Download REPASO SELECTIVIDAD 2011 HISTORIA DEL ARTE 2º BACH

HISTORIA DEL ARTE 2º BACH
CURSO 2011-12
INTRODUCCION:
Modelo de comentario de obras de
arte
Tipo y baremacion del examen de
selectividad
EL ARTE GRIEGO
Inma Navarro
MODELO DE COMENTARIO DE OBRAS
DE ARTE
Libro de texto: HISTORIA DEL ARTE
edit. Vicens Vives
CURSO 2011-12
Características de la PAU
1. Todos los exámenes serán de una hora y media y tendrán dos opciones, de las que
el estudiante escogerá una y la contestará de manera completa.
2. Los exámenes se puntuarán de 0 a 10
Características del examen
El examen constará de dos opciones: A y B.
Cada una de las opciones será coherente; es decir tanto las imágenes como los textos y
las preguntas se referirán al tema elegido, y, en su caso, se podrán hacer referencias
complementarias a aspectos concretos de temas apuradamente relacionados. (Ejemplo:
influencia del arte clásico sobre el Renacimiento).
La opción A constará de:
1. Tres imágenes, identificadas en denominación y autoría, con indicación de datos
cronológicos.
Las imágenes serán siempre seleccionadas por ser altamente representativas del estilo o
autor propuesto.
La primera de las imágenes será la de comentario obligatorio.
La segunda y tercera imágenes se proponen como ayuda al alumno, no hace falta que las
comente, sino que obtenga de estos datos estilísticos que le faciliten la exposición del
tema de que se trate.
2. Un texto que cumplirá las características siguientes:
a. Se extraerá de una fuente significativa y de prestigio científico reconocido. Se
pondrá una atención especial en que la redacción y el grado de dificultad sean
adecuados para el nivel educativo de los alumnos que aspiran a entrar en la
universidad.
b. Hará referencia a aspectos fundamentales del tema al que se refieren las preguntas.
c. Estará concebido como una ayuda al alumno en el enfoque del tema, no se trata de
hacer un comentario de texto sino de utilizar la información aportada por el texto para
incorporarla a las respuestas a las cuestiones propuestas.
3. Tres preguntas.
a. Primera pregunta. Se formulará siempre según el modelo Analiza y comenta la imagen
núm. 1. El alumno deberá comentar la imagen propuesta y no otra de las que figuran en el
enunciado del examen, con eso se pretende garantizar una uniformidad mínima que
permita comparar los conocimientos entre los alumnos que eligen la misma opción.
El comentario de la imagen deberá comprender como mínimo: aspectos formales, análisis
icónico básico y características asociadas al autor o estilo.
b. Segunda pregunta. Se centrará en la evaluación de los conocimientos generales del
alumno sobre el estilo o autor propuesto: constantes estilísticas y temáticas, evolución,
citación y descripción de obras significativas y trascendencia histórica.
c. Tercera pregunta. Se referirá al marco historico -social en el que se inscribe el estilo o
autor sobre el que versa el tema.
Criterios generales de corrección
Los criterios que se expresan a continuación son de índole general. En cada uno de los
exámenes se especificará, si eso es conveniente, una valoración más detallada.
1) El comentario de imagen deberá referir una visión detallada de lo representado,
con indicación del estilo, iconografía, características generales de la obra y
contextualización. Se valorará con un máximo de 4 puntos.
2) La segunda pregunta se valorará en función de la contextualización artística de lo
que se ha preguntado, las características generales del período o del estilo, o autor. Se
valorará con un máximo de 4 puntos.
3) La tercera pregunta se valorará en función de que la contestación sea una visión
general del período histórico, la función social del arte en ese momento, la
importancia del artista… Se valorará con un máximo de 2 puntos.
EL ARTE es la actividad credora humana individual o colectiva, es una expresion del espiritu
humano.
A lo largo de la historia el artista ha buscado la belleza y la perfeccion, pero desde el
romanticismo busca el rechazo y la provocacion
Para enfrentarse con una obra de arte hay que evitar los prejuicios estéticos o ideológicos
La obra de arte está vinculada en un espacio y un tiempo una forma de vida y la personalidad,
creencias educacion y circunstancias del artista.
El análisis de una obra de arte debe tener dos puntos de vista: el formal ( tema, técnica,
composicion etc.) y el plastico ( estética, color etc)
La HISTORIA DEL ARTE estudia los valores eséticos y técnicos que han predominado en cada
epoca .
Se utilizan varios METODOS.
Los metodos formalistas analizan sobre todo los aspectos prácticos de la obra
Las metodologias iconograficas , estudian más el tema.
Hay metodologias que estudian cuestiones sociológicas , técnicas y de género
La mayoria de analisis las utilizan toddas como complementariasExisteb dos tipos de obras artisticas:
•LAS ARTES MAYORES : Arquitectura, Escultura y Pintura
•La arquitectura es el arte de proyectar y construir edificios, hay dos tipos : Civil y Religiosa
• LAS ARTES MENORES: orfebreria, ceramica, vidrio, grabado etc
•EL URBANISMO es el espacio estructurado en el que se enmarca la arquitectura
Como analizar una obra de arte
ARQUITECTURA
- Clasificación Tipo de construcción de la que se trata.
- Material: Materiales constructivos y su función estética.
- Título: Título de la obra.
- Características formales:
• Tipo de edificio, indicando su función original y su función actual si se
hubiese modificado.
• Análisis de la planta y de sus diversas partes.
• Descripción de los materiales y de la técnica constructiva:
- Tipos de cubiertas (bóveda, cúpula, etc.)
- Columnas, pilares, soportes,...
- Puertas, portadas, vanos y su función.
- Elementos decorativos.
• Concepción espacial, funciones y simbolismo.
- Contexto: Encuadrar la obra de arte en su momento histórico.
- Estilo: Estilo artístico al que pertenece, indicando (si procede) el país de origen,
escuela o período de la obra.
- Cronología: Cronología aproximada de la obra.
-Autor: Nombrar el autor/es (si lo tiene) e indicar algo sobre su vida, obra,
influencias,...
ESCULTURA
- Clasificación: Tipo de escultura (bulto redondo, relieve, busto, sedente, ecuestre, etc.)
y tema.
- Material: Material (piedra, bronce, etc.) y técnica.
- Título: Título de la obra.
- Características formales:
• Grado de realismo.
• Estudio anatómico (proporciones) y paños.
• Estudio del contrapposto (diagonales, simetrías, movimiento...).
• En los relieves: escorzos, espacio, perspectiva,...
• Análisis psicológico: expresión del rostro, actitud y análisis de la escena
(relaciones), si procede.
• Iconografía y función.
- Contexto: Encuadrar la obra de arte en su momento histórico.
- Estilo: Estilo artístico al que pertenece, indicando (si procede) el país de origen,
escuela o período de la obra.
- Cronología: Cronología aproximada de la obra.
- Autor: Nombrar el autor/es (si lo tiene) e indicar algo sobre su vida, obra,
influencias,...
PINTURA
- Clasificación: Tipo de pintura.
- Título: Título de la obra.
- Características formales:
• Tipo de representación (religiosa, mitológica, etc.), de pintura (retrato, paisaje,...) y tema.
• Técnica o procedimiento pictórico empleado (fresco, óleo, etc.)
• Elementos pictóricos empleados:
- Línea y color (planos, degradación).
- Luz (natural, artificial, claroscuro).
- Perspectiva.
- Volumen.
- Composición.
• Análisis formales:
- Grado de realismo.
- Estudio anatómico y de paños.
- Estudio del contrapposto.
• Análisis psicológico: expresión del rostro, actitud y análisis de la escena (relaciones).
• Iconografía y función (señalar la función de la imagen en el mundo que la creó).
- Contexto: Encuadrar la obra de arte en su momento histórico.
- Estilo: Estilo artístico al que pertenece, indicando (si procede) el país de origen, escuela o período
de la obra.
- Cronología: Cronología aproximada de la obra.
- Autor: Nombrar el autor/es (si lo tiene) e indicar algo sobre su vida, obra, influencias,...
CONTENIDO DEL TEMARIO DE Hª DEL ARTE DE 2º de Bach
1. Contenidos comunes.
1.1. El arte como expresión humana en el tiempo y en el espacio: Significado de la obra
artística.
1.2. La obra artística en su contexto histórico. Función social del arte en las diferentes
épocas:
Artistas, mecenas y clientes. La mujer en la creación artística.
1.3. La peculiaridad del lenguaje plástico y visual: Materiales, técnicas y elementos
formales.
Importancia del lenguaje iconográfico.
1.4. Aplicación de un método de análisis e interpretación de obras de arte significativas en
relación con los estilos y con artistas relevantes.
Grecia, creadora del lenguaje clásico.
3.1. Los precedentes de la cultura griega: Arte cretomicénico.
3.2. El sentido urbano de la arquitectura griega.
3.3. Los órdenes. Tipologías: El templo y el teatro. La Acrópolis de Atenas.
3.4. La evolución de la escultura griega.
3.5. Presencia del arte griego en la Península Ibérica.
4. La visión del clasicismo en Roma.
4.1. Los precedentes.
4.2. La arquitectura: Características generales. La ciudad romana. Principales tipologías
constructivas.
4.3. La escultura: El retrato. El relieve histórico.
El arte prerrománico.
6.1. El contexto europeo. Época visigoda. Arte asturiano. Arte mozárabe o de
repoblación.
7. Arte islámico.
7.1. Orígenes y características del arte islámico. La ciudad islámica.
7.2. La mezquita y el palacio en el arte hispano-musulmán.
8. Nacimiento de la tradición artística occidental: El arte medieval.
8.1. El arte románico como primera definición de Occidente.
8.2. La arquitectura como integradora de las artes románicas: El sistema constructivo.
El monasterio y la iglesia de peregrinación. Las artes figurativas. La portada románica.
La pintura mural.
8.3. El románico en el Camino de Santiago.
9. La aportación del gótico, expresión de una cultura urbana.
9.1. El sistema constructivo. La catedral. Lonjas y ayuntamientos.
. El gótico atlántico. El gótico mediterráneo.
10. El arte del Renacimiento.
10.1. El proceso de renovación de las artes.
10.2. La formulación del nuevo lenguaje: Arte italiano del Quattrocento.
10.3. El marco urbano y las tipologías arquitectónicas.
10.4. La arquitectura: Brunelleschi y Alberti.
10.5. La renovación de la escultura: Donatello.
10.6. El nuevo sistema de representación en la pintura. Masaccio y Fra Angelico. Piero
della Francesca y Botticelli.
El arte italiano del Cinquecento.
11.1. Clasicismo y Manierismo en el arte italiano del Cinquecento.
11.2. De Bramante a Palladio: El templo, el palacio y la villa.
11.3. La escultura: Miguel Ángel
11.4. El debate pictórico: Escuela romana y escuela veneciana. Tiziano, Tintoretto y Veronés.
12. El Renacimiento en España.
12.1. La recepción de la estética renacentista en la Península Ibérica.
12.2. Arquitectura: Los inicios. Clasicismo y manierismo.
12.3. Escultura: El mármol y el bronce. La madera policromada.
12.4. Pintura. El Greco.
13. Unidad y diversidad del Barroco.
13.1. El Barroco como arte de la persuasión. El lenguaje artístico al servicio del poder civil y
eclesiástico.
13.2. Urbanismo y arquitectura: El simbolismo de la Roma barroca. Bernini y Borromini.
13.3. El palacio barroco como escenario del poder. El modelo de Versalles.
13.4. El Barroco hispánico. De la plaza mayor al palacio borbónico.
13.5. La escultura barroca. Italia. Bernini.
13.6. La imaginería española.
14. La pintura barroca en Europa.
14.1. El lenguaje de la pintura barroca.
14.2. La pintura italiana. Caravaggio y el naturalismo. Clasicismo y Barroco decorativo.
14.3. La pintura flamenca y holandesa. Rubens y Rembrandt.
14.4. La pintura francesa: Poussin y Claudio de Lorena.
14.5. La aportación de la pintura española. La corriente naturalista: Ribera y Zurbarán. El pleno
Barroco: Murillo.
14.6. Velázquez.
Arquitectura, escultura y pintura del siglo XVIII.
15.1. La pervivencia del Barroco.
15.2. El Neoclasicismo.
15.3. Urbanismo y arquitectura.
15.4. Escultura. Canova.
15.5. Pintura. David.
16. El siglo XIX: El arte de un mundo en transformación.
16.1. La figura de Goya.
16.2. El Romanticismo.
16.3. La pintura romántica: Delacroix.
16.4. La arquitectura historicista.
17. La revolución industrial y el impacto de los nuevos materiales en la arquitectura.
17.1. El nacimiento del urbanismo moderno. Las grandes transformaciones urbanas.
La reforma
de París y el Ensanche de Barcelona.
17.2. La arquitectura de los nuevos materiales.
ARTE GRIEGO
ARQUTECTURA: EL TEMPLO
ESCULTURA
URBANISMO
Lee detenidamente el texto y responde a las cuestiones indicadas más abajo :
" Una vez que yo haya afirmado que considero que Fidias es un gran artista, proseguirá : ¿Crees tú
que Fidias ignoraba la especie de belleza de que hablas tú?. ¿Por qué preguntas esto?. Porque él no
ha hecho de oro los ojos de su Atenea ni el resto de su cara, como tampoco sus pies ni sus manos,
como debería haberlo hecho para darles más belleza, sino que los hizo de marfil ; evidentemente, él
pecó por ignorancia al desconocer que el oro embellece todos los objetos a los que se aplica" (Platón,
Obras completas , Madrid 1966).
a) Resume las ideas fundamentales del texto y sitúalo en relación con el estilo a que se refiere.
b) Comenta las características fundamentales de la escultura griega y su relación con la
arquitectura.
c) Menciona algunos escultores del período clásico griego, comentando sus obras de modo breve.
Se trata de un diálogo en que dos personas discuten acerca de la naturaleza de la belleza en la Grecia
clásica (siglo V a.C). Mientras uno de ellos sostiene que el escultor Fidias es un gran artista y sus obras
son bellas y perfectas, el otro lo duda, ya que su estatua de Atenea no es enteramente de oro.
Podemos deducir que éste último piensa que lo bello es el oro.
Uno de los personajes es el filósofo griego Sócrates (470- 399 a. C) que buscaba el saber y la virtud
dialogando con cualquiera en las plazas de Atenas. No escribió nada, pero un discípulo suyo, Platón
(428- 347 a.C) en sus "Diálogos" nos ha transmitido estas conversaciones socráticas. Uno de ellos,
titulado "Hipias Mayor" trata sobre la belleza. Así pues el otro personaje podría ser el sofista Hipias.
Hipias sostiene que lo bello es el oro, es decir, que se fija en la apariencia de las cosas. Pero Sócrates
(y Platón a través de él) no lo acepta; que algo parezca hermoso no quiere decir que lo sea. Sostiene
que lo bello es lo que hace que haya cosas bellas: lo bello es una Idea, análoga a la Verdad y la
Bondad.
Este es el concepto de belleza que existía en la Grecia clásica. Los griegos concebían el mundo como
un cosmos ordenado y, por eso, bello. Existía armonía entre el orden humano y el divino
El arte griego aporto un legado extraordinario a la Cultura Occidental
El arte griego se desarrollo en la Peninsula griega (El Peloponeso y el Atica), en las costas de
asia menor y las islas del Mar Egeo y en la Magna Grecia
Era un mundo de POLIS ciudades estado independientes que compartian lengua cultura y
arte pero rivalizaron entre si por motivos politicos
Las características que definen el arte griego són :
El antropocentrismo, el racionalismo y la búsqueda de la belleza formal abstracta
El arte griego es un arte ANTROPOCENTRICO porque, para los griegos el Hombre con su
capacidad de pensar , y crear es el centro de toda su cultura y su arte.
A diferencia de los Egipcios , cuyo arte servia a los Dioses y al Poder, el arte griego se hace a
medida del hombre y para el hombre
“el hombre es la medida de todas las cosas “ , afirmó Protágoras , y el arte griego es un
arte para todos los hombres , no sólo unos pocos privilegiados.
El arte griego busca la BELLEZA basada en la armonia de todos los elementos.
Es un arte Racional ya que cuantificaron de forma racional esta armonia en la PROPORCION
AUREA o número de oro, basado en proporciones matemáticas, que se aplicó a la
arquitectura, la escultura y la cerámica.
La busqueda de la perfección , dio lugar a la aparición del CANON o modelo perfecto de
proporciones ideales
Se divide en tres periodos:
* ARCAICO sig VII-V Ac ( el arte se extiende por el Mediterráneo)
• CLASICO: Sig V IV , MAXIMO EXPLENDOR ARTE CLASICO ATENAS• HELENISTICO: sig IV-I ac influencias orientales
ARQUITECTURA:
Las caracteristicas de la arquitectura griega son:
Se basa en el orden y la Razón y está adaptada a la escala del hombre
Busca la belleza a traves de la perfección y el equilibrio de las formas y los elementos
Utiliza como sistema constructivo el arquitrabado o adintelado donde predominan las
lineas horizontales y verticales estructuradas a partir de cuatro elementos:
Basa ,Columna, Entablamento : Arquitrabe , Friso , Cornisa, Fronton
Las proporciones entre los elementos buscan la simetria y la armonia visual
El elemento más característico de la arquitectura griega es la fijación del ORDEN
ARQUITECTÓNICO que exige que entre la columna y la cubierta se mantenga siempre la
misma relación
Los Ordenes Griegos són:
_ Orden Dorico S. VII ac
_ Orden Jonico S. VI ac
_ Orde Corintio S. IV ac
El TEMPLO ES LA GRAN CREACION DE LA ARQUITECTURA GRIEGA
ARQUITECTURA GRIEGA
Hubo edificios públicos como templos,
dedicados al culto, que fueron levantados
en lugares amplios, rodeados por un
espacio sagrado, que denominamos
TÉMENOS, en los cuales no había un solo
templo, a veces había varios, y contenía
este espacio sagrado, no sólo sus
respectivos altares sino otros edificios
administrativos, como los tesoros,
pórticos, monumentos votivos y propileos
de entrada.
Crepidoma
existieron espacios dedicados al deporte y a los espectáculos, como estadios, salas de
conciertos y teatros. La vida cotidiana de los griegos se centraba en el mercado, plaza
pública (el ágora), donde se adosaron baños, patios y columnatas.
Fueron importantes las construcciones funerarias, los cementerios públicos y privados. Y
no olvidemos que la sociedad griega no se caracterizó por su pacifismo, evidentemente,
aparecieron las fortificaciones, cuyo desarrollo dio paso a una ciencia la poliorcética.
MATERIALES Y MÉTODOS DE CONSTRUCCIÓN.
Los griegos utilizaron gran variedad de materiales de construcción para realizar sus
edificios, usaron adobe, madera. terracota y piedra. En los primeros momentos se utilizó el
adobe y la madera, posteriores elementos en piedra recuerdan ese precedente de madera,
como los triglifos, que se corresponden con los extremos de las vigas, las metopas, los
espacios entre ellas y las gotas que serían los listones utilizados para realizar el montaje.
El material mas usado fue la piedra, desde calizas duras, conglomerados y el mármol. Este
material abundaba en el Mediterráneo, en Asia Menor y en la propia Atenas siendo de
excelente calidad en canteras como las de Paros, Nasos y Tasos. Las cornisas y tejas de los
edificios se realizaron en terracota, pero con el paso del tiempo se usó el mármol.
Realizar un edificio de piedra era costoso y dilatado en el tiempo. Se comenzaba por
conseguir los sillares que lo componían. Primero se tallaban de forma tosca en la cantera,
una vez separado de la roca se deslizaba montaña abajo y se solía transportar en vagones
para llevarlos a pie de obra.Para colocar cada piedra en su lugar se usaba una alzaprima
con muescas superficiales o agujeros profundos en el sillar por donde se pasaba una barra
o cuerda.
Se prestaba mucha atención a los puntos de unión de los tambores de las columnas. Se
hacia de una forma especial. Se tallaba en cada tambor un agujero y se encajaba un
listón de madera.
ÓRDENES GRIEGOS
Los órdenes clásicos están íntimamente relacionados con el origen del templo griego. En
tiempos de Homero se conocía el templo griego plenamente desarrollado, en varios
lugares como Samos, Eleusis o Esparta se han encontrado los basamentos de templos que
responden a las plantas más comunes.
A finales del siglo VII a.C. se había establecido el canon del templo griego. hacia el año
625 a.C. los etolios renovaron un antiguo santuario que tenían en Thermos, Alargaron su
cella y establecieron la planimetría del templo griego posterior
Santuario de Apolo en Thermos
Sobre una base de piedra que estaba compuesta por sillares irregulares de forma más o
menos cuadrangular que se denomina ESTEREOBATO, se colocaba un elemento nivelador
(eunciterio) seguido por una plataforma escalonada (crepidomos). En este momento
comienzan las diferencias en función, esencialmente, de las columnas. Diferenciamos tres
órdenes de columnas:
EL DÓRICO
EL JÓNICO
EL CORINTIO
ORDEN DÓRICO
El edificio se asentaba escalón estilóbato, dividido en gradas en todos sus lados, y que lo
eleva sobre el terreno circundante.
La columna arranca directamente del suelo (no tiene basa). El fuste estriado de arista viva
tiene éntasis en su parte central, y disminuye de diámetro hacia arriba.
Entre el capitel y el fuste hay una corona de ranuras llamada collarino.
El capitel tiene dos partes:
1. equino, moldura convexa. 2. abaco, paralepípedo cuadrado
que recibe directamente la carga.
El entablamento (la techumbre ) estaba dividida en tres partes
1. arquitrabe, un listón de piedra que descansa sobre el ábaco
2. friso (separado del arquitrabe por un filete o tenia) se
divide en triglifos (formados por tres bandas verticales que
rematan por su parte inferior en gotas), y metopas (recuadros
entre los triglifos, aptos para ser decorados.
cornisa, que descansa sobre el friso. En su parte inferior, y
coincidiendo con los triglifos aparecen filetes con seis gotas.
Sobre el entablamento descansa el frontón, un plano triangular
cuyo fondo se llama tímpano, debido a la cubierta a dos aguas.
El frontón está coronado por acróteras, unas figuras animadas o
vegetales.
ORDEN JÓNICO
En este orden las columnas son más altas y delgadas que las dóricas.
El fuste reposa en una pieza intermedia llamada basa, que tiene dos molduras convexas toros:
una cóncava escocia
basa llamada ática.
A veces se apoya en un pedestal cuadrado llamado plinto.
El fuste es cilíndrico, estriado, y a veces, con éntasis.
El capitel está formado por una especie de equino
decorado con ovas, y con volutas a los lados.
El arquitrabe consta de tres listones, coronado el último
por una decoración de ovas y perlas.
El friso es liso, o con decoración animada en relieve.
La cornisa posee menos vuelo que la dórica y está
enriquecida con ovas y dentellones de forma rectangular,
El frontón está coronado por acróteras.
ORDEN CORINTIO
Es una variación del orden jónico del que se diferencia en el capitel y en un mayor riqueza
en la ornamentación.
El capitel está formado por hojas de acanto, y por pequeñas volutas en los ángulos
superiores.
También se habla de un orden cariático, llamado así por el uso de figuras femeninas
(cariátides) que suelen llevar un cesto en la cabeza, y sustituyen a las columnas.
PLANTAS
Naos
Templo Prostilo
Templo In antis
Templo Anfipróstilo
PERIPTERO
DIPTERO
EL TEMPLO: Su origen
Existen profundas relaciones entre el culto aqueo y cretense y esas formas de culto fueron
la base que generó la religión griega. Existían dos formas de culto conocidas, el culto a la
divinidad y el culto a los muertos.
El culto destinado a la divinidad tiene un paso intermedio derivado del culto a los muertos,
el culto a los héroes, individuos intermedio, con toda probabilidad estaba vinculado con el
mundo micénico, incluso el término hero se deriva de ese idioma.
El culto a la divinidad es otra forma de veneración que cobra importancia y fuerza en los
momentos que siguieron a la caída del mundo micénico y se enriquecen con nuevas
manifestaciones tributadas a los dioses.
A los dioses se les rindió culto en muchos lugares, que les fueron consagrados y donde se
realizaban ceremonias dedicadas a ellos. Estos lugares fueron de distinto tipo: parajes
naturales, algunos resguardados, como las cuevas, otros al aire libre, a veces señalados con
muros.
Naturalmente existieron edificios, en el ámbito doméstico, como en el palacio de Tirinto,
donde había un altar, o en casas particulares.
Hubo edificios separados de los palacios como fue el casa de algunos santuarios, en Asine,
Prosymnia o en Eleusis. Es posible, si consideramos las fuentes antiguas, como los
cometarios de Eusebio y Pausanias, que existieran santuarios en Olimpia, Efeso y Delfos ya
en la etapa micénica.
El Origen del templo griego es el Mégaron micénico contruido en madera del que el templo conserva su
estructura básica , planta rectangular rodeada por una galeria de columnas y dividida en tres espacios :
Pronaos vestíbulo de acceso, Naos o cella espacio el el que se guardaba la imagen del Dios y el
Opistodomos camara posterior donde se guardaba el tesoro.
Desde el sig. VII se empiezan a construir los templos en piedra, basandose en los principios del orden ,
la razon y la busqueda de la belleza a partir de la perfeccion y el equilibrio en las formas y los
elementos.
Son edificios hechos a la escala del hombre
Su sistema constructivo es arquitrabado o adintelado , en el que predominan las lineas horizontales y
verticales, estan pensados para ser vistos desde fuera
LA ARQUITECTURA GRIEGA; LA ACRÓPOLIS DE ATENAS
El año 480 aC , los Persas arrasaron la acrópolis de Atenas .
Pericles acometió las obras de reconsrucción en la segunda mitad del sig. VaC
Encargó la construccion de los templos dedicados a la Diosa protectora de la ciudad , la
Diosa Atenea , a los mejores arquitectos de Grecia : Ictino , Calícrates y FidiasLos edificios se disponen sobre una meseta calcárea irregular.
LOS PROPILEOS eran las puertas monumentales de acceso a la acrópolis
En el interior pasillo
de estilo jónico
Concebido como fachada
de templo próstilo,hexástilo
y de orden dórico
Pórticos laterales
concebidos para llevar
a distintas dependencias
(sólo se hizo la norte que
conducía a una pinacoteca)
Los pórticos laterales
estaban a inferior altura
con lo que rompe con el
concepto del arte arquitectónico
griego de volumen único
Realizado desde 437
hasta 431 a.C.
No se completó por
Guerra del Peloponeso
Necesidad de adaptar
construcción al desigual
terreno y obligación de
respetar el muro sagrado
Mnesicles.
Propíleos.
Reconstrucción
PRINCIPALES EDIFICIOS GRIEGOS
PARTENON. ICTINOS Y CALICRATES
1.-Documentación general
Nombre: Partenón
Arquitectos: Ictinos y Calicrates, bajo la supervisión de Fidias.
Cronología: 447-432 a.C.
Localización: Acrópolis de Atenas (Grecia)
Estilo: griego clásico pleno.
Materiales utilizados: mármol del Pentélico y madera.
Sistema constructivo: arquitrabado.
Dimensiones: planta 69, 5 metros de largo por 31 de ancho. Las columnas tienen 10, 5
metros de alto por 1,8 de diámetro en la base.
Correcciones ópticas: para conseguir una perfección visual se realiza la curvatura de la
base y el entablamento, mientras la separación entre columnas y el éntasis varía.
Esta dedicado a la diosa Palas protectora de la ciudad de Atenas. En el siglo VI a.C. fue
convertido en iglesia cristiana; en el siglo XVI en mezquita con minarete; el siglo XVII se
utlizó por los turcos como polvorín en la guerra contra Venecia y explotó y ahora sufre la
agresión medioambiental.
Conjuntos proporcionados (euritmia: armonía y orden entre partes y el todo)
Dimensiones medianas
(hombre medida de todas
las cosas)
Empleo de sillares
regulares (isódomos)
en unión viva (sin argamasa
y unidos con grapas y con
anatirosis). Disposición
a soga y tizón. Mármol pentélico
Equilibrio masa
y vanos (creación
de un ritmo armónico)
Arquitectura
adintelada
Búsqueda de la perfección a través
de las matemáticas: un módulo (relación 4 a 9)
Empleo de la proporción áurea
Pintado en
vivos colores
Esquinas: columnas
más gruesas,
triglifos en extremos,
Columnas formadas
por tambores unidas
por un vástago
metálico central
Entablamento y
Gradas curvados
Columnas y entablamento
dórico (ver diapositiva
dórico)
Plataforma o
krepis (último escalón
estilobato) por los
cuatro lados
Éntasis central
Intercolumnios
Distinto tamaño
Ictinos, Calícrates y Fidias
Partenón
Refinamientos
ópticos
.-Análisis formal.
2.1.Espacio interior y exterior:
a) Expacio exterior:
Los templos griegos están concebidos para ser vistos desde fuera. Exteriormente es de
orden dórico y octástilo. Para entrar en el templo tiene dos pórticos hexástilos, uno en cada
fachada, y es períptero porque está completamente rodeado por un pórtico.
Orden dórico:
1) base de gradas- la última es el estilobato y forma el suelo, dos estereobatos constituyen
la escalinata que da acceso al templo desde cualquiera de sus lados;
2) columnas dóricas de dos partes:
a) fuste estriado- arista viva- y sin base entre cuatro y seís veces el diametro interior y
formados por tambores unidos sin cemento y con un collarin en la parte superior
b) capitel compuesto de dos partes-abaco y equino3) entablamento: formado por el arquitrabe que descansa sobre las columnas y que es liso;
el friso decorativo, dividido en metopas y triglifos; la cornisa que sobresale; el frontón o
espacio triángular formado por el techo horizontal y el tejado a dos aguas. Se decora con
esculturas. En los vértices del triangulo se colocan las acróteras.
Planta y espacio interior:
Rectángular: con pronaos, naos y opistodomo. En la naos estaba la estatua crisoelefantina
de Palas de 12, 8 metros de altura. La puerta estaba orientada hacia el este para que
cuando saliera el sol iluminase a la diosa. El opistodomo guardaba el tesoro de la diosa.
Construido sobre un edificio anterior hexástilo
destruido en 480 a. C. durante la
guerra con los persas
Nuevo edificio aumento de escala (octástilo)
Ampliación de la cella
a lo largo y a lo ancho
Consecuencia
pronaos
Sala con 4 columnas jónicas
que alcanzan hasta el techo
(eligen un orden diferente
al del resto del edificio. Parece
que fue debido a que si usaban el
dórico, por la proporción entre
diámetro de la columna y altura
-1/6 – hubieran sido unas
columnas demasiado gruesas,
dejando poco espacio libre
entre ellas
opistodomo
Versión A: Opistodomo
Versión B : La estancia creada detrás
y pronaos queda reducido a una
de
la cella (el partenos) es el opistodomo
mínima expresión. La cella se divide
en dos estancias: la de la divinidad
y otra menor (el partenos) para que las
doncellas hagan preparativos y custodia del
tesoro
Partenón. Planta
Consecuencia:
pasillo (perístasis) entre columnata
y muro del edificio queda más estrecho
La cella estaba articulada (raro, pues los
templos griegos no solían preocuparse
por la distribución interna, al no realizarse
cultos en su interior), dividida en
tres naves por una doble hilera
a dos niveles de columnas dóricas
adoptando la forma de U
2.2. Estilo:
Introduce variables en el canon 6/13 columnas de los templos perípteros arcaicos e
introduce el de 8/17.Cuenta con correcciones ópticas para conseguir una visión perfecta
del mismo: diferente éntasis y separación de las columnas, curvamiento de base y
entablamento, etc...
Es una arquitectura arquitrabada como la egipcia.
Era policromado en el frontón, capiteles, metopas y triglifos
3.- Interpretación:
3.1. Contenido y significación:
La ideas de equilibrio y armonía son básicas en la cultura griega y el Partenón es el
máximo exponente de las mismas. Lo hizo levantar Pericles para celebrar la victoria sobre
los persas de aquellos pequeños estados democráticos que supieron unirse para
defenderse de un imperio.
Fue realizado por Ictinos y Calicrates y decorado por Fidias. Está dedicado a Palas Atenea.
En un frontón se representa el nacimiento de la diosa y en el otro su disputa con Poseidón
por la posesión de Atenas. En las 92 metopas se representaba la lucha de los griegos
contra los centauros (Centauromaquia) las amazonas (Amazonomaquia) y contra los
gigantes (Giugantomaquia). Es decir la lucha y el triunfo de la civilización contra la
barbarie. En el friso se representaba la procesión de las Panateneas.
El templo fue mandado construir por Pericles.
3.2. Función
Mas que un templo de culto era la casa de la diosa, y un monumento levantado para
agradecer a Atenea sus favores. El altar estaba en el exterior. Pero sobre todo era la
expresión de la grandeza de Atenas.
ERECTEIÓN. MNESICLES
1.-Documentación general:
Nombre: Erecteión.
Cronología: construido entre los años 421 y 405 a.C.
Localización: acrópolis de Atenas
Estilo: jónico. Griego clásico pleno.Columna jónica que presenta fuste, abaco, volutas y equino.
Materiales: mármol policromado y madera.
Sistema constructivo: arquitrabado.
Ubicado en el lugar donde Atenea y Neptuno lucharon por la posesión del Ática, sus muros
además albergan el olivo de la diosa de la inteligencia, la huella del tridente del dios marino y la
tumba del legendario rey Cécrope, árbitro de la disputa y fundador de la ciudad de Atenas.
Estructura:
El Erecteion se puede considerar como la unión de dos edificios, cuyos pórticos se extienden a
distintos niveles y en direcciones perpendiculares. Al Este está situado el templo próstilo
hexástilo dedicado a Atenea, al Oeste un falso pórtico del templo de Erecteo y al Norte se abre
al verdadero pórtico, tetrástilo de orden jónico muy estilizado.
Para integrar el lugar de enterramiento de Cécrope en el conjunto se dispuso uno de los
elementos más característicos del templo, el pórtico de las Cariátides, que oculta la escalera que
conduce a la tumba.
En el Erecteion se aprecia la evolución del estilo jónico, con columnas más finas que su vecino
Atenea Niké, entablamentos menos masivos y un completo repertorio ornamental. Por otra
parte, sus cariátides alcanzan una perfección compositiva por la que han pasado a la historia
como modelo de este tipo de elementos arquitectónico-escultóricos de formas femeninas. En
suma, se puede considerar una pieza fundamental en la transición del periodo clásico al
helenístico, tanto por la complejidad espacial como por su riqueza formal.
2.1. Elementos sustentantes y sustentados:
Los muros, columnas y cariátides son los elementos de soporte del templo. Las columnas jónicas
tienen un fuste más fino que las dóricas. Hay quién dice que son más femeninas.
El entablamento es jónico y es el elemento sustentado o techo. Está descrito en el Atenea Niké.
. Espacio
interior y exterior:
Está situado en el corte rocoso de la acrópolis norte. Es de planta irregular por las
irregularidades del terreno y la necesidad de respetar los lugares sagrados situados a distinto
nivel.
La estancia central orientada a Levante, está dedicada a Atenea. Está precedida por un pórtico
hexástilo, con columnas de 6,8 m. de altura. No se comunica con las otras dos cellas dedicadas a
Poseidón y a Erecteo y a Cecrops.
En el norte hay un pórtico con 6 colunas-4 frontales y dos laterales- que daba paso a un espacio
abierto donde debía estar la olivera hecha nacer por Palas. El nivel es más bajo que el de la cella
anterior. Tenía el techo con casetones.
En el lado sur se encuentra el pórtico de las cariátides sobre podio, donde se encuentra la
escalera que conducía a la tumba de Cecrops.
2.3. Estilo:
Comparado con la regularidad del Partenón el Erecteión es un templo complejo y de formas
más refinadas o sensuales. Se utiliza oro en la decoración.
3.-Interpretación
3.1. Contenido y significación:
El Erecteión fue dedicado a dioses (Atenea, Poseidón) y a héroes (Cécrops, primer rey
legendario, y Erecteo, primer rey de Atenas). Atenas y Poseidón lucharon por el Ática.
Poseidón ofreció agua y Palas una olivera (¿Podía representar la lucha entre los marinos y
los agricultores saldada a favor de éstos últimos?). Ganó Palas y Cécrops le dió el premio.
Así la ciudad toma el nombre de la diosa. Las cariátides simbolizan a las mujeres de Caria,
aliados de los persas esclavizadas obligadas a soportar el templo.
3.2. Cliente: la ciudad de Atenas.
3.3. Función: lugar de culto, edificio conmemorativo y representativo. Así pués tenía
diversas funciones.
En la edad media fue convertido en iglesia cristiana. Los turcos lo convirtieron en
residencia particular. Fue destruído parcialmente en la revolución griega de 1827, y
afectado por el terrremoto de 1852. Fue reconstruído por la Escuela Francesa de Atenas.
NIKÉ APTERA O ATENEA NIKÉ (Victoria Sin alas)
1.-Documentación general
1.1.Nombre: Niké Áptera
1.2.Arquitecto: Calicrates.
1.3.Cronología: 421 a.C.
1.4.Localización: Acrópolis de Atenas (Grecia)
1.5.Estilo: griego clásico.
1.6.Material: mármol blanco del Pentélico.
1.7.Sistema constructivo: arquitrabado.
1.8.Dimensiones. 4, 18x 3,78 m.
2.-Análisis formal
2.1. Estructura:
a) Elementos sustentantes y sustentados:
Sustentantes: muros y columnas jónicas de 4 metros de altura, con base y volutas entre
el ábaco y el equino.
Sustentados: arquitrabe de tres franjas que aumentan su tamaño hacia la cornisa; friso
con relieve de tema único y no dividido en metopas y triglifos; cornisa; frontón y
acroteras.
b) Espacio interior y exterior:
Exterior: Planta rectangular, anfipróstilo y tetrástilo. Orientado hacia el este. Es el primer
edificio que vemos al entrar en la acrópolis por la vía Sacra.
Interior: espacio reducido como consecuencia de la consideración del templo como casa
de la diosa. En este hecho también influye el antropocentrismo culturas que hace que
toda realización esté hecha a la medida del hombre.
2.2. Estilo:
Griego-clásico-pleno. Estilo jónico. El relieve del friso-un altorrelieve- exhibe una variedad
de estilos, aunque parece que está realizado por un solo artista. La diosa Victoria
recuerda el estilo fidiaco.
3.-Interpretación
3.1. Contenido y significación:
Calícrates pudo desarrollar su proyecto con el ascenso del partido conservador a través
de Cimó, a la caída de Pericles en el año 421 a.C.
Durante la Edad Media el edificio fue desmontado para utilizar sus bloques en la
fortificación de la acrópolis. Actualmente se ha reconstruido hasta la cornisa.
El friso fue llevado al British Museum de Londres, junto a los mármoles de Lord Elgin del
Partenón. Representa escenas de la batalla de Platea entre griegos y persas y a la diosa
Victoria abrochándose la sandalia.
3.2. Cliente: los gobernantes de la ciudad.
3.3. Función: era la casa de la da Victoria y las ceremonias litúrgicas se realizaban en el
exterior. Se construyó para conmemorar el tratado de paz entre griegos y persas.
TEATRO DE EPIDAURO. PILÍCLETO EL JÓVEN
1.-Documentación general
1.1. Nombre: Teatro de Epidauro
1.2. Arquitecto: Polícleto el Joven
1.3. Cronología: 330 a.C.
1.4. Localización: Epidauro. El Peloponeso (Grecia)
1.5. Estilo: Griego-helenístico.
1.6. Material: piedra
1.7. Sistema constructivo: arquitrabado
El recinto del teatro es uno de los grandes inventos de la arquitectura griega. Era abierto y
estaba en relación con la Naturaleza. La planta era semicircular.
2.-Análisis formal:
2.1. Elementos de soporte y soportados:
Se situaba en la ladera de una colina en la que se localizaban el graderío. Las dimensiones
del de Epidauro obligaron a levantar muros de contención.
2.2. Espacio interior y exterior:
a) Interior: no tenía techo y contaba con las siguientes partes:
Cavea y orquesta: la cavea semicircular- rodeaba dos tercios de la orquesta y en ella se
situaba el graderío. Podía acoger a 14.000 personas y contaba con 13 pasillos radiales y uno
concéntrico para acceder a los asientos. La orquesta era circular y en ella se situaba el coro
de 20,3 metros de diámetro. También era el lugar en el que se colocaba el altar a Dionisos.
Escena: no se tiene clara constancia de cómo era pero se dice que se trataba de un
pórtico de orden jónico de 4 metros de alto por 2 de fondo.
Proscenio: era un espacio elevado donde actuaban los actores. Se accedía a él a través de
dos rampas laterales. Tenía un telón que se izaba desde unas ranuras excavadas en el suelo.
Se levantaban para cambiar los decorados.
b) Exterior: no tenía fachada. Se accedía al teatro a través de dos pasillos laterales entre la
orquesta y la escena.
Estilo:
Clásico-griego. La construcción de teatros se basaba en una serie de cálculos matemáticos
precisos. Los teatros griegos estaban formados por tres partes bien diferenciadas: la orquesta,
los edificios del escenario y la cavea. Introdujeron la escultura en la decoración del mismo. Los
romanos aportaron nuevos materiales y el arco, pero se basaron en los griegos.
3.-Interpretación
3.1. Contenido y significación:
Las obras de teatro representadas en Grecia lo hacían en honor a Dionisos, el dios del vino y de
la fiesta. En principio los teatros tenían una finalidad religiosa y en ellos se hacían las ofrendas al
dios de la fiesta. El coro explicaba la acción de las obras dramáticas, y el papel de los actores era
secundario. A medida que su papel se incrementa se les sitúa en un lugar más elevado, el
proscenio. En el siglo IV el papel de los actores es mayor que el del coro (Con la decadencia de la
cultura griega).
Contaba con una inmejorable acústica y se veía perfectamente desde todos los asientos. Éstos
se dividían entre los dedicados al pueblo y los dedicados a los ediles y prohombres que tenían
brazos y respaldo.
3.2. Función:
La ciudad de Epidauro tenía el santuario de Asclepios, dios de la medicina, por lo que era
visitada por muchos enfermos. En la época helenística creció mucho y por ello se creo el teatro
ALTAR DE ZEUS EN PÉRGAMO
1. Documentación general
1.1. Nombre: altar de Zeus en Pérgamo.
1.2. Arquitecto: desconocido.
1.3. Cronología: 188 a.C.
1.4. Localización actual: Pergamonmuseum en
Berlín.
1.5. Estilo: griego-helenístico.
1.6. Material: mármol.
1.7. Dimensiones: 36,44x34, 29 m.
Está dedicado Zeus y Atenea que luchan contra los gigantes. Rememora el friso del
Partenón y ello se debe a la voluntad de los reyes de Pérgamo de convertirse en
herederos del espíritu ateniense.
2.-Análisis formal
2.1. Estructura:
Elementos de soporte y elementos soportados:
Tenía unas proporciones gigantescas. Se levanta sobre un enorme podio rectangular-casi
cuadrado- muy alto y tenía una escalera frontal. En la parte superior del podio se
levantaba una columnata jónica en forma de U. Existía desproporción entre el tamaño
mucho mayor del podio que el de la columnata
Espacio interior y exterior:
Exterior: No se conserva el altar completo, solo la fachada por lo que se conoce únicamente por las
descripciones. Destaca el magnífico friso con relieves alto relieve- de 100 m. de longitud y de 2,5 m. de
altura. Son muy característicos del arte helenístico por su expresividad y dramatismo, el barroco trazado
de los pliegues de la ropa y las expresiones faciales violentas y de miedo de los vencidos.
Interior: patio cerrado donde se localizaba el altar.
2.2. Estilo:
Griego-helenístico: monumentalidad en la arquitectura y teatralidad, patetismo y expresionismo en las
esculturas.
En la obra trabajaron 40 escultores que unificaron su estilo creando el que se conoce como "la segunda
escuela de Pérgamo".
3.-Interpretación
3.1. Contenido y significación:
En la Gigantomaquia, Atenea coge por el pelo al gigante Alcioneu pra conseguir levantar sus pies de la
tierra y así vencerlo. La madre del gigante, Gea, pide piedad a la diosa, pero está no cede y es coronada
por la Victoria. Zeus, combate contra los gigantes junta a Atenea.
El rey de Pérgamo pretende asimilarse a Zeus y busca la protección de Palas. El friso conmemoraba la
victoria de Atalo I contra los celtas-galatas-y la reinstauración de la civilización y la paz. Los reyes de
Pérgamo se sentían herederos de los atenienses.
Un friso interior narraba la vida del rey Telefo, fundador de la dinastía atálida (Es un antecedente de la
columna trajana).
3.2. Cliente: la monarquía atálida.
3.3. Función: El rey de la dinastía atálida Eumenes II hizo levantar este monumento en Pérgamo, capital de
su reino, para conmemorar sus victorias frente a sus enemigos. El altar servía de culto y para agradecer a
Zeus su protección.
ESCULTURA GRIEGA
ARCAICA SIG VII-VI AC
CLASICA SIG V
HELENISTICA SIG IV-III AC
a) CONTEXTO SOCIO-HISTÓRICO.
b) CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LA ESCULTURA GRIEGA.
c) EVOLUCIÓN DE LA ESCULTURA GRIEGA.
d) ESCULTORES Y OBRAS MÁS SIGNIFICATIVAS.
a) Contexto socio-histórico.
. A partir del siglo VIII a. C. los griegos empezaron a fundar colonias por todo el Mediterráneo, lo que
permitió el desarrollo del comercio y facilitó el contacto con otras culturas. Los griegos se
organizaban políticamente en ciudades-estado independientes, llamadas polis. Unas polis, como
Esparta, vivían de la agricultura, dominadas por la aristocracia guerrera y su régimen político era
oligárquico; otras, como Atenas, eran de economía comercial y su régimen era democrático. Atenas,
gracias a las reformas políticas de Solón y Clístenes, en el siglo VI, había llegado en el siglo V con
Pericles a la democracia, sistema basado en el gobierno del pueblo y en la igualdad entre los
ciudadanos. Este rasgo distinguía a Grecia de los imperios teocráticos y absolutos orientales (como
Egipto y Mesopotamia). En Grecia el individuo podía desarrollarse libremente; la cultura griega era
antropocéntrica ? giraba en torno al hombre-.
Los griegos compartían una lengua, una cultura y una religión común. Eran politeístas. Sus dioses
eran representados en forma humana y los imaginaban dotados con las mismas virtudes y defectos
de los hombres, a los que podían ayudar o castigar. Les rendían culto en templos y santuarios
(Delfos, Olimpia), lo que unía a todas las polis griegas. Los Juegos Olímpicos, celebrados cada cuatro
años en honor de Zeus, son el mejor ejemplo de este culto panhelénico. Era una religión sin dogmas
ni sacerdotes.
Fueron los griegos los primeros en intentar dar una respuesta racional, no mágica, a los misterios del
hombre y la naturaleza, mediante la filosofía. Concebían el mundo como un cosmos ordenado y
bello; lo bello es una idea, análoga a la verdad y la bondad. Existía armonía entre el orden humano y
el divino. Para los filósofos pitagóricos y sus discípulos, Platón entre ellos, la música y las
matemáticas eran la estructura oculta del cosmos. El arte debía reflejar esa belleza a través de la
armonía y el equilibrio. Para Platón La belleza, la bondad y el bien tienen una naturaleza común.
) CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LA ESCULTURA.
- El escultor griego realiza sus obras por placer estético, buscando la belleza ideal, al
margen de su significado religioso.
- La figura humana es considerada la expresión de esa belleza ideal, física y espiritual,),
especialmente el cuerpo masculino desnudo. El desnudo es democrático, como la muerte .
Según Protágoras ? el hombre es la medida de todas las cosas?.
- Naturalismo idealizado en las esculturas, ya que se trata de representar al Hombre
perfecto, sin defectos, verdaderos arquetipos .
- Búsqueda de la perfección formal a través de la medida y de la proporción. Para ello fijan
un canon o sistema de relaciones matemáticas entre todas las partes del cuerpo.
- También buscan la armonía, serenidad y equilibrio entre el autodominio ( ethos ) y la
expresión de los sentimientos (pathos ), especialmente en los rostros.
- Estudio de la anatomía en tensión y del movimiento, pero equilibrado.
- Los temas preferidos son los mitológicos ( dioses y héroes), pero también atletas.
- Materiales: todos ( madera, piedra, oro , marfil, etc ), pero prefieren el mármol y el
bronce.
- Esculturas policromadas, aunque se hayan perdido los restos de color por el paso del
tiempo.
Evolución de la escultura griega.
Se pasa por tres periodos o etapas: Arcaica Clasica y Helenística
Etapa arcaica ( desde el siglo VII hasta el 480 a.C.) :
Escultura exenta: Las primeras muestras las xoana de madera, que no se han conservado,
y exvotos en marfil y barro realizados como ofrendas a los dioses y destinados a los
templos. La Hera de Samos y la Dama de Auxerre, en el Louvre, son versiones en piedra de
las xoanas de madera.
También tenian función votiva los kouroi (atletas jóvenes desnudos, victoriosos en los
juegos, heroicos y altivos, imagen simbólica de la aristocracia, la única que en esta época
interviene en los Juegos Olímpicos) y las korai (sacerdotisas vestidas, con el chitón o el
imation, típicos de Atenas, o a veces con la rígida túnica dórica llamada peplo, que se
colocaban alrededor de templos y santuarios, surgidos para cobijar imágenes de la
divinidad a la que se dedicaban .Ambos presentan influencia egipcia en su frontalidad,
con brazos pegados al cuerpo y pierna izquierda avanzada, rigidez, geometrismo, ojos
almendrados, rizada cabellera y ? sonrisa arcaica? estereotipada.
Una variante de los kouroi son las representanciones de los devotos que portan como
ofrenda un animal, como el Moscóforo, portador de un ternero, obra del escultor
Rombos. Son también frecuentes esculturas de animales (ej. leones de Delfos) o seres
míticos, como esfinges, tema importado de Egipto.
Imágenes votivas: los kouroi (atletas jóvenes desnudos, victoriosos en los juegos, heroicos
y altivos, imagen simbólica de la aristocracia, la única que en esta época interviene en los
Juegos Olímpicos) y las korai (sacerdotisas vestidas, con elchitón o el himatión
Ambos presentan influencia egipcia en su frontalidad, con brazos pegados al cuerpo y
pierna izquierda avanzada, rigidez, geometrismo, ojos almendrados, rizada cabellera y
sonrisa arcaica, estereotipada.
Kouros de
Anavyssos
Kore de Peplo
El Moscóforo
Etapa clásica ( siglos V y IV a. C.):
A la etapa severa, de transición del arcaísmo al clasicismo,
pertenecen los relieves del templo de Afaia, en Egina ( 490 a.C),
representando las luchas de eginetas y troyanos, y del templo de
Zeus, en Olimpia ( 460 a. C), uno de cuyos frontones representa la
lucha de lapitas y centauros, con gran perfección anatómica. En
bronce quedan unas obras maestras como el Auriga de Delfos, el
Efebo atribuido a Kritios, y el famoso Poseidón (o Zeus). Muchas
otras se han perdido porque se ha fundido el bronce, pero
conservamos copias en mármol, como el grupo Los Tiranicidas, de
Kritios.
En esta etapa se logra el naturalismo idealizado, la armonía y el
equilibrio. Destacan una serie de escultores.
El
guerrero de
Riace sig V aC
Fundicion en
Bronce Museo
Nacional de
Reggio-Calabris
(Italia)
Tecnicamente
estan lejos del
hieratismo,
contraposto ,
inclinacion de la
cabeza en
posicion
contraria a la
pierna
flexionada.
perfeccion del
cuerpo,
Los guerreros de Riace sig V.
musculos ,
Originales griegos. Fundicion a la cera
tendones
perdida
El auriga de Delfos
LOS 3 ESCULTORES MAS IMPORTANTES DE LA ESCULTURA CLASICA SIG V
MIRON
POLICLETO
FIDIAS
El discobolo MIRON
El Doriforo POLICLETO
Atenea FIDIAS
Siglo V a. C : PERIODO CLASICO
- Mirón : broncista, autor del famoso ? Discóbolo ?, atleta que lanza un disco, que
conocemos por copias romanas en mármol del original en bronce. Representa el instante
en que el atleta se dispone a lanzar el disco. Mirón se preocupa por el movimiento en
potencia. La composición es equilibrada, gracias a la contraposición de las dos curvas de
los brazos. Perfecto estudio anatómico, pero el rostro carece de expresión y el cabello es
poco natural. Otra obra suya es Atenea y Marsias.
- Policleto de Argos : broncista, preocupado por conseguir unas proporciones ideales del
cuerpo humano, basadas en las matemáticas. Autor de un tratado donde establece un
canon o relación adecuada entre las partes y el todo (el cuerpo humano debía contener
siete veces la cabeza ). Plasma su teoría en el ?Doríforo?, atleta desnudo que porta una
lanza, quizá Aquiles La estatua es la expresión del canon de siete cabezas de Policleto,
ideal de belleza masculina. La figura avanza, apoyando el peso en - una pierna mientras la
otra retrocede, en un perfecto contrapposto. Composición equilibrada, armoniosa y
proporcionada. . Estudio anatómico, con fuertes contrastes de luz y sombra. Otras obras
suyas son el?Diadumenos? y la ?Amazona herida?.. Ambas las conocemos por copias
romanas.
Fidias: (m. hacia el 432 a.C.), el más famoso de los escultores clásicos. Sus estatuas están
llenas de equilibrio, perfección y naturalidad en los cuerpos, cubiertos por ropas que se
pegan y dejan ver la anatomía, según la técnica de paños mojados
Las esculturas que más fama le dieron son las crisoelefantina (madera recubierta con
placas de marfil y de oro) que sólo conocemos por copias y descripciones literarias. La más
famosa era la Atenea Pártenos, virgen, que realizó para ser colocada en la naos del
Partenón, templo dedicado a ella por los atenienses. Se trataba de una escultura de 11
metros de altura, que portaba en la mano derecha una Victoria y en la izquierda un escudo
con un relieve de la amazonomaquia. Llevaba un casco con una esfinge y dos Pegasos.
Durante las obras desapareció parte del oro, culpando a Fidias los enemigos de su amigo
Pericles. Según algunos murió en la cárcel pero otros piensan que fue desterrado a
Olimpia, donde realizó otra estatua crisoelefantina, su famoso Zeus, imagen sedente de 10
metros, Zeus en su trono, barbado, con corona y cetro. También realizó otras dos Ateneas,
la Prómacos, en bronce y la Lemnia, que sólo conocemos por copias mediocres.
Supervisó la realizacion en su taller de los Relieves del Partenón ( 447- 432 a.C) , por
encargo de su amigo Pericles:
- en las 92 metopas relata en altorrelieve luchas mitológicas (Centauromaquia,
Gigantomaquia, Amazonomaquia y la Guerra de Troya), simbolizando el triunfo del orden
sobre la barbarie y el de Atenas sobre los persas en las guerras médicas.
- en el friso (160 metros de largo), representa en bajorrelieve la procesión de las
Panateneas, doncellas que llevan a la diosa atenea un peplo como ofrenda, acompañadas
por varios jinetes.
en los frontones se representa el nacimiento de atenea, la diosa protectora de la ciudad (
frontón oriental) y las luchas entre atenea y Poseidón por el dominio de Atenas (frontón
occidental)
Fidias: Atenea
Frisos del
Partenon
Atenea
Lemnia
Relieves : los espacios arquitectónicos de
frontones, metopas y frisos sirvieron como
marco para desarrollar conjuntos de narraciones
mitológicas y épicas. Tuvieron que resolver el
problema de adaptación de las figuras al marco
arquitectónico a base de tanteos.
Centauromaquia
FIDIAS
CONCEPTOS BASICOS:
CRISOELEFANTINA: de oro y marfil. El oro es considerado tradicionalmente el metal más
precioso y perfecto por su simbolismo ya que evoca al Sol , que da luz, riqueza y fecundidad y el
marfil es símbolo de pureza por su blancura, muy apropiado para atenea.
ATENEA: diosa griega de la sabiduría, de las artes y también de la guerra. Según la leyenda surge
de la cabeza de su padre, Zeus, dando un grito, armada de lanza y casco. A la vez una lluvia de "
nieve de oro" se esparce sobre su ciudad natal, simbolizando la pureza de la diosa - Pártenos es
doncella, virgen- y la riqueza que trae consigo. Sus símbolos son la lechuza ( imagen de
clarividencia y reflexión que domina las tinieblas ) y la serpiente, ya que ayudó a su medio
hermano Perseo a matar a la Medusa, cuyos cabellos eran serpientes
NAOS: también llamada cella. Era la parte principal del templo griego.
ESFINGE: animal fabuloso con cabeza y pecho de mujer y cuerpo y extremidades de león.
PEGASO: caballo alado que surgió de la sangre de la Medusa, cuando Perseo la mató.
PERICLES: (461- 429 a. C), el gobernante más famoso de Atenas,protector de las artes, creador
de la Liga de Delos y del imperialismo ateniense. Su época de paz y prosperidad para Atenas se
conoce como " Siglo de Pericles". Terminó con la Guerra del Peloponeso.
METOPA: espacio cuadrado entre dos triglifos en un friso clásico de orden dórico. El triglifo es
una decoración consistente en tres bandas verticales.
FRISO: parte central del entablamento clásico, entre el arquitrabe y la cornisa.
FRONTÓN: remate triangular de una fachada.
ESCULTURA CLASICA SigloIV a. C:
- Scopas : se interesa por la expresividad y el dramatismo, sus esculturas manifiestan su
patetismo en la torsión de sus cuerpos y en sus rostros, de profundas miradas . Obras:?
Ménade ?, retorciéndose en plena danza dionisíaca,?Meleagro?; participó en la
decoración del Mausoleo de Halicarnaso
-Praxíteles : ( hacia 370- 330 a.C) , preocupado por la belleza, sus figuras son graciosas,
delicadas, llenas de exquisitez y sensualidad, con rostros levemente melancólicos. Sus
cuerpos se arquean levantando una pierna para apoyarse sobre la otra (curva
praxitélica). Sus obras más conocidas son ?Hermes con el niño Dionysos?, un grupo en
mármol pulido. Con ternura el dios Hermes ofrece un racimo de uvas a su hermano,
futuro dios del vino. La obra, posiblemente original, se encuentra en el Museo de
Olimpia (Grecia). El ?Apolo Sauróctono?, joven que está a punto de aplastar un lagarto ,
Eros y Afrodita de Cnido, el primer desnudo femenino, que representa a la diosa
entrando en el baño. Su amante Friné sirvió de modelo.
- Lisipo : gran broncista, es el autor del ?Apoxiomenos?, atleta que se limpia el sudor
con la estrígile. Es un desnudo más esbelto que el de Policleto, porque establece un
nuevo canon de 9 cabezas. La escultura, captada en movimiento, avanza los brazos e
incorpora el espacio con varios puntos de vista.. Lisipo fué también retratista oficial de
Alejandro Magno.
SCOPAS
HERMES CON EL NIÑO DIONISO
PRAXITELES
Lisipo:
EL
APOXIOME
NO atleta
que se quita
el polvo con
el strigilis
NUEVO
CANON la
cabeza
debia ser
1/8 del
cuerpo no
1/7 como
POLICLETO
Etapa helenística (siglos III- II y I a. C):
Tras las conquistas de Alejandro Magno, la cultura griega se difunde y fusiona con la
oriental, surgiendo una cultura de gran lujo y refinamiento estético. Es la fase barroca
del helenismo, de enorme variedad del gusto: conviven la idealidad y el realismo, la
belleza y la deformidad, los temas dramáticos y los cotidianos, representándose todos
los estadios del ser humano ( de niños a ancianos). Los clientes eran la minoría rica y
poderosa de la época
. Las características del arte helenístico son : complicación compositiva, grandiosidad y
ruptura de la proporción clásica, realismo, ilusionismo escenográfico, ruptura del
equilibrio, gusto por el movimiento, la tensión dramática, sensualidad y belleza,
habilidad técnica
Las principales escuelas fueron:
•la Escuela de Rodas (el Coloso, una de las siete maravillas de la Antigüedad, Laocoonte y
sus hijos, La Victoria de Samotracia ).
• La Escuela de Alejandría (El Nilo y sus hijos, Vieja borracha)
•.La Escuela de Pérgamo (relieves del Altar de Pérgamo, El Galo moribundo). La Escuela
de Atenas (El niño de la espina, Tanagras
La escultura tiende ahora
hacia la orientalización y
el sincretismo (Venus de
Milo); se acentúan
también los movimientos
y temas fantásticos (Sátiro
Barberini); también se
introducen escenas de la
vida cotidiana (Espinario,
Niño de la Oca) o retratos
mucho más realistas
representando la vejez y
la fealdad
(Platon,Demóstenes,
Diógenes, etc...).
El Espinario
Copia romana, 200 aC, bronce
Atenas. La obra más representativa es El
Espinario, que representa a un niño en una
actitud despreocupada y cotidiana. El tema, es
simplemente, que un niño intenta quitarse una
espina que se ha clavado en el pie
Escuela de Pérgamo: Epigonos: galos invasores (Galo moribundo y Galo suicidándose).
Altar de Zeus. . El monarca Atalo I ordenó realizar una serie de vencidos para
conmemorar su triunfo militar en el año 225 a.C. Hoy solo podemos contemplar, como
en el caso de tantas otras esculturas griegas, una copia romana realizada en mármol.
ANALISIS DEL GALO MORIBUNDO ESCULTURA HELENISTICA
naturalismo en la representación, ya que se aprecia una meticulosa observación de la
musculatura Llama también la atención la clara composición triangular, que fue
abundantemente utilizada en la escultura del helenismo y queda subrayada en esta
ocasión por el significativo vértice del triángulo que marca la cabeza. La postura
evidencia la derrota y la humillación en el último instante de su vida. La figura se
completa con las armas que aparecen tendidas en el suelo, sirviendo al mismo tiempo
de elemento de identificación como guerrero y como galo, y también como símbolo del
final que se aproxima, de la última batalla que ya ha acabado para el guerrero. Es
evidente el carácter teatral expresado en la resistencia imposible del protagonista, que
se mantiene sorprendentemente erguido en su agonía. Por esto también la obra se
recrea en una multiplicidad de puntos de vista que le dan una mayor riqueza, elevándola
a un momento de barroquismo grandioso de la escultura griega. El movimiento parece
haberse detenido en este instante de muerte. Los contrastes de luz y sombra producidos
por la figura y los vacíos que enmarcan los brazos del galo añaden un patetismo a la
escena, buscado en todos sus detalles. Así, tenemos al protagonista como una figura
hercúlea que, en un gesto forzado, junta la fuerza física con la fuerza moral de morir con
honor por sus convicciones. El galo queda plasmado como un desnudo, recogiendo así la
tradición del carácter heroico de este tipo de representaciones. En cuanto a la esencia
interna, posturas, formas, texturas, nos llevan a la evidencia del pathos aquí
representado. Se pretende, además, transmitir un mensaje político, ya que la obra hay
que entenderla en el contexto de la victoria sobre los galos, y no podemos desvincularla
de otras como el Galo Ludovisi, también conocido como Galo suicidándose.
escuela de Rodas es junto con la Victoria de
Samotracia (siglo II) y Toro farnesio (siglo I),
una de las esculturas más importantes de
ésta escuela y define por sí mismo todo un
período de la historia del arte.
Al dolor físico causado por las enormes
serpientes enviadas por Apolo al sacerdote
troyano Laocoonte, se une el dolor interno,
mayor si cabe, por tener que presenciar la
muerte de sus propios hijos. De
composición triangular capta
perfectamente la tensión en el cuerpo, los
músculos, venas, se marcan de manera
exagerada.
La obra convertida en todo un símbolo, fue
muy admirada durante el Renacimiento por
artistas de la talla de Miguel Ángel o
Tiziano.
Durante el helenismo, se conjugan los elementos griegos con los orientales, de los
pueblos conquistados por Alejandro Magno, especialmente Persia y Egipto.En escultura
se da la perdida del punto de vista frontal y el aumento del dinamismo de las esculturas,
puesto de manifiesto en el empleo de la línea serpentinata, en obras magistrales como el
grupo de "Laooconte y sus hijos.una caracteristica es la aparicion de grupos escultóricos
complejos, frente a las esculturas aisladas que predominaban en el clasicismo.
ARTE ROMANO
ARQUITECTURA
La Ciudad Romana: Plano
El Objetivo era convertir la ciudad en centro de la vida romana.
El romano es un hombre de ciudad.
El plano de la ciudad se inspira en los campamentos militares. De planta rectangular,
amurallada, con cuatro puertas de acceso. Planta rectangular, amurallada, con cuatro
Puertas de Acceso.. La "prima puerta" es la principal, la de la Vía Augusta. En el centro se
encuentra el foro romano.. La calle de norte a sur se llama el kardo, y la que la divide de
oeste a este se llama decumano.. El aumento de la población exigió en casos como el de
la capital del imperio, ampliar la ciudad con varios foros longitudinales
El foro romano
Era el lugar público de las ciudades, donde una serie de construcciones reflejan la grandeza de
Roma. Era el Lugar público de las ciudades, Donde una serie de construcciones reflejan la grandeza
de Roma. El romano tiene sentido de la historia y quiere dejar su huella, la arquitectura, se
convierten en un instrumento de propaganda al servicio del Estado y del político que ha financiado
la obra.
La arquitectura romana exige nuevas técnicas y nuevos materiales, y se elabora a partir de
influencias anteriores.
El romano tiene la habilidad de elaborar un lenguaje propio a partir de otros lenguajes y añade al
arte un nuevo valor: la utilidad.