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LA MÚSICA EN LA EDAD MEDIA
Del canto gregoriano al Ars Nova
Contexto histórico I: El canto gregoriano
La Edad Media comprende la época que va desde la caída del Imperio Romano de
occidente (año 476) hasta el año 1492, fecha de la llegada a América de Cristóbal
Colón, por lo que duró en torno a diez siglos.
Desde el siglo V al VIII, Europa se encuentra fragmentada por el dominio de
diversos pueblos bárbaros, que finalmente quedan de nuevo unidos bajo el
Imperio Carolingio, que tomó el canto romano antiguo, más conocido como
canto gregoriano, como arma cultural y religiosa para aunar bajo un mismo lema
cultural y religioso una amplia zona que había quedado fraccionada con los
pueblos bárbaros.
Aquí tenéis un vídeo muy didáctico que explica la historia y sociedad medieval,
además de la relación entre Carlomagno y el Papa, lo que tuvo grandes
consecuencias musicales y lo que llevó a la extensión del canto gregoriano y de la
misa tal y como la conocemos ahora.
Relaciones entre la Carlomagno y el Papado
Carlomagno
Pipino el
Breve
Papa Adrián I
Al verse asediado por los invasores lombardos, el
Papa Adriano I en el año 772 no dudó en ponerse
en contacto con Carlomagno quien veía en los
lombardos un grave peligro contra el propio reino
franco. De esta forma se llevó a cabo una alianza
entre Carlomagno y su afán europeizante y el
Papado de Roma, que marcará el curso de la
historia. En esta imagen puede verse al Papa
solicitando la asistencia de Carlomagno durante
un encuentro cerca de Roma.
Contexto histórico II: La sociedad de la Edad Media y la música
Desde el siglo VIII hasta el XII, Europa se encuentra unida por el cristianismo. Esta unidad se
mantiene con la existencia de una sociedad muy jerarquizada que tiene la siguiente estructura:
a) En primer lugar existen dos grandes poderes que se
encuentran asociados: el poder religioso representado
por el Papa, y el poder civil representado por el
emperador.
Papa Urbano II (Papa)
Otón III (Rey Romano)
b) En segundo lugar se encontraba la nobleza, con relaciones de dependencia de unos caballeros
respecto de otros más poderosos. Ésta es la base del sistema feudal, aparecido en el siglo X. Los
nobles vivían en castillos amurallados y se dedicaban a la guerra. Este sistema feudal dentro de los
castillos dio lugar a la música profana (no religiosa).
En este mismo nivel, pero en el orden religioso, estaban todos los estamentos relaiconados con el
clero, como los abades o los obispos que vivían en las grandes abadías y sedes episcopales. Estos
eran los grandes centros culturales de la época, donde se copiaban los libros y las partituras. La
arquitectura románica es la expresión de este estamento con edificios de muros sólidos parecidos a
los castillos feudales, con unas atmósfera de recogimiento y plegaria. Es aquí donde se gestó la
música religiosa.
c) En tercer y último lugar estaba el pueblo, dedicado al campesinado y al servicio de su señor. Eran
pobres y no había posibilidad de ascenso social. No tenían acceso a la música ni a la cultura en
general
Contexto histórico : III.
Imagen de La sociedad de la Edad Media y la música
PODER CIVIL / PODER RELIGIOSO
REY
NOBLEZA
PUEBLO LLANO
PAPA
CLERO
PUEBLO LLANO
Contexto histórico IV:
Diferencias entre Alta y Baja Edad Media
La Edad Media se divide en dos grandes periodos: la Alta Edad Media, que va desde la caída del
Imperio Romano de Occidente hasta el siglo X, y la Baja Edad Media, que va desde el siglo XI
hasta finales del siglo XIV.
En estas dos imágenes podréis ver la las principales diferencias sociales y económicas entre estos
dos periodos.
Contexto histórico V:
La Baja Edad Media periodización musical
A lo largo de toda la Baja Edad Media surge la polifonía dentro del ámbito de la música
religiosa, uno de los acontecimientos musicales más importantes a lo largo de toda la historia
de la música, ya que por primera vez desde el origen de la música se superponen dos o más
líneas melódica.
Con el origen de la polifonía surgen dos distintos periodos musicales:
1. El Ars Antiqua, que va desde el siglo XI hasta aproximadamente el siglo XIII.
2. El Ars Nova, que abarca todo el siglo XIV y que conlleva un desarrollo cada vez
más complejo de dicha polifonía.
Estos términos surgen por la edición en 1320 del libro del compositor y teórico Philippe de
Vitry, titulado Ars Nova, con el que se designa a la polifonía realizada a finales de la Baja Edad
Media a partir de las nuevas tendencias y teorías en torno al ritmo. Así a la nueva forma de
hacer música se le denominó Ars Nova, por el título del libro de Vitry, y la anterior Ars
Antiqua por oposición a Ars Nova.
Así, a partir del siglo XIII aproximadamente, con la formación de las primera ciudades, el
desarrollo de la agricultura y el comercio, se da también un desarrollo musical. En estas
ciudades o burgos aparece un nuevo estamento social, la burguesía, que se dedica a la artesanía
y el comercio y que cada vez tendrá más influencia social.
Contexto histórico VI:
Mapa conceptual de la música en la Edad Media
Aquí tenéis un mapa de la música en la Edad Media. Es un mapa interactivo. Si queréis trabajar
con él, sólo tenéis que pinchar aquí y podréis ver imágenes, oír música y mucho más a partir de
este esquema.
El canto gregoriano
Desde la caída del Imperio Romano de occidente, la unidad litúrgica cristiana se fue
descomponiendo en diferentes ritos según cada país. El Para Gregorio I (590-604), comenzó a
recopilar el canto propio de los primeros cristianos, con el fin de dar un sentido de unidad al
cristianismo y de controlar las posibles innovaciones que cada lugar pudiera ir añadiendo.
Este tipo de música que se fue recopilando a lo largo de dos siglos, fue el único canto de la
iglesia cristiana durante mucho tiempo, y todavía hoy se sigue usando en algunas iglesias y
monasterios. En honor a su recopilador, en la actualidad lo conocemos como canto
gregoriano. También se le conocía como canto llano por el dibujo de su melodía, muy plana y
casi sin saltos.
Su éxito expansión le vino con posterioridad, gracias a Carlomagno que lo usó a modo de
herramienta cultural de conquista y reunificación europea bajo una misma religión y una
misma cultura.
El canto gregoriano I. Características musicales.
Todas las composiciones de canto gregoriano tienen las misma características que son
las siguientes:
1. FUNCIÓN: El uso del canto gregoriano era principalmente litúrgico. La vida en un
monasterio medieval estaba regida por la máxima Ora et labora (reza y trabaja).
Cada jornada, además de realizar las labores que les correspondían, los monjes se
reunían para orar ocho veces al día. Tanto en este momento, como durante la misa,
era el canto gregoriano lo que sonaba.
2. IDIOMA: Todas las piezas están escritas en latín.
3. TEXTURA: Se trata siempre de música monódica, es decir, con una sola melodía y
siempre se interpretaba a capella, es decir, sólo con voces, sin instrumentos, dado que
en aquella época estaban muy restringidos dentro del ámbito religioso.
4. RITMO: Se trataba de un ritmo libre y muy flexible, que sigue constantemente los
ritmos del textos. Es música en la que no hay acentuación y que huye de la medida
matemática y está aún muy lejos de la barra de compás que todavía no existe.
5. MELODÍA: Es sencilla, ondulada y se desarrolla normalmente por grados
conjuntos o al menos sin saltos muy grandes. Esto hace que sea fácilmente cantable.
6. ARMONÍA: Aún no existe y siendo música monódica es imposible la existencia de
ésta.
El canto gregoriano II. El sistema de modos u octoechos.
En el canto gregoriano, la música se compone mediante un sistema de reglas estrictas. No
utilizaban las escalas tal y como las conocemos hoy, sino que se hacían servir de un
sistema de modos o escalas distintas a las nuestras. Estos modos eran ocho, de ahí el
nombre octoechos y quedaban definidas por las siguientes características:
1. LA NOTA FINAL: Es la nota con la que acaba un canto gregoriano. Estas notas sólo
pueden ser cuatro: “re” para el primer modo (protus), “mi” para el segundo modo
(deuterus), “fa” para el tercer modo (tritus) y “sol” para el cuatro modo (tetrardus).
2. LA DOMINANTE O NOTA DE RECITACIÓN: Esta es la nota que más se
repite a lo largo de la composición y sobre la que se hacen los recitados. Puede estar a
distancia de quinta respecto a la final, lo que dará lugar a los modos auténticos. También
puede estar a una distancia menor de la final, bien sea tercera o cuarta, y dará lugar a
los modos plagales.
3. EL ÁMBITO: Es el grupo de notas de abarca una melodía y no supera habitualmente
la octava. El ámbito queda definido por distancia respecto a la final. Si el ámbito va
desde la final hasta una octava más aguda estamos ante el ámbito propio de los modos
auténticos., quedando la nota final en la parte más grave. En cambio, el ámbito puede
ir desde una cuarta por debajo de la final hasta una quinta por encima, quedando la
final en medio del ámbito, algo que es propio de los modos plagales.
El canto gregoriano III. Cuadro de los modos.
El canto gregoriano IV. Cada uno de los modos.
Modos auténticos
1
2
3
4
Modos plagales
El canto gregoriano V. Tipos de canto. Relación música-texto
Dependiendo de la relación entre música y texto, el canto gregoriano puede dividirse en
cuatro diferentes tipos:
1. Canto silábico. Por cada sílaba del texto se entona una única notas musicales.
2. Canto neumático. Por cada sílaba del texto se entonan dos o tres notas musicales.
3. Canto melismático. Por cada sílaba del texto se entonan cuatro o más notas musicales.
4. Canto salmódico. Por cada nota musical se recitan múltiples sílabas del textos.
CANTO
SALMÓDICO
CANTO
SILÁBICO
CANTO
MELISMÁTICO
CANTO
NEUMÁTICO
El canto gregoriano VI. Tipos de canto. Relaciones corales
Dependiendo de las alternancias corales a la hora de cantar, el canto gregoriano
también puede dividirse en varios tipos, en este caso en tres:
1. Canto antifonal. Hay dos coros que se van alternando.
2. Canto responsorial. Hay un solista dentro del coro que alterna el canto con el resto
del coro. Si pincháis aquí, encontraréis un ejemplo de canto responsorial.
3. Canto directo. Todo el coro canta junto y no hay alternancia alguna. Aquí podréis
escuchar un ejemplo de canto directo.
Os dejo aquí un enlace a un slide a
través del que podréis ver de una forma
esquemática todas estas características
del canto gregoriano.
Al lado tenéis una partitura característica
de canto gregoriano.
El canto gregoriano VII. Mapa conceptual
Aquí os dejo un mapa del canto gregoriano o canto llano, para que os sirva para el
estudio. Es interactivo, así que si queréis ver la imágenes y ejemplo que usa, sólo
tenéis que pinchar aquí y os llevará directamente a este mapa en internet.
El origen de la polifonía: el organum paralelo.
La polifonía es la práctica musical que surge en occidente en el siglo IX y que consiste
en la simultaneidad varias voces melódicas. En sus primeras manifestaciones la
polifonía era a dos voces que consistían en la duplicación de una voz principal que era
una melodía gregoriana a la que se denomina canto llano o cantus firmus. Dicha
duplicación se hacía nota contra nota a distancia de 4ª, 5ª u 8ª y el tanto el comienzo
como el final se hacían en unísono. A este tipo de composiciones se les denominaba
organum. Mira estos ejemplos, el primero puedes escucharlo en este enlace.
El origen de la polifonía: el organum libre y el organum
melismático.
Más tarde, en el siglo XI, aparece otro procedimiento polifónico: el discanto u organum libre,
en el que las diferentes voces ya no son paralelas, sino que se mueven de una forma mucho más
libre.
A principios del siglo XII, la segunda voz comentará a independizarse de la primera o canto
llano y hará dibujos melódicos sobre ésta, haciéndose una voz mucho más ornamentada, pero
que continuará entonando el texto religioso. Este tipo de piezas reciben el nombre de
organum melismático o florido y está a caballo entre una primera polifonía primitiva y el
periodo posterior de la polifonía del Ars Antiqua.
El Ars Antiqua.
Este estilo musical dentro de la música de la Edad Media va desde ele año 1163, año en que se
inauguró la Catedral de Notre Damme de París y el año 1320, año en que Philippe de Vitry
escribió su libro Ars Nova y que dio lugar a la inauguración del siguiente periodo.
Durante este periodo de sigue usando el canto llano gregoriano, pero ahora se le llama tenor
porque sirve como sustento del resto del voces. Aún así, eñ uso del tenor gregoriano va
desapareciendo poco a poco.
El organum evoluciona rápidamente y se dan varias modalidades nuevas:
1. El organum a dos voces u organum duplum. En este tipo de organum tenemos el
llamado tenor o canto llano más una voz añadida que se coloca por encima del tenor.
2. El organum a tres voces u organum triplum. En este tipo de organum tenemos el tenor o
canto llano más dos voces añadidas que se colocan por encima del tenor.
3. El organum a cuatro voces u organum cuadruplum. En este tipo de organum tenemos
el tenor o canto llano más tres voces añadidas que se colocan por encima del tenor. Todas las
voces cantan el mismo texto en todos los casos. Este ejemplo puedes escucharlo aquí.
Desarrollo rítmico del Ars Antiqua.
Al tener que ir cuadrando distintas voces que van haciendo melodías diferentes, se hace
necesario estandarizar el ritmo, de forma que cada voz pueda ser cantada sabiendo el ritmo
concreto que tiene que hacer. Es así como surgen los modos rítmicos, es decir, fórmulas
rítmicas que establecidas sobre las que se compone cada una de las voces.
Estos modos rítmicos se basan en dos valores:
1. La nota larga:
A esta hay que añadir la larga ultra
2. La nota breve:
mesuram, que es la suma de las dos:
.
Todo ello dio lugar a un conjunto de patrones rítmicos que son los siguientes y que son sobre
los que se basaba todo el ritmo de la música del Ars Antiqua.
1.
2.
3.
4.
5.
6.
Troqueo:
Yambo
Tribaquio
Dáctilo
Anapesto
Espondeo
.
.
.
.
Desarrollo formal del Ars Antiqua: el conductus.
Con todo este tipo de avances, pronto surgieron otras nuevas formas de componer música en
el Ars Antiqua en torno a la Catedral de Notre Damme, donde estaban los compositores más
importantes de este periodo: Leonin y Perotin.
En primer lugar tenemos el conductus, que designa un nuevo modo de componer en el que
ya no hay una base previa de canto llano, sino que el compositor es completamente libre para
componer todas las partes de la obra. Se componen a dos, tres o cuatro voces, se basa en los
modos rítmicos, la textura suele ser homofónica, el ámbito sonoro estrecho, por lo que se
cruzan las voces y la armonía sigue basándose en 4ª, 5ª y 8ª.
Desarrollo formal del Ars Antiqua: el motete.
Derivado del conductus surgirá el motete, que deriva de la palabra francesa mot (palabra).
El motete es una forma que se utilizará tanto en la música religiosa como en la profana,
que consta de una voz grave llamada tenor y que normalmente proviene del canto
gregoriano y que añade distintas voces, normalmente dos más a parte del tenor que
cantan textos diferentes. Este tipo de motete se llamará motete pluritextual. Con
posterioridad veremos el motete del Renacimiento que no habrá que confundir con éste
de igual nombre, pero características bien distintas. Podéis observar un ejemplo de
partitura con su correspondiente ejemplo auditivos que puedes escuchar pinchando aquí.
Este tipo de motetes se desarrollarán durante el Ars Nova dando lugar a los conocidos
como motetes isorrítmicos.
El Ars Nova.
A finales del siglo XIII, la sociedad frnacesa inicia una reacción de inconformismo con todo lo
que se había hecho culturalmente hasta el momento. El objetivo era ser más modernos. En el
campo de la música, el movimiento viene guiado por un tratado escrito por Philippe de Vitry en
el 1320, llamado Ars Nova.
La variedad de recursos musicales crece mucho a partir del siglo XIV y se comienza a componer
casi más música profana que religiosa, dándose una tendencia genera la romper con los modelos
propios del canto gregoriano, dado que el demandante de música en este periodo es el burgués
que se instaló en la ciudad y que ahora tiene un poder adquisitivo que le permite acceder a la
música, de la que desea que sea no religiosa y además, vinculada con la música popular que
conoce.
En cuanto a las características del Ars Nova los intervalos se suavizan y las armonías se
construyen sobre intervalos de 3ª y 6ª. En cuanto al ritmo, comienza a ser regulado por el
compositor, de forma que cada voz seguirá un ritmo diferente al de las otras y habrá cada vez
una mayor independencia de las voces. La movilidad de las melodías ya no depende del ámbito
gregoriano y tiende a expandirse, aunque todavía sigue siendo más bien reducido. Sigue siendo
principalmente música vocal, aunque se cree que algunos instrumentos podían acompañar este
tipo de polifonía profana doblando o sustituyendo alguna de las voces.
La música profana: juglares y goliardos.
En sus inicios, tanto la música religiosa como la profana consistían en una única línea
melódica (textura homofónica) de ritmo libre. Poco a poco estos dos géneros se fueron
separando, aunque manteniendo cierta relación de influencia, especialmente de la música
religiosa en la profana.
Había distintos tipo de personas dedicadas a hacer música profana:
1. Los juglares. Eran trotamundos que iban e un lugar a otro divirtiendo al público. Eran
mitad poetas mitad saltimbanquis y en sus actuaciones mezclaban la mímica, los juegos
malabares, la narración de gestas épicas y la música. Fueron los transmisores de la música
popular no litúrgica.
1. Los goliardos. Son clérigos de dudosa vida religiosa, que terminaban por abandonar sus
tareas vinculadas con la religión para dedicarse a cantar a los placeres de la vida haciendo
música de calidad aprovechando su superioridad musical. Cantaban y recitaban en latín
vulgar y tenían una reputación más que dudosa. Su repertorio era muy variado e iba
desde el estilo más refinado al la poesía más burda. Un ejemplo de este tipo de música es
el Carmina Burana que en el siglo XX popularizó Carl Orff con su recreación de esa pieza.
Mapa conceptual de la polifonía de la Edad Media
La música profana I: el movimiento trovadoresco
El movimiento trovadoresco es el tercer tipo de personas que se dedicaban a la realización de
música profana. La palabra “trovador” viene del francés “trovar” que significa inventar o crear
versos. De ahí que toda la música trovadoresca sea música vocal, es decir, cantada por los
músicos que la interpretan.
Componían sus propias obras y pertenecían a una clase social elevada. De hecho, algunos de
ellos pertenecían a altos linajes familiares como Guillermo IX de Poitiers, conde de Aquitania o
algunos otros que por su excelencia en el arte de trovar, fueron dotados de dicho linaje. Fueron
dos los distintos componentes los que formaron el movimiento trovadoresco:
1. Los troveros: Dieron origen a este movimiento musical. Eran los músicos que se ubicaban
al sur de Francia y cantaban en “lengua de oc”. Casi no se conservan composiciones suyas y
uno de los más conocidos fue el ya citado Guillermo Conde de Aquitania.
2. Los trovadores: Aparecieron con posterioridad al norte de Francia. Cantaban en “lengua de
oil”, lengua de la que derivó el actual idioma francés y se conservan muchas más obras
suyas. Algunos famosos trovadores fueron Bernart de Ventador, Marcabrú, Piere Vidal,
Jaufré Rudel o Raimbaut de Vaqueiras. Aquí podéis escuchar el un ejemplo de Bernart de
Ventadorn.
3. Los minnesinger: Surgieron al subir el movimiento trovadoresco a los países germánicos y
fueron los más tardíos. Cantaba en alemán y uno de los más conocidos fue Walther von der
Volgenweide.
La música profana II: Características de la música trovadoresca
Las principales características musicales del movimiento trovadoresco son las siguientes:
1. IDIOMA: Se cantaban en lenguas romances y dependiendo de la zona podía ser langue d’oc,
langue d’oil o alemán.
2. MELODÍA: Había una sola línea melódica de ámbito reducido.
3. TIMBRE: Era música cantada, por lo que siempre aparecía una voz, normalmente cantada a
solo. Pero también iba acompañado por instrumentos normalmente de cuerda y en ocasiones
también de percusión, que o bien realizaban la misma melodía que la voz o realizaban un
ostinato melódico-rítmico. Los instrumentos más usados eran arpas, salterios, laúdes, guitarras,
instrumentos de cuerda frotada, flautas, gaitas, instrumentos de lengüetas, organillos, tambores,
panderos
4. TEXTURA: La textura que primaba era la monodia, aunque dado que era muy frecuente que
voz e instrumentos hicieran la misma melodía. Si esa melodía era variada levemente, eso daba
lugar a una textura conocida como heterofonía.
5. FORMA: La forma musical era normalmente estrófica, es decir, componían un música que era
usada para todas las estrofas del texto.
6. RITMO: Comienza a emanciparse del texto.
7. TEMÁTICAS DEL TEXTO: El principal tema era el amor cortés, en el que la dama es
mucho más amada por el trovador cuantos más obstáculos tiene para conseguirla. De esta
forma, la dama se idealiza y se convierte en un objeto de auténtico culto.
Las mujeres en la música medieval I. Música religiosa
A lo largo de la Edad Media, fueron muchas las mujeres que contribuyeron con sus piezas a la
música de la época, tanto en la música religiosa como profana.
 Música religiosa. La más conocida fue Hildegarda
von Bingen, considerada por los expertos como una de
las figuras más fascinantes de la Edad Media. Educada en
la vida monacal, era una mujer de una cultura amplísima.
Desde joven tuvo visiones, una de las cuales le llevó a
crear su propio monasterio. La música ocupó un lugar
muy importante en su vida ya que escribió numerosos
tratados y magníficas composiciones. En un pasaje
autobiográfico Hildegarda afirma que componía cantos y
melodías religiosas sin haber recibido nunca una
formación musical específica y que los interpretaba sin
ningún tipo de conocimiento de la notación neumática y
el canto, por lo que su legado musical es fruto de su
formación autodidacta.
La música de Hildegarda fue innovadora para su tiempo. Mientras el canto gregoriano se
desarrolla en una sola octava, las composiciones de Hildegarda abarcan dos. Las melodías
las compone en función del texto, que contiene una teología y una espiritualidad profundas.
Las mujeres en la música medieval II. Música profana
 Música profana. Fueron varias las mujeres que se dedicaron al arte de trovar. Esta mujeres
eran conocidas como trobairitz y entre ellas destacaron la Beatriz de Dia, conocida como
Condesa de Dia y Leonor de Aquitania. Provenían del mismo círculo social y familiar que los
trovadores y aportaron una nueva subjetividad con la que enfrentarse a los poemas cantados.
No solamente como sujetos desde los que posicionarse sino como artistas que crean a través
de la escritura una obra hasta ese momento relegada al ámbito de lo privado y doméstico. El
planteamiento de las trobairitz rompe con el de las canciones trovadorescas tradicionales y son
ellas las que como mujeres reclaman al amado su afecto. Algo bastante arriesgado y
transgresor para la época.
Las trobairitz inauguran una importante
tradición de canción femenina en lengua no
latina. La canción que tiene por sujeto y autor la
dama, se caracteriza por una transparencia
interior extrema. Parece como si la poesía
femenina rehuyera de malabarismos poéticos y
su objetivo fuera, únicamente, transmitir la
emoción y la sensibilidad.
Aquí podéis escuchar esta hermosa composición
de la Condesa de Dia, escrita en forma epistolar
a su amor rechazado.
Esquema sintético de la música de la Edad Media.
Monodia y Polifonía