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La extraña medicina del rey
Guía didáctica
Y otras curiosas historias musicales
Indice
Programa
3
Ficha técnica y artística
4
Guía didáctica
5
Recursos en www.concertando.es
17
El proyecto concertando
18
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2
La extraña medicina del rey
y otras curiosas historias musicales
Programa
Tant que vivray
Claudin de Sermisy
Pavana de la batalla
Pierre de Attaignant
Tres Morillas
Anónimo siglo XVI
Oy Comamos y bevamos
Juan del Enzina
No hay que decir primor
Jácara anónima siglo XVI
Sarabande de la suite XI
George F. Haendel
Mille regretz
Josquin desPrez
Lascia chio Pianga
George F. Haendel
Tiento
Antonio de Cabezón
Sonata
Domenico Scarlatti
A Serpina penserete
Giovanni B. Pergolesi
Minueto del Quinteto em Mi
Luigi Boccherini
Gran Vals
Francisco Tárrega
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Ficha técnica
Erica González Miguel
Actriz
Clara Rodríguez
Viola da gamba y clave
Ramiro Morales
Láúd y guitarra barroca
Miguel Angel Moreno
Flautas de pico y travesera
Patricia de Paz
Soprano
Juan Manuel Alonso
Idea, texto, arreglos y dirección
Pablo Simancas
Decorados y grafismo
Maribel Sánchez Illescas
Coordinadora
Laura Pérez
Jefa de sala
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Los compositores y sus músicas
Claudin de Sermisy
Claudin de Sermisy (c. 1490 - 13 de
octubre de 1562) fue un compositor francés
del Renacimiento.1 Junto
con Clément
Janequin fue uno de los más famosos
compositores de chansons populares en francés a
principios del siglo XVI, además fue un destacado
compositor de música sacra. Su música influyó y
se vio influida por los estilos contemporáneos
italianos.
Tant que vivray
Lo más destacado de esta chanson de Claudin de
Sermisy es su sencillez y naturalidad,
ingredientes que la convirtieron en una de las
obras más difundidas del s. XVI, junto con su
letra de Clèment Marot que exhorta “en cuanto
viva en una época floreciente” servir al “Amor,
el dios poderoso, en hechos, dichos, canciones y
acordes.” Las discrepancias entre la versión de
Fuenllana y la polifonía original sugieren que el
vihuelista debía conocer la canción a través de
una transmisión oral, y para permitir la
comparación de ambas versiones presentamos
aquí una reconstrucción conjeturada del modelo
de Fuenllana al lado de la versión original.
Igualmente notable es la inclusión de una
segunda versión glosada, el único ejemplo de tal
práctica en el libro de Fuenllana. Aunque el
vihuelista amonesta en contra de glosar las
obras polifónicas en el prólogo de Orphénica
lyra (fol. v), este caso parece pertenecer a otra
práctica que también se ve en las obras de Diego
Ortiz y Antonio de Cabezón de utilizar
las chansons francesas como un vehículo para
mostrar la habilidad de glosar, una práctica que
en Italia convirtió la chanson en una de las
nuevas formas instrumentales del s. XVI, la
canzona.
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Tant que vivray en aage florissant,
Je serviray Amour le Dieu puissant,
En faict, et dictz, en chansons, et accords.
Par plusieurs jours m'a tenu languissant,
Mais apres dueil m'a faict resjouyssant,
Car j'ay l'amour de la belle au gent corps.
Son alliance
Est ma fiance:
Son cueur est mien,
Mon cueur est sien:
Fy de tristesse,
Vive lyesse,
Puis qu'en Amours a tant de bien.
Quand je la veulx servir, et honnorer,
Quand par escriptz veulx son nom decorer,
Quand je la voy, et visite souvent,
Les envieulx n'en font que murmurer,
Mais nostre Amour n'en sçauroit moins durer:
Aultant ou plus en emporte le vent.
Maulgré envie
Toute ma vie
Je l'aymeray,
Et chanteray:
C'est la premiere,
C'est la derniere,
Que j'ay servie, et serviray.
Traducción
Mientras viva en edad floreciente,
serviré al poderoso dios del amor
en hechos, en dichos, en canciones y acordes.
durante varios días me ha dejado languideciendo,
pero tras el duelo me ha hecho alegrarme,
pues tengo el amor de la bella de cuerpo gentil.
Su alianza
es mi fianza,
su corazón es mío,
el mío es suyo,
fuera tristeza,
viva la alegría,
pues que en el amor hay tanto bien.
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Cuando la quiero servir y honrar,
cuando por escritos quiero decorar su nombre,
cuando la veo y visito a menudo,
los envidiosos no hacen mas que murmurar de ello,
pero nuestro amor no sabría durar menos,
por eso, o tanto más, se lleva el viento.
A pesar de la envidia,
toda mi vida
te amaré
y cantaré.
es la primera,
es la última
que he servido y serviré.
Pierre Attaingnant
Attaingnant (1494 – 1552) es considerado el primer impresor de música
música a gran escala, gracias a su
sistema de impresión, más rápido y económico que el usado por Petrucci. Publicó más de 1500
chansons de los compositores como Claudin de
Sermisy, Pierre Sandrin y Pierre Certon, pero
mayoritariamente de Clement Janequin. Gracias
a sus impresiones, adquirió derechos reales y fue
nombrado impresor de música del Rey
Tres morillas me enamoran en Jaén
Zéjel anónimo del siglo XV. importante dentro de la música profana española que relata un
romance morisco novelesco de amoríos entre bellas moras y cristianos, reflejando el carácter
fronterizo del mismo debido a la separación de los reinos moros frente a los cristianos dentro de la
Península. De autoría anónima, gozó en Jaén de mucha popularidad en el siglo XV. Es posible que se
vea aquí un ejemplo de la forma zejelesca, las estrofas constan de tres versos monorrimos con una
vuelta a los versos introductorios, de rima asonante tanto las estrofas como el estribillo. Este es el
esquema que se ve en los antiguos zéjeles árabes en el sur de España. Conocemos el tema original
gracias a la recopilación hecha por Barbieri en su "Cancionero
"Cancionero musical de los siglos XV y XVI"
XVI (1.890)
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Tres morillas m'enamoran en Jaen:
Axa'y Fatima y Marien
Tres morillas tan garridas
yvan a coger olivas.
y hallavanlas cogidas
en Jaén:
Axa'y Fatima y Marien
y hallavanlas cogidas
y tornavan desmaidas
y las colores perditas
en Jaén:
Axa'y Fatima y Marien
Díjeles: ¿Quién sois, señoras,
de mi vida robadoras?
Cristianas, que éramos moras
en Jaén:
Aixa, Fátima y Marién..
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Juan del Enzina
Juan del Enzina nació en 1469, se supone que en La Encina, un lugar próximo a Salamanca. Falleció
en Salamanca en 1530. Responde al ideal humanista de su época, cultivando tanto la música como
la literatura y destacando como erudito en la corte de los Reyes Católicos. Es una de las figuras que
preparó el terreno para la explosión de las humanidades, una o dos generaciones después, en el
Siglo de Oro castellano.
Se dice que se imbuyó del espíritu renacentista estudiando con Nebrija en Salamanca. De la
Universidad salió para trabajar como Maestro de Capilla del segundo Duque de Alba. Del
mecenazgo del Duque de Alba pasó a la Corte Real, donde ejerció como preceptor del Infante Juan.
Precisamente con ocasión del inesperado fallecimiento del Infante en 1497, acontecimiento que
conmocionó profundamente toda Castilla, Juan del Enzina compuso la Tragedia Trovada, quizá su
obra más inspirada. Tras la muerte del Infante, del Enzina se trasladó a Roma, donde residió
durante largos años, trabajando y recibiendo los favores de la Corte Papal. Peregrinó a Jerusalén
desde 1519 a 1521, como tantos otro humanistas de su época. Después de este viaje parece ser
que regresó a Castilla.
Entre la producción musical de del Enzina destaca fundamentalmente su Cancionero, editado
primero en Salamanca (1496) pero que fue reimpreso en varias ocasiones con importantes
adiciones. Además, muchas de sus composiciones se nos han trasmitido dentro de la
recopilación Cancionero Musical de Palacio. De la obra de del Enzina, hemos seleccionado dos
composiciones populares, para 4 voces.
Hoy comamos y bevamos
El villancico es una forma de virelai. En éste encontramos un estribillo de tres versos
Hoy comamos y bebamos,
y cantemos y holguemos,
que mañana ayunaremos
que se intercala entre 4 coplas. Cada una de las coplas se compone de una mudanza
Por honra de Sant Antruejo
/ parémonos hoy bien anchos.
Embutamos estos panchos,
recalquemos el pellejo
y una vuelta
Comamos, bebamos tanto
hasta que reventemos,
que mañana ayunaremos
Este villancico se hizo para ser cantado al final de una égloga representada, del ciclo de carnaval. En
este sentido podría decirse que es música escénica.
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Los borrachos o El triunfo de Baco
Por Diego Velázquez
Tres morillas me enamoran
en Jaén,
Axa y Fátima y Marién.
Tres morillas tan garridas
iban a coger olivas,
y hallábanlas cogidas
en Jaén,
Axa y Fátima y Marién.
Y hallábanlas cogidas,
y tornaban desmaídas
y las colores perdidas
en Jaén,
Axa y Fátima y Marién.
Tres moricas tan lozanas,
tres moricas tan lozanas,
iban a coger manzanas
a Jaén,
Axa y Fátima y Marién.
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Jácara
No hay que decir primor
La jácara anónima No hay que decirle el primor, conservada en la Biblioteca Nacional de Madrid, en
el manuscrito llamado Libro de tonos humanos. Esta enorme antología, fechada en 1656, contiene
222 piezas polifónicas profanas, y representa una de las fuentes más importantes de la música
española de la primera mitad del siglo XVII.
Los personajes solían ser delincuentes, pícaros, chulos, guapos o gente del mundo del hampa.
Destaca el agudo humor y el dominio de la jerga de los bajos fondos (germanía o jerigonza), que
provocaba la hilaridad con crítica social. También era propio un tono especial al cantar, el tono "de
jácara o de jacarilla", característico de esta composición
La jácara (derivada de “jaque”: malhechor) es uno de los géneros satíricos que se representaban en
el entreacto de las comedias del Siglo de Oro español. Posteriormente ha dado nombre a varias
composiciones populares de tipo similar en todo el territorio hispanohablante. Es en su origen una
composición baladística (es decir, que cuenta una historia) de estructura estrófica. Versaba
habitualmente sobre las hazañas de algún malhechor famoso, su detención y su castigo. La música
tenía un ritmo muy vivo y se acompañaba habitualmente con una guitarra. En las representaciones
teatrales durante el siglo XVII era costumbre acabar la función con una jácara cantada por las
mujeres de la compañía, que salían tras los insistentes requerimientos del público. Autores como
Lope de Vega, Quevedo, y Calderón nos han dejado numerosos ejemplos de jácaras. [...]
No hay que decir del primor ni con el valor que sale,
que yo sé que es la zagala de las que rompen el aire.
Tan bizarra y presumida, tan valiente es y arrogante,
que ha jurado que ella sola ha de vencer al dios Marte.
Si sale, que la festejan las florecillas y aves,
juzgará que son temores lo que hacéis por agradables.
Muera con la confusión de su arrogancia, pues trae
por blasón de la victoria rayos con que ha de abrasarse.
No la doy a entender flores ni a vosotras bellas, y así
que este amoroso festejo solo por ella se hace.
Que como deidad se juzga de su hermosura se vale
y quiere que el mundo sepa que no hay beldad que la iguale.
Y aunque su valor es mucho y su beldad es tan grande
si la mira acreditada bien pueden todas guardarse
Si ella de cruel se precia muera a manos de crueldades
y acabará como ingrata ya que yo muero de amante.
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Zarabanda y Sarabanda
Diego Velázquez: La reina Margarita
Ejemplo la severidad de la corte española.
Las ropas poco cómodas para la danza de Las Meninas
La sarabanda sobrepasa a todos los otros tipos de danzas en la larga cadena de transformaciones,
casi increíbles que sufrió. Podemos observar en ella una metamorfosis tan completa que su historia
linda los relatos de Ovidio. Hoy en día uno parece estar seguro de que la sarabanda supone
asociaciones con la dignidad, incluso con la piedad. Esto parece casar bien con los orígenes
españoles y cortesanos de esta danza. Pero nos espera una sorpresa: “Maldito sea el sucio individuo
que nos ha traído ese barbarismo”, fue la exclamación del moralista Giambatista Marino en 1623.
Otra crítica, algo más musical, describe la sarabanda como una danza en la que “muchachas con
castañuelas y hombres con panderetas se muestran indecentes en mil posiciones y gestos”. En 1583,
el rey Felipe II prohibió esta danza. Bailar la sarabanda deja de ser un asunto privado para convertirse
en una ofensa criminal. La pena de 200 latigazos, y por si fuera poco los hombres eran mandados seis
años a galeras y las mujeres expulsadas del país por cantar y bailar la sarabanda.
Esta danza ha vivido claramente una vida muy variada, desde su desenfrenada juventud hasta su
digna madurez, a la vuelta de su periplo por Europa. Mattheson la describe como una danza de
grandeza y severidad.
El ejemplo de nuestro concierto, es la famosísima sarabande de la suite XI para teclado de Haendel.
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Josquin des Prez
Compositor francés, el más influyente de comienzos del renacimiento. Nació probablemente en el
norte de Francia en Hainaut, y trabajó en Milán para el duque Galeazzo Maria Sforza en la capilla
papal, para Luis XII de Francia y para Ercole I, duque de Ferrara. Hacia 1505 fue nombrado rector de
la iglesia de Condé-Sur-L’Escaut, Borgoña (hoy día en Bélgica), ciudad donde falleció. Sus veinte misas
aglutinan todas las técnicas de su época, desde las estrictas e ingeniosas obras a cuatro voces
características de la escuela de los Países Bajos (que incluye compositores como Johannes
Ockeghem, posible maestro de Josquin), hasta las basadas en estilos pertenecientes a la última etapa
renacentista, ricas en imitaciones melódicas, abundancia de acordes y variaciones libres de material
ajeno al compositor (técnica que también utilizaron Giovanni da Palestrina y Orlando di Lasso). El
empleo de la imitación melódica predomina en sus motetes, piezas donde mejor manifestó su
expresivo tratamiento del texto, reflejando la concepción humanística de la época respecto a la
expresión personal, en contraste con los anteriores estilos abstractos de composición, que con
frecuencia ignoraban el significado individual de las palabras. En sus obras profanas, la mayoría de
ellas chansons francesas polifónicas o canciones, utilizó un amplio abanico de técnicas, desde
estructuras sencillas o formadas por acordes hasta algunas más imaginativas. Se le consideró el
máximo exponente de su generación, y su música continuó interpretándose durante muchos años
después de su muerte. Su testamento fue el de la individualidad de estilo, rasgo que comenzaba a ser
característico del proceso compositivo de la época. Según Martín Lutero "Josquin era el maestro de
las notas; otros se dejaban llevar por ellas"
Mille regretz. La canción del emperador
Mille Regrets (Mil pesares) es una canción compuesta por Josquin des Prez alrededor de 1520. Fue la
canción más amada del melancólico Carlos V, por lo que también es conocida como "Canción del
Emperador". En ella destaca la perfección de su melodía y su maravillosa adecuación al texto,
llegando a ser una de las obras más populares de su época.
Mille regrets de vous abandoner
Et d'elonger, votre face amoreuse,
J'ai si grand dueil et peine douloureuse
Qu'on me verra brief mes jours déffiner.
Mil pesares por abandonaros
Y por alejar de mí vuestro rostro amado,
Mi pena y mi dolor son tan grandes
Que pronto mis días llegarán a su fin.
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Farinelli y Felipe V
Isabel de Farnesio, inteligente y activa esposa que
había probado todos los medios para sacar a
Felipe Y de su melancolía, pensó en traer a la
corte al famoso Farinello para que distrajese al
rey, y escribió al conde de Montijo, embajador en
Londres, al objeto de que ofreciese un importante
puesto al cantante, que se encontraba cantando
con su innerrable éxito habitual en aquella
ciudad.
Las gestiones del embajador dieron su resultado y
el famoso castrato llegó a la Granja en agosto de
1737. El 25 de ese mismo mes le oyó Felipe V, en
uno de sus peores momentos de depresión y
melancolía, y el efecto del canto fue tal que el rey
volvió en sí con nuevo optimismo y dijo al
cantante que pidiese la recompensa que más le
agradase. El músico, según cuenta Cotarelo, le
contestó que se sentía pagado con haberle
divertido, y que el único deseo que formulba era
que el rey abandonase la tristeza y se ocupase de
sus asuntos de estado.
Lascia chio pianga. (Rinaldo) G. F. Haendel
Lascia ch'io pianga.
Lascia ch'io pianga mia cruda sorte,
E che sospiri la libertà!
E che sospiri, e che sospiri la libertà!
Lascia ch'io pianga mia cruda sorte,
E che sospiri la libertà!
Déjame llorar.
Déjame lamentarme de mi cruel destino
¡Y que suspire la libertad!
¡Y que suspire, y que suspire la libertad!
Déjame lamentarme de mi cruel destino
¡Y que suspire la libertad!
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14
La Serva Padrona. Pergolesi
Mientras Carlo de Borbone gobernaba en
Nápoles, se producía en esta ciudad el
nacimiento de las primeras operas bufas, de
carácter cómico. La más famosa de ellas, La
serva Padrona (la sirvienta mandona),
protagonizaría uno de los episodios más
curiosos de la historia de la ópera: la querella
de los bufones, un enfrentamiento entre los
defensores del género serio francés y los que
defendían la renovación. Entre estos últimos se
encontraba Roisseau.
En esta ópera, la sirvienta, Serpina
(serpientita), es una criada resuelta, lista y
mandona, que lleva las riendas de la casa de
Uberto Pandolfo, el señor, acobardado por el empuje de su criada. Bajo el rol de la criada se
esconde la reivindicaciónb de una burguesía que reclamaba derechos y poder. El personaje de
Uberto representaba una nobleza muy debilitada y casi rendida. El mensaje era tan claro y ácido
que provocó la cólera de los reaccionarios en el Paris de 1752, vestida de defensa de los valores de
la ópera francesa.
Luigi Bocerini y el Infante don Luis
Un importante foco de actividad fue el propiciado por el
infante don Antonio de Borbón, hermano de Carlos III.
Desde su niñez se retiró de la Corte, pues había sido
nombrado cardenal a los ocho años, y a la muerte de
Felipe V, se dedicó a acompañar a su madre Isabel de
Farnesio en la Granja. Era tambbién acompañante de
Carlos III en las cacerías, pero nunca llegó a tener con él
una gran confianza. A los veinte años renunció a su
cardenalato anejo a los arzovispados de Toledo y sevilla;
era de un temperamento apasionado muy amante de las
mujeres, lo que ocasionó serios disgustos al escrupuloso
Carlos III.
Entre las personas asignadas al servicio del infante, se
encontraba Luigi Boccherini y una agrupación de buenos
músicos regidos por él. Esta agrupación tuvo seros
problemas a la muerte del infante, hast a que fueron
asimilados a la Real Capilla del rey Carlos III.
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Francisco Tárrega.
Compositor y guitarrista español nacido en Villarreal (Castellón) el 21 de noviembre de 1852.
Un accidente de infancia le dañó los ojos y su padre, pensando que podría perder completamente
la vista, se trasladó a Castellón para que asistiera a clases de música y pudiera ganarse la vida como
músico. Entró en el Conservatorio de Madrid en 1874, donde estudió composición con Emilio
Arrieta. A finales de 1870 enseñaba guitarra (Emilio Pujol y Miguel Llobet fueron alumnos suyos) y
daba conciertos con regularidad. Virtuoso de su instrumento, lo conocían como el “Sarasate de la
guitarra”. En 1880 dio recitales en París y Londres.
Durante el invierno de 1880, Tárrega sustituyó a su amigo y
guitarrista Luis de Soria en un concierto en Novelda
(Alicante), ciudad donde conoció a su futura esposa, Maria
Rizo.
En 1881 después de un concierto en Lyon, llegó a París
donde conoció a los personajes más importantes de la
época. Actuó en varios teatros, siendo invitado a tocar para
la Reina de España, Isabel II. Tras tocar en Londres, volvió a
Novelda para contraer matrimonio con su prometida Maria
Rizo.
Realizó frecuentes giras: Perpiñán (Francia), Cádiz (España),
Niza (Francia), Mallorca (España), París, Valencia, y más. En
Valencia conoció a Conxa Martinez, rica viuda que lo toma
bajo su protección artística, prestándole a él y su familia una
casa en Barcelona. Allí es donde Tárrega compuso la mayoría
de sus más famosas obras.
De vuelta de un viaje a Granada escribió el trémolo "Recuerdos de la Alhambra", y estando en
Argelia le llegó la inspiración para componer "Danza Mora". Allí conoció al compositor Saint-Saens y
más tarde, en Sevilla, escribió la mayoría de sus "Estudios", dedicando a su querido amigo y
compositor Bretón la bella composición "Capricho Árabe".
Se instaló en 1885 en Barcelona, y allí murió el 15 de diciembre de 1909.
Aparte de sus obras originales para guitarra que incluyen Recuerdos de la Alhambra, Capricho
árabe y Danza mora, arregló piezas de otros para este instrumento, tales como algunas de
Beethoven, Chopin y Mendelssohn.
El gran vals (de Nokia).
La música más interpretada y oída en el mundo es la conocida como "Melodía Nokia" (Nokia Tune)
porque es el tono de llamada predeterminado de los teléfonos móviles de la marca Nokia pero está
entresacada de una pieza suya llamada Gran Vals (compases 14 al 16). Esta melodía se ha
convertido en una de las más escuchadas en todo el mundo ya que más de 850 millones de
teléfonos Nokia la reproducen a diario
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Recursos
Pueden encontrar partituras, audio y video de las obras del concierto, artículos y páginas
recomendadas accediendo al espacio habilitado en www.concertando.es, con las claves que les han
sido facilitadas.
En nuestra página encontrarán guías para padres y profesores, actividades, juegos e información
para todos.
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La música es mucho más que arte, mucho más que sonidos y silencio, mucho más que ritmo y
armonía, mucho más que una experiencia estética.
La música sirve mucho más que para aprender, desarrollarse, expresarse, comunicarse, sentir y
emocionarse.
La música es un potente instrumento para mejorar la vida, la sociedad y el mundo. Por eso desde
Concertando queremos enriquecer y sanar el mundo a través de lo que más amamos: la música.
Concertando es un proyecto socio-educativo de la Orquesta de Cámara Carlos III que tiene como
objetivo convertir la música en un vehículo de educación, integración y aprendizaje para los niños.
Como miembro de la Red de Organizadores de Conciertos Educativos, ROCE, Concertando propone
un conjunto de acciones didácticas relacionadas con la música para que los niños amplíen su
formación musical aprendiendo y jugando. Concertando lleva su labor a las escuelas y a las familias,
implicando a padres, profesores y alumnos.
Una de las grandes apuesta de Concertando es el trabajo con personas de capacidades diferentes,
brindándoles la ocasión de integrarse y potenciar sus aptitudes a través de la música.
Concertando es un proyecto de la Orquesta de Cámara Carlos III promovido por su director, Juan
Manuel Alonso, quien ha reunido para este propósito a un equipo multidisciplinar de profesionales
con una sólida experiencia y preparación en diferentes áreas: educadores, pedagogos, músicos y
artistas.
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