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Allegro HD – Destacados de Programación – Septiembre 2016
Destacados de Programación – Septiembre 2016
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Allegro HD – Destacados de Programación – Septiembre 2016
Destacados de Programación
Septiembre 2016
CONCIERTO – Los 12 violonchelistas de la Filarmónica de Berlin: 40 años – 2 de septiembre
– Pág. 3
CONCIERTO – Sinfonía n.º 9 de Gustav Mahler: Leonard Bernstein & Filarmónica de Viena –
Estreno 2 de septiembre – Pág. 5
WORLD – Fantasmas Cortazar: Diego Losa – Estreno 3 de septiembre – Pág. 7
CONCIERTO – Lang Lang en Schönbrunn: Orquesta Filarmónica de Viena & Zubin Mehta – 3
de septiembre – Pág. 9
ICONOS – Sting: Live en Berlin – 3 de septiembre – Pág. 11
CONCIERTO – Festival de Verbier celebra Martha Argerich – 4 de septiembre – Pág. 13
ICONOS – Peter Frampton Live – 4 de septiembre – Pág. 15
CONCIERTO – Sinfonía n.º 10 de Gustav Mahler: Leonard Bernstein & Filarmónica de Viena –
Estreno 9 de septiembre – Pág. 17
ÓPERA – L’elisir d’amore: ópera en dos actos de Gaetano Donizetti – Estreno 10 de
septiembre – Pág. 19
ICONOS – Phil Collins: Live en Montreux – 10 de septiembre – Pág. 21
CONCIERTO – Orquesta de Cámara Nouvelle Europe: Serenata para cuerda Op. 22, de
Antonín Dvořák – Estreno 17 de septiembre – Pág. 23
CONCIERTO – Gustavo Hernández Trío – Estreno 17 de septiembre – Pág. 25
ÓPERA – Macbeth: ópera en cuatro actos de Giuseppe Verdi – Estreno 17 de septiembre –
Pág. 27
DOCUMENTAL – Frank Sinatra, la voz de América – Estreno 17 de septiembre – Pág. 29
CONCIERTO – Rapshody in Blue: Herbie Hancock, Gustavo Dudamel & Filarmónica de Los
Angeles – Estreno 18 de septiembre – Pág. 31
ICONOS – Peter Gabriel: New Blood Live – 19 de septiembre – Pág. 33
CONCIERTO – Celebración Liszt: Pierre Boulez, Daniel Barenboim & Orquesta Estatal de
Berlin – Estreno 23 de agosto – Pág. 35
CONCIERTO – Concierto para Europa 2014 – 24 de septiembre – Pág. 37
ÓPERA – La Bohème: una película de Robert Dornhelm – Estreno 24 de septiembre – Pág. 39
CONCIERTO – Vladimir Cosma en vivo en el Grand Rex – Estreno 24 de septiembre – Pág. 41
JAZZ – André Manoukian: So in love – Estreno 25 de septiembre – Pág. 43
CONCIERTO – Murray Perahia en vivo en Varsovia: interpreta Bach, Beethoven & Chopin –
Estreno 30 de septiembre – Pág. 45
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Concierto: Los 12 violonchelistas de
la Filarmónica de Berlin
40 años
2 de septiembre
16:30 Argentina/Uruguay | 14:30 Colombia/Ecuador
Doce maestros, doce talentos, millones de seguidores que durante 40 años han disfrutado
su particular virtuosismo y amplio repertorio.
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Género: concierto, música clásica, impresionsimo, música vocal, violonchelo.
Intérpretes: 12 violonchelistas de la Filarmónica de Berlín; Annette Dasch, Till Brönner.
Año: 2012.
Lugar: Philharmonie, Berlin.
Duración: 115 minutos.
Desde 1972 los 12 violonchelistas de la Filarmónica de Berlín han tenido un inmenso
reconocimiento en la escena internacional. No importa si interpretan música clásica, jazz,
tango o nuevas tendencias, los oyentes de todo el mundo se fascinan con el sorprendente
rango y el extraordinario color que estos doce instrumentistas pueden producir.
Esa fascinante mezcla de seriedad y humor, de profundidad o ligereza, atrae a
audiencias de todas las edades. Son en verdad un testimonio viviente de talento, de
continuidad, de capacidad de comunicación con públicos de diversos gustos y preferencias.
En esta grabación en vivo de la Filarmónica de Berlín, los doce violonchelistas dan la
bienvenida a la excepcional cantante Anette Dasch y al inigualable trompetista Till
Brönner. Interpretan obras que van desde el repetorio clásico y habitual en las salas de
conciertos, a piezas de autores más cercanos a la música popular urbana. Podrá disfrutar de
obras de Astor Piazzolla, Gabriel Fauré, Michel Legrand, Claude Debussy, Maurice Ravel,
Ennio Morricone o Duke Ellington, entre otros variados compositores, además de arreglos de
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obras de The Beatles o Édith Piaf.
Concierto: Los 12 violonchelistas de la Filarmónica de
Berlin
40 años
2 de septiembre
16:30 Argentina/Uruguay | 14:30 Colombia/Ecuador
Sinopsis:
Una inagotable fuente de talento y encanto en estos 12 violonchelistas de la Filarmónica de Berlin,
que durante cuarenta años han conquistado multitudes con su variedad interpretativa y su carisma
musical. Una de las formaciones más curiosas e interesantes en el panorama internacional
directamente a su casa.
Enlaces de imágenes:
www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00021_The_12_Cellists_1.jpg
www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00021_The_12_Cellists_2.jpg
www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00021_The_12_Cellists_3.jpg
www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00021_The_12_Cellists_4.jpg
www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00021_The_12_Cellists_5.jpg
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Concierto: Sinfonía n.º 9 de Gustav
Mahler
Leonard Bernstein & Filarmónica de Viena
Estreno 2 de septiembre
21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador
El gran director estadounidense continúa su periplo mahleriano al frente de la gran
orquesta vienesa.
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Género: concierto, música clásica, postromanticismo, música sinfónica.
Director: Leonard Bernstein.
Orquesta: Orquesta Filarmónica de Viena.
Año: 1972.
Lugar: Philharmonie, Berlin.
Duración: 89 minutos.
Gustav Mahler (1860-1911), compositor y director austriaco, escribió obras de gran
formato sinfónico y lieder –muchos de ellos con orquesta– y desarrolló una carrera como
director de orquesta que se tornó poderosa e innovadora, proporcionando un modelo del
idealismo postwagneriano para el teatro musical alemán. Sus composiciones fueron
consideradas inicialmente por algunos como excéntricas y por otros como nuevas
expresiones del modernismo de la Nueva Alemania, ampliamente asociada con Richard
Strauss. Sólo durante la última década sus obras comienzan a disfrutar del apoyo crítico y
el éxito del público, que ayudó a asegurar la supervivencia póstuma de su reputación como
compositor más allá de los años del nacionalsocialismo en Alemania y Austria. Mahler sufrió
el destino de innumerables compositores de origen judío que fueron prohibidos en un
momento en que su música era todavía poco conocida y comprendida fuera de los países de
habla alemana de Europa. El centenario de su nacimiento en 1960 inspiró el
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redescubrimiento popular de sus sinfonías, sobre todo en Inglaterra y los EE.UU., donde
se hicieron rápidamente con un público joven y entusiasta. La tensión, el compromiso
apasionado y el poder a menudo catártico de su música adquirieron una resonancia que
se vio incrementada, en un periodo marcado por los movimientos de protesta, por la
experimentación crítica y por unas ideas y estilos de vida poco convencionales. Hoy día es
visto como una figura histórica que emerge como un mediador entre la tradición musical
austro-alemana y los principios de la modernidad del siglo XX.
Compuesta entre 1908 y 1909, la Sinfonía n.º 9 en su última sinfonía completa y un
extraordinario final para su ciclo sinfónico, que todavía tendrá que completarse con la
Décima –inacabada–. Está considerada como el testamento del compositor, el gran final
para una autobiografía plasmada en sus obras, una especie de cataclismo humano de
espesa hondura como solo Mahler es capaz de plasmar sobre el papel. Para muchos es la
forma más humana y maravillosa que tuvo de despedirse de este mundo. Una obra que ya
desde el primer movimiento parece esbozar su mundo, pero no un mundo cualquiera, sino
su mundo interior, rico y profundo, el cual tendrá que recomponerse desde el inicio,
cuando se muestra casi desmoronado, como un reflejo de su vida rota por todo lo que vivido
y sufrido. Cuando la compuso Mahler ya había sufrido las tres grandes tragedias que
marcarían sus últimos años de existencia: la muerte de su hija mayor, su dimisión de la
Ópera de Viena y el diagnóstico de una lesión cardíaca, la cual pondría fin a su vida en 1911.
Además, la relación que su esposa Alma mantenía con el arquitecto Walter Gropius fue un
trago verdaderamente amargo que soportar. Es sin duda un reflejo de esos hechos, pero
también de los vividos mucho antes, los que marcaron toda su vida: nueve de sus catorce
hermanos murieron durante la infancia, su hermano Otto se suicidó siendo ya adulto, la
muerte de su suegra por un fulminante ataque al corazón durante el funeral de la pequeña
María…
A diferencia de otras de sus creaciones, que abren perspectivas hacia nuevos paisajes,
la Novena de Mahler es claramente un final de viaje, un último regalo con el que cierra no
sólo la vida creativa del genial autor, sino también–más de una forma poética que literal–
el Romanticismo como movimiento cultural hegemónico, además de la existencia de la
sinfonía como gran género orquestal. Estrenada en 1912, con la batuta de Bruno Walter
al frente de la Filarmónica de Viena, al año siguiente de la muerte de Mahler, la obra fue
elogiada con total admiración por algunos de los grandes intérpretes del momento: «Es
una música que viene de otro mundo, viene desde la eternidad» [Karajan]; «Esta sinfonía
no es solo la última, sino su mayor logro» [Klemperer]; «Es como si esta sinfonía fuera la
obra de un oculto artista superior que utilizó a Mahler como su portavoz» [Schönberg].
Concierto: Sinfonía n.º 9 de Gustav Mahler
Leonard Bernstein & Filarmónica de Viena
Estreno 2 de septiembre
21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador
Sinopsis:
Leonard Bernstein dirige una vez más a la excepcional Orquesta Filarmónica de Viena, para cerrar
casi la integral, con la interpretación de la última sinfonía completa que Mahler legó a la
humanidad. Un evento único para no perderse.
Enlaces de imágenes:
www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00289_Sinfonia_9_Mahler_Bernstein_1.jpg
www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00289_Sinfonia_9_Mahler_Bernstein_2.jpg
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World: Fantasmas Cortazar
Diego Losa
Estreno 3 de septiembre
16:45 Argentina/Uruguay | 14:45 Colombia/Ecuador
Una inmersión de lleno en un mundo onírico y espectral por medio de la música del artista
argentino y una videoproyecciones fascinantes.
 Género: concierto, música popular urbana, música contemporánea, electrónica.
 Intérpretes: Diego Losa [música], Sabrina Montiel-Soto [retroproyección], Fabrice Croizé
[videoproyección].
 Año: 2013.
 Lugar: Paris, Bruselas.
 Duración: 30 minutos.
Nacido en Buenos Aires en 1962, Diego Losa estudió música en Argentina, donde
aprendió flauta, saxofón y armonía, además de nuevas técnicas de análisis musical. Obtuvo
el master en práctica orquestal como un intérprete de música. Más tarde se especializó
en técnicas de ingeniería de sonido y adquirió experiencia en la práctica de herramientas
digitales contemporáneas. Fue designado jefe de proyecto en la digitalización y
realización de las grandes obras de INA-GMR, donde también se encargó de la gestión de la
producción y el apoyo técnico a los músicos invitados. Antes de establecerse en Francia,
en 1996, fue nombrado director técnico de LIPM (Laboratorio de Investigación y Producción
Musical), en Buenos Aires, que implicaba también la gestión y la producción de un teatro
y el Centro de Arte de Buenos Aires. También enseñó técnicas de composición de música
electrónica en la Universidad de Córdoba y Rosario-Santa Fe. Actualmente es profesor en
la Escuela Internacional de Cine de Paris, en el Conservatorio Regional del St. Etienne y en
la Universidad de la Sorbona. Es miembro del INA-GRM [Groupe de recherches musicales
développe des activités de création et de recherche dans le domaine du son et des musiques
électroacoustiques] desde 1998. Diego Losa compone piezas para danza, circo
contemporáneo y cine. Las piezas de música electrónica han tenido un enfoque especial
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a lo largo de su carrera. También se une a otros músicos de vez en cuando para interpretar
conciertos con música tradicional de América del Sur, pero también jazz contemporáneo
y música electrónica.
Fantasmas Cortazar en una producción audiovisual que cubre un amplio espectro
artístico, especialmente con la música electrónica y electroacústica, además de las
retroproyecciones y videoproyecciones. Este fantasma, que puede ser un sonido, una
imagen, un ectoplasma, un pensamiento absurdo, parece la metáfora de algo extraño
que se extiende el vientre de nuestra sociedad y despliega su imaginación devastadora.
30 minutos de inmersión de sonido, que hacen perderse al espectador en un laberinto de
secretos manipulados en vivo. Fantasmas Cortazar visita los fantasmas de Julio Cortázar,
el famoso escritor argentino, nacido en Bélgica y muerto en París, autor de numeroso e
inmorales cuentos, poemas y textos que ofrecen el absurdo en lo cotidiano. Se invita al
público a dejar que su imaginación vague por el mundo de los espíritus, los fantasmas y
otras apariciones. Guiados por la voz y el pensamiento de Cortázar, se invita al espectador
a un viaje misterioso y poético.
Es a través de este universo de mundos surrealistas que se toca el fantasma de Cortázar.
Él está allí, en un diálogo con el espectador, pero también con Gardel, Borges, Evita y otra
composiciones fantasmagóricas del imaginario colectivo argentino cuando se piensa en
Buenos Aires. El espectador sigue el sonido de su voz, que se deja llevar por la música
compuesta en vivo, desde los sonidos de la vida cotidiana, que luego pasan a ser
deformados, aplastado y espaciados. Este viaje es un susurro que crece a la
desorientación. El espectador puede sumergirse de uno a otro lugar, libremente, sin
esfuerzo ya que el sonido se convierte en su hogar. Es también un espacio de apertura y
una fragmentación narrativa, que se integra en la historia gracias a las proyecciones que
surgen de acuerdo con el sonido. Las imágenes están ahí para decir, transformar,
transfigurar la visión real y su interpretación. Es una recodificación de la realidad que
lleva a un laberinto sin fin, ya que la imagen está hecha de asociación y la realidad del
conjunto híbrido.
World: Fantasmas Cortazar
Diego Losa
Estreno 3 de septiembre
16:45 Argentina/Uruguay | 14:45 Colombia/Ecuador
Sinopsis:
Un evento que va más allá de lo musical. Diego Losa ha creado, junto a Sabrina Montiel-Soto y
Fabrice Croizé, un mundo que traslada al espectador a un mundo que se mueve entre la
deformación de la realidad, el mundo de lo fantasmagórico y la creación musical electrónica. Un
universo de sensaciones que no les dejará indiferentes.
Enlaces de imágenes:
www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00329_Fantasmas_Cortazar_Diego_Losa_1.jpg
www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00329_Fantasmas_Cortazar_Diego_Losa_2.jpg
www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00329_Fantasmas_Cortazar_Diego_Losa_3.jpg
www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00329_Fantasmas_Cortazar_Diego_Losa_4.jpg
www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00329_Fantasmas_Cortazar_Diego_Losa_5.jpg
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Concierto: Lang Lang en Schönbrunn
Filarmónica de Viena & Zubin Mehta
3 de septiembre
20:10 Argentina/Uruguay | 18:10 Colombia/Ecuador
Uno de los pianistas más importantes del panorama internacional en una ubicación digna
de emperadores.
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Género: concierto, música clásica, música romántica, piano.
Intérpretes: Lang Lang.
Director: Zubin Metha.
Orquesta: Orquesta Filarmónica de Viena.
Año: 2008.
Lugar: Palacio de Schönbrunn, Viena.
 Duración: 102 minutos.
Si hay algún pianista que levante pasiones y muevas masas en la actualidad ese es Lang
Lang. El pianista chino, niño prodigio que forjó su carrera desde los tres años de edad, ha
sabido hacerse con el piano merced a su exorbitado virtuosismo y su apariencia juvenil y
desenfadada. Sin duda, Lang ha dado una vuelta de tuerca más al mundo del piano. Quizá
fue el que abrió el camino a toda esa estirpe de pianistas asiáticos que están poblando el
panorama internacional de la música clásica en los últimos años.
Las dos obras principales que se interpretan en el presente concierto son el Concierto
para piano n.º 2, de Frédéric Chopin (1810–1849) y la Sinfonía n.º 5 de Ludwig van Beethoven
(1770–1827). La primera de la obras fue compuesta por el autor polaco en 1836, estando
dedicado en su primera edición a la Condesa Delphine Potocka. Lo compone en un momento
en el que acaba de sufrir el desengaño por su amor hacia la dulce María Wodzinska y en
el que ver surgir un prometedor avance en su amistad con la escritora George Sand, hacia
la cual había experimentado anteriormente cierta antipatía. En ese momento, en el que
permaneció en Viena durante un breve tiempo, advirtió a Chopin la necesidad de contar
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dentro de su repertorio con algunas obras pertenecientes al género del Concierto para
piano y orquesta y a ello se debe en parte la escritura de este concierto, que aunque
apareció publicado en segundo lugar, fue compuesto con anterioridad al primero de su
serie. Su desarrollo presenta características muy originales si las comparamos con el resto
de la obra del compositor, incluso en cierta medida con su otro concierto.
Una de las más célebres sinfonías de su catálogo y de toda la historia de la música
occidental es sin duda la Sinfonía n.º 5 en Do menor, Op. 67, de Beethoven. Compuesta
entre 1804 y 1808 y estrenada el 22 de diciembre de 1808 en el Theater an der Wien, su
composición fue en realidad un encargo del conde Franz von Oppersdorff en junio de 1807,
a quien le había satisfecho enormemente la cuarta sinfonía, compuesta también por su
encargo. A pesar de ello la obra está dedicada a dos de sus patrones y amigos, el príncipe
Joseph Franz von Lobkowitz y el conde Andrey Razumovsky. El proceso compositivo fue
largo y sopesado, viéndose además interrumpido para la realización de otras obras. Estaba
en un momento vital realmente angustioso, marcado ya por una sordera galopante que
prácticamente le impedía cualquier escucha, y el estado anímico producido tanto por las
relaciones amorosas como por la situación de Europa en aquel momento influyen
poderosamente en la obra. Para E. T. A. Hoffmann esta sinfonía era «una de las obras más
importantes de todos los tiempos». El programa se completa con una serie de obras de
menor calado, protagonizadas por el propio Chopin, de quien se interpreta su Polonesa en
La bemol mayor, Op. 53, magnífico ejemplo de su producción pianística a solo, de la que
Lang es un gran defensor; Franz Liszt (1811–1886), otro de los grandes autores para piano
durante el siglo XIX, está representado aquí por su Rapsodia n.º 2 en Do sostenido menor,
otra de las grandes obras dentro de la literatura pianística a solo, en cuyo virtuosismo
técnico el pianista chino se mueve como pez en el agua; Carl Maria von Webern (1786–1826)
hace una breve aparición con la obertura de su ópera Oberon, una obra poco interpretada.
Dos autores apenas conocidos completan el programa: Joseph Hellmesberger (1855–1907),
del que se interpreta su Leichtfüßis, una polka dentro de la tradición vienesa de estas
danzas, y Eduard Strauss (1835–1916), miembro de la célebre saga de compositores, que
aparece representado a través de su Ohne Bremse, otra polka.
Concierto: Lang Lang en Schönbrunn
Filarmónica de Viena & Zubin Mehta
3 de septiembre
20:10 Argentina/Uruguay | 18:10 Colombia/Ecuador
Sinopsis:
El Palacio de Schönbrunn es sin duda uno de los lugares más emblemáticos de Austria, reflejo de
su esplendor imperial. Grabado en tan excelsa ubicación, presentamos al pianista chino Lang Lagn,
junto a la Orquesta Filarmónica de Viena y la dirección de Zubin Metha, en un programa repleto
de grandes obras, con autores como Frédéric Chopin, Ludwig van Beethoven, Carl Maria von Webern
o Franz Liszt.
Enlaces de imágenes:
www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00155_Lang_Lang_at_Schonbrunn_1.jpg
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Iconos: Sting
En vivo en Berlin
3 de septiembre
23:00 Argentina/Uruguay | 21:00 Colombia/Ecuador
El pop ecléctico de un Englishman, con el apoyo de toda una orquesta sinfónica, para
darle una vuelta de tuerca a algunos de sus clásicos.
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Género: concierto, música clásica, música popular urbana, voz.
Intérpretes: Sting.
Director: Steven Mercurio.
Año: 2010.
Lugar: O2 Arena, Berlin.
Duración: 120 minutos.
Sting (1951) es ampliamente conocido en los escenarios mundiales. Sus canciones han
trascendido su Reino Unido natal Reino Unido para alimentar los corazones de los
seguidores que ha ganado en los cinco continentes. Si bien ya había dado pasos firmes en
su carrera musical a finales de los años setenta, cuando logra relevancia en su carrera, en
la banda que conformó junto a los virtuosos Stewart Copland (baterista) y Andy Summers
(guitarrista). Se trata de la mítica The Police, en la que el músico se desempeñó como
cantante y bajista. Juntos conquistaron un éxito dilatado durante los años ochenta, hasta
su separación. Aunque, la agrupación se ha reunido por breves períodos. Canciones como
Roxanne, Message in a Bottle o Don't Stand So Close to Me, entre muchas otras, aún gozan
de resonancia en la memoria musical de las últimas generaciones.
Sting ha tenido un fructífero desempeño como solista vigente en una nutrida
discografía. Aquel niño que ayudaba a repartir leche a su padre en Newcastle, hoy posee
numerosos reconocimientos por su arte, hay que destacar entre ellos diecisiete premios
Grammy, algunos compartidos con otros músicos. Su estudio de instrumentos como el laúd
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da cuenta de un explorador de su propia tradición expresada en su disco Songs from the
Labyrinth. Se ha considerado a sí mismo como un trovador y en esta oportunidad nos trova
su rock sinfónico.
Este concierto que Allegro HD nos presenta es todo un ejemplo de sus varias décadas de
carrera, en las que ha conseguido situarse en lo más alto dentro de la música popular urbana.
Aquí demuestra toda su capacidad, inspirando al público con magníficas versiones de sus
clásicos: Every Little Thing She Does Is Magic, Englishman in New York, Roxanne, King of
Pain, Every Breath You Take o Fragile, entre otros, que forman parte de un catálogo
permanente en las vidas de muchos espectadores. En este caso el O2 World de Berlín sirvió
de escenario a Sting, sus músicos y a la Royal Philharmonic Concert Orchestra, dirigida por
Steven Mercurio, para esta magnífica visión sinfónica de sus grandes temas.
Iconos: Sting
En vivo en Berlin
3 de septiembre
23:00 Argentina/Uruguay | 21:00 Colombia/Ecuador
Sinopsis:
El cantante británico ofrece un fantástico concierto en el que repasa algunas de sus canciones ya
clásicas, revitalizadas en este concierto de rock sinfónico, con la extraordinaria participación de
la Royal Philharmonic Concert Orchestra.
Enlaces de imágenes:
www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00029_Sting_Live_in_Berlin_1.jpg
www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00029_Sting_Live_in_Berlin_2.jpg
www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00029_Sting_Live_in_Berlin_3.jpg
www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00029_Sting_Live_in_Berlin_4.jpg
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Concierto: Festival de Verbier
celebra Martha Argerich
4 de septiembre
19:05 Argentina/Uruguay | 17:05 Colombia/Ecuador
Gala–concierto en el que Martha Argerich, una de las intérpretes más queridas del festival,
se presenta junto a algunos amigos y artistas de primer nivel mundial.
 Género: concierto, música clásica, piano, música de cámara, romanticismo,
impresionismo.
 Intérpretes: Martha Argerich, Khatia Buniatishvili, Renaud Capuçon, Gautier Capuçon,
Ivry Gitlis, Nelson Goerner, Yuja Wang.
 Año: 2011.
 Lugar: Salle des Combins, Verbier.
 Duración: 53 minutos.
El Festival de Verbier es uno de los más prestigiosos y esperados cada temporada,
tanto por la calidad artística del mismo, como por el impresionante enclave en el que se
desarrolla. A principios de los años noventa, tras doce años como agente de artistas, Martin
T:son Engstroem tenía una ambiciosa idea, crear un festival de verano en el corazón de
los Alpes suizos, lejos de las grandes ciudades donde se llevan a cabo la mayoría de los
festivales. Verbier, una pequeña localidad suiza, tenía el ambiente íntimo que sentía
necesario para fomentar la excelencia musical entendiéndola de otra manera, y al mismo
tiempo ser un festival abierto al mundo. Imaginó un festival con una orquesta juvenil
residente y una academia donde los artistas de renombre enseñaran a las próximas
generaciones, un lugar en el que las audiencias tuvieran una amplia variedad de
actividades, desde la mañana hasta la noche. En 1994 todo esto se hizo realidad. Con la
ayuda de su amigo Avi Shoshani, secretario general de la Orquesta Filarmónica de Israel, la
programación de la primera temporada fue espectacular. En aquel entorno idílico los
artistas, que nunca antes habían tocado juntos, acordaron colaborar en programas de
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música de cámara originales y novedosos, los ahora célebres Rencontres inédites. La
reputación de la Academia Festival de Verbier también comenzó a crecer, gracias a
leyendas de la música como Isaac Stern, que enseñaban a las jóvenes promesas como David
Garrett y Renaud Capuçon. En 1998 se crearon una serie de actividades gratuitas paralelas
al festival, surgiendo así el Fest'Off.
En 2000 se alcanzó otro hito: la creación de la Orquesta del Festival de Verbier (OFV)
bajo la dirección musical de James Levine. 110 músicos de edades comprendidas entre 16
a 29 y de muchas nacionalidades, que eran liderados por jefes de sección de la Orquesta de
la Ópera Metropolitana, se reunieron durante seis conciertos en el Festival, antes de
emprender una gira internacional en otoño. En 2006 se crea la Orquesta de Cámara del
Festival de Verbier (VFCO), en la que se encuentran los músicos más talentosos de la OFV
con el fin de realizar repertorio de cámara junto a grandes solistas. Se agregaron
actividades educativas para adultos y niños. Para el 2010 el festival se traslada desde
aquella gran carpa en los Alpes a un auditorio semipermanente, la Salle des Combins.
El presente recital supone todo un homenaje a la inmensa figura de Martha Argerich,
que en los últimos años ha sido una de las intérpretes más requeridas y aplaudidas por el
festival. La pianista argentina se rodea para la ocasión de un selecto grupo de solistas
para llevar a cabo un exquisito programa de música de cámara en que la música de Ludwig
van Beethoven está muy bien representada en la interpretación de la pianista junto al
violinista Renaud Capuçon de la Sonata para violín y piano Op. 30, nº. 3 en Sol mayor. La
Fantasiestücke de Robert Schumann toma vida en manos de Argerich y el otro hermano
Capuçon, el violonchelista Gautier. Uno de los grandes invitados a la gala es el legendario
violinista israelí Ivry Gitlis, que interpreta piezas junto a tres pianistas que representan
distintas generaciones de mujeres al piano: junto a Khatia Buniatishvili interpreta
Sicilienne, de la compositora Maria Theresa von Paradis; con la jovencísima china Yuja Wang
dan vida a la célebre Mélodie Op. 43, n.º 3; para cerrar, junto a la propia Argerich con dos
obras de Fritz Kreisler: Schön Rosmarin y Liebesleid. El recital se cierra con un arreglo para
piano a cuatro manos de La valse, de Maurice Ravel, en versión de Nelson Goerner y Martha
Argerich. Un recital de primera fila que supone un más que merecido homenaje para una
artista que ha llevado la música clásica y el piano con la bandera argentina por todo el
mundo. Un lujo intergeneracional servido desde los blancos y gélidos Alpes suizos.
Concierto: Festival de Verbier celebra Martha
Argerich
4 de septiembre
19:05 Argentina/Uruguay | 17:05 Colombia/Ecuador
Sinopsis:
Rindan merecido homenaje a la pianista argentina Martha Argerich, una de las más destacadas e
influyentes de las últimas décadas, al igual que lo hace aquí el Festival Verbier en su edición 2011,
con un programa en el que se rodea de grandes amigos, que a su vez son excepcionales intérpretes,
como los hermanaos Capuçon, el legendario violinista Ivry Gitlis o los pianistas Kathia Buniatishvili,
Nelsosn Goerner y Yuja Wang, para hacernos disfrutar de un recital de música cámara de primer
orden.
Enlaces de imágenes:
www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00007_Verbier_2011_Argerich_Celebrates_1.jpg
www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00007_Verbier_2011_Argerich_Celebrates_2.jpg
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Allegro HD – Destacados de Programación – Septiembre 2016
Iconos: Peter Frampton Live
4 de septiembre
20:15 Argentina/Uruguay | 18:15 Colombia/Ecuador
El artista británico presenta algunos de los mejores momentos en directo dentro la gira
que le llevó a celebrar su 35º aniversario su álbum Frampton Comes Alive!
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Género: concierto, rock, pop.
Intérpretes: Peter Frampton.
Año: 2011.
Lugar: Beacon Theatre, New York; Pabst Theater, Milwaukee.
Duración: 100 minutos.
En enero de 1976 el cantante y guitarrista británico Peter Frampton lanzaba al mercado
un álbum, en el sello A&M Records, grabado en directo que lleva por título Frampton Come
Alive! Se trataba de su primer registro en vivo y del quinto lanzamiento de su carrera
discográfica, la cual había comenzado solo cuatro años antes con aquel Wind of Change.
Este ha sido considerado por algunos como uno de los mejores álbumes de rock de la
historia. El éxito avaló su lanzamiento y la fulgurante carrera del británico, puesto que
con once millones de copias vendidas desde entonces está considerado como el disco de
rock en vivo más venido de la historia. Solamente durante aquel 1976 se vendieron seis
millones de copias del doble álbum, por lo que se convirtió en el álbum más vendido del
año en los Estados Unidos. Tras comenzar en el puesto 191 de las listas de vendidas, el
ascenso fue estratosférico y el álbum consiguió alzarse a las pocas semanas al número uno
del Billboard 200 manteniéndose en esta posición durante diez semanas consecutivas.
El disco se grabó durante el verano de 1975 en los conciertos celebrados en lugares como
el Winterland Ballroom de San Francisco, el Long Island Arena de Commack y el SUNY
Plattsburgh de la localidad homónima. Compuesto por catorce temas, todos ellos a
excepción de uno fueron escritos por el propio Frampton. En la grabación participaron
otros tres músicos: Bob Mayo (guitarra, piano, piano Fender, órgano Hammond y vocales),
Stanley Sheldon (bajo y vocales) y John Siomos (batería).
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Allegro HD – Destacados de Programación – Septiembre 2016
En 2001 se editó una edición deluxe de aquella grabación, para conmemorar los 25 años
de la mismso, al igual que para celebrar los 35 años de aquel lanzamiento se proyectó la
Frampton Come Alive! Tour 2011, que comenzó el 15 de junio de aquel año en la localidad
de Red Bank y que visitó un total de sesenta y nueve ciudades a lo largo y ancho de los
Estados Unidos y Canadá, aunque la gira se extendió por otras muchas ciudades de todo
el mundo. Se acompañaba de una pequeña banda, prácticamente igual a la que se utilizó
en aquellos primeros conciertos en directo del 75.
Iconos: Peter Frampton Live
4 de septiembre
20:15 Argentina/Uruguay | 18:15 Colombia/Ecuador
Sinopsis:
Disfruten de Frampton Comes Alive! Tour 2011, un concierto en directo seleccionado con los
mejores momentos de las actuaciones del músico británico en las ciudades de New York y
Milwaukee que formaron parte de su gira mundial para celebrar los 35 años del lanzamiento de
aquel exitoso álbum.
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Allegro HD – Destacados de Programación – Septiembre 2016
Concierto: Sinfonía n.º 10
Leonard Bernstein & Filarmónica de Viena
Estreno 9 de septiembre
21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Colombia/Ecuador
Final del viaje: décima sinfonía, inacabada, de Mahler, en la legendaria versión de este
inigualable tándem musical.
Género: concierto, música clásica, postromanticismo, música sinfónica.
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Director: Leonard Bernstein.
Orquesta: Orquesta Filarmónica de Viena.
Año: 1975.
Lugar: Konzerthaus, Wien.
Duración: 29 minutos.
Para Gustav Mahler (1860-1911) la composición de una sinfonía podía asemejarse a un
acto de creación del universo. En estas sinfonías se muestra todo su mundo interior y
psicológico. Hay en ellas influencias evidentes de los grandes sinfonistas del XIX,
empezando por Beethoven y pasando por Brahms o Bruckner, con elementos hasta del propio
Wagner. De esta manera, al igual que algunos de estos autores, Mahler utilizó elementos y
recursos orquestales que anticipaban ya el siglo XX, en una permanente búsqueda de la
tímbrica particular de cada instrumento y sección, incluso introduciendo el uso de
instrumentos poco convencionales. El elemento coral –que introdujera Beethoven– no es
ajeno en su producción. Una de sus características más acusadas es la escritura
contrapuntística, pues concebía la orquestación como un recurso para conseguir la mayor
inteligibilidad posible de las líneas. La lucha titánica entre su optimismo y zozobra vital,
a partes iguales, está expresada de la forma más compleja y expresiva de cuantas se
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Allegro HD – Destacados de Programación – Septiembre 2016
recuerdan durante el siglo XIX. Su monumentalidad convierte, no solo a cada obra por
separado –que también–, sino a su corpus sinfónico al completo, en la más brillante
grandiosidad y elocuencia introspectiva de la que el ser humano es capaz.
La muerte sorprendería a Mahler en pleno trabajo de composición de la Sinfonía n.º
10, por lo que de ella únicamente ha quedado completo el primero de los movimientos,
su magnífico Adagio. No obstante, la estructura general de la obra también quedó
planteada, e incluso esbozados algunos de los restantes movimientos. Mahler había
planteado que su Décima constara de cinco movimientos: Andante-Adagio, Scherzo I,
Purgatorio (Allegretto moderato), Scherzo II y Finale. Tras la muerte de Mahler, Alma
entregó a Bruno Walter los manuscritos de la Sinfonía n.º 9 y La canción de la tierra para
su estreno. Sin embargo, no hizo igual con los esbozos de la inacabada Décima, que Walter
le aconsejaba destruir. Tras muchas dudas, en 1924 Alma publicó el facsímil del Adagio,
único movimiento completado, y solicitó a su yerno, Ernst Krenek, que estudiase si era
viable terminar la sinfonía. Krenek arregló el Adagio y el tercer movimiento con ayuda
del falsificador de Bruckner, Franz Schalk, además de Otto Jokl y Alexander von Zemlinsky.
Más tarde, el editor Richard Specht animó a Alma a buscar a un compositor de la talla de
Mahler para que lo intentase de nuevo, y durante varios años se trató de convencer a
Shostakovich y a Arnold Schönberg, pero siempre rehusaron la tarea. Las primeras
grabaciones del Adagio datan de los años 50 y se basaron en la versión de Krenek y Jokl,
pero no convencían a la crítica y el público. Por ello en 1960 la BBC pidió al musicólogo
inglés Deryck Cooke que hiciera un estudio sobre ella, para terminar reconstruyéndola
finalmente de nuevo.
En este extenso movimiento predominan las armonías cromáticas y un lenguaje que se
sitúa muchas veces casi en la atonalidad. El uso de recursos como la inversión de los
temas hace que se intuya también la influencia del dodecafonismo. Es un pasaje repleto
de belleza y serenidad, en el que encontramos a un Mahler más visionario que nunca, que
coquetea con la atonalidad y juega con los timbres, llegando incluso a crear un
sorprendente cluster –un curioso efecto sonoro, inventado probablemente por Henry
Cowell en 1912, resultante de hacer sonar a la vez un grupo de notas próximas entre sí–.
Por momentos el Adagio suena más cercano a Richard Strauss, e incluso a Béla Bartók,
que al propio Mahler. Es por ello que algunos estudiosos califican a las reconstrucciones
de Cooke y los otros como ineficaces, ya que en ellas los cuatro movimientos suenan
excesivamente mahlerianos, mientras que el movimiento original no va ya por los mismos
derroteros que sus composiciones previas.
Concierto: Sinfonía n.º 10
Leonard Bernstein & Filarmónica de Viena
Estreno 9 de septiembre
21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Colombia/Ecuador
Sinopsis:
Leonard Bernstein dirige por última vez a la magnífica Orquesta Filarmónica de Viena en las
sinfonías de Mahler, con esta versión de la Décima que ya ha pasado a formar parte del imaginario
fonográfico de los amantes de la gran música. No se pierda este hito en la historia, como nunca
antes lo ha visto.
Enlaces de imágenes:
www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00290_Sinfonia_10_Mahler_Bernstein_1.jpg
www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00290_Sinfonia_10_Mahler_Bernstein_2.jpg
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Allegro HD – Destacados de Programación – Septiembre 2016
Ópera: L’elisir d’amore
Ópera en dos actos de Gaetano Donizetti
Estreno 10 de septiembre
17:00 Argentina/Uruguay | 15:00 Colombia/Ecuador
La célebre ópera del gran autor italiano en una magnífica versión del coliseo londinense,
con un trío protagonista de excepción.
 Género: ópera, música clásica, música romántica, bel canto.
 Intérpretes: Lucy Crowe, Vittorio Grigòlo, Bryn Terfel, Levente Molnár, Kiandra Howarth;
Coro de la Royal Opera House; Laurent Pelly [dirección de escena y vestuario], Chantal
Thomas [escenografía], Joël Adams [iluminación].
 Director: Daniele Rustioni.
 Orquesta: Orquesta de la Royal Opera House.
 Año: 2014.
 Lugar: Royal Opera House, London.
 Duración: 140 minutos.
L'elisir d'amore [El elixir de amor] es el título de esta fantástica ópera cómica en dos
actos con música de Gaetano Donizetti (1797-1848), compuesta sobre libreto en italiano
de Felice Romani, a su vez basado en el libreto Le philtre (1831) de Eugène Scribe, creado
para la ópera de Daniel-François Auber. Es sin duda una de las óperas más frecuentemente
interpretadas, no solo ya del catálogo de Donizetti, sino de toda la historia del género.
Momentos como la célebre aria de Nemorino Una furtiva lacrima han pasado sin duda a
formar parte del imaginario de los amantes de la ópera.
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Allegro HD – Destacados de Programación – Septiembre 2016
Como resultado de un encargo que no llegó a buen puerto, Alessandro Lanari, por aquel
entonces empresario del Teatro della Canobbiana de Milano, le pidió a Donizetti la
composición de una ópera en el breve lapso de dos semanas. Felice Romani, quien era
colaborador asiduo del compositor, empleó buena del tiempo para configurar el texto. El
tema no era original, pues estaba basado en un libreto previo, inspirado a su vez en Il filtro
de Silvio Malaperta, con la traducción al francés por Stendhal. La temática bucólica
consiguió que Donizetti y Romani eludiesen los enfrentamientos con los censores, que
tantos problemas ocasionaron a los autores de la época. A pesar de lo apremiante del
encargo, la obra consiguió un fantástico éxito, así como su posterior inmortalidad,
manteniéndose en cartel desde la primera representación. Los autores eran
suficientemente experimentados como para hacer de El elixir de amor una obra maestra.
El ámbito bucólico era ideal para escenificar una historia sencilla¸ pero no por ello carente
de un contenido profundo, en la cual se exhibiesen diversos arquetipos humanos que son
reflejo directo de los caracteres de la comedia del arte. En la obra encontramos la
superficialidad y la frivolidad de Adina; el descaro y la vulgaridad del sargento Belcore;
en el charlatán Dulcamara encontramos la astucia, el aprovechamiento y la mala fe
ocultados tras una gran simpatía. Todo un muestrario de vicios y defectos, excepción hecha
de Nemorino, el campesino sencillo e ingenuo, capaz de vivir los grandes sentimientos
que otros desconocen. La obra se estrenó evidentemente en el Teatro della Canobbiana
de Milano, el 12 de mayo de 1832, cuyo brutal éxito hizo que permaneciera en cartel
durante 32 días consecutivos.
Su libreto, realmente entretenido, lleno de humor, ingenio e incluso con una buena
dosis de significación más profunda, además de una música en la que se manifiestan todas
las buenas características del compositor: tiernas melodías que conmueven al oyente; su
notable capacidad de ingenio; su gran poder dramático... lograron colmar a la obra de la
gloria que posee hasta la actualidad. Por momentos es ligera e ingeniosa como Rossini, en
otros es lírica y sentimental como Bellini, para terminar sirviendo como embrión del
dramatismo que será recuperado por el propio Verdi. El elixir de amor sigue siendo una de
las óperas más populares en la actualidad, la 12.ª entre las cien óperas más representadas
en el período 2005-2010 –7.ª cantada en italiano y la primera de Donizetti–. Junto a El
barbero de Sevilla y Las bodas de Fígaro, es la ópera cómica más conocida y representada
del repertorio.
Ópera: L’elisir d’amore
Ópera en dos actos de Gaetano Donizetti
Estreno 10 de septiembre
17:00 Argentina/Uruguay | 15:00 Colombia/Ecuador
Sinopsis:
Pocas óperas han soportado el paso de los años y continúan hoy actualmente vigentes como L’elisir
d’amore, de Gaetano Donizetti. Disfruten de esta inmortal obra en una extraordinaria producción
de la Royal Opera House de Londres, que tiene en Lucy Crowe, Vittorio Grigòlo y Bryn Terfel a su
fabuloso trío protagonista. La parte orquestal y coral la ponen las agrupaciones del teatro
londinense, bajo la dirección de Daniele Rustioni.
Enlaces de imágenes:
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www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00295_Donizetti_Lelisir_damore_2.jpg
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Allegro HD – Destacados de Programación – Septiembre 2016
Iconos: Phil Collins
En vivo en Montreux
10 de septiembre
20:40 Argentina/Uruguay | 18:40 Colombia/Ecuador
Una de las grandes voces del pop rock de las últimas décadas, desde uno de los escenarios
más prestigiosos del mundo.
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Género: concierto, música popular urbana, voz.
Intérpretes: Phil Collins.
Año: 2004.
Lugar: Festival de Jazz, Montreux.
Duración: 135 minutos.
Se recuerda la apacible voz del inglés Phil Collins (1951) por grabaciones como la de la
banda sonora de la película de Disney, Tarzán, así como por canciones ya clásicas en el
repertorio popular como Another Day in Paradise o In the Air Tonight. Pero muchos olvidan
que es un avezado baterista y que perteneció desde los años setenta a la mítica banda
de rock sinfónico progresivo, Génesis, junto con Peter Gabriel (cantante y flautista), Tony
Banks (tecladista), Steve Hackett (guitarrista) y Mike Rutherford (bajista y guitarrista). Si
bien Collins se incorporó a la agrupación antes de grabar Nursery Cryme, el tercer álbum,
fue uno de los miembros con mayor permanencia en la misma. Después de la retirada de
Peter Gabriel, quien se dedicó a su carrera como solista, Collins, además de tocar la batería,
se convirtió en el cantante del grupo.
Ha sido merecedor de notables distinciones por su labor musical como la Real Orden
Victoriana y la Orden del Imperio Británico. Dotado de una admirable condición como
compositor, también encuentra en el piano un medio de expresión, ha dicho que tomó
clases de lenguaje musical con el propósito de tocar este instrumento, aunque él se
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Allegro HD – Destacados de Programación – Septiembre 2016
considera un músico autodidacta. Collins es uno de los artistas que más discos ha vendido
en la historia de la música, lo que le ha permitido vivir con holgura económica y también
retirarse de los escenarios por una temporada para estar con sus dos hijos menores. En este
período además se ha dedicado a trabajar con acuarela, técnica que le recuerda los paseos
que hacía en la infancia por el río. En esta ocasión, nosotros también haremos una travesía
por nuestra memoria de la mano del músico y su obra.
Allegro HD le permite adentrarse en el mundo evocador de canciones como Against All
Odds (Take a Look at Me Now) o en la alegría de Something Happened On The Way to
Heaven. Se meteraán de lleno en un recorrido por la amplia carrera del músico, con la gracia
de uno de los escenarios más prestigiosos del espectáculo, el Festival de jazz de Montreux.
Iconos: Phil Collins
En vivo en Montreux
10 de septiembre
20:40 Argentina/Uruguay | 18:40 Colombia/Ecuador
Sinopsis:
Una velada que deleitará tanto a los apasionados seguidores del cantante y baterista británico,
como a los que no hayan seguido su carrera tan de cerca, y que descubrirán aquí todo su capacidad
para emocionar.
Enlaces de imágenes:
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Allegro HD – Destacados de Programación – Septiembre 2016
Concierto: Orquesta de Cámara
Nouvelle Europe
Serenata para cuerda Op. 22, de Antonín
Dvořák
Estreno 14 de agosto
15:00 Argentina/Uruguay | 17:00 Colombia/Ecuador
Una de las grandes obras para orquesta de cuerda del brillante autor checo, en la siempre
exquisita y refinada versión de la orquesta francesa.
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Género: concierto, música clásica, música romántica, música orquestal.
Director: Nicolas Krauze.
Orquesta: Orquesta de Cámara Nouvelle Europe.
Año: 2014.
Lugar: Francia.
Duración: 30 minutos.
Antonín Dvořák (1841-1904) fue un compositor checo, que aunque hijo de un mesonero
y sin un entorno realmente musical, ya desde niño demostró disposición y grandes dotes
para la música. Su obra es muy variada: desde la ópera a la música de cámara, pasando por
la música sinfónica –ámbito al que dedicó más atención–. Su obra musical no es tan sencilla
y bucólica como la de su compatriota Bedřich Smetana, ya que Dvořák posee un lenguaje
más moderno, en el que emplea con mayor sofisticación la técnica, además de una
orquesta más numerosa. En su orquestación busca la espectacularidad, conseguida a
través de contrastes dinámicos y de la experimentación de nuevas combinaciones
tímbricas. Algunos de los recursos que emplea son propios de los compositores eslavos,
como la utilización frecuente del registro grave del violín y el uso de los instrumentos de
metal en pianissimo. Su fluidez y gran espontaneidad melódica proceden en cierta
medida de Franz Schubert. En sus obras de juventud imitaba los modelos románticos,
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Allegro HD – Destacados de Programación – Septiembre 2016
especialmente los de Felix Mendelssohn. En la década de los años sesenta se puede apreciar
en su música cierta ambigüedad tonal y frecuentes modulaciones hacia ámbitos tonales
lejanos. Surgieron así obras de corte camerístico como sus Cuartetos de cuerda en Fa menor
Op. 9 (1873) y La menor Op. 16 (1874), además de algunas orquestales como la Sinfonía n.º
2 en Si bemol mayor (1865).
Pero a partir de 1874 se alejó del influjo de compositores como Franz Liszt y Richard
Wagner para desarrollar un estilo algo más convencional y clásico. Fue en esa época
cuando comenzó a estudiar el folclore de su país, cuyos principales elementos utilizó
posteriormente en sus composiciones. Así incluyó en su obra ritmos sincopados de danzas
populares como la mazurka, la dumka o la sparcirka y abandonó la práctica de la anacrusa,
ya que ésta no existe en el folclore checo. En esta línea de carácter nacionalista surgieron
multitud de títulos, como las Tres rapsodias eslavas (1878), el Cuarteto de cuerda en Mi
mayor (1879), la ópera Dimitri (1881-1882) y la Sinfonía n.º 6 en Re mayor (1880), cuyo
tercer movimiento es una danza popular checa llamada furiant. También corresponden a
estos años sus obras maestras Leyendas (1881) para orquesta, la cantata La novia del
espectro (1884) y el oratorio Santa Ludmila (1885-1886), que junto con el Requiem (1890)
le hicieron convertirse en el padre del oratorio checo.
Buena parte del trabajo más reconocido y reconocible de Antonín Dvořák, como el de
sus Danzas Eslavas, es música de una variedad más modesta de lo habitual; sin embargo,
esta impresión de inocencia musical, perfectamente encantadora y sin manchas por las
luchas de vez en cuando sobreexcitadas del Romanticismo, inevitablemente remueve algo
en el interior de los oyentes. Este es ciertamente el caso de la Serenata en Mi mayor para
orquesta de cuerda, Op. 22 (1875), que ha sido muy apreciada por aquellos que la conocen
con cierta profundidad. En un género muchas veces decepcionante y explorado con mayor
frecuencia por los compositores por encargo, a los que les cuesta encontrar su camino
creativo, se destaca esta obra como una joya de cinco movimientos de escritura
impecable. La Serenata Op. 22, a diferencia del modelo sinfónico habitual en la época,
se abre con un primer movimiento que es el más breve de todos. Es seguido por un
Menuetto, un Scherzo, un Larghetto, para finalizar con un gran Finale: Allegro vivace. La
obra fue escrita en doce días, entre el 3 y 14 de mayo de 1875, siendo estrenada en Praga
el 10 de diciembre de 1876, por Adolf Čech y una combinación de orquestas de teatros
checos y alemanes. Un año más tarde se publicó el arreglo del propio compositor para dos
pianos.
Concierto: Orquesta de Cámara Nouvelle Europe
Serenata para cuerda Op. 22, de Antonín Dvořák
Estreno 14 de agosto
15:00 Argentina/Uruguay | 17:00 Colombia/Ecuador
Sinopsis:
La Orquesta de Cámara Nouvelle Europe, que dirige Nicolas Krauze, les invita a deleitarse con una
de las obras más fantástica que para esta formación de orquesta de cuerda compusiera el gran
compositor Antonín Dvořák. Una oportunidad magnífica de disfrutar de una obra raramente
interpretada, con todos los detalles que ofrecen nuestros comentarios exclusivos.
Enlaces de imágenes:
www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00186_A00190_OCNE_Dvorak_1.jpg
www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00186_A00190_OCNE_Dvorak_2.jpg
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Allegro HD – Destacados de Programación – Septiembre 2016
Concierto: Gustavo Hernández Trío
Estreno 17 de septiembre
16:00 Argentina/Uruguay | 14:00 Colombia/Ecuador
Una visión entre lo popular y lo contemporáneo del folclore musical argentino, en la
interpretación de tres artistas especializados en el mismo.
 Género: concierto, música popular, piano, guitarra, percusión.
 Intérpretes: Gustavo Hernández [voz y piano], Juan Martínez [guitarra] y Osvaldo Avena
[percusión].
 Director: Gustavo Hernández.
 Orquesta: Gustavo Hernández Trío.
 Año: 2014.
 Lugar: Fort Music, Buenos Aires.
 Duración: 30 minutos.
Grupo formado en 2003, Gustavo Hernández Trío realiza presentaciones en vivo
desde 2004, recorriendo distintos escenarios de la ciudad y la provincia de Buenos Aires:
Clásica y Moderna, Café Vinilo, Bar Los 36 Billares, Casa del Bicentenario, Centro Cultural
de la Memoria Haroldo Conti, Teatro de la Media Legua y Fundación Mercedes Sosa. Su
primer disco Sintiendo Amanecer, con 17 piezas, entre versiones y composiciones
propias, fue editado en 2013. Surgido tras el primer disco solista de Gustavo Hernández,
el trío encara un repertorio folclórico que se nutre de la tradición, pero también de la
contemporaneidad de las composiciones propias, y se expande en nuevas direcciones a
partir de la improvisación propia de tres notables instrumentistas.
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Allegro HD – Destacados de Programación – Septiembre 2016
Gustavo Hernández, fundador del trío, es un músico oriundo de la ciudad de Pehuajó y
residente en Olivos desde 1989 a 1995 y en Martínez desde entonces. Dedicado a la música
de raíz folklórica desde hace más de dos décadas, grabó su primer CD Se me escapa el
gato en el año 2000. Es director del Grupo Folklórico de Cámara Piedra Azul, a quien
también arregla los temas que interpretan. Es Licenciado en Música (Facultad de Artes y
Ciencias Musicales, U.C.A.) y especializado en Dirección Coral desde 1991. En dicha
facultad realizó sus estudios de Dirección Coral con el Maestro Antonio M. Russo, de
Dirección Orquestal con el Maestro Guillermo Scarabino y de Composición con el Maestro
Roberto Caamaño. Inicia su actividad como músico de proyección folklórica en el año 1984
cuando se integra como flautista al grupo vocal Las Voces del Tiempo Nuevo –posteriormente
Cumelén– de la ciudad de Pehuajó. En 1987 integra, en Capital Federal, un dúo con el
pianista Pablo Kores (Kores-Hernández Dúo) y en 1992 con el guitarrista Osvaldo Burucuá
(La Banquina) ambos como flautista. Paralelamente, desde 1988, realiza actuaciones como
solista en canto y piano, difundiendo el folklore tradicional a partir de su integración con
la música clásica y otras de carácter popular. En 1995 es convocado por el Grupo Vocal
Argentino como pianista, con quienes continúa su actividad también como director musical
desde 2001. Recibe la una mención especial en la Bienal de Arte Joven 1998 de Mar del
Plata en composición de música folklórica. En 1999 acompañó a la cantante María José
Albaya como pianista y flautista en las presentaciones de su CD Vidala de la Copla, donde
grabó Desarraigo de Oscar Taberniso. También ha dirigido el Coro de Niños del Casal (exRadio Clásica), el Coro Polifónico de la Municipalidad de Campana y el Coro Oswald.
La velada se conforma con una serie de seis piezas, que se encuentran entre la tradición
folclórica más interesante de Argentina y Latinoamérica, y las piezas compuestas
actualmente para el trío, que aúnan lo mejor de dicha tradición con la contemporaneidad
más absoluta: Caminando juntos –bailecito- [Gustavo J. Hernández); Cuequecilia -cueca[Gustavo J. Hernández]; Debajo de la morera [Virgilio Carmona]; La flor azul -chacarera[Mario Arnedo Gallo, Antonio Rodríguez Villar]; Irse -canción- [Juan Carlos Muñiz, Lalo de
los Santos]; Huaynita -zaino- [Gustavo J. Hernández]; Sintiendo amanecer -zaino – [Gustavo
J. Hernández).
Concierto: Gustavo Hernández Trío
Estreno 17 de septiembre
16:00 Argentina/Uruguay | 14:00 Colombia/Ecuador
Sinopsis:
Gustavo Hernández Trío es una formación compuesta por tres personalidades de la música
argentina: la voz y el piano del propio Gustavo Hernández, la guitarra de Juan Martínez y la
percusión de Osvaldo Avena. Juntos ofrecen este breve pero magnífico concierto dedicado a
algunos temas populares, por un lado, y composiciones propias, por otro, influidos por la gran la
literatura musical argentina.
Enlaces de imágenes:
www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00330_Gustavo_Hernández_Trio_1.jpg
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Allegro HD – Destacados de Programación – Septiembre 2016
Ópera: Macbeth
Ópera en cuatro actos de Giuseppe Verdi
Estreno 17 de septiembre
16:30 Argentina/Uruguay | 14:30 Colombia/Ecuador
Una de las óperas más fantásticas del operista italiano, servida a través de la magnífica
producción de la Royal Opera House londinense.
 Género: ópera, música clásica, música romántica, bel canto, verismo.
 Intérpretes: Simon Keenlyside, Raymond Aceto, Liudmyla Monastyrska, Elisabeth
Meister, Nigel Cliffe, Ian Lindsay, Steven Ebel, Dimitri Pittas, Will Richardson, Olle
Zetterström, William Payne, Archie Buchanan, Jonathan Coad, Lukas Jakobski; Coro de
la Royal Opera House; Phyllida Lloyd [dirección de escena], Anthony Ward [escenografía],
Paule Constable [iluminación], Mihael Keengan-Dolan [coreografía].
 Director: Antonio Pappano.
 Orquesta: Orquesta de la Royal Opera House.
 Año: 2011.
 Lugar: Royal Opera House, London.
 Duración: 170 minutos.
Macbeth es una ópera en cuatro actos y diez cuadros con música de Giuseppe Verdi
(1813-1901) sobre libreto en italiano de Francesco Maria Piave y Andrea Maffei, que fue
estrenada en el Teatro della Pergola de Firenze, el 14 de marzo de 1847. El libreto está
basado en la tragedia homónima de William Shakespeare. Fue la décima ópera de Verdi
y también la primera de las obras de Shakespeare que adaptó a la escena operística. De
ella, el propio Verdi escribió: «He aquí este Macbeth, el cual amo más que a todas mis otras
óperas». Escrita después del éxito de Atila en 1846, para entonces el compositor estaba
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Allegro HD – Destacados de Programación – Septiembre 2016
bien establecido, y precedió a los grandes éxitos de 1850 a 1853, Rigoletto, Il Trovatore y
La traviata, que impulsaron a Verdi a su fama universal tal y como hoy la conocemos. La
fuente es clara, especialmente aquí, pero también en otras de sus óperas, siendo el
dramaturgo Shakespeare una de las grandes inspiraciones verdianas, como se verá en la
atención que prestará a posterori a algunas de sus obras.
Influido por su amistad en los años 1840 con Andrea Maffei, Verdi comenzó la
composición de la obra en 1846, tras recibir ese encargo del teatro florentino,
asegurándole además que determinados cantantes estarían disponibles. La primera
versión de Macbeth se terminó en la mitad de lo que Verdi llamó sus años de galera, un
período entre 1842 y 1850 en el que el autor italiano creó nada menos que 14 óperas. Sin
embargo, para los estándares de la mayoría de las óperas italianas de los primeros cincuenta
años del siglo XIX, Macbeth era una rara avis. Verdi intentó construir con ella un
verdadero drama musical que no siguiera las tradicionales convenciones de la ópera
italiana, establecidas en cierta manera ya desde el Barroco: recitativos, arias, números
concertantes… El texto de Piave se basó en una traducción en prosa de Carlo Rusconi,
publicada en Torino en 1838. Verdi no encontró la obra original de Shakespeare hasta
después de la primera representación de la ópera, pero su conocimiento de otras obras
shakespearianas era evidente, como él mismo señaló en 1865: «Es uno de mis poetas
favoritos. Lo tengo en mis manos desde mi más temprana juventud». Escribiendo a Piave,
Verdi dejó claro cuán importante le resultaba este tema: «Esta tragedia es una de las
grandes creaciones humanas... Si no podemos sacar algo grande de ella, al menos
intentemos hacer algo extraordinario».
Aún con ciertos desacuerdos y la necesidad de Verdi de corregir constantemente los
borradores de Piave –tanto es así que Maffei participó en la reescritura de algunas escenas
del libreto–, su versión sigue la obra de Shakespeare de manera muy fidedigna,
presentando con todo algunos cambios. La versión de 1847 tuvo mucho éxito y fue
ampliamente representada. Encantado con su ópera y la recepción que tuvo, Verdi escribió
a Antonio Barezzi, su anterior suegro y partidario desde hacía tiempo, el 25 de marzo de
1847: «Desde hace tiempo quiero dedicarte una ópera a ti, que has sido padre, benefactor
y amigo mío. Era un deber que debía haber cumplido antes, si las imperiosas circunstancias
no me lo hubieran impedido. Ahora te envío Macbeth, a la que aprecio por encima de mis
otras óperas, y por lo tanto considero la más valiosa que puedo regalarte». La versión de
1847 fue representada por toda Italia hasta que apareció la versión de 1865.
Ópera: Macbeth
Ópera en cuatro actos de Giuseppe Verdi
Estreno 17 de septiembre
16:30 Argentina/Uruguay | 14:30 Colombia/Ecuador
Sinopsis:
Macbeth no es, a pesar de su descomunal calidad musical y su sentido dramático fuera de lo común,
una de las óperas más conocidas e interpretadas de Giuseppe Verdi. Les invitamos a descubrirla en
esta sensacional producción de la Royal Opera House de Londres, siempre una garantía de éxito.
Las voces protagonistas son las de Simon Keenlyside, Raymond Aceto, Liudmyla Monastyrska,
Elisabeth Meister, acompañados por los conjuntos de la casa y la batuta de Antonio Pappano.
Enlaces de imágenes:
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www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00296_Macbeth_Royal_Opera_House_2.jpg
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Allegro HD – Destacados de Programación – Septiembre 2016
Documental: Frank Sinatra, la voz de
América
Estreno 17 de septiembre
21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador
Magnífico y novedoso documental sobre una de las grandes figuras de la música popular
urbana de la historia de la música occidental.
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Género: documental, música, voz, música popular urbana, crooner.
Director: Annette Buameister.
Año: 2015.
Duración: 170 minutos.
Frank Sinatra representa como pocos el llamado sueño americano. Su trayectoria
personal discurrió en paralelo a lo que estaba ocurriendo en el país en aquel momento.
Hijo de emigrantes italianos, era la personificación del siglo XX: por sus ideas políticas, por
haber ido a contracorriente, y por haberse convertido en un icono de la cultura popular
estadounidense y de la música en todo el mundo. La canción I’ll Never Smile Again surgió
a comienzos de la Segunda Guerra Mundial y convirtió a Sinatra en la voz de consuelo de
toda una nación. Sinatra también fue el intérprete de la canción de campaña de Kennedy.
Pero el tema que le haría inmortal sería New York, New York. Esta producción francesa de
2015, dirigida por Annette Baumeister y con la producción de Broadview TV y la
coproducción con Arte y ZDF, muestra los detalles de la vida y la carrera de esta poliédrica
figura.
Francis Albert Sinatra (1915-1998), más conocido como Frank Sinatra, fue un cantante
y actor estadounidense que ha pasado a la historia bajo el apodo de La voz, siendo una
de las figuras más importantes de la música popular del siglo XX, legando a través de sus
discos y actuaciones en directo un repertorio considerado hoy día como canónico en lo
que respecta a la interpretación vocal masculina del mismo. Su popularidad llegó a ser
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Allegro HD – Destacados de Programación – Septiembre 2016
inmensa y prácticamente constante a lo largo de toda su vida, aunque fueron
especialmente exitosos los años cuarenta y cincuenta, siendo esta última década, gracias
a sus grabaciones para Capitol, la que se considera como su etapa de mayor calidad e
influencia posterior como cantante. Su repertorio se basó en la obra de los más
importantes compositores populares estadounidenses: Jimmy Van Heusen, Cole Porter,
Sammy Cahn o George Gershwin, y su estilo sintetizó años de influencias mutuas entre la
música de inspiración jazzística y la música pop, que empezaba a difundirse a través de
la radio. Sinatra construyó su estilo sobre la base de una comprensión natural de la
música popular, tal como la habían entendido Bing Crosby, Fred Astaire, Benny Goodman y
Louis Armstrong. En el aspecto técnico se caracterizó por su cuidada emisión y precisión
en el fraseo, además de su control de la respiración. Su inmensa capacidad y categoría
artística radicaba en su naturalidad y fluidez interpretativas, con las que lograba
transmitir las emociones y sentimientos implícitos en las letras de las canciones.
A Sinatra se le reconoce haber sido el primer cantante que hace un uso consciente de
los medios de amplificación del sonido con el objeto de situar su voz por encima del
sonido de la orquesta –dominadora de la música popular estadounidense de principios del
siglo XX– y para aproximarla a la intimidad auditiva de los consumidores. Como actor,
Sinatra fue un artista de tipo intuitivo, reacio a someterse a los ensayos y repeticiones
habituales en una grabación, por lo que sus interpretaciones fueron emocionalmente
intensas al tiempo que irregulares. La importancia en su vida de su trabajo actoral fue
capital; por ejemplo fue precisamente a través de su papel en De aquí a la eternidad como
logró salir de un bache personal y artístico en el tránsito de los años cuarenta a los cincuenta
para encumbrarse en lo más alto de la popularidad, además de ganar por su
interpretación el Oscar al mejor actor secundario. A lo largo de su carrera profesional
Sinatra grabó más de 1.300 canciones y participó en más de cincuenta películas. Recibió
multitud de premios y homenajes, entre los que se cuentan diez premios Grammy y la
Medalla de la Libertad del gobierno estadounidense.
Documental: Frank Sinatra, la voz de América
Estreno 17 de septiembre
21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador
Sinopsis:
Conocido en la historia como La voz, Frank Sinatra en sin duda uno de los personajes más
fascinantes en el mundo de la música melódica, la canción estadounidense y el mundo de los
crooners. Este reciente documental muestra la vida y obra de esta gran voz, cuya vida fuera de los
escenarios está plagada de controversia.
Enlaces de imágenes:
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Allegro HD – Destacados de Programación – Septiembre 2016
Concierto: Rhapsody in Blue
Herbie Hancock, Gustavo Dudamel &
Filarmónica de Los Angeles
Estreno 18 de septiembre
21:40 Argentina/Uruguay | 19:40 Colombia/Ecuador
Una magnífica velada de la mano del gran George Gershwin, de quien estos dos grandes
intérpretes y la orquesta angelina interpretan tres de sus obras.
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Género: concierto, música clásica, música contemporánea, jazz, música orquestal.
Intérpretes: Herbie Hancock.
Director: Gustavo Dudamel.
Orquesta: Filarmónica de Los Angeles.
Año: 2011.
Lugar: Walt Disney Concert Hall, Los Angeles.
Duración: 80 minutos.
El gran compositor George Gershwin (1898-1937), a la sazón pianista y director
estadounidense, está unido de manera indefectible a Tin Pan Alley y al desarrollo
musical de Broadway, aunque también supo desarrollar una faceta como concertista y
compositor del repertorio académico. Rhapsody in Blue en sin duda una de sus grandes
obras. Compuesta en 1942, se trata de una curiosa y e interesante mezcla de elementos
del mundo del jazz y de la música clásica. Es en realidad una obra para piano y big band
jazzística que toma el nombre de Blue con un doble sentido: como referencia al género
musical blues y como el estado de ánimo que el término inglés especifica en melancólico.
Fue estrenada en el Aeolian Hall de New York en febrero de 1924, haciendo patente su
carácter experimental bajo el título An Experiment in Modern Music. La obra es un encargo
de Paul Whiteman para ser estrenada con su orquesta en un concierto con obras de otros
compositores de importancia en el momento. En ella Gershwin conjuga de manera brillante
elementos fundamentales de la música de su país: la tradición popular pianística, el
tratamiento armónico de la música del teatro de variedades y toda la atmósfera del blues
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Allegro HD – Destacados de Programación – Septiembre 2016
afroamericano. El autor logra aquí una maravillosa creación que aúna la música sinfónica
con el jazz y un sinfín de elementos de ambos, convirtiendo a esta pieza en un logro casi
épico que la eleva a una de las grandes obras del siglo XX. Obertura cubana es una obertura
o breve poema sinfónico para orquesta, originalmente titulado Rumba, que surgió como
resultado de unas vacaciones de dos semanas que Gershwin tomó en La Habana, en
febrero de 1932. Gershwin compuso la pieza en julio y agosto de 1932. La obertura está
dominada por los ritmos caribeños y percusión nativa de Cuba, con un amplio espectro
de color instrumental y de técnica. Se trata de una obra rica y emocionante en
complejidad y sofisticación, que ilustra la influencia de la música y la danza cubana. Su
tema principal fue influenciado por una canción muy en boga en ese momento, de Ignacio
Piñeiro, Échale Salsita. Un americano en Paris es otro poema sinfónico, esta vez influido
por la estancia en la capital francesa del autor. Compuesta en 1928, se estrenó el 13 de
diciembre de 1928 en el Carnegie Hall de New York, bajo la batuta Walter Damrosch.
Destaca especialmente por su cercanía con el jazz, así como el uso de melodías y ritmos
influidos directamente por el swing o el blues.
El gran pianista estadounidense Herbie Hancock (1940) es el protagonista solista de la
velada. Es sin duda uno de los grandes pianistas de la escena del jazz en el siglo XX. Su
carrera se ha desarrollado ligada siempre al jazz, en cualquier de sus géneros, de los que
ha interpretado prácticamente la totalidad, a excepción del llamado free jazz. Es además
compositor, y algunas de sus creaciones se han convertido en auténticos greatest hits del
jazz contemporáneo.
Por su parte, Gustavo Dudamel es sin duda uno de los directores referenciales en el
panorama de la música clásica actual. A pesar de su juventud, el artista venezolano llevo
años ocupando un lugar de privilegio en el complejo y exigente mundo de la dirección
orquestal. Se formó desde su infancia en el Sistema Nacional de Orquestas y Coros
Juveniles e Infantiles de Venezuela, obra social y cultural del estado venezolano, también
conocida como El Sistema, concebida en 1975 por el maestro y músico venezolano José
Antonio Abreu para sistematizar la instrucción y la práctica colectiva e individual de la
música a través de orquestas sinfónicas y coros. Dudamel es sin duda el buque insignia
de El Sistema. La pasión con la que dirige continúa vigorizando a públicos de todas las
edades en todo el mundo. Actualmente es el director musical de la Orquesta Sinfónica
Simón Bolívar de Venezuela (OSSBV) y de la Filarmónica de Los Ángeles (LA Phil), y el
impacto de su liderazgo musical se siente en varios continentes.
Concierto: Rhapsody in Blue
Herbie Hancock, Gustavo Dudamel & Filarmónica de
Los Angeles
Estreno 18 de septiembre
21:40 Argentina/Uruguay | 19:40 Colombia/Ecuador
Sinopsis:
Un evento musical que les fascinará, en el que el excepcional pianista Herbie Hancock se une a la
Orquesta Filarmónica de Los Angeles y la batuta de su titular, el talentoso Gustavo Dudamel, para
ofrecer un monográfico George Gershwin, el compositor que aniquiló la línea que separaba la
música clásica de la popular.
Enlaces de imágenes:
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Allegro HD – Destacados de Programación – Septiembre 2016
Iconos: Peter Gabriel
New Blood Live
19 de septiembre
21:20 Argentina/Uruguay | 19:20 Colombia/Ecuador
El regreso del artista a los escenarios con un impresionante y poderoso espectáculo
audiovisual en el que interpreta temas nuevos además de algunos de sus hits.
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Género: concierto, pop, rock.
Intérpretes: Peter Gabriel, Ane Brun, Melanie Gabriel, Sevara Nazarkhan, Tom Cawley.
Director: Ben Foster.
Orquesta: New Blood Orchestra.
Año: 2011.
Lugar: Hammersmith Apollo, London.
Duración: 90 minutos.
New Blood Live es el tercer álbum en vivo del británico Peter Gabriel. Grabado en el
HMV Hammersmith Apollo de Londres el 23 y 24 de marzo de 2011, el concierto contó con
Peter Gabriel cantando con la New Blood Orchestra y las actuaciones vocales de Ane Brun,
Melanie Gabriel, Sevara Nazarkhan y Tom Cawley. La lista de temas interpretados incluye
canciones que van desde los covers con orquesta que se encuentran en su anterior
álbum, Scratch My Back, a los nuevos arreglos orquestales que han realizado de
principales canciones en solitario, la mayoría de los cuales ya aparecieron en el álbum de
estudio de que se tituló como New Blood. La grabación del directo presenta una
impresionante visión en 3D y HD, que dan una nueva cara a este espectáculo. Los arreglos
orquestales fueron realizados por John Metcalfe junto al propio Peter Gabriel, a
excepción de Signal to Noise, que fue realizada por Peter Gabriel y Will Gregory, además
de The Book of Love, la cual ha sido firmada por Nick Ingman. La dirección orquestal corre
a cargo de Ben Foster, bien conocido por su trabajo en la serie de ciencia ficción producida
por la BBC Doctor Who. La recepción del espectáculo ha sido en general buena. En The
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Allegro HD – Destacados de Programación – Septiembre 2016
Independent, Andy Gill calificó al álbum con tres estrellas sobre cinco y dijo del mismo que
«el efecto global puede ser agotador» y que «los nuevos arreglos de las canciones abren
callejones oscuros de significado».
Nacido en el Reino Unido en 1950, Peter Gabriel es sin duda una de las grandes estrellas
de la música popular urbana británica de la segunda mitad del siglo XX. Cantante y
multiinstrumentista –guitarra, teclado, flauta, batería, bajo, armónica–, además de
productor discográfico, la fama le llegó de la mano de Genesis, conjunto de rock progresivo
del que era vocalista y que fundó en 1967 junto a tres compañeros de secundaria cuando
estudiaba en Charterhouse. Tras abandonar el conjunto comenzó una carrera en solitario
realmente exitosa en la que ha transitado por varios de los subgéneros del llamado new
wave: pop rock, soft rock, avant rock, rock sinfónico, art pop. Su carrera discográfica está
repleta de éxitos, llegando varios de sus singles al número 1 en Reino Unido y Estados Unidos.
Artista no demasiado prolífico en el campo de las grabaciones discográficas, su carrera está
adornada con la presencia de algo más de una quincena de discos, grabados tanto en estudio
como en directo –algunos de ellos editados en DVD–, además de la participación en la banda
sonora original de algunos filmes, entre los que destacan Philadelphia, The Last Temptation
of Christ o WALL·E. En 2010 pasó a formar parte del Rock and Roll Hall of Fame and Museum
de Claveland por su participación en la banda Genesis.
Gabriel es, además, uno de los precursores del llamado stage diving, término con el que
referirse al acto de lanzarse desde el escenario al público durante un concierto. Cuando
estaba en Genesis fue uno de los primeros en utilizar esta técnica dentro del mundo del
espectáculo musical. Fue un visionario del espectáculo global, por eso en Genesis destacaba
ya por el uso de disfraces de todo tipo con el que animar sus directos. Por lo demás, Gabriel
está muy unido al activismo musical y a llamada World Music, de la que es uno de los
principales valedores con iniciativas como el World of Music, Arts & Dance (WOMAD), un
festival cultural en el que se incluye música folclórica, popular y étnica de todo el mundo,
idea que creó en 1980 y que llevó a cabo el primer festival WOMAD en 1982. Además es
fundador de la discográfica Real World con la que difunde numerosa World Music y está muy
unido al activismo, siendo uno de los artistas más comprometidos por la lucha de los
derechos humanos, llegando a participar en la gira de Amnistía Internacional en 1998 para
conmemorar el aniversario de la Declaración Internacional de Derechos Humanos.
Iconos: Peter Gabriel
New Blood Live
19 de septiembre
21:20 Argentina/Uruguay | 19:20 Colombia/Ecuador
Sinopsis:
New Blood Live es un novedoso e innovador espectáculo con el que el cantante y
multiinstrumentista británico regresa a los escenarios. No se pierdan la oportunidad de presenciar
este concierto, grabado en 3D y HD, del legendario cantante en el que podrán presenciar una
imponente puesta en escena con proyecciones audiovisuales y el espectacular acompañamiento de
una orquesta y banda formada por 46 instrumentistas.
Enlaces de imágenes:
www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00097_Peter_Gabriel_New_Blood_1.jpg
www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00097_Peter_Gabriel_New_Blood_2.jpg
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Allegro HD – Destacados de Programación – Septiembre 2016
Concierto: Celebración Liszt
Pierre Boulez, Daniel Barenboim & Orquesta
Estatal de Berlin
Estreno 23 de septiembre
21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador
Celebración de los 200 años del gran compositor húngaro, de la mano de dos de los
intérpretes que más han marcado la música clásica en el siglo XX.
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Género: concierto, música clásica, música romántica, piano, música orquestal.
Intérpretes: Daniel Barenboim.
Director: Pierre Boulez.
Orquesta: Orquesta Estatal de Berlin.
Año: 2011.
Lugar: Philharmonie, Essen.
Duración: 80 minutos.
Franz Liszt (1811-1886), excelente compositor, pianista y profesor húngaro, fue uno
de los líderes del movimiento romántico en la música. En sus composiciones desarrolló
nuevos métodos, tanto imaginativos como técnicos, que dejaron su huella en sus
contemporáneos, en una mirada hacia el futuro que anticipa algunas ideas y
procedimientos del siglo XX. También desarrolló el método de la transformación de
temas, hizo experimentos radicales en la armonía e inventó el género del poema
sinfónico. Considerado como el mayor virtuoso de piano en su tiempo, utilizó su
sensacional técnica y personalidad concertística cautivante para difundir, a través de
sus transcripciones, el conocimiento de la música de otros compositores. Como director
de orquesta y maestro, especialmente en Weimar, se convirtió en la figura más influyente
de la Nueva Escuela Alemana. Su defensa incesante hacia las figuras de Wagner y Berlioz
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Allegro HD – Destacados de Programación – Septiembre 2016
ayudó a estos compositores a lograr una fama europea más amplia. Igualmente importante
fue su inigualable compromiso con la preservación y la promoción de la mejor del pasado,
incluyendo autores como Bach, Händel, Schubert, Weber y, sobre todo, Beethoven; sus
interpretaciones de obras tales como la Novena sinfonía y la Sonata Hammerklavier crearon
nuevos públicos para esta música hasta entonces considera por muchos como
incomprensible. Las aparentes contradicciones en su vida personal –un fuerte impulso
religioso mezclado con un amor de los sentimientos mundanos– se resolvieron con dificultad.
Sin embargo, la gran cantidad de nueva información biográfica sobre su figura hace
desterrar definitivamente esa visión mitad gitano, mitad cura que imperaba hasta hace
décadas. Sin duda, Liszt contenía en su carácter más de los ideales y aspiraciones del
siglo XIX que cualquier otro músico importante del momento.
El programa se nutre principalmente con la interpretación de sus dos primeros
conciertos para piano y orquesta. El Concierto para piano n.º 1 en Mi bemol mayor fue
concluido en 1849 y estrenado seis años más tarde, el 17 de febrero de 1855, con el
propio autor como solista y nada menos que Hector Berlioz al frente de la orquesta. En la
partitura manuscrita Liszt denominó esta obra como concerto symphonique. El concierto
está dedicado al también compositor y pianista Henry Litolff. Se le considera como su
concierto más brillante, perfecto y popular. No hay en él mundos contemplativos, ni
ideas profundas, algo en lo que parece Liszt no estaba especialmente interesado, salvo en
ciertas excepciones. Lo que sí hay es una enorme fuerza superior, muy superior a su
posible trascendencia. Su característica más acusada es el lenguaje y la importancia
orquestal, la cual sobreviene sin que el piano pierda protagonismo, que se hace efectiva
bien a través de intervenciones de distintos solistas, bien con los poderosos tutti de una
formación que emplea, alejada de la escritura clásica, un gran conjunto que incluye
trombones y una rica y brillante percusión.
El Concierto para piano n.º 2 en La mayor fue comenzado en 1839 y no terminado
hasta 1861, debido a un largo historial de revisiones. La obra se estructura en un curioso
y extenso único movimiento, que es a su vez dividido en seis secciones claramente
diferenciadas. La obra Liszt fue dedicada a Hans von Bronsart –de quien era profesor–, que
fue el encargado de su estreno –contando con la dirección del propio Liszt– el 7 de enero
de 1857 en Weimar. Como en el anterior destaca sobremanera la técnica de la
transformación temática, tan puramente lisztiana. Es un brillante ejemplo de la técnica
de Liszt y de su singular modo de encarar la forma, en solo movimiento que combina
aspectos de un concierto de cuatro movimientos.
Concierto: Celebración Liszt
Pierre Boulez, Daniel Barenboim & Orquesta Estatal
de Berlin
Estreno 23 de septiembre
21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador
Sinopsis:
No todo los días se puede disfrutar de la conjunción legendaria de Daniel Barenboim al piano y la
dirección de Pierre Boulez. Se unen para conmemorar el 200.º aniversario del nacimiento del gran
Franz Liszt, acompañados de la Orquesta Estatal de Berlin. Un programa que presenta a Barenboim
interpretando los dos primeros conciertos para piano de Liszt por primera vez juntos en vivo, a lo
que añaden dos breves obras de Richard Wagner.
Enlaces de imágenes:
www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00309_Liszt_Celebration_Concert_1.jpg
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Allegro HD – Destacados de Programación – Septiembre 2016
Concierto: Concierto para Europa
2014
Daniel Barenboim & Filarmónica de Berlin
24 de septiembre
17:20 Argentina/Uruguay | 15:20 Colombia/Ecuador
Una excepcional celebración del continente en las manos de Daniel Barenboim al frente de
la extraordinaria Filarmónica de Berlin.
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Género: concierto, música clásica, música romántica, piano.
Intérpretes: Maurizio Pollini.
Director: Daniel Barenboim.
Orquesta: Filarmónica de Berlin.
Año: 2014.
Lugar: Philharmonie, Berlin.
Duración: 90 minutos.
Desde 1991 la Filarmónica de Berlin da un concierto cada primero de mayo, a fin de
conmemorar el aniversario de fundación de la orquesta, en 1882. En cada ocasión, el
concierto se realiza en una ciudad europea diferente, celebrando la unión entre países del
continente y la historia que comparten. Este año 2014 el concierto fue realizado en la
Philarmonie de Berlin, el corazón musical de la ciudad alemana. Daniel Barenboim, uno de
los músicos más reconocidos a nivel mundial, y quien lleva ya cincuenta años de
vinculación con la orquesta, es el director encargado de esta velada, que incluye una
mezcla de estilos, tradiciones y piezas de entre lo mejore de la producción musical
europea. Usted podrá disfrutar de un magnífico repertorio: The Merry Wives of Windsor, de
Otto Nicolai, basada en la obra homónima de Shakespeare; Falstaff de Edward Elgar; y la
Quinta Sinfonía de Piotr Ilich Tchaikovsky, con una temática más sombría que las dos piezas
anteriores: el hombre resignado ante su destino.
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La Orquesta Filarmónica de Berlín es una de las más importantes a nivel mundial. Este
año vuelve a la sede que la acogió desde 1963, sala diseñada por Hans Scharoun. Desde 2002
la orquesta es una fundación pública y sus fondos son subvencionados por el gobierno y el
Banco Alemán. Su primer Europa-Konzert se realizó en Praga, e igualmente, otra tradición
que llevan a cabo con rigurosidad es un concierto al aire libre al final de cada temporada,
en el Berliner Waldbüghne. Esta es la cuarta ocasión, en los más de veinte años de tradición,
que se presentan en su ciudad de origen.
Daniel Barenboim, pianista y director de origen argentino-israelí, inició sus estudios de
piano a los cinco años de edad y desde entonces su carrera musical solo fue en ascenso.
Debutó en el mundo de la música a los siete años de edad y su éxito fue tal, que el
Mozarteum de Salzburg lo invitó a hacer parte de su institución educativa. A los diez años,
triunfó en un festival de aquella ciudad. Su debut como director se produjo en 1967, con la
Orquesta Filarmónica de Londres, tras el cual las orquestas más importantes de la época
no tardaron en hacer ofertas a su talento y destreza.
Concierto: Concierto para Europa 2014
Daniel Barenboim & Filarmónica de Berlin
24 de septiembre
17:20 Argentina/Uruguay | 15:20 Colombia/Ecuador
Sinopsis:
El tradicional Concierto para Europa, que se presenta en su versión 2014 volviendo a su ciudad de
origen, Berlin, bajo la dirección de Daniel Barenboim al frente de la Filarmónica de Berlin, con un
programa de gran calidad que les hará disfrutar de principio a fin.
Enlaces de imágenes:
http://www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00019_Europakonzert2014_1.jpg
http://www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00019_Europakonzert2014_2.jpg
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Ópera: La Bohème
Una película de Robert Dornhelm
Estreno 24 de septiembre
19:00 Argentina/Uruguay | 17:00 Colombia/Ecuador
Una de las más fascinantes obras del bel canto, en una visionaria y fascinante versión
cinematográfica, con las voces protoganistas de Anna Netrebko y Rolando Villazón.
 Género: ópera, música clásica, música romántica, bel canto.
 Intérpretes: Anna Netrebko, Rolando Villazón, George von Bergen, Boaz Daniel, Nicole
Cabell, Vitalij Kowaljow, Adrian Eröd, Stéphanie Degout; Coro de la Radio de Baviera,
Coro de Niños del Teatro Estatal Gärtnerplatz; Robert Dornhelm [dirección], Florian
Reichmann [escenografía], Uli Fessler [vestuario], Walter Kindler [cinematografía].
 Director: Bertrand de Billy.
 Orquesta: Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera.
 Año: 2008.
 Duración: 120 minutos.
La Bohème es una ópera en cuatro actos, compuesta por el gran Giacomo Puccini (18581924) sobre libreto en italiano de Giuseppe Giacosa y Luigi Illica, quienes se basaron y
arreglaron los distintos episodios de la novela por entregas Escenas de la vida bohemia,
de Henry Murger, que fue publicada en el diario El Corsario durante cinco años entre 1845
y 1849. Estas Scènes de la vie de bohème son una colección de viñetas que retrata a
jóvenes bohemios que viven en el Barrio Latino de París en la década de 1840. A pesar
de que comúnmente es calificada como novela, no tiene una trama unificada. Como la
obra teatral de 1849 de Murger y Théodore Barrière, el libreto de la ópera se centra en la
tortuosa relación entre Rodolfo y Mimí. Y al igual de nuevo que en la obra el libreto funde
dos personajes de la novela, Mimí y Francine, en un solo personaje, Mimí. Gran parte del
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libreto es original. Las principales tramas de los actos II y III son invención de los
libretistas, con solo unas pocas referencias de paso a incidentes y personajes de Murger. La
mayor parte de los actos I y IV siguen la novela, juntando episodios de varios capítulos.
Mientras, las escenas finales de los actos I y IV —las escenas entre Rodolfo y Mimí— aparecen
tanto en la obra teatral como en la novela. La historia de la muerte de Mimí en la ópera
surge de dos capítulos diferentes de la novela, uno referido a la muerte de Francine y el
otro a la de Mimí. El libreto publicado incluye una nota de los libretistas en la que
argumentan de manera breve su adaptación, aunque sin mencionar la obra teatral original
directamente. En ella defienden además la fusión de Francine y Mimí en un sólo personaje:
«¿Quién puede no detectar en el delicado perfil de una mujer la personalidad tanto de Mimì
como la de Francine?». En aquella época, habiendo muerto Murger sin herederos, la novela
era del dominio público, aunque los derechos de la obra teatral aún eran controlados por
los herederos de Barrière.
Su estreno tuvo lugar en el Teatro Regio de Torino el 1 de febrero de 1896, bajo la
dirección de un joven Arturo Toscanini. La obra tuvo una acogida bastante distante, tanto
por parte del público como de la crítica. A pesar de ello, actualmente es una de las óperas
más destacadas del repertorio operístico estándar y aparece como la cuarta más
representada en todo el mundo entre 2005-2010, por ejemplo. En 1946, cincuenta años
después del estreno de la ópera, Toscanini dirigió una representación con la Orquesta
Sinfónica de la NBC. Esta representación fue con el tiempo publicada en disco. Es la única
grabación de una ópera de Puccini por su director original.
Para muchos La Bohème es probablemente la ópera más convincente de Puccini, la que
obtiene un equilibrio más logrado a nivel global, entre otras cuestiones, porque goza de
un libreto excepcional, en el que drama y comedia se entremezclan de manera brillante.
La definición psicológica de los personajes es casi perfecta a nivel musical, y su
excepcional final, repleto de tragedia, es probablemente uno de los más logrados en la
historia de la ópera. Puccini sabe aportar a la historia toda la genialidad musical al servicio
de un melodrama completo, que termina por convertirse en una historia universal –quizá
la clave de su éxito, amén de la belleza de sus pasajes musicales–. La obra es la
representación metafórica de una juventud que aún se mantiene despreocupada y vive
feliz el momento, sin pensar en lo que está por venir. Puccini logra que el oyente se vea
reflejado en esos sueños e ilusiones de los personajes. A pesar de que su creación fue
larga y compleja, desde luego la espera mereció la pena.
Ópera: La Bohème
Una película de Robert Dornhelm
Estreno 24 de septiembre
19:00 Argentina/Uruguay | 17:00 Colombia/Ecuador
Sinopsis:
La Bohème es una de las magistrales obras operísticas del genial Giacomo Puccini, que aquí se
presenta en una curiosa y sobresaliente puesta en escena fílmica. Una película dirigida por el
nominado a los Oscar, Robert Dornhelm, contando para la ocasión con dos de las mejores voces del
panorama internacional. Anna Netrebko y Rolando Villazón.
Enlaces de imágenes:
www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00294_Puccini_La_Boheme_1.jpg
www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00294_Puccini_La_Boheme_2.jpg
www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00294_Puccini_La_Boheme_3.jpg
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Concierto: Vladimir Cosma
En vivo en el Grand Rex
Estreno 24 de septiembre
21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Colombia/Ecuador
Retrospectiva de toda una carrera dedicada a la música de cine, de la mano del
propio autor de las obras, en una velada inolvidable.
 Género: concierto, música clásica, bandas sonoras, sinfónico-coral.
 Intérpretes: Natasha St-Pier, Marius Préda, Greg Zlap, Emil Bizga, Philippe Chayeb,
Claude Salmieri, Cezar Cazanoi, Dmitry Smirnov; Coros del Séptimo Arte.
 Director: Vladimir Cosma.
 Orquesta: Orquesta Nacional de Bélgica.
 Año: 2013.
 Lugar: Le Grand Rex, Paris.
 Duración: 120 minutos.
Vladimir Cosma (1940) es un compositor, violinista, pianista y director de orquesta
rumano, uno de los grandes exponentes de la composición de música para cine de las
últimas cuatro décadas. A Vladimir Cosma el interés por la música le viene de familia, pues
tanto su padre como su madre y su tío fueron compositores, pianistas o directores de
orquesta. En 1963 se traslada de su Bucarest natal a París, por aquel entonces una de las
grandes capitales de la música en el mundo, donde se formará de manera profunda con
Nadia Boulanger, una de las más importsantes personalidades musicales del mundo en
aquellos años. En 1966 Michel Legrand, que estaba trabajando en la banda sonora para el
filme Las señoritas de Rochefort, le pide a Cosma que se ocupe de dos de las canciones
del mismo: Oum le dauphin y Où vont les ballons? Satisfecho con su trabajo, al año siguiente
le propone que lo sustituya en la composición de la música de la película Alexandre le
bienheureux. Comienza a partir de ese momento para Cosma una larga y exitosa carrera
como compositor de música para cine, destacando entre su inmenso catálogo títulos como
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Las aventuras de Rabbi Jacob (Les Aventures de Rabbi Jacob) y La Chèvre [La cabra], cuyo
tema expuesto por la flauta de pan es uno de los más bellos y célebres de su producción. El
total de sus bandas sonoras supera el extraordinario número de 130 hasta el año 2007.
Por su obra ha sido premiado en el Festival de Cannes, además de alzarse con dos César
a la mejor banda sonora gracias a sus trabajos en Diva, de Jean-Jacques Beineix [1982] y
Le Bal, de Ettore Scola [1984]. Compone también la sintonía del telediario de TF1, que se
utilizó durante 1975 y 1976, así como nuevas versiones entre 1976 y 1984. Tras haber
compuesto más de 300 melodías y bandas sonoras, actualmente se dedica a la composición
de sinfonías y suites sinfónicas basadas en las célebres obras que compuso para el cine.
Trabaja también desde hace unos años en un musical de Marcel Pagnol, La Trilogie
marseillaise, cuya creación tuvo lugar en la Ópera Municipal de Marsella en septiembre del
2007. Su importancia ha sido tal, que hasta es protagonista de una monografía, escrita por
Vincent Perrot, bajo el título Vladimir Cosma comme au cinema.
En este magnífico evento podrán disfrutar del propio Cosma dirigiendo algunas de sus
obras más célebres, en un compendio de lo mejor de su producción, que le ha llevado a
situarse como uno de los autores de bandas sonoras más respetados del panorama
internacional, a pesar de ceñirse de manera muy clara a la cinematografía francesa. Podrán
disfrutar de algunas magníficas obras como: Danzas sinfónicas [de Les Aventures de Rabbi
Jacob, Tema de Nadia y Danza tártara [de Michel Strogoff], Your Eyes [de La Boum 2]; You
call it love [de L’Etudiante]; Inspecteur la Bavure; La Chèvre; Concerto de Berlin [de La
septième cible].
Concierto: Vladimir Cosma
En vivo en el Grand Rex
Estreno 24 de septiembre
21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Colombia/Ecuador
Sinopsis:
En el mundo de la música clásica no es tan habitual que el propio compositor dirija su obra. Cuando
esto se produce, la importancia del evento aumenta de manera exponencial. Le invitamos a
deleitarse con Vladimir Cosma dirigiendo algunas de sus grandes bandas sonoras, en un excepcional
concierto repleto de sorpresas.
Enlaces de imágenes:
www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00283_Vladimir_Cosma_Live_at_Grand_Rex_1.jpg
www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00283_Vladimir_Cosma_Live_at_Grand_Rex_2.jpg
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Jazz: André Manoukian
So in love
Estreno 25 de septiembre
21:20 Argentina/Uruguay | 19:20 Colombia/Ecuador
El músico y compositor franco-armenio ofrece una magnífica velada que rinde
homenaje a las grandes canciones de amor de artistas estadounidenses.





Género: concierto, música clásica, bandas sonoras, sinfónico-coral.
Intérpretes: André Manoukian, China Moses, varios.
Año: 2010.
Lugar: Espace Ligéria, Montlouis-sur-Loire.
Duración: 97 minutos.
André Manoukian (1957) es un compositor, pianista, arreglista, músico de jazz y actor
franco-armenio, uno de los más talentosos de su generación, que en los últimos años –desde
2002– saltó a la fama por ser uno de los cuatro jurados en la versión francesa del célebre
programa de jóvenes cantantes Pop Idol [Nouvelle Star]. Nacido en Lyon, aunque de origen
armenio, comenzó a tocar el piano con siete años de edad. Más tarde, cuando era un
estudiante, vendió órganos en una tienda para ganar dinero, y ya a los 20 años se traslada
a Boston para formarse en el prestigioso Berklee College of Music. Después de adquirir los
fundamentos básicos de la música, se especializó en composición, arreglos y armonía.
Cuando regresó a Francia, Manoukian comenzó una banda de jazz llamada Horn Stuff. Al
mismo tiempo componía temas para cantantes femeninas e incluso para dos discos de
jazz-funk que fueron grabados por aquel entonces. También comenzó a colaborar con la
banda de la cantante Michèle Torr. En 1983 conoció a la cantante Liane Foly, con la que
además de comenzar una relación de pareja, compuso sus primeros éxitos, incluyendo Au
fur et à mesure y Doucement. También ha compuesto temas para artistas como Michel
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Allegro HD – Destacados de Programación – Septiembre 2016
Petrucciani, Richard Galliano, Charles Aznavour, Freddy Zucchet, Gilbert Bécaud, Diane
Dufresne, Nicole Croisille, Natacha Atlas, Viktor Lazlo, Janet Jackson, Myriam Abel, Camille
Bazbaz y Malia. Además ha compuesto música y arreglos para bandas sonoras, destacando
los filmes franceses Quatre étoiles y Jean-Philippe.
Es un artista interdisciplinar, que ha llegado incluso a realizar el doblaje en francés del
DVD bonus de la película Shrek II, y además de su presencia permanente en televisión,
como miembro del jurado de Nouvelle Star, ha participado en otros programas, galas de
premios, documentales… Ha creado incluso su propio sello discográfico, Va Savoir [EMI
Group], con el que en 2008 editó ya un primer cedé, bajo el título Inkala, junto a una
pequeña banda de jazz. El álbum es una mezcla de composiciones originales, canciones
del folclore armenio, así como improvisaciones propias de la escritura moderna del trío
de jazz, y se distingue por el uso del canto modal armenio y sus características blue notes.
Desde el verano de 2008 participa en Tété où Dédé?, una serie documental emitida en
France 5 en la que, junto al músico Tété, realizan un viaje al encuentro de los herederos
del jazz, el blues, el folk, el hip-hop y el rock. André Manoukian también comenzó carrera
como actor y desde 2008 colabora en algunas series y programas en Francia. Desde finales
de 2009 es la voz del programa Les prènoms en musique, difundido por TF1 en 2010.
Después de su disco instrumental en Blue Note Records, lanzó So in love, un nuevo álbum
de grandes estándares de Cole Porter, Burt Bacharach y George Gershwin, interpretados
por la nueva ola de la escena francesa: Anaïs, Emily Loizeau, Helena Noguerra, Camelia
Jordana, Benjamin Siksou, Cocoon, China Moses y Tété. En él Manoukian pretende rendir
homenaje a sus maestros, al igual que hace en este programa en directo que puede
disfrutar. En 2010 creó la primera edición de Cosmojazz, un festival de jazz en la ciudad
de Chamonix –que cuenta con «valle más hermoso del mundo»–. Es sin duda una de las
figuras más trascendentales del jazz y la música popular urbana en Francia, como
demuestran sus incursiones en decenas de proyectos en la última década. Manoukian es,
además de intérprete, un entregado divulgador, lo que consigue mostrando a las nuevas
generaciones de oyentes lo que la música ofrece a través de los medios de comunicación.
Jazz: André Manoukian
So in love
Estreno 25 de septiembre
21:20 Argentina/Uruguay | 19:20 Colombia/Ecuador
Sinopsis:
El amor es el tema recurrente en la gran parte de las canciones de música popular urbana creadas
a partir del siglo XX. El músico franco-armenio, especialista en jazz, canción francesa y otros
géneros relacionados, ofrece un magnífico recital desde el Festival Jazz en Touraine, en el que
junto a su fantástica banda y artistas invitados como China Moses, rinde tributo al amor y a grandes
canciones estadounidenses.
Enlaces de imágenes:
www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00282_Andre_ Manoukian_So_in_Love_1.jpg
www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00282_Andre_ Manoukian_So_in_Love_2.jpg
www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00282_Andre_ Manoukian_So_in_Love_3.jpg
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Allegro HD – Destacados de Programación – Septiembre 2016
Concierto: Murray Perahia en vivo en
Varsovia
Interpreta Bach, Beethoven & Chopin
Estreno 30 de septiembre
21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador
El gran pianista estadounidense ofrece un esplendoroso recital en el que da lo mejor de sí
ante tres de los mayores genios de la historia.
 Género: concierto, música clásica, música barroca, música romántica, música
instrumental, piano.
 Intérpretes: Murray Perahia.
 Año: 2011.
 Lugar: Philharmonic Concert Hall, Varsovia.
 Duración: 80 minutos.
Murray Perahia (1947) es uno de los mejores pianistas de las últimas décadas. Nacido
en New York en el seno de una familia de origen sefardí, comenzó a tocar el piano a la edad
de cuatro años, aunque no se dedicó a ello de manera permanente y seria hasta los 15
años. Cuando tenía 17 ingresó en el Mannes College of Music donde estudió piano,
dirección y composición con su profesor y mentor Mieczysław Horszowski. Ya ese mismo
verano acudió al Marlboro Music School & Festival, donde se formó con Rudolf Serkin y Pau
Casals, entre otros grandes artistas. En 1972 fue el primer estadounidense en conseguir el
primer premio del Leeds International Pianoforte Competition, lo que sin duda le ayudó a
reforzar e impulsar su carrera como solista y uno de las grandes promesas del
instrumento. Fanny Waterman comenta como anécdota que el propio Horszowski le llamó
previamente para anunciarle que iba a inscribir al ganador. En 1973 tuvo el honor de
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trabajar junto a Benjamin Britten y Peter Pears en el Festival de Aldeburgh, pasando
posteriormente a ser codirector artístico de dicho Festival entre 1983 a 1989. Guardó
también una estrecha amistad con Vladimir Horowitz, otros de los grandes pianistas del
pasado siglo, quien tuvo una gran influencia sobre su carrera pianística. Su primer gran
proyecto fue la grabación completa de los Conciertos para piano de Wolfgang Amadeus
Mozart, que el mismo dirigió desde el piano a la English Chamber Orchestra. Otro de sus
hitos discográficos es la integral de conciertos para piano de Ludwig van Beethoven con
Bernard Haitink y la Orquesta Real del Concertgebouw.
La carrera de Perahia se ha visto permanente afectada por problemas de salud. En 1990
sufrió un corte en su dedo pulgar derecho que se le complicó posteriormente. En 1992 sufrió
una anomalía de los huesos de su mano que le causaron una inflamación, por lo que tuvo
que dejar de tocar el piano por unos años y someterse a varias operaciones, años en los que
afirmó que el estudio de la música de Johann Sebastian Bach había sido su consuelo.
Después de recuperarse completamente produjo a finales de la década de los 90 una serie
de grabaciones sobre las obras para piano de Bach que fueron muy premiadas y
valoradas. A partir de entonces se ha detenido también en la obra de Frédéric Chopin y las
últimas sonatas para piano de Franz Schubert. Además de su carrera como solista es un
activo músico de cámara y ha actuado con Cuarteto Guarneri y Cuarteto de Budapest.
También es el director invitado principal de la orquesta de la Academy of St. Martin in
the Fields. En 2004 fue nombrado Caballero Comandante honorífico de la Orden del
Imperio Británico por la reina Isabel II. A principios del año 2005 volvió a tener problemas
con su mano, al igual que en 2006 y 2008.
En el presente concierto hace un recorrido por algunos de los máximos exponentes de
la música para teclado en la historia. Comienza en el Barroco, de la mano de Johann
Sebastian Bach (1685-1750), de quien interpreta su Partita n.º 6 en Mi menor, BWV 830 –a
pesar de que Bach la compuso para otro instrumento de teclado de su época, el clave–.
Prosigue con Ludwig van Beethoven (1770-1827) y su Sonata n.º 30 en Mi mayor, Op. 109.
Completa la magnífica velada con una serie de obras de Frédéric Chopin (1810-1849):
Ballade n.º. 3 en La bemol mayor, Op. 47; Estudio Op. 25, n.º 1 y 5; Estudio Op. 10, n.º 4;
Mazurka Op. 50, n.º 3; Mazurka Op. 59, n.º 3. Tres de los autores que mejor conoce y a
los que más atención ha prestado a lo largo de los años, de quien se le puede considerar
un especialista. Sin duda una oportunidad fabulosa para observar con todo detalle las
interpretaciones del maestro, con la mayor calidad audiovisual y con los detalles de cada
obra como nunca antes ha visto, gracias a nuestros subtítulos exclusivos.
Concierto: Murray Perahia en vivo en Varsovia
Interpreta Bach, Beethoven & Chopin
Estreno 30 de septiembre
21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador
Sinopsis:
Murray Perahia es aclamado, desde hace varias décadas, como uno de los mejores pianistas del
siglo XX. A través de sus brillantes y expresivas interpretaciones de algunas exquisitas obras de
Johann Sebastian Bach, Ludwig van Beethoven y Frédéric Chopin, podrán comprobar el porqué.
Una velada de lujo para no moverse del sillón.
Enlaces de imágenes:
www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00310_Murray_Perahia_Live_in_Warsaw_1.jpg
www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00310_Murray_Perahia_Live_in_Warsaw_2.jpg
www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00310_Murray_Perahia_Live_in_Warsaw_3.jpg
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ALLEGRO HD
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