Download Historia de las músicas modernas

CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LAS
MÚSICAS MODERNAS.
Llamaremos aquí músicas modernas o música popular moderna a aquellos estilos
relacionados con el rock y el pop que monopolizan el sonido de las emisoras
comerciales y que identifican en torno a ellos a sectores significativos de la juventud de
nuestro tiempo.
Estos estilos muestran grandes diferencias entre ellos tanto desde el punto de vista
sonoro como desde el sociológico. Son evidentes las diferencias entre el pop
romántico, el heavy metal o la música disco, por ejemplo. Diferencias que se ven
tanto en el tipo de sonido como en el tipo de personalidad de quienes las escuchan. Lo
que queremos destacar aquí no son esas diferencias, sino precisamente los elementos
comunes que también son muchos.
Veremos cómo, pese a la aparente diversidad, estos estilos comparten una gran cantidad
de procedimientos musicales debido a su origen común en el blues.
1- Los instrumentos:
Uno de los aspectos más llamativos de cualquier estilo de música es la instrumentación,
que determinará en gran parte, su sonido. La cantidad y variedad de instrumentos, y de
sonoridades que pueden sacarse de ellos es inmensa. De todos ellos las músicas
modernas usan asombrosamente pocos.
Formación instrumental básica:
La formación básica de todos estos estilos (excepto los de música electrónica) está
formada tan solo por cuatro instrumentos, que además siempre realizan las mismas
funciones:
• La batería: No puede faltar en ningún grupo ya que, como veremos, su
papel rítmico es fundamental.
• Dos guitarras: que aunque sean iguales adoptan dos papeles diferentes:
- La guitarra rítmica: Se encarga de los acordes que rellenan el sonido
y definen la armonía.
- La guitarra melódica: Se encarga de los punteos melódicos, que
pueden ser tanto solistas como acompañar a la melodía vocal.
• El bajo eléctrico: su función es la de realizar una contramelodía en el
registro grave que se contraponga a la principal.
Como vemos la batería es un instrumento de percusión. Las guitarras y el bajo, aunque
son instrumentos melódicos también tienen cierto carácter percusivo, lo que conviene
al carácter rítmico de estas músicas.
La amplificación de las guitarras y el bajo puede ser acústica o eléctrica. La
amplificación acústica tiene un sonido más suave y natural y se aplica en los estilos más
suaves y melódicos. La eléctrica es más agresiva y tiene la ventaja de que puede ser
manipulada mediante la aplicación de efectos. Así con una guitarra eléctrica podemos
conseguir sonidos parecidos a los de la acústica pero también sonidos distorsionados, o
con efectos de chorus, acordes, ecos etc.
Esta formación instrumental es la generada en el blues urbano en los años 40 del SXX.
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Los teclados
También es muy habitual el uso de teclados en la elaboración de estas músicas. Las
posibilidades musicales de los teclados permiten que con ellos se pueda sustituir la
función de cualquiera de los instrumentos vistos (excepto, lógicamente la batería). Por
su tesitura pueden sonar tanto en el registro grave del bajo como en el agudo de las
guitarras. Además sus posibilidades armónicas son mayores que las de la guitarra con lo
que también puedes hacer la función de la guitarra rítmica.
A lo largo de la historia de estas músicas se han utilizado tres tipos de teclados:
• El piano: Es un instrumento de cuerda percutida que tiene un gran carácter
rítmico. Llega a estas músicas a través del jazz y el blues. Se usa mucho en el
rock de los 50. Actualmente está presente en cierto tipo de pop romántico
usándose en este caso como un instrumento más armónico y melódico que
ritmico.
• El sintetizador: También llamado órgano electrónico, es el primen tipo de
teclado electrónico que se ha usado en estas músicas. Lo populariza el grupo de
rock psicodélico The Doors. Su tipo de emisión de las notas (no percusivo) lo
hace apropiado para crear ambientaciones sonoras y para la elaboración
melódica, más que rítmica. En ellos el sonido lo produce una onda generada
electrónicamente que puede ser manipulada para transformarla en diferentes
timbres. Esos timbres pueden imitar instrumentos ya existentes o más
habitualmente ser totalmente nuevos. Por sus características más melódicas estos
instrumentos se usan sobre todo en el pop, teniendo su mayor desarrollo en el
tecno pop de los años 80.
• Sampler: Samplear significa “muestrear” informáticamente. Estos instrumentos
toman una muestra de un sonido cualquiera y varían su frecuencia para
conseguir a partir de él todas las notas de la escala. Posteriormente esas notas
pueden ser usadas para la elaboración musical. De ese modo con los samplers se
puede reproducir con calidad digital el sonido de cualquier otro instrumento. Sus
enormes posibilidades tímbricas hacen que, desde los años 90 sean uno de los
instrumentos más utilizados en estas músicas. Además de controlarse desde
teclados, los samplers también pueden utilizar otros dispositivos como
ordenadores (habitual en la música electrónica), flautas y guitarras MIDI etc.
Las cajas de ritmos
En algunos estilos de música electrónica la batería ha sido sustituida por las cajas de
ritmos. Son dispositivos electrónicos que usan sonidos sampleados y que se controlan
desde un ordenador mediante algún programa informático. Normalmente generan los
sonidos típicos de las baterías y, ocasionalmente añaden algún otro sonido exótico
(sirenas, campanas…)
Se usaron mucho en el tecno-pop y ahora se utilizan en la música disco y
derivados del rap y hip-hop.
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Otros instrumentos
Además de los instrumentos vistos es posible, aunque no habitual, el uso de otros en
estas músicas. Esto suele hacerse en tres contextos diferentes:
• En estilos de fusión: Se llaman así a los estilos musicales que mezclan
procedimientos musicales de otros. Muchos estilos de música moderna han
surgido de fusiones y combinan los instrumentos vistos con otros que
proceden de los estilos musicales con los que se mezclan. De este modo
encontramos flautas y violines en folk rock, guitarra española en flamenco
pop etc.
• Para crear ambientaciones sonoras: Se usan instrumentos que provienen de
la música clásica sobre los que se desarrollan las melodías. Los Beatles
fueron los primeros que utilizaron instrumentos de orquesta en este sentido,
llegando su su a su máxima expresión en el rock sinfónico.
• Por búsqueda de originalidad: algunos grupos buscan conseguir un sonido
original y característico con el uso de instrumentos poco habituales. Un claro
ejemplo de esto es Jetrho Tull, que consigue que la flauta, un instrumento
esencialmente melódico se integre perfectamente en el estilo rock.
2- Las voces
Los temas musicales en estos tipos de música son casi en su totalidad canciones. El
estilo de emisión vocal es muy variable. El blues suele utilizar un tipo de voz áspera y
quebrada que está muy en relación con el tono melancólico de esta música. Este tipo de
voz está muy en relación con la del jazz. Al ser dos estilos afroamericanos es habitual
referirse a este tipo de voz como “voz negra”. Este tipo de voz ha sido muy imitado en
estilos musicales posteriores.
El pop suele usar una emisión de voz relajada y natural en consonancia con su búsqueda
de sonoridades suaves.
El rock busca sonidos más duros también en la emisión vocal. Las voces son forzadas y
guturales (emisión de garganta). En esta guturalidad hay un gradiente desde el rock
melódico más suave (tipo “La Fuga”), hasta el heavy metal (voz de AC/DC), o las voces
extremas del metal más radical.
3- Los ritmos
En cuanto al tempo estas músicas tienden a pulsos rápidos, sobre todo en los estilos más
duros, pero esto es un aspecto muy variable. Lo que más llama la atención es que usan
de forma casi absoluta el compás de 4/4 que es el del blues.
Los ritmos suelen estar animados por un efecto que también se da en el blues y que se
llama sincopación. Consiste en la acentuación de tiempos débiles para crear una mayor
sensación de movimiento rítmico. También es frecuente establecer conflictos rítmicos
entre un bajo que acentúa con el compás y una melodía que lo hace en tiempos débiles
(síncopas). Esto es sobre todo patente en el rock y deriva de los polirritmos de la música
africana que influyen en la formación del blues.
4- Las melodías
Este es uno de los aspectos más variables de estas músicas. En los estilos de pop será un
elemento muy cuidado e importante, mientras que en los de rock estará supeditada a los
ritmos y los mensajes de los textos.
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En general se construyen sobre las escalas mayores y menores típicas de la música
clásica occidental, siendo esto especialmente frecuente en el pop.
El rock usa frecuentemente, sobre todo en las partes instrumentales, la escala de blues.
Esta es una escala de origen africano característica del estilo musical que le ha dado su
nombre.
Los estilos de fusión utilizan también escalas que provienen de otros tipos de músicas.
El flamenco-pop usa escalas andaluzas, el folk-rock utiliza el modo mixolidio
característico de la música de Escocia e Irlanda, el Rai usa escalas norteafricanas etc.
Todo lo relativo al fraseo melódico lo trataremos en el siguiente apartado dedicado a la
forma musical.
5- La forma musical
La música derivada del pop y el rock suele usar un tipo particular de forma estrófica que
combina secciones vocales con otras puramente instrumentales.
Secciones vocales
Tienen dos secciones de este tipo: las estrofas y los estribillos. Estas se distinguen
claramente tanto por su función musical como narrativa.
• Las estrofas tienen una función fundamentalmente narrativa, en ellas avanza la
acción y el texto prevalece sobre la melodía. Muchas veces, a nivel melódico,
esta sección se reduce a un simple recitado.
• Los estribillos son aquellas secciones en las que se repite tanto la música como
el texto. En ellos la acción se detiene, en general el texto hace referencia a algún
aspecto significativo del carácter de la canción. La música, sin embargo, gana
importancia. Las frases musicales se hacen más amplias tanto en longitud con en
tesitura (usan más notas) y se hacen más pegadizas, ganando en interés musical.
Las estrofas y los estribillos se pueden alternar de distinta manera en diferentes
canciones (estrofa-estribillo, dos estrofas-estribillo…).
Secciones instrumentales
Suele haber también dos tipos de secciones instrumentales.
• Una introducción, normalmente corta en la que se plantea el
acompañamiento. En el rock, normalmente suele presentarse el riff del tema,
que es un motivo melódico que se repite a lo largo de todo el tema y que
suele estar presente el bajo. Esta introducción o alguna variante de la misma
se puede repetir varias veces a lo largo de la canción.
• Un solo, en el que un instrumento (normalmente una guitarra) elabora una
melodía principal improvisada o en estilo improvisado, sobre la base rítmica
y armónica de los demás instrumentos.
Los solos tienen más desarrollo en los estilos de rock que en el pop y derivan
de las complejas improvisaciones de los solos del blues.
6- La armonía
En principio las armonizaciones siguen con sencillez las pautas de la armonía clásica
presentes en la música europea desde el siglo XVII. Las progresiones de acordes son
sencillas y están siempre al servicio de clarificar el fraseo melódico. Esto unido a la casi
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ausencia de modulaciones hace que muchas canciones se armonicen tan sólo con tres o
cuatro acordes diferentes.
El blues y los estilos de rock más vinculados con él suelen usar acordes disonantes ya
que estos son más inestables. Gran parte del impulso rítmico especial del blues viene
dado por que introduce sistemáticamente alguna disonancia en cada acorde (usa acordes
de 7ª).
7- Los textos
Al tratarse de música vocal las canciones tienen que estar necesariamente vinculadas a
textos. El carácter de los textos es muy variable, estando en función de lo que cada
estilo musical quiere transmitir. Por tanto este es uno de los aspectos más variables de
estas músicas teniendo mucho que ver con la intención social de las mismas.
Dividiremos los tipos de letra en dos grandes tipos:
• Sin compromiso social: Dado el carácter comercial de estas músicas muchas de
ellas no pretenden ningún cambio social. La idea es hacer una música que no sea
ni crítica ni molesta con el funcionamiento del sistema sociopolítico imperante.
Este tipo de música, como en pop, la música disco o el rock comercial tratarán
por tanto temas neutros. El más utilizado es el amor tratado con enfoques más o
menos sentimentales y románticos, ya que es una de las grandes preocupaciones
de la juventud de todas las épocas. También abundan temas frívolos y
desenfadados que incitan a la diversión o a vivir la vida sin preocupaciones.
• Socialmente comprometidas: Otro de los eternos motivos juveniles es el de la
rebeldía, y la música ha sido siempre un buen medio para expresarla. Esta puede
ir desde una simple petición de libertad o autonomía personal a exigir cambios
sociales profundos o propuestas políticas revolucionarias.
La mayor parte de estos estilos musicales expresan la rebeldía desde la
provocación. Para ello usan palabras fuertes o malsonantes. También tratan
temas tabú (inaceptables desde las convenciones sociales) como el sexo, las
drogas, el nazismo, el satanismo, apologías del asesinato, insultos blasfemos etc.
Las puestas en escena y hasta la forma de vestir de músicos y seguidores
también busca frecuentemente distinguirse de lo socialmente aceptado y
provocar.
Otros estilos combinan su carácter provocador (o lo sustituyen) con críticas
sociales más o menos razonadas y propuestas de cambio. Entre estos
encontramos el punk y la canción protesta generada por el movimiento hippie.
Gran parte de los grupos musicales e incluso muchos de los estilos experimentan una
evolución desde posiciones socialmente críticas hacia otras más conformistas. Esto
viene dado por la presión que sobre ellos ejercen las casas discográficas. El proceso
suele ser siempre el mismo. Cuando el grupo comienza a tener renombre firma un
contrato con una discográfica que le lanza hacia el éxito comercial. Por no perder ese
éxito y los beneficios económicos que conlleva el grupo cede al tratamiento de música y
textos que le imponen los intereses comerciales de la discográfica con la que firmó.
De esta forma las casas discográficas han llegado a controlar el rumbo de estilos
musicales enteros como el rock & roll de los ’50.
Otros intérpretes, tienen su éxito creado desde el principio por las casas discográficas.
Esto es espacialmente común en el pop romántico y electrónico.
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EL BLUES
1- Contexto social
Aparece a finales del SXIX, junto con un grupo de estilos musicales muy relacionados
en el seno de la comunidad negra estadounidense.
Estas comunidades eran especialmente importantes en el sur del país, donde fueron
llevados desde el occidente africano, para trabajar como esclavos en los grandes
latifundios agrarios.
Tras la guerra civil norteamericana se suprime la esclavitud pero las condiciones
laborales siguieron siendo miserables para ellos. En los estados del sur, donde surge el
blues incluso se siguen manteniendo las leyes segregacionistas. Por ello pese a su
libertad nominal sus condiciones de vida no cambiaron demasiado.
El blues nace como medio de expresión de esa gente. Sus textos tratan temas de
marginación, alcohol, cárceles, prostitución… El carácter general de esta música es
lento y melancólico. La propia palabra blues en dialecto americano significa tristeza.
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Orígenes del blues
Musicalmente el blues fusiona dos tipos de músicas muy diferentes pero
complementarias
• La música africana:
Llevada a América por los esclavos procedentes en su inmensa mayoría de las
culturas Congo y Yoruba de África occidental.
Es fundamentalmente rítmica. Casi todos sus instrumentos son de percusión. En
ella siempre está presente la improvisación, las melodías están formadas por
pequeños motivos que se repiten y varían constantemente. Usa frecuentemente
polirritmos. Uso de escala de blues
• La música de origen europeo:
Proviene sobre todo de Irlanda y Escocia. Debido a la migración masiva hacia
América de gentes procedentes de esos países.
Es fundamentalmente melódica, las melodías son amplias y bien estructuradas.
En general se usan formas estróficas para las canciones y formas de danza para
la música instrumental. Tiene una armonía compleja al servicio de acompañar y
embellecer las melodías.
Esta música llegó a América de la mano de los colonizadores europeos y se
conservó sin muchos cambios en algunas zonas del continente. En otras
evolucionaron a partir de ella estilos propiamente norteamericanos. Los dos
estilos rurales norteamericanos, de origen europeo, que influyen en el blues son
el country y el bluegrass.
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3- La fusión entre la música europea y africana a en
América
En Norte América la cultura anglo-sajona dominante reprime todas las manifestaciones
culturales africanas. Particularmente la música que en África estaba muy vinculada
religiones paganas y animistas.
Por ello los esclavos y sus descendiente se ven obligados a hacer música europea, pero
introduciendo en ella concepciones musicales africanas. Sobre todo:
- La importancia del ritmo sobre los demás elementos musicales.
- Las síncopas, que derivan de los polirritmos.
- El gusto por la improvisación
Surgen así varios estilos de fusión afroamericanos:
a) El góspel o espirituales negros:
En la que se fusionan los elementos de origen africano vistos con música
religiosa europea. Sobre todo con los corales protestantes. Muchos vocalistas
negros de música funk, como Tina Turner iniciaron sus carreras musicales
como cantantes de góspel.
b) El jazz:
Este estilo es de procedencia urbana. Fusiona la música africana con música de
banda, muy popular en la cultura norteamericana. Por eso usan muchos
instrumentos de viento típicos de esta formación: saxo, clarinete trombones…
De todos los estilos afroamericanos es el que más ha desarrollado las técnicas de
improvisación. Tanto melódica como rítmica.
c) El ragtime:
Surge a partir de la música para piano de salón. En el SXIX se hicieron muy
populares en Europa pequeñas formas para piano que seguían esquemas
derivados de danzas como valses, polonesas etc., cuyo máximo exponente fue
Chopin. El ragtime mantiene esos esquemas, pero con un sentido rítmico de
origen típicamente africano. El compositor de ragtime más conocido es Scott
Joplin.
d) El blues:
Deriva de los estilos rurales norteamericanos (country y bluegrass) y es el estilo
que estamos viendo ya que es la génesis de todos los estilos de música moderna.
Todos estos estilos se influyen mutuamente ya que sus músicos tienen la misma
procedencia. De este modo encontramos características de cada uno de estos estilos en
los demás.
4- Características musicales
Como ya hemos visto la mayor parte de las características que comparten las músicas
modernas tienen su origen en el blues.
Instrumentación: utilización de guitarras acústicas y con el tiempo, eléctricas.
También aparecen frecuentemente otros instrumentos como armónicas, banjos o por
influencia de otros estilos afroamericanos, batería, piano e instrumentos de banda.
Voces: El uso de voces desgarradas, ligeramente guturales es muy característico del
blues así como del jazz. La emisión vocal busca un timbre especial que frecuentemente
recibe la denominación de “voz negra”.
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Ritmos: Utiliza preferentemente ritmos lentos en compases que siempre son de 4/4. El
impulso rítmico viene determinado por las síncopas, que establecen un conflicto rítmico
entre el bajo y la melodía a la manera de otros estilos afroamericanos.
Forma musical: formas estróficas con las características vistas en el apartado dedicado
a “características generales de las músicas modernas”
Melodías: Son sencillas en las estrofas complicándose en las secciones instrumentales
de los “solos” en las que se elaboran según las características de la música africana.
Se construyen sobre escalas de blues.
Armonía: Es el aspecto musical que más caracteriza a este estilo frente a otros.
Todo el plan armónico está basado en una secuencia de acordes fija que se repite cada
doce compases teniendo en cuenta que cada cuatro encaja una frase melódica.
Estos acordes son I- IV- I- V –IV- I en cada uno de los acordes se incluye una
disonancia que genera inestabilidad y potencia el movimiento rítmico. A esa disonancia
se le suele llamar “nota de blues”.
5- Evolución del blues
El blues parte de ser un estilo acústico y rural pasando a convertirse en otro eléctrico y
urbano de sonido mucho más moderno. Se considera que esto ocurre en dos etapas.
a) Blues rural: Surge en los pueblos del sur. Es totalmente acústico. Su
instrumento principal es la guitarra acústica. Musicalmente es muy sencillo,
pero contiene todos los elementos que tendrá el blues posterior y que ya
hemos visto en el apartado anterior.
b) El blues urbano: A partir de los años 30 empieza a haber una fuerte
emigración desde las zonas agrarias del sur a las ciudades Industriales del
norte (Chicago, Boston…) allí el sonido del blues cambia por dos motivos:
Recibe una importante influencia el jazz por lo que las improvisaciones se
hacen más complejas y se introducen instrumentos como el piano y la
batería.
Se desarrollan amplificaciones eléctricas para las guitarras y los bajos.
La diferencia más evidente entre los dos estilos está, por tanto en la instrumentación: la
batería y los instrumentos eléctricos pertenecen al blues urbano. Y será esta
instrumentación la que marque todo el desarrollo de la música moderna posterior
6- Intérpretes destacados
Dentro del blues rural se puede destacar a Robert Johnson que fue un famoso
guitarrista y cantante de quien se llegó a decir que había vendido su alma al diablo para
conseguir tocar mejor que nadie.
Su estilo influyó mucho en guitarristas posteriores como Jimmy Hendrix, Neil Young o
Erick Clapton, quien opina que es el mejor músico de blues que ha existido.Junto con
Blind Willie Johnson fue el gran maestro de la guitarra “slide”.
En el blues urbano destaca B.B. King, que es uno de los más grandes guitarristas de
todos los tiempos.
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7- El rithm & blues (R&B)
Es un subgénero derivado del bules que muchos consideran un estilo aparte. Consiste en
un blues acelerado por influencia del “boogie boogie” (un blues rápido para piano).
Tambien recibe la influencia creciente del jazz con largas secciones instrumentales
improvisadas.
Prácticamente todos los intérprete de blues hacen también R&B, destacando B.B. King.
Tambien son importantes dentro del estilo intérpretes de rock & roll como Chuck Berry
o de rock como Jimmy Hendrix.
EL ROCK & ROLL
1- Contexto social
El rock & roll es un tipo de blues acelerado que se pone de moda entre la juventud
blanca norteamericana de los años 50.
Desde 1946, tras la segunda guerra mundial, Estados Unidos se había erigido como
primera potencia mundial desde el punto de vista económico y militar, solo
contrarrestada en el mundo por la influencia soviética. Como consecuencia triunfan los
valores de la sociedad americana tradicional que eran muy conservadores a nivel
político, muy religiosos desde el punto de vista de la moral y clasistas y racistas desde el
punto de vista social.
A principios de los años 50 surge un movimiento juvenil entre la población blanca
crítico con los valores socialmente aceptados que ha pasado a la historia con el nombre
de “generación beat”.
Una de las formas de lucha contra esos valores fue la provocación. Un elemento muy
provocador en este contexto, fue el hecho de que jóvenes blancos escuchasen tocasen y
bailasen música que era considerada exclusiva de los negros. Esto atrajo a los miembros
de la generación beat hacia los sonidos del blues.
Comienzan a aparecer por lo tanto, grupos de blues formados íntegramente por jóvenes
blancos, pero entre este blues, que pasaría a llamarse rock n’ roll, y el de la comunidad
negra pronto aparecen también las diferencias.
La juventud blanca norteamericana no se enfrentaba en absoluto a los mismos
problemas sociales que los afroamericanos. Ellos vivían en una sociedad en crecimiento
económico donde todo invitaba al optimismo. Pese a su descontento con los valores
conservadores a los que hemos hecho referencia, no tenían ninguna intención de
rebelarse. Lejos de pensar en problemas futuros o sociedades más justas su interés
principal era divertirse mientras fuesen jóvenes e integrarse en el sistema cuando
dejasen de serlo. La sociedad les prometía una vida de casa con jardín, familia, dos
coches, trabajo en la oficina…Inevitablemente esto traería cambios en su música.
2- Orígenes
Las emisoras de radio americanas, tuvieron un papel esencial para el conocimiento del
blues y el rithm & blues por público blanco. Fue un locutor de uno de estos programas
llamado Allan Freed el primero que utilizó el término rock & roll, para referirse a este
estilo musical. Esta expresión, que tenía ciertas connotaciones sexuales, era ya de uso
frecuente en los textos de estas músicas
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3- Características musicales
Desde un punto de vista musical el rock n’roll es mantiene todas las características del
blues urbano, pero con un ritmo más acelerado, procedente del “boogie boogie”. Este
era un estilo de blues muy rápido que se interpretaba con piano y que influyó
decisivamente en los pianistas de rock n’ roll.
Gran parte de los temas de rock ‘n roll popularizados por los músicos blancos, eran en
realidad versiones de canciones de blues.
Dado que esta música iba dirigida a la juventud blanca (cuya situación social era tan
diferente de la que había originado en blues) el carácter general de esta música se hizo
mucho más frívolo. Se huye de la tristeza melancólica del blues y se decanta por los
ritmos bailables. Los sonidos son menos desgarrados y más nítidos, cosa que se aprecia
sobre todo en las voces, que ya no serán las típicas “voces negras” del blues. También
deja de usarse la guitarra “slide” que permite una mayor expresión emocional, pero
dificulta la velocidad.
Los textos pierden el componente de protesta y desesperación. Dejarán también los
temas típicos de marginación social. Se cambia el sentido de estos en las versiones de
temas de blues. Ahora preferirán frivolidades que reflejan un mundo sin problemas
aparentes centrado en la búsqueda de diversión. Muchos textos no tendrán sentido en
absoluto, usándose tan solo como soporte de la canción. Como ejemplo podríamos
poner la canción de Little Richard “Aunam ba baluba Balam bam bu, tutti fruti oh
yeah...”
Dado que el rock n’ roll se dirige al la población blanca, acostumbrada a la música
melódica también introduce desde sus inicios el uso de baladas. En ellas predominan los
elementos melódicos en la línea de la música ligera de la tradición europea.
2- Desarrollo del rock n’ roll
El escándalo que supuso que la juventud blanca interpretase este estilo de música, y la
presión que las autoridades pusieron en su contra, fue precisamente lo que hizo que
resultase atractivo a un número cada vez mayor de personas. Esto hizo que acabase por
ponerse de moda y convertirse en un fenómeno de masas.
El éxito del rock n’ roll hizo que en pocos años comenzase a sufrir la presión de una
influencia extramusical: la de las casas discográficas.
Las casas discográficas eran compañías comerciales que poco tiempo atrás habían
comenzado el negocio de la grabación y distribución al gran público de música en
formato de disco. Dado el interés suscitado por este nuevo estilo se lanzaron a la venta
masiva de discos de rock n’ roll aprecios asequibles, pero manteniendo amplios
márgenes de ganancia. Para publicitarlas utilizaron las emisoras de radio mediante un
sistema denominado “radio fórmula”. Consistía en la creación de emisoras dedicadas en
exclusiva al rock ‘n roll, en las que se elaboraba una lista de éxitos. Los primeros
puestos de la lista promocionaban radiándolos más veces. En España la primera radio de
este tipo fue “Los 40 principales”.
Estas compañías comerciales acaban situándose como intermediarios entre los músicos
y el público, decidiendo a través de las emisoras de radio quien debe tener éxito y quien
no.
La música se ve así manipulada por el interés de los mercados siendo este el primer
estilo de música comercial de la historia.
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3- El rock and roll negro
Paralelamente al desarrollo del rock & roll entre la juventud blanca, surge una variante
de este estilo entre los afroamericanos, más conectado con las raíces del blues.
La mayor parte de las veces el rithm & blues y el rock n’ roll negro solo se diferencian
en el nombre.
Las letras siguen tratando los temas marginales del blues y el sonido es más ácido y
agresivo. Muchos de los grandes éxitos del rock & roll blanco fueron compuestos
originalmente por músicos negros que le daban un sonido más duro.
Este estilo estilo servirá de modelo para la creación de un nuevo rock en la década de
los 60.
4- Algunos intérpretes destacados
Los representantes más destacados de este estilo fueron Elvis Presly, Jerry Lee Lewis,
Carl Perkins y Richie Valens.
Elvis fue proclamado en los 50 como el rey del rock & roll, aunque muchos de sus
temas no eran originales. Las discográficas lo encumbraron apoyándose en su aspecto
físico y sus movimientos en el escenario. Fue el primer gran éxito musical basado sobre
todo en la imagen.
Jerry Lee fue un pianista de rock que tocaba de un modo muy percusivo y salvaje, con
clusters hechos con el pie o incluso con el muslo. Adoptó una actitud poco convencional
y provocativa y se postuló como el heredero de Elvis.
Carl Perkins introdujo en el rock n’ roll una fuerte influencia de una variante de la
música country denominada “hillibilly”, y que se caracteriza por sus tiempos rápidos.
De este modo originó un subgénero del rock llamado rocabilly.
Richie Valens fue un rockero californiano de origen mexicano. Fue el primero en
componer canciones de rock en castellano abriendo el estilo a otras culturas y minorías
raciales en estados unidos.
Los representantes más importantes de la versión “negra” del rock n’ roll fueron Chuck
Berry y Little Richard.
Chuck Berry es uno de los más influyentes compositores, intérpretes y guitarristas de
rock n’ roll de la historia. Comenzó como intérprete de blues desde su adolescencia
hasta los años ’50 donde cambió al rock debido al éxito que estaba teniendo ese estilo.
Su música llegó a ser tan famosa que iba a los conciertos sólo con su guitarra,
encontrando siempre una banda local que conocía su música con la que podía tocar. A
nivel musical es sin duda, la figura más importante de este estilo. Se dice que si hubiese
que dar otro nombre al rock n’ roll podría llamarse Chuck Berry. Muchos lo consideran
el verdadero inventor del estilo, y prácticamente todos los intérpretes destacados de su
época y muchos de los posteriores versionaron algún tema de Chuck Berry. Angus
Young suele citarle como su mayor influencia adoptando también algunos de sus gestos
en el escenario como el famoso “paso del pato”.
Little Richard también hizo rithm & blues antes que rock. Su aportación más
importante fue la introducción de la influencia del góspel estilo en el que se educó
musicalmente desde la infancia.
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MÚSICA LATINA
1- Orígenes
A partir de los años 90 la música latina ha sido un sonido habitual en el panorama de las
músicas modernas.
Ésta es el resultado de la fusión de la música europea y africana fundamentalmente en la
zona del Caribe.
Respecto a cómo se produjo la fusión hay dos diferencias fundamentales con el blues:
- Los colonizadores europeos proceden de la Península Ibérica. Por tanto el
componente musical Europeo procede de ahí. Eso se nota en el uso de escalas
andaluzas e instrumentos derivados de la guitarra ( tres, guitarra criolla …)
- El peso de la música africana es mucho mayor que es el blues ya que, por
diversos motivos los africanos pudieron expresar mejor sus manifestaciones
culturales en América latina. Eso se nota en el uso de ritmos e instrumentos
africanos (tambores batá, congas, maracas…)
El territorio más influyente en la formación de la música latina, tal como hoy la
conocemos fue Cuba.
2- Desarrollo
• El son
El primero, y más influyente de los estilos de fusión entre música europea y africana en
Cuba fue el son. En él se combinan instrumentos y técnicas de África y España. Al ser
un estilo de origen rural (guajiro) usa exclusivamente instrumentos acústicos.
Uno de sus principales representantes fue Compay Segundo.
• La salsa
Tras la revolución Cubana los músicos que emigraron a Miami desarrollaron un nuevo
estilo que se llamó salsa. La salsa surge del contacto del son con el rock, el jazz y otras
músicas norteamericanas. Usa por tanto los instrumentos típicos del son, pero las
guitarras suelen ser eléctricas. Además introduce piano contrabajo (o bajo eléctrico) e
instrumentos de viento metal como trompeta o trombón.
Simplificando, podría definirse la salsa como un son con instrumentos eléctricos y
batería. Se desarrolla así un sonido más moderno y comercial enfocado al mercado
americano.
Gloria Estefan o Celia Cruz son sus representantes más destacados en Miami. En Cuba
también se hará salsa pero estará siempre más vinculada al son. Una de sus intérpretes
más conocidas es Celina González.
• Otros estilos de fusión afroamericanos en el Caribe
Cada región del Caribe iberoamericano produjo sus ritmos particulares resultado de esta
fusión:
- En la República Dominicana surge el merengue, que usa el acordeón como
instrumento característico de origen europeo.
- En el Caribe colombiano el vallenato, también con acordeón e instrumentos
africanos.
- En Panamá y Colombia y Venezuela la cumbia.
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En Trinidad y Tobago el calipso.
En Brasil la samba.
La música latina
La salsa vuelve a Cuba y al resto del caribe influyendo a su vez en los demás estilos de
fusión tradicionales que hemos visto.
Hoy en día todos esos sonidos se han fusionado en una variante de pop comercial que se
conoce como “música latina”. Está representado por gente como Baute, Chayanne
Shakira etc., siendo uno de los estilos de pop más populares en los países de habla
hispana.
CRISIS DEL ROCK AND ROLL Y MOVIMIENTO
HIPPIE: LA CANCIÓN PROTESTA
1- Crisis del rock n’ roll
A finales de los años 50 el rock & roll entra en una fuerte crisis que lo lleva a su total
decadencia. Esta crisis se da por varios motivos:
• Pérdida del componente de protesta: Las casas discográficas habían conseguido
que este sonido fuera plenamente aceptado por el conjunto de la sociedad,
convirtiéndolo incluso en uno de los estilos de música norteamericana más
característicos.
• Desaparición de muchos de sus ídolos: Muchos de los músicos lanzados como
ídolos salen de la escena pública por diversas circunstancias. Alguno muere en
accidentes (R. Valens), otros protagonizan escándalos inasumibles por la
sociedad de la época (J. L, Lewis), y muchos caen en el mundo de las drogas y
el alcohol (Elvis).
• Agotamiento del estilo: El uso y abuso de los recursos musicales el rock & roll,
que eran de por sí bastante limitados, hacen que este sonido provoque cansancio
en oyentes predispuestos a recibir novedades musicales.
2- Movimiento hippie
Paralelamente a finales de los años 50 la situación política internacional se complica
generando un fuerte sentimiento de descontento en parte de la sociedad norteamericana
que arraiga especialmente en la juventud.
Por un lado se manifiestan tensiones graves entre USA y la URSS, en el contexto de la
llamada guerra fría, que amenazaban con provocar una tercera guerra mundial.
Además se agrava la crisis provocada por la guerra de Vietnam iniciada por motivos
geopolíticos difíciles de comprender por la población. Esta guerra además de tener un
enorme costo económico y humano, estaba suponiendo una humillante derrota al
ejército norteamericano.
Se genera, en consecuencia, un fuerte movimiento de protesta en contra de a las guerras
que se articula en torno al movimiento hippie.
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Ideología hippie
Los hippies nunca se organizaron como una organización, ni escribieron tratados sobre
su doctrina. Era un movimiento que daba a sus miembros total libertad de pensamiento
y acción. No había más líderes que los que surgían en un momento determinado para
una causa concreta, y nadie les debía ningún tipo de obediencia ya que no se acataban
jerarquías.
No obstante este movimiento tenía tres líneas ideológicas fundamentales, con las que
todos podían identificarse de alguna manera:
- La paz: Entendida como una forma de relación entre las personas a todos los
niveles. Es la ideología de la no violencia que debe regir las relaciones no solo
entre las naciones, sino también entre los grupos e individuos. El pacifismo es su
característica fundamental.
- La libertad: Entendida también desde un punto de vista individual. De nada sirve
que las naciones sean libres si no lo son las personas que viven en ellas. La
libertad individual, es la capacidad de las personas de hacer lo que les dé la gana
con el único límite de respetar la libertad de los demás. No se aceptan, por lo
tanto normas morales impuestas por el estado, la iglesia o las costumbres
sociales. Esta libertad se aplica a todos los aspectos de la vida y se manifiesta en
la forma de vestir (cada uno viste como quiere), el sexo (cada uno se acuesta con
quien quiere), la droga (cada uno “se mete” lo que quiere), la religión (cada uno
cree lo que quiere), o la relación con el estado (cada uno acepta las normas que
quiere).
- La naturaleza: El movimiento hippies proviene del mundo urbano. Creen que los
problemas más graves de nuestra sociedad provienen de la deshumanización que
genera este mundo urbano e industrial. Creen que es necesaria una mayor
relación con la naturaleza, para establecer así relaciones más naturales entre las
personas. Creen que la vida moderna genera una agresión insostenible a la
naturaleza. En contraste con esta actitud plantean una visión idealizada de las
culturas indígenas que supuestamente están en perfecto equilibrio con su medio
ambiente y son depositarias de una sabiduría ancestral (indios americanos,
aborígenes australianos…). El movimiento hippie es el germen muchos de los
movimientos ecologistas actuales.
La ideología hippie fue un autentico fenómeno social en los años 60 y 70. En los
ochenta había desaparecido como tal, pero su influencia ha llegado con fuerza hasta
nuestros días en el contexto de la cultura de la protesta y la vida alternativa.
Los hippies y la música.
Los hippies buscan fundamentalmente dos cosas en la música:
- Que tengan capacidad para expresar sus mensajes de protesta.
- Que rompa con los sonidos comerciales y modernos del rock and roll. Dado su
interés por la naturaleza y el mundo rural buscarán sus nuevos sonidos en el
folk y la música tradicional. En estos estilos encontrarán nuevos elementos para
su lenguaje sonoro.
Esos nuevos elementos son fundamentalmente dos:
- La melodía: que gana importancia frente a lo rítmico del rock and roll.
- Sonidos acústicos: frente a los instrumentos eléctricos y la batería que
caracterizaban la sonoridad del rock.
La base de su creación musical será la “balada americana”. En el mundo de habla
inglesa la palabra balada (ballad) designa a un estilo de canción en la que lo que importa
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es la transmisión de un mensaje, generalmente de carácter narrativo. La melodía (a
veces ni si quiera se puede hablar de tal) es muy sencilla y repetitiva, reduciéndose
normalmente a un par de frases musicales. Este estilo musical arraigó en la América
rural estando también extendido por toda Europa. Es un equivalente de lo que en
Cantabria llamamos trovas.
3- La canción protesta o canción de autor
Con estos términos se denomina a la música que surge entorno al movimiento hippie y
que toma como base las baladas más melódicas de la música tradicional norteamericana.
En principio mantiene un sonido acústico que usa la guitarra como acompañamiento de
la voz. Su objetivo principal es reflejar los aspectos más importantes de su ideología.
- Los que hacen este tipo música reciben el nombre de cantautores.
Poco a poco esta música experimenta un proceso de cambio en su sonido por el que se
van introduciendo instrumentos típicos el rock & roll. Fundamentalmente la batería, el
bajo eléctrico para los acompañamientos rítmicos.
Dentro de la canción protesta norteamericana destacan nombres como Bob Dylan, Joan
Baez, Cat Stevens, Simon & Garfunkel L Cohen….
A medida que el movimiento hippie iba perdiendo vitalidad fue cambiando también el
sentido de los textos, centrándose más en la calidad poética que en el contenido de los
mensajes
Expansión de la canción protesta.
• En Europa:
La situación sociopolítica europea era semejante a la estado-unidense, con lo que los
motivos de protesta social también eran parecidos. Por eso la ideología hippie llega
rápidamente a Europa.
- Gran Bretaña:
Por motivos lingüísticos, el país a donde primero llega esta influencia es Gran Bretaña.
Allí se escucha directamente la música de los cantautores norteamericanos y surgen
otros como Donovan o Dick Gaugham. Este último tiene una fuerte influencia de la
balada escocesa.
- Francia:
En Francia la canción protesta llega en el contexto de las revueltas estudiantiles que
culminan en Mayo del 68. Por eso sus mensajes tienen un sentido más político que el
de los hippies norteamericanos.
Su música también está menos influenciada por la balada norteamericana.
El más importante de los cantautores franceses fue Jacques Brell.
- España:
España durante los años 60 está marcada por una situación política diferente respecto al
resto de Europa. Nuestro país estaba gobernado por un régimen dictatorial a cuya
cabeza estaba Francisco Franco. No había elecciones ni parlamentos democráticos, y los
cargos políticos y judiciales de todas las instituciones del país eran designados
directamente por el gobierno. Tampoco había libertad de expresión así que, todas las
críticas al sistema, entre las que se incluían las que planteaba la canción protesta, no
pudieron desarrollarse hasta la muerte de Franco en 1975.
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Su desarrollo, a partir de esta fecha, está relacionado con la petición social de cambio de
régimen político y la instauración de una constitución democrática.
Otra característica propia del desarrollo de la canción protesta en España es la aparición
de cantautores que cantaban en lenguas distintas del castellano. Las dificultades para
usarlas durante el régimen franquista las convirtieron por sí mismas en un signo de
protesta.
Aparecen así cantautores que utilizan el catalán como Raimon, Serrat y, sobre todo
Lluis LLach. El eusquera como Imanol o Urko. El gallego como Emilio Cao.
Algunos de los cantautores en castellano más famosos fueron, Joaquín Sabina, Paco
Ibáñez, Aute, Joan Manuel Serrat (que también cantaba en catalán), o Labordeta.
- Portugal:
Portugal vivía una situación política semejante al a de España con el régimen de
Salazar. Allí los cantautores también contribuyeron a su manera, en el cambio político
de su transición democrática. Esta se produjo en 1974 con el levantamiento militar
conocido como “la revolución de los claveles”. El cantautor portugués más significativo
fue José Afonso.
• En Latino América
La canción protesta en Hispano América resulta muy influyente en España, debido a
que está cantada en castellano. Son especialmente importantes los cantautores que
surgen en Chile antes del régimen de Pinochet. Entre ellos destacan Víctor Jara y
Violeta Parra.
- La nueva trova cubana:
Un caso particular fue Cuba. Allí en el año ‘59 hubo una revolución liderada por Fidel
Castro. Pretendía echar del poder al dictador Batista y nacionalizar la producción
agraria cubana que estaba en manos de empresas norteamericanas. Tras su triunfo,
instauró en el poder un gobierno que se alió con los soviéticos, como apoyo frente a la
amenaza que para él suponían los norteamericanos.
Este régimen también de carácter dictatorial, promovió un tipo particular de canción
protesta con el objetivo de expandir la ideología revolucionaria por los países de habla
hispana.
A este estilo se le llamó nueva trova cubana y sus principales representantes son Pablo
Milanés y Silvio Rodríguez.
LA MÚSICA FOLK
Hay varios usos posibles para la palabra folk. En la lengua inglesa se usa para definir
tanto a la música tradicional como a los derivados de esta, y en ese sentido aparece en
ocasiones también en castellano. Habitualmente, sin embargo, para referirnos a
cualquier aspecto de la cultura rural tradicional suele usarse el término “folclore”,
reservándose el término folk para un estilo musical surgido en el SXX.
La música folk puede definirse como la combinación de melodías tradicionales hechas
con instrumentos tradicionales con una sección de acompañamiento rítmico y armónico
hecha con instrumentos de cuerda pulsada del tipo de la guitarra.
Estos acompañamientos se basan en los desarrollados previamente en otros estilos muy
difundidos durante el SXX como el blues, el bluegrass, la canción protesta etc. que usan
la guitarra acústica para sus acompañamientos.
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Con los acompañamientos de cuerda esta música adquiere un impulso rítmico especial
que adapta una música de origen rural y tradicional a un público urbano moderno que ya
estaba acostumbrado a los estilos más rítmicos de rock y pop.
Orígenes y expansión del folk.
El folk, tal y como hoy lo conocemos tiene su origen en Irlanda en la segunda mitad de
los años 60. Sus inicios parten del importante desarrollo que había cobrado el estudio de
la música tradicional irlandesa en las décadas posteriores a la independencia de este país
(1937). Los primeros grupos importantes que comienzan a combinar música tradicional
con acompañamientos de guitarras son Planxty y The Bohty Band. Y el principal
exponente del desarrollo de estas técnicas fue Donald Lunny, que tocaba en ambos
grupos. Tras ellos siguen su ejemplo multitud de grupos que exploran estas técnicas de
acompañamiento sin modificarlas en lo sustancial.
El sonido del folk irlandés se expande rápidamente hacia Escocia, país con el que
Irlanda mantiene una especial relación cultural que se refleja, entre otras cosas, en el
gran parecido de sus músicas tradicionales. En Escocia aparecen grupos que siguen las
pautas de los acompañamientos irlandeses, pero que imprimen un impulso mayor a su
música gracias en parte, al uso de las gaitas escocesas que obliga al uso de
acompañamientos de guitarra más potentes además de la amplificación de los demás
instrumentos para compensar las diferencias de volumen de sonido.
Los grupos escoceses más destacados en esta etapa de formación fueron Silly Wizard y,
sobre todo, The Tannahill Weavers.
La vinculación histórica de estos dos países con el mundo celta derivó en la equívoca
denominación de música celta que se aplicó a este sonido que mezclaba tradición y
modernidad. Quizá esto provocó que las técnicas de acompañamiento del folk se
extendiesen en los años 70 y 80 por otras regiones europeas que también se vinculaban
histórica, cultural o sentimentalmente con el mundo celta.
El lugar donde este sonido arraiga con más fuerza es Bretaña, región que conserva el
uso de una lengua celta en sus áreas rurales más remotas, aunque su música tradicional
no guarde un estrecho parecido con la irlandesa. Allí se produce un proceso de
adaptación para poder aplicar las técnicas originadas en Irlanda a su propia música
tradicional.
El folk en España
Como cabría esperar el folk arraiga en primer lugar en el norte de la península ibérica
imitando los modelos vistos anteriormente. Los primeros que consiguen adaptar con
cierto éxito sus sonidos tradicionales a las técnicas del folk fueron los gallegos
Milladoiro. En Galicia existe una importante tradición de música instrumental de danza
asociada a la gaita que se presta fácilmente al tratamiento folk. En Asturias ocurre lo
mismo. Los grupos asturianos siguen más estrechamente el modelo rítmicamente más
potente del folk escocés, con lo que consiguen un sonido característico que aún sigue
siendo el principal exponente del folk en España. De entre los grupos que desarrollan
este sonido en Asturias destacan Llan de Cubel y Felpeyu.
En Cantabria el desarrollo del folk se remonta a los años 80 con el trabajo inicial de
músicos como Alfonso García-Oliva que será decisivo en el desarrollo posterior de
grupos como Kentaber o Luétiga. Estos últimos se entregan a la labor de la creación de
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un folk cántabro en el estilo internacional de lo que ya se conocía popularmente como
“música celta”.
El apoyo que Luétiga supo buscar entre las instituciones políticas y económicas de
nuestra región asentó su hegemonía musical durante décadas, convirtiéndose, junto con
Atlántica, en el grupo de referencia del folk cántabro hasta el inicio del nuevo siglo.
Desde entonces han aparecido con fuerza grupos como Naheba o Cahórnega que siguen
de cerca modelos asturianos.
En el resto de España ha habido un desarrollo menor de este sonido. En el País Vasco el
estudio y adaptación a los gustos urbanos del sonido tradicional ha buscado
conscientemente desmarcarse del sonido celta para remarcar su sentimiento de
individualidad cultural. En el sur la vitalidad del flamenco no sólo ha impedido el
desarrollo del folk, sino que ha sido un obstáculo para el conocimiento de cualquier
manifestación musical tradicional que no sea flamenco. En Aragón y Cataluña este
proceso han estado más vinculados a los del sur de Francia y la rehabilitación de la
música occitana que al sonido folk que se ha buscado en el norte. Sí han surgido sin
embargo algunos grupos que han tomado como modelo el folk irlandés para el
tratamiento de melodías tradicionales de Castilla y de León. Destaca en este sentido el
grupo madrileño La Musgaña o, más recientemente los vallisoletanos Vallarna.
El folk-rock.
Musicalmente podría definirse como un estilo en el que se combinan melodías e
instrumentos tradicionales con técnicas de acompañamiento y secciones melódicas
propias del pop-rock. Surge pues como una fusión entre el folk y el rock y constituye un
paso más en la adaptación de sonidos de raíz tradicional al gusto musical urbano,
dominado por los sonidos eléctricos y la presencia constante de la batería.
Suele considerarse al grupo escocés “Five hand reel” como el iniciador de esta
corriente. Estos presentaban melodías tradicionales con instrumentos tradicionales, que
acompañaban en el estilo del rock con la línea del bajo eléctrico y la batería.
Ocasionalmente una guitarra eléctrica tomaba el papel melódico principal. En esta línea
se mantenían los irlandeses “The pogues”.
Posteriormente surgió otro tipo de grupos en los que se alternan amplias secciones
vocales puramente pop-rock con otras instrumentales que usan melodías folk,
normalmente irlandesas, con independencia del origen de procedencia del grupo. Esas
partes instrumentales se limitan a substituir el papel de los solos, e introducciones
instrumentales del rock. En esta línea se enmarcan grupos como los irlandeses “The
Corrs”, o los españoles “Celtas cortos” o “Mago de Oz”, que se mueven entre el pop de
los primeros al rock más convencional de los segundos o el heavy metal de los últimos.
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LA MÚSICA TRADICIONAL DE CANTABRIA
Introducción
La música, como producto social, está estrechamente vinculada al conjunto cultural de
la sociedad que la produce. En todo el mundo la música tradicional ha sido producida
por los modos de vida tradicionales y depende de estos para su existencia como algo
más que un objeto de museo. La música en estas sociedades tiene, en su mayor parte un
sentido utilitario. Está asociada a actividades concretas no pudiendo separarse estas de
la música que les es propia. Por eso la desaparición de ciertos usos tradicionales
conllevaría necesariamente a la desaparición de la música que llevan vinculados.
La sociedad Europa en general y la Cántabra en particular, ha experimentado en los
últimos tiempos un cambio radical en sus estilos de vida. Esta ha pasado en poco tiempo
de ser rural y agraria de forma mayoritaria a ser fundamentalmente urbana con una
población dedicada sobre todo a la industria y los servicios.
Por otro lado la actividad agrícola y ganadera que aún permanece se ha transformado
radicalmente. La agricultura tradicional buscaba la autosuficiencia dirigiéndose al
mercado solo productos excedentarios que se producían de forma no muy regular.
Desde los años 50 y 60 la agricultura comenzó a orientarse principalmente al mercado,
centrando la producción en lo que mejor se vendía y obteniendo el resto de productos
necesarios para subsistir mediante la compra. Eso favoreció en Cantabria la industria
lechera, potenciando el desarrollo de una economía rural que giraba en torno a la vaca
pinta en detrimento de otras actividades agrarias tradicionales. Tras los años setenta la
mecanización de las labores el campo dio un paso más en la desaparición o
marginalización de muchas labores tradicionales. Recientemente la desastrosa gestión
de nuestra administración unido a la crisis de la producción lechera por problemas de
mercado, amenaza con dar el golpe definitivo a la actividad agraria concebida como
empresa familiar.
Esto ha hecho que lo que aún queda de la vida tradicional aparezca disperso,
generalmente en las zonas peor comunicadas y sea minusvalorado al ser considerado en
general como poco rentable e incluso antieconómico.
A esta crisis del mundo tradicional se le suma una crisis de valores de carácter social.
Desde las zonas urbanas (no necesariamente ciudades) e incluso desde ciertos sectores
del mundo rural, se considera el modo de vida tradicional como algo atrasado producto
de un modo de vida más duro e incluso más inculto e ignorante, al no considerar como
cultura y conocimiento lo mucho que había que saber para prosperar en comunidades
que tendían a la autosuficiencia.
El estado de conservación de la música tradicional es, en consecuencia, irregular y
fragmentario. Algunas prácticas están en grave peligro y otras han desaparecido por
completo, mientras que otras gozan aún de cierta vitalidad. Estas diferencias están
lógicamente relacionadas con el grado de conservación de las actividades a las que
acompañan.
Recientemente los dos factores que han potenciado el desarrolla del folk también han
ayudado a una cierta revalorización de el estudio y conservación de la cultura rural: Por
un lado las ideas neohippies que ven en este mundo una vía de escape de los problemas
que genera en mundo urbano. Por otro las ideas nacionalistas y regionalistas que buscan
las diferencias entre los pueblos basándose en aspectos, muchas veces manipulados, de
la cultura tradicional. Un factor que parte esta vez desde el mundo rural, viene a
sumarse a estos dos: Algunos jóvenes procedentes de ese medio se identifican
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fuertemente con distintos aspectos de la vida tradicional reaccionando contra quienes
los menosprecian y promoviendo con orgullo su conservación.
El repertorio:
Como hemos visto la mayor parte del repertorio musical tradicional está vinculado a
actividades concretas en las que a menudo la música es un elemento imprescindible
pero secundario. Por ello muchas partes de este repertorio son, desde el punto de vista
musical extremadamente sencillas.
Los etnomusicólogos han dividido el repertorio en los siguientes tipos musicales:
1. Cantos petitórios:
Son cantos asociados a la celebración de ciertas fiestas. Era común que la víspera de
la fiesta correspondiente, un grupo de jóvenes (normalmente hombres), saliesen a
pedir comida, bebida y dinero para festejar. Estas peticiones se hacían siempre
cantando. Las melodías asociadas son sencillas y monótonas, ciñéndose a formas
estróficas con un par de frases musicales que se repiten de principio a fin. Los
textos hacen alusión a la festividad que se celebra tanto como a lo que se pide para
celebrarla.
A día siguiente de las peticiones se organizaba la fiesta en la que se consumían los
donativos recibidos ya con los mozos y las mozas juntos.
Había muchas ocasiones en las que se hacía esto:
• Las marzas
Son los cantos petitorios más famosos y mejor conservados. Se cantan la
víspera del 1 de marzo. Tienen su origen en festividades paganas que
celebran la llegada de la primavera y el inicio de la actividad vegetal. Su
importancia era tan grande que esta fecha coincidía con el inicio del año
antiguo. Hay muchos textos y músicas asociadas a las marzas pero siempre
mantienes las características típicas generales de los cantos petitorios.
• Las mayas
Son una variante particular de canto petitorio. También son festejos
relacionados con la primavera que celebrar la actividad vegetal. Por tanto su
origen arraiga también en festividades precristianas.
Se cantan la víspera del uno de mayo y tienen dos modalidades.
- La maya árbol: Es la más extendida y mejor conservada. En algunos
pueblos del valle de Iguña y la zona oriental de Asturias se ha
mantenido hasta fechas muy recientes. Los mozos bajan un buen
árbol del monte y lo colocan erguido el una plaza del pueblo. En
torno a él, a la salida de misa, las mujeres cantan canciones
petitorias, tras lo cual se subasta el tronco y se celebra una fiesta con
lo obtenido.
- La maya dama: se elegía a una joven del pueblo que destacase por su
belleza. Esta se colocaba en una plaza y los jóvenes cantaban a su
alrededor mientras la adornaba con flores. Tras ello la chica pedía
dinero o provisiones para celebrar la fiesta entre todos.
• Reyes
El 5 de enero (víspera de reyes) los niños solían salir a pedir el aguinaldo
mediante este tipo de cantos.
• Pascua de resurrección
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En muchos pueblos las mozas salían a recaudar cantando la víspera de
pascua para entregar lo obtenido a la iglesia.
• Bodas
También se usaba como sistema para recaudar para las celebraciones de
bodas.
• Natas
En Campoo solían reunirse grupos de mozos para pedir los calostros de
vacas recién paridas.
2. Trovas y romances
Son estilos musicales cuya función es más narrativa que musical. Lo importante
aquí es la narración de una historia de forma poética.
Las melodías son muy sencillas, como en el caso de los cantos petitorios suelen
reducirse a dos frases que se repiten a lo largo de toda la composición.
Recientemente es habitual en las trovas que los textos no sean cantados, si no
declamados, con la inclusión de alguna tonada a lo largo de la composición.
Los textos se estructuran en octosílabos con rima asonante en los versos pares.
Trovas y romances se diferencian en el contenido de sus textos. Las trovas tratan
temas cotidianos de la vida del pueblo pueden ser acontecimientos, anécdotas,
sátiras… Los romances tratan acontecimientos históricos más o menos legendarios,
funcionando como la memoria histórica del pueblo en un momento en el que no
había un sistema educativo como el actual.
3. Tonadas
La tonada es un estilo musical no vinculado a ninguna actividad concreta. Su
función es exclusivamente musical y estética. Por eso su estado de conservación es
mucho mejor.
Aquí lo que importa es la expresión melódica. Las frases musicales son amplias
tanto por su longitud como por su tesitura. Los tiempos son lentos y las notas se
adornan con vibratos y melismas. El ritmo es libre, los tiempos se flexibilizan con el
fin de no encasillar el fluir melódico.
Los textos son, en ellas, secundarios. Normalmente carecen de coherencia interna.
Cada estrofa trata un tema diferente sin conexión con la anterior.
Este repertorio también está presente en el norte de castilla y es muy semejante a la
canción asturiana o “asturianada”.
4. Canciones de trabajo
Es música asociada a trabajos agrarios tradicionales. Debido a la profunda
transformación o incluso desaparición de la mayoría de estos son los que peor han
sobrevivido. Había canciones para moler, para segar, para deshojar el maíz, para
sayar, para remar etc.
De todas ella las mejor conservadas son las de siega.
5. La música para bailar
En casi todas las tradiciones musicales del mundo hay dos concepciones diferentes
del baile: Como simple diversión y encuentro social o como ritual.
En Cantabria también nos encontramos con esto:
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• Bailes como diversión:
En Cantabria suelen ser bailes sueltos y de pareja. Se interpretaban en
verbenas y romerías los días de fiesta, aunque también podían usarse en
otros contextos formado parte, como veremos, del repertorio de rabel de
Polaciones.
Como es normal en muchas otras tradiciones musicales usan dos tipos de
ritmos:
- La jota, jota a lo pesao o a lo bajo utiliza ritmos ternarios.
- La mudá, jota a lo ligero o a lo alto utiliza ritmos binarios.
Es normal ejecutarlas en forma de pares de danza bailando primero la jota y
después la mudá.
Las jotas también pueden bailarse, en este contexto, como “danzas
sociales”. Las danzas sociales son bailes dirigidos a que la gente se conozca
e interrelacione. Para ello se organizan en coreografías con movimientos de
grupos, cambios de pareja etc. El desarrollo de estas danzas es más reciente
que el de los bailes sueltos.
• Danzas rituales:
Las danzas son bailes colectivos coreografiados. Se interpretan en
determinadas festividades como homenaje a algún santo importante para el
pueblo (normalmente el patrón). Suelen estar asociados a la misa.
Normalmente se interpretan antes o después de esta, aunque también pueden
bailarse durante la misma.
La música asociada a este tipo de danzas también suele ser monótona y
repetitiva, suponiéndose que su origen es muy antiguo.
De todas las danzas rituales las mejor conservadas son los picayos,
en los que los mozos danzan mientras las mujeres cantan y tocan la
pandereta. Hay muchas otras danzas de tipo ritual menos difundidas como
las danzas de palos (Matienzo), cintas (La Revilla), o lanzas (Ruiloba).
6. Los instrumentos y la música instrumental
En Cantabria no existe un repertorio significativo de música instrumental
independiente. Con los instrumentos, por tanto se toca música concebida
originalmente como canciones que utilizan formas estróficas. Suelen hacerse, sin
embargo algunas transiciones entre determinadas estrofas que exploran en cierta
medida el lenguaje instrumental.
Instrumentos para el baile
El uso más importante, aunque no exclusivo, de los instrumentos en Cantabria es el
acompañamiento del baile. Para ello se utiliza un instrumento melódico,
preferiblemente de mucho volumen sonoro acompañado por otro de percusión. En
función de la zona geográfica se prefieren distintos instrumentos melódicos:
- El pito y el tambor: en general es la pareja preferida en toda la región. El pito es
un clarinete en mib o requinto, que se comienza a usar en música popular desde
el SXIX.
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-
La gaita y el tambor: la gaita tuvo un importante retroceso a lo largo del SXX
pero siguió siendo popular en la zona más occidental, desde Valdáliga hasta
Asturias. Destacan por la conservación de esta tradición Herrerías y Liébana.
- La dulzaina y el tambor: La dulzaina es un instrumento de viento de doble
lengüeta y sonido estridente que se usaba sobre todo en el sur y el oriente de
Cantabria.
- El silbo y el tambor: el silbo es una flauta de tres agujeros que se toca junto con
un tamboril al estilo del txistu vasco.
- La pandereta. Se utiliza en todo Cantabria como acompañamiento de la voz,
cuando esta lleva la melodía en la música de baile.
El rabel
Por último es de destacar la importante tradición asociada al rabel que se desarrolló
sobre todo en Campoo y Polaciones.
En estas comarcas era habitual entretener las largas veladas invernales haciendo
reuniones de vecinos en alguna casa del pueblo. En ellas se hacían labores de artesanía,
se contaban historias, cuentos, se cantaba y se tocaba el rabel. Las coplas son típicas del
repertorio de este instrumento. Son estrofas de pocos versos en los que se plasman
contenidos divertidos muchas veces subidos de tono. Musicalmente utilizan ritmos de
baile, con lo que puede haber coplas a lo ligero o a lo pesao.
También es muy típico cantar romances con el rabel. Además podía cantarse cualquier
otro parte del repertorio vocal.
Tipos
Suelen considerarse dos tipos de rabel:
- El de Campoo se toca apoyado entre el hombro y el pecho. Suele hacerse la
melodía con las dos cuerdas a la vez manteniendo constante un intervalo
consonante.
- El de Polaciones: Se toca apoyado en las piernas, con el ejecutante sentado. La
melodía se hace con una cuerda mientras que con la otra se hace un bordón.
Tradicionalmente a este rabel en Polaciones se le llama bandurria.
Otros
También se utilizaron instrumentos en el ámbito pastoril como entretenimiento mientras
se vigilaban los rebaños de vacas y ovejas. En este contexto se usó el rabel y la chifla
campurriana, así como distintos tipos de flautas.
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LA MÚSICA POP
Tras la crisis del rock& roll a finales de los años 50 las casas de discos ven disminuir
sus beneficios de manera importante. La canción protesta no podía alcanzar el nivel de
música de masas ni, por tanto, los niveles de ventas del rock & roll. Un estilo
socialmente crítico y comprometido vinculado más a la expresión ideológica que al
entretenimiento podía hacerse popular, pero nunca llegaría a ser aceptado por todas las
capas sociales, ni mucho menos ser potenciado desde los grandes poderes económicos
interesados en mantener el estado de cosas.
Por ello comienzan a potenciar un nuevo estilo musical que pretende llegar al mayor
número posible de personas. Este estilo se comenzará a denominar con el término inglés
“popular music” pasando rápidamente a conocerse por el nombre de pop.
1- Características
La melodía: es el elemento más destacado y cuidado de este estilo musical. Utiliza
melodías de fraseo amplio y gran tesitura. Como ya hemos visto las melodías están
especialmente cuidadas en los estribillos, que se repiten con frecuencia para resultar
“pegadizas “. Con este interés por lo melódico recuperan uno de los elementos
esenciales de la música de tradición europea, que había potenciado el éxito de la
canción protesta.
Los ritmos: seguirán siendo fuertemente marcados. Se mantendrá el uso de compases de
4/4 y la tendencia a tiempos rápidos y medios. En general se busca continuar con la
rítmica del rock, ya que esta había sido una de las claves de su éxito. De todos modos
desaparecen la mayor parte de las sincopaciones y sutilezas rítmicas que pueden
interferir con el discurso melódico y no son fácilmente escuchables por el gran público.
La instrumentación: se mantiene la instrumentación eléctrica del rock & roll así como el
uso de la batería. La formación clásica del pop es idéntica a la del rock, dos guitarras
bajo y batería. No obstante el pop busca sonoridades más suaves y agradables, evitando
los sonidos agresivos. Las guitarras eléctricas tendrán sonidos naturales o poco
distorsionados, se usarán mucho las guitarras acústicas, así como teclados con sonidos
suaves de fondo. También se buscará crear ambientes sonoros con instrumentos propios
de la música clásica: pianos, violines…
La armonía y la textura: A nivel armónico el pop es muy conservador. Utiliza una
armonía derivada de la clásica muy sencilla con progresiones de acordes simples que se
mueven en un solo plano tonal. Al buscar una sonoridad suave y agradable evitan las
disonancias típicas de los acordes de blues y rock. La textura es la del rock & roll, es
decir una melodía que se mueve reforzada por un bajo y se acompaña por acordes de
guitarra. El pop, de todos modos prescinde más a menudo del bajo, usando a veces
texturas de melodía acompañada como hemos visto en el folk.
La batería siempre está presente para buscar un impulso rítmico semejante al del rock
Los textos y mensajes: no son socialmente comprometidos. No critican aspectos sociales
ni transmiten mensajes comprometidos. En general tratan temas frívolos, siendo el amor
y las relaciones románticas los argumentos favoritos.
En esencia el pop pretende combinar la rítmica y la instrumentación del rock, que
habían sido las claves de su éxito, con el desarrollo melódico del folk y de la tradición
musical europea en general.
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La forma musical: Se mantiene la estructura del rock de estrofas y estribillos, pero se
cuidan más las melodías, sobre todo en los estribillos. Los solos instrumentales tendrán
menos importancia llegando en ocasiones a prescindirse de ellos. En cualquier caso
dejan de ser improvisados debido a que se tiende a melodías de fraseo amplio con las
que es muy difícil elaborar técnicas de improvisación.
2- Orígenes
El origen del pop está en Inglaterra. Allí llegaron con fuerza, y de manera directa todas
las nuevas corrientes musicales surgidas en los Estados Unidos. Además, tenían una
fuerte tradición musical melódica propia, que se había enriquecido en las ciudades
industriales, con la llegada de una gran masa de población inmigrante de origen
irlandés.
Es en una de esas ciudades, Bristol, donde cuatro jóvenes precisamente de origen
irlandés fundan el grupo “The Beatles” que será la referencia absoluta en los inicios del
estilo pop. Con ellos quedarán perfectamente definidas todas las características de este
nuevo estilo.
El grupo se formó en 1960 y tan sólo dos años después ya había llamado la atención de
EMI, uno de los sellos discográficos más grandes del mundo. El papel de esta
discográfica en la creación de la imagen del grupo, ropa, peinado, actitudes no
provocadoras en el escenario etc. fue determinante. El éxito del grupo en Inglaterra,
Estados Unidos y posteriormente en el continente europeo fue total y fulminante,
surgiendo multitud de grupos imitadores en todos esos lugares. Las casas discográficas
acogieron entusiasmadas un nuevo estilo de sonido agradable y apto para todos los
públicos que no amenazaba con sus críticas a las élites sociales, de modo que
potenciaron sin reservas este aluvión de grupos imitadores.
Incluso en la España franquista surgieron grupos que comenzaron versionando en
castellano temas de los Beatles y componiendo en este estilo después. Entre ellos
destacan”Los mustang” o “Los brincos”.
3- Evolución y desarrollo
El pop experimenta en general pocos cambios desde su creación. No obstante, como
tantos estilos de música moderna, se ha diversificado en una serie de tendencias entre
las que en ocasiones solo hay sutiles diferencias musicales, que llegan a ser
inapreciables. Muchas de ellas han surgido de la fusión con otros estilos. Por ello hacer
una clasificación sistemática de estilos pop es una labor imposible y casi siempre
controvertida ya que pocos son los grupos que se mueven exclusivamente por los
márgenes de una única tendencia definida.
Nosotros vamos a considerar los siguientes estilos derivados:
El tecnopop:
Es la corriente más claramente diferenciada dentro del pop. Tiene en Mike Oldfield su
principal exponente. Este estilo mantiene las características generales del pop, con la
particularidad de que utiliza instrumentos electrónicos de forma principal o incluso
exclusiva. Las guitarras y bajos se sustituyen por teclados y las baterías por cajas de
ritmos preprogramadas. Surge a principios de los años 80 y buscaba un sonido
ultramoderno y futurista que encajaba muy bien con la idea de “posmodernidad” muy
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en boga en los ambientes “culturales” de la época. El éxito de tecno pop durante la
década de los 80 fue tan grande que se usó para las bandas sonoras de películas de éxito.
Destacan en este sentido “Blade runner” drama futurista con música se Vangelis, Y “El
exorcista” un clásico del cine de terror con música de Mike Oldfield. Este último trabajo
llamado “Tubular bells”, merece una mención especial. Esta obra, a diferencia de lo
comentado para el tecnopop en general, no es conservadora desde el punto de vista
formal. Es exclusivamente instrumental, característica que la aleja no solo del pop sino
de la música moderna en general. Las melodías no están formadas por frases amplias
sino por un pequeño motivo de cuatro notas que se repite insistentemente y evoluciona
poco a poco a través de variaciones. Aunque Tubular bells se sigue considerando un
obra tecnopop tiene que ver más con las corrientes minimalistas de la “new age” que
con la tónica general de este estilo.
Más recientemente el tecnopop se ha relaciona con la música electrónica que utiliza
exclusivamente este tipo de instrumentos. Este estilo se mueve entre los parámetros del
pop y los de la música disco, que veremos más adelante. Uno de los intérpretes de
música electrónica más vinculado al tecnopop es Jean Michelle Jarre que causó
sensación mundial con su álbum Oxygene.
La new wave:
El término New wave o “Nueva ola” ha sido reivindicado por diferentes estilos de rock
e incluso por determinados movimientos sociales y culturales, por lo que algunos no
aceptan que se aplique a una tendencia de pop. Aplicado este último tipo de música,
hace referencia a un pop de sonidos convencionales, pero que también incluye parte de
la sonoridad electrónica del tecno pop. Los límites entre el pop, la new wave y el
tecnopop son, por lo tanto muy difusos no habiendo ningún acuerdo de que grupos
deben ser vinculados con seguridad a este estilo.
El glam:
El término “glam” deriva de glamour. Desde el punto de vista musical no tiene ninguna
característica distintiva pudiendo asimilarse a los sonidos de la new wave. Lo que, sin
embargo caracteriza al glam es la imagen y actitudes de sus representantes. Los
“artistas” glam adoptan ropas y maquillajes estrafalarios muchas veces de carácter
andrógino, dando una imagen de lujo y desorden. David Bowie o Elton John son
exponentes de este etilo. Su imagen ha influido en la de personajes vinculados a otros
estilos como Marilyn Manson.
Las fusiones
La frontera entre el pop y el rock:
Paralelamente al desarrollo del pop se fue generando un nuevo estilo de rock del que
trataremos más adelante. La frontera entre el pop y el rock es muchas veces difícil de
establecer. Entre los sonidos más duros rítmicos y agresivos y los más dulces y
melódicos hay un gradiente dentro del cual nos encontramos con música que participa
de las características de unos y otros. Por eso es difícil discernir en algunos casos si
hablamos de un pop ácido o de rock melódico. En este camino intermedio pueden estar
grupos como “La fuga” que, usando la sonoridad general del rock elabora melodías
más emparentadas con el pop.
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El flamenco-pop:
Es un subgénero de pop muy popular en España. En él se fusionan las características
propias del rock con otras procedentes del flamenco. Se usan escalas andaluzas para la
elaboración de las melodías. Se utilizan ritmos flamencos como la rumba que son
fácilmente asimilables por el lenguaje del la música moderna, al enmarcarse en un
compás de 4/4. Se usan instrumentos propios del flamenco como la guitarra andaluza o
el cajón flamenco para las percusiones. Melendi o Estopa serían representantes
destacados de este estilo.
El pop latino:
Es un estilo musical que mezcla las características vistas en el pop con ritmos y
percusiones latinas. En este estilo pueden enmarcarse casi todos los cantantes de éxito
hispanos. Ricky Martin, Shakira etc. Y algunos españoles como Bisbal o Bustamante.
4- El pop en España
Antes de la llegada de los sonidos norteamericanos el mundo de la música ligera en
España estuvo dominado por “La copla”. Este fue un género que hunde sus raíces en la
música popular española del SXIX y que está vinculado a determinados espectáculos
teatrales. Este género fue potenciado por el franquismo ya que entroncaba con
determinados ideales nacionales que este régimen quería fomentar. Esta asociación con
la dictadura es la clave de que la copla decaiga rápidamente con la llegada de la
democracia. No obstante pronto surgieron grupos nacionales que versionaban los
grandes éxitos del rock norteamericano, fenómeno que se potenció en los años 60
coincidiendo con la aparición del pop y con un cambio en la orientación política del
régimen que se llamó aperturismo.
Las imitaciones del pop inglés y la canción romántica que combinaba elementos del pop
y la copla fueron los sonidos comerciales más populares en España a lo largo de los
años 60 y 70.
El gran desarrollo del pop en España tuvo lugar a partir de los años 80. En esta época
asistimos al nacimiento de un fenómeno cultural apoyado por las instituciones que se
conoce por el nombre de la “Nueva ola española” o “La movida madrileña”. A su
desarrollo contribuyeron cantautores como J. Sabina, cineastas como Almodóvar y,
sobre todo grupos de pop. Aunque no faltaban grupos de otras tendencias sobresalen los
que se mueven entre el tecno pop y la “New wave”. Destacan “Mecano”, “Alaska y los
pegamoides”, “Nacha pop”, “Los hombres G”, “Radio futura” etc. Dentro de la
estética Glam se hicieron famosos Tino Casal o Paco Clavel.
Tras los grupos de los 80 han aparecido muchos otros cuya fama y repercusión social ha
sido efímera. Actualmente han tenido bastante éxito dentro del pop nacional “La oreja
de Van Gogh” y “Amaral” así como representantes del pop latino ya mencionados
como Bisbal.
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EL ROCK
Pocos años después de la aparición del pop surge un nuevo estilo de música moderna
vinculado al blues, el rithm & blues y el rock & roll. Los representantes de este estilo lo
denominan también rock & roll pero las diferencias que tiene respecto al de los años 50
hacen que este rock & roll originado en los 60 suela llamarse simplemente rock.
El nuevo rock se conecta con los sonidos ásperos y los mensajes rebeldes del rithm &
blues y el rock & roll negro.
1- Características
El ritmo: Es el elemento destacado del rock. Mantiene el compás de 4/4 pero tiende a
acelerar su velocidad respecto al rock & roll. Mantiene las sincopas del blues buscando
el conflicto rítmico entre el movimiento de bajo, que siempre acentúa con el compás, y
la melodía principal que está llena de notas a contra ritmo. En consonancia con este
interés por el ritmo la batería tendrá un papel muy destacado.
El sonido: Busca sonidos ásperos tanto en las voces como en los instrumentos. Prefiere
voces cascadas y más menos guturales huyendo de las vocalizaciones puras o melosas
del pop. Los instrumentos no tendrán sonidos naturales. Se prefiere en todos los casos la
amplificación eléctrica y casi siempre sonarán distorsionados. El sonido, por tanto será
oscuro y saturado siendo más difícil distinguir las líneas melódicas y, por supuesto
distinguir las notas individuales de los acordes. Este tipo de sonido se puede caracterizar
con el término “dureza”. Cuanto más agresivo y rítmico es un sonido se dice que es más
duro. Cuanto más suave y melódico sería más blando.
Las melodías: Estarán condicionadas por los ritmos. Son cortas y de poca amplitud.
Usan frecuentemente estilos semideclamados con poco desarrollo melódico. Aun así
mantienen la estructura estrofa-estribillo típica de estas músicas, con estribillos más
cuidados melódicamente.
La armonía: Continúa la tradición de armonía disonante del blues. De todos modos
muchos estilos de rock buscan la sencillez armónica usando sólo progresiones
fundamentales sin disonancias. Esto y la distorsión en los instrumentos, que crea una
sonoridad muy densa hace que incluso se puedan usar acordes defectivos, es decir
acordes a los que le faltan elementos ya que como hemos visto se hace difícil distinguir
sus notas individuales. En el punk y otros estilos de sonido muy saturado y
armónicamente simples, suelen usarse acordes de dos notas: la fundamental y la quinta.
Respecto al rock & roll el rock rompe con la progresión armónica del fraseo blues (I-VIV-I) que había sido una de las causas de que este sonido resultase monótono. De esta
forma el estilo gana flexibilidad y variedad.
La textura: se exageran las características vistas para este aspecto el las músicas
modernas. El bajo eléctrico se oirá de forma destacada ya que será usado para remarcar
aspectos rítmicos. Como hemos visto las notas importantes del bajo remarcarán los
tiempos fuertes del compás.
La forma musical: Destacan dos aspectos. Por un lado la importancia de las secciones
instrumentales, que ganan protagonismo. Algunos estilos de rock concentran su
musicalidad en ellas, teniendo un importantísimo desarrollo de los solos de guitarra.
Por otro el uso frecuente de riffs. Un riff es un motivo melódico corto que se repite en
el acompañamiento, a lo largo de toda la composición. Los riff permiten mayor libertad
melódica en la parte aguda ya que aseguran que la obra no pierda coherencia al
unificarla con su constante presencia. Además algunos tipos de rock, como la
psicodelia, lo usan para crear un ambiente melódico obsesivo.
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Mensajes e intención social: Los mensajes del rock son críticos pero de una forma
diferente a los de la canción protesta (cada vez más en declive desde la irrupción de este
nuevo estilo). La canción protesta proponía críticas y soluciones basada en el ideario
hippie. El rock pertenece a una generación de jóvenes que ya no cree en alternativas que
considera ingenuas o irrealizables. Que ve que las propuestas hippies, las religiones
orientales y los ideales no violentos no han aportado cambios sociales de ningún tipo y
no han aliviado su frustración. El rock opta por una propuesta más agresiva y
provocadora que no necesita aportar soluciones porque asume que, en muchos casos no
hay salida a esta sociedad. La única salida viable es la marginalidad.
Esta actitud vital, unida a la enorme cantidad de dinero que han movido estos grupos
empujó a muchos de sus integrantes hacia el mundo de las drogas.
2- Orígenes
Esta reinterpretación del rock & roll surge a partir del trabajo de grupos como los
Rolling Stones. Los rolling son un grupo formado en 1962, poco después del éxito de
los Beatles, que comienzan haciendo versiones de rithm & blues en la línea de otros
grupos británicos de los primeros años 60. En esta primera etapa de su evolución la
influencia de Chuck Berry es decisiva. En el año 1965 tienen su primer gran éxito
mundial con el tema (I can get no) satisfaction. Este tema es interpretado como una
crítica contra una sociedad que genera frustración en la juventud. Por otro lado cultivan
una imagen rebelde e irreverente con los convencionalismos sociales que es capaz de
plasmar los anhelos de libertad de una parte importante de la juventud. Los sonidos
duros, los textos provocativos y las actitudes irreverentes atraen a una importantísima
cantidad de público juvenil que no se identifica con la visión del mundo fácil y sin
problemas que plantea el pop. A partir de aquí la juventud se divide entre los menos
críticos y rebeldes que optarán por el pop y los más contestatarios que elegirán el rock.
Los primeros tendrán como ídolos a los Beatles mientras que los segundos tomarán
como modelo a los Rolling Stones que en un alarde de provocación asumirán el
sobrenombre de “Sus Satánicas majestades”. De esta forma dos estilos que desde el
punto de vista musical no tendrían por qué ser incompatibles se convirtieron en
símbolos de dos actitudes ante la vida opuestas e irreconciliables, en constante
oposición.
Como hemos visto, de todos modos, entre el pop y el rock hay una transición de sonidos
que hace que muchos grupos se sitúen en terrenos intermedios siendo muy difíciles de
clasificar.
3- Diversificación del rock: proliferación de estilos
Con estas bases y con diferencias de sonido muchas veces sutiles, han ido apareciendo
tendencias dentro del rock que implican no solo diferencias en el sonido sino, muchas
veces principalmente, en los mensajes y actitudes. Muchos grupos se adscriben o
incluso generan tendencias nuevas de forma artificial con fines puramente comerciales,
con lo que muchos autodenominados “estilos de rock” no son realmente tales ya que no
pueden distinguirse musicalmente de otros. Otros sin vincularse a ninguna se mueven
entre múltiples influencias diferentes. Esto hace que establecer una clasificación precisa
de dichas corrientes musicales sea una labor imposible.
Pese a esto sí hay ciertas corrientes claras que han marcado la evolución de la música
rock. En los siguientes apartados veremos algunas de ellas.
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A- La psicodelia
A mediados de los ‘60 todas las novedades musicales de éxito procedían de Inglaterra.
Los Rolling Stones y los Beatles eran los grupos de música moderna más escuhados en
todo el mundo. Para los norteamericanos esto era una novedad, pues hasta ahora sus
casas discográficas habían controlado el mercado musical. Llegaron a referirse a este
fenómeno como “la invasión británica”. Por ello la industria norteamericana reacciona
promocionando grupos de su país.
De entre todos ellos destacaron “The doors” que son los máximos representantes
musicales del movimiento psicodélico.
La psicodélia es un movimiento artístico que pretende representar la distorsión de la
realidad producida por las drogas alucinógenas. En las artes visuales se consigue a
través de colores chillones contrastantes y representación de movimiento, espirales,
figuras distorsionadas etc. En literatura tiene antecedentes en la obra de poetas como
Rimbaud y Vodelaire. Estos, escribiendo bajo los efectos del opio (planta de la que se
extrae la heroína) hicieron una poesía llena de símbolos que reflejaba una visión irreal y
onírica del mundo. Esta corriente literaria recibe el nombre de “simbolismo”.
The doors se forman en Los Ángeles, California, en 1965. Allí había tenido una especial
influencia la cultura hippie se formaron comunas, y proliferaron los gurús de religiones
orientalistas y chamánicas que usaban las drogas como medio para conectar con
supuestos mundos espirituales, o para entrar en lo más íntimo del subconsciente
personal. El uso de las drogas adquirió así en muchos círculos sociales un sentido que
iba más allá de lo lúdico. Son estas las ideas que determinarán la línea ideológica del
grupo.
Los textos de las canciones, escritos por Jim Morrison, lider e imagen principal del
grupo, están en la línea del simbolismo literario y hacen constantes alusiones a las
drogas.
La música, de la que se encargará el teclista Roy Manzarek buscará un sonido obsesivo
y machacón con gran desarrollo de las partes instrumentales. Para conseguirlo usan
frecuentemente riffs de muy pocas notas sobre los que se desenvolverán interminables
solos instrumentales de carácter muy libre.
En cuanto a las melodías son de tipo muy variable. Algunos temas son claramente de
blues o mientras que otros son más pop. En este último caso suelen usar escalas
modales o alteraciones accidentales que dan un carácter extraño al movimiento
melódico.
El sonido es muy original ya que son el primer grupo de éxito que utiliza sintetizador.
Este asume el papel de la guitarra rítmica y muchas veces también el del bajo eléctrico.
Son destacables los solos de sintetizador.
Otro grupo importante que se enmarca en la corriente psicodélica fue Jefferson
Airplane que tiene en su sonido una importante influencia folk.
B- El rock sinfónico y el rock progresivo
Por las semejanzas e influencias mutuas entre ambos estilos los trataremos en un mismo
apartado:
Rock sinfónico
Se denomina así a una evolución del rock y que pretende conseguir sonidos más nítidos
y menos percusivos, mediante el uso de instrumentación más melódica,
fundamentalmente sintetizadores (por lo que algunos ven sus orígenes en la psicodélia)
e instrumentos procedentes de la música clásica. Pretenden hacer obras de más amplitud
30
conectando temática o musicalmente todos los cortes de un disco. También buscan
cuidar más los aspectos musicales. Muchos grupos que se vinculan a este estilo han
grabado discos y hecho actuaciones en colaboración con orquestas sinfónicas. En este
caso la orquesta toma un papel totalmente secundario aportando tan sólo una atmósfera
sonora que recuerda a la música clásica. De este modo los grupos de rock sinfónico
pretenden vincular su sonido a los logros artísticos de la música clásica, aunque desde
todos los puntos de vista es un estilo puramente rock.
El grupo más destacado que se adscribió a este estilo fue “Pink Floid”. Este fue un
grupo británico que evolucionó desde la psicodélia hacia el rock sinfónico. Destaca por
sus temas de contenido filosófico y sus innovadoras experimentaciones con el sondo. Su
álbum más famoso fue “The wall”, en el que a través de sus canciones, plantea todos los
traumas a los que está sometida una persona desde su infancia, madre posesiva, rigidez
del sistema educativo, frustraciones juveniles etc y que o empujan hacia el fascismo.
El rock progresivo.
Esta denominación se aplica a algunos grupos en la línea del rock sinfónico. Con ello se
quiere indicas que son grupos novedosos que hacen progresar al rock así como un
procedimiento musical muy característico que suelen usar. Sus temas evolucionan desde
sonidos tranquilos, melódicos y acústicos conectados con el folk y van cambiando
gradualmente (progresivamente) haca una sonoridad más dura y eléctrica conectada con
el rock sinfónico. De esta forma están hechos muchos temas de Metálica, que podrían
enmarcarse en un metal sinfónico.
C- Hard rock (rock duro)
Desde los años setenta han ido surgiendo una serie de estilos que exploran los sonidos
más duros del rock. En general las diferencias musicales entre unos y otros van también
asociadas a diferencias en los mensajes, estéticas y actitudes vitales. Muchos jóvenes
han querido identificase con movimientos sociales que han utilizado distintitos estilos
musicales como bandera de identificación, vehículo de expresión ideológica o,
simplemente como válvula de escape de su frustración.
Musicalmente se potencian todos los aspectos que aumentan la dureza del rock.
• Las sonoridades son agresivas y potentes, aunque la música sea simple. Se
consigue con muchos decibelios, distorsión en las guitarras y voces guturales.
Abundancia de gritos de carácter dramático.
• Los ritmos cobran importancia con lo que se desarrollan enormemente las
baterías. Estas crecen aumentando el número de elementos: más platillos, dos
bombos, cuatro timbales etc.
• Las melodías vocales se simplifican: a menudo se reducen a un recitado en las
estrofas y poco más en los estribillos.
• Las partes instrumentales cobran importancia: gran desarrollo de los solos con
punteos a gran velocidad y uso casi sistemático de riffs. Uso de power cords
(acordes sin terceras)
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Aunque han surgido gran cantidad de grupos de “rock duro” inclasificables la mayor
parte de ellos se encuentra bajo la influencia de dos grandes estilos: el Heavy Metal y el
Punk.
Heavy Metal
El sonido heavy metal aparece en los años 70 en contacto con los sonidos de rithm &
blues y del rock sinfónico, que aportan a este estilo gran parte de su potencia
instrumental. Desde sus inicios este sonido ha provocado tanto el rechazo más absoluto
por parte de amplios sectores del público, como la adhesión total de sus seguidores
incondicionales.
Temas:
Los nombres de los grupos, títulos de discos y textos de canciones están plagados de
referencias satánicas. Esto siempre ha provocado cierto escándalo en determinados
sectores sociales y ha sido, por otro lado, una de las claves de su éxito. También hacen
apologías más o menos veladas de las drogas y su sórdido mundo. En ciertos grupos
abundan también los temas de carácter romántico-sexual.
Proliferan por último los temas de “espada y brujería”, con relatos de héroes, batallas y
mitologías inventadas, así como historias de terror en relación con la subcultura
“gótica”.
Estética:
La estética también es importante. Busca una imagen agresiva a base de colores negros
y rojos, calaveras, gorras nazis, cuero, pelos largos sin recoger, tatuajes, pantalones
ajustados y zapatillas de muelles (que les proporcionan unos curiosos andares a lo
“pantera rosa”). También gustan de complementos como muñequeras de pinchos,
cinturones con balas, correas de perro, bisutería que imita plata etc.
Grupos destacados:
Se considera a los grupos “Black Sabath” primero y “Judas Priest” después, como
los iniciadores del heavy metal, ya que fueron ellos los que crearon la estética y el tipo
de mensajes que hemos visto.
Otro grupo que contribuyó enormemente a la estética y el sonido heavy clásico fue
AC/DC, aunque ellos siempre se han desmarcado de esta corriente diciendo que son
simplemente un grupo de rock & roll. AC/CD siempre ha querido dejar claro la
influencia que ha tenido en ellos tanto el sonido, como la puesta en escena de Chuck
Berry.
Grupos heavy en contacto con el rock sinfónico y progresivo son Metálica, Iron
Maiden, Led Zeppeling o Deep Purple.
Estos usan sintetizadores para llenar la sonoridad del conjunto y han grabado
ocasionalmente con orquestas sinfónicas (destaca la grabación de Deep purple con la
orquesta sinfónica de Londres de 1969). Su sonido es menos denso y separa claramente
los registros graves de los agudos para que pueda apreciarse más claramente cada línea
melódica. Tambien destacan por el melodismo de sus baladas (“Still loving you” de
Scorpions será quizá la más famosa)
El cuarteto de violonchelos Apocalyptica Puede entroncarse con este sonido ya que
mantiene las características musicales del heavy metal pero usa instrumentos de
sonoridad suave y carácter no percusivo asociados con la música clásica.
Heavy comercial
En los años 80 el éxito del heavy metal hizo que se creasen grupos que mantenían lo
más vistoso y superficial de esta estética con el objetivo de buscarse un lugar en el
mercado discográfico. Estos rebajan el nivel de protesta y dulcifican la aspereza de su
sonido y sus mensajes, pero mantienen parte de lo que se asocia vulgarmente con el
32
sonido heavy. Los más famosos en esta línea fuero Europe, que mantuvieron un
prolongado éxito comercial.
El heavy en España
El heavy español tuvo su esplendor en la década de los 80. El sonido seguía
estrechamente el modelo de los grupos extranjeros, al igual que la estética en la
indumentaria de sus componentes. Suelen prescindir, sin embargo de textos de carácter
satánico, quizá porque eran demasiado provocadores para un país que había salido
recientemente de un régimen que se auto identificaba con el catolicismo.
Grupos de heavy español fundados por estas fechas fueron Obús, Panzer o Barón rojo.
Todos ello nombres con connotaciones bélicas y violentas.
Derivados del sonido metal: subgéneros
La estética del glam (que ya hemos visto en el pop), con sus peinados y maquillajes
estrafalarios influyó mucho sobre nuevas estéticas y puestas es escena de muchos
grupos heavy. Esta teatralidad escénica unida a mensajes de diversas orientaciones ha
marcado la evolución de numerosos subgéneros de este estilo.
Otra tendencia que se ha sumado a esta es la derivación hacia la estética gótica. Esta
recibe el nombre de la literatura gótica (del romanticismo del SXIX) en la que se refleja
un mundo fantasmal entono al terror y la muerte con una ambientación con rasgos
medievales. En su reinterpretación moderna se refleja en una estética de colores negros
maquillajes pálidos, referencias a la muerte (calaveras, cruces) etc.
De entre los muchos existentes podemos destacar:
•
Glam metal
Se denomina así al estilo que introduce por primera vez influencias glam en el
mundo del heavy. Muchos son los grupos que tienen trabajos que se pueden
enmarcar en esta tendencia pero destacaremos aquí a Bon Jovi y su álbum
Runaway.
•
White metal o Metal cristiano
Lo inicia una banda de clara estética glam, llamada Stryper. Se caracteriza por el
uso de mensajes de carácter cristiano aunque desde en punto de vista musical no
aporta ningún cambio. Muchos grupos han seguido esta tendencia, aunque ninguno
ha llegado a ser muy popular.
•
Trhash metal
Desde el punto de vista musical es un estilo derivado del heavy que busca exagerar
las características más duras de ese sonido. Se aumenta la velocidad general, sobre
todo en los solos de guitarra y los riffs se hacen más obsesivos. La batería adopta un
estilo más agresivo reforzando los graves con un doble bombo, y aumentando la
sensación de aceleración. Desde el punto de vista rítmico se realizan frecuentes
cambios de tempo y compás, jugando entre ritmos simples y compuestos y
compases binarios y ternarios.
Allgunos consideran que el tema de Queen “Stone Cold Crazy” es la primera
composición de éste género, aunque más bien parece que surge entre diversos
grupos norteamericanos que buscan un sonido más extremo, y que postriormente
33
fueron englobados bajo ese nombre por la crítica. El primer disco de trhash metal
que alcanzó éxito comercial fue “El álbum negro” de Metálica.
Un grupo de trhash metal español es Soziedad alKoholika.
•
Death metal
Es un estilo, iniciado por el grupo Death con sonido aún más rápido que el de trhash
metal pero con temática gótica y escenificación y maquillajes macabros.
Vocalmente se caracteriza por sus voces guturales exageradas. Temática en torno a
la muerte masacres psicópatas etc. Aderezado con sonidos metálicos y rítmicos de
tipo industrial tendríamos el metal industrial de Maryli Manson.
• Black metal
No es fácil establecer diferencias musicales entre el black metal y el death metal. La
diferencia fundamental está en los temas que tratan. En el black los mensajes giran
en torno a visiones paganas del satanismo o a las religiones nórdicas precristianas.
El grupo más famoso que representa este estilo es Dimmu Borgir.
•
Doom metal
Es un heavy de tiempos lentos y musicalmente más sutil abierto a influencias del
jazz en las improvisaciones. Busca una sonoridad melancólica acorde con el tipo de
textos que utiliza.
•
Otros
Además de estos géneros vistos hay muchos otros entre los que, como hemos visto
las diferencias musicales son sutiles y difícilmente definibles. Muchas veces las
actitudes y la temática general de los textos es lo único que los diferencia.
Nombraremos entre otros: metal progresivo y metal gótico.
También se han elaborado fusiones como el folk-metal, rap-metal, funk metal etc.
Punk rock
Es la música característica de un movimiento social alternativo de carácter urbano
denominado movimiento punk. La palabra punk es un término inglés que significa
vago y sucio y aunque se les aplicó de forma despectiva, fue rápidamente asumido
por ellos.
El movimiento punk surge en Inglaterra en el contexto de la fuerte crisis económica
de mediados de los 70. En este ambiente social con un aumento vertiginoso del
paro, una crisis industrial sin precedentes, y cada vez más gente obligada a vivir de
las prestaciones sociales, aparece una juventud desesperada sin expectativas sin
trabajo y con un fuerte sentimiento de marginación.
Estos jóvenes sin posibilidades de alcanzar ningún tipo de independencia
económica, asumen una ideología que ve los sistemas políticos modernos como
impulsoras de un mundo sin futuro y sin salidas para las clases desfavorecidas.
Tampoco se ven las posibilidades de cambiar esa situación por los canales que
ofrece la propia sociedad.
Desde el punto de vista político el punk, asume una ideología anarquista que tiene
mucho que ver con la organización colectiva que se comenzó a aplicar en las
34
construcciones habitadas por el movimiento okupa, con el que siempre mantuvo una
estrecha relación. Esta organización está basada en la autogestión colectiva grupos
de pequeñas dimensiones (los que ocupan un edificio, por ejemplo). En consonancia
con su propuesta política el punk siempre ha estado vinculado a los movimientos
antisistema y antiglobalización.
El carácter de la protesta punk nunca fue pacífico, como el de los hippies, por el
contrario aceptan la violencia como un buen medio de expresar su descontento con
la sociedad.
Estética
Como en muchos otros movimientos juveniles el punk también lleva asociado una
estética propia con la que pretenden identificarse ante sí mismos y ante la sociedad.
Los punkies pretenden con su imagen no solo distinguirse sino, en cierta manera
también marginalizarse.
Pelos de colores, crestas y elementos que acentúen su imagen agresiva como
cadenas, chapas, cazadoras de cuero y botas militares. El uso de ropa militar viene
potenciado por el hecho de que en el Reino Unido el ejército la vendía de segunda
mano a precios de saldo, con lo que se generalizó su uso entre los más pobres. Por
ello esta ropa les daba además cierta identidad de clase.
Con el tiempo esta estética acaba convirtiédose también en una corriente de moda.
Características musicales
Desde un punto de vista musical el punk se define por su sencillez dentro de los
sonidos agresivos del rock duro.
La melodía es sencilla, muchas veces más recitada que cantada y está absolutamente
subordinada a los textos.
La armonía está basada en tres acordes (tónica, dominante y subdominante). El bajo
se limita a seguir la fundamental de los acordes.
El ritmo es muy rápido. La batería es simple pero de velocidad frenética. Pronto se
ve influido por los ritmos marcados y saltarines del ska por su contacto con los
emigrantes jamaicanos en Inglaterra.
La idea general es la de crear un sonido simple que pueda hacerse sin demasiada
habilidad musical, pero que sea efectivo para transmitir sus mensajes.
Los textos son lo más cuidado ya que el punk está interesado sobre todo en los
mensajes. Estos serán de carácter social, agresivos y provocadores. En ellos se
plasman críticas razonadas contra los valores e instituciones de esta sociedad
(policía, gobiernos, iglesia, educación…).
Toda esta música está envuelta en una puesta en escena agresiva. En sus conciertos
se promueve la agitación social: destrucción, peleas, alcohol escupitajos e insultos al
público etc.
Orígenes del punk
Como ya hemos visto este movimiento social y musical tiene su origen en las zonas
industriales de Inglaterra. Pero su sonido tiene su origen en grupos norteamericanos.
Su primer antecedente fue el sonido “garage”, que fue un estilo de sonido duro y
poco cuidado hecho por aficionados y que alcanzó cierta popularidad en Estados
Unidos. Este sonido gana consistencia con le grupo neoyorquino “Los Ramones”
que elaboraron composiciones sencillas con letras ácidas.
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Influidos por “los ramones” aparecen los primeros grupos punk británicos: Sex
Pistols y The Clash. Poco después aparecen los también destacables Tom
Robinson’s Band, con más influencia ska.
Derivados del punk
Tras ellos han surgido diferentes estilos derivados. Algunos estilos mantienen
diferencias en su sonido, otros sin embargo se definen tan sólo por su temática.
• Hardcore
Es un subgénero punk que arranca ya de los años 70. Su sonido es más duro y
extremo con tendencia a tiempos más rápidos. Tienden a canciones cortas que
no llegan a los tres minutos de duración, con o que su música consigue una
sensación de velocidad frenética.
El hardcore se ha fusionado con muchos otros géneros considerándose
importante como influencia de muchos estilos “metal”.
Se considera que a partir del hardcore surgen otros derivados como el “pop
punk” el “indie rock” o el “emo”.
Uno de los grupos pioneros de este género fue “Bad Brains”.
• Ska punk
Es una fusión de punk y ska. El ska es una música de origen jamaicano
relacionada con el reggae. Sus ritmos no son excesivamente rápidos, pero sí son
muy marcados y juegan con las síncopas lo que les otorga un carácter “saltarín”.
Utilizan también muchos instrumentos de banda de jazz como saxofones,
trombones trompetas etc.
Fueron los propios “The clash” los pioneros de esta fusión.
• Otros
Por su temática han surgido estilos como
- Anarco punk: temas políticos de carácter anarquista
-
Gotich punk: temática gótica
-
Oi! o Sreet punk: Temas relacionados con la subcultura skin head.
-
Skate punk: Relacionados con el mundo del skate.
-
Quercore: de temática homosexual.
El punk en España.
El movimiento punk hace su aparición en España en a principios de los años 80. Se
considera que el grupo alavés “La polla records” es el más influyente en los inicios del
estilo.
Muchos grupos de los grupos punk más exitosos se formaron en el País Vasco con lo
que fueron englobados en una corriente llamada “Rock radical vasco”, que fue
potenciada por el independentismo radical. Algunos grupos como Kortatu se
identificaron con la ideología nacionalista vasca utilizando también el idioma como
parte de su discurso política ya que empezaron cantando en castellano, pero acabaron
haciéndolo íntegramente en euskera. Desde el punto de vista sonoro son importantes ya
que fueron los introductres del ska en Esaña.
Otros grupos como eskorbuto, también vascos, fieles a los principios anarquistas del
punk, rechazaron cualquier vinculación con cualquier ideología nacionalista, tanto
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española como vasca. Su tema “Maldito país España” les causó problemas con la
justicia española (se les aplicó la ley antiterrorista) pero su “A la mierda el País Vasco”
y su rechazo total del movimiento abertzale les imposibilitó prácticamente volver a
tocar en Euskadi.
Ska-p ha sido el grupo que más éxito comencial ha tenido dentro del estilo punk. Su
música es un punk-ska melódico y sus letras tratan los típicos temas punk aunque algo
más suavizados. Su éxito ha propiciado el rechazo de amplios sectores del punk.
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