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STAFF 60
Dirección: Rubén Vidal. Coordinación general y marketing: Paula Ortega. Diseño gráfico y dirección de arte: Grafikproject.
Moda: Anna Arroyo, Agustín Velasco. Redacción: Rosario Muñoz. Boardriders: Xabi Pintor, Marta Corbí, Chio Ruiz. Contenidos diseño y arte: Tactelgraphics.
Música: Fernando Fuentes, Catalina Isis, Sara Morales, Pau Cristòful. Arquitectura: Carlos Salazar, Ester Giménez. Producción de vídeos: Moveo Films.
Street y eventos: Fátima Sancho, Antonio Orlandi, Nerea Coll, Chus Moreno. Edición: José Miguel Torrente. Web: Domihost. Distribución: Walk & Paste.
Marketing: Sandra Montosa: [email protected], Javier Morán: [email protected], Beatriz Acosta: [email protected]
Colaboradores: Jacobo Sánchez, Marta Solsona, Jordi Iranzo, Marisol Salanova, Uncool Mgz, Alex Doucet, Mar Pulido, Cynthia de León,
Alienor de Sas, Tamara Arranz y Uno Models.
Edita: Rubén Vidal. Depósito legal: V-4859-2008 - OCIMAG #60 / edición bimestral de junio y julio de 2014.
OCIMAG no se hace responsable de las opiniones o comentarios de nuestros colaboradores. Queda terminantemente prohibida la reproducción total o
parcial de cualquier contenido escrito o gráfico aparecido en esta publicación o en su versión online sin la autorización expresa y por escrito del director.
Publicidad: [email protected]. Información: [email protected]. Tel.: 962 971 002
Foto staff: fotografía, Alex Doucet; estilismo, Mar Pulido; modelo, Daniel Bamdad - Uno Models.
Camiseta Levi's, shorts Ana Locking, zapatillas Reebok, cinturón Diesel, calcetines American Apparel.
www.ocimag.com
#60
Fotografía: Alex Doucet
Estilismo: Mar Pulido
Hair & Make Up: Cynthia de León
Modelo: Daniel Bamdad - Uno Models
Camiseta Levi's, shorts Ana Locking, cinturón Diesel,
zapatillas Reebok, calcetines American Apparel
BÁSICS 6. Cajón desastre. 70. Lo más de lo más. MODA 8. Converse Chuck Taylor All Star Tie-Die. 10. News moda. 12. Leandro Cano
BOARDRIDERS
14. News Boardriders. 16. Familia Freestyle Camps. 18. Kepa Acero / entrevista. MÚSICA 20. News música. 22. Sónar Barcelona 2014.
/ entrevista. 58. So Now Toy Know, editorial por Alex Doucet. 64. No Rest for the Wicked, editorial por Alex Doucet.
24. No solo música. 26. Ohios. 28. Electrónica no solo masculina. 30. James Holden / entrevista. 32. Femme / entrevista. 34. De
analógico a digital. DISEÑO 36. News diseño y proyectos. 38. FDModa LCI Barcelona. 40. Vondom, AND. 42. Hell’o Monsters / entrevista.
44. Foundation Louis Vuitton / arquitectura. 46. Mondo Fast Food.
ARTE 52. Androginia alienígena de Mauro Guzmán. 53. Arte y expos.
cajón desastre - por Catalina Isis Millán / Foto: Héctor Pozuelo
DOCTORIS MUSICALIS
CATALINA ISIS MILLÁN ES DE LA VIEJA ESCUELA, DE ESAS QUE TIENEN
LA MÚSICA EN VINILO Y AÚN NO SE HAN COMPRADO UN MAC. CON MÁS
DE QUINCE AÑOS EN CABINA, ERA SINIESTRA ANTES DE QUE LO
LLAMARAN EMO, Y LE MOLABA EL ELECTRO ANTES DE QUE EXISTIERA
EL EDM. DESDE PEQUEÑAS FIESTAS EN GARITOS OSCUROS, AFTERS Y
EXTRAÑAS SESIONES CON UN PLATO Y UN REPRODUCTOR DE DVD,
HASTA SER RESIDENTE EN DISCOTECAS COMO NYLON, LA3, LATEX O
REPVBLICCA, HA CELEBRADO SESIONES EN FESTIVALES
INTERNACIONALES Y EN SALAS DE EEUU, ALEMANIA, BARCELONA,
MADRID Y CASI TODO EL TERRITORIO NACIONAL. ISIS TAMBIÉN ES UNA
RECONOCIDA REPORTERA MUSICAL Y HA TENIDO SU PROPIO
PROGRAMA EN LA MEGA RADIO. A VECES, SE LLEVA MÚSICOS DE LOS
OCHENTA DE GIRA POR ESPAÑA CON DELTA PROMOTERS. EN EL
TIEMPO QUE LE QUEDA ESCRIBE PARA OCIMAG (ENTRE OTRAS
COSAS), TRADUCE Y DA CLASES. Y, DE CUANDO, EN CUANDO DUERME.
Siempre hay comentarios sobre Brian May y su doctorado en Astrofísica.
Dicen los rumores que, a veces, los organizadores de seminarios y conferencias se preguntan si invitar al dichoso músico o no, no vaya a ser que cientos de miles de fans de Queen crean que la astrofísica es algo al alcance de
todos. Y es que parece que eso de que los músicos estudien es algo que se
considera especial, sobre todo si llegan a sacarse un doctorado. ¿De dónde
sacarán el tiempo? ¿Cómo puede ser que alguien que salga, se lo pase bien,
haga bailar a toda una sala y trabaje por la noche… rinda por el día? Lo cierto es que algunos músicos reconocidos se han sacado su doctorado cuando
ya no estaban en activo, como el guitarrista de la Velvet Underground,
Sterling Morrison, o el mismo Brian May. Pero hay algunos que combinan su
vida de diario con la nocturna, como los superhéroes. Hay dos doctores en
Zoología entre mis favoritos: Brian Briggs, de Stornoway, que escribía sus
canciones de folk mientras estudiaba patos para su tesis (no se me ocurre
mejor inspiración), y Greg Graffin (sí, sí, el de Bad Religion), que ahora es
profesor de Geología además de músico –y en su tiempo libre escribe libros
críticos sobre religión, no vaya a ser que pierda credibilidad–. A veces, lo de
tener un doctorado se convierte en parte del sino del músico en cuestión,
una especie de imagen de lejanía académica que sirve para explicar la compleja frialdad de sus creaciones musicales, como sucede con Dan Snaith,
donde la mitad de las reseñas de Odessa empezaban con “es doctor en
Matemáticas y esto se refleja en su música”, incluida también la reseña en
OCIMAG… Claro que Phil Alvin, de The Blasters, también tiene un doctorado en Matemáticas y su música es más bien clásica, como una buena tabla
de multiplicar. A mí me parece divertido que dos miembros de la misma
banda tengan doctorados, como en Bedhead. ¿Quedarían para estudiar y
acabarían tocando algo o al revés? Hay un puñado de nombres más, entre
ellos también chicas. Y es que la vocalista de Ladytron es tan fría, sensual y
distante porque se ha pasado años de su vida estudiando Biología molecular, y eso marca. Aunque mi favorito siempre será el cantante de los
Descendents, que se homenajeó a sí mismo en su disco debut Milo Goes to
College. ¡Y tanto! Fue, llegó… y se quedó. Pero no es cierto eso de que la
noche y el día se excluyan. A uno no le parecería nada raro que un guitarrista trabajara en una tienda de música, que un cantante fuera diseñador,
que un Dj tuviera un estudio de música… o que todos fueran camareros. Ya
lo decía la Velasco con su “mamá, quiero ser artista”: parece que se trata
de un modo de vida. Lo que no se entiende es que alguien creativo llegue
a hacer algo formal, digamos. Vamos, hay que elegir: ¿eres un tipo serio o
un tipo raro? La creatividad es algo que levanta recelos, en cualquiera de sus
campos, y se ha convertido en algo que es casi excluyente de los estudios
que llevan a una ‘vida normal’. Preguntádselo a la nueva reforma educativa,
por ejemplo. La creatividad es sospechosa. Al final, resulta que, de todos
modos, los académicos son minoría –en el mundo se cita alrededor del 2 %
la cantidad de gente que tiene doctorados, así que en el campo de la música no iban a ser menos (o más)–, pero lo que uno ha de preguntarse es si
esa creatividad añadida, poder ver de otro modo y hacer asociaciones diferentes, ayuda a convertir el aprendizaje en algo entretenido, y que así sea
más fácil pasarse todos esos años tocando un instrumento… quiero decir,
frente a los libros. Supongo que, al final, toda dedicación roza ligeramente
la locura. La creatividad ayuda a que sea más entretenida.
CONVERSE
CHUCK TAYLOR ALL STAR TIE-DYE
Converse da la bienvenida a la temporada primavera-verano 2014 con una verdadera celebración del color. Una explosión de
colores vivos, ideales para la temporada de festivales veraniegos. Nuevos modelos que marcan identidad propia. Una de las
protagonistas indispensables para esta temporada es la colección Chuck Taylor All Star Tie-Dye, una zapatilla convertida en
lienzo para una sorprendente combinación de colores. Bases de matices oscuros y colores brillantes dotan a esta colección de
un especial impacto visual. La colección se inspira en la técnica Tie-Dye, término acuñado a mediados de los sesenta en la escena hippie de Estados Unidos para definir esta técnica de desteñido. Una propuesta estética que ha evolucionado a lo largo de
los años hasta ser adoptada por grandes diseñadores en sus colecciones. Toda la colección está disponible en modelos altos y
bajos, con combinaciones de rosas, morados, negros, blancos y cianes como protagonistas. Paz, amor, música, festivales de
verano y Converse en nuestros pies. www.converse.com
news moda
adidas Originals
& The Farm Company
Brasil va a convertirse en el foco de todas las miradas este año, la
ocasión perfecta para lanzar una colección repleta de gráficos caleidoscópicos inspirados en la flora y fauna autóctonas, y en la que
predominan crops, shorts, chaquetas, camisetas, calzado y accesorios en colores vivos, estilo relajado y cierto aire hippie-chic. El resultado de esta exclusiva colaboración se materializa en una explosión
de color que funde la esencia de adidas Originals con las creaciones
de la pareja formada por Marcello Bastos y Katia Barros, creadores
de The Farm Company. Temporada tras temporada, la firma brasileña realiza una interpretación de la garota-carioca, la chica natural
del sur de Río de Janeiro, chica que esta primavera lucirá un toque
más urbano de la mano de adidas Originals. www.adidas.es/farm
ALEXANDER WANG X H&M
H&M presenta al diseñador estadounidense Alexander Wang como el
siguiente en colaborar creando una colección cápsula, sumándose a
una larga lista de exitosas colaboraciones como Isabel Marant, Maison
Martin Margiela, Marni, Lanvin o Jimmy Choo, entre otras. Desde que
Wang lanzara su firma en 2007, se ha ganado su sitio en el sector gracias a su continua evolución y por haber actualizado el uniforme urbano según el contexto. Además, el pasado mes de febrero presentaba su
primera colección como director creativo de Balenciaga, tras relevar a
Nicolás Guesquière después de 15 años al frente de la maison. El 6 de
noviembre de 2014 llegará la colaboración de Alexander Wang con el
gigante sueco: prendas y accesorios de hombre y mujer destinados a
convertirse en otra codiciada colección H&M. www.hm.com
LEVI’S RED TAB MAN
Esta primavera verano 2014 Levi’s se inspira en la atmósfera atrevida y vitalista de
California a mediados de los años sesenta, para reflejar en su colección de hombre
la estética relajada de los resorts vacacionales de Palm Springs. Tomando como
referencia icónicos tejidos y estampados, y jugando con motivos de inspiración
retro, Levi’s redefine el easy-going look californiano. Las camisas ligeras de cuadros
Madras son unas de las piezas fundamentales en esta colección, y los pantalones
y las cazadoras truckers en micropana se presentan como una alternativa al denim
en colores como el azul cielo, el rojo arcilla y el beige arena. Una celebración de la
estética de Palm Springs. www.levi.com
P.A.M X Carhartt WIP
Carhartt WIP lanza por fin la primera colaboración en exclusiva para
mujer, y lo hace con el tándem creativo P.A.M, con una colección cápsula fresca y en equilibrio entre ambos estilos. P.A.M es una marca australiana que trabaja a nivel internacional en proyectos creativos de toda
clase: comida, música, arte, moda y diseño gráfico, colaborando con las
marcas de referencia más importantes. Carhartt cuenta con Perks &
Mini (P.A.M), pareja sentimental y creativa, para sorprender a sus incondicionales femeninas no solo con una minicolección de prendas especiales, sino también con una edición limitada de zapas. ¡Busca ya tu
dosis P.A.M. X CARHARTT WIP! www.carhartt-wip.com
DIESEL
A-Z of Dance
Diesel presenta las bondades de su revolucionario tejido Jogg Jeans
con un vídeo enérgico y vibrante donde varios bailarines practican
26 estilos de baile diferentes. Dirigido por Jacon Sutton, filmado
junto a i-D y con el mítico skyline de Los Ángeles de fondo, artistas
como los Soul Step, Nicole 'The Pole' Williams, Levanna McLean o
los Atlanta Twerk Team revelan el potencial que ofrece el híbrido
Jogg Jeans con movimientos que van desde el krumping y el twerking hasta el death-dropping, el voguing, la rumba y el bhangra.
Dos básicos del casualwear, denim y felpa, unidos para ofrecer libertad, elasticidad y confort al máximo. Diesel Jogg Jeans, creatividad
e innovación. Progress. www.diesel.com
CITRIQUEHEART
Citrique es una empresa comprometida con la producción y el diseño industrial.
Actualmente, la marca se centra en el sector óptico de alta calidad cuyo objetivo
principal es luchar por la continua innovación en diseños de vanguardia. Sus productos
se fabrican en España, totalmente a mano, prestando atención a cada detalle y
manteniendo la exclusividad de sus piezas. Citriqueheart nos presenta Wetheteam, su
primera colección de gafas de sol joya. Pequeñas obras de arte en ediciones limitadas
de 200 unidades, con propiedad de autor y con una presentación exquisita en un
precioso packaging. Un trabajo en el que ha participado un equipo excelente de
maquilladores, diseñadores y fotógrafos para conseguir resultados óptimos en unas
gafas que se adaptan sorprendentemente a las facciones de la cara. Diseños exclusivos
con marcado estilo, personalidad y un toque vintage muy fino. www.citriqueheart.com
LEANDRO CANO
Talento sin fronteras ni límites
ES UNO DE LOS DISEÑADORES PATRIOS QUE MÁS ADMIRACIÓN LEVANTAN. ESTE JIENENSE EN
TAN SOLO TRES AÑOS HA RECOGIDO SOLO HALAGOS Y PREMIOS. SE FIJÓ EN ÉL MARC JACOBS
Y LO MENTORIZÓ, HA DESFILADO EN ZAGREB Y BERLÍN, SUS PIEZAS SE MUESTRAN EN UN MUSEO
EN FRÁNCFORT, Y LA MISMÍSIMA HADA MADRINA DE LA MODA, LADY GAGA, HA QUEDADO
SEDUCIDA POR SUS CREACIONES. LEANDRO PREPARA SU SALTO A LA MODA COMERCIAL CON
EL PRÓXIMO LANZAMIENTO DE LUQUE BY LEANDRO CANO.
Entrevista: Agustín Velasco / Foto: Mercedes Benz Fashion Week Madrid, feb. 2014. Getty Images.
El Ministerio de Industria crea los premios nacionales de la Moda, convocan
la primera edición en 2014, ¡y ahí estás tú en la terna de finalistas! ¿Qué se
siente en estos casos? Es una sensación muy rara. Uno nunca acaba de acostumbrarse a esto de los premios. Siempre es una alegría inmensa. Ante todo
estoy muy agradecido por este reconocimiento en mi país. Muy contento.
No hace mucho, en febrero, durante la Madrid Fashion Week te entregan el
premio Samsung Ego Innovation Project por una colección que vincula
moda y tecnología. ¿De qué va la colección que te ha granjeado este pre mio? La colección se llama 083 º, que son los grados en que decrece cada
hora la temperatura del cuerpo humano tras la muerte. Quería plasmar esos
instantes en los que un ser humano está haciendo el tránsito de un mundo
a otro, esa dualidad entre la vida y la muerte que tantas posibilidades me
daba de plasmar este proyecto, pues en cierto modo eran trajes muertos,
inertes, que cobraban vida con la inserción de mecanismos. Supongo que
tanto reconocimiento, premio, aplauso… también conllevará una dosis extra
de responsabilidad y quizás de inseguridad. ¿Cuáles son tus mayores mie dos conforme te adentras en este bosque que es el mundo de la moda?
Responsabilidad muchísima. Y es esa responsabilidad la que me hace sentir
miedo a veces, respeto, diría yo. Cuando mucha gente cree en ti tienes
miedo a defraudarles. Yo intento trabajar duro para responder a esas expectativas. Además, tengo detrás un gran equipo que me ayuda a llevar todo
esto hacia delante. Su apoyo es muy importante para mí y me hace despertar cada mañana mucho más tranquilo. El mayor miedo que tengo es a
levantarme un día y no tener ganas de diseñar, de no estar inspirado y no
saber canalizar mi creatividad. Creo que el día en que llegue eso, que espero que sea nunca, tendré que replantearme muchas cosas. Tus colecciones
son siempre un desafío a los códigos estéticos y técnicos de la moda, siem pre buscar dar varios giros de tuerca a lo que se tiene como ‘posible’ a la
hora de crear una colección. ¿En moda qué significa el término ‘imposible’?
Yo trato de hacer cosas imposibles, difíciles, me gustan los retos. Sí es cierto que hay limitaciones, pero la pasarela nos permite unas licencias que
hacen que todo sea más mágico. Me da mucha libertad para tratar de hacer
cosas imposibles. Estoy seguro de que eso es lo que atrajo a Lady Gaga de
tu trabajo, porque las fotos de ella vistiendo de ti han dado la vuelta al
mundo. ¿Qué es lo primero que pensaste al ver a Lady Gaga con una de tus
creaciones? ¿Cómo llega tu trabajo a ella? En un primer momento no me lo
creía. Su estilista y ella se pusieron en contacto con nosotros, nos mandaron
una carta vía mail muy bonita. Le habíamos dejado ropa en otras ocasiones
pero nunca antes se había puesto nada. Cuando vi las fotos no me lo podía
creer. Creo que estaba muy guapa con nuestro vestido y fue fantástica la
repercusión que tuvo. Supongo que cada colección es un pasito en una
dirección concreta, consciente o inconsciente. ¿En qué sentido crees que
estás evolucionando? Cada colección es una evolución tanto a nivel personal como profesional. No pienso a largo plazo, voy poco a poco. Mi objetivo es afianzarme en el mundo de la moda y poder vivir de esto que tan feliz
me hace. Poder dedicarme a mi pasión es ya todo un regalo. No me atrevo
a pedir más. Haz un ejercicio de bilocación y vuelve por un momento al
pasado, a esa primera colección que presentaste en MOVE Sevilla. Mira a
ese Leandro Cano preparado para mostrar al mundo lo que hace. ¿Qué con sejo le darías o qué advertencia le harías? Bueno, aunque no te lo creas sigo
siendo el mismo. Personalmente no he cambiado casi, por no decir que no
he cambiado en nada. Tengo más experiencia, pero conservo grandes dosis
de ingenuidad e inocencia. No me gustaría perder eso nunca, pues me hace
muy feliz. Aún recuerdo esa pasarela que me comentabas. Estaba tan contento, tan ilusionado, que lo recuerdo con mucho cariño. Mi consejo para
todo el que empiece en esto es que sea constante y crea en él mismo.
Mucho trabajo y no desilusionarse, pues es un camino con altos y bajos. Lo
importante es tener clara la meta y estar preparado para los inconvenientes.
Y sobre todo hay que ser humilde, saber aceptar las críticas y escuchar los
buenos consejos. ¿Qué aspectos de tu trabajo disfrutas más y cuales te cues ta la propia vida encarar? Lo que más disfruto es el diseño en sí, trabajar las
inspiraciones, investigar materiales, técnicas, patrones, todo en general. Lo
que peor llevo es todo lo que va unido a este mundillo, como la exposición
a los medios, etc. Pero forma parte del trabajo y lo asumo con naturalidad.
news boardriders
BURTON SPRING SUMMER 2014
Los días son más largos y las temperaturas suben en toda Europa. Burton
está más que preparado para la temporada primavera-verano 2014 con
una colección diseñada para unir rendimiento técnico y estilo urbano,
combinando funcionalidad, comodidad y moda en una colección de temporada para hombres, mujeres y niños. El estilo clásico, irreverente y multifuncional se mezcla con características técnicas para ofrecer una colección diseñada específicamente para riders, sin importar la temporada del
año. El alma nómada del snowboard de Burton reinterpretada para todas
las aventuras dentro y fuera de la montaña. www.burton.com
O'NEILL HYDROFREAK
O'Neill presenta su última innovación para este verano 2014:
HydroFreak, el bañador de secado más rápido. Este bañador repele el agua y es capaz de secarse en menos de cinco minutos para
proporcionar el máximo confort con el máximo rendimiento. En
HydroFreak todo está planificado: su diseño SuperFly proporciona
un ajuste perfecto, su cordón de cierre con silicona mantiene la
seguridad ante cualquier situación y sus costuras en S proporcionan un mayor estiramiento al tiempo que aumentan la fuerza del
tejido. Probado y desarrollado con los mejores profesionales del
equipo de surf de la firma, HydroFreak está diseñado para surfistas avanzados que demandan las últimas innovaciones del mercado. O'Neill maximiza la comodidad y el rendimiento en el agua.
Solo apto para buenas olas. Good vibes! www.oneill.com
OCIMAG BOARDRIDERS #1
La temporada de nieve 2013-14 ha llegado a su fin (por lo menos en España), y
para OCIMAG ha sido una temporada que ha marcado historia. Es la primera temporada de nieve en la que hemos estado a tope con el snowboard recopilando los
mejores contenidos relacionados con este deporte. Celebramos esta primera temporada de nieve de OCIMAG presentando nuestro primer vídeo para la sección
Boardriders titulado Tricks a tutti, y como no podría ser de otro modo, hemos contado con la participación de lo mejorcito a nivel nacional: Javier Velásquez, Pablo
Infantes, Iker Santamaría, Carlos Hernández aka Monky y Jorge Hidalgo aka Seta,
que se marcan sus mejores trucos en largas sesiones de park en Cerler. Un homenaje en toda regla a un año lleno de engorile, pero del bueno. ¡Y por muchos
más! (Foto Chio Ruiz / rider Iker Santamaría) www.youtube.com/ocimagtv
VOLCOM LE MAUD
Maud Le Car es la última incorporación al equipo europeo de surf femenino de
Volcom. Nacida en el Caribe francés, Maud es una aunténtica mujer Volcom que se
unió al team de la marca en 2011. La surfista ha estrenado una webserie llamada
Follow the Maud. En esta entrega de varios capítulos, además de deleitarnos con imágenes impresionantes y buen surf, Maud aprovecha para presentarnos la nueva línea
de baño de Volcom para esta temporada primavera-verano 2014, tops o bañadores
que resultan la opción perfecta de Volcom para que las churris practiquen surf. Maud
demuestra en esta miniserie su gran estilo y talento sobre las olas. Podéis fijaros en la
nueva colección de baño, en el buen surfing o en lo que veáis interesante… En cualquiera de los casos no os perdáis a esta rider, que está muy cerca de ganarse un puesto en el Women’s World Championship Tour 2015. Estilo rebelde, funcionalidad en
bañadores y biquinis, y surfing del bueno. www.volcomeurope.com
CONVERSE SKATEBOARDING
TROCADERO DAYS
El embajador de Converse Skateboarding, Pontus Alv, tuvo la idea de
hacer una pequeña película, el pasado mes de noviembre de 2013,
recorriendo París con una rampa para saltos y un par de planchas.
Resucitó así el skate callejero de finales de los ochenta, cuando las
zapas Converse Pro Skate Cons Ctas se empezaban a llevar. Esa
época del skate es muy importante, ya que es cuando despegó el
skate callejero, que salió de California y se extendió por el mundo
como un fuego sin control, creando la base de lo que es hoy el skateboarding. Esta película es un homenaje a aquella época que nos
inspiró a todos y estamos seguros de que te inspirará a ti también. Un
clip muy serio: ¡es uno de los mejores vídeos de skate que hemos
visto! Skate callejero en toda regla. www.youtube.com/converse
BRIGHT TRADESHOW XIX
Del 8 al 10 de julio de 2014 se celebra la decimonovena edición del
mayor evento en torno a la cultura skate y a la moda street wear de
Europa, el Bright Trade Show de Berlín, un evento que se celebra en
la capital alemana dos veces al año. En su edición de verano de este
año, coincidiendo con la semana de la moda de Berlín, OCIMAG estaremos presentes para no perdernos detalle. Se realizará la entrega de
premios al mejor vídeo, al mejor skater novel, así como el mejor skater del año en Europa. Sus ediciones pasadas han sido memorables y
este verano se espera mucho más y mucho mejor. Como en otras ocasiones, cuentan con el apoyo de Vans en la House of Vans, el espacio
de la firma californiana en Berlín, donde además de celebrar eventos
musicales como la Boiler Room, convergen cultura skate, arte e industria de la moda street wear. Atentos a estas fechas en Berlín: son días
irrepetiles para gozar de pura cultura skate. brighttradeshow.com
FAMILIA FREESTYLE CAMPS. Les Deux Alpes attack!
Texto: Rubén Vidal / Foto: Mario Velasco
Les Deux Alpes es un pueblo que está situado a dos horas de Grenoble
(Francia), y destaca por albergar –entre otras cosas– el mejor y más grande
snowpark europeo en la época estival y por ser el glaciar esquiable más cercano a España. Familia Freestyle Camps vuelve este verano 2014 al glaciar
Les Deux Alpes, por quinto año consecutivo, para ofrecernos la experiencia
única de aprender, progresar y divertirnos en el mejor snowpark de verano
de Europa y en un entorno inigualable con camps que son sinónimo de
aprendizaje, progresión y convivencia cargada de dosis de buen rollo en un
ambiente cercano y familiar. Es la clave de la filosofía de Familia Freestyle.
Del 21 de junio al 30 de agosto de 2014, los Alpes franceses vuelven a ser
el escenario de los camps de verano de Familia Freestyle, un entorno espectacular que albergará cursos semanales de snowbard y freeski, y convivencias con otros riders, instructores, fotógrafos, profesionales del sector y todo
el staff de Familia Freestyle. Imagínate un glaciar en época estival y un entorno natural increíble para dedicar todo el tiempo de tu estancia a disfrutar de
la montaña, sea cual sea tu nivel. No importa si acabas de coger una tabla
o los esquís: el personal altamente cualificado te ayudará paso a paso para
que aprendas con total seguridad. Si tus habilidades son más pro, tendrás
todo el tiempo del mundo para probar nuevos trucos de freestyle con los
mejores riders nacionales. Pero además de montaña, nieve y snowpark, en
los Camps Familia Freestyle podrás disfrutar de todas las actividades e instalaciones que ofrece Les Deux Alpes: skatepark, bikepark, rocódromo, lago,
piscina, descenso o rafting entre un largo etcétera de actividades. El tema
del alojamiento viene a la carta, porque Familia Freestyle se adapta a todos
los bolsillos y preferencias, pudiendo elegir entre apartamentos full equip o
el increíble chalet Casa Familia, donde podrás vivir la experiencia compartiendo el día a día con toda la gente de los camps. Si quieres saber lo que
es pasar un verano de engorile en familia, no te lo puedes perder. Se trata
de una experiencia muy recomendable si lo que te va es el Freestyle. Si pensabas que en verano no podías disfrutar de la nieve, aquí tienes pruebas de
que no estabas bien informado. Una experiencia única servida en bandeja
por Familia Freestyle Camps. ¡Reserva tu plaza! www.familiafreestyle.com
KEPA ACERO
El arte de vivir
KEPA ACERO (ALGORTA, EUSKADI, 1980) COMENZÓ EN EL MUNDO DEL SURFING POR INERCIA, YA QUE SUS DOS
HERMANOS, IKER Y ENEKO, HAN SIDO REFERENCIA EN NUESTRO PAÍS EN ESTE DEPORTE. KEPA HA COMPETIDO Y
COSECHADO GRANDES ÉXITOS, HASTA QUE UN DÍA DECIDIÓ DAR UN CAMBIO DE RUMBO A SU CARRERA DEPORTIVA.
COMENZÓ A VIAJAR Y A CONOCER MUNDO, A DESCUBRIR DIFERENTES CULTURAS Y EXPERIENCIAS, TANTO BUENAS
COMO MALAS, A TRAVÉS DE SU PASIÓN POR EL SURFING. GRACIAS A SU EMPEÑO Y A SUS SPONSORS –REEF, ARNETTE,
NIXON, PATAGONIA, PUKAS Y LEATHERMAN–, ESTE GRAN SURFERO Y MEJOR PERSONA NOS HACE VER EL SURF CON
UNA PERSPECTIVA PURAMENTE VISCERAL.
Entrevista: Xabi Pintor / Foto: Kepa Acero
Aupa, Kepa. Acabas de llegar de tu última aventura, Mundaka África.
Cuéntanos cómo ha ido todo. Han sido tres meses en solitario por África en
un viaje en el que me ha pasado de todo, bueno y malo. El proyecto consistía en explorar, buscar olas buenas por este continente, desconocido en lo
que se refiere a las olas, con todo lo que ese reto conlleva. Cogí mis tablas
y mis cámaras, y bajé desde Getxo hasta Guinea. Buscaba explorar, pero al
mismo tiempo conocer gente, culturas, riesgo y aventura. No solo era un
tema de olas, sino de vivir una experiencia humana que fuera llevar el deporte a otra dimensión. Este es tu sexto proyecto desde que empezaste esta
nueva etapa de tu vida, pero antes ha habido mucho más: Sudamérica y sus
guerrillas, Alaska y sus osos, la Antártida y sus pingüinos... cada viaje es una
aventura diferente. Háblanos de los sentimientos que más se repiten, los
que afloran con más fuerza en todos esos lugares y con ese tipo de viven cias. Son muchos lugares y todos son muy diferentes. Cada lugar tiene su
encanto, pero desde luego, todos tienen algo en común. Alaska, por ejemplo, es un territorio hostil donde la naturaleza es brutal. En ella puedes cazar
pero también ser cazado, puedes surfear entre pingüinos o descansar en un
iceberg con la foca leopardo rondando… Los diferentes lugares tienen en
común que el tipo de vivencias son muy reales. Estás solo, con todos tus sentidos alerta, en medio de la naturaleza. De esta manera las preocupaciones
que tenemos en la vida cotidiana y los miedos por las cosas superficiales
siempre desaparecen, y esto te hace convertirte en lo que eres: un animal
más. La vida es mucho más real, te sientes vivo. Te gusta comparar tus aventuras con las expediciones de los alpinistas a las grandes cumbres. ¿Por qué?
Para mí los alpinistas siempre han sido una inspiración, en el sentido de que
el surf es una manera de tener un contacto íntimo con la naturaleza, al igual
que con el alpinismo. Este contacto hace que todos los problemas y preocupaciones desaparezcan, quedando solo la ola y tú. Para conseguir estos
objetivos corres unos riesgos, al igual que en la montaña. Obviamente,
cuando decides embarcarte en una expedición, hay riesgos que debes asumir. Son lugares nuevos y no sabes dónde pisas. Ahí radica el riesgo, pero
también el atractivo de la aventura. En una nueva rompiente de ola tienes
que investigar la profundidad, las rocas, corrientes oceánicas, vientos... Son
muchos factores y siempre hay que tenerle respeto al mar, especialmente si
surfeas solo. Pero los riesgos están ahí, y creo que el surf tiene más que ver
con el alpinismo que con una cara bonita rodeada de chicas en biquini. Esa
es la imagen que se le ha dado, y yo trato de escapar de estos tópicos. Todos
hemos viajado alguna vez y en algún momento, en algún sitio, hemos pen sado aquello de “me quedaría a vivir para siempre...”. ¿Te ha pasado algu na vez? ¿Cuál es tu lugar en el mundo y por qué? He tenido la suerte de viajar por todo el mundo, desde muy joven, viviendo de lo que más me gusta
hacer, y soy consciente de que es un privilegio. Decir qué lugar del mundo
me gusta más es difícil, pero diría que Indonesia, por su gente y por que es
como el Himalaya del surf, donde se encuentran las mejores olas del mundo.
Desde tu primer reto en 2010, ¿en qué ha cambiado Kepa? ¿Te sientes más
preparado y confiado o más vulnerable? Yo creo que todo el mundo cambia, vas mudando siempre. Lo que está claro es que después de grandes
experiencias en solitario, vuelve otra persona. Ves muchas cosas, algunas
muy buenas, otras muy duras, como la pobreza y el hambre. En el sentido
humano te hace más solidario, pero, por otro lado, cuando viajas solo, llegas a un sitio y no solo tienes que buscar olas, sino supervivencia y protección. Es como volver a nacer. Haces amigos con los que pasas momentos
buenos y malos para terminar despidiéndote de una familia que probablemente no vayas a volver a ver nunca. Un viaje de los míos es el reflejo de
una vida entera, en la que aprendes a hacerte fuerte en los malos momentos. ¿Cómo llevas lo de ser seguido por tantos fans en redes sociales?
¿Notas el apoyo y cariño de la gente? Es una maravilla poder compartir
todas las experiencias. Yo descubrí, mediante este libro abierto que es
Internet, que no solo disfrutaba de la experiencia personal, sino de compartirla. No hay ninguna sensación mejor que sentir que lo que haces le sirve
de inspiración a alguien en su vida. Parece que tu vida es el sueño de cual quiera: tres meses por el mundo y uno en casa descansando... ¿Esto es así
o lleva su tiempo y dedicación diaria poder llevarlo a cabo? ¿Cómo sacas tus
proyectos adelante? Yo diría que para no trabajar hay que trabajar mucho.
El trabajo está en grabar las sesiones de surf, editar vídeos, dormir en un
coche, cargar con los equipos, tener todo a punto, estar pendiente de que
no te roben o preparar conferencias... pero yo lo hago encantado. En cualquier caso, es un privilegio poder trabajar de lo que más te gusta hacer.
¿Qué es lo proximo? Se te van a acabar los sitios donde viajar... ¿El mundo
se te queda pequeño? Cuanto más viajas, más sensación tienes de que no
conoces nada, y la inquietud es insaciable. Por ejemplo, vas a Angola y te
preguntas: ¿qué habrá en el Congo? No hay que dejar de hacerse preguntas. Háblanos de la industria del surf. ¿Cómo ha evolucionado todo esto
desde que tú empezaste? Hoy el mundo esta lleno de escuelas de surf y
tenemos surfers en todos los lados, hasta en grandes ciudades como Madrid
o Barcelona. El surf está creciendo mucho. Hace poco fui a dar unas charlas
a Madrid con National Geographic y estaba lleno de gente, y en Barcelona
ni te cuento... Es un deporte que da muy buenas sensaciones y todo el
mundo quiere disfrutar. Para los que vivimos de esto, da trabajo del que la
gente cree. Te has convertido en un tío muy popular con miles de fans. ¿En
quién se fija Kepa Acero? Admiro a muchos compañeros de viaje que me he
encontrado por el camino, nómadas que van viajando con lo justo por la
pasión que tienen por el surf. Personas anónimas, que no se dejan influenciar por la gran rueda del sistema que dicta lo que hay que hacer y lo que
no, tanto en el surf como fuera de él. Gente con una mentalidad abierta. El
sistema en el que vivimos nos impone muchos miedos y anula nuestros sueños. El otro día vi una entrevista al presidente de Uruguay, José Mujica. En
este momento esa es mi influencia, pero mi perra Loa también lo es.
¿Proyectos de futuro? Mi intención ahora es seguir viajando y construyendo
sueños. La vida es muy corta como para dejarlos escapar. Tengo intención
de seguir dando charlas y he creado junto a otras personas una marca que
se va a llamar Basati. Todo ello con la intención de seguir transmitiendo mi
manera de ver la vida. Para terminar, tú que estas solo por el mundo conti go mismo y la madre tierra, con todo ese tiempo para sentir y reflexionar al
margen de esta sociedad consumista, ¿algún consejo de cómo disfrutar de
la vida? Supongo que cada uno tiene su librillo... A mí la vida me ha servido para conocer diferentes gentes y culturas, y para conocerme a mí mismo.
Yo viajo de una manera muy sencilla: he aprendido que cuanto menos llevas en la vida mejor. Cuando viajas tienes que atravesar momentos duros
para que lleguen los buenos, y eso se traslada a la vida. No solo se trata de
apreciar lo bueno, sino de aprender a agarrarse fuerte en lo malo. Cada día
que te levantas es una oportunidad nueva de ser feliz. Ese es el arte de vivir.
news música
ELECTROSPLASH 2014
El calendario de festivales de 2014 vivirá esta temporada la reincorporación de uno de
los proyectos pioneros en la escena nacional, que celebra su regreso el próximo verano
a lo largo de tres días. ElectroSplash Waterparties 2014 promete convertir los días 12,
13 y 14 de julio la ciudad de Vinaròs (Castellón) en la capital del sonido cool & fresh. Un
proyecto que vuelve a la escena tras una trayectoria de seis ediciones ofreciendo una
ubicación privilegiada y una selección de los mejores Dj nacionales e internacionales.
Todo mezclado, no agitado, en la playa de Fora Forat y volviendo a su original formato
de tres días en horario de 12:00 a 02:00 h. ElectroSplash revisa su concepto en un
espacio completamente nuevo, pero con el espíritu de las waterparties que pusieron en
el mapa internacional esta cita castellonense. Tensnake, Legowelt, Craig Richards, Ivan
Smagghe, Pional, BFlecha Live, Bill Patrick o Capablanca son solo algunos de los nombres
confirmados hasta el momento. Estamos a la espera de nuevas confirmaciones, una de
ellas una verdadera bomba electrónica. ¡Permaneced atentos! www.electrosplash.com
UNCOOL MGZ
Uncool mgz es un nuevo proyecto decidido a ofrecernos una visión
real y sin tapujos de la escena electrónica underground de Barcelona.
Este proyecto nace de tres mentes jóvenes criadas en todo tipo de
pistas de baile, y que prometen contarnos de primera mano lo más
relevante de la música, la gente y en definitiva de todo lo que rodea
la escena electrónica de la ciudad condal. Uncool mgz nos traen los
mejores, más rebuscados e insólitos sonidos electrónicos de
Barcelona, ofreciéndonos un portal de gran calidad y originalidad
musical. Una nueva plataforma emergente de expresión sonora que
basa su contenido en el perfecto conocimiento de la realidad de la
electrónica actual. Pasen, lean y bailen. www.uncoolmgz.com
OFF WEEK PARK DEL FÓRUM
Hacía mucho tiempo que no veíamos line ups como el de este año en
la Off Week de Barcelona, entre ellos los eventos que tiene preparados la productora Proyectual para esta edición 2014: Art Department,
Stacey Pullen, Guy Gerber, Wolf & Lamb, Soul Clap, Martin Buttrich o
Prins Thomas, por mencionar algunos de los más de cincuenta artistas programados. Por segundo año consecutivo tendrán lugar en El
Parc del Fórum, al aire libre y más en concreto en los espacios del
Gran Auditori y El Caminet. Se organizan dos eventos diarios el jueves 12, viernes 13 y sábado 14 de junio de 2014, de forma simultánea, con horarios muy amplios desde el mediodía a medianoche.
Toma nota de los diferentes eventos, espacios y días, porque esto es
electrónica en mayúsculas. www.proyectual.tv
981HERITAGE
Diez años han permitido ver cómo el festival 981Heritage SON
Estrella Galicia pasaba de una única sede en Galicia a cuatro, tres de
ellas en España (La Coruña, Madrid y Barcelona) y una internacional
(Londres). Un periodo en que los artistas, localizaciones, aforos y
concepto han sido cambiantes, independientes, y ello no solo no ha
debilitado la marca, sino que por el contrario la ha hecho más fuerte y reconocida. Ahora en 2014, el festival da un paso más y anuncia las primeras fechas para su décimo aniversario: Trust + Opale, el
12 de junio en Madrid; Austra + Blue Hawaii + Maxixe, el 10 de julio
en Londres; Wye Oak, el 5 de septiembre en Madrid; Wild Beasts, el
12 de septiembre en Barcelona; Swans, el 2 de octubre en Madrid.
Muy pronto nuevos nombres y fechas. www.981heritage.com
ARENAL SOUND 2014
La quita edición de Arenal Sound tendrá lugar, del 29 de julio al 3 de
agosto de 2014, en la playa El Arenal de Burriana, y volverá a contar
con dos primeros días de fiestas de bienvenida. Más de 120 artistas,
seis días de acampada frente al mar, fiestas en barco, piscina y muchas
sorpresas más que lo convertirán en una experiencia inolvidable. En el
line up confirmado destaca la presencia, entre otros, de Placebo, Die
Antwoord, Azealia Banks, Miles Kane, Biffy Clyro, Knife Party Bastille,
Mando Diao, Crystal Fighters, etc. OCIMAG es, un año más, medio
oficial de este festival que se ha consolidado como una de las mejores
apuestas sonoras a orillas del Mediterráneo. ¿Preparado para la mayor
experiencia musical del verano? www.arenalsound.com
DCODE 2014
Ya ha comenzado la cuenta atrás para el Dcode, el único macrofestival indie superviviente en la capital española, al que se mima y protege por su condición única en
Madrid, que se espera con ansia tras un verano repleto de propuestas musicales,
que se introduce estratégicamente en el calendario para hacer más llevadera la
vuelta a la rutina y que ya se ha consagrado como la última fiesta del verano.
Dcode 2014 tendrá lugar el 13 de septiembre de 2014 en el campus de la
Universidad Complutense de Madrid y, por el momento, ya ha anunciado a Vetusta
Morla, Jake Bugg, Bombay Bicycle Club, Russian Red y Anna Calvi. En septiembre
el campus universitario de Madrid cambia, por un día, los libros y los apuntes por
música, moda y actitud hipster. Entérate antes que nadie de las novedades importantes en Dcode 2014 a través de su web. www.dcodefest.com
SÓNAR 2014. Crisol electrónico
Texto: Fernando Fuentes / Foto: Richie Hawtin y Massive Attack, cortesía de Sónar
Seguramente, tras un primer vistazo, son Massive Attack, Richie Hawtin,
Plastikman/Objekt, CHIC Feat, Nile Rodgers, Despacio (2 many Dj + James
Murphy), Röyksopp & Robyn, Todd Terje, Neneh Cherry, Trentemøller, Fout
Tet, James Holden, Moderat, Flux Pavilion, Theo Parrish, Jon Hopkins y The
Martinez Brothers algunos de los nombres mayúsculos que, por razones
obvias, más llaman la atención sonora de cualquiera que se asoma al line up
de Sónar 2014. Pero es imposible no calificar igualmente de imperdibles a
otros artistas, también confirmados, como son Caribou, Bonobo,
Rudimental, Four Tet, Lykke Li, Boys Noize, Dj Snake, Buraka Som Sistema,
Simian Mobile Disco, Pretty Lights, Kid Koala, Audion, Tiga, Astroboyz,
Gessafelstein, Sau Poler, Loco Dice, Uner, Spoek Mathambo, Debukas,
Henry Saiz, BFlecha, Whomadewho, Brodinski, Paul Woolford, Ralph
Lawson, Shelby Grey o Dâm-Funk. Y eso que en este listado de favoritos no
están todos los que son, ni son todos los que están. Llama la atención que
la programación de Sónar 2014 cuenta con la presencia de más mujeres que
en ninguna de sus anteriores ediciones. Bien. Varias de ellas, como Neneh
Cherry, Lykke Li, Robyn o MØ, son figuras destacadas de la escena escandinava, con una proyección internacional incuestionable. Además, el festival
presenta los shows de nuevas musas del panorama electrónico underground, como Laurel Halo, Jessy Lanza, Nisennenmondai, Inga Copeland o
Future Brown, además de las nacionales BFlecha, Cristina Checa (de Desert)
y Eme Dj, las tres en un excelente momento y gozando de una creciente proyección internacional. Yelle es sin duda otra de las mujeres destacadas de la
programación de Sónar 2014. También desde EEUU, Laurel Halo se ha ganado el respeto de la crítica especializada y del público más exigente con dos
discos de techno rugoso y avanzado para el sello londinense Hyperdub.
Sónar 2014 presenta también en su programación una heterogénea y exci-
tante muestra del talento nacional, reflejo directo del excelente momento
que vive la escena en estos últimos años. En total 34 actuaciones nacionales que recorren prácticamente todo el espectro de la electrónica actual,
desde los beats tradicionales del hip-hop a las sonoridades experimentales,
la música de baile en todas sus vertientes y los lenguajes más complejos y
vanguardistas. Henry Saiz adaptará el techno emotivo de su último álbum a
un formato nuevo, en el que se combinarán sintetizadores con varios instrumentos, voces invitadas y un importante dispositivo audiovisual. Estas nuevas versiones serán, además, grabadas y editadas en un nuevo disco. El riesgo, la osadía y las corrientes más evocadoras y complejas de la electrónica
son protagonistas de varias de las actuaciones de la programación de Sónar.
Es el caso del dúo Downliners Sekt, cuyo último elepé, Silent Ascent, está
recibiendo unánimes y muy merecidos elogios por la precisión de su electrónica fracturada de bajos profundos. En una línea más puramente electrónica se encuentra también el techno de aires industriales del barcelonés Pina.
El joven MC gallego Arufe demostrará la frescura de sus rimas, acompañado por Judah. Completan este extraordinario grupo de artistas dos de los
nombres más respetados de la escena: DJ2D2 y Mwëslee, ambos mostrando tras los platos sus profundos conocimientos, tanto de la tradición hiphop como de los future beats y la música de baile actual. Y un recuperado
Professor Angel Sound, con sus ritmos latinos cercanos al moombathon. Los
géneros clásicos y las corrientes recientes de la música de baile están ampliamente representadas con varios de los mejores Dj y productores nacionales
del momento, como Astroboyz o Sau Poler y el asturiano Kresy. Los ritmos
festivos y la calidad en la cabina están igualmente garantizados con la habilidad de Dj como Shelby Grey y Uner (presentado por Pioneer Dj). Es junio,
nos vemos en Sónar Barcelona. www.sonar.es
NO SOLO MÚSICA. Arte visual
Texto: Paula Ortega / Foto: Plastikman, cortesía de Sónar
Solemos conocerlos por su música, por verlos en el escenario con un micro
en la mano o con las manos metidas entre vinilos o teclados, sintetizadores
y demás instrumentos electrónicos, pero además de hacernos disfrutar del
sonido, muchos de ellos se han embarcado en proyectos de creación visual.
Videoarte y videomapping, manifestaciones artísticas fuertemente ligadas a
la música electrónica de las que hemos podido disfrutar a lo largo de este
año y que tendremos oportunidad de ver en lo que queda de él gracias a
algunos de estos artistas y sobre todo a los pequeños y grandes festivales de
música electrónica que apoyan sus trabajos. El músico Edisonnoside y el
artista Daniel Schwarz nos presentarán en Sonar+D un bosque iluminado
que ellos llaman Imposition, un trabajo audiovisual que está compuesto por
troncos lumínicos acompañados por una electrónica oscura y distribuidos de
tal forma que harán que el espectador se sumerja en un juego entre espacio real y espacio sensorial. Richie Hawtin ha demostrado siempre ser un
auténtico innovador y, de las oscuras salas recubiertas de plásticos en las
paredes donde pinchaba en Detroit, creó el nombre de Plastikman. Con este
álter ego nos presentó al Richie más conceptual y minimalista. Fue en los
noventa cuando deleitó al público con discos como Musik, pero empezamos
a ver sus primeras creaciones visuales a partir de 2011. Tras presentar Projekt
en el Guggenheim Museum de Nueva York, viene a Barcelona con una variación del mismo que presentará en exclusiva en el festival Sónar. Woodkid,
además de músico, es un gran director de arte. Presentó por primera vez en
el programa Le Gran Journal un espectáculo visual de la mano del equipo
de One More, encargados de la postproducción del vídeo y precursores de
este proyecto en 4D en el que se podía ver cómo se descomponía su imagen en píxeles al ritmo de la música con cada golpe de baqueta de sus dos
baterías, mientras interpretaba su genial Run, Boy, Run. Esperamos ansiosos
su actuación del SónarPub. El festival L.E.V también es uno de los grandes
que apuesta por estos trabajos. Este año se pudo ver Lumiere, un proyecto
de Robert Henke desarrollado a partir de proyecciones láser en directo.
También pasó por el laboratorio de electrónica visual de Gijón Martin
Messier con dos de sus creaciones: Projectors y el no menos interesante
SMO, compuesto exclusivamente con el ruido acústico producido por
máquinas de coser del año 1940 amplificadas por micros de contacto y procesados. En el ámbito nacional tenemos artistas de la talla de Albert Salinas
y Miki Arregui (aka Wooky & Videocratz), que además de deleitarnos con su
música lo han hecho también con la imagen. Nos ofrecieron un inmejorable
espectáculo visual en el festival MIRA 2012 y lo volvieron a hacer en la última edición barcelonesa del Mutek, dos festivales pequeños en cuanto a
recursos pero muy grandes en cuanto a creatividad, con apuestas musicales
y de videocreación muy interesantes y de mucha calidad. También pudimos
ver en el Mutek 2014 al colectivo 1024 Architecture, formado por artistas
franceses. Nos presentaron Crise, otro proyecto muy atractivo y sorprendente, aunque en mi opinión en este espectáculo la calidad visual no se correspondió con la sonora. La música adquirió un segundísimo plano y no consiguió esa magnífica sensación que sí consiguen los proyectos anteriormente
citados, transportándote a través de los sentidos de la vista y el oído a otro
escenario o micromundo.
OHIOS. Indie-Rock desde Vic
Texto: Paula Ortega / Foto: Joan Garolera
Ohios está formado por cuatro chavales de Vic. Cuatro amigos que tras
estar tocando en diferentes grupos decidieron montar el suyo propio.
Apadrinados por Famèlic, sello al que pertenecen grupos como Univers o Da
Souza, sacaron su primer álbum en febrero de este año 2014, Faceless.
Menudo discazo se han marcado con la edad que tienen. Guitarreo del
bueno y voces desgarradoras es lo que escuchamos en Faceless. Sobre todo
la de Claudi, que suena con una fuerza inagotable en Aunt, canción con la
que abren este primer álbum. La de Pau, que podemos oir en Weekend o
Distance, es distinta, más melódica. Todas las canciones están escritas en
inglés, aunque las voces no son las protagonistas en este álbum e incluso
hay canciones en las que apenas hay letra, pues es un disco muy instrumental. Martí y Joan, batería y bajista respectivamente, son los que forman parte
del lío junto con los dos guitarras y vocalistas del grupo. Un lío que está
teniendo muy buenos resultados. Solo hace cuatro meses que sacaron a la
luz su primer álbum y ya han tocado en las salas Apolo y Becool, de
Barcelona. También en La 3, de Valencia, y en El Sol, de Madrid, entre otras,
donde telonearon a Blood Red Shoes y Eagulls respectivamente. Y es que
este sonido con toques de indie-rock y post punk de los Ohios nos recuerda
a algunos de los oscuros sonidos de los Eagulls pero también los ruidos
puros de guitarra vienen muy influenciados por bandas como Dinosaur Jr o
Built to Spill, de los que dicen ser fervientes seguidores. A pesar de su edad,
estos chicos llevan años escuchando también a bandas como Wilco, Sonic
Youth o Deerhunter, y se nota. Apasionados por la música, no solo son una
banda de indie-rock sino que algunos de ellos forman parte de proyectos
tan interesantes como el Hoteler, un festival de música independiente que
se celebra en septiembre en Vic y por el que han pasado grupos como los
valencianos Betunizer y Jupiter Lion. Ohios llevan tocando en todas las ediciones desde su formación. Además de buenos grupos de la escena independiente nacional, tiene como atractivo su precio (cero euros), y nos parece extraordinario que haya gente que apoye la cultura musical de esta
forma. Hablando de festivales, una de las actuaciones más importantes que
han hecho Ohios fue en el pasado Primavera Sound. Fueron una de las seis
bandas elegidas entre la organización del festival y el público. Este verano
también actuarán en el Actitud de Vidreres y en el mencionado Festival
Hoteler de Vic. Los fans de sonidos intensos y de saltar como locos no os los
deberíais perder. ¡Atentos a esta banda! ohiosohios.bandcamp.com
ELECTRÓNICA NO SOLO MASCULINA
Texto: Uncool Mgz
En la escena electrónica tanto nacional como internacional la presencia
femenina detrás de los platos está lejos de la equidad. Propuestas como el
She Can Dj (un vergonzoso concurso para elegir a la mejor mujer Dj del
momento) no hacen más que evidenciar y agravar este despropósito. No son
muchas las mujeres que han conseguido dar el salto (lo queramos o no sigue
siendo un mundo dominado por los chicos), pero ellas gracias a su esfuerzo
y trabajo van abriendo puertas y haciendo que la escena no esté tan polarizada. Tampoco es raro ver productos de las grandes discográficas donde la
imagen lo es todo, la música se ciñe a lo estrictamente comercial del
momento y nace ya muerta para llegar a los también difuntos oídos de esos
pobres que sintonizan Los 40 principales. Esta es una inspiradora selección
de tres artistas españolas que se han ganado su sitio a pulso con impecables
producciones y directos que han hecho bailar a artistas y público de todo el
mundo. A Pelacha, referente desde hace años del techno nacional, su
pasión por la música la llevo a crear su propio sello, REDsonja Records, en el
que ya ha publicado su cuarta referencia. Su enorme conocimiento musical
le permite adaptarse y variar de estilo con facilidad, siempre fiel al techno
pero sin miedo a pisar otros territorios sonoros como el dub, el minimal, el
electro y siempre con ganas de disfrutar y hacer disfrutar a la pista. Nuria
Ghia ha estado tras la cabina más de diez años, embaucando al público con
su sonido profundo y su depurada técnica en los platos la Barcelonesa, que
tras haber editado remixes y epés en sellos como Voltaire Music, Andes
Digital Music, Indiependente... ahora lleva el sello Bluecube Records junto a
Jose Lucker, sello bajo el que nos presenta sus finas y melódicas producciones de tech-house ofreciendo un sonido alegre con ritmos tropicales que
seguro te hará bailar, sonreír y vibrar de placer. Y para terminar, Cora Novoa,
una joven gallega cuya inquietud la ha llevado a perseguir su sueño fuera
de la península. Así, tras Madrid decidió poner rumbo a Berlín, capital estandarte de la electrónica underground. Desde allí creo su epé Untaintable
Love, séptima referencia del sello de Natura Sonoris de su compañero Henry
Saiz. Este epé la situó en la escena internacional e hizo que muchos pudiésemos disfrutar de sus apabullantes directos en los que mezcla su voz con
samples de sonidos reales dando forma a su peculiar e infalible estilo en la
pista de baile. A pesar de que la desigualdad de género en la escena electrónica es evidente, tampoco podemos olvidar que en origen la presencia de
mujeres en la cabina era prácticamente inexistente. Pioneras como Ellen
Alien o Eléctric Indigo han marcado la dirección de esta nueva generación
que viene a demostrar que la electrónica no es exclusiva de los hombres.
JAMES HOLDEN
La llamada de lo salvaje
DIEZ AÑOS DESPUÉS DE QUE SU REMIX DE THE SKY WAS PINK LE
COLOCARA EN PRIMERA LÍNEA DE LA ELECTRÓNICA EMOTIVA Y
ENVOLVENTE, JAMES HOLDEN SIGUE ESTANDO DE ACTUALIDAD. EL AÑO
PASADO EDITÓ THE INHERITORS (BORDER COMMUNITY, 2013). EN ESTE
ÚLTIMO DISCO HA REINVENTADO SU SONIDO, ENFOCÁNDOLO HACIA UNA
PROPUESTA MÁS ORGÁNICA, CON TINTES KRAUTROCK. LO PRESENTARÁ EN
DIRECTO EN EL SÓNAR 2014 Y HEMOS APROVECHADO PARA HABLAR CON
ÉL DEL ENFOQUE Y LA PRODUCCIÓN DEL ÁLBUM, DE SU CONCEPCIÓN DE
LA MÚSICA Y DE SUS HÁBITOS COMO DJ.
Entrevista: Pau Cristòful
The Inheritors recuerda al krautrock y al rock progresivo de los setenta, pero
también a las texturas cálidas y estructuras caóticas características de sellos
recientes como L.I.E.S. ¿A la hora de pensar el elepé había unos referentes
premeditados o simplemente fue tomando forma durante el proceso?
Definitivamente me ha inspirado mucho material antiguo, pero lo único premeditado fue cómo no debía sonar. Estoy cansado del sonido limpio y
estructurado que me rodeaba en la música de baile, de modo que reaccioné en contra. Esto fue antes de que L.I.E.S. empezara a tener reconocimiento, pero creo que su éxito es debido a un sentimiento similar. Muchos Dj y
promotores seguían escenas vinculadas al rock y al hardcore antes de empe zar a producir electrónica. ¿Es también tu caso o bien descubriste todas las
influencias kraut y progresivas más tarde? Antes de empezar con la electrónica escuchaba metal, hardcore y postrock: Mogwai fueron una gran
influencia desde el principio. En cambio, descubrí el krautrock al mismo
tiempo que editaba mi primer disco. ¡Fue un sentimiento mágico y una gran
sorpresa ver que la música que estaba intentando hacer, en realidad ya existía! A pesar de que The Inheritors sea más salvaje y primitivo, tanto este último álbum como tus primeras producciones conectan en el sentido de que
ambas inducen a un trance hipnótico. ¿Has estado trabajando consciente mente el mismo concepto desde diferentes puntos de vista? Efectivamente,
creo que el carácter hipnótico caracteriza todos mis trabajos. Siempre ha
sido lo que más me ha gustado de la música y lo comparto con todos mis
artistas preferidos. De todos modos, no lo he hecho premeditadamente.
Más bien se trata de una predilección subconsciente. El elemento más
importante en The Inheritors es el sintetizador modular, pero también has
trabajado con instrumentos orgánicos (cuerdas, saxo...). ¿Por qué has deci dido incluirlos? Muchos sonidos que parecen acústicos provienen en realidad del modular, que también deberíamos considerar un instrumento real.
La idea general era que el álbum sonara real y humano, de modo que en la
producción trabajamos con algunos instrumentos orgánicos y grabamos los
diferentes temas en las primeras tomas, después de solo unos pocos ensayos. Creo que los errores son importantes en varios sentidos: como reacción
contra el arte homogeneizado y capitalista, como forma de expresión, para
desorientar al oyente, para conseguir el efecto hipnótico y finalmente porque, de este modo, la música suena mejor que si es limpia y ordenada. Es la
primera vez que presentas tus producciones en directo. En los conciertos te
acompañan Etienne Jaumet (saxo) y Tom Page (batería). ¿Por qué ahora y
no antes? ¿Qué podemos esperar de vuestra actuación en Sónar 2014? Al
principio ni me planteaba llevar este álbum al directo porque es muy complicado trasladar los moduladores del estudio, pero cuando Thom Yorke me
ofreció telonear a Atoms for Peace en su gira, estudié la manera para hacerlo. He trabajado mucho en mi técnica como Dj y creo que mis sesiones son
más reales y con mucha más espontaneidad que la mayoría de directos de
electrónica con portátil que he visto. Por eso he esperado a poder ofrecer un
directo con mucho margen para la improvisación real. No podemos anticipar lo que pasará antes de subir al escenario, porque cada vez es diferente,
pero Tom Page es un batería increíble y Etienne Jaumet un gran improvisador, y a cada concierto nos estamos sintiendo mucho más libres y salvajes.
¿Piensas seguir la línea de The Inheritors y continuar realizando directos en
un futuro o bien se trata de una etapa concreta? ¡La verdad es que no lo
sé! Ya veremos... Tu discográfica, Border Community, ha estado siempre
muy ligada a tu música y el adelanto del próximo disco de tu compañero de
sello Luke Abott también suena influenciado por la kosmische y el rock progresivo. ¿Habrá un cambio de rumbo en los próximos lanzamientos de
Border Community conectando con el sonido de The Inheritors? El sello no
hace demasiados planes de futuro, pero hemos llegado a un punto en el
que los requisitos mínimos para editar algo son muy altos. ¡Luke Abott
obviamente los sobrepasa! Su nuevo disco, Wysing Forest (Border
Community, 2014), es un gran paso adelante y una valiente reinvención de
su música. Después de trabajar en proyectos como este creemos que editar
un 12'' pistero sería un paso atrás. Finalmente, se te caracteriza por los
recursos tonales que usas para mezclar temas en tus sesiones. ¿Crees que
los estudios de violín y teoría que aprendiste cuando eras más joven han sido
cruciales en este aspecto? ¿Has seguido estudiando armonía o algún tipo de
aprendizaje musical teórico después de esa etapa? Tengo la gran suerte de
haber aprendido teoría musical, sobre todo aplicada al piano, ya que en él
se visualiza muy claramente la relación entre acordes. De todos modos, el
nivel de conocimiento que se necesita para mezclar armónicamente es muy
básico. Me sorprende que no lo haga más gente, porque te da total libertad para pinchar música mucho más interesante sin ninguna necesidad de
alterar el carácter bailable de la sesión. Me gusta expandir horizontes y
reglas. Es y siempre ha sido uno de mis principales objetivos como Dj.
FEMME
Pink Pop
LAURA BETTINSON, CONOCIDA POR SU PAPEL EN LA BANDA ULTRAÍSTA JUNTO A NIGEL GODRICH (RADIOHEAD) Y JOEY
WARONKER (BECK), SE HA CONVERTIDO EN LA NUEVA IT GIRL BRITÁNICA A MANOS DE SU PROYECTO EN SOLITARIO, FEMME.
UNA PROPUESTA QUE BEBE DE LOS GRUPOS FEMENINOS DE LOS SESENTA Y QUE ACTUALIZA SU SONIDO A GOLPE DE BEATS
Y UN POP REFRESCANTE Y JUVENIL QUE COQUETEA CON LA ELECTRÓNICA. CON TAN SOLO CUATRO SINGLES HA CONSEGUIDO REVOLUCIONAR LA ESCENA ALTERNATIVA ACTUAL, QUE YA LA INVITA A PARTICIPAR EN ALGUNOS DE LOS FESTIVALES
MÁS EMBLEMÁTICOS DEL MUNDO. FEVER BOY, SU ÚLTIMO TEMA PUBLICADO, LLEGA DISPUESTO A CONVERTIRSE EN UNA
DE LAS BSO DE ESTE VERANO EN EUROPA. VITALISTA Y CARISMÁTICA, INVADE CON SU ARTE POLICROMÁTICO.
Entrevista: Sara Morales / Foto: Rachell Smith
¿Quién es Femme? Soy productora, escritora y artista que combina ritmos
de hip-hop masculino con las melodías y armonías de los años sesenta femeninos: algo descarado y divertido. Esto va de chicas, ritmos y bajos. Yo produzco la música, la imagen y los vídeos. Todo lo que ves es 100 % mío.
¿Cuál crees que es la clave de tu éxito para que con cuatro canciones publicadas ya estés en boca de todos? He trabajado en esto sin parar durante casi
un año. Nunca espero a que alguien me saque las castañas del fuego. Hasta
ahora todo parte de mí para luego entregárselo rápidamente a mis fans,
creo que en un mercado saturado la velocidad es esencial. Ser capaz de
crear, diseñar y luego entregárselo al público me ha ayudado a mantener el
impulso. Aunque todavía tengo un largo camino por recorrer. ¿Para cuándo
un álbum completo? Mi álbum ya casi está. Solo estoy barajando la mejor
manera de lanzarlo. Publicaré alguna novedad más antes de que acabe el
año y el disco saldrá a principios de 2015. Fever Boy ha calado bien. ¿Crees
que tiene todas las papeletas para convertirse en uno de los hits de este
verano? ¡Espero que sí! Estoy sorprendida por la cantidad de gente que ha
conectado con la canción. Parte de una buena idea, es divertida y mantiene
las melodías veraniegas: todos los ingredientes están ahí. Me hace muy feliz
pensar que gente de diferentes partes del mundo está escuchando la canción. En América del Sur y Suecia está siendo muy popular. Fever Boy ha
adquirido una vida propia más allá de lo que yo esperaba. Este verano vas a
recorrer buena parte de los festivales europeos e incluso el español Vida
Festival. ¿Es tu sonido más apropiado para estos macroeventos que para la
sala pequeña? Mi show en directo es grande y ambicioso. Está lleno de energía y color y se adapta a un gran escenario para bailar. El sistema de sonido
ha de ser grande. Me encanta tocar en festivales porque te plantas ante un
público que en muchas ocasiones no ha escuchado tu música antes.
Personas diferentes, de todas las edades y orígenes están ahí reunidas por
su amor a la música. También es divertido tocar en clubes más pequeños,
pero en un escenario grande es donde realmente me siento en casa. ¿Qué
prima en la música de Femme, hacer bailar o hacer pensar? ¡Ambas! Hago
música pop para ganarme la vida. Me levanto cada mañana y me río a carcajadas de que soy capaz de sacar esto adelante. Mi música tiene un sentido del humor que la atraviesa. Siempre me ha gustado la música pop que
te transporta a otro lugar durante tres minutos con un sentido de la fantasía y el maquillaje exagerado. Espero que mi música produzca esto en las
personas que la escuchan. La música pop debe ser inteligente y hacer que
uno piense, pero también ha de ser divertida e ingeniosa. Dicen de ti que
eres la nueva MIA. ¿Cómoda con la comparación? Me encanta MIA, así que
es perfecto para mí. Creo que la mayoría de la música que hago es un poco
más convencional de lo que ella hace. Vamos a ver si la gente sigue viéndolo así el año que viene. Si me puedo sentar en un lugar entre el de MIA,
Madonna y Debbie Harry sería genial. ¿Cuáles son tus influencias artísticas?
Los grupos de chicas de los sesenta, tipo The Ronettes, The Crystals, The
Shangri... Siempre me han gustado las vocalistas femeninas potentes como
Dusty Springfield, Shirley Bassey y un montón de divas clásicas. Cuando era
niña, mis hermanos y yo pasábamos los veranos viendo musicales, así que el
teatro me ha influido también. Soy una chica de los noventa, por lo que TLC,
Envouge, No Doubt y The Spice Girls sonaban en mi equipo de música mientras crecía. Ya de adolescente, mi hermana mayor me acercó a los discos de
Weezer, Smashing Pumpkins y Placebo, así que supongo que incluso la
música rock ha dejado su huella en mí. Estoy influenciada por el pop art y el
movimiento surrealista. Artistas como Andy Warhol o Man Ray, y fotógrafos
como Tim Walker y Bert Stern me parecen muy interesantes y estimulantes.
El artwork de tus singles y los vídeos corren por tu cuenta… ¿cuesta poner le una imagen a la música? Cuando escribo música ya tengo una historia
visual en mi cabeza. Trato de escribir canciones creando personajes diferentes y dando forma a múltiples escenarios. Esto hace que se traduzcan en
vídeos o ilustraciones de una forma bastante sencilla. Para los videoclips
cuento con un pequeño grupo de amigos que me ayudan. Grabamos el
vídeo de forma rápida, odio las sesiones que se alargan, y luego lo edito.
Nunca tuve la intención de hacer mis propios vídeos. Para mí ha sido un
experimento, pero creo que ahora me resultaría muy difícil entregar los controles a otro director. Tendría que ser alguien muy especial. Tu proyecto en
solitario es un paso más en tu carrera, pero ¿en qué punto se encuentra
Ultraísta? ¡Ultraísta sigue viva! Solo estamos haciendo cosas diferentes en
este momento. Joey está de gira con Beck, Nigel está trabajando más duro
que nunca y todo mi tiempo se consume como Femme. Estamos trabajando en nueva música, pero no tengo ni idea de cuándo vamos a compartirla. Espero que no haya que esperar demasiado tiempo. Nos divertimos
mucho creando y promocionando ese primer álbum. Hasta el mismísimo
David Lynch hizo un remix de uno de vuestros temas… ¡Fue un honor! Es
un héroe para nosotros, así que contar con él y su remix fue un sueño hecho
realidad. Femme, mujer, dona... ¿te consideras embajadora del feminismo?
Creo que por defecto y de forma natural, cada mujer es embajadora del
feminismo, o debería serlo. Soy una mujer, por supuesto que soy feminista.
¿Embajadora? Eso no lo sé. Yo solo sé lo que sé, y sé lo que me gusta y me
gusta que me tomen en serio, por lo menos la mayor parte del tiempo.
de analógico a digital / Por Catalina Isis Millán
PLAID / REACHY PRINTS (WARP RECORDS)
Reachy Prints, el último disco de Plaid, es más tranquilo
que sus predecesores. Tras su paso por una IDM
agresiva y salpicada de miles de cambios estructurales
y rítmicos, Plaid nos recuerdan que siempre han tenido
un lado elegante. Los londinenses Andy Turner y Ed
Handley son una banda de largo fondo de la
electrónica: tras recibir su mayor reconocimiento en la
época del boom del electro-techno a través de
remezclas a conocidas artistas como Björk o Goldfrapp,
se han movido por instalaciones y performances, y han
desembocado en la producción de bandas sonoras.
Reachy Prints es un emblema de su música, el décimo
trabajo en una carrera de veinticinco años juntos. Su
single, Hawkmoth, trae unos Plaid luminosos que
desbriznan las entrañas de una simple melodía para
construir un paisaje sonoro. Más interesantes son el
palpitante Slam, perfecta compañía para una marcha
urbana; Tether, un corte salpicado de electro; o el
atmosférico Wallet, una delicia de glitch, skips y
melodías. Electrónica para los que saben escuchar.
CHROMEO / WHITE WOMEN (ATLANTIC / WEA)
Ponte unos zapatos cómodos y gomina en el pelo,
porque no vas a poder dejar de bailar. Y es que
Chromeo no son nada pretenciosos y han ido
mejorando su aproximación al disco funk ochentero
durante sus diez años juntos. Pasito a pasito se han
hecho un hueco en el mundo del dance hasta que su
tercer disco, Business Casual, les dio el empujoncito
necesario para subir a la cima: un tema en el FIFA 11 y
los aplausos de la prensa especializada. White Women
sigue con la tónica general de Chromeo: temas
bailables, de inevitable sonido retro, que suena
inmediatamente pistero pero no es especialmente
memorable. Y quizá sea eso lo que les aleje del
megaestrellato… pero ¡qué bien se lo pasan mientras
tanto! No me imagino poder grabar el sensual Lost on
the Way Home, el pop electrónico de Come Alive o los
momentos homenaje ochenteros sin llevar gafas
sombreadas, una camisa con grandes cuellos y una
copa de martini en la mano. David Macklovitch y
Patrick Gemayel son viajeros en el tiempo.
THE BLACK KEYS / TURN BLUE (NONESUCH)
El dúo de Ohio no se aclara mucho con qué tipo de
música quieren hacer. Lo sorprendente es que se
pasean con tranquilidad por el rock clásico, temas
nostálgicos, cortes bailables con toques funky,
psicodélico, blues o garaje y les sale bien. Porque Turn
Blue es un disco realmente variado que demuestra que
todo lo que suene a rock les vale a Dan Auerbach y
Patrick Carney para crear una canción potente y
compacta. Y funciona. No es un disco plagado de hits,
pero tiene sentido de principio a fin, y va modificando
su sonido (a veces dentro de la misma canción, Bullet
in the Brain o It’s up to You Now) para enganchar al
oyente. Fever es el nuevo tema pistero, con su
pegadiza melodía de sintetizador, mientras Turn Blue y
Waiting on Words son las grandes baladas. Está claro
que The Black Keys, gran nombre del rock
estadounidense actual, escuchan y conocen mucha
música, pero ¿averiguarán cómo defender, con las
piezas, su sonido propio?
LYKKE LI / I NEVER LEARN (LL RECORDINGS)
Atención, este artículo puede herir sensibilidades. Si
eres fan acérrimo de Lykke Li, pasa a la siguiente
reseña. De su último disco I Never Learn, Lykke Li ha
dicho que “me siento como si hubiera encontrado mi
voz”. Pues qué lástima, porque de esa vocalista
gamberra y popera que enamoró al público en sus
alocados directos con Youth Novels no queda nada.
¡Ay, qué bonito recuerdo esos días en que confundía a
Lykke Li con Little Dragon! A la joven sueca le han roto
el corazón y se ha mudado a Los Ángeles para grabar
su tercer disco, tras el éxito aplastante de Wounded
Rhymes (I Follow Rivers suena hasta en el hilo musical
de Consum). En alguna parte de ese viaje ha dejado el
entusiasmo, lo canalla y lo divertido de su música,
porque I Never Learn es una colección de baladas
sosas, con algún ligero toque de bonitas melodías,
donde parece que Lykke Li quiera imitar a unos
Cocteau Twins sin alma. Hermosamente aburrido.
DOUGLAS GREED / DRIVEN (BPITCH CONTROL)
Douglas Green se lo pasa bien haciendo música. La
música es algo serio, sin duda, pero de cuando en
cuando simplemente se divierte. Esto se nota en
Driven, un disco cambiante y variado donde cabe el
house de tintes épicos, heredero de Trentemoller o los
hermanos Kalkbrenner, hasta un techno juguetón y
desenfadado que mira con ojitos al hip-hop. Al fin y al
cabo, Douglas Greed lleva muchos años en esto de la
música. Con unos inicios que vienen de la producción
de eventos drum’n’bass & breakbeat, y habiendo
escuchado siempre en casa el pop más oscuro de los
ochenta, el alemán ha desembocado en un sonido
muy particular. Entre las canciones vocales, el épico
Driven otorga un tono serio al comienzo de un disco
que luego se sacude a través de diversos toques
macarra y guiños al electro. This Time es un excelente
y redondo tema para marcar la pista. Driven es una
peculiar colección de temas que exponen que
“segundas partes pueden estar bien”.
OLIVER KOLETZKI / I AM OK (STIL VOR TALENT)
¡Ay, qué chispa tiene Oliver Koletzki con el título de su
nuevo disco! I am OK es el cuarto largo de este
alemán, después de una carrera que empezó
meteórica con el éxito rotundo de su primer disco, Der
Mückenschwarm, que lanzó en Cocoon con ya 29
añitos. Oliver supo reconocer su suerte y no ha parado
desde entonces: sello propio, remezclas, giras
mundiales, vocalistas de excepción y un montón de
modificaciones en su estilo para adaptarse a los
tiempos. En I am OK escuchamos a un Koletzki en
evolución: hay algunos desacertados acercamientos al
disco que tanto suena en los clubs, con un resultado
más bien soso. Hay eficientes temas de house bailable
y, sobre todo en la segunda parte de disco, hay alguna
sorpresa más techno o electropop, con ciertos toques
depecheros. I am OK es un disco con cortes
preparados para la pista, pero también lo
suficientemente variado como para disfrutarlo en la
escucha. Vale, Oliver, eres OK.
COLD CAVE / FULL COLD MOON (HEARTWORM PRESS/DEATHWISH INC)
Los que os enganchasteis a Cold Cave con su
maravilloso Cherish the Light Years, que salió a través
de Matador hace tres años, os sorprenderéis al saber
que su creador, el estadounidense Wes Eisold,
considera ese disco una especie de venta de su alma al
diablo. Desde entonces Wes ha dejado Matador y,
antes de lanzar algo nuevo, ha querido recordar a su
oyente de dónde viene Cold Cave. Full Cold Moon es
una compilación de sus singles en orden cronológico y,
por ello, no tiene una coherencia musical lógica. Es
una colección variada de canciones, todas vistas a
través del prisma oscuro y sintético de los ojos de
Eishold. Los temas guitarreros, donde se pueden oír
referencias a The Sisters of Mercy del Vision Thing, son
los más flojos. Donde se desenvuelve mejor Wes es en
los cortes fríos y distantes de sintetizador, con
ocasional delicada grandilocuencia y un lugar especial
para los temas instrumentales: Cold Cave es uno de los
mejores exponentes de cold wave y minimal actual.
RÖYKSOPP & ROBYN / DO IT AGAIN (WALL OF SOUND/COOKING VYNIL)
La historia del príncipe y el mendigo... Robyn viene de
una familia de actores, lleva toda la vida en el mundo
del espectáculo y ha pasado por todas las formas del
pop hasta descansar, sin estar aprisionada por un sello
grande, en un electropop festivo y bailable, muy
mainstream. Röyksopp son un dúo de chavales que
empezaron a hacer una electrónica ecléctica y tuvieron
suerte con un encantador primer disco. Desde
entonces, Svein Berge y Torbjørn Brundtland no han
hecho más que crecer y, finalmente, ambos caminos se
han encontrado. La sueca y los noruegos presentan en
conjunto, y tras su colaboración en Junior, un epé
como presentación de su nueva gira. Do it Again es
una extraña colección de temas de electrónica, donde
las dos partes colisionan en un todo que contiene
desde un deep house con toques jazzeros, pasando
por techno macarra, synth pop soso y momentos
atmosféricos experimentales, hasta el plato fuerte: un
sencillo y accesible tema hiperpistero que arrasará este
verano. Se harán de oro, amigos.
news diseño y proyectos
WALDEN CONTEMPORARY
Walden Contemporary es un nuevo espacio ubicado en el barrio valenciano de Ruzafa,
dedicado a la difusión y exposición de obras de arte sobre papel y edición gráfica. Toma
su nombre de Walden, el clásico de Henry David Thoreau, y presenta dos líneas de
actuación: una galería de arte y espacio de proyectos para artistas e ilustradores, y un
lugar de edición gráfica que reafirma el papel como pilar fundamental del proyecto. En
su exposición inaugural han presentado el trabajo de Juan Cuéllar, cuya obra gira en
torno a la imaginería popular, utilizando los mass media y el cine a través de la
figuración, con un especial interés en la década de los cincuenta, principio y fin de la
modernidad. Una apuesta contundente por el soporte que distinguió las vanguardias
históricas del siglo XX. Un lujo. www.facebook.com/pages/Walden-Contemporary
MAS MAG
En mayo de 2014 ha nacido MAS MAG. Un nuevo
magazine lifestyle interactivo para iPad. Con una
línea editorial 100 % responsable y consecuente,
diseño rompedor y asombrosas interactividades, se
dirige a profesionales en constante movimiento,
muy inquietos culturalmente, interesados en descubrir las últimas tendencias sociales y culturales,
desde arte y diseño a gastronomía, viajes, tecnología, negocios o moda. Vista su primera edición,
nos esperan nuevas entregas que serán verdaderas
obras de arte interactivas. 100 % gratis en App
Store y disponible para deleitarnos la vista y el
tacto. Descargando... masmag.es
INTROVERSO 2
Esta maravilla de jarrón, que lleva por nombre Introverso 2, está realizado y diseñado
por Paolo Ulian y Moreno Ratti. Este jarrón
de mármol sólido y forma rectangular está
compuesto de laminas superpuestas. Si te
acercas, una segunda forma de jarrón clásico toma forma, casi como si se tratase de
un efecto óptico pero… ¡no! Los diseñadores dan a los usuarios la capacidad de esculpir el objeto con un simple martillo para de
ese modo descubrir la segunda forma. Es
un regalo simpático porque puedes destrozarlo sin realmente suprimir su utilidad real:
el ser un bonito jarrón de mármol. Una original forma de sorprender a tu abuela.
Único en su especie. www.cactusdesign.it
NUEVA WEB DE TOORMIX
El estudio de diseño barcelonés Toormix estrena web y renueva la presentación de sus proyectos. La homepage está dividida en dos partes,
la de Think y la de Design. A través de un discurso claro que se refiere
directamente a su metodología, “We Think, then Design”, organizan
los proyectos explicados a través del proceso, además de su visualización. De esta forma nos presentan una sección orientada a la publicación de artículos de opinión, y otra que incluye el porfolio de sus proyectos. Entre los últimos trabajos del estudio, el proyecto experimental
sobre Barcelona y el turismo que presentaron en el pasado evento
BCNMCR en Mánchester, la identidad de una productora y distribuidora de animación y el diseño expositivo de una muestra en Les Glòries
para el Ajuntament de Barcelona, entre otros. www.toormix.com
SOUTH 36-32N
South 36-32n está posicionado como uno de los festivales referentes en cuanto a moda y diseño gráfico independiente español. Tras
la octava edición, celebrada en Cádiz, la percepción mediática ha
sido más que óptima, dado el inmejorable vínculo entre continente
y contenido. El objetivo fundamental del festival es fomentar la producción y turismo cultural por encima de la mera exhibición, así
como crear un escaparate vivo, donde empresas, distribuidores,
clientes y seguidores de la moda y el diseño gráfico vean en directo las nuevas propuestas de los diseñadores y artistas. Desarrollan
intercambios comerciales, y fomentan así la actividad económica
del sector e impulsan el diseño de moda y gráfico de vanguardia.
www.south36-32n.com
HÁBITAT VALENCIA 2015
Entre los días 9 y 13 de febrero de 2015, en las instalaciones del recinto ferial de la Feria de
Valencia, se celebrará Hábitat Valencia 2015, una nueva edición que nos muestra las últimas
novedades e innovaciones relacionadas con el sector del mueble de diseño en sus diferentes
vertientes. Hábitat Valencia 2015 será un encuentro en el que se darán cita los mejores
profesionales y empresas relacionadas con el sector, y es para todas ellas un evento de casi
inexcusable asistencia, tanto por las novedades que en ella se podrán observar como por los
contactos que se podrán establecer. Diseño agrupado en diferentes áreas como pueden ser
Espacios de Vida y Plataformas de Producto. Uno de sus principales objetivos es contar con un
escaparate que muestre más oferta en torno al hábitat y que responda a las necesidades de
todos los perfiles de profesionales que visitan el certamen. Una feria de referencia dentro del
sector, que este año incrementará su duración un día más, para dar mayor cobertura a todas
las necesidades de los expositores y visitantes. www.feriahabitatvalencia.com
FDModa LCI Barcelona. Design thinking creativo
Texto: Rosario Muñoz / Foto: FDModa LCI Barcelona. Estilismo Esther Molina
Barcelona ha sido siempre una ciudad abierta al mundo, receptiva e innovadora. Cada año recibe multitud de estudiantes de todas partes del mundo
que acuden a ella en busca de formación, inspiración y futuro. Según el ranking elaborado por Global Language Monitor, tras analizar la información
de moda y tendencias de Internet y los mayores medios de comunicación a
nivel mundial, Barcelona ocupa la quinta posición en el Top Global Fashion
Capital. Compartir el top five de la capitales internacionales de la moda,
junto a Nueva York, París, Londres y Los Ángeles, subraya que la ciudad condal es un referente internacional de industria, formación y empresa en el
sector. Ese carácter vanguardista y estimulante de la ciudad es el que cultiva FDModa LCI Barcelona, institución líder en la formación de profesionales
de alto nivel para las empresas del sector textil, moda y diseño. Tanto si eres
un joven estudiante que quiere orientar su carrera hacia el mundo de la
moda y el diseño, como si eres un profesional con una trayectoria ya marcada o quieres dar un giro completo a tu situación actual, en FDModa LCI
Barcelona tienes la formación que estás buscando en todas las áreas del sector: diseño, estilismo, comunicación, márketing, gestión, complementos y
patronaje. Puedes acceder a una amplia oferta formativa a tu medida: títulos superiores de Diseño de Moda y Gráfico (grados universitarios), másteres y posgrados, posgrados con la Universitat de Bacelona, cursos de especialización o cursos de verano. La formación en FDModa LCI Barcelona está
basada en el design thinking y en la creatividad, un ejercicio continuo de
retroalimentación de tendencias, inspiraciones y vivencias. Por eso forma
parte del LCI Education Network, para que sus alumnos puedan completar
sus estudios en Europa, Asia, América y el norte de África. La escuela se convierte así en el primer campus europeo de la red de educación privada más
grande del mundo, lo que facilita la movilidad de docentes, alumnos y profesionales como una herramienta clave para educar en la reflexión, la creación y la experimentación a través de intercambios culturales y prácticas de
empresa. Por eso sus alumnos obtienen numerosos reconocimientos en concursos nacionales e internacionales y sus exalumnos están marcando su
lugar en las empresas del sector y poniendo en marcha proyectos propios.
Estudiar en FDModa LCI Barcelona es posicionarse en el sector y hacer de la
pasión por la moda y el diseño una carrera de éxito. fdmoda.com
VONDOM / AND
Experiencia espacial
Texto: Marta Solsona
Fundada en Valencia, esta empresa de mobiliario indoor&outdoor transmite
la frescura mediterránea con la misma pasión con la que diseña sus muebles, macetas y estructuras lumínicas. Siendo una empresa que distribuye a
nivel mundial, no descuida ni un milímetro su diseño con la misma delicadeza con la que selecciona sus materiales de una forma responsable y ecológica. No se puede pedir más, o sí, puesto que colaboran con grandes diseñadores de talla internacional como Stefano Giovannoni, Ludovica y
Roberto Palomba, Javier Mariscal, Karim Rashid, A-cero y Ramón Esteve,
entre otros. Vondom es más que una marca: es una experiencia para los sentidos. Son diseños innovadores, no solo por los materiales que seleccionan
y su filosofía sostenible, también por sus formas geométricas atemporales.
Así, predominan las líneas rectas, minimizando la complejidad y abstrayéndola hasta parecer sencilla. En esta ocasión, de la mano de Fabio Novembre,
presentan en la feria de Milán 2014 la colección AND. Toda una sensación
genuina del espacio. Icónica, geométrica y elegante, juega con los espacios,
las curvas y el vacío. Se componen formas, asientos y luces al aire libre, que
invitan a una nueva perspectiva del espacio y el infinito, la posibilidad de
buscar furtivamente la mirada del otro. AND, de curvas finas y sinuosas, que
pueden componerse con diferentes moldes, crea una composición suave y
acogedora que incita a quedarse en ella y dejar pasar el tiempo. Invita a
compartir el asiento o perderse uno durante horas. Sobria y minimalista,
AND es una pieza con personalidad propia. www.vondom.com
HELL’O MONSTERS
Más allá del valle de los monstruos
JÉRÔME MEYNEN, FRANÇOIS DIELTIENS Y ANTOINE DETAILLE, FORMAN EL COLECTIVO HELL’O MONSTERS DESDE HACE MÁS DE UNA
DÉCADA. CADA VEZ MÁS, SU TRABAJO PROFUNDIZA EN SUS INTERESES FORMALES Y CONCEPTUALES VINCULADOS A LA RELACIÓN
ENTRE ARTE CONTEMPORÁNEO Y STREET ART. EN SUS NUEVAS OBRAS, SERES MÍSTICOS SALIDOS DE SU PROPIO IMAGINARIO CONVIVEN CON VEGETACIÓN DIGNA DE EL JARDÍN DE LAS DELICIAS, DE EL BOSCO, BUSCANDO LA HIBRIDACIÓN PERFECTA, DONDE EL
BAILE DE MÁSCARAS ESTÁ SIEMPRE PRESENTE. COVER HISTORY (QUE PRESENTAN AHORA MISMO EN LA GALERÍA ESPAI TACTEL)
PLANTEA ALGUNAS IDEAS AL RESPECTO DE LAS APARIENCIAS Y LO QUE PODRÍA ESTAR DEBAJO. PASEN Y VEAN EL MUNDO ONÍRICO Y COLORISTA DE ESTOS PEQUEÑOS MONSTRUOS DE CIUDAD.
Entrevista: Tactelgraphics / Foto y obra: Hell’o Monsters
Os entrevistamos hace tres años en este mismo medio. ¿Qué tal os ha ido
desde entonces? Las cosas avanzan. No han cambiado, pero van a mejor.
Tres años es poco tiempo en el desarrollo de nuestro trabajo, pero todo va
a más, con proyectos más interesantes y complejos. Hong Kong, París,
Valencia, Bruselas… no paráis. Vuestra vida es de todo menos sedentaria.
¿Cómo lleváis este trajín de viajes y estancias relativamente cortas en otros
países? Nuestra vida no es tan agitada como parece. Es muy interesante viajar y tener esas estancias por otros países. Somos afortunados. Es genial y
estimulante conocer gente nueva y productiva como nosotros, relacionarse
con otras culturas. Cuando vamos lejos, como a Hong Kong con Agnes B,
nos quedamos más tiempo para tratar de descubrir más sobre el sitio en sí.
Actualmente estáis exponiendo en París con Agnes B (en el Project Room)
y en Valencia con Espai Tactel. Teniendo en cuenta la diferencia de espa cios, ¿cuesta mucho adaptarse? Para nada. Nos encanta cambiar de espacio. Siguen siendo galerías, solo cambian los muros, el espacio. En sitios
pequeños, como el Project Room de Agnes B, es genial para proyectos más
íntimos y concretos. Todas las diferencias son interesantes. Un espacio muy
grande nos permite cosas como la instalación o el wall painting. Pero,
bueno, nos adaptamos siempre. ¿Hacia dónde creéis que está dirigiéndose
vuestro trabajo? Está constantemente evolucionando. Es como un aprendizaje: tenemos una línea conductiva a la que somos muy fieles, cada vez más
sólida. Queremos seguir en el mundo del arte contemporáneo, donde nos
desenvolvemos muy bien, o eso creemos, jejeje. ¿En qué estáis metidos
ahora mismo? ¿Próximos proyectos? Tenemos un proyecto organizado por
Alice Gallery en Charleroi, una bienal de arte urbano donde pintamos un
mural de cuarenta metros. En junio, una colectiva en Marie Laure Fleisch,
en Roma, en torno al tema de la Historia del arte. En verano pararemos para
preparar la exposición en Delimbo Galería, en Sevilla. Además, ahora mismo
estamos trabajando con una agencia para otro tipo de proyectos más
comerciales. Es un no parar. ¿Es difícil coordinarse tres personas a lo largo
de tantos años? Después de más de diez años trabajando en común es cada
día más fácil. Hacemos que todo nos resulte lo más sencillo posible y nos
coordinamos a la perfección. ¡Ya son diez años! Una década. En este último trabajo tratáis el tema de la identidad por medio de los personajes
enmascarados. ¿Qué escondéis debajo de las máscaras? Personalmente no
creo que escondamos nada con las mascaras. Son personajes que creamos
de la nada, de nuestro imaginario personal y que nos resultan manipulables,
nos permiten crear un discurso. Detrás de la máscaras hay probablemente
otras máscaras pero nosotros desconocemos su significado. Esa es la intriga, eso es lo que mantiene en vilo al espectador. ¿Qué papel juegan las
redes sociales en vuestro trabajo? Para la gente de nuestra generación y las
venideras es el futuro. Es algo que usamos a diario, que nos permite un contacto diario con otros artistas y con el publico en general. Nuestros contactos a la hora de generar nuevos proyectos, por lo general vienen de las
redes sociales. Somos hijos de Internet. En la época actual obviar a las redes
sociales es abocarse al fracaso. ¿Algo que añadir? Sí, estamos encantados
de estar ahora mismo en Espai Tactel, nuestra galería en Valencia, con la
exposición Cover History hasta el 13 de junio de 2014. Y también muy contentos de volver a la ciudad del Mediterráneo donde se nos cuida mucho.
¿Sabéis cómo se hace una paella? ¿Y un gazpacho? ¡Sí! Totalmente:
pimiento, alcaparras, aguacate y huevo duro. ¿Habías dicho gazpacho o
paella? ¡Menudo lío! ¡Sobre todo sabemos como comérnoslo!
FOUNDATION LOUIS VUITTON
Una folie contemporánea en París
EL PRÓXIMO OTOÑO ABRIRÁ SUS PUERTAS AL PÚBLICO LA FUNDACIÓN LOUIS VUITTON. SE
TRATA DE UN EDIFICIO SITUADO EN EL GRAN JARDÍN URBANO DEL BOIS DE BOULOGNE, EN
PARÍS, Y CUYO AUTOR ES EL ARQUITECTO DE ORIGEN CANADIENSE, AFINCADO EN LOS ÁNGELES, FRANK GEHRY. UN ACONTECIMIENTO QUE SE ADIVINA MEDIÁTICO EN EXTREMO Y QUE
DARÁ PASO A LA POLÉMICA TANTO EN LOS FOROS ESPECIALIZADOS COMO EN LA CALLE.
Texto: Carlos Salazar / Foto: Foundation Louis Vuitton. Thomas Depin, Nicolas Borel
A sus 85 años recién cumplidos, el arquitecto autor del Guggenheim de
Bilbao vuelve a sorprendernos con un nuevo edificio abocado a convertirse
en un icono cultural de la capital de Francia. Ni siquiera él, que cuando
empezando de cero construyó su propia casa con 50 años, podía imaginar
hasta dónde iba a llegar su trayectoria profesional. Sin duda es toda una
ruptura con la racionalidad arquitectónica impuesta en el siglo XX, una
aventura personal que con el paso del tiempo se consolidará como un episodio clave en la historia. El lujo, el arte y la arquitectura se cogen de la
mano para ofrecer al público una interesantísima propuesta con el nombre
de Foundation Louis Vuitton pour la Création. Es un hecho destacable que
una industria privada dedicada a lo exclusivo invierta en cultura y educación
como complemento a la oferta de las instituciones públicas. Después de seis
años de espera, este complejo cultural acogerá una atractiva colección permanente de obras de arte moderno y contemporáneo, así como exposiciones temporales e itinerantes. También otras actividades multidisciplinares
tendrán cabida debido a las generosas dimensiones del espacio y su distribución, locales para reuniones y debates, además de un programa didáctico con propuestas educativas destinadas sobre todo a los más jóvenes. Este
extraordinario edificio cuyo recubrimiento de vidrio tiene geometrías que
recuerdan a un cúmulo de velas de barco, emerge entre los arboles como
aquellas maisons folies, pequeñas construcciones caprichosas típicas de los
jardines franceses del siglo XVIII. Aquellas servían exclusivamente para la
diversión privada y los escarceos amorosos de la clase alta. Ahora se trataría
de una gran folie –o utilizando el término español ‘capricho’– de un tamaño sin precedentes para el disfrute público y situada en un parque urbano.
Su envolvente luminosa y traslúcida, compuesta por doce grandes piezas,
enlaza perfectamente con la larga tradición arquitectónica parisina de construcciones de vidrio y hierro. Sus referentes más próximos son el Palais
d’Hiver y el Palmarium, cercanos al edificio de Gehry, o el más conocido
Grand Palais, junto a la Place de la Concorde. La propuesta arquitectónica
de Gehry es un atrevido diálogo entre la tradición y la contemporaneidad,
una reinterpretación del arquitecto de aquellos edificios históricos después
de pasarlos por el tamiz de su personalidad y quehacer artístico. Tal y como
viene siendo su metodología habitual, nos encontramos ante el resultado de
una investigación formal que arranca de la nada, sin prejuicios a priori, basada en innumerables dibujos aleatorios a mano y la elaboración de no pocas
maquetas a diferentes escalas. El trabajo manual y artístico de Gehry siempre va ligado a una tecnología informática punta que fijará todo el caos surgido durante la investigación inicial en un esfuerzo por desarrollar y acotar
técnica y económicamente los diseños y soluciones que harán posible su
realización. En este sentido el proceso de digitalización de la maqueta definitiva se hace mediante un programa de diseño aeronáutico adaptado al
ámbito de la arquitectura por el propio equipo de Gehry, llamado CATIA.
Después se introduce el modelo en una plataforma interactiva accesible a
todos los colaboradores (ingenieros, industriales, constructores), en un sistema de trabajo que permite la elaboración de un edificio virtual totalmente
construido como lo será luego en la realidad. Una característica común en
todos los proyectos del arquitecto es la búsqueda de nuevos materiales para
su aplicación en las pieles de sus edificios. En este caso el reto fue no tanto
la búsqueda de un nuevo material sino cómo llevar a cabo la ejecución de
su forma y conseguir la curvatura de la piel transparente del edificio.
Aunque las imágenes hasta ahora difundidas de este edificio solo son de su
exterior, podemos adivinar que Gehry jugará con la luz natural cenital para
ofrecernos unos espacios complejos llenos de riqueza visual que inviten a
relajarnos y disfrutar del arte en una promenade que tiene su continuidad
en el jardín que lo alberga. Gracias a esta iniciativa París añade glamour a
su paisaje como una de las ciudades más influyentes del diseño, la moda y
el arte. Después del edificio fallido del American Center en Bercy, Gehry
tiene una segunda oportunidad para asentar su presencia en una ciudad
que siempre merece la pena visitar. Él sigue dispuesto a estar en la brecha.
MONDO FAST FOOD
Texto y selección: Rosario Muñoz y Rubén Vidal
EN 2004 MORGAN SPURLOCK LLAMÓ LA ATENCIÓN DE LA COMUNIDAD INTERNACIONAL ACERCA DE LOS EFECTOS NOCIVOS QUE LA COMIDA RÁPIDA TIENE SOBRE NUESTRO CUERPO Y NUESTRA MENTE. DESDE ENTONCES LA INDUSTRIA DEL FAST FOOD SE HA ESFORZADO POR CAMBIAR
EL COLOR DE SU REPUTACIÓN ‘BASURA’ A UN TONO VERDE LECHUGA, PERO SU ESENCIA Y EL
ESTILO DE VIDA QUE REPRESENTA HAN PASADO A TENER UNA IMPORTANTE POSICIÓN DENTRO DE
LA CULTURA POP. EL CONCEPTO DEL FAST FOOD SE EXTRAPOLA AL MECANISMO DE CONSUMO
INCONTROLADO QUE EJERCITAMOS LOS HABITANTES DEL PRIMER MUNDO PARA SENTIRNOS
PARTE DE NUESTRO ENTORNO. CONSUMES A UN RITMO FRENÉTICO, LUEGO EXISTES. HAY UNA
CARA Y UNA CRUZ DE LA MONEDA, DESDE LA QUE DIFERENTES DISCIPLINAS CREATIVAS Y ARTÍSTICAS DESARROLLAN SU DISCURSO ESTÉTICO A TRAVÉS DEL SARCASMO Y LA PARODIA, Y QUE
INVITAN A LA REFLEXIÓN. LA CULTURA POPULAR EN TODAS SUS DIMENSIONES ABSORBE LOS RASGOS CARACTERÍSTICOS DE LA INDUSTRIA DEL FAST FOOD, PARA CREAR UN CONCEPTO ESTÉTICO
EN FORMA DE ARTE, MODA, DISEÑO Y DECORACIÓN DONDE LA REALIDAD DE LO ABSURDO Y LO
IRÓNICO IRRUMPE EN NUESTRA RUTINA, COMO UN GOLPE EN LA MESA, PARA LUEGO QUEDARSE EN LA COTIDIANIDAD DE NUESTRAS VIDAS. NO PODEMOS DEJAR DE SENTIRNOS ATRAÍDOS
HACIA AQUELLOS OBJETOS Y SÍMBOLOS QUE IRONIZAN SOBRE NUESTRAS PROPIAS MISERIAS. ES
EL SENTIDO DEL HUMOR DEL PRIMER MUNDO. VAMOS A CELEBRARLO.
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01. Nike Sportswear por Hemmendorff. hemmendorff.com / 02. McFancy por Access Agency. www.access-agency.net / 03. Banksy Caveman by Nick Stern. nickstern.com / 04. The
Untouchables por Erik Ravelo. erikravelo.info / 05. Honory Sausage de Birdies Skateboards. www.birdies-skateboards.com / 06. The Fancy Popcorn por Glenda López. glendalopez.es
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01. Death by Hamburguer, serie After Pop, 2001, David LaChapelle. www.davidlachapelle.com / 02. Jake & Dinos Chapman. The Sum of All Evil, 2012-13. wwwjakeanddinoschapman.com /
03. Moschino, otoño-invierno 2014-2015, Milan Fashion Week. www.moschino.com / 04. Crabzilla, diseño gráfico de Quentin y Thomas. fatandfuriousburguer.com / 05. Erwin Wurm, Kiss
(abstract sculptures) 2013. Cortesía del artista y de Lehmann Maupin. www.erwinwurm.at
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01. Meals Interrupted. Fotografía de Davide Luciano, Nueva York. www.davideluciano.com / 02. Contenedor de reciclaje Superfry, diseño de Hartovasilion. www.hartovasilion.gr / 03. Oncle Sam,
diseño de Laurent Berinaet y Pierre Bouvier y Paul Tubiana. Foto: Nicolas Genta. Exposición Low Tech Fatory, Universidad de Arte y Diseño Lausana, Suiza (máquina que muestra el proceso de
transformación de una palomita de maíz). / 04. Slow Wood, diseño de Studio Fludd. www.studiofludd.com / 05. The Sixties por Claes Oldenburg (Pop Art). www.oldenburgvanbruggen.com /
06. Vans por Colette y The Cobrasnake. Edición limitada 2012. www.vans.com / 07. Jeremy Scoot, otoño-invierno 2011/2012, Nueva York Fashion Week. www.jeremyscott.com
arte y expos
La androginia alienígena de Mauro Guzmán
Texto: Marisol Salanova
Studio Brócoli es una productora de proyectos artísticos que Mauro Guzmán
y Nancy Rojas dirigen en Rosario, Argentina. El ojo sideral es una saga de
vídeos que, en formato miniserie, han sido producidos bajo este sello para
abordar varias cuestiones relacionadas con distintos lenguajes en torno al
viaje y al concepto de alienígena. Se trata de cuatro episodios que combinan
la ciencia ficción con otros géneros a partir de relatos que despliegan nuevas
iconografías de lo extraterrestre en diálogo con la migración, la teoría queer
y la belleza del paisaje ajeno. Luna o naranjas es el capítulo que rige la
instalación de Mauro Guzmán expuesta hasta finales de agosto de 2014 en
el Espai d'Art Contemporani de Castelló (EACC) para mostrar los proyectos
premiados este año por las becas Hàbitat Artístic. Con una estética muy
cuidada, absolutamente impecable, como de cine indie actual, el vídeo
continúa la estela del rodaje anterior, que fue en Venezuela, pero no en
Caracas, sino en Mérida, cuyos paisajes no son tan conocidos, no están en
el imaginario colectivo integrados de la misma manera y por eso vale la pena
aproximarse a ellos. Al vídeo lo acompañan unos dibujos en colores flúor
que funcionan a modo de storyboard o guion gráfico e información relativa
a la productora porque, de hecho, la obra es una instalación que figura ser
la oficina real de Brócoli y toma parte de la sala para enseñarla. El guion está
ideado y escrito en la ciudad de Castellón: la obra no podría llevarse a cabo
en ningún otro lugar, según explica el artista, quien escogió tal enclave por
su geografía y la particularidad de su mitología popular. Luna o naranjas
comienza durante las fiestas de la Magdalena que conmemoran los orígenes
de la ciudad. Recuerda a la británica El hombre que vino de las estrellas
(1976), basada en la novela homónima de Walter Tevis (1963) y
protagonizada por David Bowie, que interpreta a un extraterrestre que llega
a la tierra en búsqueda de agua para su planeta. Así, Nancy Rojas actúa de
alienígena, que es una momia incaica caminando entre las montañas, como
el Starman Bowie pero en Chilches, y puede ser otro planeta hasta que el
espectador reconoce el entorno. Como en el mito de Supermán, a esta
momia protagonista de la historia la han metido en una nave para salvarla,
la han lanzado al espacio y ha llegado aquí extrañada, próxima a los
indigentes que se cruzan en su camino y que son unos outsiders, ajena a lo
que la rodea pero sintiéndose atraída. Su imagen andrógina refiere al sexo
alienígena como neutro, y cuestiona el género como algo culturalmente
impuesto, una constante entre los distintos trabajos del artista que, siempre
irreverente, nos incita a interrogar nuestra propia entrepierna. Luna o
naranjas. EACC, Castelló. Hasta el 31 de agosto de 2014. www.eacc.es
ABSTRACCIÓN BIOMÉTRICA
Rafael Lozano-Hemmer
PRELUDIO
Paco y Manolo
La muestra de Rafael Lozano-Hemmer, Abstracción biométrica, comisariada por Kathleen Forde, que ya estuvo expuesta en el Borusan
Contemporary de Estambul, reúne diez piezas del artista mexicano y
cocreador del Concurso Internacional de Arte y Vida Artificial VIDA,
Rafael Lozano-Hemmer. La exposición incorpora formas críticas y poéticas con el objetivo de sensibilizar al público y lanzarle preguntas que le
hagan reflexionar, basándose como siempre en el componente tecnológico. Las obras expuestas mezclan lo lúdico con lo crítico y el goce estético, y en ellas cobra una gran importancia la interactividad, puesto que
todas las piezas se activan con la intervención del público. Las nueve
obras, cuyo significado el visitante podrá ‘completar’ con su interacción
y que componen la exposición, son: Surface Tension, Pulse Room, The
Year’s Midnight, Bifurcation, Close Up, Reporters without Borders, Voice
Array, Pulse Index, Pulse Tank y Vicious Circular Breathing. Rafael
Lozano-Hemmer (México DF, 1967) es un artista electrónico que desarrolla instalaciones interactivas entre la arquitectura y el arte de la performance. Su principal interés se centra en la creación de plataformas para
la participación pública, alterando herramientas tecnológicas como la
robótica, la vigilancia computerizada o las redes telemáticas.
“Lo único que merece la pena vivir en la vida es la posibilidad de experimentar de vez en cuando un momento perfecto. Y tal vez incluso más
que eso, tener la capacidad de recordar esos momentos en su totalidad,
contemplarlos como joyas” (Paul Bowles, La casa de la araña). Todo el
trabajo de los artistas Paco y Manolo ha girado en torno a los mismos
temas: la fugacidad de los momento vividos, la intensidad del encuentro
y la oscuridad de la pérdida. Esta oscuridad, desde el punto de vista de
su propia existencia, fue el motivo principal de su anterior exposición en
Espai Tactel, de Valencia, y Addaya, en Mallorca, Memento Mori, donde
la sensación de "nos queda menos tiempo del que ya hemos vivido" dio
lugar a un trabajo mucho más oscuro y amargo. En Preludio, Paco y
Manolo trabajan los dos aspectos. Por un lado juegan con las imágenes
que nos enseñan la felicidad del momento vivido y las mezclan con reflejos y distorsiones para así convertirlas en espejismos. Finalmente, una
serie de imágenes, a la manera de los larvae convivalis, les animan a
aumentar esa sensación de felicidad, dando lugar a la fugacidad de la
existencia. Según los artistas, "la vida es el preludio de ese momento en
el que la pérdida (del amor, de la juventud, de la belleza) es el mayor de
los males a los que nos hemos de enfrentar".
Espacio Fundación Telefónica, Madrid - Hasta el 12 octubre de 2014.
Espai Tactel, Valencia - Del 27 de junio al 31 de julio de 2014.
www.espaitactel.com
espacio.fundaciontelefonica.com
arte y expos
EL TIEMPO Y LAS COSAS
Hanne Darboven
DESENGAÑO
Folkert de Jong
El tiempo y las cosas. La casa-estudio de Hanne Darboven constituye la
primera exposición individual en España de Hanne Darboven (Munich,
1941-Hamburgo, 2009), una de las artistas alemanas que mayor relevancia internacional han alcanzado desde su irrupción en el mundo del arte
a finales de los años sesenta. La muestra traslada a Madrid una parte
importante del taller de trabajo de Hanne Darboven en Am Burgberg, la
casa familiar de Hamburgo en la que vivió –salvo durante una estancia
en Nueva York a mediados de los sesenta– y que forma parte de su
leyenda. Además, acoge una selección de más de ochenta obras (seriadas y algunas inéditas). En su casa-estudio, Darboven no solo reunía sus
propias obras, sino que acumulaba también regalos de amigos artistas y
objetos de uso cotidiano, artesanía y souvenirs de todo el mundo, por lo
que recordaba más bien a un gabinete de curiosidades que a un estudio,
lo que nos traslada la idea del artista como coleccionista de objetos e
ideas, un fenómeno propio del fin de la modernidad. Muchas de las
colecciones de objetos que alberga la exposición pueden ser vistas por el
público por primera vez. La posibilidad de conocer el peculiar escenario
de trabajo de esta artista bávara permite ofrecer una visión más amplia
de su obra y profundizar en su singular cosmos creativo.
Exposición del artista holandés Folkert de Jong en la que nos muestra en
primicia su incursión en la cerámica y también algunas esculturas híbridas en madera tallada y bajorrelieves. Folkert de Jong es bien conocido
por sus teatrales y narrativas recreaciones escultóricas que abordan
temas como la guerra, la codicia y el poder tanto en la historia de la
humanidad como en el presente. La palabra ‘desengaño’ en el contexto
de la historia significa ‘desilusión’ o un ‘profundo sentido de transitoriedad’, que normalmente es experimentado después del colapso o el declive de los imperios. Sabiendo que eventualmente siempre hay un renacimiento del arte y la literatura después de cada colapso de un sistema de
poder, De Jong ve este tema como un punto de partida positivo para el
concepto de su exposición. Las esculturas de cerámica y las planchas de
madera grabadas nos remiten a las formas y técnicas artísticas más tradicionales. Ásperas y descarnadas como los materiales a los que se acerca, las piezas de De Jong encarnan un horror grotesco y un humor macabro que podría recordar la obra de los artistas europeos del siglo XX
Georges Grosz y James Ensor. La exposición cuenta también con la colaboración de la artista Delphine Courtillot, y recupera la utopía de las vanguardias artísticas, de una renovada búsqueda y sensación positiva.
Museo Reina Sofia, Madrid - Hasta el 1 de septiembre de 2014.
www.museoreinasofia.es
Luis Adelantado, Valencia - Hasta el 4 de julio de 2014.
www.luisadelantado.com
LA HERENCIA
Tito Pérez Mora
NIRVANA. 20 AÑOS
Chris Peterson, Kevin Mazur y Kirk Weddle
La herencia es la primera exposición individual de Tito Pérez Mora, incluida en el Festival OFF de PhotoEspaña 2014. Una reflexión en torno a la
herencia –genética, familiar, moral, material, intelectual...– o ese testigo
que recibimos, pero que no elegimos. La exposición incluye objetos,
fotografías, móviles y dibujos en los que se refleja lo que nos une y ata
al pasado, lo que recibimos, lo que dejamos, lo que soportamos y lo que
nos soporta. Huellas y rastros de antepasados que nos construyen como
personas o nos destruyen como individuos. Nacemos en un mundo
donde todo está determinado por quienes nos han precedido. Preguntas
que tratan de dar alguna respuesta, sobre lo que nos viene dado, sobre
lo no elegido; una carga o una liberación, que nos define desde nuestro
nacimiento y que, a lo largo de nuestra vida, tratamos de gestionar y
comprender. Elemento de disputas y acercamientos familiares, de separaciones y de encuentros. Es precisamente en esa contradicción y dualidad donde pretende hacer hincapié la muestra. El artista alicantino utiliza soportes que quieren desaparecer (acetato, vidrio, papel, piel...), para
dejar paso a un mensaje latente, sutilmente mostrado. El uso y repetición
de la palabra sobre diferentes soportes refuerza y ayuda a reconstruir el
imaginario sobre el que trabaja.
La exposición Nirvana. 20 años conmemora el vigésimo aniversario de la
muerte de Kurt Cobain, histórico líder de Nirvana, acontecida el 5 de
abril de 1994, y homenajea a este grupo musical considerado una de las
bandas más importantes de la era moderna. La Térmica desea celebrar
la aventura de esta banda de Seattle y de la escena musical grunge. Tras
sucesivos cambios en la batería, estabilizan el trío cuando se incorpora
Dave Grohl en 1990. El punto máximo del grupo llega con el lanzamiento del disco Nevermind, en 1991, que los sitúa en el olimpo de la historia del rock. Kurt Cobain inaugura una era y un estilo con desgarrados
pantalones vaqueros, pesadas camisas de franela y su pelo largo. Es el no
va más del antifashion o del Do It Yourself. La muestra presenta medio
centenar de obras pertenecientes a los fotógrafos Chris Peterson, Kevin
Mazur y Kirk Weddle, que ilustran este periodo que influye en la música
y en el estilo de vida hasta nuestros días. Con una fuerza encantadora,
las imágenes nos muestran ese mundo creativo libre de los condicionamientos de la industria que, quizás, hereda del punk toda su carga subversiva. Las fotografías de la exposición quieren, sobre todo, recorrer la
historia de una de las bandas más influyentes en los años noventa, y que
aun hoy sigue dejando huella en la música.
Twin Gallery, Madrid - Del 4 de junio al 5 de julio de 2014.
La Térmica, Málaga - Hasta el 25 de julio de 2014.
www.latermicamalaga.com
www.twinstudio.es
arte y expos
NOLAND
Bernat Solsona
LAS LÁGRIMAS DE LAS COSAS
Colectiva
Noland es un lugar imaginario dónde vive la gente que está siempre en
el camino, un espacio que a la vez es un recorrido. Esta exposición refleja la vida de los habitantes de este lugar presentando un relato de su
vida, su día a día, sus costumbres y su imaginario. Nos sumerge en un
mundo creado entre lo real y lo onírico, que nos transporta a un viaje
hacia esta realidad efímera. Mapas, colecciones de objetos, personajes,
animales, bosques, todo creado para reflejar esta cultura con el estilo
único de las ilustraciones de Bernat Solsona. El concepto noland, ‘la no
tierra’, surge de la necesidad de plasmar un momento vital, el recorrido
del artista. Este nomadismo existencial, el cambio y la búsqueda. A través de la ilustración, Bernat recrea sus sensaciones. Le gusta rodearse de
aquello que le inspira para crear la atmósfera que le llevará a plasmar su
idea. Sus ilustraciones no comienzan en un papel en blanco; antes han
pasado por bocetos en cualquier libreta hasta recortes de papeles que
compone a modo de collage, lo que llena sus obras de cierta calidez, un
punto exótico y a la vez espontaneidad. Bernat Solsona crea sumergido
en su mundo, un poco de música, pensar ideas, tocar el papel y dibujar
perdiendo la noción del tiempo. Se inspira de todo lo que le rodea, buscando un poquito de poesía en el día a día.
La Fundación Helga de Alvear presenta la exposición Las lágrimas de las
cosas comisariada por Marta Gili a partir de los fondos de la Colección
Helga de Alvear. La muestra reúne importantes obras de Ai Weiwei,
Thomas Ruff, Robert Mapplethorpe, Meret Oppenheim, Francis Alÿs,
Candida Höfer, Stan Douglas, Nan Goldin, Fischli & Weiss, Andreas
Gursky, Gordon Matta-Clark, James Casebere, Gabriel Orozco, Ed
Ruscha o Bernd & Hilla Becher. Los intersticios movedizos entre la fotografía, el documento y el objeto se han convertido en un terreno abonado para la fotografía contemporánea que explora tanto nuestro modo
de estar en el mundo como el propio estatus del medio fotográfico. Las
lágrimas de las cosas toma como pretexto la falsa apariencia de las cosas
para seleccionar una serie de obras que desplazan el lugar de las cosas a
fin de dar forma a nuevos relatos que difuminan la oposición entre privado y publico, interior y exterior, antes y después, objeto y sujeto. La
exposición se organiza en cinco ámbitos, abiertos e intercambiables:
Formas y tipologías, Apariciones y desapariciones, Espacios entre lugares,
Arqueología del poder y La melancolía de las cosas. No trata de encasillar obras y artistas, sino de evocar encuentros y desencuentros entre las
historias de las cosas representadas y las nuestras.
Miscelánea, Barcelona - Del 18 de junio al 6 de julio de 2014.
www.miscelanea.info
Fundación Helga de Alvear, Cáceres - Hasta el 11 de enero de 2015.
www.fundacionhelgadealvear.es
YOKO ONO: HALF-A-WIND-SHOW
Restrospectiva
VER VISIONES
Colectiva
Con casi doscientas obras distribuidas en varias secciones temáticas que
incluyen instalaciones, objetos, películas, dibujos, fotografías, texto,
audio y documentación sobre performances realizadas en el pasado,
Yoko Ono. Half-A-Wind Show es una retrospectiva que ofrece una visión
completa de la múltiple producción de esta artista pionera del arte conceptual y la performance. Las ideas, no los materiales, son el principal
componente de su obra. Muchas de esas ideas son poéticas y absurdas,
aunque otras son específicas y factibles. Algunas se convierten en objetos, otras permanecen inmateriales. Su obra refleja el sentido del humor
de la artista y su pronunciada actitud crítica y social. El punto de partida
de muchas de las obras de Ono se encuentra en las instrucciones, directrices orales o escritas que da al público, al que ofrece diversas sugerencias y asigna un papel mucho más activo de lo habitual en el mundo del
arte. Incluso muchas de las piezas podrían considerarse incompletas sin
la participación física o mental del espectador. En 1964, Yoko Ono publicó el rompedor volumen Grapefruit (‘pomelo’), que incluye muchas de
estas instrucciones. La muestra, que celebra el ochenta aniversario de
Ono, cuenta con algunas de las obras más significativas de la década de
los sesenta, primeras performances, obras en papel y objetos.
Ver visiones es la exposición que acoge el Centro del Carmen de Valencia
hasta el 13 de julio de 2014, comisariada por Álvaro de los Ángeles y
José Luis Pérez Pont e inaugurada en el marco del Día Internacional de
los Museos. Se trata de una nueva colaboración entre LaVac (asociación
de galerías de arte de la Comunidad Valenciana) y Consorcio de Museos
de la Comunitat Valenciana. Tras la selección de 21 artistas, representados por las galerías integrantes de LaVac, y la invitación a diez críticos de
arte de la Comunidad Valenciana, realizan un recorrido que reinterpreta
el presente a través de un diálogo simbólico entre las obras de los artistas y algunos ítems destacados del último barómetro de opinión del CIS.
Artistas: Art al Quadrat (Collblanc), Pilar Beltrán (Cànem), Bimotor
(Aural), Carmen Calvo (Benlliure), Jorge Carla (Cuatro), Equipo Realidad
(Punto), Bartolomé Ferrando (Galería del Palau), Josep Ginestar (Isabel
Bilbao), Damià Jordà (Misterpink), Lucebert (Rosalía Sender), Oswaldo
Maciá (Espaivisor), Hugo Martínez Tormo (Kessler Battaglia), Ángel Masip
(Parking Gallery), Miaz Brothers (Paz y Comedias), Roberto Mollá
(Trentatrés Gallery), Javier Palacios (Espai Tactel), El Roto (Alba Cabrera),
Amparo Tormo (Galería Thema), Lukas Ulmi (Set Espai d’Art), Darío
Villalba (Luís Adelantado), Enrique Zabala (Rosa Santos).
Guggenheim, Bilbao - Hasta el 4 de septiembre de 2014.
Centre del Carme, Valencia - Hasta el 13 de julio de 2014.
www.guggenheim-bilbao.es
www.consorciomuseos.gva.es
Fotografía: Alex Doucet - www.alexdoucet.net
Asistente de fotografía: Tamara Arranz
Estilista: Mar Pulido
Hair & Make Up: Cynthia de León
Making Of: Alienor de Sas
Modelo: Daniel Bamdad - Uno Models - www.unobcn.com
Traje ANA LOCKING, zapatillas REEBOK
Top ETXABURU, pantalón ANTONY MORATO
Izquierda: camiseta HERIDA DE GATO, chaqueta ANTONY MORATO, zapas CONVERSE. Derecha: chaqueta y shorts DIESEL, camiseta ANTONY MORATO, pantalones DIEZ DIEZ, zapas CONVERSE
Camisa HERIDA DE GATO, pantalones AA de Amaya Arzuaga, sandalias CAMPER TOGETHER by Bernhard Willhelm, gafas ANA LOCKING
Traje ANA LOCKING, zapatos DIESEL
Fotografía: Alex Doucet - www.alexdoucet.net
Asistente de fotografía: Tamara Arranz
Estilista: Mar Pulido
Hair & Make Up: Cynthia de León
Making Of: Alienor de Sas
Modelo: Tian Yi - Uno Models - www.unobcn.com
Camisa DIESEL, body LEYRE VALIENTE, shorts BERSHKA, camisa a modo de pañuelo BERSHKA, zapatillas REEBOK
Body LEYRE VALIENTE, jeans izquierda DIESEL, jeans derecha HILFIGER DENIM
Body ANA LOCKING, jeans BERSHKA, shorts CARHARTT, zapatos DIESEL, gafas ANDY WOLF
Chaqueta izquierda CARHARTT, chaqueta derecha TOMMY HILFIGER, jeans DIESEL, camisa CARHARTT, gafas RES REI
Cazadora a modo de vestido DIESEL, camiseta CARHARTT, jeans en la cabeza DIESEL
lo más de lo más
Ätakontu
Ätakontu es un colectivo formado por los artistas multidisciplinares Ibai
León y Sara Campillo, que residen y trabajan en Bilbao. Crearon este
proyecto artístico, basado principalmente en la serigrafía y la ilustración,
trasladando su trabajo gráfico a un soporte textil y siempre jugando en los
límites del arte/no-arte. Tras estar becados en diferentes centros de
producción artística y participar en diferentes certámenes y eventos de
diseño y moda como Ego Showroom Cibeles Fashion Week, South 36-32n
de Cádiz o Fitting Room Bilbao, decidieron a ampliar su proyecto, y en abril
de 2012 abrieron su taller-showroom en Bilbao. Han realizando acciones
para Vans en España y Portugal, customizando zapatillas y haciendo live
printing en eventos y festivales como el Bilbao BBK Live o el Festival
Internacional de Longboard de Salinas, compaginando siempre arte y
moda. ¿Su inspiración? La música, películas y series, la gente que los rodea,
la que conocen y la que no, todo plasmado en sudaderas, camisetas, jerséis,
camisas, polos, suéters, bolsos o zapatillas siempre con un punto de vista un
tanto pop e irónico. www.atakontu.es
Ilustración sexual hiperrealista
Juan Francisco Casas se dio a conocer hace cerca de una década por sus
hiperrealistas dibujos trazados con bolígrafos Bic –sí, habéis leído bien, boli
Bic de toda la vida–. Se graduó en Bellas Artes en la Universidad de Granada
en 1999, y en 2004 ejerció como docente de dibujo y grabado en esta
misma universidad. Tiene un sinfín de premios y reconocimientos, ha
realizado numerosas exposiciones y participado en las ferias de arte más
importantes del mundo, así como en casi todas las ediciones de ARCO
desde el año 2002. Ha expuesto en Nueva York, Miami, Chicago, Singapur,
Londres, París o México, entre muchos otros lugares. Su obra se encuentra
representada en importantes colecciones por todo el mundo. Su obra no
deja indiferente a nadie, tanto por la actitud provocativa de sus retratos
como por su delicadeza en todos los detalles. Obras de gran tamaño donde
generalmente las protagonistas son mujeres dibujadas de manera
hiperrealista en escenas de alto contenido sexual. Impactantes ilustraciones
plasmadas a la perfección del detalle, como si se tratara de fotografías.
Sensualidad congelada en el tiempo. www.juanfranciscocasas.com
Vans Livingoffthewall
Vans celebra el espíritu rebelde con su campaña Livingoffthewall, que
cuenta con todo tipo de alborotadores culturales. Este proyecto trata de
definir y compartir historias reales de personas extraordinarias que viven el
espíritu Off the Wall a través de los ojos de cuatro documentalistas. Cada
uno de ellos ha tenido total libertad para explorar e interpretar el significado
de vivir y sentir ese Off the Wall por medio de imágenes, desafiando la
aceptación cultural y derribando puertas. Se trata un fenómeno global y
cultural, de personas que viven sus propios sueños de manera intensa y que
trabajan, antes que por sus beneficios, por su pasión. Un viaje episódico en
el que podemos encontrar a personas que viven sus sueños a su manera y
que ponen una gran pasión en aquello que hacen. Estos minidocumentales
celebran la autoexpresión y nos harán prestarle atención a nuestro estado
de ánimo. Son testimonios desde diferentes puntos de vista del poder de la
imaginación global y cómo se analiza a través de una tabla de surf, del
punk, del arte, de un tatuaje o de un pincel. Diferentes visiones de la vida
contadas por personas reales. Una maravilla documental. offthewall.tv
Gore, tattoos y porcelana
Jessica Harrison ha ganado reconocimiento alrededor del planeta debido a
su especial obra, inquietante y provocadora a la par que maravillosa. Se
trata de una colección de las típicas muñecas de porcelana de toda la vida
que reproducen idílicos personajes de siglos pasados con diferentes
reinterpretaciones. Las colecciones de estas magníficas figuras de porcelana
han logrado que varios grupos de personas consideren a Harrison como una
de las artistas de culto de esta época. Una de estas reinterpretaciones es
puro gore, perturbantes mutilaciones y exposiciones de vísceras que
cambian radicalmente la concepción tradicional de estas muñecas. La
segunda colección se basa en el estilo de las suicide girls, uniendo el estilo
clásico de estas muñecas con diseños de tatuajes que crean una
yuxtaposición y diálogo entre lo clásico y lo moderno, entre lo delicado y lo
socialmente adverso. Un trabajo que modifica las apreciaciones sociales y
permite mayor amplitud y diversidad, además de romper estereotipos
sociales. En exposición hasta el 24 de junio de 2014 en Galerie L.J., 12 Rue
Commines, París. www.jessicaharrison.co.uk
SUSCRIPTION #LIVEARNETTE
¿Has soñado alguna vez con llevar una vida menos o nada convencional? ¿Te has preguntado cómo es la vida de un skater
profesional o de una banda de metal? Si es así, toma nota del hashtag #livearnette y prepárate para conocer las anécdotas de
skaters, surfers o músicos profesionales del Team Arnette España. Desde OCIMAG celebramos la última campaña de Arnette
regalando a los primeros suscriptores de nuestra edición #60 unas gafas Witch Doctor, uno de los modelos más icónicos de
la marca. Lentes y montura clásica que son realmente de otro mundo. ¿Te atreves a vivir una vida #livearnette? es.arnette.com
Consulta condiciones y suscríbete online: www.ocimag.com