo que hubiéramos superado los prejuicios de ver a Wagner como
"monótono" y a Verdi como "artificioso" y que, sin perjuicio artístico de uno ni
otro, hayamos disfrutado con las grandes músicas que compusieron estos
maestros.
Verdi y Wagner proyectan su sombra sobre la segunda mitad del siglo XIX y
abren líneas que llegan hasta nuestros días, con caminos más o menos
sinuosos y cuyas evoluciones pueden ser en algunos casos sorprendentes.
Verdi hereda la tradición italiana de Rossini, Bellini y Donizetti y la sublima
restringiendo el uso de los ornamentos y potenciando el aspecto dramático
de la música.
La tradición alemana que abraza Wagner, dominante en la música sinfónica,
busca sin embargo una identidad propia en la lírica que la diferencia de la
escuela italiana, rechazando el belcantismo, creando un nuevo concepto de
espectáculo teatral y adentrándose en regiones armónicas y formales que
avanzan hacia lo que él llama la melodía continua.
Ambos compositores sufrieron los convulsos momentos históricos que les
acompañaron - recordemos las unificaciones tanto italiana como alemana- y
se convirtieron en estandartes de sus respectivas áreas geográficas y esto,
inevitablemente, influyó en sus estilos y composiciones. Pero: ¿acaso no
desprenden idéntica comicidad y frescura Meistersinger y Falstaff? ¿O no
cuestionan del mismo modo los conceptos más íntimos de la religión Don
Carlo y Parsifal?
La dramaturgia de El pimiento Verdi nos ha hecho reflexionar sobre esta
complejidad y mezclar los discursos de Wagner y Verdi. Así, el espectador
podrá reconocer la eficacia del discurso verdiano del brindis de la Traviata o
la sutileza armónica que conduce el Coro de peregrinos de Tannhäuser, pero
también la intensa teatralidad del Otello y alguno se sorprenderá al reconocer
como familiares los ecos de la Marcha nupcial del Lohengrin. En el desenlace
final, una ópera de consenso. De la mano de Albert Boadella la fusión llega a
límites que quizá hubiera hecho sonreír a ambos compositores, esperemos”.
Pau Guix, ayudante de dirección.
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Sobre el director, Albert Boadella
Realiza sus estudios teatrales en el Centre
Dramatique de l'Est Teathre National de Strasbourg
(Francia). Estudia expresión corporal en París. En sus
inicios, forma parte de la compañía de Italo Riccardi.
En 1961 funda la compañía Joglars. Su actividad
teatral como actor, director, escenógrafo y dramaturgo
la desarrolla mayoritariamente con esta compañía a
través de sus 35 espectáculos a lo largo de 50 años,
así como los guiones y la dirección de diversas series
de televisión y cine. Algunas de sus obras satíricas
han causado encendidas polémicas que han supuesto
procesos judiciales, debates políticos e incluso
atentados a la compañía.
Su teatro, basado esencialmente en la tragicomedia, ha sido representado en
la mayoría de países europeos, en Estados Unidos y Latinoamérica. La
mezcla entre la investigación y la popularidad de sus obras ha supuesto la
creación de un estilo personal, consiguiendo al mismo tiempo un notable
índice de audiencia; lo que ha permitido a la compañía la independencia de
medios y de las instituciones político-culturales.
Es autor de varios libros de ensayo y memorias. Su obra teatral, publicada en
distintas editoriales se halla reunida recientemente en volúmenes del Institut
d’Edicions de Barcelona y la editorial Cátedra
Desde enero de 2009 es el director artístico de los Teatros del Canal de
Madrid y del Teatro Auditorio San Lorenzo del Escorial. Para estos teatros ha
montado como director y autor los musicales Una noche en el Canal y
Amadeu.
Ficha artística
Dirección artística y dramaturgia: Albert Boadella / Elenco: María ReyJoly, Elvia Sánchez, José Manuel Zapata, Antoni Comas, Luis Álvarez, Borja
Mariño, Jesús Agelet / Ayte. de dirección: Pau Guix / Escenografía: Josune
Cañas / Iluminación: Bernat Jansà / Regiduría: Mar Equiluz / Vestuario y
sastrería: Isabel López / Utilería: Ana María Serpa / Caracterización: Joel
Escaño / Asesora artística: Dolors Caminal / Asesor musical: Manuel
Coves / Dirección de producción: Leticia Martín
Más información en
www.teatroscanal.com
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Teatro, danza y marionetas / Sala Roja
NE M’OUBLIE PAS / FORGET ME NOT
(NO ME OLVIDES)
Compañía Phillipe Genty
Del 13 al 22 de febrero
(Foto: Claire-Marie Leroux)
Sobre el espectáculo
Clarisse, una chimpancé de tamaño humano ataviada con un largo vestido,
aparece para ojear e interrogarse sobre unas figuras humanas que hace
surgir de un pasado cual fantasmas y del cual nadie sabe si se trata de un
pasado individual o colectivo. Los papeles están invertidos; ella al otro lado
de una jaula imaginaria, su presencia permanente acentúa la absurdidad de
los comportamientos humanos más irrisorios y patéticos.
De la oscuridad surge un paisaje nevado que esconde los recuerdos de los
muertos mientras que un hombre, en varias ocasiones, camina tirando de
un trineo.
Este sentido de la repetición también se encuentra con los maniquíes,
sosias de los intérpretes. La cercanía de su cara a la de su actor/actriz da
un aspecto mórbido. La relación entre ambos supone un trastorno
temporal: los maniquíes petrificados en la eternidad frente a los humanos,
efímeros.
Estos humanos que tratan, patéticamente, de transmitirles una vida como si
la suya propia les fuera en ello. Curiosamente, esta confrontación nos hace
redescubrir la vida humana como un perfecto desconocido, frágil y
complejo en sus movimientos.
René Aubry crea un clima de trance cautivador. La línea melódica nos
zambulle en los efluvios del pasado mientras que la estructura repetitiva
nos impulsa hacia un movimiento obsesivo como el ritmo punzante de las
ruedas de un tren en el que viajaríamos. Arrastrados hacia una espiral cada
vez más hipnótica, nos hace aprehender los paisajes interiores.
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Estos los descubrirlos por primera vez; sin embargo, sabemos que están
allí desde siempre. Su extraña familiaridad es inquietante.
Con Mary descubro el cuerpo bailado - fusión, vértigo y repetición - la
danza puede expresar lo indecible. Por momentos, el cuerpo trasciende el
espacio, lo hace estallar cuando se enfrenta a la materia en situaciones al
límite de lo inconcebible. Estos encuentros imposibles agrietan nuestras
certezas, son puertas abiertas a los paisajes donde la razón se abandona a
los abismos insondables.
Ne m´oublie pas / Forget me not, creado en 1992, está ahora recreado con
artistas noruegos a lo que añadimos un elemento extraordinario: el canto
de las grandes extensiones del Ártico, quizás pepertuas... - Philippe Genty
Sobre el director artístico, Philippe Genty
Después de una infancia problemática y la escolarización difícil, Philippe
Genty toma experiencia en las artes aplicadas antes de dedicarse a las
marionetas con motivo de un concurso ganado en 1961, el premio de las
artes vocacionales "Publicis". Al año siguiente, comenzó una gira mundial
en un 2CV para presentar su primera creación a partir de un títere:
‘Expédition Alexandre’. El artista recorrerá cuatro continentes, cuarenta y
siete países y nueve desiertos! Después de este largo viaje, hizo una
película sobre teatro de títeres a través del mundo, en el marco del
proyecto 'East - West' de la UNESCO. Para montar expectáculos
individuales e independientes, el dramaturgo fundó su propia compañía en
1968, en la que expresó un interés continuo por el mundo de los sueños.
Los títulos de sus creaciones ‘Rond comme un cube’, ‘Dédale’, ‘Ligne de
fuite’, ‘Zigmund Follies’ y ‘Dérives’; reflejan una exploración del enfoque de
lenguaje visual donde la escena es el lugar del inconsciente y refleja los
conflictos internos del ser humano. Navegando entre el circo, el teatro, la
danza y el teatro de títeres, Philippe Genty creó el ‘Concert incroyable’ con
cuarenta coristas y doce comediantes bailarines en la galería de la
Evolución del Museo de Historia Natural en 2001. Esto fue seguido por la
creación de Boliloc (2008) y las recreaciones de Voyageurs Immobiles
(2010) y Ne M'oublie Pas (2012) en las que explora el poder de cantar en el
escenario. Deseando volver a conectar con formas pequeñas, creó en 2012
"La Pelle du Large", espectáculo de teatro de objetos y títeres inspirados en
la Odisea de Homero. Este espectáculo se traduce al Inglés (Dustpan
Odyssey), al español (La Llamada del Mar) y finalmente al húngaro, antes
de viajar alrededor del mundo con 4 equipos diferentes.
Sobre la directora coreográfica, Mary Underwood
A la edad de 5 años, Mary Underwood encontró su destino, durante una
representación de un espectáculo navideño, Cenicienta. Sentada al lado de
su madre en el Teatro de Bath (Gran Bretaña), señaló el escenario y dijo a
su madre que algún día, ella también estaría en ese escenario.
A los 10 años, integra una clase de ballet con la ayuda de sus padres y
cada penny que ahorra, ganado gracias a pequeños trabajos que realizaba
después de la escuela, le sirve para pagar sus clases.
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A los 18 años, su talento de bailarina le permite pasar un examen para
convertirse en Maestra de Ballet. Sin embargo una mala (¡o buena!) idea le
hace tomar consciencia de que la experiencia del verdadero movimiento
está en otro lugar.
Contra la opinión de sus padres, lo abandona todo. Deja tras ella una
existencia segura y bien ordenada de profesor, y empieza a recorrer el
mundo, curiosa por descubrir a dónde la llevaría su búsqueda de nuevas
fronteras. Trabaja con varias compañías de danza, hasta el día en que un
joven titiritero francés participa en el mismo espectáculo que ella y ella
queda fascinada con su “universo”.
Philippe Genty ya sabe cómo utilizar el talento de la persona que acaba de
conocer. Efectivamente, Mary aportará el ritmo y la estructura necesarias al
mundo creativo y caótico de su nuevo compañero.
Al final de los años 70, Mary sube al escenario del Teatro de Bath, donde
30 años antes, había visto Cenicienta. Pero aquella noche, su mamá no la
vio bailar, sino animar objetos y dar a la marioneta la forma de arte que se
merecía.
Ficha artística
Dirección artística: Philippe Genty / Dirección coreográfica: Mary
Underwood / Música: René Aubry / Iluminación: Phipille Genty, Vincent
Renaudineau y Thierry Capéran / Vestuario: Annick Baudelin, Isabelle
Boiton, Victoria Desogos, Tomoe Kobayashi, Anne Ruellan.
Más información en
www.teatroscanal.com
www.philippegenty.com/es
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Música, teatro y danza / Sala Roja
CARNAVAL BARROCO
UN CARNAVAL EN VENECIA: MÚSICAS, DANZAS y
ARTES CIRCENSES DEL S. XVII
Le poème harmonique
Del 28 de febrero al 3 de marzo
(Foto: Christian Ganet)
Sobre el espectáculo
Roma, a los inicios del siglo XVII, durante los diez días que la ley concede
al Carnaval antes de la entrada en Cuaresma, la fiestas entran en pleno
apogeo: en los palacios, los banquetes gigantescos, acompañados por
música dados por la nobleza rivalizan en fasto y belleza, mientras que la
calle libera máscaras, juegos y carreras de jorobados en improvisadas
escenas de la Commedia dell’Arte; campesinos, lacayos, vendedores
ambulantes y charlatanes, burgueses y príncipes, laicos y religiosos, gente
de calidad gente común se reúnen para asistir a los espectáculos de
acróbatas, de equilibristas, malabaristas, hazañas de fuerza y de
espectáculos teatrales, y disfrutar sin temor de los excesos más salvajes;
el pueblo liberado del pesado yugo cotidiano, se lanza frecuentemente a la
indecencia, traspasando alegremente los límites fijados por las leyes.
Carnaval, heredero de fiestas paganas y de ritos dionisíacos, cumple aún
en este siglo XVII gobernado por la Iglesia y maltratado por las guerras, las
hambrunas y las epidemias, su función de válvula de energías destructivas
de la sociedad. Canalización de la violencia sobre objetivos simbólicos o
designados, a través
de rituales establecidos
o linchamientos
espontáneos.
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Este efímero período de un “mundo del revés” permite, en una
extravagancia a la vez maravillosa y grotesca, llevar poner en escena
contradicciones y rivalidades, y obtener un respiro fugaz sobre la
naturaleza y la dureza de la vida.
Reflexión musical de las diferentes fases del Carnaval, las procesiones
sagradas, las chaconas y moriscas, los pastiches de ópera destinados a
los teatros y las villanelas de las calles, son el teatro sonoro de un cuento
visual que se desarrolla, inspirado por la estética de la escena barroca:
fragilidad, distanciamiento, belleza, extrañeza, estilización de cuerpos y de
voces, … La representación teatral en el s. XVII es sin duda un efecto en
un sentido sacro; todo realismo es sancionado y se ensalza al contrario, la
ilusión, el engaño y el misterio.
Este universo de alegría, pompa y grotesca ha inspirado la creación de
Carnaval Barroco, y es el encuentro entre acróbatas, malabaristas, mimos,
cantantes y músicos de hoy en día lo que nos permitió restaurar la energía
creativa de estos ritos y símbolos que forman la fiesta del Carnaval.
En lugar de una descripción histórica o un momento concreto de un
momento de la celebración, nos hemos centrado en el aspecto onírico, en
el que el humor y la tragedia se encuentran; farsas de La Commedia
Dell’Arte para ocultar la furia de una multitud embriagada por la fiesta…
La ausencia de una trama narrativa única – principio impuesto por el
sentido mismo del Carnaval – hace desarrollar y mezclar en la energía
global del espectáculo las diferentes etapas de este carnaval que se
desarrolla en una sola jornada.
Por lo tanto, la acción se sitúa sucesivamente por la noche en el banquete
de un palacio, en un lugar justo al amanecer, en una calle con la emoción
de un baile popular, o durante un teatrillo improvisado; los personajes,
fieles al espíritu del teatro barroco y de la Comedia del Arte, existen en
situaciones y acciones, más que en función de un propio patrón
psicológico.
El Carnaval Barroco se sitúa en la encrucijada de varias disciplinas
artísticas, al servicio las unas de las otras, y se nutren de la práctica de las
músicas populares improvisadas; del mimo y de la danza barroca; de la
Comedia del Arte; por lo tanto, juego estilizado, cambiante, y sobre todo de
relación entre el gesto y la música, que son loa principios teatrales que
guían nuestro camino.
La energía de la voz que se encuentra con la danza de la tarantela del
Gargano, mientras que los músicos hacen frente a la gestualidad más
codificada de la retórica barroca. La ironía de Zannis, sirvientes ocultos de
la Commedia Dell’Arte, responden a aquellos cantos, parodias mordaces
de obras de la época y delirios vocales de Polochinelas deformados… Las
músicas toman forma de acuerdo con el contexto…
Sobre la compañía
Formado en 1998, Le Poème Harmonique es un conjunto de músicos
solistas reunidos en torno a su director artístico: Vincent Dumestre. Su
actividad artística, centrada principalmente en el repertorio vocal e
instrumental de los siglos XVII y principios del XVIII, se enriquece
regularmente con la interacción de otras disciplinas.
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Esta síntesis entre disciplinas artísticas, surgida de un verdadero trabajo en
grupo de sus intérpretes, marca la singularidad del conjunto en el paisaje
barroco actual.
Actores y bailarines, artistas de circo y marionetistas se unen a cantantes y
músicos, primero en obras de cámara – Le Ballet des Fées, Il Fasolo – y
más tarde , desde 2004 en producciones escénicas como Le Bourgeois
Gentilhomme de Lully y Molière (puesta en escena de Benjamín Lazar) o
Le Carnaval Baroque (puesta en escena de Cécile Roussat), espectáculo
de un género inédito en el que se mezclan la música italiana con el trabajo
de artistas procedentes del Centro Nacional de las Artes del Circo.
En sus producciones de ópera, como Cadmus et Hermione de Lully y
Egisto de Cavalli, ambas con dirección escénica de Benjamin Lazar, Le
Poème Harmonique hace una profunda reflexión sobre las
correspondencias entre la estética de "época" (luz de velas, gesticulación,
lienzos pintados y maquinaria) y la escena contemporánea. El conjunto
vuelve sobre las fuentes populares del repertorio italiano y francés
explorando a su vez la relación con lo tradicional o la músca popular: sirva
de ejemplo Aux Marches du Palais, dedicado a las canciones francesas de
tradición oral.
Desde su fundación, Le Poème Harmonique ha realizado numerosas giras
en Europa actuando en las principales capitales (destacando las estrechas
relaciones con el público de Roma, Nueva York y Tokio; y los recientes
debuts en Londres y Viena), manteniendo su relación privilegiada con la
Haute-Normandie donde se desarrolla un cuarto de su actividad.
Entre los acontecimientos más relevantes de las últimas temporadas: el
gran éxito de Le Bourgeois Gentilhomme, de Le Carnaval Baroque y
Cadmus et Hermione (con más de 130 representaciones entre las tres
producciones: Opéra Comique, Théâtre des Champs Elysées y la Cité de
la Musique de París, Ópera de Rouen, Théâtre de Caen, Grand Théâtre –
Aix-en-Provence, Arsenal de Metz, Bozar de Bruselas, Grand Théâtre de
Luxemburgo, Festival de Utrecht, Teatro Canal de Madrid, Teatro de San
Carlo de Nápoles, Théâtre National de Praga, Festival de Printemps de
Budapest, Festival Calperf de San Francisco…).
Entre sus más recientes proyectos destacan la creación de Calígula de
Pagliardi en septiembre de 2011 en el Festival Mondial des Théâtres de
Marionnettes de Charleville-Mézières y L’Egisto de Cavalli en febrero de
2012 en la l’Opéra Comique y en la Opéra de Rouen Haute-Normandie.
Es en esta misma escena normanda, donde actualmente tiene residencia,
donde en la temporada 2013 – 14 se ha creado Didon et Enée de Purcell, y
donde, con esta misma colaboración priviligieda, se verá la creación de Le
Malade Imaginaire de Molière y Charpentier
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Le Poème Harmonique está subvencionado por el Ministerio de Cultura
francés, (DRAC Haute-Normandie), la Región de Haute-Normandie y de la
Ciudad de Rouen. Su principal patrocinador es Mécénat Musical Société
Générale. Le Poème Harmonique tiene su residencia habitual en la Opéra
de Rouen en Normandía. Los ensayos los realizan el la Fundación Polignac
de París.
Sobre su director
Vincent Dumestre, director artístico y fundador de Le Poème Harmonique,
con el cual explora el repertorio vocal e instrumental de los siglos XVII y
principios del XVIII. Acompañado de un fiel equipo de artistas, con los que
pretende revivir la interpretación de Las Artes del período barroco, y cuyo
labor se ve favorecida por la interacción en muchos de sus proyectos con
otras disciplinas artísticas.
Estudia historia del arte en la Escuela del Louvre y guitarra clásica en la
Escuela Normale de Música de París. En 1991 se dedica a la música del
laúd, guitarra barroca y tiorba, instrumentos que estudia con Hopkinson
Smith, Eugène Ferré, en el Conservatorio de Toulouse con Rolf Lislevand.
También estudia bajo continuo en el Conservatorio de Bolonia, donde
obtuvo el diploma superior por unanimidad.
Es invitado regularmente por numerosos conjuntos barrocos: Ricercar
Consort, La Simphonie du Marais, Le Concert des Nations, La Grande
Ecurie et la Chambre du Roy, Akadémia, Le Centre de Musique Baroque de
Versailles, con los que ha realizado más de treinta grabaciones
discográficas para los sellos Erato, Auvidis, Virgin, Ricercar, Verany, Ligia
Digital, Naxos, Empreinte Digitale, Fnac Musique.
En 1998 forma Le Poème Harmonique, compañía musical y teatral
especializada en el repertorio barroco, ensemble que dirige actualmente.
Desde sus primeras producciones el conjunto ha recibido numerosas
distinciones: La revista Diapason le eligió "Joven Talento del año 1999" por
el trabajo realizado al frente del grupo y cuyas grabaciones con el sello
Alpha recibieron los premios más prestigiosos de la prensa: Diapason d’Or
del año, Choc du Monde de la Musique del año, Recommandé par
Classica, Répertoire, Opéra International, Télérama..). Si su recorrido
artístico se confunde esencialmente con el del conjunto que dirige, se
notará el lugar tan singular que Vincent Dumestre ocupa en la escena
barroca internacional: único músico que dirige una compañía directamente
implicada en la producción de espectáculos escénicos de grandes
dimensiones (Le Bourgeois Gentilhomme en 2004, Le Carnaval Baroque en
2006, Cadmus et Hermione en 2008), contribuye así a una nueva
percepción de la relación entre música y teatro, que suscita un inmenso
entusiasmo por parte de la crítica (inunumerables reconocimientos tanto en
Francia como en el extranjero) y del público (más de 100.000 espectadores
han visto estos espectáculos, incluso el DVD, que se vende por docenas de
millares).
El mismo espíritu de innovación se encuentra en los programas de cámara,
en los cuales Vincent Dumestre forma parte como instrumentista con sus
cantantes y músicos.
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Este aspecto de su trabajo posee una importancia fundamental para él,
aunque la evolución de Le Poème Harmonique le ha llevado a desarrollar
su actividad como director de orquesta.
Durante estos cuatro últimos años el renombre de Vincent Dumestre y de le
Poème Harmonique han conocido un desarrollo espectacular, las
producciones escénicas y conciertos del conjunto son acogidas por los
programadores más prestigiosos de Francia y del extranjero: le Théâtre
National de l’Opéra Comique, le Théâtre des Champs Elysées y la Cité de
la Musique de París, la Opéra de Rouen, el Festival Automne en
Normandia, le Théâtre de Caen, la Opéra Royal de Versalles, la Abbaye de
Royaumont, los festivales d’Ambronay, Beaune y Sablé, le Grand Théâtre
de Luxemburgo, le Palais des Beaux-Arts de Bruselas, le Concertgebouw
de Amsterdam, el Festival de Utrecht, los festivales internacionales de
Granada y Santiago de Compostela, la Academia Santa Cecilia de Roma,
el Teatro San Carlo de Nápoles, la Philharmonie de Colonia, los festivales
de musica antigua de Potsdam y de Regensburg, le Théâtre National de
Praga, le Palais des Arts de Budapest, el festival Mysteria Paschalia de
Cracovia, la Philharmonie de San Petersburgo, la Columbia University de
Nueva York, el festival de musica antigua de Boston, el festival
Calperformances de San Francisco, el festival de Campos do Jordao de
Sao Paulo, Oji Hall de Tokio, la Forbidden City Hall de Pekín, le Concert
Hall de Shanghai…
En el año 2004, el Ministerio de Cultura nombra a Vincent Dumestre
Chevalier des Arts et Lettres.
Ficha artística
Concepción y dirección artística: Vincent Dumestre / Puesta en escena
y coreografía: Cécile Roussat / Vestuario: Chantal Rousseau /
Escenografía: François Destors / Diseño de iluminación: Christophe
Naillet / Maquillaje: Mathilde Benmoussa / Máscaras: Julie Coffinières /
Colaboración artística: Julien Lubek / Cantantes: Bruno Le Levreur,
Hugues Primard, Serge Goubioud , Emmanuel Vistorky / Acróbatas,
mimos y guitarra: Stefano Amori, Julien Lubek, Ahmed Said, Olivier
Landre, Quentin Bancel, Antoine Hélou, Rocco Le Flem / Músicos:
Johannes Frisch, Emmanuel Mure, Mélanie Flahart, Lucas Péres
Guimaraes, Thomas de Pierrefeu, Michèle Claue, Vincent Dumestre
Más información en
www.teatroscanal.com
www.lepoemeharmonique.fr
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Teatro, Música, Danza, Circo / Sala Verde
TEATRALIA
Festival Internacional de Artes Escénicas para niños y
jóvenes
Comunidad de Madrid
Del 6 al 15 de marzo
(Foto: David Zabala / Deser Studio)
Sobre el Festival
Teatralia, Festival con 19 años de trayectoria, se ha convertido en el
Festival de referencia nivel internacional. La Comunidad de Madrid se
convierte durante el mes de marzo en un gran escenario donde las
compañías y creadores internacionales exhiben sus últimas creaciones.
Teatralia ofrece al Público Familiar y a los más jóvenes una mirada al
mundo para disfrutar con otros lenguajes y creaciones de diferentes países.
Más información en
www.teatroscanal.com
www.madrid.org/teatralia
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Teatro y música / Sala Negra
INSEGURIDAD SOCIAL… Y TAL
Enrique Viana
Del 10 al 29 de marzo
Sobre el espectáculo
Un tenor entrado en años sufre un shock al ver por televisión un partido de
fútbol y darse cuenta de que no entiende nada, es más, no le interesa en
absoluto… y para rematar su desfachatez “está seguro de lo que dice”…
Lo ingresan con carácter urgente en “Urgencias” (Pobrecillo)… Ante la
urgencia que supone una urgencia así y los medicamentos suministrados
por un suministrador de medicamentos le llevan a contar su visión del
mundo de la ópera, del mundo de hoy, del mundo de antes y (peor) … del
mundo en general (eso sí, en varios colores)
La inseguridad es tan grande que supone una “Inseguridad social … y
tal…”
Una hora y cuarto de humor, amor, músicas variopintas y placeres varios
Ficha artística
Texto: Enrique Viana / Idea original, espacio escénico e iluminación:
Daniel Biando / Coreografía: Marina Claudio / Elenco: Enrique Viana,
Miguel Huertas (piano)
Más información en
www.teatroscanal.com
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Música y poesía / Sala Verde
MARTÍ: VERSOS DE CUBA,
CANCIONES DE LIBERTAD
ANDY GARCÍA RECITA A JOSÉ MARTÍ
Teatros del Canal / Cargo Music
Del 19 de marzo al 5 de abril
(Foto: David Shankbone)
Sobre el espectáculo
Martí: Versos de Cuba, canciones de libertad es un espectáculo musical
impactante en torno a la vida de un poeta imprescindible: José Martí.
Andy García, otro cubano universal, con su voz y su presencia virtual,
muestra al hombre, al patriota, al amante y al poeta, en prisión, en el exilio,
viajando en busca de apoyos por Guatemala, Venezuela y República
Dominicana; y luchando sin descanso con el impacto de su palabra y sus
escritos.
Retrata con fuerza su compromiso con la libertad hasta el día de su muerte
en el campo de batalla, en un sorprendente Musical con música caliente y
lleno de emoción y belleza.
Ficha artística
Intérpretes: Andy Garcia (virtual), quinteto musical y seis actores
Más información en:
www.teatroscanal.com
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Teatro / Sala Roja
ONE MAN, TWO GUVNORS
Teatros del Canal / Anexa Producciones
Del 26 de marzo al 12 de abril
Sobre el espectáculo
One man, two guvnors se ambienta en una ciudad mafiosa en los años
sesenta. Un pobre chico de suburbio se convierte al mismo tiempo en el
criado de un gángster y de un súper criminal. Pero los enredos de la trama
son interminables y la obra evoluciona entre los más excelsos ejemplos de
la Commedia dell’Arte, el vodevil, la sátira, la música, las canciones y la
improvisación.
La revisión de los clásicos, cuando se hace como lo ha hecho Richard
Bean en esta producción del National Theatre es una fiesta para el teatro.
La producción de One man, two guvnors permitirá a nuestro público
disfrutar también de una de las obras que están haciendo historia en estos
momentos.
Ficha artística
Texto: Richard Bean, basado en Il servitore di due padroni de Carlo
Goldoni / Adaptación: Paco Mir / Dirección: Alexander Herold
Más información en:
www.teatroscanal.com
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Teatro / Sala Negra
DIGNIDAD
Excéntrica Producciones
Del 8 al 26 de abril
Sobre el espectáculo
Un viaje a las entrañas de la política, que traslada a los espectadores a un
despacho de cualquier partido político. En él, dos hombres, cerca de
alcanzar el poder, tras años de dedicación a la política, ponen al
descubierto sus deseos, ambiciones, ilusiones y miedos.
Lo que en un primer momento es una distendida reunión improvisada
después de una larga jornada de trabajo, acaba convirtiéndose en un tenso
intercambio de reproches.
Entonces descubriremos que la amistad, surgida entre ambos producto de
años de camaradería, de haber empujado un proyecto político con fe y
tenacidad, resulta tener un débil equilibrio pendiente de un hilo que podría
romperse, cuando la verdad, sepultada bajo el protocolo y los códigos de
lealtad, irrumpe de manera repentina como nunca antes había sucedido,
tan certera como el filo de un envenenado cuchillo.
Ficha artística
Texto: Ignasi Vidal / Dirección e Interpretación: Ignasi Vidal y Toni Cantó
Más información en
www.teatroscanal.com
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Ópera – Teatro Musical / Sala Verde
LA ÓPERA DE CUATRO NOTAS
Teatros del Canal / Vania Producciones
Del 9 al 19 de abril
Sobre el espectáculo
Han pasado más de diez años desde que descubrí la Ópera de cuatro
notas en una matinal del Théâtre de la Bastille de París; un título que no
engaña, porque está compuesto exactamente con cuatro notas hábilmente
moldeadas para que parezcan infinitas, para un libreto escrito sin
acotaciones, para que cada director de escena juegue con los cincos
personajes que parodian las cinco voces de una ópera –tenor, barítono,
soprano, mezzo y bajo–, observadas por un pianista que interpreta una
partitura concebida originalmente sólo para piano.
Una gran ópera hecha con muy pocos medios.
Una ópera minimalista que, en esta versión, también será un poco
MIRimarista.
- Paco Mir
Ficha artística
Música: Tom Johnson / Dirección de escena y adaptación: Paco Mir /
Vestuario: Anna Güell / Iluminación: Nicolas Fischtel
Más información en:
www.teatroscanal.com
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Zarzuela / Sala Roja
EL CASERÍO
Teatro Arriaga de Bilbao
Del 21 al 25 de abril
(Foto: Enrique Moreno Esquibel)
Sobre el espectáculo
Arrigorri, la "aldea imaginaria de Vizcaya" donde el libreto sita la acción de
El Caserío de Guridi, tiene, felizmente, algo de aldea soñada, de lugar
idílico congelado en el tiempo, donde sabemos que todos los problemas,
incluso aquellos aparentemente más complejos, tendrán un final feliz.
Eustasia y Manu, los dueños de la sidrería, desean casar a su ingenua hija,
Inosensia, con un marido que le convenga; Txomin, el criado, tiene sueños
de grandeza: don Leoncio, cura y amigo, escucha los problemas de todos y
reparte buenos consejos. Ana Mari ama a Jose Miguel, su primo, un pelotari
joven e impulsivo. Y Santi, su tío, canta su amor por Sasibil, su caserío, y
desea que sus sobrinos, cuyos padres emigraron a Amrica, lo valoren y lo
hereden.
Santi es, también, el alcalde del pueblo y expresa sus problemas
domésticos con cierto sentido teatral, lo que los convierte en asuntos que
conciernen a toda la vecindad que asiste como público a cada nuevo giro
argumental.
Arrigorri sólo surge mágicamente entre la niebla por unos pocos días cada
mucho tiempo y sus entrañables habitantes, como los personajes del teatro,
sólo despiertan, aman, ríen y lloran, durante un breve instante cada muchos
años.
85
Al cumplirse 85 años desde el estreno de El Caserío, el Teatro Arriaga ha
hecho posible, que ese breve instante haya vuelto a llegar. Es este.
- Pablo Viar
Ficha artística
Música: Jesús Guridi / Libreto: Federico Romero y Guillermo FernándezShaw / Dirección musical: Manuel Coves / Dirección escénica: Pablo
Viar / Escenografía: Daniel Bianco / Vestuario: Jesús Ruiz
Más información en:
www.teatroscanal.com
www.teatroarriaga.com
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Teatro clásico / Sala Verde
MUCH ADO ABOUT NOTHING (MUCHO
RUIDO Y POCAS NUECES)
Globe Theatre on Tour
Del 23 al 26 de abril
(Foto: Bronwen Sharp)
Sobre el espectáculo
Claudio ama a Hero y Hero a Claudio y no hay nada que parezca ser capaz
de separarles. Benedick, amigo de Claudio, ama a Beatriz y Beatriz también
ama a Claudio pero, aunque ninguno lo admitiría, nada parece ser capaz de
mantenerles juntos.
Sólo las intrigas de un príncipe resentido forzaran a Benedick a demostrar
su amor por Beatriz, matando a su mejor amigo.
A través del romance y con todo el encanto que produce el conflicto de la
negación, Mucho Ruido y Pocas Nueces es un milagro de la comedia y el
suspense dramático y nos muestra uno de los más agudos y adorables
retratos de amantes de William Shakespeare.
Ficha artística
Dirección escénica: Max Webster / Música: John Barber / Escenografía
y vestuario: James Cotterill
Más información en:
www.teatroscanal.com
www.shakespearesglobe.com
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Festival - Concurso / Sala Verde y Sala Negra
TALENT MADRID 2015
Teatros del Canal / Talent Festival
Del 27 de abril al 2 de mayo
(Foto: Talent Festival)
Sobre el festival
Talent Madrid llega a su tercera edición con una buena noticia para los
creadores: la posibilidad para los ganadores de exhibir su obra completa.
En abril y mayo de 2015, y durante una semana, los espectáculos más
valorados podrán mostrar al público su espectáculo en la Sala Verde de los
Teatros del Canal. Una ocasión única.
Además, tanto los participantes como el público podrán disfrutar de clases
magistrales, talleres y otras actividades en torno al Festival. Con este
nuevo impulso al proyecto, los Teatros del Canal pretenden aumentar las
oportunidades para la creación y el apoyo a los nuevos talentos en artes
escénicas.
Más información en:
www.teatroscanal.com
www.talentmadrid.teatroscanal.com
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Música / Sala Roja, Sala Verde, vestíbulos, taquillas y
exterior del teatro
III ENCUENTRO DE BANDAS DE
MÚSICA
12 HORAS DE HOMENAJE A NUESTRA MÚSICA
3 de mayo
(Foto: Jaime Villanueva)
Sobre la jornada
Los Teatros del Canal abren sus puertas por tercer año consecutivo a su ya
clásico Encuentro de Bandas de Música. Con ello queremos poner en
relieve la importancia y la contribución de estas formaciones a la música de
nuestro país.
Por las ediciones anteriores, hemos podido comprobar la gran capacidad
de convocatoria que tienen las bandas para atraer a público de todas las
edades y condiciones.
Esta es, una ocasión única para entrar durante 10 horas en el emotivo
sonido de estas agrupaciones, y disfrutar de un repertorio rico y variado,
que incluye desde las piezas más selectas de los grandes compositores,
hasta las más populares de nuestro repertorio musical.
Además de los conciertos en Sala Roja y Sala Verde, paseando por
nuestros vestíbulos se podrá disfrutar de quintetos y cuartetos de metales,
y en el exterior, las resonancias de las Bandas inundarán las calles
aledañas a nuestro Teatro.
Más información en:
www.teatroscanal.com
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Danza / Sala Roja
PROGRAMA ANIVERSARIO
Les Ballets Trockadero de Montecarlo
13, 15 y 17 de mayo
(Foto: Sascha Vaughn)
Sobre el espectáculo
El concepto original de Les Ballets Trockadero de Monte Carlo se mantiene
al igual que en sus comienzos. Es una compañía de bailarines
profesionales, varones, especializados en la gama de repertorio clásico y
originales del estilo Ruso. La comedia es alcanzada al exagerar las
circunstancias de la narrativa de la danza clásica, los accidentes, y la
incongruencia de las coreografías. El hecho de que varones ejecutan todos
los roles – el peso de un hombre balanceándose precariamente en las
puntas de los pies y pretendiendo ser cisnes, sílfides, ninfas del agua,
princesas románticas y féminas victorianas - engrandece, en vez de
ridiculizar el espíritu de la danza clásica.
Sobre la compañía
Fundado en el 1974 por un grupo de entusiastas de la danza clásica con el
propósito de parodiar las formas tradicionales del ballet, Les Ballets
Trockadero de Monte Carlo aparece por primera vez en las jornadas
nocturnas de “Off – off Broadway”. Desde sus comienzos, los trocks se
distinguen como un suceso mundial de proporciones alucinantes. Han
participado en festivales de danza en Holanda, Madrid, Montréal, Nueva
York, París, Spoleto, Torino y Vienna.
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En 2006, después de una temporada que marcó records de venta en
Londres, la compañía recibió el premio de Excelencia en Danza, en los
premios TMA (Theatrical Management Awards), al igual que el premio por
Repertorio Destacado de la Coalición de los Críticos de Danza de Londres
(Dance Critics Awards). En el 2007, debido a exitosas presentaciones en
Roma y Milán la compañía recibió el aclamado Massina/Positano Award, en
Positano, Italia.
Desde su fundación, sucesivas críticas en The New Yorker, The New York
Times, Variety y Vogue colaboraron a forjar el éxito internacional de esta
troupe masculina armada con tutú y dotada de un asombroso virtuosismo
técnico sobre las puntas.
La compañía continúa con sus planes: nuevos ballets para añadir en el
repertorio, nuevas ciudades y países que visitar y así continuar con el
propósito original de la compañía, el cual es llevar el placer y la gracias de
la danza a la mayor audiencia posible.
Ficha artística
Dirección de la compañía: Eugene McDougle / Dirección Artística: Tory
Dobrin / Dirección asociada y dirección técnica: Isabel Martínez Rivera /
Maestro Ballet: Paul Ghiselin / Coreografía: Marius Petipa / George
Balanchine, Peter Anastos, etc
Más información en:
www.teatroscanal.com
www.trockadero.org
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Ópera / Sala Verde
L’ISOLA DESABITATA
Teatro Arriaga
13, 15 y 17 de mayo
(Foto: Enrique Moreno Esquibel)
Sobre el espectáculo
L’isola disabitata (La isla desierta) es una ópera de cámara compuesta en
1831 para cuatro voces y acompañamiento de piano. Su autor es el
sevillano Manuel García, compositor, productor de ópera, director de
escena y maestro de canto, uno de los tenores más grandes de todos los
tiempos, para quien Rossini escribió su Barbiere. El libreto de L’isola está
basado en un texto de Metastasio, que ya había sido utilizado entre otros
por Haydn. La historia cuenta cómo Gernando es secuestrado por unos
piratas, dejando abandonadas en una isla desierta a su esposa Constanza
y a Silvia, joven hermana de esta. Ellas se creen traicionadas hasta que
trece años después Gernando y su amigo Enrico vuelven a rescatarlas,
deshacer los malentendidos y las dos parejas se juran amor eterno.
Ficha artística
Música: Manuel García / Libreto: Metastasio / Director de escena: Emilio
Sagi / Director musical y piano: Rubén Fernández Aguirre /
Escenografía: Daniel Bianco / Vestuario: Pepa Ojanguren / Iluminación:
Albert Faura
Más información en:
www.teatroscanal.com
www.teatroarriaga.com
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Improvisación Teatral / Sala Verde
FESTIM 015
Impromadrid Teatro
Del 19 al 24 de mayo
(Foto: Alicia Guirao)
Sobre el espectáculo
El FESTIM es un proyecto que surge en 2005 por la necesidad de
establecer un intercambio con compañías de Improvisación Teatral
ubicadas en Latinoamérica, Estados Unidos y Canadá. En 2015 llevaremos
a cabo la VI Edición, combinando Deporte y Teatro a través de la
Improvisación Teatral y mostrando al público algunas de las mejores
propuestas de Improvisación Teatral en habla hispana. Una apuesta única
donde las compañías competirán y donde el público será quién decida
quién es el ganador en la gran final. Además se llevarán a cabo cursos
impartidos por profesionales internacionales de esta disciplina así como
charlas y debates con el público.
Sobre la compañía
Dirigida por Ignacio López, Ignacio Soriano y Jorge Rueda, Impromadrid
Teatro es una compañía referente en el panorama de la improvisación
madrileña. Dedicada a la investigación de las técnicas de improvisación
teatral, tiene entre sus objetivos, por una parte, la difusión de sus
conocimientos y hallazgos a través de talleres y cursos.
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Por otra, la creación y exhibición de espectáculos de improvisación teatral,
caracterizados por poner sobre la escena espectáculos frescos y originales
en los que los actores crean, sin guión previo y ante los ojos del público,
piezas de teatro únicas e irrepetibles.
Hoy en día cuenta con ocho producciones originales, y se ha consolidado
como una de las compañías más estables y arriesgadas de la improvisación
teatral del mundo. Son además, los organizadores del FESTIM, el único
festival internacional de improvisación de España.
Ficha artística
Creación del Festival: Impromadrid Teatro / Equipo técnico: Daniel
Espinosa, Ángel Hidalgo / Producción: Impromadrid Teatro
Más información en:
www.teatroscanal.com
www.impromadrid.com/
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Ópera de cámara / Sala Negra
ÁNGELUS NOVUS
Laperaopera
Del 20 al 31 de mayo
Sobre el espectáculo
Un hombre y una mujer hablan en un espacio indeterminado. El hombre
parece muy cansado, roto, quizá moribundo o incluso muerto; según la
interpretación que adopte cada espectador. En todo caso, se parece
extraordinariamente a otro hombre que pasó la última noche de su vida en
un modesto hotel de Portbou en 1940, exhausto y fugitivo. No pasa nada
aparte del diálogo, pero hay una tensión que sugiere el balance de una vida
o quizá la iniciación a otra. La primera frase de la mujer dice: “Un proverbio
sobre el más allá dice que allí todo será como aquí”. A partir de textos de
Walter Benjamin adaptados y dramatizados en una suerte de dúo operístico
intenso y alucinado, Angelus novus sugiere ese momento final en la vida de
una persona en que el balance vital se convierte en evidencia narrativa.
Ficha artística
Música y libreto: Jorge Fernández Guerra (a partir de textos de Walter
Benjamin) / Dirección de escena: Vanesa Montfort / Soprano: Ruth
González / Barítono: Enrique Sánchez Ramos
Más información en:
www.teatroscanal.com
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Danza clásica/ Sala Roja
LEST WE FORGET
English National Ballet
Del 28 al 31 de mayo
Programa
No Man's Land (Tierra de nadie) - de Liam Scarlett
Coreografía: Liam Scarlett / Música/Compositor: Excerpts from Harmonies
Poétiques et Religieuses de Franz Liszt, arreglos de Gavin Sutherland /
Diseños: Jon Bausor / Diseño de luces: Paul Keogan
Firebird (El pájaro de fuego) - de George Williamson
Coreografía: George Williamson / Música /Compositor: Firebird 1945 Suite
by Igor Stravinsky / Diseño de vestuario: David Bamber / Diseño de luces:
Paul Keogan / Diseño de escenografía: David Bamber y George Williamson
en colaboración con John Campbell Scenic Studio
Dust (Polvo) – de Akram Khan
Coreografía: Akram Khan / Compositor: Jocelyn Pook / Dramaturgia: Ruth
Little / Diseño de vestuario: Kimie Nakano / Diseño de luces: Fabiana
Piccioli / Diseño de escenografía: Sander Loonen / Director de ensayos:
Jose Agudo y Andrej Petrovic
Más información en:
www.teatroscanal.com
www.ballet.org.uk/
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Música, danza y cante flamenco / Sala Roja
FESTIVAL SUMA FLAMENCA
Comunidad de Madrid
Del 9 al 14 de junio
Sobre el festival
El Festival Suma Flamenca de la Comunidad de Madrid nació en el año
2006, como una gran apuesta al arte del flamenco y, año atrás año, amplía
su programación.
En estos nueve años Suma Flamenca ha logrado convertirse en uno de los
festivales internacionales más importantes de flamenco. Asimismo, el
festival ha logrado importantes galardones nacionales e internacionales.
En su X edición, el festival Suma Flamenca presentará los artistas más
representativos de este arte internacional en diferentes espacios y salas de
la Comunidad de Madrid.
Más información en
www.teatroscanal.com
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Música / Sala Verde
ÓPERA D’HOY
Música de hoy
Del 9 al 14 de junio
Sobre el festival
Doce años produciendo, estrenando y presentando en España la mejor
creación escénico-musical española e internacional. Sus más de 40
producciones han sido presentadas en colaboración con festivales y
organizaciones como el IRCAM-París, Salzburg Biennale, Konzerthaus
Berlín, Biennale di Venezia, Musik der Jahrhunderte de Stuttgart,
Münchener Biennale, Festival de Salzburgo, Wien Modern, Holland Festival,
etc. Ha encargado y estrenado obras de José María Sánchez-Verdú, César
Camarero, Elena Mendoza, José Manuel, David del Puerto, Luís de Pablo,
Tomás Marco, Hèctor Parra, Mauricio Kagel, Helmut Lachenmann, Luigi
Nono, Salvatore Sciarrino, Julio Estrada y Beat Furrer entre otros.
Más información en
www.teatroscanal.com
www.musicadhoy.com
98
Danza / Sala Negra
MUESTRA COMPAÑÍAS RESIDENTES
CENTRO DANZA CANAL
Del 16 al 28 de junio
(Foto: Miguel J. Berrocal)
Sobre el ciclo
Este ciclo ofrece una radiografía en tiempo real de la danza que se hace en
estos momentos en Madrid, porque permitirá ver sobre el escenario de la
Sala Negra algunas de las últimas creaciones salidas de uno de los lugares
de referencia de la creación coreográfica en España: el Centro Danza
Canal. De sus 9 estudios pasarán a escena espectáculos de todos los
estilos: danza contemporánea, danza española, danza clásica y neoclásica,
danzas urbanas, flamenco etc…
El Centro Danza Canal de los Teatros del Canal se ha convertido desde su
nacimiento en el lugar de referencia de la danza en Madrid. Sus estudios
han posibilitado la creación a grandes nombres de la escena dancística y,
al mismo tiempo, facilitado el acceso al circuito profesional a muchos de los
coreógrafos y compañías jóvenes que actualmente contribuyen a nutrir de
danza las programaciones de festivales, ciclos y teatros de toda España y,
cada vez más, de fuera de nuestras fronteras. Aquí tendremos la
oportunidad de verlos de primera mano.
Más información en
www.teatroscanal.com
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Música clásica / Sala Roja
CICLO IBERCAJA DE MÚSICA
Joven Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (JORCAM)
Del 30 de septiembre al 8 de junio
(Foto: Jaime Villanueva)
Sobre el ciclo
Un total de 27 conciertos y otras actividades conforman la gran temporada
musical de la JORCAM (Joven Orquesta y Coro de la Comunidad de
Madrid) en sus Conciertos Ibercaja de Música.
Su objetivo es acercar el arte musical a todas las personas, en especial a
las familias y los niños, para que puedan disfrutar, aprender y compartirlo.
Una apuesta joven para personas de espíritu joven.
Los cuatro pilares que conforman el ciclo serán:
➤ Matinés musicales los domingos por la mañana con jóvenes grupos de
cámara, agrupaciones o solistas, con unos presentadores de excepción.
➤ Conciertos en familia, con un formato ameno y didáctico, los sábados y
domingos en horario matinal.
➤ Conciertos para escolares, con preparación previa en el aula a través de
las guías que elabora la JORCAM.
➤ Ciclo especial de 3 conciertos sinfónicos
- 28 de septiembre de 2014 - Sala Roja, 20.00 h
Orquesta Sinfónica de la JORCAM
Director invitado: Miguel Romea
Obras de Shostakovich, Copland y Dvorák
Conciertos Sinfónicos
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- 5 de octubre de 2014 - Sala Verde, 12.00 h
Trío Lorca
Obras de Haydn, Schubert y Beethoven
Matinés musicales
- 15, 16 y 17 de octubre de 2014 - Sala Verde, 10.15 y 12.00 h
Quinteto de la JORCAM
Obras de Glinka, Dvorák y Turina
Conciertos para escolares
- 18 de octubre de 2014 - Sala Verde, 12.00 h
Quinteto de la JORCAM
Obras de Glinka, Dvorák y Turina
Conciertos en familia
- 26 de octubre de 2014 - Sala Verde, 12.00 h
Sexteto de pianos del Conservatorio Superior de Música de Aragón
Director: Pablo Eisele
Obras de autores minimalistas y de creación propia
Matinés musicales
- 30 de noviembre de 2014 - Sala Verde, 12.00 h
Cuarteto Alliance
Obras de Mozart, Kotschy y Glass
Matinés musicales
- 14 de diciembre de 2014 - Sala Verde, 12.00 h
Coro de la JORCAM
Director: Félix Redondo
Coros y arias de zarzuelas
Matinés musicales
- 26, 27, 28, 30 y 31 de diciembre de 2014 y 2, 3 y 4 de enero de 2015 Sala
Roja - 12.00 h
Compañía “PyEL”
Pedro y el lobo tocan en la orquesta
Campaña de Navidad
- 25 de enero de 2015 - Sala Verde, 12.00 h
Quinteto Enara
Obras de Ligeti, Danzi, Ibert y Barber
Matinés musicales
- 27, 28 y 29 de enero de 2015 - Sala Roja
(27: 12.00 h; 28 y 29: 10.15 y 12.00 h)
Grupo de Metales de la JORCAM
Música de películas, obras del siglo XX
Conciertos para escolares
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- 31 de enero de 2015 - Sala Roja, 12.00 h
Grupo de Metales de la JORCAM
Música de películas, obras del siglo XX
Conciertos en familia
- 29 de marzo de 2015 - Sala Verde, 12.00 h
Musikene Sinfonietta
Director: Jesús Echeverría
Obras de Mozart, Sutermeister, Stravinsky y Hindemith
Conciertos Sinfónicos
- 19 de abril de 2015 - Sala Verde, 12.00 h
Lisarco Danza y Cuarteto de Cuerdas
Synergy (sobre el Cuarteto de cuerda nº 5 de Philip Glass y Clapping Music
de Steve Reich)
Matinés musicales
- 22, 23 y 24 de abril de 2015 - Sala Roja (22: 12.00 h; 23 y 24: 10.15 y
12.00 h)
Timbarimba
Obras de varios autores
Conciertos para escolares
- 25 de abril de 2015 - Sala Roja, 12.00 h
Timbarimba
Obras de varios autores
Conciertos en familia
- 17 de mayo de 2015 - Sala Verde, 12.00 h
Pequeños Cantores de la JORCAM
Directora: Ana González
Poesía y música
Matinés musicales
- 16 de junio de 2015 - Sala Roja, 20.00 h
Orquesta Filarmonía de Levante y Coro de la JORCAM
Director: Jordi Francés Sanjuán
Obras de Strauss y Schubert
Conciertos Sinfónicos
Sobre la Joven Orquesta y Coro y Pequeños Cantores de la
Comunidad de Madrid
La Joven Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (JORCAM),
pertenece a la Dirección General de Artes Escénicas, Música y Audiovisual
de la Consejería de Empleo, Turismo y Cultura de la Comunidad de
Madrid y fue creada con el propósito de contribuir a la formación de los
jóvenes músicos madrileños en un marco de formación profesional de alta
calidad técnica y artística. En esta agrupación conviven la Joven Orquesta,
el Joven Coro y los “Pequeños Cantores de la JORCAM”
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Su objetivo principal es ampliar y desarrollar los conocimientos musicales a
fin de facilitar y preparar a sus miembros para un futuro acceso a las
agrupaciones profesionales y a la inserción laboral en el mundo de la
música. Este aprendizaje se realiza a través del conocimiento y la práctica
del repertorio coral y orquestal, de la experiencia en agrupaciones de
cámara, del acercamiento a los escolares a través de los conciertos
didácticos, de la participación en proyectos artísticos integrales como la
danza, el teatro musical, la ópera, etc. La JORCAM, además, busca la
promoción y el apoyo a sus miembros a través de concursos internos de
solistas, clases magistrales o líneas de becas y ayudas para la ampliación y
perfeccionamiento de estudios.
La JORCAM se crea en 2009 incorporándose a la Fundación Orquesta y
Coro de Madrid. Es heredera de la antigua Orquesta Sinfónica de
Estudiantes de la Comunidad, formación que ha contribuido durante 18
años a la formación de los jóvenes músicos madrileños.
Su debut oficial de los Teatros del Canal con la gala “Una noche en el
Canal”, con la dirección de Albert Boadella. Su programación ha crecido
notablemente hasta alcanzar las 136 actuaciones públicas en el año 2011,
contando producciones propias y colaboraciones con distintas Orquestas,
Coros y Teatros.
En los cuatro años de existencia la JORCAM ha ofrecido conciertos en el
Auditorio Nacional, Teatros del Canal, Auditorio de Zaragoza, Teatro
Auditorio de Soria, Teatro Arriaga de Bilbao, Palacio de Festivales de
Cantabria, Auditorio de El Escorial y demás teatros de la Red que posee la
Comunidad de Madrid. Ha participado en conciertos e intercambios en
Francia (Théâtre du Châtelet), El Salvador (Auditorio de la FEPADE), Rusia
(Sala Rachmaninov del Conservatorio Tchaikovski de Moscú, Auditorios de
Nimzry Novgorod, Cheboksary y Kazán), México (Teatro de la Ciudad de
México, Auditorio de la Universidad de Puebla, Teatro Principal de
Guadalajara,) y Vietnam (Ópera House de Hanoi)
Por el podio de dirección de la JORCAM han pasado importantes
directores: José Ramón Encinar, Jordi Bernàcer, Jaime Martín, Roberto
Rizzi Brignoli (ex director de la Scala de Milán), Xavier Puig, Miguel Romea,
Miguel Roa, Manuel Coves, Alejandro Posada, Carlos Cuesta, Jordi
Francés Sanjuán, David Ethéve, Santiago Serrate, Pablo Mielgo, Vicente
Sempere, Andrés Salado, Sergio Alapont, Anatoli Levin (catedrático de
dirección del Conservatorio Tchaikovsky de Moscú), etc.
La dirección del Joven Coro es responsabilidad del Mtro. Félix Redondo,
con la colaboración, como profesora de canto, de la soprano Celia Alcedo.
El joven Coro no sólo participa en las obras sinfónico corales programadas
por la JORCAM (3ª Sinfonía de G. Mahler, Los Planetas de G. Holst, 9ª
Sinfonía de Beethoven, Gloria de F. Poulenc, etc.) sino que ha reforzado al
Coro Nacional de España y al Coro de RTVE en la 8ª Sinfonía de G. Mahler
en el Auditorio Nacional con la grabación de un DVD para la Deustche
Gramophon, además de realizar obras conjuntas con el Coro de la
ORCAM. Ha actuado, también, con programación propia, en varios
conciertos en Teatros y Auditorios de Madrid y España, y ha participado en
producciones de Zarzuela y Teatro (Candide de Bernstein, La Revoltosa,
Don Gil de Alcalá, “Amadeu”, de A. Boadella, etc.).
103
En marzo de 2013 interpretó el Requiem en Re menor de W.A. Mozart bajo
la dirección de Sir Neville Marriner y la Orquesta de Cadaqués en el
Auditorio de San Lorenzo de El Escorial
En julio de 2010 se ha creado los “Pequeños Cantores de la JORCAM”, un
grupo de niños que, bajo la dirección de la Profesora Ana González, ya
han participado en la producción de “Tosca”, de G. Puccini en El Escorial y
Peralada, en la Flauta Mágica en El Escorial, la zarzuela “El Gato Montés”
en el Teatro de la Zarzuela, conciertos en los teatros del Canal, y en
diversas salas de Madrid, puesta en escena de la ópera para niños
“Palabras en la Barriga”, etc..
Los Pequeños Cantores han actuado, y lo siguen haciendo en este
momento, como coro de niños en las temporadas 2010/2011, 2011/2012 y
2012/2013 del Teatro Real de Madrid, participando en las producciones de
“Werther”, “El Caballero de la Rosa”, “Persèphone”, “Tosca”, “Wozzeck”,
“Boris Godunov”, “Suor Angelica”, “Parsifal”, “Kröl Roger” y “Macbeth”.
La JORCAM, además de su programación de conciertos y su apuesta por
la formación, extiende sus objetivos a proyectos que incorporen la música
como vehículo de inclusión social y de apoyo a colectivos marginados o
con necesidades especiales. En esa línea ha iniciado dos proyectos en el
Hospital Niño Jesús de Madrid, dirigido a niños con parálisis cerebral y en
la Fundación Carmen Pardo-Valcarce, para personas afectadas por el
síndrome de down.
Más información en
www.teatroscanal.com
www.jorcam.org
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Teatro, Danza, Música / Sala Roja y Sala Verde
CAMPAÑA ESCOLAR
Teatros del Canal
Un año más, con la campaña dirigida a estudiantes, los Teatros del Canal
ofrecen una serie de espectáculos de teatro, danza y música de carácter
didáctico, con la intención de despertar el interés por las artes escénicas
entre los escolares. Una propuesta que ha tenido gran acogida y que, por
cuarto año consecutivo, se ofrece con la intención de complementar una
programación dirigida a todos los públicos.
Dear Darwin (Parlon Film & Cup of Theatre)
Del 20 al 30 de enero (Sala Verde)
Dear Darwin es una obra de teatro dinámica e innovadora en inglés
interpretada por actores nativos que muestra las dificultades por las que un
adolescente pasa durante la Secundaria: sobreponerse al primer desamor,
la carga del “bullying”, las redes sociales y las pandillas. Aceptarse a uno
mismo y respetar a los demás son el centro de atención de este montaje
que junta a 12 artistas internacionales que realizan piezas multimedia de
animación, video arte, stop-motion, free-running, pop-up comic, hip-hop/rap
y danza en seda.
Antes que todo es mi dama (Teatro del Biombo)
Del 17 al 20 de febrero y del 24 al 27 de marzo (Sala Roja)
Antes que todo es mi dama parte de un análisis satírico del texto
calderoniano; de una dramaturgia paralela, que sitúa la acción en el
presente más inmediato, para ir evolucionando, a lo largo del montaje,
hacia una recreación sarcástica de un pasado que remite a la sociedad
española de la época de nuestro autor.
Así, con Antes que todo es mi dama siguen apostando por una manera de
hacer y de representar a los clásicos perfectamente comprensible; fresca y
dinámica; con una semiótica teatral próxima al S. XXI, donde procuramos
combinar la esencia de la mejor literatura teatral, con el imaginario y los
referentes de un espectador del S. XXI.
Escolares (JORCAM)
15, 16 y 17 de octubre (Sala Verde); 27, 28 y 29 de enero (Sala Roja); 22,
23 y 24 de abril (Sala Roja)
Conciertos realizados en horario escolar, dirigidos a centros de enseñanza
primaria y secundaria, organizados desde la estructura de la Obra Social
Ibercaja. La JORCAM, como novedad en esta temporada, proporcionará
una guía didáctica para entregar a los centros con toda la información
necesaria de cada uno de los conciertos ofrecidos.
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Área de Comunicación de los Teatros del Canal
Beatriz Clemente
Sonsoles Abascal
91 308 99 99 / 61
[email protected]
Consulta nuestra programación en
www.teatroscanal.com
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