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CURSO TEMATICO MUSICA UNIDAD I - CONCEPTOS GENERALES DE LA MÚSICA Lección 1. La Música Reseña y Concepto. Lección 2. Tipos de música y su relación en la sociedad. Lección 3. La música y la danza folklórica en Colombia. Lección 4. Elementos fundamentales de la música. UNIDAD I CONCEPTOS GENERALES DE LA MUSICA Lección 1. La Música Reseña y Concepto. La Música La música se sustrae (del griego: μουσική [τέχνη] - mousikē [téchnē], "el arte de las musas") es, según la definición tradicional del término, es el arte de organizar sensible y lógicamente una combinación coherente de sonidos y silencios utilizando los principios fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo, mediante la intervención de complejos procesos psico-anímicos. El concepto de música viene evolucionando desde su origen en la antigua Grecia, en que se reunía sin distinción a la poesía, la música y la danza como arte unitario. Desde hace varias décadas se ha vuelto más compleja la definición de qué es y qué no es la música, ya que destacados compositores, en el marco de diversas experiencias artísticas fronterizas, han realizado obras que, si bien podrían considerarse musicales, expanden los límites de la definición de este arte. La música, como toda manifestación artística, es un producto cultural. El fin de este arte es suscitar una experiencia estética en el oyente, y expresar sentimientos, circunstancias, pensamientos o ideas. La música es un estímulo que afecta el campo perceptivo del individuo; así, el flujo sonoro puede cumplir con variadas funciones (entretenimiento, comunicación, ambientación, entre otras. La música académica occidental ha desarrollado un método de escritura basado en dos ejes: el horizontal representa el transcurso del tiempo, y el vertical la altura del sonido; la duración de cada sonido está dada por la forma de las figuras musicales. Las definiciones parten desde el seno de las culturas, y así, el sentido de las expresiones musicales se ve afectado por cuestiones psicológicas, sociales, culturales e históricas. De esta forma, surgen múltiples y diversas definiciones que pueden ser válidas en el momento de expresar qué se entienden por música. Ninguna, sin embargo, puede ser considerada como perfecta o absoluta. Una definición bastante amplia determina que música es sonoridad organizada (según una formulación perceptible, coherente y significativa). Esta definición parte de que en aquello a lo que consensualmente se puede denominar "música" se pueden percibir ciertos patrones del "flujo sonoro" en función de cómo las propiedades del sonido son aprendidas y procesadas por los humanos (hay incluso quienes consideran que también por los animales). Hoy en día es frecuente trabajar con un concepto de música basado en tres atributos esenciales: que utiliza sonidos, que es un producto humano (y en este sentido, artificial) y que predomina la función estética. Si tomáramos en cuenta solo los dos primeros elementos de la definición, nada diferenciaría a la música del lenguaje. En cuanto a la función "estética", se trata de un punto bastante discutible; así, por ejemplo, un "jingle" publicitario no deja de ser música por cumplir una función no estética (tratar de vender una mercancía). Por otra parte, hablar de una función "estética" presupone una idea de la música (y del arte en general) que funciona en forma autónoma, ajena al funcionamiento de la sociedad, tal como la vemos en la teoría del arte del filósofo Emmanuel Kant. Según el compositor Claude Debussy, la música es "un total de fuerzas dispersas expresadas en un proceso sonoro que incluye: el instrumento, el instrumentista, el creador y su obra, un medio propagador y un sistema receptor". La definición más habitual en los manuales de música se parece bastante a esta: "la música es el arte del bien combinar los sonidos en el tiempo". Esta definición no se detiene a explicar lo que es el arte, y presupone que hay combinaciones "bien hechas" y otras que no lo son, lo que es por lo menos discutible. Algunos eruditos han definido y estudiado a la música como un conjunto de tonos ordenados de manera horizontal (melodía) y vertical (armonía). Este orden o estructura que debe tener un grupo de sonidos para ser llamados música está, por ejemplo, presente en las aseveraciones del filósofo Alemán Goethe cuando la comparaba con la arquitectura, definiendo metafóricamente a la arquitectura como "música congelada". La mayoría de los estudiosos coincide en el aspecto de la estructura, es decir, en el hecho de que la música implica una organización; pero algunos teóricos modernos difieren en que el resultado deba ser placentero o agradable. Lección 2. Tipos de Música y su Relación en la Sociedad El jazz: El jazz aparece en Estados Unidos, más concretamente en Nueva Orleáns, estado de lousiana en 1803,fecha en la que los estados Unidos compran a los franceses el estado de Lousiana.Nueva Orleáns esta situada en la desembocadura del rió Misisipi junto al océano atlántico, lo que convierte a Nueva Orleáns en un centro de comercio marítimo y fluvial. La población siempre esta preparada para la diversión, el crimen, la droga y la prostitución están al alcance de cualquiera y por este motivo proliferan los burdeles y bares donde no puede faltar la música, J.Story obliga a todos los prostíbulos y bares en una zona que se llama Storyville, zona que solo era visitada por gente de color y los criollos del lugar. Dentro del barrio habrá dos zonas, Uptown donde vive la gente de color y Downtown los criollos de lengua francesa, en ambas zonas, proliferan las bandas siendo instrumentos más solicitados, los de viento por su potente sonoridad. En 1917 las autoridades clausuran Storyville perdiéndose uno de los grandes centros del jazz situándose en Chicago estableciéndose otro centro posteriormente en el barrio negro de New York llamado Harlem. *Elementos o cualidades que definen el jazz: a) Uno de sus elementos más importantes es la improvisación que se realiza durante los breaks. b) Hay dos tipos de instrumentos. Los melódicos que son el saxo, el clarinete, la trompeta y la corneta. Los instrumentos rítmicos son el piano, el banjo, el contrabajo y la batería. Toda la banda de jazz tiene que tener un mínimo de tres instrumentos y un máximo de toda la orquesta. *Partes que integran el jazz: a) Espirituales negros: son cantos litúrgicos creados por los esclavos y sus descendientes como expresión del dolor de aquellos que perdieron su patria y la esperanza de volver a encontrarla. Musicalmente tiene forma responsorial, es decir, dialogo entre un solista y un coro. b) Blues: son canciones de carácter melancólico en las que se narra las dificultades sociales y económicas por las que atraviesa la vida de los negros. Consta de doce compases, utilizando la escala de blues que está formada por: Eran canciones interpretadas por mujeres acompañadas por un banjo o una guitarra. La primera cantante de blues fue Ma Rayne, casi siempre era acompañada por Louis Amstrong, esta mujer la sustituyo Bessie Smith cuya obra más famosa es “El blues de San Louis” a esta la sustituyo Billie Holliday. C) Cantos de plantación: son los entonados por los esclavos para hacer más llevadero su trabajo, suelen ser improvisaciones que toman como modelo el canto de los blancos y cuya característica más destacada es su fuerza rítmica que la hacen coincidir con los movimientos de trabajo. D) Ragtime: música que tuvo su origen en el interés de los pianistas negros, de clase media y con ciertos conocimientos de música clásica para copiar a las bandas de música. Se basa en un ritmo muy vivo teniendo todas las canciones una estructura de cuatro temas musicales de dieciséis compases en total que se repiten tres veces y terminan con una cada cuatro compases. La mayoría está escrito en un compás de 2/4.El principal compositor es Scott Joplin.A pesar de ser una música popular, los músicos de ragtime consideran que están al mismo nivel que cualquier compositor de música clásica. *Principales intérpretes de jazz: a) Louis Amstrong: nació en Nueva Orleáns en 1900 y murió en New York en 1971.Empezó tocando una corneta y término tocando la trompeta, cuando se claustro Storyville, Louis Amstrong se empleo en una banda funeraria (cuando llevaban al muerto a enterrar tocaban canciones religiosas y de carácter lacrimógeno, y cuando le habían enterrado canciones alegres). Después ingreso en la banda de King Crede y se llamaba Cróele Jazz Band, donde tenía el papel de 2º corneta. Ha pasado a la posteridad como uno de los más grandes trompetistas del jazz. b) Duque Ellington: nació en Washington en 1899 y murió en New York en 1974, ha sido junto a Amstrong la figura más destacada del jazz, gran pianista, trabajo principalmente como compositor y como director de orquesta. c)Ella fiztgerald: nació y murió en New York, cuando era pequeña canto en los coros eclesiales hasta los 18 años, edad en la que empezó a cantar en una banda de jazz junto a Amstrong y posteriormente también trabajo con Duque Ellington. d)Otros compositores: B.B.King (blues), Miles Davis (trompetista), Benny Goodman (clarinetista). *Músicas que derivan del jazz: En la segunda mitad del s. XX aparecen nuevos estilos: a)Swing: se crea en el 1939-1945 se caracteriza por ritmos bailables, por el empleo de la batería como instrumento solista y por la sustitución de temas folclóricos por otros más elaborados, nació en Kansas City y el principal compositor es Benny Goodman. b)Bip: aparecen en la segunda guerra mundial y se caracteriza por la libertad que tienen los solistas que tienen ritmos complicados llevados siempre por el bajo con la colaboración de timbales y tambores, aparece también en Kansas y el principal compositor es Gillespie. c)Cool: aparece como una reacción al estilo violento anterior con melodías y ritmos muy sencillos, el principal intérprete es Miles Davis (trompetista). d)Progresivo: considerado como la última derivación del jazz, busca el desarrollo hasta el límite de los efectos de sonido con grandes orquestas, destaca Charlie Parker. A partir de los 60 los gustos del público se decantan hacia el rock, los artistas de jazz se buscan orquestas más comerciales. El jazz ha influido en compositores clásicos como Gershwin en su obra “Rapsodia in blue” y “Un americano en Paris”. Rock and roll: El rock and roll es la mezcla de dos tipos de música: música negra apartada por el ritmo del blues y la música blanca aportada por las melodías campesinas del country. Aparece a mediados de los 50 en EEUU y al igual que en el jazz es creada por los negros pero son los blancos quienes se apoderan del invento y apoyados por una estructura económica, industrial y comercial se convierte en abanderados del nuevo estilo. Supone la primera cultura musical estrictamente juvenil. *Características del rock: -Se basa en el ritmo del blues y de la música country. -El músico de rock tiene ya una información de conservatorio. -Hay una intención explícita de romper con la manera tradicional de hacer música. -Este tipo de música se vale de todos los medios técnicos aportados por la electrónica como la guitarra eléctrica, el órgano eléctrico y la batería. *Principales compositores: -Chuck Berry -Ray Charle -Elvis Presley *Frases y estilos del rock: -1930-1950: Blues. -1950-1960: Rock and roll. -1960-1970: Pop ingles, Folk rock, Jazz rock, Country, Soul. -1970-1980:Heavy metal, Rock duro,Reage,Musica disco,Funk,Punk. -1980-1990:Tecno pop, New wawe,New age,Bacalao,Musica house, rap. *Década de los 60: -POP: el término pop es un término ambiguo que designa a toda la música comercial de amplia difusión entre la juventud. Surge en Europa y combina una melodía de calidad, con unos arreglos cuidados, unas voces impecables, una estética rebelde y el sonido del rock que imperaba esos años. Beatles (Lennon,Star,Mcartney y Harrison) surgen en 1962 en Liverpool y los Rolling Stones (Mick Jagger) con sonido más violento siendo sus actuaciones una continua provocación. -FOLK: está muy influenciada por la época hippy, se caracteriza por su carácter reivindicativo contrario a la guerra de Vietnam y a la sociedad americana de la época que influye en los músicos que dan más importancia al mensaje de la canción que a otro tipo de consideraciones musicales. Cuando el folk se mezcla con el rock da lugar al folk-rock el mensaje de las canciones es paz y no violencia. Aparecen los macro conciertos, el más importante es el Woodstod que dura tres días. Bod Dylan, Joan Báez. -MOD: quiere decir modernista, nace en Inglaterra. Los mods son jóvenes obreros muchos de ellos en el paro y que viven en los suburbios de las ciudades inglesas, la música es estruendosa, las guitarras eléctricas se amplifican al máximo, las baterías adquieren gran importancia y en la melodía destacan los “riff” que son motivos melódicos que se repiten constantemente. El texto refleja desesperanza hacia el futuro. Es música poco comercial y violenta. The Who fueron los primeros que rompían los instrumentos después de una actuación. -SOUL: surge como protesta de los negros ante la sociedad racista americana, tiene una técnica vocal heredada del Gospel, con una voz vigorosa y expresiva acompañada a base de “riff”. Steve Wander y Aretha Franklin son los máximos intérpretes. Esta música ha perdurado por su calidad vocal, sus cuidadas melodías y sus arreglos acertados y sin estridencias. *Década de los 70:se caracteriza por la protesta contra los estilos anteriores. -ROCK DURO: sigue la estela de la música mod inglesa como lo extravagante, lo estruendoso, la distorsión de las guitarras, los riff constantes, son las características de estas músicas. Destacan Deep Purple, Lez Zepellin, Iron Maiden y AC/DC. -ROCK PROGRESIVO: la base del sonido se construye a partir de teclados electrónicos, buscan siempre la máxima calidad en la interpretación. Destaca Pink Floyd. -PUNK: duro pocos años pero su estética a perdurado hasta nuestros días, se caracteriza por la falta de melodía, la exaltación del grito y cuanto más agudo mejor, la critica a la sociedad, el sonido duro y la importancia de los instrumentos amplificadores al máximo y que apenas dejan escuchar la voz del cantante. Destacan los Sex Pistols. -REGGAE: surge en Jamaica y está relacionado con la religión rastafari, esta música está marcada por la importancia del bajo que toca un único motivo melódico llamado riff, está escrito en un compás de 4/4 que acentúa la segunda parte y la cuarta, utiliza abundantes polirritmias, el tempo es lento y monótono. Destaca Bob Marley. -GLAM ROCK: combina la buena música con la teatralidad en el escenario. Destaca Elton John, Queen con Freddy Mercury, David Bowie, y Rod Stwart. *Década de los 80: -NEW WAWE: se caracteriza por el regreso al espíritu de los 60,a la sencillez compositiva pero con nuevas propuestas sonoras, líneas melódicas muy definidas, las guitarras se escuchan de forma muy clara y aparecen reforzadas por los sintetizadores. Se utilizan percusiones de nuevas cajas de ritmos programadas. Destacan U2 y Police con Sting. -MUSICA DISCO: música bailable que lleno las discotecas durante toda la década. Esta reforzada por películas como “Fiebre del sábado noche”(John Travolta).En esta música cabe todo lo que tenga un compás binario y se dedican muchos artistas porque es algo que genera muchos beneficios. Destacan Diana Ross, y Abba. -FUNK: música de baile, utiliza sintetizadores y cajas de ritmos, tiene un ritmo constante realizado por el bajo y las guitarras a modo de riff astinado. Cantantes de raza negra y destacan Michael Jackson y Prince. -RAP: nace en el Bronx y en Harlem, se caracteriza por frases habladas, ritmo trepidante y una entonación peculiar. Se imponen la moda de gorras de béisbol y la ropa ancha. Destaca Eminem. -HOUSE: es una evolución del rap que consiste en un trabajo técnico más que musical. Los ordenadores y sintetizadores muestrean todo tipo de música y la mezclan con una buena dosis de ritmo constante. El hecho de poder crearla en tu propia casa le dio ese nombre. *Década de los 90: -Bacalao: música maquina, tiene sus raíces en la música tecno y la disco. Su destino es la discoteca. Destacan los DJ`. -Folclore: es la ciencia que estudia la música, la danza y las tradiciones populares transmitidas oralmente. Es a finales del s. XIX o principios del s. XX aparece la figura del folclorista, que es la persona encargada de ir por los pueblos recogiendo las canciones tradicionales. *Elementos que definen la música popular: -Es fruto del pueblo o de la colectividad. -Es anónima. -Se transmite oralmente ignorando la escritura. -A lo largo de su transmisión va sufriendo modificaciones. -Se diferencia de la música culta en que da más importancia a los elementos rítmicos que a los melódicos. -El folclore se expresa siempre a través del canto o de la danza. -Las canciones folclóricas describen los acontecimientos o las diversas ocupaciones de la gente del pueblo. España es un país rico en folclore debido a que en ella han convivido culturas muy diversas: árabes, judíos... Cada una de las cuales ha dejado sus canciones, sus músicas, que han sido asimiladas por el pueblo. *Galicia: aparece su folclore en las cantigas Martín Codas.Viene condicionado por el uso de un instrumento típico llamado gaita. La gaita es un instrumento que produce sonido por el aire almacenado en un saco o fuelle, que al pasar a través de un tubo de caña. Del saco o fuelle sale otro tubo con seis agujeros que es el que ejecuta la melodía y con embocadura de lengüeta, de este saco o fuelle salen además otros dos o tres tubos llamados bordones, sin agujeros y que producen sonidos graves. Las dos formas más importantes son: -La muñeira: es una danza de seis por ocho, donde predomina el sentimiento. -Alborada: canción de ronda o canciones amatorias donde los galanes expresan su pasión o sentimiento a la amada. Se interpretan en los almacenes de los días de fiesta. Generalmente es de ritmo vivo y compás ternario. *La rioja: El baile más común es la jota, de ritmo ternario, se ejecuta por parejas, está estructurado en copla y estribillo, y se suele acompañar con el tamboril. La copla suele estar formada con cuatro o cinco frases. *Castilla y León: el folclore castellano se caracteriza por la sobriedad y el recogimiento propio de esas tierras. Revaluado a partir de falla, tiene una gran riqueza y variedad. Se pueden distinguir dos tipos: Cantos de romero: a)Siega: su función es regularizar los movimientos del trabajador durante el trabajo para aminorar la fatiga corporal y procurar un mayor rendimiento. De ritmo libre suele estar formado por dos o tres frases y sin estribillo. b)De cuna: cantos con los que se arrullan y duermen a los niños pequeños, se entonan a media voz, y suelen estar formado por cuatro frases sin estribillo. El ámbito melódico es muy pequeño generalmente un intervalo de 2º, aunque en alguna excepción puede llegar a un intervalo de 8º, su ritmo es binario. c)De ronda: con este nombre se designa tanto a los mozos cantadores como a los cantos mismos. Se ejecuta siempre en las noches que preceden a los días de fiesta. Generalmente es una canción de carácter amoroso aunque en algunas ocasiones exteriorizan odio y celos. Musicalmente las melodías están formadas por estrofas y estribillos de cuatro frases cada uno, la amplitud melódica es muy amplia, puede ser interpretado por un solista o por un coro o todas a la vez. La entonación es enérgica. -Tonadas y villancicos: aparecen en el s. XV con sentido profano, siendo su significado primordial el de canciones villanescas interpretadas por el pueblo. Formadas por estrofas y estribillo, se solían acompañar de instrumentos de percusión. Su carácter religioso aparecerá dos siglos más tarde. Los instrumentos del folclore castellano son la gaita, chirimía, tambor, tamboril, pito, castañuelas y dulzaina, siendo Agapito Mazaruela el que revitalizo el uso de la dulzaina. El baile típico es la jota, con las mismas características que en la rioja. *Extremadura: el folclore típico de Extremadura son las canciones de ronda, canciones de trabajo y las jotas (compás ternario y ritmo vivo).Los instrumentos típicos son la dulzaina, el tamboril y las castañuelas. *Andalucía: el instrumento típico de Andalucía es la guitarra (instrumento de cuerda pulsada, seis cuerdas, caja de madera estrechada en el centro con una boca, y un mástil con trastes, en la parte de arriba esta el clavijero con seis clavijas, estas cuerdas están unidas por el puente).El folclore de esta región es el flamenco, aparece a finales de s. XVII y principios del s. XVIII aunque su edad de oro es en el s. XX. -Características del flamenco: 1-Baile individual, aunque para escenificarlo se realiza por parejas. 2-No tiene grandes desplazamientos, bailándose en un espacio muy reducido. 3-Se improvisa mucho guiándose por el sentimiento del intérprete. 4-Se acompaña por la guitarra, que marca el compás. 5-Es sereno, elegante y concentrado en sus posturas. 6-El movimiento de los pies es fundamental. Se distinguen tres tipos: zapateado, punteado y golpes fuertes de pie contra el piso. 7-Esta muy influenciada por los gitanos. -Tipos de bailes flamencos: 1-Fandango: danza de ritmo ternario y movimiento vivo que se acompaña de guitarras y castañuelas, es típico de Granada y Málaga. 2-Bulerías: danza de compás ¾ típico de Jerez, Cádiz y Sevilla. 3-Sevillana: es la más popular, típico de sevillana, con ritmo ternario y muy vivo. 4-Soleares: danza flamenca con una introducción guitarristica. Típico de todos los lugares. 5-Saetas: canción espontánea y a capella, generalmente ante la virgen. *Aragón: la gran forma musical de esta región es la jota, su nombre deriva del verbo castellano soltar que quiere decir saltar y bailar. Musicalmente está constituida por una parte instrumental denominada variaciones, que están formadas por frases de ocho compases a los que anteceden cuatro acordes. Los danzantes marcan el ritmo con castañuelas y pitos, a estas variaciones les sigue una copla cantada a solo y a la que acompañan los instrumentos muy suavemente, la copla está formada por frases de cuatro o cinco compases cada una. Los instrumentos típicos de Aragón son las guitarras o guitarrillos, guitarrones, bandurrias, triángulos, castañuelas y panderetas. La jota aunque es propia de Aragón se ha extendido ya por toda España y la letra puede expresar todos los sentimientos y estados de ánimo. *Asturias: la danza típica se denomina danza prima, es un baile que tiene forma de romance y narra los amores de una infanta mora y un galán cristiano, y que intercala exclamaciones religiosas, Jovellanos describe la manera de bailarla en el s. XVIII, se baila en dos círculos concéntricos pudiendo existir otro de niños que están trabados por el dedo meñique, y se reúnen para bailarlo los días de fiesta alrededor de la iglesia, el hombre y la mujer más viejos guían el canto intercalando cada dos versos invocaciones religiosas, se acompañan por la gaita. Otra danza típica es el corrí-corrí que se baila el día de San Juan o el día de San Pedro y lo baila solo un hombre al que se le llama bailin, rodeado por mujeres, se acompaña la melodía por tambor y panderetas. Cultura y música Buena parte de las culturas humanas tienen manifestaciones musicales. Algunas especies animales también son capaces de producir sonidos en forma organizada; lo que define a la música de los hombres, pues, no es tanto el ser una combinación "correcta" (o "armoniosa" o "bella") de sonidos en el tiempo como el ser una práctica de los seres humanos dentro de un grupo social determinado. Independientemente de lo que las diversas prácticas musicales de diversos pueblos y culturas tengan en común, es importante no perder de vista la diversidad en cuanto a los instrumentos utilizados para producir s, en cuanto a las formas de emitir la voz, en cuanto a las formas de tratar el ritmo y la melodía y sobre todo- en cuanto a la función que desempeña la música en las diferentes sociedades: no es lo mismo la música que se escucha en una celebración religiosa que la música que se escucha en un anuncio publicitario, ni que la música que se baila en una discoteca. Tomando en consideración las funciones que una música determinada desempeña en un contexto social determinado podemos ser más precisos a la hora de definir las características comunes de la música, y más respetuosos a la hora de acercarnos a las músicas que no son las de nuestra sociedad. La mayoría de las definiciones de música solo toman en cuenta algunas músicas producidas durante determinado lapso en Occidente, creyendo que sus características son "universales", es decir, comunes a todos los seres humanos de todas las culturas y de todos los tiempos. Muchos piensan que la música es un lenguaje "universal", puesto que varios de sus elementos, como la melodía, el ritmo, y especialmente la armonía (relación entre las frecuencias de las diversas notas de un acorde) son plausibles de explicaciones más o menos matemáticas, y que los humanos en mayor o menor medida, estamos naturalmente capacitados para percibir como bello. Quienes creen esto ignoran o soslayan la complejidad de los fenómenos culturales humanos. Así, por ejemplo, se ha creído que la armonía es un hecho musical universal cuando en realidad es exclusivo de la música de Occidente de los últimos siglos; o, peor aún, se ha creído que la armonía es privativa de la cultura occidental porque representa un estadio más "avanzado" o "superior" de la "evolución" de la música. Otro de los fenómenos más singulares de las sociedades occidentales (u occidentalizadas) es la compleja división del trabajo de la que es objeto la práctica musical. Así, por ejemplo, muchas veces es uno quien compone la música, otro quien la ejecuta, y otro tercero quien cobra las regalías. La idea de que quien crea la música es otra persona distinta de quien la ejecuta, así como la idea de que quien escucha la música no está presente en el mismo espacio físico en donde se produce es solamente posible en la sociedad occidental de hace algunos siglos; lo más común (es decir, lo más "universal") es que creador e intérprete sean la misma persona. Música y religión Música Cristiana es la definición que recibe la música dedicada a Cristo. Es la música que se ha escrito durante los últimos dos mil años para expresar de manera, ya sea personal o comunitaria las creencias con respecto a la vida cristiana y la fe. Temas comunes de la música cristiana incluyen alabanza, adoración, penitencia y lamento, y sus formas varían ampliamente en todo el mundo. Bajo el título de música cristiana se engloba la gran diversidad de movimientos musicales cuyo contenido o motivación es principalmente cristiana. Al igual que otras formas de música su creación, funcionamiento, importancia, e incluso la definición de música cristiana varía en función de la cultura y el contexto social. La música cristiana está compuesta e interpretada para muchos fines, que van desde el placer estético, religioso o ceremonial, o como un producto para el mercado del entretenimiento. Lección 3. La música y la danza folclórica en Colombia. Definición de Folclor Folclor viene del vocablo inglés folklore, el cual está dividido en dos raíces, Folk: pueblo y lore: saber. "Para los folclorologos, el pueblo es aquel que posee supervivencias muchos siglos de duración, ya sean auténticas, sin mezcla alguna; o aculturadas, con diversidad de elementos en su conformación". El interés del pueblo es expresar supervivencias de hechos antiguas, sin importar la clase social o estamento. "El concepto loredel folclor ha sido definido como el saber popular. Se trata de la erudición del pueblo, representadas en las supervivencias de hechos antiguos que han penetrado profundamente y son vigentes en la mentalidad popular". Identidad histórico-cultural del pueblo colombiano Está conformado por: El indígena, el español y el africano. Su mezcla racial y cultural le asigna a Colombia un lugar especial entre las naciones tri-hibridas, de conformación especialmente mestiza. La primera sociedad histórico-cultural es la indígena o aborigen la cual tuvo vigencia durante varios milenios de años. Son pueblos asiáticos y oceánicos que desarrollaron su propia cultura. En el siglo XVI penetró la sociedad española con un sistema de vigencias, creencias, usos, tradiciones y formas de vida de la cultura occidental cristiana. Este dominio colonial tuvo vigencia durante los siglos XVI, XVII y XVIII. Durante los años del coloniaje otro elemento penetró en la cultura social de la etnia colombiana: el negro africano, traído en esclavitud. Este hombre se localizó en las costas atlántica y pacífica, valles del Magdalena y el cauca y regiones diversas de las minas y las haciendas. En el contacto de los tres elementos etno-culturales de Colombia encontramos dos etapas claramente diferenciadas: Etapa de deculturación: Con choque violento que llevó a la destrucción de gran parte de la cultura dominada y a la disminución de los pueblos avasallados. Etapa de aculturación: Se fusionan elementos étnicos y culturales, la sociedad española producto de la civilización occidental cristiana con profundas raíces en las civilizaciones griega y romana, hace contacto con las culturas aborígenes y posteriormente con los restos culturales negros absorbiendo algunos valores, e implantando un sistema de creencias y vigencias de gran dimensión. En el estudio del folclor colombiano se tiene en cuenta un factor surgido en el proceso de aculturación: el desajuste entre sociedad y cultura que acompañó el establecimiento de los españoles en el Nuevo Reino de Granada. La sociedad colonial se desarrolló en un nuevo ambiente geográfico, experimentando una adaptación a un medio social diferente, y siendo a la vez dependiente cultural de la península. Dichas etapas nunca llegaron a los niveles superiores de la sociedad, pues en ellos prevaleció la dependencia directa de España. De acuerdo con las regiones sociales el hibridismo presenta las siguientes diversidades: Cultura mestiza: localizada en los andes cordillerano producto de la fusión hispano-aborigen. Cultura mulata: localizada en las costa atlántica y pacífica y valles interandinos de ardiente clima tropical conformada por supervivencias negras, españolas e indígenas. Cultura mestiza e indígena: localizada en los llanos orientales. Cultura indígena: característica de la Amazonía colombiana; pueblos Tukano, Makú, Ticuna, Huitoto, Carijona, Kofán, Coreguaje y otros. Música en el folclor colombiano Las supervivencias musicales son aquellos valores tradicionales que han penetrado en el alma popular, la música folclórica es el patrimonio de las culturas populares dentro de las sociedades civilizadas. En las zonas costeras y en los valles interandinos se profundiza con las supervivencias de la música negra africana, y sus adaptaciones y mezclas con otros elementos en el espacio vital colombiano. La música folclórica se perpetúa por medio de la tradición oral; es colectiva, no existe en ella una distinción formal entre quien la compone, ejecuta y escucha; es vernácula es decir, nativa; es autóctona y tradicional, manifestándose continua y permanentemente. Ese espíritu de autenticidad popular se percibe en las fiestas campesinas, en los bailes de casorios, fiestas veredales, romerías, carnavales, fiestas tribales y otras manifestaciones de alegría popular. Melodía, ritmo y danza se han transmitido de generación en generación y hacen parte del saber popular colombiano. La música folclórica es de origen anónimo. Estos aires vernáculos son producto de la música trasculturada de diversos matices, adaptada por los sectores bajos del población que durante la colonia conoció los instrumentos, canciones y danzas de los salones aristocráticos españoles y criollos. Estos aires y danzas fueron adaptados por el pueblo a sus propios sentimientos, dándoles un ritmo propio mezclado en algunos casos con la tristeza aborigen y en otros con la alegría bullanguera de los negros. El anonimato de la música folclórica no se refiere a la obra particular sino al conjunto de sistema tonal, rítmico y armónico en que se articula; se considera en ella el movimiento en el tono, en el tiempo y la influencia recíproca entre las secciones individuales de la composición (forma); además se consideran otros aspectos como la dinámica, el color, etc. En la aculturación, la música española se difundió con fuerza y absorbió casi por completo a la música indígena. La música negra sobrevivió al unísono con la española, dejando las supervivencias y el carácter alegre y festivo, manifiesto en nuestro folclor costeño del atlántico y el pacifico. La música indígena sobrevivió aislada sólo en aquellas áreas donde los aborígenes no recibieron el impacto de la aculturación, son estos los indígenas diseminados en las selvas del amazonas, llanos orientales, litorales colombianos y diversas áreas de oriente y occidente. Supervivencias españolas en el folclor musical colombiano En su proceso de colonización y difusión cultural los españoles transmitieron sus cantos, danzas, aires musicales e instrumentos en todas sus colonias de ultramar. En las tertulias y fiestas de la aristocracia colonial en las veladas de las huestes conquistadoras, en las fiestas de diversión popular, en las haciendas y en las nacientes urbes coloniales, se conocieron los aires españoles. Una música con mezcla de alegría flamenca y andaluza, con la melancolía y cadencia castellanas y el misterio sonoro de la arábiga. En la época de los reyes católicos perduraban aún las canciones populares del Medioevo: romances, canciones dramáticas, canciones de danza, pastorela, canciones de alba, canciones piadosas, villancicos, etc. En el siglo XVI se caracterizó la canción acompañada en la vihuela y en la guitarra. En el siglo XVII fue popular la danza del ballo (aparece como supervivencia en el baile del tres del altiplano cundiboyasense). En el Chocó aparece como supervivencia la jota, donde se ejecuta con flauta, conunos, bombo y guasá. A principios del siglo XIX se habla del bambuco como baile criollo nacional. Instrumentos musicales: los españoles introdujeron la guitarra la bandola, el requinto, el tiple y demás variantes instrumentales de cuerda. También introdujeron la chirimía, especie tosca de oboe. En la época colonial y el siglo XIX las chirimías acompañaron las procesiones y coros de los templos. Los chirimeros eran a manera de heraldos que encabezaban los cortejos procesionales en las ceremonias religiosas y fiestas pueblerinas. Supervivencias de las chirimías se encuentran en Chocó especialmente en las procesiones y desfiles, así mismo en las plazas o en los cruces de las calles haciendo despertar espontáneamente el baile popular. La revolución musical que trajo los instrumentos de viento y caña en los siglos XVIII y XIX, cambio casi por completo las formas de música popular de los pueblos, los cuales fueron cambiando las chirimías y conjuntos por pequeñas bandas de música. En Colombia se da este movimiento a finales del siglo XIX y principios del XX, entre las más famosas bandas fueron conocidas las de Guatavita, Tunja, Girardot, Espinal , Aguadas, Sonsón, Medellín, Manizales y otras. Supervivencias indígenas en el folclor musical colombiano La cultura más desarrollada fue la chibcha o muisca del altiplano cundiboyacense. La mayor parte de esta música aborigen desapareció como consecuencia de la destrucción de los valores indígenas en la conquista española. La música aborigen colombiana y en general de la mayor parte de los indígenas americanos posee un carácter mágico-religioso ligado a danzas ceremoniales. En la Guajira encontramos la danza de la cabrita y de la chicha maya, en el Caquetá esta la danza del pono y en el Guainía los bailes de máscaras. Instrumentos musicales La maraca: instrumento y símbolo mágico en todas las ceremonias, cuyo poder se encuentra principalmente en las manos del chamán. Entre los aerófonos: trompetas, ocarinas y flautas. Los taironas hacían flautas con huesos humanos. Tambores, atabales, cajas: Los liles del valle del cauca utilizaron piel humana como membrana para sus tambores. Como supervivencia en la elaboración de tambores aborígenes encontramos algunos de las tribus indígenas del alto Chocó, la mayoría hechos en cuero de mico. La música une a los indígenas con el sol y la luna y demás divinidades, en sus esperanzas de triunfo guerrero y consuelo de la muerte. El estilo lento y melancólico y danzas chibchas parece que se reflejó en los aires folclóricos del altiplano andino y en especial en las guabinas, torbellinos y bambucos cundiboyacenses. Las supervivencias africanas en el folclor musical colombiano El negro africano apareció en la etnia y cultura colombiana a partir de la segunda mitad del siglo XVI. Procedentes de Sudán Occidental, Costa de Guinea y el Congo, los negros africanos portadores de las culturas Yoruba y Bantú, las más generalizadas en el Nuevo Reino de Granada, poblaron las costas Atlántica y Pacífica, el Chocó, los valles del Cauca, Magdalena, Patía y sus afluentes, las zonas aledañas a las minas de Antioquia, gobernación de Popayán y otras áreas de explotación minera y agrícola. Su presencia en estas regiones influyó en la conformación étnica de la población, costumbres, magia, religión música y folclor en general. Algunas culturas africanas se conservaron en estado puro, transmitiendo supervivencias africanas a los pueblos contemporáneos; otras se mezclaron con los indígenas y españoles, conformando nuevos elementos aculturados como se observa en el Alto y Bajo Chocó. En otros casos hubo resistencia a la imposición socio cultural española, es cuando surgen los denominados palenques, con ancestrales supervivencias negras africanas. La música negra es el elemento tradicional de ésta cultura que más se conservó a través del tiempo. Su carácter mágico-religioso facilitó su ajuste al nuevo entorno natural al cual fue sometido. Su mayor aporte al folclor colombiano, sin duda es el ritmo y la polirítmia, señalados hasta en el mismo gesto que hace el tamborero antes de dar un golpe en el parche. Los cantos negros se caracterizan por cierto juego de intervalos típicos, en los cuales a veces la melodía toma un giro hacia el agudo como esfuerzo inicial, y pasa al sonido grave, como reposo; en la misma forma se caracterizan por una forma modal escolástica, con una sucesión regular en los sonidos. El microtonalismo se hace presente en los giros ornamentales, como glisandos, repeticiones adornadas y otra gran variedad de ornamentos. Otras características en los cantos negros son entre otras: la forma diversa de expresar los gritos, a veces agudos y prolongados, con numerosas ondulaciones en la melodía, la forma de manifestar las cadencias y movimientos frenéticos, donde parece manifestarse el frenesí de la selva. Argeliers León en su estudio sobre " la música popular de origen africano en América Latina", considera que generalmente los cantos negros se presentan tanto para la colectivización, como para individualización, pues es un solista quien lleva inicialmente la melodía y es un coro monofónico o polifónico, el que hace las respuestas correspondientes. La danza es otro aspecto relevante de ascendencia africana, ésta se manifiesta como factor social donde la gente expresa sus sentimientos y exhibe su habilidad ante el grupo. Instrumentos musicales El tambor ocupa un lugar especial, ya que se conoció en estos territorios con un carácter esencialmente ritual. Los más importantes y reconocidos son: El conuno: registrado en el Chocó El Lumbalú: del palenque de San Basilio La Tambora: de Tamalameque También encontramos el sonajero de índole mágico-religiosa, y la marimba la cual es una variación de la existente en el Congo y el Níger. La música negra africana ha aportado numerosas supervivencias en el folclor de los litorales Atlántico y Pacífico de Colombia, siendo la más influyente en las fiestas y carnavales de la sociedad colombiana contemporánea. REGIÓN ANDINA Característica Social Como mencionamos antes la región del altiplano cundiboyacense alberga fuerte presencia indígena aculturada tras la conquista española. Siempre se distingue un aire de melancolía en la música de esta región, según parece consecuencia de la tristeza del indígena por causa de la conquista y colonia. Aires de la región Andina El Bambuco Es, sin duda alguna, la máxima expresión del folclore andino colombiano. Son muy variadas las versiones en cuanto a su origen, siendo quizás la más generalizada la de su origen africano, sostenida inicialmente por el escritor Jorge Isaacs en su libro "La María" y luego compartida por un importante número de investigadores, folclorólogos e historiadores sobre nuestra música. Tal versión dice que el nombre de "bambuco" fué tomado de la palabra "bambuk", nombre de un río de la región occidental africana, donde se bailaba un ritmo similar, pero de ninguna manera coincidente con el baile del bambuco colombiano que todos hemos conocido. Existen varias hipótesis acerca de la proveniencia del bambuco. La hipótesis indígena defiende la proyección de la música chibcha, por esencia triste en el ritmo lento de los aires folclóricos del altiplano andino. La hipótesis africana surge del maestro Guillermo Abadía que ha expuesto la tesis hoy muy aceptada sobre el nombre de la palabra "bambuco" con la cual se designa un instrumento de los negros antillanos; ellos llamaban "bambucos" a sus instrumentos caránganos, hechos en tubos de bambú. La hipótesis española: habla sobre la posible ascendencia vasca en el ritmo del bambuco; entre ellos El Zortzico que presenta ritmos ágiles, sueltos y alegres, que sirven de soporte a una melodía de acentos quejumbrosos que forman un contraste. Se encuentra la relación del bambuco con aires populares españoles, con adaptaciones muy propias a nuestro medio colombiano; de allí lo de folclórico. En las primeras décadas del siglo XIX ya se menciona el "bambuco" como un aire criollo de especial autenticidad nacional. Para el autor el bambuco viene del Currulao, deduciendo esto por la coincidencia que tienen los acentos en los distintos instrumentos, siendo la relación así: a. La melodía del bambuco suele empezar y terminar en el mismo sitio donde la tambora marca el golpe de aro o palito, además el bambuco exige ahí mismo el acento en sus frases. b. El golpe apagado del rasgueo en las cuerdas marca el mismo acento que los platos o el guasá en el Currulao. c. La guitarra o el Bajo en el Bambuco, evocan los mismos golpes del parche de la tambora en el Currulao. La conclusión del autor es que el Bambuco debiera ser escrito en compás de 6/8 de la siguiente manera: Si un tema que está escrito en 3/4 empieza la melodía en el primer tiempo, entonces en 6/8 ha de escribirse empezando desde la 5ª corchea. La cuestión es que ésta corchea siempre debe ser acentuada en la melodía y no la primer corchea del 6/8 como se puede suponer. Para otros investigadores su origen es chibcha y para otros es español. Y es desde Colombia que llega el bambuco a Centro América, las Antillas y México, debido principalmente a las giras de Pelón Santamarta por esas tierras con su dueto "Pelón y Marín". Después de varios años de residencia en Yucatán, Pelón Santamarta sembró en los músicos de la península mexicana el interés por nuestro bambuco, y fue así como surgieron una serie de conocidos bambucos mexicanos con la misma forma exacta del nuestro. En sus inicios el bambuco se interpretó con bandola, tiple y guitarra. Su canto es preferentemente para ser interpretado a dueto de voces, de los cuales han dejado profunda huella por su gran calidad instrumental y vocal. Poco a poco los compositores de cada nueva generación le fueron introduciendo orquestaciones más amplias y complejas, siendo así que en la actualidad se interpreta en todo tipo de conformaciones instrumentales y vocales. Desde un solista hasta una orquesta sinfónica y coro. Pereira, "la capital mundial del bambuco", realiza anualmente su "Festival Nacional del Bambuco" en homenaje al poeta de esa tierra, Luis Carlos González, quien es considerado como el más importante autor de poemas folclóricos que con música de los más destacados compositores colombianos se han vuelto bambucos. El Pasillo El pasillo es el aire y la danza de la libertad, pues se gestó como expresión de alegría en el trance mismo en que lográbamos la independencia de España. Es el encuentro entre dos ritmos y danzas de muy opuesto origen: el torbellino de nuestros indígenas y el vals europeo. Son diversas las versiones sobre el origen del nombre de "pasillo", pero las más repetidas coincidencias de concepto a este respecto son las que hablan de su derivación de la manera de dar pequeños pasos, o "pasillos", sus bailadores. El pasillo es uno de los ritmos más profundamente colombianos y un símbolo de mestizaje indo-europeo que nace en el instante en que se afirmaba jubilosamente el alma nacional con las gestas de independencia. Es un ritmo que se encuentra en casi todas las zonas geográficas del país: Desde San Andrés y Providencia, Chocó, Mómpox y toda la Zona Andina, con una gran autenticidad folclórica en cada una de ellas, lo cual se refleja en el uso de su propia organología y en sus figuras y peculiares estilos al danzarse. Es así como el pasillo isleño se interpreta con mandolina, tináfono y carrasca de burro, el del pacífico con una típica chirimía chocoana y el andino con los diferentes instrumentos típicos de la región. En el departamento de Caldas, encontramos las siguientes modalidades de pasillo: toriao, arriao, boliao, arrebatao, a lo desconfiao, sarandiao, a lo acostado y marcado. En el pacífico encontramos el pasillo Fiestero, Clásico, Parche y parche, Cajoneado, Barresala, Rebolao etc. Diferencias entre el Pasillo y el Bambuco Melodía: El bambuco posee un fuerte carácter lírico, está sujeto a frases cadenciosas y al ritardando. Típicamente es diatonal. Casi siempre sus melodías son muy melancólicas, remembrando el aire indígena de donde nacen. El bambuco y la poesía van de la mano. Los duetos vocales adoptaron al bambuco como su preferido. Suele empezar cada frase en el primer tiempo del compás 3/4 según la forma que lo escriben los tradicionalistas; por eso debe acentuarse ese pulso en todo momento. También es punto de llegada el mismo pulso del compás. También se agrupan figuras que coinciden con 6/8, generando hemiolas. La melodía del bambuco instrumental depende más de la armonía casi siempre delineando cada acorde, es decir moviéndose sobre los arpegios correspondientes. El pasillo es de carácter fiestero, las cadencias apenas se muestran en las introducciones o al final. El pasillo se hizo fuerte en formatos instrumentales, no vocales. Al ser instrumental sus melodías presentan fuerte uso del cromatismo. También delinea la armonía sobre todo en las cadencias de sección. Forma- Armonía: El pasillo presenta formas tripartitas, también puede tener una corta introducción. Su tratamiento armónico es más avanzado que el del bambuco (típicamente), debido a su carácter instrumental: sustituciones, préstamo modal. El bambuco es más típico en su forma de canción: introducción-Estrofas-coros- y algunas veces interludios instrumentales. Su tratamiento armónico es menos osado que el del pasillo (típicamente), presenta dominantes secundarias. Tanto el pasillo como el bambuco modulan de una tonalidad menor a su paralela como una constante típica de la música de la región andina. Acompañamiento: El pasillo está basado en una fórmula de acompañamiento compuesta de tres notas de distinta acentuación en este orden: larga, corta, acentuada. Admite gran variedad de ritmos: El instrumento rítmico-armónico no suele tocar en el primer tiempo, mientras el bajo casi siempre debe marcar el primer tiempo. Por su parte el bambuco presenta un acompañamiento de carácter más polirítmico: el instrumento rítmico-armónico marca negras con puntillo, acentuando la segunda, mientras el bajo toca en 3 y 1, según la escritura convencional de los tradicionalistas, siendo la del 3 stacatto. También hay bambucos que presentan una armonía sincopada, o donde unos acordes duran más que otros, generando un ritmo armónico irregular. Ver anexo: Bacatá de Francisco Cristancho. REGIÓN LLANERA Característica Social El hombre de los llanos expresa su identidad según las vivencias que experimenta. El llano en su historia ha pasado por distintos periodos en los cuales la violencia ha sido uno de los más ha marcado al llanero. En un comienzo los llanos eran territorios puramente indígenas donde se encontraban los Jirayas, Beyotes, Tunebos, Guayupe, Sae, Churoya, Mitúa, Tama, Camonigua, Piapocos, Sáliba, Otamaco y Chiricoa. Territorios como el Casanare fueron colonizados por jesuitas. Para 1850 llegan hacendados del oriente de Cundinamarca en respuesta del auge económico y fundan allí haciendas ganaderas. En ésta región también incursionaron venezolanos en busca de territorios propios. Poco se habla de la influencia de la raza negra traída por los colonizadores. El llanero se considera muy trabajador y empeñado en su labor de campo. La música tiene un marco festivo para las llaneros, de hecho la palabra joropo designa fiesta. En 1850 se reseña la presencia de instrumentos como el bandolín, el tiple, las maracas. Los conjuntos de cuerdas andinas eran el formato tradicional, para 1962 llegaría el arpa de la mano de Miguel Ángel Martín. Los golpes más conocidos del llano son: Gabán, Seis por Derecho, San Rafael, Pajarillo, Quirpa, Seis Corrío, Merecure, Periquera, Zumba que zumba, Juana Guerrero, Chipola y Joropo Joropo Tiene dos formas: por derecho y por corrío o corrido, según sea el acento que se otorgue dentro de los compases de la estructura rítmica. El joropo define las condiciones y formas cotidianas de existir y de entender el mundo desde el Llano. Su ritmo es ternario, compás de 3/4. Acompañamiento del Joropo El Bajo en el Joropo acompaña de la siguiente manera: si es por Corrido, usa blanca y negra como patrón básico. Si es por Derecho, usa silencio de negra seguido de dos negras. Las frases siempre se marcan cada cuatro compases, ya sea haciendo tres negras en ese último compás, o usando corcheas adicionales. Instrumentos El arpa llanera se conserva intacta tal cual el arpa feudal. El cuatro tiene su antecesor en la vihuela, pero ya no en función melódica sino armónica. La bandola llanera evolucionó de la badurria y del bandolín españoles e italianos. Los capachos eran las maracas indígenas más grandes. Antes era raro ver a mujeres cantando, hoy en día hay grandes exponentes femeninas del género. Actualmente se usa Bajo el cual hace lo mismo que el bordón del Arpa. REGIÓN DE LA COSTA ATLÁNTICA Ritmos: La Cumbia El nombre cumbia es apócope de la cumbiamba, término que tiene relación con la voz antillana "cumbancha", que en Cubasignifica jolgorio o parranda. Se derivan de la voz negra "cumbe", danza, es la más importante por ser una tonada de la región es la cumbia, aire zambo formado por melodía indígena y ritmo de tambores negros. La cumbia clásica nunca se canta y es solo danza y toque instrumental Es el resultado de la mezcla entre los ritmos indígenas, la gracia y picardía del negro. La cumbia es un ritmo lento y cadencioso, su melodía se ejecuta originalmente con flauta de millo y con gaitas. En el Atlántico para tocar la cumbia se usa la flauta de millo; que casi no es usada por los grupos que se dedican a este folclor la mayoría usan el pito atravesado llamado carrizo el cual tiene las mismas características de la flauta de millo pero es más fuerte en intensidad. La cumbia es el ritmo y danza que por haber tenido más repercusión internacional, identifica musicalmente a Colombia. El carácter africano de esta palabra se confirma en la confluencia de dos vertientes etimológicas: de una parte tenemos que la voz " kumba" fue un gentilicio y un toponímico muy extendido en África Occidental, desde el Congo hasta el norte de Guinea: y es así como Cumba fue un Reino del Congo. A su vez la raíz " kumba" está muy difundida en esta zona de África, al punto que entre los congos " kumba" significa gritar, hacer ruido, rugir; "kumbú" es escándalo, gritería " kemba " es irse de fiesta , y " kembala" es festejar, siendo "nkumbi" un tambor, y por su parte la palabra "nkumba" (que significa ombligo) está relacionada con la acción de la " ombligada" (o vacunado) de ciertos bailes como el de la "yuca" y cuyo significado es también "golpear" , aludiendo quizá al "golpe" reciproco de los ombligos contrapuestos en cierto momento del baile y de donde se deriva el "vacunado" del guaguancó, según ya vimos. Así como en Cuba de " ´cumbé" (baile de negros, o son al que se baila éste) se derivan los afrocubanísimos cumbancha, cumbanchear, cumbanchar y cumbanchero, de nuestra cumbia colombiana, a su vez, se desprenden cumbiamba y cambambero. Instrumentos de la Cumbia De Percusión Membranófonos: Tambora o Bombo, Tambor Llamador (Tambor Macho), Tambor Alegre (Tambor Hembra). Ideofonos: Las Maracas, El Guache. Aerófonos: El Pito Atravesado (Flauta de Millo, Carrizo, Lata o Carrucha). Gaitas (Hembra y Macho), Gaita Corta (Requinto o Machinbriao). Gaita hembra y macho Se fabrican de corazón de cardón llamado guamacho, un cactus típico de las zonas áridas al que se le coloca en el extremo superior un fotuto de cera de abeja provisto de una plumilla de pavo o guacharaca para insuflar el aire. Este Instrumento tiene los tres reinos (Reino vegetal, animal y mineral). El Reino Vegetal: Es el corazón del cardón. El Reino Animal: La pluma de pato o pavo. El Reino Mineral: El carbón que ligan con la cera en la cabeza de la gaita. La Tambora La Tambora es el ritmo representativo de la cultura de las regiones ubicadas en la Depresión Momposina y el Sur del Departamento de bolívar, extendiéndose a la parte sur de Magdalena y Cesar. Organológicamente el Conjunto Tambora, está integrado por la Tambora o Bombo, un currulao o tambor alegre, una cantadora solista, coro mixto que la acompaña con palmas o tablitas (gallitos) y modernamente los ideófonos, Maracas y guache. Rítmicamente comprende varios sones entre los que se destacan, la Tambora -Tambora, el Berroche, la Guacherna y el Pajarito o Chandé. El Porro Otro de los aires folclóricos de la Costa Atlántica colombiana es el porro un baile originalmente danzado por los negros esclavos en torno de los tambores de forma truncada y de una sola membrana llamados "porros". El porro antiguo parece que se tocaba en la Costa Atlántica con instrumentos indígenas complementados con el ritmo que hacia un coro a usando las palmas de las manos y repitiendo estribillos convencionales. El porro moderno recibió el aporte foráneo del instrumental de vientos, que es el que actualmente se baila principalmente en los departamentos de Córdoba y Bolívar. Existen dos variedades de porro que han sido estudiadas por los folclorólogos de la música costeña: El porro palitiao o gaita con ritmo lento, en cuya interpretación el bombo hace una pausa en los estribillos y en algunos momentos se golpea en el aro con dos palitos que llevan el ritmo a manera de cencerro, por lo cual algunos lo llaman "palitiao". La otra variedad del porro es "el tapao", llamado también "puya", en cuya interpretación jamás deja de sonar el bombo y a cada golpe se va tapando el parche opuesto con la mano, esto es, se oprime este parche opuesto para que no vibre más; y, a esta presión de la mano se le llama regionalmente tapar de allí el nombre de porro tapao que antiguamente se bailaba en forma suelta. El Fandango El Compa'e Goyo, compositor y poeta cordobés, explicó por qué se impuso la banda en la fiesta de corraleja, así: ... no hay pueblo en esta región que no tenga un día especial en el calendario del año donde festeje sus santos patronales, la re colección de la cosecha o su fundación. Siempre lo festejan con fiestas de corraleja y con fandango por la noche, como estas fiestas se hacen a la intemperie en una corraleja que tiene prácticamente una hectárea donde no hay acústica, vemos que el acordeón no suena como tampoco los pitos y tambores de los cañamilleros y gaiteros, entonces lo único que sirve es la banda, una banda conformada por quince músicos que llene toda la plaza, bandas que están tocando los porros nuestros, los fandangos, las puyas, los bullerengues, mapalés, cumbias gaitas; por la noche viene lo que se llama propiamente "fandango". El fandango es un ritmo rápido de compás binario 6/8. Presenta dos secciones en la melodía. Es de carácter instrumental y fiestero. Acompañamiento Para este ritmo me base en el tema Tres Clarinetes versión de Concurs Fanfares San Pelayo. La función de bajo está determinada por la tambora, por esto determiné las frases de dicho instrumento, definiendo tres frases claras, que se aplican para cada sección de la melodía. Se determinó usar un registro sonoro grave para dar efecto de tambora, usando varias notas en staccatto para que tenga un sentido más percusivo. Ver anexo Tres Clarinetes. REGIÓN PACIFICA Se divide en dos zonas: Pacífico Centro Norte, que va de las bocas del río San Juan hacía el norte hasta la frontera con Panamá, abarcando todo el departamento del Chocó, y Zona Centro Sur, de bocas del río San Juan hasta la frontera con Ecuador abarcando los departamentos de Valle del Cauca, Cauca y Nariño. Instrumentos Instrumentos autóctonos (de origen africano): Guasá (Pacífico Sur) Marimba (Pacífico Sur) Cununo (Sur y Norte) Flauta de Carrizo (Pacífico Norte) Tambora (Norte y Sur) Instrumentos influenciados (de origen europeo): Redoblante o Requinto (Norte) Platillos (Norte) Clarinete (Norte) Fliscornio, Bombardino o cobre (Norte) Pacifico centro norte - Chocó Origen Del Folclor Chocoano El origen del folclor chocoano en su mayoría es africano, con una mezcla española, puesto que casi la totalidad de sus componentes son de raza negra. El aspecto español lo heredó de los esclavos quienes después de las fiestas de sus amos empezaban a burlarse imitando sus danzas y bailes. El hombre chocoano es muy espontáneo en su folclor, lo vive, baila y danza con el alma, con el cuerpo, con el espíritu. El folclor chocoano es muy variado y abundante. El folclor musical en el Chocó se remonta a la época en que los negros se reunían en momentos de alegría, en los denominados "Bailes de Pellejos" porque eran las pieles de animales las que componían los tambores, el alma de la fiesta. Como el Chocó es un pueblo alegre, la música hace parte de uno de los aspectos más importantes de su vida. Existe en el Chocó un formato musical llamado Chirimía, compuesto por flauta, tambora, bombos macho y hembra, clarinete, bombardino y requinta o redoblante. Este formato se presta para las fiestas, ceremonias o procesiones callejeras ya que los ejecutantes pueden interpretar sus instrumentos mientras caminan. Sin embargo existe hoy día una variante en el redoblante, el cual es fijado sobre una base trípode llamada "pat'e gallina" a su vez en el borde del redoblante se instalan dos pequeños tambores -uno hembra y uno macho- un plato, una cajita china y un cencerro. Instrumentos Clarinete Instrumento musical aerófono de llaves con boquilla, de origen europeo, que en el Chocó remplaza a la flauta o corneta encargada de llevar la melodía. En la Costa Pacifica se usa sólo en el Chocó específicamente en las orillas del Atrato y San Juan. Bombardino Aerófono de metal, acompaña al clarinete o conjunto en el que lleva la melodía. Bombo o Tambora Membranófono, es un tambor mediano de dos parches de piel de animal con llaves de cabuya o bejuco de procedencia indígena (noanamá) cuyo cuerpo cilíndrico se saco de un árbol llamado balso. Requinta Es un redoblante más pequeño, a veces fabricado en forma globular utilizando una calabaza cortada, pero dotada de la cuerda vibrátil. En el Chocó se hace un tronco cilíndrico con dos parches, y sirve como acompañamiento en el conjunto de la chirimía; se toca con dos palitos semejantes a los que usan las bandas de música de origen europeo. Los platillos Instrumento de percusión de origen europeo. Los platillos son del grupo de los idiófonos, son de forma circular y se construyen en hierro. El guasa Es un instrumento idiófono típico del litoral o Costa Pacífica, se construye con guadua de 40 a 60 cms de largo aproximadamente por 6 u 8 cms a 10 cms de diámetro. Va sellado o cerrado, esto una característica de la nudosidad propia de la guadua, por el otro lado va sellado por una tapa de la misma caña o guadua, contiene adentro piedras, semillas, etc., su ejecución es en una forma diagonal moviendo arriba y abajo batiendo brazos. Marimba de Chonta También es de la Costa Pacífica. Se construye con tarros de guadua cortados de mayor a menor, se cuelgan en forma vertical y cubiertos por tablillas de chonta, que se golpean con palos protegidos con bolsas de caucho. Es un instrumento de percusión del grupo de los determinados ya que produce alturas sonoras, se utiliza para tocar melodías con un revés de acompañamiento. El Cununo Es un tambor de forma cónica originario de la Costa del Pacifico, posee cuero o membrana y está cercado en el fondo. El fondo del cununo de la Costa Atlántica esta abierto, esta es su diferencia, se construye cununo hembra y macho; el cununo hembra pequeño y el cununo macho más grande. Es un instrumento de percusión y pertenece al orden de los indefinidos. Flauta de Carrizo Es una flauta transversal, se construye del tallo seco de una caña de la región parecida al bambú , tiene como característica ser fibrosa por dentro y de fina textura por fuera. Existen ejemplares de diferentes dimensiones según la apreciación de quien lo construye y quien lo ejecuta. Su patrón es variado y el ideal es de 65 cms. 3 de diámetro y en cada dos perforaciones una distancia de 5 cms, aproximadamente. Expresiones Musicales del Choco El departamento del Chocó es rico en expresiones culturales y folclóricas que permanecen intactas debido a la preocupación de los nativos por conservar sus tradiciones. La mayor influencia viene de la cultura africana y, con el devenir del tiempo, se ha ido mezclando con la cultura indígena y a su vez con todos los aportes del mestizaje. En el Chocó los grupos humanos se forman en las riberas de los ríos, en pequeños poblados que viven de la minería del aluvión y de la agricultura del autoabastecimiento, como formas de trabajo independientes. El sistema de vida depende de la economía fluvial, principalmente. Aires Musicales Los aires musicales autóctonos, llamados "música negra", poseen una estructura rítmica sincopada y casi todos son Bimembres, lo que equivale a decir que presentan dos períodos. También se clasifican en la fórmula responsorial, propia de la música africana, en donde se escucha la Antífona, que lleva la estructura de preguntas con una melodía que normalmente hace un solista, y una respuesta de la que se encarga el coro. En esta forma cantaron y siguen cantando a los santos, a los patronos de sus veredas o municipios, a vivos y a muertos ya adultos o niños; a las tareas diarias y a un sinnúmero de acontecimientos. El canto es, en el negro, el ingrediente primordial para vivir; por ello posee condiciones naturales para hacerlo en forma primorosa, con un estilo único y muy peculiar. Currulao Este es el ritmo más destacado y conocido del litoral pacífico. Posee canto y danza con el instrumental típico (cununo, guasá y marimba). En la actualidad y en algunos casos se toca en el formato de chirimía. Es un ritmo binario y su compás más utilizado es el 6/8. La letra del Currulao hace referencia casi siempre a un lamento o a un suceso de la vida campesina del hombre chocoano. El patrón del Currulao al variar en su recorrido geográfico da origen a otros subgéneros aunque se denominan independientemente como "aire o golpe de "... Las voces utilizadas en el canto del Currulao se integran espontáneamente sin ningún esquema predeterminado. De este aire se derivan ritmos como el Bullerengue, el Bunde, la Juga, el Berejú, el Patacoré, el Abosao, arrullos y romances entre otros. El baile se desarrolla por lo general en la playa o a orillas de los ríos, donde hombre y mujer desarrollan un ambiente de flirteo sin rozarse. Se dice que es la danza que mejor sintetiza la herencia africana. La percusión del Currulao siempre posee carácter de diálogo entre cada instrumento. Dos tamboras interactúan así: Mientras una lleva una base más cerrada, marcando siempre los acentos propios del género, la otra realiza contragolpes a partir de la base, dando posibilidad de improvisar. Igual sucede con los cununos: uno es el marchante y otro el cantante o variador. La marimba de Chonta, su ejecución percusia y melódica modal se divide en dos segmentos, siendo el primero de "bordoneo" o base rítmico armónica y el segundo de "prima, repique o repicado" en el registro superior del instrumento. Por su afinación obliga la forma del canto, factor determinante para entender tanto la afinación como la internalice melódica del Currulao. Acompañamiento El bajo tiene varias posibilidades para funcione en el Currulao. Puede desempeñar una función rítmico armónica al igual que el bordoneo de la marimba. Por ende puede tomar estos patrones de acompañamiento. También puede tomar los patrones percusios de la tambora golpeadora o la de base, y al tiempo marcar la armonía. Al fusionarlo con la ambigüedad tonal de la marimba no presenta mucho complique. Ver anexo Patrones de Tambora para el Currulao. El Arrullo Se llama arrullo a las canciones de cuna, aunque en las veredas también las acostumbran a cantar en los guarí o velorios de niños y en las celebraciones de navidad. En estos casos pueden ser una o varias voces, siendo muy común el estribillo cuando hay coro. Es común encontrar a una madre o abuela cantando estos arrullos para hacer dormir a su pequeño; aquí le demuestran la ternura, el amor, y el deseo de suplir las comodidades materiales ofreciéndole un calor humano irreemplazable. Alabado El Alabado es el canto fúnebre en donde se emplea el diálogo, y se utiliza como alabanza a Dios Todopoderoso, a la Virgen, y a los santos patronos. Ha dejado de ser netamente religioso para formar parte de los festejos profanos, siendo muy difundido entre las comunidades de la costa del Pacífico colombiano. El término también se emplea para denominar oraciones cantadas propias de ritual funerario en los velorios, en los novenarios y en las fiestas de los santos católicos. Los hay de dos categorías: Mayores y menores. Los Mayores son para Dios y los Menores para la Virgen y los santos. Normalmente es interpretado por un grupo de Cantadoras y otro grupo de Respondedoras, y en algunos casos se emplea el solista, haciendo narraciones. Algunos lo asemejan y le dan el nombre de canto gregoriano negro. En el Chocó y en la costa pacífica en las velaciones a los santos patronos se usan los alabaos y en este caso se les llama Alumbramientos, los cuales sirven para dar gracias a los santos que han intercedido para que se den las buenas cosechas. Los hay cantados, rezados y bailados; éste último es el que se realiza en la fiesta patronal. El término alabado es genérico, de él provienen Las Salves, los Responsorios, El Santo y los Trisagios. Otra manifestación que se deriva del Alabao es el Gualí, y corresponde al canto utilizado en el velorio de los niños hasta los 7 años, de esta edad en adelante se canta Alabao. Lección 4. Elementos fundamentales de la música. Géneros y tipos de baile El baile se aplica a muchos géneros de música para que puedan ser bailables. Así mismo existen muchos tipos de bailes, así como variaciones de los mismos y creaciones nuevas, pero entre los más conocidos y populares cabe destacar los siguientes, pueden clasificarse en Clásicos y Modernos. Clásicos: Son aquellos bailes que se pueden apreciar por la mayoría del público, y que pertenecen a la cultura popular. Generalmente llevan movimientos y elementos armoniosos, suaves y coordinados. Estos bailes también se practican desde tiempos anteriores: Danzantes de Ballet Bailes de salón Bailes Folclóricos Danza Medieval, Barroca, Renacentista Patinaje artístico sobre hielo Ballet Modernos: Son bailes más actuales que los clásicos y que generalmente pueden ser apreciados casi por todo el público; pues la apreciación dependerá de muchos factores, como gustos musicales, calidad de vida y la cultura popular. Aunque esto también ocurre con los bailes clásicos. Bailarines de Danza contemporánea Rock and roll Pop Rock Salsa Tango Hip Hop Breakdance Danza contemporánea De éstos bailes, tanto modernos como clásicos, existen variantes con movimientos, características y elementos nuevos que hacen más diversos los géneros y así, todo tipo de personas pueda disfrutar y bailar lo que más le agrade. Elementos fundamentales de la danza La danza pues, es movimiento en sí y que se compone de diversos elementos fundamentales, los cuales se interrelacionan para así, lograr transmitir emociones al público y también para el mismo bailarín. Ritmo Expresión corporal Movimiento Espacio Color Una pareja bailando Rock and roll El uso predominante de uno u otro de los elementos del movimiento no es siempre parejo. En ciertos bailes predomina el ritmo, en otros el uso del espacio, etc. También es importante destacar que de acuerdo al tipo y género de baile, se acentuará el uso de uno u otro elemento. Cuando la danza se manifiesta con una intención determinada, diferente a lo que es el puro bailar o como el equilibrio estético que es el ballet clásico, se puede complementar con lo que se puede denominar "adicionales no danzantes". Éstos son cuatro: mímica, gesto simbólico, canto y palabra. La danza sirve para desarrollar los sentidos, la percepción, la motricidad y la integración de lo físico y psíquico de la persona. Coreografía Los elementos (movimientos) y características específicas de una danza, se utilizan para elaborar una coreografía, pero también pueden inventarse nuevos movimientos para crear una nueva coreografía y de igual forma pueden ser combinadas 2 o más coreografías. También se utiliza la coreográfica en ciertas situaciones, cómo, eventos o presentaciones artísticas las famosas coreografías en la cinematografía o el teatro. Baile urbano Baile Urbano La expresión “baile urbano” o "danza urbana", se refiere a ciertos eventos, performances y creaciones coreográficas, donde los bailarines bailan en pleno espacio público, como lo puede ser, en la calle, en una plaza, centro comercial, etc. Un claro ejemplo del baile urbano es el llamado breakdance, el robot-dance o el skateboard. Dentro de esta corriente se pueden enmarcar las experiencias de investigación de los 70, como las de Trisha Brown y Joan Jonas. También se practican otros géneros de baile, no necesariamente breakdance y parecidos. El sonido El sonido es la sensación que percibimos por medio del oído cuando éste es impresionado por medio del oído cuando es impresionado por la vibración sonora en cantidad y potencia proporcionada. El silencio es un equilibrio natural de importancia en la música, con los juegos de los niños se realizan juegos que pasan de situaciones de silencio al ruido. Cualidades del Sonido Los sonidos se caracterizan y se diferencian entre si, por sus cualidades. Altura La altura o tono es el elemento más característico del sonido y depende del mayor o menor número de vibraciones por segundo de un cuerpo, pueden ser Graves, si las vibraciones por segundo son reducidas y Agudos si las vibraciones por segundo son en gran cantidad. Intensidad La intensidad es la cualidad del sonido que depende de la amplitud de las vibraciones y oscila entre el fuerte y el suave. Timbre El timbre depende la cantidad y la calidad de vibraciones que componen un sonido determinado. Duración La duración es el espacio de tiempo dado a un sonido, en la música se indica mediante signos, llamados figuras musicales, tema de la siguiente unidad.