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EDIT
úmero 5
Año 2 - N 2012
Mar zo
www.elbondi.com
@RevistaElBondi
Revista El Bondi
STAFF
IDEA Y DIRECCIÓN
Beto Landoni
[email protected]
EDITOR GENERAL
Pablo Andisco
Luz sin freno
Las noticias dirán
que te fuiste un
miércoles
8
de
febrero de 2012.
También dirán que
habías nacido un 23
de enero de 1950.
Habrá muchas voces
contando tu extensa
trayectoria una y otra
vez con precisión
matemática y, tal
vez, con inexactitud
periodística.
Porque así siempre
pasa, de repente
todos los medios te
recordarán y tu música sonará diez veces más que cuando estabas de este
lado. Por suerte, tu grandeza siempre se mantuvo al margen del qué dirán
y de las luces de la fama. Porque siempre supiste que lo importante es la
música y la poesía, esa música y poesía que tan bien supiste encarnar y
que durante más de cuarenta años le fuiste regalando a este mundo hostil
que seguramente al escucharte habrá pensado por un rato que otra forma
de vida es posible.
Es imposible no sentirse tocado por esta triste noticia cuando todos
creíamos y confiábamos en que te ibas a recuperar. Porque hasta el
final tuviste la valentía de plantarte y enfrentarte a los buitres que sólo
querían comer de tu cuerpo y pedirnos a todos que no “paniqueemos”,
que vos estabas bien.
Finalmente la vida quiso que el destino sea otro pero igualmente, y
aunque parezca una contradicción, en algún punto sonreímos. Sonreímos
porque recordamos que siempre estarás con nosotros a través de tu obra,
ese inmenso cacho de cultura que nos dejaste como legado y del cual
todavía tenemos tanto que aprender. Porque es así, de los maestros uno
nunca termina de aprender. Gracias por tu luz, gracias por tu música,
gracias por existir Luis Alberto. ¡Que tengas buen viaje!
Corrección:
Christian Alliana y Fernando Canales
Web:
Sycam.com
Colaboradores en este numero:
Sergio Visciglia - Pablo Rios - Solange Paz
- Francisco Anselmi - Barbara Sardi - Paula
Claro - Analia Bustamante - Sebastián
Barrera - Francisco Diez
Redacción:
Jose A. Maure 1647 - CABA - CP 1426
Tel.: 4772 9029
[email protected]
Fotografos en este numero:
Anabella Reggiani - Leandro Baglietto
Publicidad:
[email protected]
Todos los articulos firmados reflejan la opinion de
Diseño Grafico:
Beto Landoni
sus autores. Queda prohibida toda publicación o
reproduccion total y/o parcial sin permiso escrito del
medio. Registro de propiedad intelectual N° 2112245
SUMARIO
8
ENTREVISTA
LOS PEREZ GARCIA
ENTREVISTA
22
LOS CAFRES
ENTREVISTA
28
16
UTOPIANS
NUEVA SECCION
SUENA ROCK
ROGER WATERS
en Argentina
48
46
Todo el
COSQUIN 2012
Y Ademas...
4 Editorial - Staff / 6 Noticias Breves /
12 Informe Riffs, distorsion, canos y chilenas /
20 Informe Waters / 32 Bob Gruen /
34 hermosa Oscuridad / 38 Informe Noise /
40 Review discos / 54 Teatro / 55 Cine / 56WW Comic
VIEJAS LOCAS
Tras el lanzamiento de su nuevo disco de Estudio “Contra la pared”, el primero en diez años, y una única presentación en la Ciudad de Barranqueras Provincia de
Chaco en el mes de noviembre de 2011, la banda liderada por Pity Álvarez, comenzará su gira nacional 2012.
Fechas confirmadas
23 De Marzo – San Juan – Sala Del Sol
24 De Marzo – Mendoza – Estadio El Santo
25 De Marzo – Río Cuarto - Cordoba
07 De Abril – Club Sarmiento, La Banda, Sgo. Del Estero
Mayo – Capital Federal
JANE´S ADICCTION
10 de Abril
Estadio Malvinas Argentinas – Gutenberg 350.
Jane´s Adicction la banda icono del rock alternativo
de principios de los 90´ y una de las más originales e
influyentes de la historia regresa a Buenos Aires liderada
por su carismático cantante Perry Farrell (creador
del Festival Alternativo Lollapalooza) para presentar
oficialmente las canciones de su nuevo álbum de estudio
“The Great Escape Artist” (editado en 2011) y hacer un
repaso por los temas clásicos de la banda.
JELLO BIAFRA
El mítico ex lider de los Dead Kennedys regresa a nuestro
país para presentar su nueva producción ‘Enhanced
Methods of Questioning’ editado por Alternative
Tentacles. JELLO BIAFRA va a estar compartiendo
escenario junto a SATAN DEALERS.
Presentará a su primer banda desde la ruptura de los
D.K en 1986, The Guantanamo School of Medicine y no
solo tocará todo su nuevo disco: ‘Enhanced Methods of
Questioning’ sino que también recorrerá los temas de su
album anterior, ‘The Audacity Of Hype’, y los clásicos de
los Dead Kennedys.
MICHAEL MONROE
Michael Monroe el reconocido frontman de Hanoi Rocks,
uno de los más irresistibles, eléctricos y apasionados
vocalistas que operan actualmente en el terreno del
rock n’roll regresa a Buenos Aires (tras sus inolvidables
dos presentaciones en The Roxy en el 2000) y en las
filas de su banda figuran el legendario bajista Sami
Yaffa (Hanoi Rocks) junto a los guitarristas Dregen (The
Hellacopters / Backyard Babies) y Steve Conte (New
York Dolls).
PERSONAL FEST 2012
Björk - Biophilia Residency
21 de Abril GEBA
Personal presenta a Björk, la artista más original y de
vanguardia de la música de los últimos tiempos, en el
Opening del Personal Pop Festival 2012.
Fiel a su estilo innovador, Björk llega a Buenos Aires
para presentar “Biophilia Residency”, un proyecto
interdisciplinario; una experiencia multimedia que
incluye un álbum de música tradicional, aplicaciones
para dispositivos móviles, un website interactivo,
instrumentos hechos a medida, workshops educativos
y shows en vivo. Los días 6 y 9 de abril, se presentará
en el Centro Municipal de Exposiciones, con dos shows
íntimos y el 21 de abril, con un show masivo en GEBA,
donde la artista hará un recorrido por toda su carrera.
THE DAMNED
Con sus miembros fundadores Dave Vanian (voz) y Captain
Sensible (guitarra) The Damned llega a Sudamérica
para un único show en Argentina, el domingo 15 de
abril en “Groove” (Av. Santa Fe 4389), Buenos Aires.
Será un show para no dejar pasar. Una verdadera cita
con la historia, en la cual no va a faltar ninguno de
sus clásicos como “Smash it up” (versionado por The
Offspring y Die Toten Hosen), “New Rose” (versionado
por Dave Gahan de Depeche Mode, Guns & Roses y
Blondie), “Neat Neat Neat”, “Plan 9 Channel 7” y
canciones de su mas reciente CD “So Who’s Paranoid?”
(2008).
MIRANDA!
Miranda!, el 27 de Abril en el Luna Park
BOB DYLAN
Uno de los artistas más influyentes en la historia del
rock, se presenta nuevamente en Argentina en el Teatro
Gran Rex los dias 26, 27 y 28 de Abril
Venta de entradas para el público en general para todas
las funciones desde el 2 de marzo a través de Ticketek
Miranda! presenta su nuevo trabajo de estudio que los
regresa claramente a sus raíces discotequeras. Es una
bomba bailable de diez canciones compacta y directa.
Desde el primer corte se puede sentir el gustito a
marcha y fiesta, con una participación de Juliana Gattas
más activa que en la anterior producción, y la vuelta al
juego novelesco entre ella y Ale, que tanto los distingue.
Las canciones son todas compuestas por Ale Sergi, con
excepción de los temas “Dice lo que siente”, “Ya lo
sabía” y “Puro talento”, donde comparte autoría con
Juliana Gattas.
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LA FAMILIA ROCK
Los Pérez García nos abrieron las puertas de su casa y nos hablaron de su quinto
disco recién salido del horno, La mesa está servida. Además nos contaron como
fue llegar a donde están, los caminos recorridos y los objetivos para este año.
¡Salud!
ENTREVISTA a LOS PEREZ GARCIA
Esta vez, El Bondi recorrió las inundadas calles del Sudoeste bonaerense para hacer su parada en
Aldo Bonzi. Refugiados de la tormenta, en su hogar de la calle Cárdenas y cual familia a punto
de cenar, nos esperaban Los Pérez García. Charlamos un buen rato con Beto, Mingo, Julio y
Pablo, en la casa donde ensayan hace años, ahí donde se reúnen semanalmente, donde crean sus
canciones y sus discos, el lugar donde lograron encontrar esa fórmula exitosa que los convirtió
en una de las bandas del momento.
-¿Cómo se logra
identidad propia?
tener
una
Mingo: ¡15 Años! La respuesta
es 15 años de vernos, de tocar,
curtirnos y relacionarnos. Lo que
nosotros hacemos, lo hacemos a
nuestra manera, es un formato
que ya lo incorporás. No digo que
la música va a sonar siempre igual,
pero la forma de generar lo que
generamos va a ser siempre del
mismo modo.
Beto: Un dato no menor es que
es el tercer disco con la misma
formación y eso quizás hace que
nos afiancemos. Con respecto a
la identidad, es la química entre
los componentes. Siempre tuvimos
“canción”, tuvimos “rock” y
también temas con aires “latinos”.
La formación da para eso. Pero
siempre estamos buscando algún
nuevo horizonte y en este nuevo
disco eso se puede apreciar.
-¿Qué diferencias hay entre el
último disco y los anteriores?
Beto: Está más logrado. Las
canciones están más redondas, el
sonido creo que es el mejor que
hicimos, suena como ninguno. Es
la idea, que el tiempo sirva para
algo, aparte que para sacar panzas
y canas.
-En su último disco, en el tema
“Show time” hay una frase
que dice: “Hacia la cima, la
ruta es cuesta arriba”. ¿Es
autorreferencial?
“Siempre estamos buscando algún
nuevo horizonte y en este nuevo
disco eso se puede apreciar”
Beto: No sé si la letra es
autorreferencial, sí puede ser un
guiño a todo lo que la remamos
nosotros, pero la verdad que no
nos podemos quejar del presente
que tenemos. Igual la cima es algo
tan abstracto…
Pablo: “Halcón peregrino” puede
ser. Hay varios, “Mono loco”... Es
difícil elegir uno.
Beto: A mi “Curarte” me encanta,
yo te iba a decir ese.
-Ya que mencionás “Curarte”,
¿de dónde sale ese sonido
cercano a la cumbia?
-¿Cómo fue la ruta que transitaron
para llegar a donde están, a esta
especie de cima?
Beto: Ahora más que en la
cima estamos en una planicie
(risas). Digamos que la cuesta
arriba más jodida ya pasó, fue al
principio, cuando las respuestas
no eran las mismas que ahora.
Cuando
empezamos
éramos
muchos menos, teníamos menos
seguidores, menos comodidades
para tocar y esas cosas con el
tiempo cambiaron un poco. De
todas maneras, hay mucho por
hacer, mucho por mejorar y por
crecer.
-¿A qué te referís cuando decís
que están en una especie de
planicie? ¿No consideran que
este es su mejor momento?
Beto: Me refiero a que ahora no
estamos tan cuesta arriba como en
otro momento. Acá lo importante
es el viaje fundamentalmente,
y ahora capaz que viajamos
en mejores condiciones pero
seguimos teniendo problemas
como cualquiera. Estamos lejos de
lo que uno quiere: la insatisfacción
está buena.
-Hoy donde cualquiera se baja
un tema o una discografía entera
por Internet y las ventas cayeron
abruptamente, ustedes siguen
sacando discos…
Beto:
Nosotros
crecimos
escuchando
discos,
creemos
todavía en el disco como objeto.
Pero sí, somos conscientes de eso,
de hecho yo escucho música por
Internet, pero cuando me gustan
tres temas del mismo disco voy y
me lo compro.
-¿Qué repercusiones tuvieron de
La mesa está servida?
Beto: De a poquito empezamos
a cosechar respuestas por las
canciones de este último disco,
pero todavía es un bebé, salió a fin
de año y estamos a principio del
otro, así que todavía falta mucho
para ver. Pero aparentemente todo
parece indicar que está siendo
“Estamos lejos
de lo que uno
quiere: la
insatisfacción
está buena”
bien recibido, como ningún otro
antes.
-¿Para cuando tienen pensado
hacer la presentación oficial?
Beto: Vamos a esperar que
pase el verano, mientras tanto
vamos a seguir tocando. Va a
ser seguramente en invierno.
Dejaremos que el disco camine y
después lo presentaremos a mitad
de año.
-¿Qué tema elegirían como corte?
Beto: El tema dio un giro muy
importante con los sonidos que
tenía Julio en sus teclados, él
le dio un toque que no tenía. Lo
mismo pasó con “Mono Loco” y
entonces son cosas que en la última
instancia es un cimbronazo que
tiene la canción que la lleva a otro
lado. Igual a “Curarte” siempre
la llamamos “la cumbia”, pero el
purista del género te va a decir “eso
no es una cumbia” y tiene razón;
nosotros siempre bastardeamos
los géneros musicales y este tiene
una base cumbiera, como “¿Dónde
está mi elefante?” es una base
rocanrolera, y así.
-¿Se les complicó llevar al vivo el
disco?
Beto: El reto ahí son las
sobregrabaciones. Pero fuimos
cuidadosos, coherentes, los temas
son bastante defendibles con la
formación. Te puede faltar algún
colchón, algún arreglito, pero
básicamente los temas se pueden
tocar en vivo.
-¿Qué objetivos se plantearon
para el 2012?
Pablo: Poder llegar a las plazas
que son más difíciles en el interior.
Volver a Córdoba que ya hemos ido,
Rosario, La Plata, ahí nos gustaría
estar más presente. Viajar un poco
más, abrirnos un poco más.
Beto: Ir a lugares donde no fuimos
antes, no sólo al interior. La
Provincia de Buenos Aires tampoco
la recorrimos toda. El Sur es una
deuda, vamos muy poco. Ahora
venimos de hacer una gira en la
Costa que estuvo buenísima y la
idea es mostrar lo nuestro por
otros lados.
Txt: Francisco Diez
Fotos: Leandro Baglieto
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R
INFO
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+
+
El Bondi hace un repaso de la pasión que sienten algunos rockeros por el club de
sus amores y de cómo es su relación con el fútbol.
El 26 de octubre de 1863 nacía en
Inglaterra el deporte más famoso
del mundo: el balompié. Sin
fecha exacta de creación, pero
practicada desde la prehistoria,
la música ya tenía su lugar, que
con la evolución, nos daría el gran
rock and roll. Estas dos pasiones
culturales y populares, tuvieron
su génesis por separado, pero el
tiempo se encargaría de juntarlas.
Por un lado los cánticos de las
hinchadas incorporaron melodías
populares, el público empezó
a recibir a sus bandas favoritas
alentándolos como si vistieran
cortos y canilleras, y hasta Mariano
Closs llegó con su equipo deportivo
a la Rock & Pop.
Pero los artistas no están absueltos
de esta estrecha relación que
existe entre el fútbol y el rock, ya
que ellos también son hinchas…los
colores tiran. Acá un recorrido de
historias ligadas entre el arte, el
deporte y los sentimientos.
La doncella del gol: La banda
de heavy metal Iron Maiden
tiene, como todo buen inglés,
una cercanía especial para con
el fútbol. Durante sus giras, los
miembros del grupo sumando a
gente de su crew, se enfrentan a
combinados de periodistas locales,
dejando bien arriba el nombre de
los Iron. Como muestra, repasemos
los resultados de la gira “Virtual
XI”: el 3 a 1 a Inglaterra, 6 a 2 a
Francia y el contundente 8 a 0 al
combinado español.
Hablando de Virtual XI, cabe
recordar
que
reconocidos
futbolistas como Faustino Asprilla,
Paul Gascoine, Stuart Pearce,
Ian Wright, Patrick Vieira y Marc
Overmars, formaron parte del arte
del disco.
Pero eso no es todo: el bajista Steve
Harris es un fanático acérrimo
del West Ham United de Londres
(también
apodado
“Irons”).
Cuando era joven tuvo que decidir
si seguía en las inferiores del club
o si se dedicaba a rockearla con la
Doncella de Hierro. Como si fuera
poco, en la contraportada del
disco “Somewhere in time” reza la
leyenda “West Ham 7-3 Arsenal”.
PD: El staff de El Bondi acepta
futuros desafíos vs. los Iron
Maiden.
R if f s , d is t r s i n , c a n s y c h
il e n a s
El martillo de los dioses:
Robert
Plant,
mítico
cantante de Led Zeppelin
y conocido por sus grandes
agudos, también ha dejado
su voz gritando los goles de
su querido Wolverhampton
Wanderers. Ahora con su
equipo en primera división,
puede festejar por partida
doble, ya que en 2009 fue
elegido como vicepresidente
del equipo.
Unidos por el celeste: Es
sabido que la relación entre los
hermanos Liam y Noel Gallagher
no es la mejor, pero además de su
pasado con Oasis y la sangre, hay
algo más que los une: su pasión por
el Manchester City. Este fanatismo
no fue heredado, los dos rebeldes
tienen sus familiares hinchas del
Manchester United (clásico rival)
pero ellos, naturalmente, tenían
que llevar la contra.
Antes de que Carlos Tévez
fuera
marginado
del
plantel, los tres tuvieron
una gran relación. Carlitos
les propuso a Liam y a
Noel enseñarles a bailar
cumbia a cambio de
clases de rock, mientras
los
chicaneaba:
“Se
podría decir que somos la
versión latina de Oasis”
Liam no se quedó atrás
y con el anuncio de la
nueva camiseta del City
para la temporada 2011/2012,
la marca deportiva Umbro
convocó al ex vocalista de
Oasis para grabar una versión
del legendario himno del club.
‘’Blue Moon’’ es interpretada
en un video donde también
se presenta el single de su
grupo Beady Eye: ‘’The
Beat Goes On’’. En una nota
realizada por Miguel Simón
para ESPN, Noel recordó el
increíble 6 a 2 que su City
le propinó al United en el
derby de la ciudad en la actual
Premier League: “Por la gira lo
tuve que ver en el hotel, hubiese
dado todo por estar en la cancha,
ese 6 a 2 es algo que se da una sola
vez en la vida”.
Las apariencias engañan: ¿Se
imaginaban a Elton John como un
fanático empedernido del fútbol?
Los que pensaron que no, están
equivocados. Elton es un gran
seguidor del Watford FC
de Inglaterra. De chico,
concurría al estadio a ver a
su equipo junto a su padre.
Ahí forjó el cariño por los
colores del club, al punto
que no dudó en hacerse
cargo de la Presidencia del
club cuando éste pasaba
por su peor momento tanto
en lo económico como
en lo deportivo. En 1976
tomó las riendas y en sólo
seis temporadas, el nuevo
presidente del club consiguió tres
ascensos, posibilitando su llegada
a la primera división en 1982/83,
quedando 2º detrás del Liverpool
y entrando a la Copa UEFA por
primera y única vez.
Sir Elton vendió su participación
en el equipo en 1987, pero siguió
ostentando el cargo de Presidente
Honorífico Vitalicio del club.
El otro lado del escenario
Entre las historias de futbo
listas
que tienen algún vínculo
co
el rock, la de Stuart Pearc n
e se
ubica entre las más céleb
res.
El ex capitán del Notting
ham
Forest, internacional du
rante
diez años y flamante téc
nic
de la selección inglesa, es o
tan
reconocido por su fanatism
o por
el punk rock que fue invita
do a
participar en The Clash
- The
Singles, el álbum recopila
torio
editado por Sony en
2007.
Junto a personajes como
Pete
Townshend, Steve Jones,
Th
Edge, Ian Brown y Da e
mon
Albarn, Pearce es presen
tado
como
“el
mejor
lateral
izquierdo que tuvo Inglaterr
a” y
elige “Complete control”
como
su canción favorita.
También
cuenta
de
su
adolescencia marcada po
r la
explosión punk, y su habit
ación
llena de discos y poste
rs de
The Lurkers, Sex Pistols,
The
Stranglers, Stiff Little Fin
gers,
y, naturalmente, The Cla
sh. Su
fanatismo lo llevó a verlo
s en
vivo unas diez veces, y a
pone
“White riot” antes de sal r
ir
la cancha, cuando mane a
jaba
el vestuario del Notting
ha
Forest y a sus compañero m
s no
les quedaba otra que acep
tarlo.
Rock teutón: El St. Pauli FC,
es un club de fútbol alemán que
nunca será reconocido por sus
méritos deportivos, más allá de sus
cinco subcampeonatos seguidos en
la década del ‘50. Pero hay algo
que distingue a este equipo: a
partir de 1980, el club prohibió las
prácticas y símbolos nazis en toda
su extensión, y también clausuró
las actividades nacionalistas. Sus
hinchas tomaron la típica imagen
de los piratas para representar
sus ideales anti-racistas, antixenófobos, anti-homofóbicos y
anti-sexistas. Vos dirás ¿y dónde
está el rock? Cada vez que el
equipo entra a la cancha suena
“Hells Bells” de AC/DC, y cada vez
que hacen un gol se escucha “Song
2″ de Blur y toda la gente estalla
coreando el “uh uuuhh” de Damon
Albarn. ¡Eso es rock!
Más fanáticos:
Steve Jones y Johnny Rotten,
reconocieron públicamente haber
sido skinheads hooligans en las
filas del Arsenal de Londres hasta
poco antes de formar Sex Pistols.
Los Die Toten Hosen son fans
inconfundibles
del
Fortuna
Dusseldorf y seguidores de Diego
Armando Maradona, al igual
que Manu Chao quien además
de dedicarle canciones al “10”,
sigue los colores del Deportivo la
Coruña de España. Rod Stewart es
archi fanático del Celtic Glasgow,
además de haber acompañado a la
selección escocesa al Mundial de
1978.
El 2009 no fue un buen año para
Sting y su Newcastle, el cual
perdió la categoría yéndose a
segunda división. Sting se unió a la
hinchada para tratar de desbancar
a Ashley Mike, el propietario
responsable del descenso, y de
haberle cambiado el nombre al
tradicional estadio St. James Park.
TXT: Fernando Canales
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S
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V
E
IANS
EntR
UTOP
´
utopia
La
de vivir
de lo que uno ama
ENTREVISTA a UTOPIANS
En vistas a la salida de su
tercer disco, con nombre
aún sin confirmar, El
Bondi tuvo una charla
con Utopians, en la que
recordaron sus comienzos
anárquicos, adelantaron
los detalles de su nueva
producción y dejaron en
claro que América Latina
está en un momento ideal
para hacer música.
Es el invierno del 2001; mientras el
país padece las estrictas medidas
de ajuste del segundo año del
gobierno de Fernando de la Rúa,
Larry Fus y Barbie Recanati hacen
sus primeros pasos en la música,
lo que incluyen idas y venidas
de miembros fugaces que duran
algunos meses y sus primeros
shows colmados de compañeritos y
profesores de secundario. Todo es
demasiado bueno para ser cierto,
por lo que coinciden en
llamar
–irónicamenteesta efímera agrupación
Utopy,
pensando
equivocadamente
que
significa
Utopía
en
inglés.
En los once años que
los separan de aquella
experiencia,
ellos
dejaron y volvieron para
terminar la escuela,
se afianzaron en sus
instrumentos –ella la
guitarra y la voz, y
él la batería-, consolidaron la
formación junto a Gustavo Fiocchi
y Mario Romero, lanzaron dos
discos –Freak (2010) e Inhuman
(2008)- y tienen planeado lanzar
el tercero para mediados de
mayo, abrieron para The Cult y los
nuevos Guns N’ Roses y también
cambiaron el nombre: eligieron
Utopians, porque se consideran
un grupo de cuatro personas que
viven una utopía, un sueño con el
que se desvelaron desde chicos.
Por más que lo intenten disimular,
su relación funciona como la de una
pareja que convivió durante toda
una vida. “La primera vez que
nos juntamos fue cuando Barbie
nos llevó a mí y a otro compañero
a su casa para hacer una versión
en español de Sunday Bloody
Sunday”, recuerda Larry, sentado
junto a sus tres compañeros de
banda en la mesa de un restaurant
de panqueques en Villa Crespo. Ella
no parece estar muy de acuerdo y
lo niega inmediatamente sin mucho
convencimiento, como de pura
contrera. Es cuestión de segundos
para que ella lo piense mejor, y
se rectifique con vehemencia:
“¡No te lo puedo creer, no me
acordaba de eso!”; él sonríe con
el placer de la victoria.
Enseguida llega el mozo, que
tiene toda la apariencia de ser
extranjero; no tarda en abrir la
boca para confirmarlo. Todos piden
gaseosas, salvo Barbie que pide
un jugo de naranja exprimido. Es
un martes de verano, aunque el
viento que corre afuera es más
propio de una tarde de otoño. La
banda elige sentarse en el fondo
del lugar, en una mesa amplia
donde Barbie acapara el centro,
enfrentada a Larry, mientras que
Gus y Mario ocupan los costados
como si fueran dos panelistas que
de vez en cuando tienen el permiso
de palabra.
Los únicos que se tomaron en serio
ese primer esbozo de banda fueron
Larry y Barbie, que desde esa tarde
quedaron pegados musicalmente.
“Nosotros hacíamos la música
que podíamos hacer a esa edad”,
cuenta Barbie. Ellos soñaban a
sus trece años con las guitarras
intrínsecas de Jimmy Page, o el
ritmo frenético de John Bonham
pero tenían claro que lo que
podían hacer eran canciones como
las de U2, The Talking Heads, The
Cure y The Ramones.
El primer show se programó antes
de que existiera la banda. Cuando
Barbie tenía trece años vivía en
pleno corazón de Palermo, en la
zona de Niceto y Carranza; fiel
a su naturaleza –verborrágica y
lanzada desde chica- se acercó
hasta el bar de la esquina de su
casa a hablar con el dueño. “Ya
tenemos la fecha”, le dijo a Larry,
su fiel compañero desde aquel
entonces. Los dos, en puertas
de su adolescencia, tuvieron que
salir por el barrio a pegar afiches
para encontrar los integrantes
que completarían esa primera
formación.
“Tuvimos tres ensayos en los
que en ninguno estuvimos todos
juntos: en uno faltó la cantante
–porque ella todavía no cantaba,
sólo se dedicaba a las seis
cuerdas- y a la otra semana el
guitarrista”, lamenta Barbie. Para
ese show, prepararon un set lleno
de versiones de las bandas que
escuchaban en ese momento, por
lo que no tuvieron mucho de qué
preocuparse, aunque Larry
admite que “fue pésimo;
no pudimos haber sonado
peor”.
Después de esa iniciación
tuvieron algunos shows más
en los que su rendimiento
no había mejorado mucho.
Los dos amigos, melómanos
desde aquella época, se
pasaban los días en una
vieja disquería de Cabildo
en la que, de cierta manera,
trabajaban: el dueño les
daba los discos que no se
vendían y si limpiaban los vinilos,
les regalaban algunas revistas.
Un trabajo ínfimo comparado a la
cantidad exagerada de música que
conocerían en aquel lugar.
Pasaron algunos años, y ellos
maduraron, llegaron al momento
en que tenían que decidir qué
harían de sus vidas; al parecer,
la ecuación fue más fácil de lo
que creían. “Si lo único que
pensábamos era en música, de
lo único que hablábamos era de
música, trabajábamos en una
disquería a cambio de cosas
relacionadas a la música, el
destino estaba claro: teníamos
que terminar tocando música”,
se ufana Barbie, feliz de haber
tomado la decisión correcta.
Mario Romero es la antípoda de
sus compañeros de banda. Es
callado, tranquilo y opina sobre
un tema sólo cuando se lo piden.
Tal vez esto resalta más con el
gigantismo que imponen su altura
y su físico, trabajado en gimnasio
y deportes varios. “Está para
cuidarnos a todos, es nuestro
Schwarzenegger”, calificó la
voz de la banda hace un tiempo.
Además de ser (o aparentar ser)
un guardaespaldas, es el bajista
de Utopians desde hace ocho años.
Su comienzo fue casi por
accidente. Cuando el bajista de
aquel entonces decidió ocupar
el lugar de guitarrista, le sugirió
a su amigo Mario que intentara
con las cuatro cuerdas. Él no
lo pensó demasiado y se sumó
a la banda, justo para cuando
empezaban a hacer composiciones
propias y a vislumbrar un futuro
con la música. “Cuando terminé
la escuela intenté con
carreras relacionadas a
la informática, pero no
había caso: mi norte era
seguir hasta el fondo con
el proyecto”, asegura.
Gustavo Fiocchi, para
variar, tampoco tenía otra
opción más que vivir de
la música. Al terminar la
escuela, intentó la carrera
de ingeniero en grabación
de sonido. No hubo suerte:
cursó un cuatrimestre y
volvió a su casa, agarró las
guías telefónicas y llamó
al primer profesor de guitarra que
encontró.
La conoció a Barbie en la disquería
en la que ella trabajaba en ese
tiempo. De tema en tema, los dos
descubrieron que eran músicos
y que tenían dos proyectos
con futuro. “Vos y yo vamos a
terminar tocando juntos”, le
prometió él. La fue a ver en vivo
y quedó alucinado con el sonido
y las canciones de la banda, que
por ese entonces contaban con
todos los integrantes de ahora,
salvo el guitarrista. La promesa se
cumplió, y al poco tiempo pasó a
estar arriba del escenario.
Él es parco, serio, el más grande
(31 años) y, tal vez, el más maduro
de los cuatro. Está sentado a la
izquierda de Barbie, y sólo tira
comentarios irónicos cuando –a
diferencia de Mario- no se lo
solicita. Al momento de hablar
del rock chabón que surgió en
Argentina para mediados de
los 90, él exorciza una canción
de Los Ratones Paranoicos:
“Caroooliiinnnaaaa”.
Todo
atisbo payasesco tiembla cuando
sobrevuela en la mesa el nombre
de Ricardo Mollo, guitarra y voz de
Divididos.
Lo conoció en un sótano de una
casa de música de Talcahuano,
de la que Ricardo es un cliente
habitual. “La gente de él me
invitó porque al otro día él iba a
probar unos equipos”, rememora
con los ojos iluminados de un nene
de cinco años. Los dos pegaron
buena onda y quedaron para verse
otro día; “yo pensaba que era
una de esas promesas que nunca
se cumplen”.
Al día siguiente, en medio de un
recital de The Flaming Lips en el
que Gustavo estaba con Barbie,
el teléfono de él se quedó sin
batería. “Estaba desesperado,
la estaba pasando mal y quería
irse ya porque sabía que lo podía
llamar en cualquier momento”,
relata ella. Cuando por fin pudo
prender su celular, vio el mensaje
esperado de Ricardo que decía
‘Gus, ¿Te querés venir mañana a
la quinta (La Calandria) a probar
unos equipos?’. El sueño del pibe
cumplido; ahora, a triunfar en
primera.
La formación estable de la banda
tiene ya siete años, en los que
editó dos discos que presentaron
en Europa, entre otros lugares, con
muy buena recepción por parte de
la crítica “especializada” pero no
así en calidad sonora. En estos días,
están ultimando los detalles del
que completará la trilogía –“con el
sonido que se merece”, coinciden
los cuatro-, que será lanzado para
mediados de abril (ver recuadro).
Al hablar de lo que los llevó a
tocar juntos, Barbie cierra la boca
y piensa más en las palabras, en lo
que quiere expresar. “A nosotros
nos unió una política: no tenemos
un plan B ante la vida, somos pura
y exclusivamente dedicados a la
música”, resalta y abre el pecho
como si fuera el Capitán América.
Ella
también
es
impulsiva;
impulsiva para irse sola a Europa,
sin ningún contacto ni fecha
programada, a presentar y difundir
la banda. Conoce el mundo, y de
ninguna manera es una persona
“nacionalista” –desde el vamos,
la banda se considera un grupo
de personas apolítico-,
pero cree que Argentina,
como América Latina, es
un país ideal para crear y
hacer música.
“Sería muy bobo hacer
música en un lugar
donde no haya una
problemática
social,
donde todo estuviera
perfecto: no me veo en
Suiza haciendo rock”,
dice Barbie. Ellos cuatro
se hacen ver como chicos
duros que trabajaron toda
su vida para conseguir lo
que tienen ahora. “Si querés ir a
Londres a laburar, está bárbaro.
Si vas a viajar doce mil kilómetros
solo, a un país de otro continente
sólo para hacer música me parece
que estás equivocado: éste es
uno idóneo”.
Los chicos crecieron. Barbie y
Larry siguen haciendo lo mismo
que hacían a los trece años, pero
con dos amiguitos nuevos. Ya no
tocan frente a sus compañeros y
profesores del secundario; ahora
lo hacen en los grandes estadio
frente a miles y miles de personas,
donde, entre otros, tocaron sus
ídolos de U2 Si ésta no es la
utopía, ¿La utopía dónde está?
TXT: Francisco Andres Anselmi
Fotos: Leandro Baglietto
E
M
R
INFO
NOS TAPO
Los próximos shows de Roger Wate
por ir a verlo nunca antes vista en B
que intentan demo
No estamos acostumbrados a este
tipo de espectáculos, y quizás
sea por eso que U2 llena tantos
estadios cada vez que viene.
Llegan, te ponen una tele gigante,
suben a las Madres de Plaza de
Mayo y todos lloran de la emoción.
Cuando vino Waters la vez pasada
te paseó un chancho por el
cielo, puso un LED con imágenes
psicodélicas mientras repasó todo
Dark Side of The Moon y te hizo
dos canchas de River.
en Boca, o de Paul McCartney
hace poco? ¿Qué pasa que todos
se vuelven locos por ir a ver un
show? Y me incluyo eh, voy el
día dos, pero lo que no entiendo
es el fenómeno social más que la
decisión individual.
Así que la pregunta sería, ¿vamos
por el show o porque el disco The
Wall está buenísimo? Permítanme
decir que vamos porque hay veinte
tipos que van a construir una pared
gigante en una cancha de fútbol
mientras Roger Waters repasa un
buen disco, aunque no el mejor.
Tuve la posibilidad de hablar con
Alejandro Iglesias, bajista de
la banda tributo a Pink Floyd,
Ummaguma, que me sirve de
palabra oficial para poder hablar
de todo esto: “Puede ser que haya
gente que haya visto imágenes
del show de Europa o Estados
Unidos, que son realmente
impresionantes”, dice, tratando
de encontrarle una vuelta a algo
tan incoherente como que haya
540 mil personas dispuestas a ver
a un mismo artista.
La película ayudó a todo este
despiole. Toda persona que la
vio deliró: estamos hablando de
dibujos, música de Pink Floyd de
fondo y Bob Geldolf con las cejas
depiladas. No había chance que
no despierte el interés de 540.000
personas en nueves días de shows.
La furia incrementó al ver que
todo se acababa. ¿Se acuerdan
de los Rolling Stones, de Sabina
Porque vale aclarar que en ninguna
parte del mundo, en ninguna
ciudad de todo el continente,
Roger Waters permanecerá tantas
noches para realizar tantos shows.
Hasta se habló de uno gratis en
la 9 de Julio, con David Gilmour
como invitado. Para qué: las redes
sociales se vinieron abajo, que
yo pagué el primer día y Gilmour
no está, que yo voy el cuarto y
tampoco, que esto es cualquiera,
que se llena de negros que te
chorean, que esto con Perón no
pasaba, y muchas cosas más.
Tengo un amigo que viajó desde
Paraguay hasta Londres para ver
a Pink Floyd en el G8. Lo contaba
como anécdota, tengo un amigo
que viajó, qué flashero, decían,
obvio que es flashero, pero
Alejandro ganó por goleada: “Yo
vi a Pink Floyd dos veces –dice-,
el 28 y 29 de Octubre de 1994
en Londres. Eran los dos últimos
shows de la gira del último disco,
The Division Bell”. Chupáte esa
mandarina
paraguayo:
tengo
anécdota nueva.
Mi recuerdo personal de Waters en
el 2007 es bastante nítido culpa
de la emoción y de estar sentado.
Con mis amigos veíamos como a
miles de muchachos se les partían
las piernas mientras pasaban los
veintisiete temas de show. Bien
tempranito Mimi Maura había
hecho de telonera y cuando cayó
la noche salió el inglés con un
traje negro y el bajo colgando para
tocar un par de temas de The Wall,
como si supiera que cinco años
después estaría presentando ese
disco entero en la misma cancha
O EL AGUA
ers despertaron una locura masiva
Buenos Aires pese a tener registros
ostrar lo contrario.
y seguramente con la misma gente
pero con 420 mil personas más. “In
the Flesh”, el sonido cuadrafónico
en todas las esquinas del estadio,
“Mother”, “Set the Control for
the Heart of the Sun”, “Shine on
You Crazy Diamond”, chanchos
con mensajes pegados, “Have a
Cigar”, “Wish You Were Here”,
y toda la posible nostalgia en
grandes y chicos antes de repasar
de comienzo a fin uno de los
mejores discos de Pink Floyd.
En este show que se viene la
apuesta es mucho más osada: se
invirtieron más de 60 millones
de dólares en la producción y
la puesta en marcha de todo el
espectáculo. En medio del recital,
no sabemos cómo, un bombardero
Stuka cruzará el estadio y se
estrellará sobre el escenario para
que miles de imágenes 3D se
proyecten creando un efecto re
flashero en el muro de 10 metros
de alto por 150 de ancho, que
como seguramente sabrán, se irá
construyendo a medida que pasen
los temas.
Otro punto importante serán
las animaciones que vimos en
las películas a cargo de Gerald
Scarface (qué apellido nene), pero
todo en 3D y grande, como para
que Waters se saque la bronca de
no poder hacerlo como quiso en los
ochentas porque el presupuesto se
les fue de las manos. Claro que
hablamos de un presupuesto mucho
menor que ahora y en una época
en la que Pink Floyd no te hacía
nueve River ni por casualidad.
Recordemos que The Wall es el
proyecto más personal de Waters,
donde plasmó su infancia y la
desaparición del antiguo líder
de la banda Syd Barrett. Para
The Wall, Waters quiso controlar
todo el proyecto y se limitó a
entregarles las coordenadas a sus
compañeros: “En esa época el
control era de él y por primera
vez en la historia de la banda
se planteó la idea de hacer un
disco en base a dos conceptos
que ya había desarrollado: uno
era The Wall y el otro Pros and
Cons of Hitchiking, que después
terminaría siendo su disco solista
en 1985”, nos cuenta Alejandro.
Por parte de Ummagumma,
los shows también priorizan lo
audiovisual, dejando que las
canciones generen su propio
clímax. “La lista tiene un orden
en el que se intenta tener
cierta lógica en el manejo de
las sensaciones. Lo que también
pasa es que se arma en base al
show anterior para no repetir
muchos temas. Los clásicos como
“Another Brick pt2”, “Money”,
“Comfortably Numb” o “Wish
you were here” no pueden faltar,
así que en el tiempo que queda
disponible tratamos de meter
temas de todas las épocas para
poder llegarle a todos los fans de
Floyd”.
Es
interesante
hablar
con
Alejandro no solamente porque es
una enciclopedia de los Floyd sino
porque si tienen la oportunidad
de verlos en vivo, se podrán dar
cuenta que suenan perfecto y
son buenos posta: “En Ecuador
una chica se acercó y nos dijo
‘qué lindas las canciones, las
conocía pero no sabía que eran
de ustedes’, es cierto pero real”,
asegura con culpa. La llegada
de Waters es una buena excusa
para verlos y experimentar una
linda previa de lo que va a venir,
que seguramente será genial en
cualquiera de sus nueve fechas.
TXT: Sebastián Barrera
a
A
T
S
I
V
ES
R
EntRE
F
A
C
LOS
GUILLERMO
BONETTO
“La música es
evolución en la vida...
nos guste o no, todo va
a cambiar”
Con un disco plagado de canciones que podrían ser corte difusión,
Los Cafres lanzaron El paso gigante. Por eso salimos de la Ciudad
de Buenos Aires y estacionamos El Bondi en la puerta de la casa de
Guille Bonetto para charlar del nuevo disco, de la trayectoria de la
banda, de lo que Latinoamérica significa, del gobierno y de reggae
nacional, y también nos muestra su costado tanguero.
ENTREVISTA a GUILLERMO BONETTO
El viernes 30 de marzo será la cita
para la presentación del nuevo
material, nada menos que en el
Estadio Luna Park, en un concierto
previsto inicialmente con butacas
pero se terminó decidiendo por el
formato tradicional de campo. “Al
final nos dijeron que era posible
sacarlas y para nosotros mejor,
porque si no entraba menos gente,
las entradas eran más caras, y
está bueno bailar, es una fiesta
reggae” -comenta Guille- “Pero
también está la contrapartida
de la gente que había sacado la
primera fila y ya no la tienen.
Igualmente nunca fue idea de Los
Cafres que tenga butacas,
al contrario, fue aguantar
una situación que venía de
arriba”.
un motivo y el tema habla de eso.
Ahora estamos haciendo el video.
-¿Por qué esta escrito con K?
¿Hace referencia a algún aspecto
del gobierno?
Lo que menos tiene es una
oposición, de hecho el nombre
del disco es El Paso Gigante,
que implica muchas cosas, no
solamente el tema. Pero el tema
en sí, “El paso gigante”, tiene
mucho que ver con el gobierno
actual y no habla en contra en
absoluto, al contrario, habla de las
oposiciones ridículas de pelearse
contra uno mismo: “Damos el paso
gigante que de
El paso gigante
-¿Como vienen sonando
en vivo las nuevas
canciones?
Bien, depende de los
temas, porque suenan
diferente con la variante
de que tenés gente que te
está escuchando ahí en
vivo. Cuando escuchás
el disco, estás solo,
quizás con algún amigo,
y en el vivo hay un ida
y vuelta inmediato y
es muy interesante.
Hay temas en los que
te sorprende cómo
reacciona la gente y en otros lo
poco que reacciona. Este es un
disco que tiene un montón de
matices y está bueno.
-El disco empieza con un “Kaos”,
¿por qué eligieron ese tema para
saludar?
El tema era muy personal, muy
diferente y uno de los temas
que más ejemplificaba lo que
era el disco. El Kaos no es lo que
conocemos como desorden, el
Kaos es una forma de determinar
el desconocimiento que tenemos
de procesos como la acción
y la reacción. Procesos que
desencadenan otros. El Kaos es
la forma limitada del ser humano
de tratar de comprender por qué
funciona el clima, por qué las cosas
suceden. El Kaos como nosotros lo
concebimos no existe, todo tiene
espalda los ojos no nos
vemos”. Si uno ve algo bueno hay
que apoyarlo, no importa si sos
peronista, radical, si es blanco o
negro. Yo no creo en los partidos
como tales porque son algo
estáticos y la gente no es estática,
la gente cambia de ideas. Uno no
puede votar a un partido, tiene
que votar a una persona y en ese
momento, el año que viene quizás
esa persona no te sirva más. Ya nos
pasó, pero lo más lamentable en
la Argentina es que siempre ganó
la corrupción salvo en contados
casos. En fin, en los últimos años
los Kirchner son lo más rescatable,
a quien le guste o a quien le pese
es una realidad. No significa que
hay que endiosarlos, significa
que son personas, y eso es lo más
valioso.
-¿Tenían temas como para hacer
otro disco doble?
Sí, pero hacer un disco doble
es un delirio. Nos gustó el disco
anterior pero trabajarlo requiere
de mucho esfuerzo y es muy
cuesta arriba, es un desgaste
muy fuerte. El resultado fue muy
bueno a pesar de que siempre
hay cosas que no te gustan, pero
sirvió para mostrar cómo somos a
la hora de componer, sin mucho
filtro: hacemos muchos temas en
inglés y después se transforman en
temas en español. Estaría bueno
que lo escuche alguien en inglés
pero es una quimera… Muchos de
los temas históricos han nacido en
inglés, los que salen de zapada
salen en inglés. El
tirar una melodía
así, una sanata que
de repente tiene que
ver con la música, con
lo que la música está
hablando, porque la
música también habla
por sí misma.
-¿Cuando sentís que Los
Cafres dieron ese “paso
gigante”?
Dimos muchos pasos
gigantes, uno es animarse
a hacer una banda, otro
es animarse a tocar en
vivo, grabar un disco,
entender los lugares que
tiene cada uno en el grupo,
las energías que cada uno
necesita manejar para
que las cosas sucedan, eso
es un paso gigante, darte
cuenta de la importancia de la
gente que está con vos. Creo que
a todos nos pasó eso. Cuando uno
conoce gente talentosa, como en
el caso de Los Cafres, está bueno
valorarlo y respetar la suerte que
uno tiene. Eso es uno de los pasos
gigantes que uno tiene que dar
como grupo.
Reggae nacional
Cuando todos creían que el reggae
era una moda pasajeras, las
bandas se consolidaron y salieron
a la luz nuevas propuestas de las
cuales Bonetto destaca en primer
plano a Sig Ragga (“es la más
interesante, original y valiente,
todavía no se la ha descubierto,
aun nadie la entendió a pesar de
que la han apoyado”) y a Kameleba
(“valiente, original y sencilla con
un arreglo vocal agradable”), sin
dejar de nombrar otras bandas
como Rey Voodoo, Dulce Motta, la
Suburband, o los dotes de frontman
de Artifex de Leonchalón.
-¿Cómo ves el presente de
Mariano Castro, hoy Dread Mar I
y ex corista de Los Cafres?
El presente de Marian es enorme,
es un artista muy piola, pasa que
ya es tan grande que es como un
consagrado. No necesita prensa,
es un artista muy bueno que nos
depara muchas sorpresas, tiene
mucho talento y me parece que
podría exigirse un poquito más y
hacer cosas increíbles. Él está muy
bien, es un tipo inteligente y sabe
lo que quiere hacer y lo hace muy
bien, es muy criticado porque le
va muy bien.
-¿Es la misma persona que cuando
hacía coros con Los Cafres?
Yo creo que es la misma persona
porque todo lo que está mostrando
es lo que él ya tenía antes, siempre
fue muy talentoso, yo cuando lo
escuché en Mensajeros cantando
“Atahualpa” dije “este pibe canta
muy bien”. Imaginate que empezó
siendo su propio manager y todavía
lo es, pero tiene ayuda porque no
puede solo con tanto trabajo.
“…nosotros nos cons
iderábamos
compañeros de trab
ajo, pero
honestamente somos
mucho más
que eso, somos un gr
upo de
personas que se va
lora entre
sí, que aprendimos a
ver la
fortuna que tenemo
s de estar
juntos. Yo siento fo
rtuna de
estar rodeado de es
ta gente
y siento súper cubi
erta mi
espalda, siento much
o amor
hacia ellos…”
-¿De los más consagrados que es
lo que más te gusta?
Me encanta Riddim, o lo que hace
Luis Alfa en Resistencia Suburbana,
es un tipo que a pesar de todos lo
encasillamientos que le quieren
poner, es libre y hace en los discos
lo que quiere, pone cosas nuevas,
y es otro gran compositor. Después
está Nonpa que tiene una base
increíble, es un poco más clásica
su propuesta, no tan innovadora,
pero suena muy bien y hace buenos
temas. Y Dancing Mood cada vez
suena más fino.
-En base a las giras que encaran
Los Cafres, ¿cómo se ve el reggae
argentino desde afuera?
Muy bien. Están todo el tiempo
queriendo saber qué hay, qué
sale, tienen muchísimo cariño y
respeto por la música argentina.
Es muy recomendable conocer
Latinoamérica, es un lugar
ENTREVISTA a GUILLERMO BONETTO
fascinante para visitar porque
uno se reencuentra con historias
nuestras. Una vez un tipo que
laburaba en un hotel en Costa Rica
me contó que tenía una banda y
en su época estuvo por venir al
país porque tocaba percusión.
Me empezó a nombrar todos los
cantantes argentinos, Leo Dan,
Sandro, que son re queridos en el
exterior. Por ejemplo en Perú vas
a comer y suenan esos grandes
cantantes, que dejaron grandes
huellas en esas tierras, y vos
decís “guau, mirá si algún día a
mí me pasa lo mismo”. En México
hay dos conceptos básicos de los
argentinos, está el concepto del
forro que se la pasa criticando
a los que no son argentinos, y el
argentino que respeta y que ve las
cosas como son, que ve la diversidad
de las culturas americanas y de la
misma cultura argentina. Entonces
te das cuenta de que hay algo
antes que el europeo, que hay que
cuidar y recuperar y aprovechar
una magia que existe, aprender
un poquito de todo eso, porque
es una cosa increíble, somos muy
castigados con todo esto. Sobre
todo un lugar como México, donde
la mayoría son pueblos originarios
y fueron dominados a la fuerza,
con mentiras, con torturas,
haciéndoles creer que ellos no
valen lo que sí valen, que sus
antepasados no existieron, que lo
que importa es la iglesia católica,
la cultura europea y el blanco.
Y las propagandas son todas de
blancos y la belleza son chicas con
ojos color miel, a lo sumo son un
poquito mezcladas pero nunca van
a ser de pueblos originarios.
Combatiendo el Embolingh
“¿Los Cafres van al psicólogo?”,
pregunta El Bondi, y la respuesta
en tono de sorpresa de Bonetto,
dispersa una linda interpretación
de la convivencia cafre: “No
hacemos terapia grupal, estamos
más en la de disfrutar, es algo que
se respira en la banda y te recarga
cualquier pila y problema que
tengas. Nos reconocemos nosotros
en nuestro universo, no somos
muy demostrativos quizás, pero
sí sabemos que somos amigos.
Esto antes tal vez no lo sabíamos,
nos considerábamos compañeros
de trabajo, pero honestamente
somos mucho más que eso, somos
un grupo de personas que se valora
entre sí, que aprendimos a ver la
fortuna que tenemos de estar
juntos. Yo siento fortuna de estar
rodeado de esta gente y siento
súper cubierta mi espalda, siento
mucho amor hacia ellos y lo veo
inclusive cuando viajamos, con las
esperas, los aeropuertos”.
“A mí no me impo
los demás, a mí
dig
Allí, en esos lugares particulares,
el cantante afirma que es donde se
notan las miserias pero al mismo
tiempo donde surgen las cosas
más divertidas, como descubrir
un deporte que forma parte de las
giras que es el Embolingh. “Somos
campeones internacionales de
Embolingh, un deporte al que
jugamos asiduamente y todo
músico, actor o persona que
tenga una gira como parte de su
trabajo tiene que padecer, y sabe
lo que significa. Entonces te armás
tus propios ritos y tus propias
cosas, sacás tu computadora, o
la guitarra, o te ponés a charlar,
diferentes maneras de combatir el
Embolingh”.
Si este verano va a haber
muchos dreadlocks…
-¿Extrañás los dreads?
No. Honestamente no extraño, es
una de las cosas de las que me
quería liberar, era una especie
de dependencia, me gusta estar
desnudo y zafar de este calor con
dreads, fue una decisión acertada
que tomé. Yo no soy mis rastas,
nunca fui rasta y siempre odié la
confusión que se armó al respecto,
qué es ser rasta, qué es lo que tiene
o no tiene que hacer. Yo siempre
me considero una persona libre
y rebelde, por eso me gustan las
rastas, porque el rasta es libertad,
el rasta es ser humano sin peine.
El peine se invento después, el ser
humano que tenía rulos siempre
tuvo rastas. Yo hasta ahora no
encontré nunca un rasta. Nunca en
mi vida, nunca vi un documental
de que en África se usen rastas,
tienen trencitas, o cosas así, pero
el rasta así como es el dreadlock
como lo conocemos nosotros, yo
nunca vi.
WW-¿Y de donde vienen los
rastas?
En Jamaica había esclavos de India
y de China, de ahí vienen un montón
de culturas y de información.
En la época más importante del
reggae en los ´70, al porro se lo
llamaba “kali weed”, la yerba de
Kali, y eso lo sacan de los indios
que estaban ahí. Los seguidores
de Kali son los que fuman hash y
son los que tienen rasta. Mirá que
casualidad, en mi teoría, yo no lo
tengo firmado, pero es una teoría
que me animo a divulgar aunque
sea un delirio, el rasta es más
probable que venga de la india que
de África; no lo puedo confirmar
porque no soy antropólogo, pero
en mi ignorancia es lo que yo
creo. De todas formas el reggae
es una música nueva, y el rasta es
movimiento relativamente nuevo
orta lo que digan
me importa lo que
go yo.”
que se origina en los primeros
esclavos que se escaparon en la
isla y se internaron en la selva,
lo que se llaman los Maroons, los
“cimarrones” como les decían.
Honestamente no sé de donde
habrán sacado esta costumbre de
dejarse el pelo largo.
Reggae 2 x 4
-¿Para cuando el tango con voz
de Guille Boneto?
Yo hago tangos, me meto en el
tango desde ya hace algunos años
con muchísimo respeto, pero lo
voy a hacer mío y lo voy a hacer
mierda, ya me odiarán todos
los tangueros roots que hay en
el mundo, no sé si hare tango a
ritmo de tango, probablemente
lo haga más tipo reggae. El tango
me fascina, pero no todos, por
eso soy muy crítico con la música,
a mí no me importa lo que digan
los demás, a mí me importa lo que
digo yo; digo con todo el respeto
que se merecen todos lo autores y
la opinión de todos pero cada uno
tiene su propia opinión. Me gustan
Julio Sosa, Gardel, que tiene cosas
que no me gustan, pero otras que
sí, y como cantante era muy bueno
y como performer era increíble. Lo
admiro mucho, pero no me gustaría
cantar como él, me gustaría cantar
tan bien como Gardel pero no con
ese estilo. Lo mismo con Julio
Sosa que me fascina pero yo no
tengo su voz, Goyeneche de joven
cantaba mejor que Frank Sinatra.
Inclusive Alberto Castillo era una
bestia de cantante, a veces es
como que el estilo es más grande
que la técnica o que la calidad
por decirlo de alguna forma, pero
sí te puedo garantizar que me
sorprendí mucho cuando escuché
canciones de él de joven. Ahí
empezás a entender por qué los
sigue la gente. Otros de los que me
fascina es Piazzolla, criticadísimo
por los tangueros de la época, (“no
me vengas a cambiar el tango”,
parodia Guille en tono italiano),
pero la música es evolución, como
todo en la vida, y aunque vos
quisieras hacerlo igual, lo estarías
haciendo diferente, así que dejen
de romper las bolas porque todo
va a cambiar aunque no nos guste,
es imposible mantenerlo.
TXT: Pablo Rios
Fotos: Beto Landoni
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Nuev
ck del país”
“apuntes sobre el nuevo ro
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nueva sección, en la qu
El Bondi te presenta una
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do por las rutas argent
proponemos un recorri
n
las bandas que la rockea
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alg
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ca
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ac
ra
pa
r.
y de las montañas al ma
de Usuhaia a La Quiaca
sa
con un vistazo a lo que pa
Arrancamos por el litoral,
en Paraná y Santa Fe.
LA ROCKA
MiniBio: Desde sus inicios en el
2001, La Rocka compartió escenarios
con figuras relevantes como Pappo
Napolitano, Charly García, Divididos
y Almafuerte, entre otros. Su primer
disco, Abreojos (2009), fue grabado en
los estudios de Lito Vitale y contó con
la participación especial de Eduardo
de la Puente.
En octubre del 2011 editaron su
segundo disco, Inmóvil, que fue
grabado en los estudios MCL RECORDS
por Martín Valenzuela, y cuenta con
Tano Marciello (Almafuerte), Lula
Bertoldi (Eruca Sativa) e Ike Parodi
(Vudú) como músicos invitados.
Durante noviembre y diciembre del
2011, La Rocka dio inicio a la gira de
presentación que incluyó ciudades
como Santa Fe, Córdoba, Rosario
y Capital Federal. Actualmente se
encuentran preparando la continuación
de esta gira, que los llevará a Mendoza,
San Luis, La Plata y Rafaela, entre
otras ciudades.
La Rocka en 3 Palabras: Tres Suenan
Uno
me (guitarra
Formación: Turco Ne
jo y coros)
y voz) Seba Gómez (ba
ía y coros.)
Beltrán Ibarrola (bater
Ríos.
Origen: Paraná, Entre
Suena: Power trío
)
09) - Inmóvil (2011
Discos: Abreojos (20
ocka.com.ar
Googlealos: www.lar
ockaparana
www.facebook.com/lar
electrocuerpo
Mini Bio: Electrocuerpo se formó a principios de 2008, ese mismo año se juntaron con Lea Segovia, quien
aportó la firmeza rítmica necesaria para el proyecto. Poco tiempo después se unió a la banda Buho, cuyos
arreglos demostraron ser indispensables para el sonido buscado. La formación cerró con la incorporación del
Colo Miretti en la guitarra a mediados de 2011. Actualmente se encuentran grabando su primer EP “Ser”.
Electrocuerpo en 3 palabras: Rock para escuchar
(voz) Colo
Formación: Yak Isaac
Belmann
ho
Miretti (guitarra) Bú
(bajo) Lea
ni
rti
(guitarra) Adri Dema
Segovia (batería)
Rios
Origen: Paraná, Entre
ción con la riqueza de
Suena: El formato can
gresivo.
elementos del rock pro
su primer EP, “Ser”.
Discos: En grabación
dcloud.com/
Googlealo: www.soun
yspace.com/
electrocuerpo / www.m
REOBSCE
Mini Bio: Surgidos en 2010 e influenciados por los antecedentes musicales de cada uno (Opium - Soycolapso Idos), la banda encontró identidad y surgieron canciones como “En Pie” y “Gusano”. En septiembre del mismo
año se sumó Marcelino en la voz y aportó canciones como “El ciclo de Piscis” e “Imprudente”.
En el 2011 ReObsce participó en una pre-selección de bandas en la que fueron elegidos para tocar en la Fiesta
Nacional del Mate y compartieron el escenario con bandas locales como Acólitos Anónimos, Factor Fun y
reconocidos artistas como Litto Nebbia y los uruguayos No Te Va Gustar.
ReObsce es una banda de sonido moderno con influencias muy notables de bandas de la década del 90, con
guitarras distorsionadas y melodías vocales pegadizas.
ReObsce en tres palabras: Rock Obsceno Primate
ini (guitarra
Formación: Ariel Feres
rez (bajo),
y coros), Andrés Ramí
y (voz),
Marcelino Bascourlegu
rra), Sebastián
Renzo Squilachi (guita
ros).
Hallam: (batería y co
Ríos.
Origen: Paraná, Entre
sión + Mucha bata
Suena: 90´s + Distor
la
(sólo hay registros de
Discos: En producción
banda en vivo)
w.reobsce.com.ar
Googlealos: http://ww
PARTEPLANETA
Mini Bio: Parteplaneta es un proyecto fundado en 2008 en la c
grunge hasta la música electrónica, para entregar un rock pro
melodía y la armonía. En 2010 editaron su primer larga duración
en vivo por algunas de las capitales más importantes del país. A
será su segundo álbum de estudio, que estiman editar en el me
y planean presentar a la banda en otros países de Latinoaméri
Parteplaneta en tres palabras: Rock Del Universo.
na (batería),
Formación: Manuel Ce
cca (bajo y
Fernando Romero Bu
li (guitarra y voz)
coros), Luciano Farel
Origen: Santa Fe
o
Suena: Rock Alternativ
(2010)
Discos: La Identidad
eplaneta.com
Googlealos: www.part
TOPONAUTA
Mini Bio: Toponauta se formó a fines del
2001, alineándose en la corriente de la
canción de los más grandes del rock local
(Spinetta, García, Páez, Cerati), además
de encontrar influencias en Beatles,
Hendrix, Radiohead, entre tantos otros.
A través de los años, la banda ha ido
madurando su sonido, perfeccionando
el recorrido por los matices variados
que ofrece tanto en shows como en
discos. Su apuesta trasciende lo musical,
incursionando en el universo audiovisual
con curiosidad y propuestas que han
sido reconocidas, como por ejemplo el
videoclip de la canción “Mi flama” (del
disco Guiso), que ha participado en 2008
del V Festival Argentino de Videoclips.
Actualmente se encuentran grabando
para sacar en primavera de este año lo
que será el cuarto disco de estudio.
Toponauta en 3 palabras: Drogas... ¿para
qué?
ciudad de Santa Fe. Sus influencias van desde el
ovisto de vértigo que no descuida la canción, la
n, La Identidad, y durante el 2011 lo presentaron
Actualmente se encuentran componiendo lo que
es de mayo para seguir girando a nivel nacional,
ica.
z),
Cantero (guitarra y vo
Formación: Francisco
a
pe
coros), Nicolas Tro
Cesar Cantero (bajo y
Rojkes
ni (guitarra), Romina
(batería), Nano Basado
ros).
Tellarini (teclado y co
Origen: Santa Fe
Suena: Rock/Pop
ta, algunos de
03). Disco de tirada cor
Discos: Toponauta (20
grabaciones.
s
iore
ter
ersionados en pos
sus temas fueron rev
07). Un dia
(20
iso
Gu
) Ep de 5 temas.
Electric Pomada (2006
marcado (2009).
camp.com
onauta.band
Googlealos: http://top
EXPERIMENTO
NEGRO
Mini Bio: Rodrigo González emprendió su camino por la música
en el año 1995 con La Cruda, banda que integró hasta fines
del año 2007. A partir del año 2000, junto al pianista Fabio Pis
Alonso comenzó a trabajar en una nueva alternativa musical,
y en el año 2008, Experimento Negro se concretó. En 2010
presentó su primer EP compuesto por 5 temas propios. En
febrero del 2011 se filmó el video de “8 sueños”, el corte de
difusión, bajo la Dirección de Guillermo Ronco y Julián Martí.
En marzo de este año saldrá a la venta el disco completo, que
incluye 13 temas de producción propia.
Experimento negro en 3 palabras: ¡Tripulando el cráneo!
n
nzález (voz, percusió
Formación: Rodrigo Go
ido
Gu
s),
Alonso (teclado
y guitarra), Fabio Pis
,
), Martín Pirola (bajo)
ros
co
Grazzini (batería y
n
rre
ha
itarra) y Ariel Ec
Francisco Romeu (gu
(guitarra).
Origen: Santa Fe
Suena: Rock
Negro ( EP )
Discos: Experimento
/
rimentonegro.com.ar
xpe
w.e
Googlealo: ww
erpo
myspace.com/electrocu
E
M
R
INFO
BOB
GRUEN
Del 7 de Diciembre al 11 de Marzo, el Centro Cultural Borges ofrece una
selección de 70 fotos del reconocido fotógrafo de rock Bob Gruen. Por
su lente pasaron los más grandes íconos de la historia de la música: John
Lennon, Muddy Waters, los Rolling Stones, Elvis, Madonna, Bob Dylan,
Michael Jackson y Bob Marley, entre muchos otros. Compartió giras con
bandas new wave de finales de los años 70´s como Blondie y tuvo el lujo de
registrar lo mejor de la escena punk de Inglaterra: Sex Pistols y The Clash.
Es difícil hacer un análisis en
términos de creatividad cuando
uno ve una muestra como la
de Bob Gruen. Se trata de un
registro histórico de un fotógrafo
que supo entrar en escena en
el momento exacto y tuvo el
privilegio de fotografiar a los más
grandes de la historia en su mejor
momento. Sus imágenes trabajan
el lenguaje referencial aplicado
a hechos históricos, sucesos
reales volcados a contar aquello
que aconteció. Entonces uno
se encuentra con Debbie Harry,
cantante de Blondie, sacando
la lengua provocativamente a
cámara abrazada a un flaquito
con flequillo que fuma y toma
una cerveza. Ese muchachito de
minúscula apariencia no es otro
que Iggy Pop. La iguana y la blonda
se encuentran en el backstage de
un concierto en Canadá en 1977.
Los Sex Pistols miran a cámara,
fuman y se emborrachan en un
avión. En la misma imagen, una
nena también mira a cámara. Son
el ying y el yang, todo en una misma
ecuación de luz. La filosofía punk,
individualista,
autodestructiva,
pesimista y rebelde, se sienta
detrás de la inocencia que puede
transmitir la mirada de una niña.
No se trata de una gran imagen
a nivel técnico, pero registra un
momento único. Eso es Bob Gruen,
un fotógrafo capaz de estar ahí,
y sacar de sus retratados un dejo
de complicidad y espontaneidad
a la vez. Su cámara es testigo y
secuaz. Eso es lo que lo hace tan
particularmente bueno.
Algunos
momentos
típicos
del rock, como Los Ramones
esperando un vuelo aburridísimos
en el aeropuerto de Nueva York
se entremezclan con otros más
impensables, como Alice Cooper
junto a Salvador Dalí. También
podemos ver a John Lennon y Yoko
Ono abrazando un pequeñísimo
Sean Lennon, o compartiendo
unas melodías al piano junto
a Mick Jagger. No hay retratos
robados, pero sí la famosa
esencia del instante preciso que
nos ha dejado Cartier Bresson.
Los dejos de espontaneidad de
los protagonistas de cada una de
esas imágenes se funden con la
presencia del fotógrafo. Bob Gruen
tiene la capacidad para mostrar
a través de sus fotos una mezcla
de humildad y efervescencia que
todo rock star debe tener. Keith
Richards y Tina Turner sonrientes
abrazando una botella de Jack
Daniels, el amor incondicional de
John y Yoko caminando de la mano
por un parque. Misceláneas de una
generación llena de historias que
se pueden contar sólo con mirar
sus fotografías.
A la muestra se le suma otro
gran ingrediente: imágenes en
vivo. Tal vez en su costado más
creativo, Bob Gruen logra un
excelente registro de los más
grandes momentos de la historia
del rock: Elton John volando sobre
su piano, una eufórica Tina Turner
zarandeando sus cortos vestidos
plateados, un Steven Tyler
contorsionado cantándole a un
montón de manos que lo idolatran
desde la oscuridad del público,
David Bowie con guantes de boxeo
y la hermosa Patty Smith dando
todo de sí frente al micrófono.
La muestra es variada, sumamente
interesante, pero tiene dos detalles
que le juegan en contra. Por un
lado la impresión de las fotos fue
hecha en un 80% con un sistema
de ploteos montados en fibrofácil.
En cierta forma, esta elección le
quita el romanticismo que una
imagen impresa del negativo
original suele tener. Son pocas
las copias en papel fotográfico, y
esas copias originales enmarcadas
correctamente,
justifican
el
invaluable registro histórico de
Bob Gruen. Por otra parte, en un
costado de la sala, se encuentra
una inentendible instalación con
una cama, cassettes viejos y un
montón de imágenes fotocopiadas
pegadas en la pared. Se entiende
que la intención es simular la
habitación de un adolescente
colmada de las imágenes que el
fotógrafo publicó a lo largo de
los años para las revistas Creem y
Rock Scene; pero verdaderamente
la instalación no aporta ningún
sentido, muy por el contrario
opaca el nivel fotográfico de todas
las fotos que se compilan en la
muestra.
A pesar de estos detalles la
exhibición
de
un
fotógrafo
legendario como Bob Gruen
justifica una visita. Al fin y al cabo,
es solo rock n´roll.
TXT y fotos: Anabella Reggiani
E
M
R
INFO
HERMOSA
María le pide a Juan que la pase a bus
Él supone otro bar temático, una p
sexo. Pero María lo sorprende: lo m
Office en la Oscuridad” se llama el
no lleve
Hágase el apagón y comienza la
función.
Ciudad Cultural Konex - Sarmiento 3131 - Tel.
4864 3200
Entrada: desde $50 a la venta a través de
Ticketek o en boletería.
Apto para mayores de 18 años. Días y horarios:
miércoles a viernes de 19 a 22 horas.
www.dialogoenlaoscuridad.org
www.ciudadculturalkonex.org
Desvinculémonos de los orbitales
castigados por el día a día: podemos
estar una hora y media usando otros
sentidos, los que tenemos más en
desuso. Nos dicen que cerremos los ojos,
que sintamos, aceptemos y subamos los
instintos. Mucho pedir en este mundo
de visiones infernales, 3D, multimedia,
grandes paisajes y microscopios capaces
mostrar la rugosidad de un pelo.
El ingreso es en grupos de ocho personas
con una herramienta elemental que no
es el celular, el cual es obligatorio dejar
afuera en un locker. Nos dan un bastón
para ciegos o para videntes a oscuras y a
la luz explican el uso: debe ser llevado
por delante rozando el piso de lado a
lado.
La oscuridad trae el miedo, y éste al
nervio, que parece se disipa con el
chiste y la verborragia. Esto sucede en
los primeros minutos del ingreso, luego
uno se da cuenta que es importante
escuchar, oler y sentir. No estamos
preparados,
entonces
todo
nos
sorprende y la percepción de lo más
habitual, como la calle o la textura de
una naranja, se hace exquisito.
El
grupo
recorre
los
distintos
escenarios: el parque, la ciudad, el
OSCURIDAD
scar por el trabajo, que van a hacer algo “distinto”.
película inentendible o una nueva posición en el
mete en la oscuridad para que pueda ver. “After
espectáculo que María reservó, rogando que Juan
e linterna, ni tapujos.
muelle y finalmente el bar para
tomarse una cerveza fría sin
poder relojear al de al lado para
el levante. La única táctica de
seducción puede ser el perfume
o impostar la voz de galán.
No estamos solos, en estos
paisajes exóticos nos acompaña
una persona no vidente. Uno se
deja en sus manos y se acerca a
su voz para realizar el recorrido.
Verónica es nuestra guía que el
poeta Pablo Neruda la describe
en “La oda al buen ciego”:
“al héroe ciego, levantando el
mundo, haciéndolo de nuevo,
anunciándolo, nacido otra vez
él en sus dolores, entero y
estrellado, con infinita luz de
cielo oscuro”. Ella, profesora
de la noche, es la que dirige,
enseña, sorprende y ayuda a
esta manga de inadaptados que
no puede consigo mismo cuando
le apagan la luz.
¿Quién me va a mirar? ¿Alguien
me va a tocar la cola? ¿Si me
pongo
claustrofóbico
puedo
salir? Son algunas de las dudas
del visitante, pero por suerte
hay un botón de emergencia
para los que seguimos ocultando
dormir con la luz prendida. No
hay que desesperarse sino “no
ver y creer”.
A lo largo del recorrido, se van
identificando los compañeros
por los perfumes, el tono de
voz y la textura de la ropa.
Como experiencia social uno
se da cuenta de la capacidad
de ayuda, el trabajo en grupo
y también de que lo que más
se choca en la oscuridad son
personas. Justamente el sentido
es lo que hemos perdido, pero
no por quitarnos la vista; sino
porque quizás tampoco estaba
antes pero no lo podíamos ver
hasta llevarlo al extremo. Desde
ahí que esta es una experiencia
para
repensar.
Reflexionar
sobre uno como individuo y
nuestra escucha. Pensar sobre
la sociedad y su sordera. Sentir
la experiencia de personas con
capacidades distintas.
Entre los tragos del After Office a
oscuras, cada uno cuenta cómo se
enteró del espectáculo. Internet,
amigos, por mail son la mayoría
de las causas. Una voz desde el
fondo dice que vino “engañado”:
todo el grupo ya reconoce la voz
de Juan y la carcajada de María.
TXT> Analia Bustamante
Más espectáculos y talleres
para empresas
Además del “After Office”,
los días martes se realiza
“Degustación de vinos en la
oscuridad” y de por si de martes
a domingos la exhibición
“Dialogo en la oscuridad”.
La empresa
que ofrece
estas exhibiciones, Dialogue
Social Enterprise, no se
limita al entretenimiento,
también
ha
desarrollado
talleres
empresariales,
entrenamientos de liderazgo
y seminarios para fomentar la
formación de equipos. Estos
workshops son destinados al
personal de empresas. Según
las experiencias realizadas,
confirman que la pérdida,
aunque sea temporal, del
sentido clave de la visión
tiene un impacto emocional
duradero en individuos y
grupos, instiga a las personas
a reflexionar sobre ellos
mismos, su contexto y sus
relaciones con los otros y
con la diversidad. Y agrega
que el hecho de pasar tiempo
inmersos en la oscuridad
mientras se depende de líderes
ciegos provoca un cambio de
perspectiva, que puede ser
transferido al contexto del
trabajo.
Así, fusionar dos áreas de
trabajo, presentar a un nuevo
jefe o elegir a la secretaria
adecuada, puede dar otro
resultado si se empieza con la
luz apagada.
A a ORA
T
S
I
EV
EM
D
A
EntR
L
-¿De dónde nace el ambiente rioplatense dentro de su música?
Coco: Tiene que ver con los tiempos que corren. Algunos de nosotros nacimos escuchando La Bersuit, Los Piojos, bandas que hacían
esa fusión. Sinceramente no hay
algo premeditado, en relación al
estilo que queremos poner en cada
tema, pero estamos impregnados
de lo que nos rodea, de Buenos
Aires, algunos todavía escuchamos
Gardel…
Mariano: Hace 20 años hubo bandas que empezaron a mezclar esa
música “de los viejos” que nadie
quería escuchar con el rock, pero
ahora ninguna estructura es tan rígida como para decir esto es rock
y esto no es rock.
-¿Por qué creen que se rompió
la estructura de seguir un género musical definido, y que ahora
la fórmula sea la fusión de todos
esos estilos?
Coco: No es un pensamiento de la
música, sino que es un cambio en
la cabeza de la sociedad en la que
vivimos y en el arte en sí, no sólo
el musical. Tiene mucho que ver la
etapa de los ‘90, el menemismo,
la guita, antes estaba muy marcado y relacionado lo que hacías con
lo que escuchabas.
Mariano: Antes había un estilo y
adentro las bandas que lo seguían:
el rock and roll, el grunge, etc.
A mí que parece que desde hace
unos años es al revés: se toca al
estilo Kapanga, Redondos, etc. Se
tiene a las bandas como prototipo,
o como referencia. Sería genial
que algún día vengan bandas que
toquen al “estilo La de Mora”.
Gonzalo: También está en el proceso como músico el no encasillarse y saber que tus posibilidades y
aptitudes pueden dar más para indagar por otros estilos que jamás
uno podría imaginarse tocar. Nosotros venimos de tocar en otras
bandas, cuando llegamos a esta
formación hubo que aprender a tocar cumbia, candombe o milonga.
Está bueno como músico nutrirse
de tus propios compañeros y sus
distintos estilos.
-¿El esperar tanto tiempo desde
la salida de su EP, “Habemus discus”, hasta el lanzamiento de su
primer disco tuvo que ver con el
cambio en la formación inicial?
Damián: -Sí, con el cambio de formación, cambio de rumbo, pensamiento…
Coco: Nosotros queríamos quemar
una etapa muy rápido porque hoy
en día se puede sacar un disco, se
pueden hacer las cosas rápido, y
también mal. Pero nuestra idea
era llegar a un punto de madurez
que no tenemos, pero musicalmente sí; no apurarlo y que venga
cuando tenga que ser.
Mariano: Hay etapas de pre-producción, etapas de ensayo. Son
procesos que llevan tiempo y antes de sacar un disco porque sí,
porque es un proceso normal, dijimos “vamos a esperar, hasta que
“Estamos o
pero somos d
e inqui
La de Mora nació en 2005 con
junto a Coco Pinola (bajo y c
con la llegada de Damián Fe
Ayesa (guitarras) y Gonzalo
presentación del 3 de marzo e
de la esencia de su música, su
del apego de algunas bandas
Abuelo, y del fenómeno de la f
en el denominador c
orgullosos,
disconformes
ietos”
n Pablo Castro (voz y guitarra)
coros), y se consolidó en 2009
ernández (guitarra), Mariano
Avila (batería). Antes de su
en El Marquee, la banda habla
u nuevo trabajo Segundo disco,
s al éxito de Las Pastillas de
fusión de los estilos musicales
común de las bandas.
e inquietos.
-¿Con qué diferencias nos vamos
a encontrar en este nuevo trabajo?
Pablo: Hay otra cabeza de fondo,
desde lo musical, lo artístico. Ahora todos componemos, y escribimos, se abrió el espectro y tenemos más herramientas para usar.
estemos en condiciones”. De hecho nos llevó un año pre-producir
el disco y ponernos a grabar.
Pablo: Si bien tiene temas viejos,
tiene la frescura de haber sido reelaborados y encarados desde otro
lugar.
-¿Quedaron contentos con el resultado de Segundo disco?
Coco: Somos una banda super
mega recontra obsesiva, obviamente estamos contentos pero
siempre sabemos que se puede
mejorar.
Pablo: Estamos orgullosos por lo
que hicimos, y conformes porque
podemos dar más. Si bien sacar
un disco tiene toda una etapa de
presentación, de publicidad y de
salir a venderlo, el disco era para
cerrar una etapa y ver qué había
atrás, pero ya estamos encarando
otro rumbo diferente. Estamos orgullosos, pero somos disconformes
-En este tiempo hay varias bandas que corren detrás de otras
más grandes para llegar más fácilmente a la masividad de la
gente, ¿qué piensan al respecto?
Coco: Lo más redituable es hacer
lo que te gusta porque es lo que te
va a hacer feliz. Tocar con bandas
grandes es un empujón, pero no
te garantiza nada. Mucha gente se
cae cuando la empujás.
Pablo: Hasta corrés el riesgo de
que el día de mañana te tilden
como que llegaste a la gente por
tal banda y la asociación sea directa. Te quita personalidad.
Damián: A nosotros también nos
dijeron que estábamos pegados a
Las Pastillas del Abuelo y que gracias a ellos llevamos a más gente
a los recitales, porque tuvimos la
suerte de tocar con ellos. Pero
cualquiera que nos escuche se da
cuenta que hay una diferencia artística. Finalmente, sabemos que
si alguna vez nos vimos pegados
a una banda, no fue porque tiene
más llegada al público, sino porque son amigos o conocidos que te
hacen la segunda.
Coco: Tampoco hay que negar que
estamos en el mismo contexto, somos contemporáneos y tenemos un
montón de cosas en común con un
montón de bandas que están en la
misma, porque estamos infiltrados
con lo que nos rodea: todos pateamos las mismas calles, leemos los
mismos diarios y pasan las mismas
cosas en los mismos lugares. Hoy
nadie tiene miedo a tocar una chacarera, antes ibas a ver una banda
de rock y hacerlo era mal visto.
TXT: Solange Paz
Fotos: Gentileza de Prensa - Vilo
GuIa practica
carajo
es
el
para
Noise
El Noise no es sólo Sonic Youth y la idea es demostrarlo en
menos de dos mil quinientos caracteres.
Si bien comenzó en los setentas,
los ochentas lo etiquetaron
como género: ya no era un
recurso, sino una corriente
que sigue activa hasta el día
de hoy. Pero vayamos desde
un comienzo y hagamos uso
del titulo: ¿Qué carajo es el
Noise? Es simple de explicar,
pero difícil de ejecutar sin tirar
fruta. El Noise es un género que
no posee armonía, sino guitarras
distorsionadas,
sonidos
disonantes,
interferencias
y acoples con guitarras o
amplificadores.
Los ochentas necesitaban de
este sonido como los setentas
del punk. Se necesitaba cortar
con las corrientes pasadas, y el
Post-Punk, el New-Wave y todo
Nueva York de Iggy Pop y los
Velvet Underground lograron
experimentar hasta el límite las
sensaciones para crear un sonido
nuevo. Las influencias fueron
claras desde un principio: el
Free Jazz, la psicodélica por su
necesidad de innovar, Karlheinz
Stockhausen, John Cage y
quizás la más importante: el
movimiento Krautrock de fines
de los sesenta en Alemania.
La idea fue experimentar con
los límites de una canción y
ver hasta dónde podían hacer
e
pelota una guitarra sin que
los maten a tomatazos los de
abajo. Porque el extremo no es
para cualquiera, y bandas como
Lightning Bolt, Yoko Ono (sobre
todo los dos primeros discos con
Lennon), Metal Music Machine
de Lou Reed o Boredoms lo
demostraron en sus discos.
Quizás lo más interesante es
ver cómo los músicos utilizaron
este género para mezclarlo con
sus sonidos y generar su propio
estilo. Tomemos como ejemplo
a My Bloody Valentine, una
banda que destruyó la definición
del pop y redefinió el uso de la
guitarra (culpa de los Jesús &
entender
quE
e
Mary Chain también) al mezclar
el dream pop, el shoegazing y
el noise para mostrar una cara
completamente distinta del
pop.
Claro que cuando se piensa en
Noise se piensa en Sonic Youth,
y no está mal hacerlo. Desde el
81 recorrieron el mundo como
amos y señores del Noise Rock,
junto a bandas como Dinosaur Jr
(en un formato más melódico),
o Pixies en esa mezcla de punk
y melodía que tanta gloria les
dejó. Pero el estilo prevalece
desde hace varios años y el
hecho que no sea digerible como
otros géneros hizo que nunca
pueda explotar masivamente.
El caso más obvio del circuito
local es El Mató a un Policía
Motorizado, que al igual que
las bandas mencionadas arriba,
supieron utilizar la distorsión
para mezclarlas con las melodías
y la potencia que suelen generar.
El resultado es exacto y aunque
parezca improvisado, el Noise
no es hacer pelota la palanca de
vibrato y listo, es saber cuándo
y sobre todo cuánto tiempo
implementarlo para cerrar una
canción perfecta.
Siempre está el youtube
disponible para investigar y
linkear todas las bandas, como
Yo la Tengo, Times New Viking,
Melvins, Fuck Buttons, Liars,
Butthole Surfers, Swans, y la
lista sigue. Bandas que mechan
estilos y que en el ambiente
local también podemos disfrutar
gracias a la variada escena que
acostumbramos tener hoy en
día.
TXT: Sebastián Barrera
S
O
C
S
I
D
TXT: Sergio Visciglia,
Pablo Andisco, christian Alliana,
Pablo Rios y Solange Paz
Enrique Bunbury - Licenciado Cantinas - OCESA
Bunbury ratifica su idilio latinoamericano en un álbum de versiones.
Aparte de funcionar como un álter ego que define un concepto, Licenciado Cantinas convierte en
álbum algo con lo que Enrique ya había coqueteado durante su trayectoria solista: un homenaje
a esas giras (y esos bares) que lo vienen acercando al continente desde los tiempos de Héroes
del Silencio.
Con un título bien explícito, las canciones son arrancadas de lo más profundo del cancionero latinoamericano, con la
inconfundible impronta del zaragozano, no sólo en su voz peculiar, sino, fundamentalmente, desde los arreglos y la
instrumentación, una constante ascendente en su carrera.
Casi naturalmente, son México y Argentina las paradas que sobresalen (de hecho abre y cierra con temas de Agustín Lara
y Atahualpa Yupanqui, dos de los mayores exponentes del continente) en un disco que mezcla artistas reconocidos con
otros más olvidados. Quizás la muestra más acabada del material sean “El mulato (Licenciado)” y “El solitario (Diario de
un borracho)”, una suerte de medley promediando el álbum, que sirve como preludio de “Ánimas, que no amanezca”,
coloreando el pasaje más cantinero del material. Otro punto alto nos toca más de cerca, y es la versión de “Chacarera
de un triste”, con las guitarras más rockeras de la placa.
Como un gusto personal presentado a modo de diario de viaje, Enrique Bunbury se prueba con éxito en los ritmos
más profundos de Latinoamérica.
TXT: P.A.
Catupecu Machu - El mezcal y la cobra - EMI
Fernando Ruiz Díaz y cía. vuelven a la carga con una propuesta siempre novedosa.
“El Reptil que cambia la piel otra vez, nuevamente”. Así arranca este nuevo disco de Catupecu,
y esta primera frase del primer tema que a su vez da nombre a la obra parece decirlo todo.
Conviviendo con la ausencia presente de su hermano, Fernando Ruiz Díaz busca y encuentra
nuevos caminos musicales y conceptuales para darle siempre nuevos aires a la banda, lográndola
convertir en una especie de bicho que sobrevive a la extinción, en una época donde la repetición de fórmula maneja las
riendas del rock.
Si bien hay temas marca Catupecu (de la primera época o de la segunda más oscura, que no son las mismas), como el corte
“Metrópoli” o “Baile guerrero-golpe certero” (que tiene grabados tres bajos por canales diferentes), la incorporación
constante de nueva tecnología al sonido es siempre el toque de distinción de la banda. “Musas” se lleva las palmas en
una combinación de letra y música que estremece, y “Klimt… pintemos” cierra el álbum antes de los bonus tracks: “Pinta
lo que no ves/hoy es perfecto/vuelvo de un fin, lloré/todo es nuestro…”.
Con algunas reminiscencias al pasado, la banda siempre mira para adelante en cuanto a la búsqueda constante y
TXT: S.V.
diferentes experimentaciones con el sonido.
Ana Cámera - Dirección rock - Larala.com
La ex integrante de Los Twist, La Demanda y Contraviento, lanza su EP compuesto por tres
temas que viajan por la mezcla musical que fue recopilando en lo que lleva de carrera,
coproducido junto a Adrián “Burbujas” Pérez, ex Intoxicados y Viejas Locas.
Combina un rock and roll con guitarras crudas, muy referenciales al sonido ochentoso de Charly
García (seguramente provocado por las influencias que recibió al trabajar con sus contemporáneos)
en “La manera de zafar”, con el ritmo candombero de “Uruguay”, donde la temática del escapar y zafar de las diferentes
situaciones de la vida vuelven a repetirse.
El EP cierra con “Cosas que nunca serán”, donde muestra un lado melancólico y baja los niveles de energía en su voz,
que va variando en estos tres temas al hilo, que se muestra melódica y furiosa al mismo tiempo, que no se termina de
definir pero encamina hacia la búsqueda de un sonido propio.
TXT: S.P.
Las Pastillas del Abuelo - Desafíos - Crack
Quinto disco de la banda nacional más convocante del nuevo milenio.
Aquellas preguntas que tuvo que sortear Crisis (2008), hoy parecen querer encontrar una
respuesta en las trece canciones que catapultan los “Desafíos” pastilleros de la actualidad. Al
menos en la nominación de las mismas, el signo de exclamación omnipresente en lugar de la
vieja interrogación nos lleva por ese camino. Y adentrándonos en las letras, algunas cosas se
responderán (“Me siento fuerte y débil a la vez, quizás eso sea el amor”, insinúa el cantante Piti en “Viejo karma!” para
intentar responder tal vez aquel “¿Qué carajo es el amor?”), otras no y muchas generarán más dudas todavía. Después
de todo no hay mejor empuje para un ser humano que la duda constante, ¿o sí?
La lírica en general continúa la línea introspectiva consolidada en Crisis, aunque hay escupidas hacia fuera en canciones
como “Loco, no discrimines!”, “Gobiernos procaces!” y “Viles medios!”. En cuanto a lo musical no hay novedades a la
vista, homogeneizando un sonido con bases más rockeras que a lo largo de las piezas viajan por momentos hacia el rock
and roll o al reggae, con ciertos destellos de jazz y algunos toques más acústicos.
Las Pastillas ofrecen lo que su cada vez más numeroso público pide, recibe, aplaude y festeja sin discusión. Aunque no
se asome ni por casualidad en este disco, la palabra “fiesta” sigue siendo la clave de cada recital.
TXT: S.V.
La Franela - Hacer un puente - Tocka Discos
Segundo disco para la banda liderada por el ex piojo Piti Fernández.
Cuando Daniel “Piti” Fernández decidió bajarse de la exitosa maquinaria que constituían Los
Piojos allá por 2008, sabía que su futuro no estaba asegurado. Sin embargo, a fuerza de trabajo
y canciones, en poco tiempo La Franela, su nuevo grupo, supo posicionarse en el lote de bandas
de mediana convocatoria llenando lugares como La Trastienda o el Roxy Live. Y la libertad que
encontró Piti fuera de Los Piojos también la llevó al terreno compositivo, en donde se observa una apertura musical aún
mayor que en su grupo anterior.
Hacer un puente (2011) es el sucesor de Después de ver (2009) y en este nuevo disco, el grupo integrado también
por Joselo de Diego (voz y coros), Francisco Aguilar (guitarras), Lucas Rocca (bajo), Diego Módica (batería), Pablo
Ávila (saxos), Martín “Tucán” Bosa (teclados y programaciones) y Facundo Farías Gómez (percusión) continúa su senda
ecléctica. Como si sus inquietudes artísticas les pidieran cambiar continuamente de dogmas, La Franela atraviesa en
doce canciones por distintos estadíos, desde el ska bailable de “Price for freedom” (lógicamente el primer corte de
difusión), pasando por el reggae sensible de “Hacer un puente” aunque siempre haciendo base en su costado cancionero
como lo demuestra “Corre”.
Las letras de Piti, casi siempre en primera persona, cuentan historias cotidianas, interpelan muchas veces al oyente y
contienen una gran carga autorreferencial que tiene su punto cúlmine en “GPS”, una especie de reggaeton, en donde el
ex guitarrista de Los Piojos describe el viaje que emprende cada vez que quiere ver a su hijo Antonio.
En Hacer un puente, La Franela acentúa aún más el camino iniciado en su disco anterior, que tiene como característica
principal la mezcla de estilos lo que da como resultado un álbum muy variado.
TXT: C.A.
S.O.P.A. - Sábanas Oscuras Pecados Argentinos
El Vitreaux Records
Primer trabajo para el cuarteto, con la fusión como guía.
En un momento en el que sus siglas traen una connotación negativa, Sábanas Oscuras Pecados
Argentinos pone el pecho y edita su disco debut, en el que entregan algunos punteos de su propia
argentinidad. Con poco más de tres años como banda, el paso de sus integrantes por grupos como
Carnívoros y Culo forjaron más de una década de historia musical que finalmente plasmaron en este álbum.
La ironía, la catarsis y algunos pasajes de fusión con ritmos latinos profundizan el linkeo hacia la Bersuit, como es el caso
de “Argentino”, aguafuertes modelo XXI de nuestra sociedad. En esta línea se inscriben “No soy Gardel”, una vuelta de
tuerca al desamor en clave tanguera, “Piluso o Superman”, una historia con aires de cumbia desde la óptica del perdedor
y “Aprendiz de suicida”, con algunos paisajes ska.
Cuando la banda consigue el equilibrio entre la introspección y los sonidos deudores de la canción rock empieza a
delinear otro camino. Ahí aparecen “Las flores” y “Sigo”, una buena manera de cerrar el álbum, buscando la épica desde
una lírica que busca profundizar desde la sencillez. Como síntesis de estos dos aspectos, “El pozo de los deseos” se
convierte en la gran canción del álbum.
Un buen trabajo desde las letras y un sonido preciso redondean un buen debut para S.O.P.A.
TXT: P.A.
Maxi Vargas - Viaje a Casa - Independiente
Lanzamiento solista del ex cantante de Gondwana.
En su primer álbum en solitario, Maxi Vargas entrega una obra típica del reggae, tanto por sus las
letras que pregonan la denuncia, el amor y la infaltable presencia de Jah; como por los ritmos,
identificados con las raíces de la música jamaiquina. Maxi lo había anticipado en una entrevista
con El Bondi: “si quieres hacer un buen reggae, mira hacia Jamaica, ahí es donde nació todo” y
eso quedó claro en el disco. Viaje a Casa podría ser una obra de Gondwana, ya que está marcado
a fuego ese sello propio que Maxi aportó en la banda chilena en los más de seis años que estuvo como cantante.
A lo largo de los trece temas, se destaca la tranquilidad para cantar, sin elevar el tono de voz, las letras comprometidas y
las canciones como “Alto el fuego”, “Contigo” y “Vi un ángel”. Por momentos el disco parece ser una obra superpuesta,
porque sin sobresaltar los ritmos prioriza la voz por sobre las bases que suenan monótonas, como si se tratase de una
fórmula a la que le ponen alguna letra arriba.
La gráfica del álbum se caracteriza por la fusión de un verde claro pero vivo y la sobre exposición de otros tonos grises,
lo que hace que la caja de cartón se convierta en protagonista del arte. Sin embargo, el ingeniero de sonido, o el
encargado de la grafica, tuvo un error que repercute en la obra, ya que el track 11 y el 12 están invertidos con respecto
a los créditos.
Con este mínimo error permitido por ser el primer disco, Maxi Vargas inicia su carrera solista con buenas expectativas.
TXT: P.R.
Cuarto Planetario - Sueños en imágenes - UMI
Imágenes retro en el primer disco del grupo.
Formados en 2005 y con dos EPs en su haber, Cuarto Planetario editó de manera independiente
su primer disco a mediados de 2011. Y desde el momento de poner play, la propuesta queda
clara: las armonías de guitarras elaboradas por Pablo Dalton preparan el terreno para la voz de
Juan Aguilera Peret (juntos componen todo el material), que recuerda mucho a la de Gustavo
Cerati. Y es tanto en la última etapa de Soda como en la carrera solista de Gustavo donde más
se reconoce la propuesta del grupo.
El material viaja en este sentido, con algunos momentos más bailables (el electropop de “Único”, el sonido retro de
“Aliados”, las violas brit de “Babilonia”), a otros más calmos, donde la banda encuentra sus mejores pasajes. Con los
teclados de Anfrán y la voz de Carla Prat tomando un mayor protagonismo, el relax mántrico de “Como el viento”, y el
cierre con “Imán”, con la guitarra acústica dialogando con las voces, auguran buenos horizontes.
Cuarto Planetario presenta un material prolijo y bien ejecutado. Despegarse de las influencias en búsqueda de un estilo
propio será el próximo objetivo.
TXT: P.a.
Ella es tan cargosa - 11 - Rinoceronte Discos
La canción sin novedad en el frente.
El tercer disco de Ella es tan cargosa continúa su senda cancionera y no se aparta demasiado
de sus anteriores trabajos. La banda del Oeste bonaerense entrega once canciones correctas y
prolijas en el que las guitarras acústicas son más que un acompañamiento.
Como en Ella es tan cargosa (2007) y Botella al mar (2009), el grupo liderado por el cantante
Rodrigo Manigot tiene varios temas destinados a sonar en todas las radios como “Pretensiones”
y “Autorretrato”. Pero cuando se corren un poco de la maquinaria cancionera logran algunos puntos interesantes como
ocurre en “El último corner”, cuya base bailable inventa a mover los pies, o “Una noche de aquellas”, un rock que
comienza lento y luego se acelera para terminar explosivamente.
Más allá de eso, el resto del álbum se torna bastante predecible, pasando por influencias beatle (“Fantasmas”), baladas
con piano (“La mano del Knock Out”) y letras que alternan la primera y tercera persona buscando interpelar al oyente.
En 11, Ella es tan cargosa parece apostar a lo seguro y el resultado es un disco correcto pero sin grandes novedades.
TXT: C.A.
Paliza - Una radio - Independiente
Primer trabajo para el proyecto que encabeza el guitarrista de Resistencia Suburbana, Fabián
Leroux.
Si algo deja en claro Fabián desde “Un mal día” el tema que abre el disco, hasta el décimo y
último tema, “Jugar”, es que lejos de ser una extensión de Resistencia, Paliza es una banda de
rock. Con una melena de rockero, anteojos negros y con la imagen de Jimi Hendrix en la remera,
Simón, hijo de Fabián, protagoniza la tapa del disco, un arte sencillo para tratarse de un debut
discográfico.
La banda no se olvidó de sus raíces, su barrio, ni de sus amigos y los incluyó en “Ya no hay más héroes”, que habla de
San Martín, el partido que lo vio nacer y en la que colabora Luis Alfa. El disco es totalmente independiente, firme,
sin venderse a ninguna compañía, como dicen en “Que nadie me diga”, y ahí sí vemos una continuidad en la idea de
Resistencia. Otro tema que se destaca es “No llores más”, tema que podría convertirse en hit con su ritmo reggae.
Con las convicciones de siempre, Fabián Leroux muestra en Paliza su costado rockero.
TXT: P.R.
Sponsors - A todo trapo - Discos Popart
La marca registrada de Joaquín Levinton
En su segundo disco, Sponsors apuesta por temas de poca duración en los que, como siempre, las
melodías son las que mandan. “Nunca es igual” y “La amistad” son cien por ciento salidas de la
escuela de canciones Joaquín Levinton (voz y guitarras), con ese estilo que hace que reconozcas
el tema aunque nunca lo hayas escuchado antes. Sin embargo, en A todo trapo (2011) lo mejor
viene por el lado rockero, con las guitarras bien al frente como en “Hay que bancar” o “Tacho
de basura”.
Tantos años en la ruta hicieron que Levinton cosechara numerosos amigos como Los Auténticos Decadentes que dicen
presente de la mano de Jorge Serrano quien aporta su voz en “Sin tu amor” (además Martín “La Mosca” Lorenzo produjo
el álbum), Los Tipitos sumando coros al igual que Leo García. Casi como una costumbre, también aparecen letras que
rozan lo infantil (“Vos sos lo más”) y otras en las que Joaquín hace alarde de su descontrol (“Drogarse y coger”).
Sponsors mantiene en A todo trapo una línea cancionera-rockera que le sienta bien aunque no sorprenda tanto como en
su primer disco.
TXT: C.A.
Socio - Aurora - Pirca
Segundo disco del artista uruguayo.
Con un claro padrinazgo de sus compatriotas de No Te Va Gustar (incluso suele venir como
soporte de algunos shows en Buenos Aires), Federico Lima, alias “Socio”, presenta su nuevo
álbum, donde la canción se coloca bien al frente, pero acompañada por bases electrónicas que
toman protagonismo a lo largo de los trece temas de la placa.
Los invitados son sin dudas otra característica que resalta, y desfilan varios de los integrantes de
NTVG, Gustavo Cordera y Maia Castro en la bella “Desarmados”, y los guitarristas Bruno Andreu de Once Tiros y Marcelo
Fernández de Buenos Muchachos entre otros.
Las melodías son el fuerte de estas composiciones que viajan entre diálogos con uno mismo o con alguna destinataria del
desamor, destacándose temas como “El otro” o “Un farolito en la oscuridad”.
Placentero recorrido de canciones transitará el oído al escuchar “Aurora”, este nuevo trabajo de Socio que cada vez más
frecuentemente se hace unas escapadas por nuestros pagos.
TXT: S.V.
Alimaña - El muro que deforma la verdad - Epsa
Desde Santiago del Estero, Alimaña aporta un excelente disco.
A veces cansa decir una y otra vez que cuesta encontrar bandas nuevas que sorprendan o se
arriesguen en su búsqueda artística como para romper la monotonía del rock argentino. Por
suerte Alimaña es uno de esos grupos que conforman la excepción y en El muro que deforma la
verdad (2011) entregan un trabajo brillante.
Luego de su disco debut de 2007, Llegando al lugar, los santiagueños se mudaron a Buenos Aires y
aquí grabaron este segundo álbum que en doce temas atraviesa una interesante fusión entre el rock más duro y el folclore
latinoamericano. La introducción tribal que abre el disco nos sumerge de a poco en lo que vendrá: la electricidad y el
poder de un rock que explota en los parlantes en temas como “Siglos de rondar”, “Infinita ilusión” (con el solo de guitarra
a cargo del Tano Marciello de Almafuerte) y “Desidia” en el que se cuelan algunos pasajes progresivos.
Un punto alto a destacar es la variedad sonora del disco que, si bien se afirma en la mencionada fusión entre rock y
folclore, también presenta espacio para acercarse al vals (“La vereda”), al folclore más autóctono junto al bombista
recientemente fallecido Chango Farias Gomez (“Memoria creciente”) y permite que se luzca el acompañamiento de la
percusión y el violín en canciones como “Tema nuevo” y “Chipaquero”.
El muro que deforma la verdad es una grata sorpresa para este golpeado rock argentino debido a su atrayente búsqueda
artística y su gran sonido.
TXT: C.A.
La Rocka - Inmóvil - Independiente
El rock de Entre Ríos y un buen representante.
Nacido hace doce años en Paraná, Entre Ríos, La Rocka es un trío integrado por Martín Neme en
voz y guitarra, Seba Gómez en bajo y Beltrán Ibarrola en batería. Inmóvil (2011) es el sucesor de
Abreojos (2009) y contiene diez temas propios y un cover de Led Zeppelin.
El álbum se caracteriza por el poder de la guitarra de Neme que puede distorsionarse a pleno
(“Romper”) o también entregar buenos riffs como en “Evolución”. Las acústicas también tienen
su espacio y, si bien no abundan, cumplen el papel de bajar un poco los decibles tal cual se escucha en “Atemporal”.
La sólida base conformada por el bajista Sebastián Gómez y el baterista Beltrán Ibarrola ayuda a lograr un sonido
contundente que, con las presencias invitadas del Tano Marciello, guitarra líder en “Todo”, Lula Bertoldi (Eruca Sativa),
voz en “Siempre igual” y el cantante Ike Parodi de Vudú en “The Ocean” de Led Zeppelin, termina de cerrar un disco de
rock duro bien tocado.
Los entrerrianos de La Rocka plasman en su segundo disco una buena cantidad de canciones poderosas que hacen del trío
una interesante banda para tener en cuenta.
TXT: C.A.
Tamara Stegmayer - Escorpio - Independiente
Un paseo por distintos ritmos y géneros.
Tamara Stegmayer es una cantante, guitarrista y compositora con un largo currículum académico
que en Escorpio lleva a la práctica todos sus conocimientos. Y aunque la tapa del álbum sea
más digna de un solista de heavy metal, lo cierto es que las apariencias engañan y en este disco
Tamara hace hincapié en la música con raíces latinas y el jazz.
La cuidada instrumentación en todos los tracks hace que Escorpio sea un disco para escuchar con
atención y tranquilidad apreciando cada detalle. Desde las percusiones que acompañan los ritmos latinos de “Para vivir”
o la salsera “Para siempre” hasta los aportes climáticos de los teclados en “Escorpio” y “¿Cual es tu versión?”, en todo
el álbum se advierte la intención de resaltar cada tema por encima de cualquier lucimiento solista. Aunque claro que
también hay espacio para eso como en el preciso solo de bajo que realiza Norberto Córdoba en “Perdona tus pecados” o
la trompeta de Sergio Wagner en la versión cool del clásico jazzero “My funny Valentine”.
Escorpio representa un buen debut para la cantante Tamara Stegmayer, quien en nueve canciones hace un interesante
acercamiento al jazz y a los ritmos latinoamericanos.
TXT: C.A.
I.R.A. - I.R.A. - UMI
Con un disco homónimo, I.R.A. muestra todo su poderío luego de un descanso prolongado.
De vuelta en la ruta luego de un parate de más una década, I.R.A. se reinventa en formato
quinteto y presenta un disco bien rockero, con muchos guiños al punk y algún pasaje hardblusero.
De a poco las violas empiezan a atacar los parlantes, la voz de Santiago Ira se enronquece
hasta el límite y “Bares vacíos” abre el disco con esa épica tan propia del rock español. Ahí
encontramos una de las características del sonido de I.R.A., que estalla en “El calavera” y su
galope rocanrolero, ideal para cantar abrazado con amigos.
Otro puntal de la banda lo encontramos en el punk ramonero y todos sus matices. Puede sonar sucio y desprolijo como
“En el camino” o más melódico como en “Tiempo atrás” y “Perros callejeros”, donde la guitarra de Salvador Sánchez
ofrece su mejor versión. El blues pesado de “Cero” con la armónica de María Sol Cándido y el rock de estadios, con
estribillo coreable y la voz de Camila Cheja en el contrapunto justo, entregan los matices necesarios para que el álbum
no caiga en la monotonía.
Podrán pasar los años, pero la segunda fundación de I.R.A. los encuentra tan rockeros como siempre.
TXT: P.A.
Fidel Nadal - Arranqe - Sony
Un nuevo disco de Fidel: endurecido, pero sin perder la ternura.
Con la seguridad de haberse convertido en un clásico, Fidel Nadal gambetea tanto las críticas
como la industria discográfica y sigue sacando discos a un ritmo feroz para estos tiempos. El
ex TTM ahora presenta 18 cañonazos bailables (sic) que profundizan su lírica en base a la rima
permanente, pero lo muestran más descriptivo y callejero, más desafiante que en tiempos de
International love.
Ya desde el primer tema “Arranqe”, Fidel muestra esta faceta en una suerte de manifiesto evolutivo por décadas
(nacimiento, crecimiento, locura, rescate), por si a alguno le quedaran dudas de su trayectoria; algo que se refuerza en
“Berretín a full”, pero en forma de declaración de amor, y vuelve en “Rebobiná”, como interpelación directa.
A lo largo del material, queda claro que Fidel tiene cosas para decir, desde el pedido por la legalización en una fórmula
algo trillada (“Déjenme fumar”), el elogio del baile en “No te escondas” o la pelea más explícita “León”. En “Viví la
vida” hay un guiño a TTM, preparando el terreno hip hopero que llega con “Run run run”, compuesta e interpretada junto
al venezolano Reke. También hay espacio para momentos más relajados pero igualmente reflexivos, como “El cartero” y
algunos reflejos del reggae lover, como “Dos tazas”, y “Leona”, pero siempre en la misma tónica que el resto.
“Critiquen pero no se mortifiquen” dice Fidel en “Critiquen” y son las palabras justas para expresar su nuevo trabajo.
TXT: P.A.
Mamabirra - Nacional y Popular - Independiente
Segundo disco de la banda que deambula entre el rock y diferentes vertientes de la música
popular.
¿La argentinidad al palo? Eso nos podemos preguntar al ver el título y el arte gráfico de este nuevo
disco de Mamabirra. Y por distintos momentos de la escucha podemos llegar a corroborarlo,
como cuando el track 2 “Sin vuelto” nos deja una cumbiancha del conurbano que reza un “centro
atrás es medio gol”.
Pero la característica principal de este disco será un ida y vuelta constante (y literal) entre temas bien rockeros por
un lado y distintas referencias y guiños a otros género de la música popular. Con buenos resultados, hay cuarteto-ska
(“Teresa voladora”), tango-rock (“Redondeando”), candombe (“El bar de los finados”), más ska con “Rialidad” (¿el terror
de la farándula llegó a la música?) y un cierre de disco con “Carnaval-hito del sur”.
En el costado rockero se nota la presencia y experiencia del productor Ricardo Tapia, quien deja su voz en “Estereotipado”,
al tiempo que “La enredadera” podría estar tranquilamente en un disco de La Mississippi.
Gran evolución de Mamabirra respecto a su primer trabajo, con buenas canciones y con la mano de Tapia en la producción
artística.
TXT: S.v.
A
R
U
T
BER
CO
LECCION A L
Roger Waters regresó nuevamente a la Arg
Existen dos tipos de personas en la
vida: a las que le gusta Pink Floyd
y a las que le parece aburrido y
nunca les gustará. Bueno, si estás
dentro del primer conjunto de gente
y fuiste a la primera presentación
de Roger Waters, ex bajista de la
banda británica, en River, entonces
presenciaste un antes y un después en
lo que a conciertos se refiere. Es que
la gira The Wall que llegó al país es lo
más grande, magnífico y espectacular
que haya pisado alguna vez nuestro
suelo superando incluso a otras giras
monstruosas como las de los Rolling
Stones, U2 y AC/DC.
La acogedora noche del miércoles,
con luna llena incluida, le dio un
marco más que propicio al inicio de
esta seria de nueve conciertos que
Waters brindará en Argentina. Con su
habitual puntualidad inglesa, Roger
salió a escena y con él, comenzó toda
la parafernalia construida alrededor
de ese álbum conceptual que es
The Wall. Porque a la ya de por sí
imponente pared construida en el
escenario y sus laterales, se le sumó
un impresionante arsenal de efectos
visuales que incluyeron imágenes en
HD, marionetas gigantes, un avión
atravesando al público y estrellándose
contra el escenario y varios actores
además de fuegos artificiales.
Pero todo este despilfarro de
estimulantes sensoriales no tendría
sentido si no estuviera sustentado por
grandes canciones y allí es donde el
espectáculo cobra real importancia.
Porque desde el inicio con el riff
potente de “In the flesh?”, pasando
por el coqueteo disco de “Another
brick in the wall”, la belleza acústica
de “Mother” y la historia de reviente
rockero que es “Young lust”, la cita ya
estaba más que justificada. Canciones
compuestas hace más de treinta
años que no pierden vigencia sino
LOS SENTIDOS
gentina en el marco de la gira The Wall.
que, por el contrario, se reafirman
como testigos de una época violenta,
ambiciosa y llena de egoísmo. Y
que también sirven para pensar qué
ocurrió con el rock si lo mejor que
tenemos siguen siendo canciones
creadas hace varias décadas.
Para el segundo tramo del show, luego
de un intervalo de veinte minutos en el
que el público se dedicó nuevamente
a comprar todo el merchandising
oficial posible y tener así un souvenir
para lucir orgulloso el “yo estuve
ahí”, quedaron temas como “Hey
you”, “Bring the boys back home” y
“Run like hell”. Aunque sin dudas la
estrella de la noche fue una vez más,
“Comfortably Numb”, ese himno
floydeano que conjuga a la perfección
letra y música y contiene dos de los
mejores solos de guitarra de la historia
(hay que reconocer que antes de esos
solos varios teníamos la esperanza de
que aparezca David Gilmour arriba de
la pared para interpretarlos pero no,
no tuvimos suerte). Sobre el final, con
el muro ya derribado, “Stop”, “The
trial” y “Outside the wall”, con todos
los músicos al frente del escenario,
dieron por concluido el show y también
cerraron así una etapa en cada uno de
los presentes.
El concepto The Wall siempre estuvo
adelantado a su época. Tanto el disco
como su posterior presentación en
vivo y la película homónima siempre
tuvieron una visión que excedió a sus
contemporáneos para transformarse
en una obra no perecedera. Hoy, en
2012, poder haber sido parte de esa
experiencia es algo que muy pocos
podrán olvidar. Como en 2007 cuando
presentó entero The Dark Side of the
Moon, Roger Waters lo hizo de nuevo,
nos dio una verdadera lección a
nuestros sentidos.
TXT: Christian Alliana
Fotos: Beto Landoni
A
R
U
T
BER
CO
El Bondi te trae todo el
Cosquin Rock 2012 !!!
Dia 1 - “Vamos
celebrando la vida”
a
seguir
Una nueva edición de Cosquín
Rock encontró a El Bondi en
la sierra. Este año el festival
está cumpliendo 12 años y lo
festejó a lo grande, recordando
y homenajeando a Luis Alberto
Spinetta.
Córdoba, Jauría, presente junto a su
manada que coreaba los temas del
hasta hoy único disco de la banda.
“Adiós a dios”, “Morgue corazón”
y “Religionaré”, fueron algunos de
los que pasaron por el set. Pero el
tema más destacado en Punilla fue el
cover de Gilda que hace algunos años
convirtió en rock Attaque 77, “No me
arrepiento de este amor”, que puso a
todo el valle a saltar y cantar.
La inmensidad de la sierra colapsada
por las tribus urbanas es algo poco
habitual en el Valle de Punilla, y sólo
sucede al comenzar febrero y ver que
Santa María se convierte en la Cuidad
Capital del Rock. La música empezó a
sonar en el escenario principal con El
Kuelgue, que proponía ritmos alegres
y movedizos, algo que la gran cantidad
de público presente compraba,
moviendo las caderas, las cabezas y
los cuerpos durante todo el set.
El poderoso trío Eruca Sativa se
preparaba para imponer su rock
con “Paraíso en retro”, seguido de
“Guitarras de cartón”, un tema del
primer disco de la banda dedicado al
Flaco Luis Alberto Spinetta. Mientras
tanto, en el escenario dos se presentaba
Salta la Banca, que envuelto en
banderas tocaba “Seremos”. Santiago
Aysine su cantante agradeció el apoyo
y una rápida presentación le alcanzó a
la banda para el aplauso de la gente,
que se acercó el masa al escenario
secundario desde muy temprano.
En el escenario principal era hora de
que lleguen los siempre locales en
Pocos segundos después y a más
de doscientos metros de distancia,
El Bordo repasaba “Silbando una
ilusión”, “Siento” y “La banda”,
entre otros, en una noche en la que
“toda la música va a estar dedicada
al flaco Spinetta”. Ale Kurtz también
aludió a que el tiempo nunca sobra en
estos festivales y antes de despedirse
regalaron “En la vereda de enfrente”.
El silencio nunca se escucha en
este festival de rock. Si no canta el
escenario uno en el dos alguien va
a estar cantando o tocando algún
instrumento. Cuando el sol estaba
cayendo y como marcan la trayectoria,
el trabajo y el profesionalismo, las
bandas que más convocan empezaban
a copar los escenarios. En ese
momento, los Massacre llegaban para
hacer “Muerte al faraón”. “Plan B:
anhelo de satisfacción” y “El dolor”
con el clásico grito ramonero hey
go lets go!. El jugueteo arriba del
escenario es un espectáculo aparte, y
Walas agradeció a las autoridades por
dejarlo tocar pese a tener “pedido
de captura”, En el set hubo lugar
para “Ana no duerme”, tema de
Almendra que suele formar parte de
su repertorio, y para la despedida
eligieron “Tanto amor” y “La reina de
Marte”.
Al caminar el predio empezaban a
aparecer las primeras camperas: el
frío todavía perdonaba, pero no por
mucho tiempo más. Una armónica
hacía vibrar la sierra, síntoma que
Ojos Locos llegaba para rockanrolear
con canciones como “Tu voz” o “Una
noche en este mundo”, mientras una
bandera gigante cubría adelante y el
medio, donde se produce el famoso
agite. La banda invitó al Pedi, ex
Jóvenes Pordioseros, para “Anda
diciendo” y terminaron con “La calle
tiembla”.
Era una noche especial y el recuerdo
para el Flaco Spinetta movilizaba
al rock. Llegaba el turno de los Illya
Kuryaki and the Valderramas, quienes
volvieron hace poco a los escenarios.
De anteojos negros y camisa, Dante,
el hijo mayor del poeta del rock,
entonaba “Chaco”. La gente empezó
a corear al Flaco, y se produjo la
emoción de Dante: “vamos a seguir
festejando la vida por que mi viejo
esta acá”, además de regalar una
versión de “Post crucifixión”. El clásico
y popular “Coolo” tiñó a Córdoba de
fiesta y antes de irse los IKV tocaron
“Mi chevy y mis franciscanas” y
“Remisero”, para concluir un show
fiestero a pesar de la emotividad que
la pérdida del Flaco representa.
A La 25 le tocaba presentarse en el
escenario 2 y rockeaban con “Le gusta
así”, “Solo voy” y “Escombro en la
cuidad”. “A ver Cosquín si te portas
con una botella de whisky”, pidió
el cantante Junior antes de dedicar
un tema a las “rockeras”, que eran
muchas la noche del viernes.
En el escenario principal se
presentaban los boricuas de Calle 13,
quienes volvían al festival por segundo
año consecutivo y para confirmar su
llegada imponían “Calma Pueblo”, y
casi sin hablar ponían a todos a bailar
con los ritmos caribeños, y “Baile
de los pobres” fue enganchado con
“Nadie como tú”.
La tierra del piso se levantaba y se
formaba una nube de polvo, pero a
nadie importaba porque el mensaje
era “Vamos a portarnos mal”. Con
la invitación a Kiuge Hayasida,
guitarrista de Charly García, y con
Ileana Cabra en voz, la banda encaró
un homenaje al Flaco Spinetta,
“una humilde versión, sin tiempo de
ensayarla” en palabras de René. La
canción fue “Todas las hojas son del
viento”, frase escrita también en la
piel del frontman, y erizaba la piel,
por ese canto con sentimiento y esas
cosas de la inconciencia, que parece
que la voz de él este presente esta
noche. Los puertorriqueños siguieron
su set con “Pa’l norte”, en una versión
más tropical que la original.
“El siguiente es un tema realista que
es lo que pasa en Latinoamérica,
dedicado
a
Mariano
Ferreyra,
a Facundo Cabral y a todos los
chamaquitos que están en la calle
jodiendo, como el que mató en Buenos
Aires a un camarógrafo francés. Eso es
producto de la mala educación. Hay
que hacerse inteligente para que el
gobierno no les coja de entupidos,
hay que estudiar”. Así presentó René
a “La bala”, antes de despedirse de
Córdoba con “Los aburridos”, “La
vuelta al mundo” y “Fiesta de locos.
La tan esperada presentación de CJS
en el escenario 2 convocó a miles de
callejeros que habían llegado desde
todo el país. Las banderas flameaban
y Pato Fontanet salió a escena pelado
y un poco más gordito que siempre,
pero con el rockanrol intacto. “Tan
perfecto que asusta”, fue el grito
inicial para que minutos después se
desatara la fiesta con “Prohibido”
en una seguidilla de siete temas sin
mediar palabras con su siempre fiel
público.
Después de saludar a los seguidores, la
banda siguió el show con “No volvieron
más” y “No morir de sed”, mientras
que “Acordarte” fue la primera de
sonó de la nueva agrupación titulada
Casi Justicia Social. El campo era una
fiesta las banderas no paraban de
flamear y la emoción era mucha, y así
llegaron “Presión” y “9 de julio”, con
un cambio de letra, para hacerla más
combativa y luchadora. La fiesta sin
luna llegaba a su fin con “Una nueva
noche fría”, “Ilusión” y terminó con
“Suerte”.
Las Pastillas del Abuelo llegaron a
Córdoba para presentar su último
trabajo discográfico titulado Desafíos,
y al pie de la montaña sonaron “Viejo
karma” y “Lo que no se ve”. Hasta
ese momento el público escuchaba
atento y esperaba la llegada de las
más viejitas, donde apareció eso que
llaman la fiesta pastillera, como “Qué
hago yo esperando un puto as?”, “La
casada“, “Enano” y “Otra vuelta de
tuerca”, para dejar conforme
a los presentes.
Charly que controla todo con gestos,
que para la banda, que la sube, la
baja y la conduce por los sonidos que
él quiere transitar.
“Yo sé que hoy es un día medio raro,
todos lo sabemos acá falta algo, no
quiero hablar mucho pero para no
pasarlo por alto se puede ser muy
feliz así, que siga la joda” decía antes
de “Víctima” y “Rock and roll yo”.
Una ola de clásicos se avecinaba en
el set list de don Charly: “Canción
de Alicia en el país“, “Asesíname“,
“Demoliendo hoteles“, y después de
un mini parate y tras reproducir un
video preparado para la ocasión, llego
“Popotitos”. Más adelante García
presentó a The Prostitution, la banda
que lo está acompañando mientras
el bajo y la batería hacían sonar los
acordes de “Yendo de la cama al
living”. El único invitado de la noche
fue Juanse, para hacer “La sal no
sala” como en La hija de la lágrima.
“No soy un extraño” y “Fanky”
siguieron hasta que el clásico fogonero
tuvo lugar en la noche cordobesa:
“Rasguña las piedras”. Sólo había
tiempo para los bises, y así llegaron
el “Himno Nacional Argentino”,
De excelente presencia, con
sus clásicos trajes negros,
camisas y sombreros, Los
Gardelitos arremetían fiesta
en el escenario 2 del Cosquín
Rock. Esta vez el clima los
acompañó y no llovió, como
les había ocurrido en ediciones
anteriores.
Tocaron
“Los
querandíes”, “América del Sur”
y “Subcomandante Marcos”,
mientras Eli Suárez agradecía
la invitación y se mostraba
contento de compartir escenario con
bandas amigas. Con gran cantidad de
público Los Gardelitos cerraban la
primera noche en el escenario 2.
“Hablando a tu corazón” y ya pasadas
las tres de la mañana y con un frío que
rajaba la tierra, otro himno, “Canción
para mi muerte”.
Charly García fue el encargado de
bajarle el telón a la primera noche
del Cosquín Rock 2012. Con una intro
de video y audio, donde se repasaban
los estribillos de las canciones de toda
su carrera, García salió a escena y con
sus dedos en el piano entonó “Rezo
por vos”... En lo musical sigue siendo
el mismo Charly, el que siempre está
“Cerca de la revolución”, el Charly
que es un genio con el piano y el
La herida por la perdida física del
Flaco Spinetta se vio reflejada en
la jornada, pero todas las bandas
coincidieron en que Luis Alberto
había dado mucho por el rock
nacional y mundial. Un poeta se va
pero deja sus escritos, sus ritmos
y sus canciones, y su legado brilló
en el Cosquín. Charly y Dante
coincidieron: hay que festejar la
vida por el Flaco. ¡Que sea rock!
Dia 2 - Hasta la montaña siempre
Una fiesta de rock se vivió en
la segunda jornada del Cosquín
Rock, con notables shows de Skay
Beilinson, Las Pelotas, Catupecu
Machu y Andrés Ciro con Los
Persas.
La tarde del sábado se sentía
calurosa, y de los alrededores del
Aeródromo de Punilla salía gente de
debajo de la tierra: la convocatoria
era masiva. Temprano en el escenario
1, el Negro García López tocaba “Solo
por hoy”, “Frenesí” y en homenaje al
Flaco Spinetta regalaba una versión
de “Me gusta ese tajo”. Por su parte
desde España y encarando una gira
latinoamericana llegaban los Marea,
la primera y única banda internacional
del sábado. La banda sonó a puro
rock y los presentes cantaban “Días
de mierda y el cuchara”. Con pocos
minutos de show y sin mucho más
tiempo se empezaron a despedir, con
“Manuela canta” y “Canaleros”.
En el escenario 2 algo raro pasaba:
una banda tributo homenajeaba a
una banda legendaria como es V8 en
el genero del Heavy Metal. Lo raro
es presentar un tributo en un festival
de estas características, pero si los
que homejanean son el Tano Romano
y Gustavo Rowek es totalmente
aceptable. Repasaron “Ángeles de las
tinieblas“, “Cautivos del sistema” y
“Momento para luchar“. Antes de irse
de escena Walter Meza el cantante
decía “vamos que esto es una fiesta,
basta de puterío barato”.
Desde la cuidad de la Plata llegaban
los Guasones, presentando su ultimo
trabajo discográfico Parque de
Depresiones, del que sonaron “Fui
silbando” y “Ya estoy subiendo”.
Con un Facundo Soto muy despierto
y alegre, la banda puso al palo a
los seguidores con “Como un lobo”
y “Farmacia”. Cuando Facundito
agarró la guitarra criolla, todo el
Valle de Punilla coreó “100 años” y
“Reyes de la noche”, los dos temas
más representativos de la banda. Los
platenses sonaron excelente, prolijos
y el sol estaba perfecto, pero cuando
el escenario es atacado por el sol las
bandas duran poco arriba de él, por
eso “Gracias” y “Dame” le pusieron
fin al show de los Guasones.
En el escenario heavy Tren Loco
activaba el sonido del metal y
las
guitarras
rechinaban
“ P u e b l o
motoquero”. La
banda estaba a
pleno y el público
también,
y
“Carne viva” puso
a todos a cantar al
compás del ritmo.
Antes de irse del
escenario dejaron
una reflexión a la adhirieron todos
frente al escenario: “¿quieren más
heavy metal? Entonces que se mueran
la cumbia, que se muera el reggaeton,
que se mueran los Wachiturros,
aguanten los ‘Barrios bajos’”, y así
terminaron su set.
En el escenario 1 los Catupecu Machu
volvían a pisar el escenario de Cosquín
Rock. Después de “Confusión”, y
disparado por la frase final de la
canción (“te deseo todo y más”)
Fernando Ruiz Diaz, consternado por
la partida física del Flaco, expresó un
catártico “Luis Alberto, gracias”.
El público de Cosquín cantaba y
levantaba polvo y cuando los Catupé
empezaron a tocar “Plan B: anhelo de
satisfacción” estallaron de alegría. Al
terminar la canción, Fernando pidió
que el predio, o la montaña, se pase
a llamar Luis Alberto Spinetta, y el
público lo apoyó.
Los primeros temas de su nueva placa
El mezcal y la cobra fueron “Aparecen
cuando bailamos” y “Metrópolis
nueva”, el corte difusión del disco.
“Vamos a tocar un tema que fue
una casualidad que lo incluyamos en
un disco”, anunció Fernando y tocó
“Seguir viviendo sin tu amor”, antes
que subieran los primeros invitados,
los peloteros Gabriela Martínez y
Germán Daffunchio, para tocar y
cantar en “Magia Veneno”.
El set de Catupecu era una fiesta
y todas las fiestas terminan pero
todas tienen algo especial: “en esta
edición sampleamos la voz de él
para suene acá”, la voz de Gabriel
Ruiz Díaz gritaba “¡¡la puerta!!… ¡¡la
puerta!!”... Sí, Catupecu volvía a
tocar “Elevador”. Con todo el mundo
al palo, el clásico silbido le dio el pie
necesario para que “Dale!” vuelva a
hacer de las suyas, y que Cosquín sea
un verdadero quilombo, tanto o más
que algunos segundos después cuando
García López agarró la guitarra y
acompañó en “Cosquín sin el suelo”,
nuevo nombre de uno de los clásicos
de la banda.
La oscuridad se hacia presente en el
escenario principal cuando Las Pelotas
estaban por subir a escena. Entre
nubes de tierra y banderas flameantes,
siempre pelado y con la gorrita
puesta, Germán disparó “Muchos
mitos”, dedicada a los políticos que
crearon la Ley de Minería, por la cual
la gente está peleando y por la cual
les entregaron nuestra tierra a los
señores colonizadores.
Después de “Que podes dar”, siguió
“Ya no estás”, dedicado al Bocha
Sokol. La banda se ponía dura y “Sin
hilo” desataba la fiesta de Las Pelotas,
que seguía con un poco de reggae,
“Siento luego existo”. “Vamos a hacer
un tema dedicado a los depresivos”,
anunció Germán antes de que la
trompeta dibuje la melodía de “Que
estés sonriendo”, seguida de “Si
supieras” y “Corderos en la noche”.
No hay show de las pelotas que no
tenga emotividad, ni recuerdo, y
menos cuando en esos shows suena
“Personalmente” y otra vez las
palabras de Germán: “pensamos
igual que Ruiz Díaz, esta plaza debe
llamarse Luis Alberto Spinetta”. Las
Pelotas seguían con la fiesta, “Cuando
podrás amar”, “Capitán America”
“Bombachitas rosas” y “La vaca y el
bife” antecedieron al grito de guerra,
ese que se cocina entre acordes
tranquilos hasta que la explosión de la
guitarra desemboca en el desesperado
grito de “Esperando el milagro”.
Para bajar un poco los decibeles del
show tocaron “Sueños de mendigos”,
esta vez sin la voz de Gabriela. Al
show no le quedaban minutos, pero
Cosquín brilló con “Shine” y con la
devolución de gentilezas de Fernando
Ruiz Diaz, quien puso su voz en “El ojo
blindado”, tema con que Las Pelotas
vienen finalizando sus shows.
A continuación se presentaba el señor
Skay Belinson junto a Los Seguidores
de Tlaloc. Sin perder tiempo,
arrancaron con “Talismán” y luego
tocaron “En el camino”. La banda
sonaba espectacular, a Skay se lo veía
contento, se reía hasta que dijo “¿a
ver si se acuerdan de esta?”…¿Cómo
no acordarse de “Masacre en el
puticlub”?
C u a n d o
alguien tuvo
un
buen
p a s a d o
es
difícil
olvidarlo,
por
esto
esta
noche
en
Punilla
la
multitud
deliró cuando
el flaco Skay
e m p e z ó
a
tocar
“Criminal
Mambo”,
antes
de
“Arcano XIV”.
La noche se ponía fresca, pero “Flores
secas” estimulaba a no pensar en el
frío. “Hermosa noche, lindo Cosquín
y nos estamos yendo con este tema
para los peregrinos”, dijo Skay, claro
anticipo de “Astrolabio”. Algunos
segundos después, luego de que toda
la banda saliera de escena explotó
el valle con los acordes de “Ji ji ji”,
y cuando parecía que el show se
acababa llegó “Oda a la sin nombre”.
Andrés Ciro Martinez llegaba con los
Persas por segunda vez al escenario
de Santa María de Punilla, esta vez
para ponerle fin al segundo día del
festival. Pasada la medianoche el frío
era mucho, y lo mejor era agolparse
frente al escenario. Armónica entre
los labios, Andrés homenajeó al Flaco
Spinetta con “Me gusta ese tajo”.
“Como dijeron Fernando y Germán,
adhiero a que todo este
lugar pase a llamarse Luis
Alberto
Spinetta,
una
persona que ilumina como
pocos el rock nacional”, dijo
Andrés, antes que “Banda
de garage” rompiera con
ese silencio que se produce
cuando él le habla al
publico.
La armónica sonaba tirando
indicios de la canción que
se venía era “Pistolas”, para
el deleite de la multitud
piojosa presente. A Andrés
se lo vio flaco, moviéndose
de lado a lado y sin parar
de saltar, hasta que llegó la pacífica
“Vas a bailar”. Implementando esto
de entrelazar en la lista una de Los
Piojos y una de Los Persas, el de Ciro
se iba convirtiendo en un gran show.
Así pasaron “Media caña”, “Ruidos”
y “Como Ali”, que fue sorpresa, una
canción ansiada por escuchar, por lo
que significó en el público piojoso.
El punteo de la guitarra desataba
el canto ensordecedor de “Antes y
después” y le siguió “Ruleta” en una
versión más rápida. La banda dejó
solo en el escenario a Juan Abalos
para que grabe y siga tocando, algo
que no motivó mucho a los presentes,
como ya había pasado en algunos Luna
Park y en el Zona Rock, en el Malvinas
Argentinas.
Cuando Ciro deja el escenario es
por que se viene algún tema con
parafernalia, y esta vez peló un
traje donde parecía el Mago de Oz,
o la misma parca, para entonar
“Fantasma”. Ya sin el traje llegaba
el primer invitado de la noche, el
señor Pancho Chevez y su armónica,
para interpretar el “Blues del gato
sarnoso”; cuando Pancho se retiraba,
Andrés estaba listo para empezar
otra canción y los persas volvían a
sorprender, esta vez con “Manjar” y
con fragmentos de “Disco Baby Disco”
de Sumo y “When the whip comes
down”, tema de los Stones que solía
zapar con Los Piojos en el under de
los ‘90.
Siguiendo con la temática de la fiesta,
el DJ persa ponía a sonar “Blues de
la ventana”, “Muévelo”, con subida
de una morena incluida, “Servidor”
y “Paso a paso”, en una versión un
tanto rara ya que no estaba esa voz
que también le pone el bajo al tema.
Viviendo tan cerca
del festival, era
de esperar que se
repita lo ocurrido
el año pasado, pero
Micky no apareció
arriba del escenario.
A esta altura el
frío no importaba,
la luna era testigo
de una jornada
increíble en cuanto
a lo musical y la
montaña escuchaba
atenta a la multitud
corear “El mendigo
de Dock Sud”, ese
fragmento homenaje a Moris antes
de “Genius”. El sonido de un pato de
goma anunciaba “Chucu-chu” y otra
perla de Ciro, con el megáfono que
usa para terminar la canción improvisó
“El día que me quieras”.
Las agujas se acercaban a las 3 am,
y “Pacífico” ponía a todos arriba y
tampoco podía faltar ese gran tema
que es “Insisto”. Córdoba es una de
las provincias más piojosas, o donde
se le abrieron más puertas a los de El
Palomar, por eso esta noche sonaron
“Cruel” y “El farolito”, con una larga
zapada. Manteniendo la línea del
recuerdo y el amor con la gente, llegó
“El balneario de los doctores crotos”.
El reloj ya ahorcaba a la banda y
decía que sólo quedaban 10 minutos
de show, y en ese tiempo, como es
costumbre y desde el primer show,
tocó “Noche de hoy” y “Trapos”, como
siempre con el fragmento de “Africa
unite” de Bob Marley y la lectura de
las banderas para ponerle el fin a la
segunda noche del Cosquin Rock 2012.
El rock nacional está vivo y lo
demuestra a cada rato. Tenemos
cultura, estamos bien y eso nota en
el campo de Cosquín, donde familias
enteras disfrutan de una excelente
jornada de rock. Sin nada que
reprochar, con todo para disfrutar,
una noche de grandes versiones,
una noche de grandes emociones y
una noche para el recuerdo.
Dia 3 - Roots rock reggae y la
fiesta de la montaña
Con un escenario reggae con
altísima convocatoria, la habitual
fiesta de Kapanga y el cierre con
Rata Blanca culminó la duodécima
edición del festival más federal
del país.
Domingo en Córdoba. El calor se hace
sentir más que los otros días. Los
alrededores no están abarrotados de
gente, pero sí el río Punilla, que pasa
a menos de diez metros del ingreso al
festival.
El reggae convocó a gran cantidad de
público que empezaba a acercarse
al escenario temático donde sonaba
el folklore jamaiquino. La Madre
del Borrego puso a los presentes a
bailar, era la segunda banda y en el
ambiente ya se respiraba ese olor a
Bob Marley. Mientras, en el escenario
1 Paris Paris Musique le ponía un poco
de pop al festival de la montaña, y
luego el guitarrista del Indio Solari
Baltasar Comotto mostraba su última
producción solista, Blindado.
RonDamon llegaba desde Mar del
Plata para darle un toque de reggae
veraniego, un reggae que alaba al
mar, algo más parecido a lo que pasa
en Hawai con canciones como “Igual
te espero” y “Un lugar”, mientras
el sol pegaba de frente.. Después
de agradecer el aguante, sonó “Tan
distante“, el tema que la banda grabo
con Néstor Ramljak, la voz de Nonpa.
En el mismo escenario, La perra que los
parió imponía temas
como “El predador”
y “¿Cómo evitar que
sangremos?”.
Desde
las
islas
del
Tigre
llegó
Viticus para seguir
presentando
su
último trabajo, Rock
Local. El tema que
titula el disco fue
dedicado al siempre
presente rey de la
guitarra, a Pappo, y
también a Luis Alberto
Spinetta. En el set
del viejo rockero se
destacaron “Tratar de cambiar” y
“Mucho por hacer”, con una extensa
zapada donde se respiró rock and roll.
Desde Chile llegó la primera banda
internacional y en el escenario
temático Zona Ganjah arrancaba
a puro ritmo con “Todo cuadra” y
“Paciencia”. Los chilenos repasaron
su disco Poder, editado en 2010 y con
“Música real” completaron un buen
show.
Como en otras diez
ediciones de Cosquín,
los Kapanga llegaban
para musicalizar la
fiesta al pie de la
montaña, aun cuando
el sol seguía pegando
duro en las frentes
de los presentes que
no paraban de corear
haciéndole el aguante
a la banda. “¿Sabés
qué me pasa con los
cordobeses? Me matan” decía el Mono,
y en el medio del clásico kapanguero
también sonó “Guantanamera”.
Pasó “Rock” en el set de los de
Quilmes, antes que el Mono tome
nuevamente el micrófono: “Ustedes
saben que nos gusta protestar y con
esto podemos protestar:
el Famatina no se toca”,
sumándose al reclamo que
se vio en varias banderas
presentes en contra de la
minería a cielo abierto a
lo largo de las tres noches.
Antes de la llegada de “La
taberna”, el Mono al igual
que Ciro lo había hecho la
noche anterior, recordó que
las Islas Malvinas son argentinas.
“Agujita de oro“, sonó en
homenaje al único Carlos
que conocen en Córdoba;
mientras, la banda seguía
jugando, esta vez toco el hit
del verano, ese ritmo que
canta y baila Neymar.
Kapanga tiene en sus shows
destellos de rock y eso quedo
demostrado con “Es casi
demasiado”, pero el cuarteto
volvió a sonar esta vez con
“Perdoname”.
Siempre
invitado para tocar algo con
su armónica, Pancho Chevez
hizo esta vez “Fumar”.
Cuando todo parecía que
se terminaba llego “Ramón” y la
gente quería seguir de la cabeza y
emborracharse, por eso Kapanga le
dio a todo Punilla “El mono relojero”
para finalizar un gran show y para
siempre afirmar su localía.
Juanse, el histórico líder de los
Ratones Paranoicos se presentaba en
el escenario de Cosquín, ya separado
definitivamente de los Ratones y
encarando su proyecto solista, pero
el pasado es algo que no se olvida a
la hora de armar las listas de temas
y pudimos disfrutar de algunos de los
clásicos del rock and roll nacional,
como “Rock del pedazo”, “Cowboy” y
con el Negro García López en guitarra
“Sigue girando”. De su carrera
solista ya iniciada hace algunos años,
postergada en un momento
y ahora retomada tocó “El
fuego”. Al finalizar el show,
Juanse tiró al público un
ramo de calas de 5 flores,
una por cada banda que tuvo
Spinetta y la última para él.
En el escenario principal
y desde Uruguay, La Vela
Puerca volvía al Cosquín
Rock. “Sobre la sien” y “Donde
voy” arrancaron el set mientras una
bandera uruguaya flameaba en el
campo y conectaban con “Colabore” y
“Haciéndose pasar por luz”. Ya con la
camisa transpirada, el Enano Teysera
agitaba a su público con
“Doble filo” y “La teoría”,
presentando así algunas de
las canciones de su último
disco, Piel y hueso.
Con un telón que achicaba
el escenario y que ponía un
poco de paz, una guitarra
electroacústica trajo otras
dos novedades, esta vez
de la parte más tranquila
del último material: “Se
a donde quiere ir” y “3
minutos”. El telón se cerró
al terminar los temas y la
banda volvió al ritmo del
rock con “Polidoro” y “De
atar”, y el campo revivió la fiesta.
Antes de irse, los uruguayos dejaron
a su público conforme con la trilogía
de “Las palabras”, “Zafar” y “Va a
escampar”.
En el escenario temático del reggae
don Fidel Nadal, que la noche anterior
se había presentado en el escenario
del Luna Park nada más ni nada menos
que con el señor Alpha Blondy, llegó
a la sierra para hacer cantar y saltar
a la gente, con “Carita de Alfajor” y
“Emocionado”, entre otros.
Este escenario, con una convocatoria
pareja al principal, (algo pocas veces
visto), siguió su curso con Dread Mar I y
Los Guerreros del Rey, que pusieron a
todos a cantar con “No convencerán”,
“Árbol sin hojas” y “Vos y tu maldad”,
en un versión más roots. El público
enloquecía y corrió hasta el centro
de la escena al escuchar “Tu sin mi” y
se quedó prendido con “Sin principio
ni fin”; el Dread estaba contento el
amor le florecía con canciones como
“Mas allá de tus ojos”, “Hoy te amo”
y “Promesas”.
El silencio se hacia sentir en todo el
predio del Cosquín: el escenario 1
esperaba por Viejas Locas y
el 2 por Los Pericos. Desde
Villa Lugano, el Pity Alvarez
llegó con un tapado negro
y sin documentos, dijo que
los perdió en algún lado.
La banda arrancó su show
con “Puente La Noria”,
“Hermanos de sangre” y
los de flequillo deliraban
en el campo. Pity estaba
entero, quizás por eso no
hizo un papelón arriba
del escenario, solamente
subió con su guitarra, tocó
y bajó sin mucho brillo.
En la lista aprovecharon
para presentar temas de su
última placa, como “Contra la pared”
y “Ella no me quiere creer”.
Desde lejos se veía que el viernes
y el sábado habían tenido más
concurrencia, pero eso no importaba
por que las Viejas Locas tocaban
rock and roll. Pasaron “Caminando
con las piedras”, “La simpática
demonia” y “Rocka y giro”, además
de “Lo artesanal” y “Perra”, que Pity
mantuvo en su repertorio durante su
etapa de Intoxicados, y fueron de lo
mejorcito de la noche. La banda se
bajó del escenario después de tocar
“Intoxicado”, pero Pity se quedó y
con guitarra acústica recordó que
tenía un pasado cercano. Entonces
tocó “Fuiste lo mejor”, y el tema de
Intoxicados fue una perla en la noche
del Cosquín Rock.
A la par de Viejas Locas, Los Pericos
estaban tocando reggae argentino,
repasando
“Mucha
experiencia”
y “Boulevard”, mientras Juanchi
Baleirón jugaba con la gente y con el
ritmo. Con una gran introducción, “Mi
flor” le dio un toque más “Jamaica
reggae” a la noche perica en Córdoba,
y otro destacado fue “Hacé lo que
quieras”.
También desde
Tigre
llegaba
Nonpalidece,
la banda más
convocante
del
reggae
nacional. Como
es
costumbre
en los show
g r a n d e s ,
arrancaron
con
“Tu
recompensa”,
le
pegaron
“El ciclo de la
vida” y “Una y
otra vez”. La
primera gran excitación llegó con “La
flor”, que contó con la introducción
de “Reveladora”, el tema de los
Pure Feeling cantado por Marzo
Couto, corista de Nonpa y líder de la
agrupación brasileña.
¡Que se sienta, que se escuche, que
se vea! “Tu presencia”, “Revolución”,
“Espejo” enganchada con “Dame
luz” ponían a Córdoba a moverse
al ritmo del reggae. Había mucho
público en el escenario temático,
sin ser extremistas… ¿no había más
que en principal? La banda sonaba de
maravillas, la luna miraba atenta y
las nubes escuchaban el “Reggae en
el universo” y “El fuego en nosotros”.
Néstor cantó a capella “Trentchtown
rock” y con banda completa sonó,
también de Bob, “Chant down
Babylon”. El reggae sonaba perfecto,
la gente se portaba bien y cuando hay
tanta buena onda tienen que llegar
los amigos. El Negro García López y el
perico Marcelo Blanco se sumaron a la
fiesta de Nonpa que puso cierre a la
cartelera del escenario temático.
En el escenario principal se veía que
las luces estallaban y Rata Blanca se
encargó de cerrar la edición número
doce del festival. Los experimentados
rockeros repasaron canciones de toda
su historia, sobresaliendo “El círculo
de fuego” y “El reino olvidado”.
Las palabras de Walter Giardino
confirmaron el amor por la música:
“Ojalá podamos continuar con esto
por siempre, que no se acabe nunca”.
“Guerrero del arco iris”, “Mujer
amante” y “La leyenda del hada y
el mago” fueron las canciones más
festejadas por un público que llegó
desde todas partes del país para poder
ver esta gran banda de rock. “Los
amamos, hasta la próxima” fueron
las últimas palabras de Giardino antes
de bajar del escenario y finalizar el
festival de la montaña.
Así terminó otra edición del Cosquín
Rock a pura fiesta, plagada de
buena música y de buena onda.
De acostarse tarde y de levantarse
tarde, de vivir respirando rock y
tomando fernet cordobés. Antes
de cerrar esta cobertura, hoy hace
exactamente un año en este mismo
predio y escenario, este cronista
veía al Flaco Spinetta. Gracias Luis
por existir, y brindarle música al
mundo.
TXT: Pablo Rios
Fotos: Gentileza de Prensa
Valentina Cirera
O
R
T
A
TE
TouchE Doc
PSICOSIS EN LAS TABLAS
Madre, hija y su psiquiatra en una terapia que sucede los domingos
con sándwiches de miga, brotes de neurosis, vida familiar,
medicación, reflexión y el mejor tratamiento: el humor.
TXT: Analia Bustamante
Fotos: Gentileza de Prensa
s musas.
El camarín de la
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4862-0655
Sbabados
Días y Horarios:
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Localidades: gen
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y est. universita
)
acreditación
Touché Doc de Susana Torres Molina
dirigida por Elvira Onetto en el teatro
El camarín de las musas, donde sábados
y domingos los actores Laura López
Moyano, Mirta Bogdasarian y Ricardo Saieh
personifican a un trío de diván.
En un departamento-atelier con libros
y teléfonos, madre e hija viven entre la
pelea y el compañerismo, construyendo
una relación bizarra pero real y a tratar.
Así, el médico las visita los domingos y de
a poco va involucrando su vida personal
en función a la patología de estas dos
mujeres.
Madre e hija se enfrentan, se acusan
mutuamente ante el psiquiatra, para
luego rebelarse y hacer yunta contra él.
Le marcan sus propios problemas, dudas
y neurosis hasta empujar al diván al
personaje que se suponía más cuerdo.
Sobre la obra, la autora Susana Torres
Molina reflexiona: “Cuanto más de cerca
se observa a alguien, menos ‘normal’
resulta ser. Este particular trío, -madre,
hija y psiquiatra-, o se acerca demasiado o
no se aleja lo suficiente. Touché Doc deja
ver, a través del humor, que nada resulta
más irreal que el equilibrio”.
Cada uno de los personajes es bien
distinto y ocupa su rol. Ricardo Saieh
es un terapeuta serio, pero con algunas
rarezas. Laura López Moyano interpreta a
la paciente psicótica e hija de una madre
muy Almodóvar, papel que realiza Mirta
Bogdasarian. Cada uno tiene un perfil
delineado y en el transcurso de la obra
juega a la reacción para con el otro y en
el proceso consigo mismo.
Buenas interpretaciones de comedia y
el timing correcto, hacen que se tomen
más livianos ciertos guiños a patologías
terribles pero sin dejar de ver la
profundidad y cercanía de este tipo de
conductas.
Mirta Bodgasarian, es la mejor elección
para esta interpretación que esta al
borde. Hace de la madre de la paciente,
la esclava de las neurosis ajenas pero
formando parte de ellas, porque es quizás
coneurótica: exótica, excéntrica, común
y familiar al mismo tiempo. Esto puede
hacer la actriz, meterse en la desfachatez
del ridículo y el exabrupto, pero sostenerlo
como real y verdadero con las miradas,
los movimientos de brazos, las respuestas
en tiempo, forma y tono para que sean
naturales y surja efecto. La reacción
rápida y el sostener las situaciones hasta
desde el silencio son su mejor marca en la
comedia.
El psiquiatra es interpretado por Ricardo
Saieh, que inicia el personaje con
cordura, seriedad y lejano a los desbordes
del resto del elenco, para luego comenzar
un increscendo que lo dejará en el otro
extremo.
Al borde de la locura pero con reflexiones
de filosofía, Laura López Moyano sitúa a la
hija, una pintora que teme le profanen su
atelier por “zurdita”, se va en fantasías
y delirios y vuelve a la realidad en forma
constante. La actriz lo consigue en un
comportamiento no exagerado y natural.
Con Mirta, Moyano hace una dupla madre
e hija que ocupa el espacio, y mueven los
ejes y pesos del escenario.
Este dato es importante, ya que el
escenario es grande pero los actores y la
puesta hacen que siempre esté lleno y sea
rico de ver. Los cuadros del artista visual
Carlos Prior están en escena para ser parte
de la ficción y ver arte dentro de arte,
además de la característica puerta móvil,
muy acertada en este mundo de psicosis
donde se entra y se sale de los espacios
mentales.
El ritmo de la obra se sostiene y está
basado en una sucesión de momentos
no continuos con intervalos de música
y apagones, algo muy acertado en un
argumento más bien dialogado y plano de
sucesos.
Mucho arte al diván
Esta obra sobre psicoanálisis se suma
a las ya en cartel TOC (trastornos
obsesivos compulsivos) de la directora
Lía Jelín y La ultima sesión de Freud de
Daniel Veronese.
La televisión también tendrá sus
sesiones cuando se estrene por la TV
pública En terapia, adaptación de la
serie In treatment de los EEUU, con
Diego Perertti y Norma Aleandro. Así,
van aumentando las representaciones de
uno de los tratamientos más habituales,
el psicoanálisis, y quizás verlo desde
afuera sea otra forma de terapia.
CINE
TXT: Barbara Sardi
Las películas de Clint Eastwood tienen eso que genera una
fotografía que esta perfectamente expuesta, en foco y con una
profundidad de campo increíble. Puede no ser tu estilo… puede
no decirte mucho pero hay que reconocer que es una foto bien
sacada.
J. Edgar (Leonardo Di Caprio) fue el director de FBI durante 50
años, un tipo controversial que logro que una agencia nueva del
gobierno sea lo que hoy es ni mas ni menos que el FBI.
La película no es corta y es muy hablada pero es muy buena.
Desde el las actuaciones, los efectos especiales en el
envejecimiento de Di Caprio, pasando por la fotografía y el
sonido.
Eastwood se saca el disfraz de Harry el Sucio para mostrar que es
un tipo sensible por donde se lo mire.
Nos quiere contar una historia de un personaje controversial
de los Estados Unidos cuando en realidad nos esta contado una
historia de amor controversial para la época que me ha hacho
llenar los ojos de lagrimas.
Esta historia habla un poco de lo que ya sabemos del país del
norte, pero también nos habla de la lealtad y creo que eso es lo
que realmente hace que valga la pena contarla .
Ficha técnica
d
Director: Clint Eastwoo
ductions, Imagine Enter
Pro
so
lpa
Ma
:
Productores
n Productions
tainment, Wintergree
e Black
Guionistas: Dustin Lanc
Josh
, Leonardo DiCaprio,
Actores: Naomi Watts
mie Hammer
Lucas, Judi Dench, Ar
ama
Género: Biografía, Dr
s
ido
Un
os
País: Estad
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