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El
Renacimiento
Hernán Fernández López
Música 3º ESO. Curso 02/03
ÍNDICE
Principales compositores
del renacimiento……………………………….Pág.2
Otros compositores
importantes del renacimiento………………….Pág.3
Instrumentos del
renacimiento…………………………………...Pág.4
Obras del renacimiento
Sacras………………………………………………………Pág.5
Profanas……………………………………………………Pág.6
Principales compositores del
Renacimiento
Tomás Luis de Victoria
Compositor español (1548-1611) Siendo el séptimo de los hermanos de una
familia acomodada, estudió música en la catedral de Ávila con los maestros
de capilla Jerónimo de Espinar y Bernardino de Ribera y luego pasó a la
escuela de San Gil. Tras esto entre los años 1563 y 1565 fue enviado al
Colegio Germánico de Roma, donde pudo adentrarse en el estudio de
música sacra y composición, siendo pupilo del cardenal Otto Truchsess von
Waldburg. En 1583 compuso Missarum libri duo, que fue dedicado a
Felipe II, y donde expresaba su deseo de volver a España. Cuando regresó,
se puso al servicio de la emperatriz María, y permanecería allí hasta que
esta falleciera en 1603
William Byrd:
Compositor británico (1554 – 1623) El carácter emprendedor de William
Byrd le permitió llegar a ocupar cargos oficiales anglicanos en la catedral
de Lincoln y como organista de Isabel I en la capilla real. Se asoció con su
colega Tallis y obtuvo de la reina el derecho exclusivo para publicar
música en Gran Bretaña. Era un compositor prolífico y de gran talento,
tanto de música sacra como de música profana.
Josquin des Prez
Compositor francés (1440 -1521) En su época era habitual considerar la
habilidad artística como un préstamo de Dios, que había que devolver
mediante su obra. Aunque sus contemporáneos lo aclamaban como el
mejor compositor, pasó su vida humildemente dedicado al servicio de la
Iglesia, primero como cantante de coro, y luego, a partir de los sesenta
años, como director (en el sentido de supervisor religioso). Aunque
demostrando su devoción por la Iglesia, también disfrutaba de los placeres
mundanos.
Otros compositores importantes del
Renacimiento
Antonio de Cabezón
Compositor y organista español (1510-1566)
Tomaso Albinoni
Compositor y violinista italiano (1671-1750)
Archangelo Corelli
Compositor y violinista italiano (1653-1713)
Claudio Monteverdi
Compositor italiano (1567-1643)
Giovanni Pierluigi da Palestrina
Compositor italiano (1525-1594)
François Couperin
Compositor, clavecinista y organista francés (1668-1733)
Campion
Médico, poeta y músico inglés (1567-1620)
Rosseter
John Dowland
Instrumentos del Renacimiento
Laúd
En el siglo XVI era el instrumento favorito. Casi todos los laúdes tenían 11
pares de cuerdas, y con ellos se podía tanto tocar acordes como música
polifónica de considerable complejidad. Se utilizaba normalmente en la
música de cámara, aunque en Gran Bretaña se utilizase para acompañar
canciones y para danzas. En el auge de las sonatas y conciertos de cuerda,
comenzó a caer en desuso.
Viola da gamba
Durante los 200 años siguientes a su perfeccionamiento en el siglo XVI.
Existían 3 tipos; soprano, tenor y baja. En el siglo XVI, la gente creía que
el sonido de un grupo de violas (que estaban formados por 2 violas
soprano, 2 tenor y 2 bajo) era el equivalente a un coro de voces.
Existían pocas obras para viola soprano, ya que aunque combinaba
bien en un grupo, su sonido era demasiado débil como para destacar entre
otros instrumentos como solista. Pero las obras para viola bajo fueron muy
apreciadas, principalmente en Francia. Muchos compositores realizaron
obras para viola da gamba, tales como Marin Marais o Couperin, y más
tarde Bach compondría 3 sonatas para viola baja.
Tipos de obras en el Renacimiento:
Sacras:
Motetes:
El nombre proviene del francés “mot”, palabra. Esta forma musical,
cultivada desde 1250, fue la preferida por los polifonistas del Ars Nova y
también del Renacimiento, o al menos donde más y mejor aplicaban su
sensibilidad e inventiva. Es necesario distinguir entre los motetes de la
Edad Media politextuales, con unas voces en latín y otras en lengua vulgar,
basados casi siempre en un tenor de canto llano preexistente y
mayoritariamente a 3 voces, de los motetes mucho más cuidados desde el
punto de vista del texto, único para todas las voces, renacentistas. Este tipo
de motete es un conjunto de episodios musicales, cada uno con su propio
tema, tema que es engendrado por cada frase textual nueva. La música,
como casi toda la de este periodo se basa en uno de los 12 modos
eclesiásticos, aunque las cadencias están todas sensibilizadas, lo cual dota
al contrapunto de un marcado cromatismo. Este produce la sensación de
dramatismo, emoción y tensión característica de los motetes de la escuela
romana. Las cadencias suelen ser dobles, V-I o V-VI seguida de IV-I.
Misas:
La misa ordinaria constaba de cinco partes: Kyrie, Gloria, Credo,
Sanctus-Benedictus y Agnus Dei. Las primeras misas conocidas fueron
compuestas en el siglo XIV, siendo las más conocidas las de Tournai y la
de Barcelona. Estas misas y otras de la época comenzaron siendo obra de
varios compositores, cada uno de los cuales componía una o dos partes de
la misa, que luego juntaba a capricho el director.
La primera misa compuesta de principio a fin por un solo compositor
se la debemos a Guillaume de Machaut, estrenada con ocasión de la
inauguración de la cúpula de la Catedral de Florencia.
En España será a partir del siglo XV, con las misas de Anchieta,
Peñalosa, Escobar cuando podamos hablar de misas españolas compuestas
por un solo compositor.
La composición de una Misa podía seguir tres procedimientos:
- Tenor o de Canto llano: Basada en un tenor de texto religioso o profano,
procedente del canto llano
- Misa parodia: Una composición preexistente, generalmente procedente
del gregoriano.
- Sine nomine: Misa completamente original.
Profanas:
Fantasías:
Género exclusivo de vihuela, para la que componen Milan,
Valderrabano, Fuenllana, Narvaez y Pisador. La fantasía consiste en un
cuerpo musical construido a base de contrapunto: aumentación,
disminución, síncopas, floreos, notas de paso, retardos, redobles, quiebros.
Pocas veces sin embargo se utiliza el recurso de la imitación, a pesar de que
las voces van entrando sucesivamente.
Madrigales:
Tiene su origen en la Italia del Siglo XIV, derivado de la frottola, de
escritura homófona e isométrica, con la diferencia de que todo el texto
recibe música, y no solo en la primera estrofa como en la frottola.
De todas formas no será este primer madrigal el que influya en los
compositores españoles, sino el del siglo XVI, de estilo contrapuntístico e
imitativo, gracias sobre todo a la inspiración y audacia de músicos como
Willaert. Este género tiene especial atención en los músicos de Cataluña
como Pedro de Alberch Vila, Mateo Flecha el Joven…
De hecho los castellanos y andaluces no aceptaron el término,
aunque sí la forma, caso de algunos sonetos y villancicos de Juan Vázquez,
Francisco Guerrero, ...
El madrigal en España puede describirse como una composición
musical polifónico - vocal, sobre textos poéticos muy refinados, tanto por
su lenguaje como por su contenido, sin estribillo, con música para toda la
letra y de estilo imitativo, parecido al del motete.
Villancicos:
Es la forma predominante en casi todos los cancioneros españoles de
música profana, y es forma típica de España.
Son composiciones polifónicas a tres o cuatro voces, con texto en
castellano basado en poesía de tema amoroso recuerdo de la tradición
trovadoresca del amor cortés.
Canción:
La única variación con respecto al villancico es el número de versos
del estribillo, de dos o tres en el villancico, de cuatro o cinco en las
canciones; el número de versos tanto de estrofas como de estribillo es más
regular en la canción que en el villancico; en la canción solo se permite una
estrofa, mientras en el villancico puede haber más de una.