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LAS 60 CANCIONES
MÁS INFLUYENTES
DEL ROCK Y DEL POP
Materiales para 4º de ESO - IES "Número 1"
Departamento de Música - Paula Vicente
ROLLIN’ STONE
Muddy Waters
Fue grabada en Chicago en 1948, y se trata del primer sencillo editado por la
discográfica Chess Records, que se haría famosa no sólo por el fichaje del propio
Muddy Waters, sino también por otras figuras de la música como Howlin’ Wolf, Chuck
Berry o Etta James.
El tema es una versión de un viejo blues con el toque característico del slide,
arrastrando los dedos sobre las cuerdas, pero con una extraordinaria novedad: Waters
usa una guitarra eléctrica,
El título de la canción ha bautizado a uno de los grupos más importantes de la historia
del rock, así como una de las más prestigiosas revistas musicales. Curiosamente, en la
selección de las 500 canciones más influyentes de la historia que hizo la propia revista a
finales del 2011, sólo le concedió el puesto 459.
La historia de Muddy Waters y el sello Chess Records se cuenta en la película Cadillac
Records, con Adrien Brody y Beyoncé Knowles.
CLAVE: El primer blues con guitarra eléctrica
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RING OF FIRE
Johnny Cash
Es la canción más conocida de Johnny Cash, considerado uno de los primeros músicos
de country que incorporan el ritmo del rock and roll a sus composiciones.
La compuso la que sería su mujer, June Carter, también cantante y compositora
country, y precisamente su letra estaba dedicada a él que, a pesar de sus malos modos,
le seguía pareciendo irresistible: “es imposible vivir en ese infierno, no hay forma de
apagar la llama que arde, arde y arde…”
La primera persona en cantarla fue la hermana de June, Anita, pero fue la versión de
Cash, con unas trompetas mariachis y su profunda voz de bajo, la que funcionó. La
canción ocupó durante siete semanas de 1953 el número uno de las listas country y
entró en el Top 20 de las generales.
La historia de amor de Cash y Carter, que incluye él proceso de creación de esta
canción, fue llevada al cine en la película En la cuerda floja (“Walk the line”), con Joaquin
Phoenix y Reese Witherspoon.
CLAVE: Un gran éxito de música country
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ROCK AROUND THE CLOCK
Bill Haley & his Comets
En mayo de 1955 se convierte en la primera canción de rock and roll que alcanza el
número uno en todas las listas de éxitos. Se mantiene en ese puesto durante ocho
semanas.
La razón principal de su éxito es que es interpretada en la primera escena de la película
Semilla de maldad, (“Blackboard Jungle”), protagonizada por Glenn Ford y Sidney
Poitier. Muchos cines sufren desperfectos e incidentes debido al ímpetu de los jóvenes
que, al escuchar la canción, bailan por los pasillos e incluso arrancan butacas para
obtener más espacio para el baile.
En menos de un año Bill Haley & his Comets venden tres millones de copias de su
“Rock alrededor del reloj”.
CLAVE: El primer rock and roll número 1 en ventas
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TUTTI FRUTTI
Little Richard
¡Auambabuluba balambambú! Es el famoso grito con el que el histriónico Little Richard
comenzaba su Tutti Frutti en 1955. La versión de Richard era una improvisación
obscena y con referencias a la homosexualidad que éste se puso a cantar durante sus
primeras grabaciones para la discográfica Specialty Records. La letra era inadmisible tal
como la cantaba Richard, pero su interpretación era formidable, así que se cambiaron
las palabras que decía y pronto se convirtió en un éxito.
Richard fue plagiado por cantantes blancos como Pat Boone, que se dedicaban a hacer
versiones de música negra para las cadenas de radio “para blancos”. Sin embargo, a la
larga este hecho favoreció su popularidad.
En los sesenta Richard dejaría el rock para dedicarse a la religión y hacerse predicador,
Durante décadas estuvo yendo y viniendo entre los escenarios y las iglesias hasta 1980,
año en que decidió dedicarse por completo a la música.
CLAVE: Aumbabuluba balambambú
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HEARTBREAK HOTEL
Elvis Presley
En 1956 Elvis Aaron Presley firmó un contrato con RCA Records, que se rubricó con la
grabación del single Heartbreak Hotel, que pronto se convirtió en número uno de las
listas de éxitos.
Elvis era “un blanco con alma de negro”, y fue la figura que hizo popular y aceptable el
rock and roll para el público blanco, a pesar de sus insinuantes contoneos (en sus
apariciones en televisión sólo se le permitía salir de cintura para arriba) que le valieron
el apodo de “Elvis la pelvis”.
Presley es considerado como una de las figuras más importantes de la cultura popular
del siglo XX. Tenía una voz versátil y un inusual éxito en muchos géneros, entre ellos el
country, el pop las baladas, el gospel y el blues. Asimismo, se trata del solista con más
ventas en la historia de la música popular
CLAVE: Primer éxito de Elvis
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GREAT BALLS OF FIRE!
Jerry Lee Lewis
En 1957 “The Killer” graba al piano a más famosa de sus canciones, un rock trepidante
que ha sido considerado incluso blasfemo (las bolas de fuego que menciona son una
expresión del sur de EE.UU. que hace referencia a Pentecostés). Lewis debe su apodo y
su fama de artista problemático a una actuación en Nueva York, donde fue asignado
como telonero de Chuck Berry. Como protesta, subió al escenario con una botella
llena de gasolina con la que, mientras interpretaba Great Balls of Fire, prendió fuego al
piano. Al terminar de tocar le dijo a Berry “Supera esto, negro”.
La carrera de Lewis se vio truncada por el descubrimiento de su matrimonio secreto
(sin estar aún divorciado de su segunda mujer) con su prima Myra, de tan solo 13 años.
Resultó tal escándalo que hubo de cancelar su gira por Inglaterra y cuando volvió a
EE.UU. fue prácticamente apartado de la escena musical. No obstante, siguió ejerciendo
como músico durante toda su vida y aún lo hace (en 2010 publicó su último disco).
Su vida se llevó al cine en la película Gran bola de fuego (1989) con Dennis Quaid y
Winona Ryder.
CLAVE: El piano también puede hacer rock and roll
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JOHNNY B. GOODE
Chuck Berry
Fue escrita por el propio Berry en 1958 y es considerada una de las primeras
canciones de rock and roll puro de las que se tiene constancia.
Su letra es la versión rock and roll del sueño americano: un pobre chico del campo
tiene el sueño de convertirse en una estrella a base de arduo esfuerzo y su destreza
tocando la guitarra.
Berry causaba furor entre negros y blancos con su “baile del pato”, tocando la guitarra
agachado y saltando sobre una pierna. Cuenta la leyenda que se le ocurrió un día en
que su traje no estaba planchado, y para disimular se puso a dar saltos y a bailar de esta
forma tan particular.
La canción aparece en la película Regreso al futuro. Cuando el protagonista, que ha
viajado en el tiempo, la canta en un baile de instituto celebrado en 1955, uno de los
miembros de la banda, llamado Marvin Berry, llama a su primo Chuck durante la
actuación para que escuche la canción.
CLAVE: Rock and roll autobiográfico de Chuck Berry
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WHAT’D I SAY
Ray Charles
Charles compuso el tema delante del público, cuando él y su orquesta estaban
tocando en un maratón de baile y se les agotó el repertorio. Charles se sentó al piano,
le dijo a la banda que le siguiera y al grupo de vocalistas femeninas que le acompañaban,
las Raeletts, que repitieran todo lo que él dijera. Al terminar, el público se acercó a
preguntarle dónde podía comprar ese disco.
What’d I Say no era más que un puñado de estrofas sueltas e inconexas cuando Charles
la grabó en1959. Pero el cantante supo aprovechar la fuerza del gospel que conocía tan
bien, el éxtasis compartido de una de esas progresiones llamada-respuesta. En la iglesia
era muy sencillo, - escribió - el pastor cantaba o recitaba y la congregación le contestaba.
La carga sexual de la canción mezclada con el estilo gospel de las iglesias escandalizó a
unos cuantos, pero gustó a muchos más. Sería uno de los muchos éxitos de este gran
pianista y compositor, ciego desde los 7 años.
El mismo año de su muerte, en 2004, se estrenó la película sobre su vida, Ray.
CLAVE: El gospel sale de las iglesias
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THE TWIST
Chubby Cheker
El Twist es un baile basado en el rock and roll muy popular a comienzos de los sesenta,
llamado así a partir de una canción que lo originó: The Twist. Fue el primer estilo
internacional de baile basado en el rock and roll, donde las parejas no se tocaban
mientras bailaban. Las instrucciones del baile son “secarse la espalda con una toalla
sujetada por ambas manos… pero sin toalla”.
Este baile lo popularizó Chubby Checker en 1960, llegando al número uno durante ese
año y también dos años después, en 1962.
Hay una “segunda parte” de la canción, Let’s twist again, así como muchos otros bailes
con coreografía determinada: el mash potato, el madison, el locomotion… pero ninguno
cuajó como el twist.
En una de las escenas más famosas de Pulp Fiction sus protagonistas, interpretados por
John Travolta y Uma Thurman, se presentan a un concurso de twist (y lo ganan).
CLAVE: La canción que cambió la forma de bailar para siempre
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SURFIN’ USA
The Beach Boys
Brian Wilson, uno de los integrantes de los Beach Boys, compuso la canción que se
lanzó como sencillo en marzo de 1963. Más tarde formaría parte de todo un disco con
el mismo título, que lanzó al estrellato al grupo, al tiempo que creó su sonido único y
propio del estilo Surf Rock.
Los derechos de autor de la canción fueron reclamados por Chuck Berry, ya que la
melodía es la de su composición Sweet Little Sixteen. Aunque finalmente le fueron
cedidos (incluso los de la parte de la letra), Wilson siempre mantuvo que la autoría le
pertenecía a él.
En la letra de la canción se van recomendando un montón de enclaves donde hacer
surf, la mayor parte de ellos en el estado de California.
CLAVE: Estilo desenfadado de surf en las playas de USA
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BLOWIN’ IN THE WIND
Bob Dylan
Puede ser definida como una canción protesta que contiene una serie de preguntas
retóricas sobre la paz, la guerra y la libertad, no haciendo referencia a ningún evento
específico. La estampa de Dylan cantándola acompañándose con su guitarra y una
armónica es la imagen del cantautor por antonomasia.
Blowin’ in the wind se convirtió en 1963 en uno de los himnos antibélicos y de los
movimientos civiles de la época, y Dylan en un cronista informal de los conflictos
estadounidenses.
Las primeras letras de Dylan abordaban temas sociales y filosóficos y delataban una
fuerte influencia literaria, desafiando la música pop convencional existente y apelando
generalmente a la contracultura de aquel tiempo. Mientras expandía y personalizaba
estilos musicales, mostraba una firme devoción por muchas tradiciones de la música
americana: folk, country, blues, gospel, rock and roll e incluso el jazz y el swing.
CLAVE: Himno del pacifismo y canción de autor con letra
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SHE LOVES YOU
The Beatles
John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr forman el cuarteto más
formidable de todos los tiempos. De las 500 canciones seleccionadas en Rolling Stone
como las mejores de la historia, 23 pertenecen a los Beatles.
She loves you fue uno de sus primeros éxitos en 1963. Como la mayor parte de los
temas de los Beatles, está firmada por Lennon/McCartney, que durante mucho tiempo
compusieron en equipo, aumentando exponencialmente el genio musical de cada uno
de ellos. El famoso estribillo, yeah, yeah yeah fue una de las claves de su éxito, aunque
también contribuyó la cuidada imagen orquestada por su manager Brian Epstein:
flequillos característicos, logotipo de su nombre con la característica “T” alargada…
Durante el 63 y el 64 se desató la Beatlemanía. En sus actuaciones las fans gritan tan
alto que hasta a ellos mismos les cuesta escucharse. La policía se vio obligada a usar
agua a alta presión con mangueras para poder controlar a las multitudes, y hubo
debates en el Parlamento británico sobre los miles de policías que ponían en riesgo sus
vidas para protegerlos… y esto no había hecho más que empezar.
CLAVE: Beatles, yeah,yeah,yeah
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SATISFACTION
Rolling Stones
(I can’t get no) Satisfaction (1965) fue el primer single de los Stones en alcanzar el
número uno tanto en Estados Unidos como en el Reino Unido.
Con su éxito el titubeante y blandengue rock and roll de los primeros tiempos se
transformó definitivamente en rock. El riff de guitarra del comienzo (creación del
guitarrista Keith Richards), la carga despectiva de la letra de Jagger y su absorbente
aullido en el estribillo era el sonido de una generación impaciente por heredar la tierra
Es considerada por la crítica como la mejor grabación de la banda y una de las mejores
de la historia del rock.
Por su parte, los Rolling son aún hoy en día el estereotipo de la clásica banda de rock:
un sonido con raíces en el rythm and blues, canciones con temáticas sobre decepción,
sexo, drogas y mujeres; y una imagen pública de “chicos malos” en constantes
problemas con la ley por el contenido de sus letras y su abierta adicción a las drogas y
al alcohol.
CLAVE: Himno de rebeldía de la gran banda del rock
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BABY LOVE
The Supremes
Esta canción, que logró el número uno en las listas de 1964, es un ejemplo del sonido
“Motown”, la discográfica de Detroit fundada por Berry Gordy y que se convertiría en
una factoría de éxitos de música soul, con artistas como The Temptations, Marvin Gaye,
Stevie Wonder o The Jackson 5. El soul es un estilo de música afroamericana que
mezcla el ritmo y la pasión del rythm and blues con las dulces melodías y las
estructuras llamada-respuesta provenientes del gospel.
Las Supremes era el típico conjunto vocal femenino, aunque tenía una líder clara: Diana
Ross, que más tarde tendría su propia y exitosa carrera en solitario. Ross tiene en su
haber 18 números uno, entre los conseguidos con su grupo y como solista, y sólo ha
sido superada por los Beatles (con 20 números uno). Su melodiosa voz y su imagen de
sex-symbol han hecho que no sólo triunfe en la música sino también en el cine y en los
escenarios teatrales.
CLAVE: El sonido Motown demuestra que las chicas existen
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I GOT YOU (I FEEL GOOD)
James Brown
James Brown, que lanzó esta canción al mercado el 1 de enero de 1966, es un figura
fundamental en la historia de la música negra. Fue uno de los artistas más importantes
de la música soul (se le llama “El Padrino del Soul”) y desarrolló el ritmo concentrado
que estado puro que se bautizó como funk, y que sería la base para la música disco de
los 70 y la fundación del hip-hop: miles de temas de rap parten de grabaciones de
Brown. Incluso muchos pasos de breakdance provienen de sus frenéticos movimientos
de baile.
Brown, que tuvo siempre una vida muy marcada por su baja extracción social y su
carácter violento (ingresó en la cárcel varias veces, incluso durante su exitosa carrera
musical) se había ganado a pulso el título de "el trabajador más duro del mundo del
espectáculo" debido a la intensidad de sus actuaciones y el número de conciertos: más
de 300 en sus buenos años.
CLAVE: Brown padrino del soul, funk, hip-hop, breakdance…
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GOOD VIBRATIONS
The Beach Boys
Brian Wilson ya no era el compositor de música de playa facilona. Para la grabación de
Good Vibrations empleó más de siete meses y unas 90 horas de grabación, resultando
una de las canciones más caras de la historia. Además de una estructura formal
elaborada, donde destacan los cambios de ritmo, se prescinde de las guitarras
habituales en este género, que son reemplazadas por un theremín (instrumento
electrófono experimental), un violonchelo, un órgano, una armónica y dos bajos. La
canción fue grabada en diferentes estudios para aprovechar el sonido diferente y el
ambiente de cada instalación. El sencillo fue número uno en 1966.
Esta canción iba a ser parte de un álbum mítico, el famosos SMiLE. Wilson pretendía
que todas sus canciones fueran como Good Vibrations, pero sus desequilibrios mentales y
sus desacuerdos con el grupo hicieron imposible el desarrollo del disco. En octubre de
2011, al fin, Wilson ha logrado sacar a la venta su álbum soñado.
Una curiosidad friki: En Lost, la contraseña de la computadora ubicada en la estación
submarina de la Iniciativa Dharma eran los acordes de Good Vibrations.
CLAVE: El surf se convierte en rock experimental
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RESPECT
Aretha Franklin
Otis Redding compuso Respect y fue el primero en grabarla, en 1965. Pero Aretha
Franklin se hizo para siempre con el tema con su versión definitiva, grabada en 1967.
Respect fue su primer single número uno y la sentó definitivamente en el trono de reina
del soul.
Cuando Aretha canta todo lo que pido es un poco de respeto cuando llegas a casa, apoyada
por los coros femeninos, no sólo reclama el respeto de su hombre, sino también
atención sexual de primer orden.
Hija de un predicador, Aretha comenzó cantando gospel en la iglesia junto con sus
hermanas y grabó su primer disco con tan solo 14 años. Ha cantando durante toda su
vida y sus interpretaciones han influido a todas las grandes divas de la canción
(Withney Houston fue su ahijada).
En 2008 fue elegida por la revista Rolling Stone como la cantante más importante de
todos los tiempos.
CLAVE: Un respeto a la reina del soul
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YESTERDAY
The Beatles
Yesterday ha sido reconocida como la canción con más grabaciones en la historia de la
música popular, y según el libro Guinnes ha sido versionada más de 3200 veces
diferentes. La Broadcast Music Incorporated afirma que en el siglo XX la canción fue
interpretada cerca de 7 millones de veces.
La canción, que forma parte del disco Help! (1965), es interpretada sólo por Paul
McCartney, que canta y toca la guitarra acústica, acompañado de un cuarteto de
cuerda. De hecho, la composición, aún siendo firmada también por Lennon, como todas
las canciones del dúo mientras estuvieron en el grupo, es claramente una creación
individual de McCartney.
CLAVE: Una balada pop con una orquestación clásica
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A DAY IN THE LIFE
The Beatles
Es la última canción del álbum conceptual más famoso de la historia, el Sergeant Pepper’s
Lonely Hearts Club Band (1967), y una combinación magistral de los genios de Lennon y
McCartney, que escribieron cada uno una parte diferenciada, con la colaboración de
una orquesta adicional. Mientras la letra de Lennon estaba inspirada en artículos
periodísticos de aquella época, McCartney se inspiró en su juventud. Las decisiones de
relacionar secciones de la canción con crescendos orquestales y de terminar la misma
con un acorde sostenido de piano la han hecho mítica.
La sección orquestal fue grabada con McCartney y George Martin (productor del
grupo) dirigiendo a 40 instrumentistas de orquesta. A los músicos se les dio
instrucciones de ir desde la nota más grave posible de su instrumento hasta la más
aguda, con sólo algunos puntos de referencia. Esto y la petición de que fueran
disfrazados al estudio les dejó completamente desconcertados.
CLAVE: La orquesta desafinada en la canción rock
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LIGHT MY FIRE
The Doors
La memorable introducción de Ray Manzarek a los teclados junto con la sensual voz de
Jim Morrison diciendo nena, no podríamos habernos colocado más fueron la sensación en
1967. Los artífices de la canción, los Doors, son el mejor ejemplo del llamado rock
psicodélico y tomaron su nombre de un verso del poeta místico William Blake sobre
las puertas de la percepción. Se diferenciaban de muchos grupos de la época, porque no
usaban un bajo. El teclista Manzarek asumía, además de las melodías propias de su
instrumento, el papel del bajo con su mano izquierda.
La estrella del grupo era, sin duda, Morrison. Era atractivo, poseía un torrente de voz y
tenía ese aire místico mezclado con un punto de locura que pronto le convirtió en sexsymbol. Sus reacciones en los directos era imprevisibles, siendo incluso condenado por
obscenidades y escándalo público a raíz de una de sus actuaciones. Tras una vida de
sexo, drogas y rock and roll murió a los 27 años en extrañas circunstancias.
The Doors es una excelente película de 1991, dirigida por Oliver Stone.
CLAVE: Rock psicodélico y el mito de Jim Morrison
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VENUS IN FURS
The Velvet Underground
La influencia de la Velvet Underground es casi inabarcable. La banda neoyorquina fue la
primera en experimentar directamente con la forma y el ruido dentro del pop,
incluyendo influencias tomadas directamente de la música clásica contemporánea. Estas
influencias llegaron a la banda gracias a uno de sus componentes, John Cale, discípulo
del compositor clásico John Cage. Otro de sus miembros, Lou Reed, hizo tras la
separación del grupo una gran carrera en solitario.
Y tanto o más que la música, las letras, que trataban tópicos inusuales para la época,
como sadomasoquismo (Venus in Furs (1967) se inspira en la novela de Sacher-Masoch),
travestismo, o la adicción a la heroína, los distanciaban mucho de las bandas típicas de la
escena estadounidense del momento, donde la psicodelia y la cultura hippie alcanzaban
su momento cumbre. Estaban “fuera de onda”.
No obstante, movimientos tan importantes como el punk o el grunge no habrían
existido sin la Velvet. También cuenta para su fama de banda mítica la colaboración con
Andy Warhol y el movimiento artístico y bohemio en torno a su estudio (The Factory).
CLAVE: Los primeros en usar la distorsión
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SYMPATHY FOR THE DEVIL
The Rolling Stones
La inspiración para este tema diabólico salió de El maestro y Margarita, del escritor
soviético Mihail Bulgakov, que cuenta las aventuras de Satán en el Moscú de 1930.
Su peculiar instrumentación estuvo integrada por el músico africano Rocky Dijon, lo
que le dio un ritmo de samba en la percusión con las congas. Keith Richards, guitarrista
principal de los Stones, no sólo se encargó del solo de la guitarra eléctrica, sino
también del bajo, instrumento que se convirtió en el auténtico guía de la pieza.
Sustituyó así en su puesto a Bill Wyman, que se hizo cargo de las maracas.
Mick Jagger canta la letra en primera persona, desempeñando el papel de un Lucifer en
apariencia educado, correcto y con buen gusto. De hecho, la canción empieza con los
versos: Please allow me to introduce myself / I'm a man of wealth and taste (“Por favor,
permíteme que me presente, / soy un hombre rico y con clase”) para luego relatar
todas las infamias en el transcurso de la historia de la humanidad.
Aparece como tema de cierra en Entrevista con el vampiro (1994).
CLAVE: Se inaugura el rock satánico
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SUZANNE
Leonard Cohen
Leonard Cohen era un cantante atípico para su época. Tenía 33 años cuando debutó
con Songs of Leonard Cohen (1967), que incluía esta canción, y venía del mundo de la
literatura (había publicado ya 2 novelas y 4 libros de poemas cuando grabó este disco).
Sin embargo, no tardó en integrarse en las nuevas generaciones de cantautores.
Este canadiense es famoso por sus letras emotivas y líricamente complejas. Cohen
canta con una voz peculiarmente grave, ha influido en muchos otros cantautores y sus
canciones han sido interpretadas por muchos otros artistas.
Suzanne cuenta un encuentro que Suzanne Verdal, esposa de un famoso escultor,
mantuvo con Cohen en Montreal. En la canción aparecen varios lugares de la ciudad
incluido el río San Lorenzo y una pequeña capilla junto a la bahía, que mira hacia el sol
naciente de la mañana, tal como se describe en la canción. Cohen fue invitado por la
mujer a su casa cerca del río, donde le sirvió té. Esos elementos fueron la inspiración
para soñar e inventar el poema y la canción.
CLAVE: La voz más sugerente de la música moderna
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THE SOUND OF SILENCE
Simon & Garfunkel
Fue escrita por Simon tras el asesinato de Kennedy, como un intento de expresar el
sentimiento popular tras el desafortunado suceso. Su melodía es de clara inspiración
sudamericana y concretamente andina, influencia que se observa también en otros
temas del dúo y en la música folk de la época en general.
La canción, cantada por ambos miembros del grupo y acompañada por la guitarra de
Simon, fue originalmente grabada como una pieza acústica, pero posteriormente fue
retocada con instrumentos eléctricos, y reeditada como sencillo. Alcanzó el número
uno de las listas americanas en 1966.
The sound of silence y otras canciones del grupo se hicieron mundialmente famosas al
ser la banda sonora de la película El graduado (1967), con Dustin Hoffman haciendo de
joven seducido por una devora-hombres entrada en años.
Simon desarrolló una carrera en solitario donde destacó por su experimentación con
las músicas étnicas, sobre todo con la música africana.
CLAVE: Intimismo folk en un dúo vocal perfecto
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SAN FRANCISCO
Scott McKenzie
San Francisco (Be Sure to Wear Flowers in Your Hair) es una canción escrita por John Philips
integrante del grupo The Mamas & The Papas, y cantado por Scott McKenzie. Fue
publicada en 1967, que también se conoce como el Verano del amor, y es considerada
un icono cultural.
Esta canción fue uno de los himnos más claros del Movimiento Hippie y el escaparate
publicitario del Festival Pop de Monterey, el primer gran festival al aire libre de la
historia del rock (se estima que acudieron de unas 200.000 personas). Así, San
Francisco se convirtió en la capital mundial de la música. También movilizó a casi todos
los estudiantes de la universidades californianas, por lo que provocó que el ejército, ya
que por estos tiempos en Estados Unidos había una gran revuelta estudiantil por la
repulsa hacia la Guerra de Vietnam, vigilara el evento.
En 1968 fue utilizada de nuevo como himno de libertad por la gente joven en la llamada
“Primavera de Praga”.
CLAVE: Himno hippie del primer festival multitudinario
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PURPLE HAZE
Jimi Hendrix Experience
La canción, con otro de los riffs más conocidos de la historia de la música, es una
muestra de la maestría de Hendrix a la guitarra y de los recursos sonoros que
comenzaban a despuntar en esta década, como el pedal wah-wah.
En su actuación en el Festival de Monterey, Hendrix utilizó su guitarra en un modo
hasta ese momento jamás visto, llegando a hacer mímica de actos sexuales, hacerla
sonar con los dientes, por detrás de la espalda, contra el soporte del micrófono y hasta
contra su amplificador causando un acople ensordecedor.Al término de la exhibición,
para remarcar su furiosa necesidad de extraer nuevos sonidos al instrumento, le dio
fuego con gas líquido para encendedores y la destruyó contra el palco y amplificadores
en un éxtasis de acoples alucinantes. Era casi un desconocido en EE.UU., pero en 40
minutos de concierto había pasado a la historia.
Víctima de la maldición rockera, Hendrix murió a los 27 años ahogado en su propio
vómito, después de haber ingerido pastillas para dormir junto con una gran cantidad de
alcohol.
CLAVE: El virtuoso de la guitarra del siglo XX
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LAYLA
Dereck and The Dominos
Clapton me había pedido que fuera porque quería que escuchase algo nuevo. Encendió el
radiocasete, subió el volumen y sonó la canción más potente que jamás escuché. Era Layla,
trataba sobre un hombre que cae enamorado perdidamente de una mujer que le quiere pero
no está disponible. Me la puso dos o tres veces, mientras miraba mi cara para ver mis
reacciones. Mi primer pensamiento fue que todo el mundo me iba a reconocer. Patty Boyd,
entonces casada con el Beatle George Harrison, cuenta así cómo Eric Clapton,
colaborador y amigo de su marido, quiso acabar de conquistarla. Boyd se divorció de
Harrison en 1977 y se casó con Clapton en 1979.
Clapton formó el grupo Dereck and The Dominos después de formar parte de otros
grandes grupos como The Yardbirds, o Cream. Sólo publicarían un disco. A partir de los
setenta Clapton, apodado Slow Hand, siguió con su carrera en solitario, siendo
reconocido como uno de los guitarristas más importantes del blues y el rock: Clapton is
god, decían los grafittis del metro de Londres.
Layla fue de nuevo famosa en versión acústica en 1992.
CLAVE: Clapton is god
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ME AND BOBBY MCGEE
Janis Joplin
El Bobby de la canción era inicialmente una mujer, pero en la versión de Janis se
convirtió en un hombre: Libertad sólo es un sinónimo de no tener nada que perder,
nada, eso es todo lo que Bobby me dejó, sí, pero era fácil sentirse bien, Señor, cuando él
cantaba el blues… Alcanzó el número uno de las listas en 1971, en su álbum Pearl, que
se publicó tras su muerte a los 27 años, tras una corta vida desenfrenada y marcada
por su dependencia de las drogas y el alcohol.
Janis Joplin fue otro de los descubrimientos del Festival de Monterey y una de las
estrellas del otro Festival más famoso de los años sesenta, Woodstock.
Fue un símbolo femenino de la contracultura de los 60 y el movimiento hippie y la
primera mujer en ser considerada una gran estrella del rock, por su poderosa voz y su
espíritu rebelde. En 1969, a causa de la presión de la fama se enganchó a la heroína y
comenzó a prodigarse en entrevistas, en las que terminaba hablando de su vida y de sus
sentimientos. Decía que hacía el amor con 25000 personas en el escenario y luego se volvía
a casa sola.
CLAVE: Voz única y desgarrada del icono femenino hippie
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Departamento de Música - Paula Vicente
YOUR SONG
Elton John
Fue el primer éxito, en 1970, del compositor, cantante y pianista Elton John (en
colaboración con el letrista y poeta Bernie Taupin). La década de los setenta fue la de
su consagración como estrella, comenzó a actuar ataviado con extravagantes disfraces
y otros adornos característicos de la época del glam rock, usándolos en conciertos
multitudinarios.
A lo largo de sus más de 40 años de carrera musical, Elton John ha colocado más de 50
canciones en las listas de éxitos y ha llegado a vender más de 250 millones de álbumes
y más de 150 millones de singles, lo que lo convierte en uno de los músicos con más
éxito de todos los tiempos. Entre sus éxitos más conocidos está la banda sonora de El
Rey León y la versión de Candle in the wind que tocó en el funeral de su íntima amiga
Ladi Di en 1997.
También ha sido conocido por su vida personal. Homosexual reconocido, está casado
con su pareja desde 2005, al entrar en vigencia la nueva ley británica de uniones civiles
homosexuales, y es padre de un hijo mediante vientre de alquiler.
Your song volvió a ser nº 1 en las listas gracias a la versión de la película Moulin Rouge.
CLAVE: Balada del “payaso” más famoso del pop
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BLACK MAGIC WOMAN
Santana
Carlos Santana, mexicano e hijo de mariachi, se mudó de niño con su familia a San
Francisco, donde tuvo que aprender inglés rápidamente y se empapó de la música rock,
estudiando a los grupos que tocaban por la ciudad y siguiendo su propia evolución.
En 1966 crea su famosa banda, Santana, con la que llega a triunfar en el famoso festival
de Woodstock de 1969, impresionando a los asistentes con su estilo, una fusión entre
el rock y los ritmos afrocubanos y latinos. Ese festival fue el punto de partida del
enorme éxito de este guitarrista a lo largo de todo el mundo. En 1969 publica
“Santana” y en 1970 “Abraxas”, con el que obtuvo el primer puesto en las listas
americanas durante seis semanas y más de un millón de copias vendidas, algo poco
habitual en un grupo básicamente instrumental.
Black Magic Woman es una muestra perfecta de su música, que sigue haciendo con éxito
en la actualidad.
CLAVE: Fusión del rock con los ritmos latinos
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WHAT’S GOING ON
Marvin Gaye
Esta canción le da nombre también al álbum grabado por el cantante de soul
norteamericano Marvin Gaye. Lanzado en mayo del 1971, What's Going On significó el
inicio de una nueva tendencia en la música soul. Con letras intimistas acerca del abuso
de drogas, la pobreza y la guerra de Vietnam, el álbum fue una sensación inmediata y ha
permanecido como un clásico del soul.
El cantante ya era una estrella de la Motown, donde formó dúo con la malograda
Tammi Terrel, hasta que en 1967 ésta se desmayara en el escenario en los brazos de
Gaye por un tumor cerebral no diagnosticado que acabaría con su vida tres años más
tarde.
Tras el disco de What’s Going On Gaye tuvo algunos éxitos notables, pero sus
problemas con las drogas hicieron que se refugiara en casa de sus padres. Su padre, un
predicador de una conservadora comunidad cristiana, y que siempre había sido muy
estricto con él, le mató de dos disparos en una de sus muchas discusiones. Se
consideró que había sido defensa propia.
CLAVE: Evolución del sonido Motown a soul comprometido
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NIGHTS IN WHITE SATIN
The Moody Blues
Esta canción resultó extraña cuando se lanzó en 1967, debido a sus casi 7 minutos de
duración. La canción trataba sobre un cuento acerca de un ansiado amor lejano, lo que
llevó a los fanáticos a pensar en la canción como un cuento sobre un amor no
correspondido de Hayward. La Orquesta del Festival de Londres realizó los
acompañamientos orquestales de la introducción, la interpretación final del coro, así
como la sección del lamento final. Los demás sonidos orquestales a lo largo de la
canción fueron producidos por el teclado mellotron de Mike Pinder, que vendría a definir
el sonido de los Moody Blues en su música.
La canción fue relanzada en 1972, tras el éxito que estaban recibiendo en aquella época
otras canciones dramáticas semejantes de larga duración, como Hey Jude de los Beatles
o Layla, y fue entonces cuando alcanzó el número uno en las listas.
CLAVE: Rock sinfónico en estado puro
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STARMAN
David Bowie
Aunque ya había hecho sus pinitos con álbumes como Space Oddity (1969) o The Man
Who Sold the World (1970), en cuya portada aparecía vestido de mujer, fue en 1972
cuando Bowie se hizo famoso por actuar como un alter ego llamado Ziggy Stardust,
vestido con un llamativo traje y el pelo teñido de rojo, y por declararse abiertamente
bisexual. Starman es la canción más conocida del disco The Rise and Fall of Ziggy Stardust
and the Spiders from Mars, un trabajo crucial para el comienzo del glam rock, del que se
le considera creador junto con Marc Bolan, el cantante de T. Rex.
Bowie ha tenido diversos alter ego en su carrera, como el Duque Blanco, y de hecho se
le considera un verdadero camaleón del rock. Sus trabajos han inspirado no sólo el
estilo glam, sino también al punk, al rock gótico, al movimiento de los nuevos
románticos de los años ochenta y al grunge de los noventa.
CLAVE: El padre del glam rock
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STAIRWAY TO HEAVEN
Led Zeppelin
El cantante de Led Zeppelin, Robert Plant, y su guitarra solista, Jimmy Page,
compusieron en 1971 Stairway to Heaven, una progresión de ocho minutos que
convierte a una balada en una pieza de rock duro, para un disco sin título que, como
cuarto trabajo del grupo, se conoce como Led Zeppelin IV.
La canción ha sido acusada de contener mensajes satánicos cuando se reproduce hacia
atrás. Estas teorías no tienen demasiado crédito excepto por el hecho de que Page se
compró Boleskine House, la mansión del reconocido satanista Aleister Crowley a
orillas del lago Ness, para celebrar en ella fiestas desenfrenadas. Además, una serie de
desgracias que les ocurrieron a los miembros del grupo, que culminaron en la muerte
del batería por coma etílico en la mencionada mansión y la posterior disolución del
grupo, vinieron a refrendar los rumores de la relación entre Stairway to Heaven y la
adoración a Satán.
Led Zeppelin IV ha vendido más de 40 millones de copias. Stairway to Heaven nunca se
publicó como sencillo.
CLAVE: La balada que se convierte en heavy metal
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SMOKE ON THE WATER
Deep Purple
“Humo en el agua” fue lo que vieron los componentes de Deep Purple en Montreaux
(Suiza). Habían llegado unos días antes para comenzar con las sesiones de grabación de
su próximo álbum y asistían a un concierto de Frank Zappa cuando una persona lanzó
una bengala hacia el techo del escenario. Después del desalojo del local, los
componentes del grupo vieron cómo el incendio se reflejaba en las tranquilas aguas del
lago Lemán. Este desafortunado incidente los dejó sin estudio de grabación y tuvieron
que alquilar un hotel para comenzar aquellas sesiones utilizando el estudio móvil de los
Rolling Stones.
El riff de guitarra de Richie Blackmore suele llamarse “la Para Elisa del rock” y muchos
guitarristas comienzan su formación con su sencilla melodía (sol-sib-do/sol-sib-rebdo/sol-sib-do/sib-sol). Smoke on the water forma parte del álbum Machine Head (1972),
pero también se incluyó en el exitoso Made in Japan, grabado en directo durante ese
mismo año en una gira antológica donde el grupo tocó durante 44 semanas seguidas.
CLAVE: Pioneros del heavy y el hard rock
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MONEY
Pink Floyd
Es uno de los sencillos lanzados del álbum conceptual The dark side of the moon, el
octavo de la banda de rock progresivo (es decir, de experimentación avanzada) Pink
Floyd. El álbum se estrenó en directo varios meses antes de que hubieran comenzado
las grabaciones en el estudio, que se hicieron en 1972 y 1973 en los estudios Abbey
Road de Londres. Se usaron algunas de las técnicas de grabación más avanzadas de la
época, incluyendo grabaciones multipista y loops. Con una estimación de ventas de 50
millones de copias, es el álbum más exitoso de Pink Floyd y uno de los más vendidos a
nivel mundial de la historia
Cada cara del álbum constituye una pieza continua de música. Las cinco pistas de cada
cara reflejan varios estadios de la vida humana. El álbum comienza y acaba con latidos
de corazón, explora la naturaleza de la experiencia del ser humano. Money abre la cara
B con el sonido de una caja registradora y el ruido de monedas, se mofa de la avaricia y
el consumismo, con una letra irónica y efectos de sonido relacionados con la riqueza.
Su ritmo peculiar es debido a que está escrita en compás de 7/4.
CLAVE: Rock progresivo, álbum conceptual
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AUTOBAHN
Krafwerk
Autobahn (“Autopista”), publicado en 1974 es el cuarto álbum del grupo alemán de
música electrónica Kraftwerk, en realidad el primero conocido a nivel internacional
después de sus tres primeros álbumes totalmente instrumentales y experimentales.
El tema epónimo, de más de veinte minutos de duración, es el único que cuenta con
letra, la cual es cantada por Ralf Hütter y Florian Schneider, los compositores de los
temas, con sus voces retocadas con vocoder, los cuatro restantes cortes son sólo
instrumentales. El artista visual Emil Schult realizó la portada y todas las ilustraciones
del disco.
Las técnicas musicales y los instrumentos introducidos por Krafwerk son hoy básicos,
sin embargo, fueron realmente innovadores en su tiempo. Por las experimentaciones
realizadas y por constituir la base sobre la que luego se asentó el género, son
considerados como los padres de la música electrónica.
CLAVE: Nace la música electrónica en el rock
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I SHOT THE SHERIFF
Bob Marley
A comienzos de los setenta Marley, con su grupo The Wailers, buscaba un lugar en la
música comercial, pero sus letras comprometidas contrastaban bastante con lo que se
estaba haciendo hasta entonces. Sin embargo, en 1974 Marley se hizo famoso gracias a
Eric Clapton, que hizo una versión de I Shot the Sheriff que llegó a nº1 en EE.UU.
El reggae es un ritmo jamaicano nacido en los sesenta influenciado por la música
africana tradicional, el jazz y el rhythm and blues. Su ritmo característico consiste en
acentuar con la guitarra el segundo y cuarto tiempo de cada compás. Del reggae se
derivan estilos tan distantes entre ellos como el skinhead reggae y el reggaeton.
Marley, integrante del movimiento social y religioso rastafari, es hoy un icono cultural.
En 1976 decidió participar en un concierto gratuito en Kingston para promover la paz
en su país. Dos días antes él y su mujer habían sufrido un atentado, recibiendo varios
disparos. Sin embargo, y pese a las heridas sufridas, no faltó a su compromiso, se
montó en la tarima y cantó. Cuando le preguntaron el porqué, dijo: La gente que está
tratando de hacer este mundo peor no se toma ni un día libre, ¿cómo podría tomarlo yo?
CLAVE: Reggae, influencia crucial en el ritmo y la forma de vida
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BOHEMIAN RHAPSODY
Queen
Lo más llamativo desde el punto de vistq musical de Bohemian Rhapsody (1975) es su
inusual estructura, más similar a una rapsodia clásica que a una canción pop. No posee
estribillo y está organizada en seis secciones: una introducción a capella, una balada, un
solo de guitarra, un segmento operístico, una sección de rock y una coda que retoma el
tempo y la tonalidad de la balada introductoria.
Cuando se puso a la venta como sencillo se volvió un éxito comercial, permaneciendo
en la cima de las listas británicas durante nueve semanas. Alcanzó allí el puesto número
uno otra vez en 1991, tras la muerte por sida de su cantante, Freddie Mercury. La
canción disfrutó de renovada popularidad en 1992 como parte de la banda sonora de
la película Wayne‘s World.
Bohemian Rhapsody es también histórica porque es considerada la primera canción con
un verdadero videoclip (registrado por cinta de vídeo en lugar de fílmico), que le costó
a Queen la friolera de 4.500 libras.
CLAVE: Seis canciones en una y Freddy Mercury
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HOTEL CALIFORNIA
The Eagles
Relájate, dijo el hombre de la noche: estamos preparados para recibirte, puedes reservar en el
momento que quieras, pero nunca puedes irte. Este críptico final de “Hotel California” ha
hecho que se pensara que el hotel del que habla la canción era un sanatorio mental,
una alegoría de las drogas e incluso una iglesia satánica.
The Eagles lanzaron el álbum homónimo a finales de 1976, que trata entre otros temas
de la pérdida de la inocencia, la adicción a las drogas, la muerte y la fugaz naturaleza de
la fama. Los miembros del grupo han descrito el álbum como una metáfora por su
percepción del declive de América en el materialismo y decadencia.
Además, encajaron el espíritu del cantautor en el marco de una formación musical, con
un marcado énfasis en los arreglos y en la maestría musical, y el sonido inicial del grupo
llegó a ser sinónimo del country rock del sur de California. En álbumes posteriores el
grupo se movió hacia un sonido claramente más rockero. En 2007 lanzaron un nuevo
disco después de 28 años de silencio y emprendieron una gira de conciertos que duró
hasta el 2010.
CLAVE: Rock blanco en una canción legendaria
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OXYGÈNE
Jean-Michel Jarre
Jarre compuso Oxygene (1976) usando varios sintetizadores y un grabador de ocho
pistas instalado en la cocina de su apartamento. Sin embargo, encontró difícil conseguir
que el disco fuera publicado, porque no tenía cantantes y nombres de pista
inapropiados, como “I”, “II”, etc.
Finalmente encontró a Francis Dreyfus, director de Disques Motors (hoy Disques
Dreyfus) que publicaría el álbum. Aunque Dreyfus estuvo al principio escéptico sobre
la música electrónica, se arriesgó a lanzar 50.000 copias. El álbum llegó a vender 15
millones de copias y la melodía del corte IV se hizo popular en todo el mundo.
El hito de la canción fue hacer posible que un estilo tan árido en principio como la
música electrónica pudiera resultar comercial. Oxygène se considera uno de los
primeros trabajos que introdujeron la música experimental y contemporánea en el
mundo del pop y del rock.
Curiosamente, Jean-Michel es hijo del conocidísimo compositor de bandas sonoras
Maurice Jarre (Doctor Zhivago, Lawrence de Arabia).
CLAVE: La música electrónica también puede ser comercial
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GOD SAVE THE QUEEN
Sex Pistols
En 1977 los Sex Pistols, con Sid Vicious y Johnny Rotten como estrellas, estrenaron God
Save the Queen, que atacaba el conformismo social inglés y el respeto a la corona.
Incluso los trabajadores donde se fabricaba el vinilo se habían negado a trabajar en
protesta por el contenido de la canción.
La letra (Dios salve a la Reina, no es un ser humano, y no hay futuro en el sueño de
Inglaterra) provocó protestas generalizadas.Varias grandes cadenas de tiendas se
negaron a vender el sencillo. Fue censurado por la BBC y por todas las emisoras
independientes de radio, siendo la grabación más censurada de la historia del Reino. Su
lanzamiento se calculó para hacerlo coincidir con las bodas de plata en el trono de la
reina Isabel II. Es famoso el escándalo orquestado por el manager del grupo, Malcolm
McLaren, en el que el grupo tocó la canción mientras navegaban por el Támesis,
pasando por la abadía de Westminster y el Parlamento (símbolos del poder británico).
El evento, una burla a lo previsto por la Reina dos días después, acabó en un caos. La
canción y su impacto público son ahora reconocidos como la gloria y corona del punk.
CLAVE: El punk o cómo ser estrella del rock sin saber música
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ROXANNE
The Police
The Police tenía que ir a telonear a una banda a París, pero el concierto se canceló.
Mientras los otros dos miembros del grupo deciden ir al cine, Sting, el bajista y líder de
la banda, prefirió salir a caminar por el conocido barrio de Pigalle, lugar donde solían
trabajar las prostitutas. Sting decidió dedicarle una canción a una de ellas y la llamó
Roxanne, el mismo nombre de la amada de Cyrano de Bergerac.
En principio era una bossa-nova, pero junto con su compañero, el batería Stewart
Copeland, le pone el ritmo reggae y el coro punk que ha hecho que Roxanne pase a la
historia.
La canción se incluyó en el primer álbum, del grupo, Outlandos D’Amour (1978), el
primero de una exitosa carrera que continuaría el líder Sting (“aguijón”, llamado así por
un jersey a rayas que llevaba de joven). The Police se considera el grupo más exitoso de
los años ochenta, gracias a su mezcla de punk y reggae, y uno de los mejores
exponentes del estilo denominado new wave.
CLAVE: Sting, new wave y reggae blanco cantan a una prostituta
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HIGHWAY TO HELL
AC/DC
Podría ser un rito iniciático para el satanismo, pero esta canción de esta célebre banda
australiana debe su título, según la leyenda, a unas declaraciones de su famoso
guitarrista, Angus Young, que aún se viste de colegial para los conciertos. Young
explicaba la tortura que podían resultar las giras de conciertos: cuando se está en la
carretera en un autobús durmiendo con el calcetín oloroso de otra persona en tu cara es como
estar en una autopista al infierno. Otras teorías hablan de que la “autopista al infierno”
era la que estaba al lado de la taberna habitual del vocalista Bon Scott.
Desgraciadamente, Scott apareció muerto en el asiento trasero de un coche de un
amigo seis meses después de este éxito de 1979.
AC/DC es la abreviación, en inglés, de “corriente alterna/corriente continua”
(alternating current/direct current), que indica que un dispositivo eléctrico puede
conectarse a la red eléctrica alterna y convertirla en continua. Los hermanos Angus y
Malcolm Young lo vieron escrito en la máquina de coser de su hermana y sintieron que
ese nombre simbolizaba la energía de la banda, famosa por sus potentes directos.
CLAVE: Otro himno del heavy metal
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RAPPER’S DELIGHT
The Sugarhill Gang
Aunque no es la primera canción en incluir rapeos, Rapper’s Delight (1979) está
generalmente considerado como la primera canción en popularizar el hip hop.
Sugarhill Gang no tuvieron demasiado prestigio en el mundo del rap y desaparecieron
de la escena poco después de este bombazo comercial.
Rapper’s Delight dura 14’36’’ y en su letra se dicen unas tres mil palabras. La parte
instrumental está copiada de otra canción, Good Times (1979), del grupo Chic. Esto
convirtió al tema en pionero en otro aspecto: fue el primer disco de hip hop
denunciado por infracción de derechos de autor.
Décadas después Las Ketchup se hicieron mundialmente famosas con el Aserejé, una
traducción fonética al español del estribillo del Rapper’s Delight. I said a hip hop the
hippie the hippie to the hip hip hop, a you don't the rock it to the bang bang boogie say up
jumped the boogie to the rhythm of the boogie, the beat se convirtió en Aserejé, já, dejé,
dejebe tu de jebere sebiounouva, majabi and de bugui and de buididipí. Vendieron más de
siete millones de discos.
CLAVE: Aserejé ja dejé… primer rap de la historia
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LOVE WILL
TEAR US APART
Joy Division
Ian Curtis, el líder, compositor y cantante de Joy Division se suicidó en 1980, un mes
después de lanzar Love Will Tear Us Apart, cuya letra decribía su matrimonio fallido y su
relación con una chica seguidora de la banda. Tras el suicidio de Curtis el tema se
convirtió en el único sencillo exitoso de la banda, siendo nº13 de las listas británicas.
La banda se separó después de la muerte de Curtis y los miembros restantes formaron
New Order, que seguiría la estela del grupo.
Joy División significa División Alegría, pero no hace referencia a nada alegre, sino a las
mujeres judías usadas como esclavas sexuales en los campos de concentración nazis.
Es más, su sonido no es nada alegre y se se considera un grupo de culto crucial para la
creación del género gothic rock. Su oscuro y tenebroso sonido, con una línea de bajo
potente y la melodía timbrada con la suave voz de barítono de Curtis influyó en grupos
como The Cure o Depeche Mode. Un crítico afirmó del grupo que eran la primera
banda del movimiento post-punk en enfatizar no la cólera y la energía, sino el estado de
ánimo y la palabra, dando pie al advenimiento de la melancólica música alternativa de los 80.
CLAVE: Los primeros góticos
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AVALON
Roxy Music
Avalon fue uno de los sencillos del álbum del mismo título editado en 1982, el último de
Roxy Music. Este grupo llevaba desde mediados de los setenta liderando la
experimentación en el rock, sobre todo gracias a su teclista, Brian Eno, que con su
sintetizador le confirió a su sonido una característica textura que influiría en gran
cantidad de estilos e intérpretes posteriores.
Sin embargo, Eno abandonó la banda en1973 por diferencias creativas con el cantante,
Bryan Ferry, tras lo cual comienza una extensa e importante carrera solista y como
productor.
La partida de Eno consolidó el liderazgo de Ferry, aunque la banda perdió gran parte de
su aspecto experimental, por lo que su sonido se concentró en el aspecto más
"elegante" y "decadente", y en las baladas y la voz de Ferry, imagen de los llamados
“nuevos románticos” de los ochenta, que con sus bien planchados trajes eran todo lo
opuesto a la moda punk.
CLAVE: Nuevos románticos con sintetizadores
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BORN IN THE USA
Bruce Springsteen
En 1984 Bruce Springsteen, apodado The Boss (El Jefe), alcanzó el estatus de estrella
internacional y de ídolo en Estados Unidos gracias al disco Born in the U.S.A., que vendió
más de 15 millones de copias en todo el mundo. La canción que da título al álbum era
un amargo comentario sobre el trato al que eran sometidos los veteranos de Vietnam,
algunos amigos de Springsteen. Sin embargo, la canción fue interpretada erróneamente
como un himno de orgullo estadounidense e incluso fue usada en la campaña
presidencial de 1984.
Gran parte del éxito de Springsteen deriva de su vinculación a la E Street Band,
presente en gran parte de sus grabaciones y relevante por su particular sonido y
profesionalidad en el escenario, llegando a ofrecer conciertos de más de tres horas de
duración.
En su extensa trayectoria musical Bruce Springsteen ha sido galardonado con
numerosos premios, incluyendo 20 premios Grammy y un Oscar por la canción Streets
of Philadelphia. Ha vendido 120 millones de discos en todo el mundo.
CLAVE: Himno oficioso de los estadounidenses
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THRILLER
Michael Jackson
Zombies bailando al ritmo del rock liderados por Michael Jackson, con cazadora de
cuero roja y negra: esta imagen ya es un icono cultural. El vídeo de Thriller (1984),
dirigido por John Landis, dura 14 minutos y es considerado el mejor videoclip de la
historia. Incluye un gran trabajo de maquillaje y efectos especiales y cuenta una historia
de terror, ambientada por la voz del actor del género Vincent Price. La canción está
producida por Quincy Jones y forma parte de un álbum homónimo que contiene otros
muchos éxitos como Billie Jean o Beat it. El disco supuso la consagración de la carrera
solista de Jackson, que comenzó a los 14 años cuando abandonó The Jackson Five, en el
que cantaba junto a sus hermanos desde los cinco años.
Tras Thriller vinieron otros éxitos como Bad o Dangerous, sus antológicos pasos de baile
como el “moonwalker” y sus iniciativas solidarias: organizó We are the world, una canción
donde las estrellas del rock participaron para recaudar fondos contra el hambre del
Tercer Mundo. Pero también vinieron sus excentricidades, sus operaciones de estética y
sus problemas con la justicia (fue acusado aunque absuelto de pederastia dos veces).
Murió repentinamente en 2009, supuestamente por abuso de calmantes.
CLAVE: El rey del pop en el mundo de los zombies
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WHEN DOVES CRY
Prince
Purple Rain (1984), disco y película, supusieron el estrellato masivo para Prince. El disco
vendió más de 15 millones de copias solo en Estados Unidos, la película rompió marcas
de taquilla y la posterior gira norteamericana fue vista por más de un millón de
personas. Prince ganó por este álbum tres Grammys y un Óscar a la mejor canción
por el tema que da nombre al disco.
When Doves Cry, otro éxito del disco, representa el estilo desarrollado por Prince, el
“sonido Minneapolis”, una evolución del soul y el funk de las décadas anteriores. El
vídeo también es un claro ejemplo de la estética del cantante, que derrocha sensualidad
y ambigüedad a partes iguales.
Prince es multi-instrumentista (en su primer disco todos los instrumentos están
tocados por él) y compositor de todos sus temas. En 1992, por problemas con su
compañía discográfica, decidió cambiar su nombre artístico por un símbolo
impronunciable, por lo que en la actualidad se le llama “el artista anteriormente
conocido como Prince”.
CLAVE: El artista anteriormente conocido como Prince
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LIKE A VIRGIN
Madonna
Los estudiosos han acreditado Like a Virgin (1984) como la canción que consolidó el
lugar de Madonna en la escena musical pop. La ambigüedad de su letra, en las que sus
insinuaciones pueden tomarse como explícitamente sexuales, causó un gran efecto en
la sociedad de los años 80. Los grupos familiares intentaron prohibirla porque
consideraban que la canción promovía el sexo sin matrimonio. Por otra parte, la
imagen pública de Madonna como una mujer indomable, sin vergüenza sexual y segura
de su poder, fue ampliamente aceptada por las generaciones más jóvenes que imitaron
su estilo y la moda.
La presentación de la canción tuvo lugar en la ceremonia inaugural de los premios MTV
Video Music Awards, emitida en directo en 984. Nadie sabía nada acerca de esta nueva
canción que llevaba el atrevido título Como Una Virgen. Madonna apareció en el
escenario vestida de novia sobre una tarta de bodas y en medio de la actuación se saltó
todos los ensayos revolcándose sobre el suelo del escenario: las cámaras tuvieron que
seguirla sin saber lo que estaba haciendo. El sencillo se publicó poco después y es uno
de los más vendidos de la historia.
CLAVE: Comienza el reinado de Madonna
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THERE IS A LIGHT
THAT NEVER GOES OUT
The Smiths
Esta canción de 1986, perteneciente al disco The Queen is Dead, es considerada como
una de las canciones de amor trágico más profundas jamás escritas, y una de las piezas
poéticas más importantes de la música popular contemporánea, tanto que han sido
grabadas más de 20 versiones en varios idiomas.
Sus intérpretes, The Smiths, un cuarteto de Manchester liderado por Jhonny Marr
(guitarrista) y Morrissey (cantante) son el referente del estilo indie, caracterizado por
intentar su difusión fuera de los circuitos musicales convencionales, con discográficas
independientes. El sello con el que firmaron The Smiths fue Rough Trade Records, con
el que lanzaron cuatro álbumes de estudio y varias recopilaciones, así como numerosos
sencillos. Consiguieron un notable éxito comercial fuera del Reino Unido cuando aún
estaban juntos, pero nunca logró mucha notoriedad país de origen.
La banda se separó en 1987 en medio de desacuerdos entre Morrissey y Marr y desde
entonces han rechazado varias ofertas para reunirse de nuevo. En España es bastante
conocida la versión en castellano del ex-miembro de Duncan Dhu Mikel Erentxun.
CLAVE: Referentes del pop indie con una canción de amor
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SLEDGEHAMMER
Peter Gabriel
El videoclip de Sledgehammer (1986) fue revolucionario por el uso del Stop-motion, la
animación por medio de la sucesión de fotografías. Emblema del rock y el pop, Peter
Gabriel también fue uno de los primeros en usar el stage diving, el uso de trajes y
disfraces en sus espectáculos, hoy célebre por artistas como Lady Gaga.
En 1967 fundó Genesis, que lideró durante una década y que tras su abandono
continuó una exitosa carrera con Phil Collins al frente. Como solista sus primeros
álbumes no tienen título, sólo su nombre y su cara. Cuando su compañía le obligó a
titular se limitó a palabras como So (1986), Us (1992) y Up (2002).
En los 80 fue pionero en la fusión con músicas étnicas, con percusiones de inspiración
africana en sus temas y guiños a otras culturas. De hecho su figura se encuentra
estrechamente ligada a los festivales WOMAD de música étnica y su discográfica Real
World ha permitido grabar discos y difundir su música a autores de todos los lugares
de la tierra. Es un firme defensor de los Derechos Humanos y ha participado en
multitudinarios conciertos de Amnistía Internacional.
CLAVE: Pionero en puesta en escena y en música étnica
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FIGHT FOR YOUR RIGHT
Bestie Boys
Los Beastie Boys son considerados pioneros del hip hop y el rap. Su álbum Licensed To ill
(1986) fue el primer disco de rap en ganar multiplatino, repleto de letras con malas
actitudes adolescentes y de samples de cualquier fuente, desde Led Zeppelin a sintonías
de televisión. Lo paradójico es que, si bien ganaron una demanda por apropiación ilícita
de uno de sus temas a una compañía aérea británica, ellos mismos serían luego
demandados por los artistas sampleados en sus canciones.
El tremendo éxito de su debut rapero derivó en polémicas giras que incluían strippers
danzando enjauladas y el cantante Adam Yaucht (apodado MCA) lanzando chorros de
cerveza. El collar de Mike D con el logo de Volkswagen motivó una ola de delincuencia
juvenil, con robos en los coches de la compañía.
Los Beasties se enfrentaron con su sello Def Jam por "contratos impagados" y mala
gestión de royalties, lo que les llevó en1988 a retirarse de la compañía discográfica que
albergaba también a estrellas del cada vez más popular mundo hip hop como LL Cool J
o Public Enemy, con quienes compartieron escenarios en el "Def Jam Tour" de 1987.
CLAVE: Hip hop pionero, y resulta que son blancos
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WITH OR WITHOUT YOU
U2
El día de San Patricio de 1978 U2, una banda que había sido formada por cuatro amigos
en el instituto, ganó un concurso de talentos en Limerick, Irlanda. El premio consistía en
500 libras y la oportunidad de grabar una maqueta para la división irlandesa de la
importante discográfica CBS. En septiembre de 1979 sacaban su primer disco, Three.
Álbum tras álbum fueron labrándose una reputación sobre todo por sus directos. En
1983 publicaron War y su gira de conciertos agotó entradas en Europa y EE.UU. La
imagen de Bono, su vocalista, con una bandera blanca durante las presentaciones de
Sunday Bloody Sunday (que criticaba los sucesos del denominado “Domingo Sangriento”
en Irlanda) se convirtió en la imagen icónica de la gira.
Pero el verdadero bombazo llegó con The JoshuaTree en 1987, que con temas como
With or without you (“Ni contigo ni sin ti”) se convirtió en el álbum de ventas más
rápidas en la historia de las listas de popularidad de Reino Unido, y fue número uno en
Estados Unidos por nueve semanas consecutivas.
La banda también ha destacado por sus labores sociales, especialmente Bono, que ha
sido nominado al Premio Nobel de la Paz en varias ocasiones.
CLAVE: Espectáculo irlandés, comercial pero de calidad
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FAITH
George Michael
Faith (1987) es un tema de George Michael con ligeros toques de rockabilly que
alcanzó el nº1 en EE.UU. y Gran Bretaña. El famoso video lo configuró como una
estrella de los 80: gafas de sol, pendiente y barba incipiente, botas de vaquero, chaqueta
de cuero y un memorable par de Levi's, tocando una guitarra cerca de una gramola.
El primer trabajo en solitario de Michael llegó después de una exitosa carrera
comercial con el dúo Wham!, que formó con un amigo del instituto. Georgios Kyriacos
Panayiotou (su verdadero nombre) compuso y produjo prácticamente todas las
canciones del álbum homónimo, y además tocó un gran número de instrumentos en su
grabación. Faith (que tiene varias de las canciones más célebres de Michael) ha vendido
más de 20 millones de discos.
Curiosamente, el que había sido un sex-symbol en los 80 y principios de los 90 hizo
pública su homosexualidad en 1998, aunque no de una forma muy ortodoxa: la policía
le detuvo en unos baños públicos por supuestos “actos lascivos”. Poco después Michael
hizo una canción, Outside, cuyo vídeo rememoraba con humor este incidente.
CLAVE: Sex symbol de los ochenta y los noventa
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I WILL ALWAYS LOVE YOU
Whitney Houston
La version de I will always love you de Houston fue el primer sencillo publicado de la
banda sonora de la película The Bodyguard (El guardaespaldas), en donde Whitney
Houston debutó como actriz. Fue un hit mundial en 1992 y la banda sonora vendió más
de 48 millones de copias. En realidad la canción fue compuesta en 1973 por la cantante
country y también actriz Dolly Parton.
Houston es la artista más galardonada de todos los tiempos, con 415 premios en su
carrera y también es una de las artistas que ha vendido más discos en todo el mundo.
Su madre, Cissy Houston, y su madrina, Aretha Franklin, ya eran destacadas cantantes
de soul. A los 11 años empezó su formación en un coro infantil de iglesia y su talento
fue descubierto tiempo después cantando con su madre en clubes nocturnos de Nueva
York. Saltó con su álbum Whitney Houston (1985), que vendió 30 millones de copias.
Su carrera se fue debilitando tras I will always love you, a medida que era evidente su
drogodependencia, y hubo de retirarse un tiempo de los escenarios. Parecía
recuperada, por eso su muerte en 2012 fue una decepcionante sorpresa para sus fans.
CLAVE: La voz más espectacular en la balada más memorable
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SMELL LIKE TEEN SPIRITS
Nirvana
Smells Like Teen Spirit (1991), del primer álbum de Nirvana, Nevermind, es considerada
como uno de los himnos de la música de los años noventa. Debido a su éxito masivo y
a lo diferente que era de las composiciones habituales de rock de los ochenta,
dominada por bandas de glam metal o retro, revivió la popularidad del rock, abriendo la
puerta al triunfo del grunge en los noventa. Además, esta popularidad del grunge fue la
responsable del renovado interés comercial por el rock alternativo,con grupos como
Soundgarden o Pearl Jam.
Se cree que el término grunge proviene de una pronunciación relajada del adjetivo
grungy (sucio, mugre). Como género musical se caracteriza por las guitarras
distorsionadas, melodías pegadizas y repetitivas, y batería pesada de herencia punk y
heavy metal. Una gran parte de las bandas grunge provenían de la ciudad de Seattle y
trabajaban con sellos musicales independientes.
La corta carrera de Nirvana concluyó con la muerte de su vocalista Kurt Cobain, que
se suicidó con 27 años (la edad maldita del rock) en 1994.
CLAVE: La explosión del grunge
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STAN
Eminem
El verdadero nombre del autor de Stan es Marshall Bruce Mathers. Rapero, productor
discográfico y actor estadounidense, se hizo popular en 1999 con The Slim Shady LP. Ya
entonces llamaron la atención sus controvertidas letras: se le ha tildado de racista,
machista y homófobo, y de invitar a la violencia y al asesinato en sus letras.
The Marshall Mathers LP se lanzó en el 2000 y rápidamente vendió 2,5 millones de
copias. Su sencillo Stan cuenta una historia sobre un fanático que está obsesionado con
Eminem y que le escribe varias cartas sin recibir respuesta. Eminem comienza cantando
como Stan, mientras que en la cuarta canta como él mismo respondiéndole. Al final de
la última estrofa se da cuenta de que Stan se ha suicidado. La canción combina de
forma magistral el rapeo de Eminem con una pegadiza melodía cantada por la vocalista
londinense Dido, que originariamente pertenecía a la canción Thank You.
Eminem debutó como actor protagonista con la película 8 Mile (2002), cuyo argumento
tiene paralelismos con la vida del rapero, criado en los suburbios de Detroit, a 8 millas
del centro de la ciudad. Ganó un Oscar a la mejor canción por Lose Yourself.
CLAVE: Rap y sample de melodía, combinación perfecta
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REHAB
Amy Winehouse
Amy Winehouse ha sido una de las últimas estrellas en ingresar en el selecto “club de
los 27” al morir con esa edad en julio de 2011. Su fulgurante y corta carrera se vio
siempre ensombrecida por sus problemas con las drogas, y resulta paradójico que su
canción más célebre se titule Rehab (“Rehabilitación”), donde se resiste a someterse a
una cura de desintoxicación.
Winehouse mostró una temprana vocación musical: a los diez años fundó una banda
de rap y comenzó a componer a los catorce. Al poco tiempo, empezó a presentarse en
pequeños bares de Londres, por la zona del famoso mercado de Camden Town, hasta
que logró firmar su primer contrato con una discográfica a la edad de dieciséis años.
Su trabajo más aclamado, el álbum Back to Black, es considerada la reinvención del R&B
y el sonido Motown, y fue el triunfador en la ceremonia de los Grammy de 2008,
ganando cinco galardones. Winehouse tuvo que actuar vía satélite desde Londres, ya
que EE.UU. le denegó el visado debido a uso y abuso de narcóticos, y aunque esta
decisión fue reconsiderada, no llegó a tiempo para que la artista pudiera asistir a la gala.
CLAVE: Una diva del R&B en el 2008
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