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TEMA 8: LA MÚSICA INSTRUMENTAL EN EL CLASICISMO
1. INTRODUCCIÓN y CARACTERÍSTICAS DE LA MÚSICA CLÁSICA(Ver
tema 7)
2. CARACTERÍSTICAS DE LA MÚSICA INSTRUMENTAL
3. ORGANOLOGÍA
3.1 Instrumentos de cuerda
3.2 Instrumentos de cuerda y tecla
3.3 Instrumentos de cuerda pulsada
3.4 Instrumentos de viento
3.5 Instrumentos de percusión
3.6 Orquesta
3.7 Otras agrupaciones
4. PRECLASICISMO
4.1 Estilo galante
4.2 Empfindsamer Stil.
4.3 Escuela de Mannheim
5. CLASICISMO: FORMAS INSTRUMENTALES
5.1
5.2
5.3
SONATA
SINFONÍA
CONCIERTO CLÁSICO
6. COMPOSITORES
TEMA 8: LA MÚSICA INSTRUMENTAL EN EL CLASICISMO
1. INTRODUCCIÓN Y CARACTERÍSTICAS DE LA MÚSICA CLÁSICA(Ver
tema 7)
2. CARACTERÍSTICAS DE LA MÚSICA INSTRUMENTAL
- En general, se produce una notable mejora en la calidad técnica instrumental.
- Si durante la época barroca la principal característica fue la emancipación de la música
instrumental respecto a la vocal, en la segunda mitad del siglo XVIII se establecen las
estructuras fijas de las formas más importantes de esta época y que también lo serían a lo largo
del siglo XIX.
- Se produce en el Clasicismo el establecimiento de la orquesta sinfónica como una formación
fija, base del concepto orquestal que hoy entendemos formada por instrumentos de cuerda
frotada, viento y percusión. Se observa un aumento en el número de intérpretes, tanto en la
cuerda como en el viento, pasando éstos a desempeñar un papel más melódico. Algunos
instrumentos antiguos se desechan a favor de otros mas modernos y perfeccionados formando
así el corpus de instrumentos que forman la orquesta clásica.
- La figura del director se va desvinculando de la interpretación. En las primeras décadas se
dirige la orquesta desde el violín primero (concertino) hasta que definitivamente adoptará un
papel independiente del instrumento.
- Progresiva sustitución del clave por el piano como instrumento solista ya que en las obras
desaparece el bajo continuo.
- La orquesta clásica contaría con una plantilla similar a la siguiente:
Durante la segunda mitad del siglo XVIII se generalizaron los conciertos públicos de
música instrumental. Era común desde el siglo anterior las representaciones públicas de ópera,
pero no de otros géneros. Francia fundó la primera organización de conciertos públicos,
llamados Conciertos Espirituales (se interpretaba música religiosa), a partir de 1725. En torno a
1750 estaban ya totalmente consolidados y se continuaron llamando así a pesar de que las obras
interpretadas eran profanas. Londres y Alemania también ofrecerán en la segunda mitad del
siglo XVIII conciertos públicos de abono. A veces con reducido público, este tipo de conciertos
compitieron fuertemente con la ópera, espectáculo que contaba con la mayoría del público. El
desarrollo del concierto público fue un fenómeno importante para los músicos y compositores
del siglo XVIII ya que les puso en contacto inmediato con un público que pagaba, de modo
similar que ocurría sólo en el Teatro de ópera. El concierto fue el responsable de la preferencia
por un repertorio específico, la popularidad de determinadas formas y su posterior desarrollo.
Además, favoreció la emancipación del compositor respecto del patrón privado. Ofrecía una
alternativa a la vida de servidumbre.
3. ORGANOLOGÍA
3.1
Instrumentos de cuerda
Los instrumentos de arco son el centro en la producción musical de todo el siglo
XVIII. El violín, la viola y el violonchelo adquieren madurez, debido a la modernización del
mástil y la barra armónica gracias al trabajo de Vuillaume, sustituyendo definitivamente a la
viola da gamba y a la viola da braccio todavía corrientes en el Barroco. En cuanto al contrabajo,
el más grave de los instrumentos de arco, se impone en la orquesta como soporte de la
tonalidad, sustituyendo al bajo continuo. El arco moderno fue inventado por Tourte en esta
época con un peso, largura y equilibrio capaz de lograr un incremento de la fuerza con las
tensiones más altas del violín.
3.2
Instrumentos de cuerda y tecla
El clave que había sido el instrumento Barroco por excelencia irá desapareciendo a favor
del clavicordio, caracterizado por su sonoridad dulce y clara y su capacidad de admitir sutiles
matices dinámicos, con cuerdas perpendiculares a las teclas y con unos macillos que permitían
obtener una graduación de la intensidad del sonido según la fuerza con que se pulsaran las
teclas.
El piano o pianoforte fue inventado por B. Cristofori en 1710 y cuya novedad
fundamental con respecto al clavicordio residía en su mecánica (más liviana que en la del
instrumento moderno). El nombre se debe a la facilidad del instrumento para realizar matices
“forte” y “piano”. Su mecánica consistía en: unos martillos de madera golpean las cuerdas y
vuelven después a su posición original. El sonido es menos metálico, más suave. Las cuerdas se
colocan paralelamente al teclado. Éste, tendría una extensión inicial de 5 octavas aunque a
finales del XVIII llega a tener 6. En el Romanticismo llega a su extensión habitual, 7 octavas y un
cuarto. Será el instrumento más importante tanto de esta época como del siglo siguiente.
A finales del siglo XVIII se introdujeron pedales de expresión. (forte o dolce,). Los
principales compositores para piano fueron: Clementi (también constructor de pianos), Haydn,
Mozart y Beethoven.
3.3
Instrumentos de cuerda pulsada
No tienen demasiada trascendencia al ser instrumentos de uso escaso en la orquesta
debido a su menor sonoridad. Encontramos a veces la mandolina (en Don Juan de Mozart) o el
arpa (perfeccionado por Erard a partir de 1786). La guitarra en esta época cuenta con 6 órdenes
dobles de cuerdas pero dobles en vez de sencillos. Los compositores mas importantes del
periodo no escriben para ella así que el repertorio clásico para guitarra está compuesta por otros
músicos menos conocidos.
3.4
Instrumentos de viento
En general tendrán más protagonismo que en épocas anteriores. Algunos se incorporan a
la orquesta.
La flauta travesera, de madera en el Clasicismo, experimentó mejoras técnicas
introducidas por Quantz (división en tres partes del tubo, consiguiendo diferentes tonalidades,
algunas llaves).
El oboe y el corno-inglés, todavía bastante imperfectos con una o dos llaves y 6 ó 7
agujeros.
El fagot y el contrafagot, que aumentan su número de llaves.
En 1700 Denner inventaría el clarinete, por primera vez la lengüeta se pone en contacto
con los labios del instrumentista. Con 6 llaves y un pequeño pabellón. En esta época se utilizó
bastante el clarinete contralto o corno di bassetto.
En este siglo (a partir de 1750) la trompeta natural atravesó un largo período de crisis por
ser instrumento representativo del antiguo régimen y porque, sin llaves, no satisfacía las
exigencias de los compositores. A finales de siglo, se empezaron a introducir llaves para tapar
los orificios.
La trompa natural experimentó mejoras gracias al trabajo de ingleses y alemanes. Para
ampliar su registro y la producción de notas, se empezaron a utilizar unas piezas adicionales
llamadas “tonillos” o “tonos de recambio”, segmentos de tubo que podían ser añadidos a la
trompa alargándola y modificando así su nota fundamental. Alrededor de 1760 se descubrió
que se podía bajar la altura del sonido en un semitono o más tapando el pabellón del
instrumento con la mano.
La tuba tuvo predecesores en el clasicismo: el serpentón en madera, con sonoridad dulce
y potente; y el oficleido de metal y con llaves.
El órgano sigue teniendo un papel ligado a la música religiosa. No tuvo demasiada
importancia en esta época.
3.5
Instrumentos de percusión
En el curso del siglo XVIII los timbales, siempre dos y afinados en la tónica y la
dominante encontraron su lugar definitivo en la orquesta y poco a poco se le confiaron tareas
cada vez más brillantes y no como mero relleno.
El resto de instrumentos de percusión utilizados: triángulo, glockenspiel, platillos,
bombo y plato, gong, son utilizados buscando un carácter oriental.
Gorber inventó un xilofón con teclado parecido al clavicordio con una extensión de
cuatro octavas y cuyas teclas estaban conectadas con unas baquetas en forma de bola de madera
que golpeaban las láminas del instrumento.
3.6
Orquesta
A mediados del siglo XVIII se inicia lo que podríamos llamar el proceso de
estandarización de la orquesta sinfónica. Entre 1759 y 1800 se asiste a la consolidación de dicha
orquesta, en la que tuvieron un papel importantísimo las orquestas de Mannheim y Viena.
 Desaparece el clave como instrumento orquestal, y con él el bajo contino.
 La base de la orquesta sinfónica clásica era la sección de cuerdas, elemento que ha
perdurado en el tiempo.
 La sección de viento evoluciona, aumentando el número de instrumentos.
 Se utilizan los timbales con elemento de precisión rítmica.
La orquesta clásica se compone de:
10 violines 1º
10 violines 2º
8 violas
6 violonchelos
4 contrabajos
3.7
2 flautas
2 oboes
2 clarinetes
2 trompas
2 trompetas
2 timbales
Otras agrupaciones
El que el piano estuviera perfeccionándose, junto a la debilidad sonora del clavicordio y el
carácter frío del clave, forzó a los compositores a buscar nuevas combinaciones instrumentales que
fuesen expresivas y que tuviesen una uniformidad tímbrica y donde ningún instrumento es
subordinado a los demás. El resultado fue el cuarteto de cuerda, compuesto por violín 1º y 2º,
viola y violoncello, tratado magistralmente por Haydn, que aunque no es el primer compositor
de ellos, sí es el que aprovecha al máximo sus cualidades expresivas.
También ocupa un lugar destacado el trío con piano, junto al violín y el violonchello. Otras
agrupaciones de la época fueron el quinteto, el sexteto y el septeto.
A medio camino entre la música de cámara ( las agrupaciones mencionadas) y la orquesta
sinfónica (que acabamos de explicar), encontramos la orquesta de cámara propia para salones
de la corte o palacios burgueses. Estas orquestas integradas sólo por instrumentos de cuerda,
tuvieron también gran importancia en el período clásico.
4. PRECLASICISMO
4.1 Estilo galante
Durante los años comprendidos entre 1740 y 1770, solapándose en principio con el final del
Barroco y después con el Clasicismo, el ideal musical adopta el término de estilo galante,
concepto que no está definido de forma precisa pero que se utilizó para referirse a la música de
moda que se oponía al estilo elaborado, recargado y solemne asociado a Luis XIV. El galante era
un estilo de música amable, alegre, elegante y que se usó a veces como sinónimo de rococó,
vocablo más común en las artes plásticas. Este estilo se desarrolló principalmente en Italia y
Francia debido a las influencias de los Ilustrados y Enciclopedistas que con fuerza defendían los
nuevos ideales de sencillez, naturalidad y sentido común que acabaron instalándose de
manera definitiva en la segunda mitad de siglo.
Dentro de este estilo debemos hablar de Domenico Scarlatti, hijo del conocido compositor de
ópera napolitano Alessandro Scarlatti. Compuso la mayoría de sus obras más importantes en
España al servicio de Fernando VI y en particular de Bárbara de Braganza ya que era su
profesor de música.
Del total de sus obras debemos destacar sus sonatas. Compuso 555 y en ellas se establecen
claramente las relaciones tonales entre la tónica y la dominante. Son conocidas como sonatas
bipartitas monotemáticas ya que constaban de dos secciones en un único movimiento pero con
un único tema. Estas sonatas suponen la transición desde la sonata barroca a la sonata clásica,
principal forma en la segunda mitad del siglo XVIII.
También debemos nombrar como músico importante a Johann Christian Bach. Si Scarlatti
da un paso fundamental en la evolución de la sonata, Johann Christian lo hace a favor de la
forma Concierto. El Concerto grosso barroco desaparece, quedando únicamente el de solista.
Destacan sus Conciertos para cembalo o pianoforte, que indican la transición del instrumento
en la época. Fue el primer compositor que adopta el pianoforte para la ejecución pública en
forma de concierto para orquesta.
Por último, destacamos a Luigi Boccherini, compositor dedicado exclusivamente a la música
instrumental. Trabajó para la aristocracia española, primero al servicio del infante Luis Antonio,
hermano de Carlos III. Cuando Luis Antonio murió, pasó a trabajar a la Capilla Real, formando
parte de la larga lista de músicos extranjeros al servicio de la corte en España. Destacan sus
conciertos para violonchelo, cuartetos, sinfonías y sus más de 100 quintetos, algunos de los
cuales incluían la guitarra.
4.2 Empfindsamer Stil.
Solapándose al estilo galante, tenemos ya en la segunda mitad del siglo XVIII el llamado
Empfindsamer Stil y traducido como “estilo de la sensibilidad”. Se da principalmente en
Alemania y se caracteriza por el énfasis de los matices y la expresión de sentimientos a menudo en
rápida sucesión. La armonía utilizaba giros sorprendentes, cromatismos, modulaciones
extrañas..., junto a matices extremos.
El Empfindsamer Stil tuvo durante los años 70 una última fase conocida como el periodo
llamado Sturm und Drang (tempestad y calma). La intensidad emocional exacerbada y los
arranques apasionados y violentos constituyen la característica principal de esta música, lo cual
anuncia claramente el Romanticismo, pero sin embargo, este estilo se disipó desembocando en
unas décadas de música clásica.
Los compositores que desarrollan el Empfindsamer Stil fueron dos de los hijos de Bach,
Wilhem Friedemann Bach y sobre todo Carl Philippe Emmanuel Bach, el más importante.
Destacan sus sonatas, de carácter bitemático, predecesoras de las que mas tarde escriben Haydn
Mozart o Beethoven.
4.3 Escuela de Mannheim
No podemos cerrar el capítulo de los estilos preclásicos sin nombrar la Escuela de Mannheim
ya que constituyó el más importante antecedente al hablar de la música orquestal en el
Clasicismo.
La corte alemana de Mannheim fue famosa por su intensa actividad artística. Consiguió
reunir a importantes intérpretes y músicos de toda Europa. Contaba con una orquesta que
consiguió ser famosa a nivel internacional. El músico Johann Stamitz inauguró su mayor época
de esplendor.
Las características de esta orquesta marcarán las principales directrices de las orquestas
posteriores:
- La orquesta era conocida por su virtuosismo y efectismo: brillantes tutti orquestales, crescendi
impactantes, pausas repentinas...
- Establecimiento de una alta disciplina de ensayos y precisión en la ejecución.
- Elimina de su práctica el Bajo Continuo.
- Dirección de la orquesta desde el violín primero.
- Se generaliza el esquema de la sinfonía a 4 movimientos, con Minueto – trío en el tercero.
- Formación instrumental prácticamente similar a la clásica posterior.
El auge de esta orquesta duró hasta los años 80. Importantes músicos que trabajaron en la
corte fueron Johann Stamitz, sus dos hijos, Cannabich, Holzbauer o Richter.
5. CLASICISMO: Formas Instrumentales
5.1
SONATA
Lo esencial del Clasicismo es el respeto a las formas y a la norma, dado que para llegar a esa
perfección que se pretende lo primero es respetar las leyes musicales. Justamente la SONATA
resume mejor que nada este respeto a la forma y a la norma, dado que está basada en ello.
La sonata que hemos visto nacer durante el Barroco monotemática bipartita de Doménico
Scarlatti, cambia radicalmente con la llegada del Clasicismo, dotándose de una forma muy
estricta que debe seguir el músico. Los cambios son:
- Sometimiento a una estructura muy determinada.
- División de la sonata en tres o cuatro tiempos (sonata tripartita o cuatripartita), a los que
puede anteceder una especie de introducción lenta.
- El primer movimiento es el más normativo y se llama “forma sonata” por antonomasia.
- Establecimiento con claridad de las relaciones armónicas, es decir, de un lenguaje tonal
jerarquizado con el predominio de la tónica I, la dominante, V, y la subdominate, IV.
ESQUEMA DE LA SONATA CLÁSICA:
La Sonata como composición estructurada en varios movimientos, tiene normalmente esta
alternancia:
 El primer movimiento, corresponde a una estructura de “Forma Sonata”. Es el de
mayor importancia de la obra.



El Segundo movimiento, Andante o Adagio, por lo común suele ser un Lied con
estructura: A-A´; A-B; A-B-A o un Tema con variaciones.
El Tercer movimiento, un Minué o Scherzo (recibe de Beethoven esta denominación).
El Minué es la única forma de danza que desde la Suite antigua se incorpora a la
Sonata.
Una variante es el Minueto con Trío, siendo el Trío otro minueto que contrasta en
tonalidad y carácter con el primero, interpretándose en ese caso Minueto – Trío –
Minueto.
El cuarto movimiento, Rondó o Final en movimiento vivo y alegre con el que culmina
la obra. Normalmente se indica con Allegro o Presto. Puede tener forma sonata
(como el primero) o de Rondó, donde hay una sección que se repite entre distintas
secciones nuevas con esta forma: A – B – A – C – D – A .
Esquema de sonata clásica:
A. Exposición
I. ALLEGRO
(Esquema de sonata
propiamente dicho)
B. Desarrollo
A’. Reexposición
II. ADAGIO
Andante o Largo
(tono vecino)
III. MINUETTO o
SCHERZO (tono libre)
IV. FINAL
Allegro o Presto
(tono principal)
Introducción..... (opcional)
a) I tema........... en el tono principal
b)
puente.......... modulante
c)
II tema.......... en un tono
vecino
Desarrollo temático modulante
a’) 1 tema.... en el tono principal
b’) puente.... modulante
c’) II tema.... en el tono principal
Coda
Con dos temas
En forma ternaria, A-B-A
Con un solo tema
Tema con variaciones
A. Primer período
(minueto)
B. Segundo período
(Trío)
A’. Tercer periodo
Primera forma
Segunda forma Rondó
Exposición del tema
Breve episodio y
Repetición del tema
Tema
Episodio y repetición del tema
Repetición exacta del primero
Como el primer tiempo o allegro
Tema que se repite varias veces (4
ó 5), separado por episodios
Coda
Se ha considerado a C.P. E. Bach como el autor que asienta las bases de la forma Sonata
bitemática-tripartita.
La “Forma Sonata” comienza con una Introducción.
Le sigue la Exposición que consta de tres partes: Tema 1º o A claramente reconocible; Puente
que conduce al tono del Tema 2º o B que ha de contrastar con el tema A y habitualmente está en
el tono de la Dominante. La Exposición puede terminar con una Coda.
El Desarrollo tiene libertad y ocupa la parte central del Tiempo Sonata, Como su nombre
indica, en esta sección se desarrollan elementos temáticos que pueden ser sacados de los dos
temas (A y B), lo cual varía dependiendo de la creatividad del compositor. Parte muy libre a la
hora de componer, presenta gran número de posibilidades ya que no existe ningún esquema
preexistente de desarrollo. El desarrollo debe conducir al tono principal después de distintas
modulaciones (cambios de tonalidad) para dar entrada a la:
Reexposición que empieza con el tono principal exponiéndose los dos temas principales
iguales o variados, pero siempre reconocibles y siempre ambos temas en la tonalidad principal
y unidos por un puente.
Este movimiento puede terminar en una Coda, que puede ser extensa o de proporciones
menores, terminando en una cadencia auténtica en el tono principal.
El esquema de sonata se usa para el resto de agrupaciones de cámara que vimos
anteriormente, de manera que un dúo es una sonata para dos instrumentos; un cuarteto una
sonata para cuatro, quinteto……
Sin duda el CUARTETO DE CUERDA, del que ya hablamos anteriormente, el más
importante de todos ellos.
5.2
SINFONÍA
La sinfonía es una gran sonata para orquesta; sigue por ello, la forma de Sonata
expuesta, aunque al ser interpretada por toda la orquesta, suele ser más compleja.
La Obertura Napolitana con sus tres movimientos Rápido-Lento-Rápido del Barroco fue
el origen de esta Forma. El primer movimiento (Rápido) evoluciona con dos temas (forma
sonata), junto con los otros dos movimientos, crece en extensión. Se añade un Cuarto
movimiento (minué entre el Segundo y el Tercer movimiento de la antigua obertura),
consiguiendo una nueva forma: La Sinfonía.
Estos cambios son realizados en el Norte de Italia por compositores como Giovanni
Sanmartini y Luigi Bocherini. Parecidos experimentos realizan a través de la forma sonata
algunos de los hijos de Bach, como Johann Christian Bach y Philipp Emmanuel Bach, que
trabaja en la corte de Federico el Grande en la Escuela de Berlín.
De la Escuela de Mannheim, ya mencionada destacan Stamitz, Richter y Cannabich.
Viena es la tercera gran ciudad donde se da la actividad sinfónica con Haydn, Mozart y
Beethoven. La corte de Viena atraía a muchos músicos y allí se dio la música que se consideró
como el paradigma de la música clásica.
5.3
CONCIERTO CLÁSICO
La época del Clasicismo trajo consigo el triunfo definitivo del Concierto solista sobre el
Concerto grosso del Barroco. Se trata de una forma escrita para orquesta y solista, pudiendo ser
éste cualquier instrumento de cuerda o viento. Encontramos una gran variedad, donde el solista
dialoga con la orquesta, siendo los más comunes los escritos para piano y violín. También los
hay para flauta, clarinete, oboe, trompa, viola o violonchelo entre otros.
Normalmente constará de tres movimientos, rápido (Allegro) , lento (Adagio) y rápido
(Presto, Vivace, muchas veces con forma Rondó que permite la brillantez al final) en lugar de
los cuatro de la Sonata (prescinde del minueto o scherzo). Será característica una sección que
suele estar al final del primer movimiento, la Cadencia, pasaje de carácter virtuosístico donde el
solista hace gala de sus habilidades técnicas. Hasta Beethoven, era habitual dejar ciertos
aspectos abiertos en las cadencias para que el intérprete los realizara a su gusto, pero Beethoven
comenzó a detallar cómo debía ser la interpretación exacta de estas secciones.
6. COMPOSITORES
J. Haydn ( 1732 – 1809 )
Como decíamos en el tema anterior, Haydn fue un compositor sobre todo de música
instrumental. Realizaremos un pequeño recorrido por su catálogo de obras en este género.
Dentro del campo de la sonata, compuso hasta 49 para teclado donde se denota una gran
variedad de estilo. Serán diferentes dependiendo del medio para el que se destinara: clave,
clavicordio o pianoforte, ya que hubo un periodo en el que convivieron los tres. En los años 70
se vieron influídas por la corriente Sturm und Drang con constantes cambios dinámicos. Sin
embargo a partir de los 80 la influencia es claramente mozartiana.
En cuanto a la música de cámara, Haydn puede ser considerado como el principal promotor del
cuarteto ya que a pesar de haber sido tratado anteriormente por otros compositores, fue el
primero que mantuvo un equilibrio entre las cuatro voces, dando notable interés a las voces de
viola y violonchelo. Destacan sus cuartetos opus 17 y opus 20. De nuevo en los 80 se encontrará
influenciado por Mozart.
Dentro del campo orquestal, su producción sinfónica es amplia. Compuso 106, siendo
muchas de ellas muy conocidas por sus sobrenombres por su sobrenombre (Militar, Oxford, de
los Adioses, del Reloj, Sorpresa). Durante 28 años, Haydn trabajó como músico en la corte de
Esterhazy, que perteneciente a la nobleza húngara, contaba con una activa vida musical. Este
empleo le dio una gran estabilidad para dedicarse plenamente a la música. Ésta tiene de manos
de Haydn un carácter vital y optimista, no olvidemos que él escribía para el deleite y la
distracción de la corte, a pesar de incluir a veces oscuras armonías por las influencias de la
corriente Sturm und Drang. El palacio contaba con una orquesta de unos veinticinco músicos y
doce cantantes. Este fue el laboratorio en el que, aislado del mundo, pudo realizar todo tipo de
experimentos musicales, lo cual le llevó a tener un amplio cocimiento de la técnica compositiva
aplicada a los instrumentos.
Los conciertos escritos por Haydn parecen inferiores a los de sus contemporáneos. Obligado
a proporcionar música instrumental para la diversión de los príncipes para los que trabajaba, se
vio obligado Haydn a escribir conciertos para varios instrumentos, pero tal vez su falta de
interés por el género musical se deba a que a pesar de tocar bien el piano y el violín, nunca fue
un virtuoso.
Terminamos destacando la producción musical que dedicó Haydn al baryton, también
conocido como viola di bordonne, instrumento parecido a la viola da gamba, con 6 cuerdas
normales y otras ( de 9 a 22) que vibraban por simpatía. Este instrumento lo tocaba el príncipe
Estherhazy, de ahí que Haydn le prestase tanta atención.
W.A. Mozart (1756-1791).
La genialidad de este compositor nacido en Salzburgo (Austria) le hizo destacar tanto en el
campo vocal como en el instrumental. Manejaba de forma magistral los pequeños y grandes
conjuntos de instrumentos resultando sus obras de una calidad excepcional.
Las innovaciones de Mozart no están tanto en el desarrollo de las formas como en el lenguaje
que emplea en ellas. Mozart aúna el lenguaje de la tradición contrapuntística alemana con el
melódico y expresivo de la italiana. A ello le añade la solidez estructural de Haydn y una fuerza
emocional, riqueza armónica y expresión melódica que llevan al Clasicismo a su culmen. Esto se
aprecia sobre todo en sus últimas obras, que apuntan hacia una nueva etapa.
A diferencia de Haydn, una de las características de Mozart en su carrera fue la inestabilidad
laboral. Trabajó durante unos años para el arzobispo Colloredo, pero en 1782 renunció a ese
cargo y se marchó a Viena para buscar suerte como un compositor independiente, difícil
situación al no contar con el apoyo de ningún mecenas.
Pasemos a hablar de su música instrumental.
Mozart dio preponderancia al pianoforte frente al clave o clavicordio, así que sus sonatas
para teclado fueron siempre para piano solista o en combinación con otros instrumentos. Gran
intérprete de piano, a veces eran ejecutadas por él mismo, donde realizaba sorprendentes
improvisaciones, pero a pesar de su facilidad al frente del instrumento, no era partidario del
virtuosismo mecánico a modo de exhibición.
Gran compositor también de música de cámara, la influencia de Haydn es más que evidente
en sus cuartetos. En los 80 escribió Mozart 6 cuartetos dedicados al maestro vienés siendo sus
armonías mas atrevidas que las de éste. También destacarán los cuartetos de Berlín, compuestos
para el rey Federico de Prusia donde el violonchelo, instrumentos favorito del rey, ocupa un
importante lugar.
En cuanto a la música de conjunto, Mozart compuso 40 sinfonías, siendo en las últimas
donde alcanza su mayor plenitud. Su música no era tan sonriente y amable como la de Haydn.
Posee una paleta de colores más densa y contrastada que la de aquél, lo que posibilita un
amplio espectro anímico que va desde la alegría hasta el dolor. Su escritura tiene influencias de
la música vocal, lo cual se traduce en una música ágil y fluida con una fresca inspiración
melódica. Su uso orquestal es amplio. Destacan sus sinfonías 35 (Haffner), 38 (Praga) 40 y 41
(Júpiter).
Dentro de sus conciertos, los escritos para violín, flauta, arpa, trompa y fagot aunque
importantes, no tendrán la profundidad de los que compuso para piano y orquesta y que
muestran una gran evolución. Compuso 17 donde adaptó la forma sonata compartida para
solista y orquesta. Muy importante también es su concierto para clarinete en La Mayor.
Ludwig Van Beethoven ( 1770 – 1827 )
A pesar de tener una infancia dura y una sordera progresiva que comenzó antes de que
cumpliera 30 años, el genio de Böhm será uno de los compositores más importantes de la
historia de la música, marcando la transición del siglo XVIII hacia el Romanticismo.
Podemos fechar su periodo clásico hasta 1802 aproximadamente. A partir de ahí comienza en
sus composiciones una época de transición. Compositor ante todo de música instrumental, fue a
este género al que dedicó la mayor parte de su tiempo y su esfuerzo.
Sus sonatas del periodo clásico muestran con claridad la tradición clásica, aunque también
importantes innovaciones que adelantan su estilo personal. De esta época es su Sonata Patética
para piano de 1799.
En cuanto a la música de cámara, Beethoven se verá influenciado por los cuartetos de Mozart
y Haydn. Así se aprecia en sus cuartetos op. 18. De su periodo clásico es también el famoso
Septimino, que se volvió tan popular que parece que Beethoven llegó a odiarlo.
No tenemos demasiadas muestras en el campo sinfónico ya que de sus 9 sinfonías solamente
pertenecen al periodo clásico las número 1 y 2. A partir de la tercera se produce una ruptura en
el marco estructural.
Dentro de sus conciertos, los primeros se encuentran dentro de la concepción dramática
mozartiana aunque con un mayor grado de virtuosismo, los matices y las dimensiones,
elementos que anuncian claramente el Romanticismo.