Download 21. Enumera algunas características del Nacionalismo musical. * El

21. Enumera algunas características del Nacionalismo musical.
* El Nacionalismo es una reacción contra la excesiva influencia del sinfonismo
alemán y de la ópera italiana en otros países.
* Implica un sentimiento de rebelión política, como en Centroeuropa o Rusia.
*Se basa en la asimilación por parte de los compositores de los caracteres
específicos del folclore autóctono que utilizarán para la composición (ritmos,
escalas, giros melódicos, estilo instrumental,...)
* Amor de los compositores por su patria y su lenguaje autóctono.
* Incorporación a la orquesta de nuevos instrumentos de percusión y nuevos
efectos coloristas en la orquestación.
* Se desarrollará fundamentalmente en el terreno operístico, que permite aunar
argumentos patrióticos o alegorías políticas, con ritmos nacionales y cantos populares.
Aunque también alcanzará gran importancia en el terreno del poema sinfónico.
* Recolección y publicación de canciones populares y cita ocasional de melodías
folklóricas en las composiciones, con un respeto por las particularidades modales que
caracterizan las melodías folklóricas.
* El recurrir al folklore lleva a estas músicas a lenguajes muy nuevos, dado que el
folklore se basa frecuentemente en escalas y armonías lejanas del mundo occidental,
como sucede en Rusia, o en historias y leyendas nuevas.
* Tiene una especial riqueza melódica.
22. Cita las principales escuelas nacionalistas.
Escuela rusa: Mikhail Glinka y el Grupo de los cinco (Mily Balakirev, César Cui,
Modest Mussorgsky,Nicolai Rimsky-Korsakov y Alexander Borodin). Piotr Ilich
Tchaikovski.
Escuela checoslovaca: Bedrich Smetana, Antón Dvorak, Leos Janácek
Escuelas escandinavas: Edward Grieg (Noruega), Jan Sibelius (Finlandia), Carl Nielsen
(Dinamarca).
Escuela húngara: Bela Bartok y Zoltan Kodaly.
Escuela española: Asenjo Barbieri, felipe Pedrell, Isaac Albéniz, Enrique Granados,
Joaquín Turina y Manuel de Falla.
Escuela inglesa: Edward Elgar, Gustav Holst y Ralph Vaughan-Williams.
EEUU: Georges Gershwin, Charles Ives, Aaron Copland.
América Latina: Héitor Villa-Lobos (Brasil), Carlos Chávez y Silvestre Revueltas
(México), Alberto Ginastera (Argentina)
23. Diferencias entre zarzuela grande y género chico.
Los elementos de la Zarzuela Grande podrían fijarse así:
- Normalmente constaba de tres actos, raramente dos y excepcionalmente uno.
- Van precedidas de un preludio que prepara el ambiente y permite la apertura del
telón.
- Este preludio va seguido de la entrada de un gran coro, generalmente de fuerte color
hispano con el que comienzan casi todos los actos.
- Los tres actos están compuestos por quince o dieciséis números de música, cinco o
seis por acto.
- Estos números son poliseccionales, es decir, con cuatro, cinco y hasta sies secciones
cada número. Cada sección implica cambios de tiempo y ritmo, y a veces de tonalidad.
- Existe un predominio del texto cantado sobre el hablado, y son frecuentes los temas
de carácter histórico español.
Los elementos del Género Chico podríamos fijarlos así:
- Un solo acto compuesto por cuatro, cinco o seis números de música.
- Se inicia con una introducción orquestal acompañada de un número coral
uniseccional, frecuentemente en compás de 6/8 o similares.
- Menor presencia de números corales y éstos, frecuentemente, al unísono.
- Por lo general, los números son más breves que en la Zarzuela Grande con una
poliseccionalidad menos compleja y con uso frecuente de la forma de canción estrófica.
- El número de personajes suele ser reducido, de tres a cinco.
- Carácter popular y claro predominio de elementos popularizantes en la música:
frecuencia de los compases de 3/8 y 6/8, dúos en terceras paralelas, decoraciones
hispanas, escala andaluza, etc:
- Uso escaso de concertantes.
- Uso restringido del virtuosismo vocal y menor exigencia en la extensión de la voz,
como fruto del paso del uso del cantor al actor cómico.
- Predominio del texto declamado sobre el cantado, temática popular y asuntos diarios.
24. Características generales de la tonadilla escénica.
La tonadilla es una obra escénica, corta divertida y satírica que pinta las
costumbres españolas. Suele terminar con danzas de carácter español.
Las peculiaridades de la tonadilla son:
* Se escenificaban en los intermedios de las comedias, o bien solas, y eran como una
especie de pequeña ópera cómica en un acto, de fuerte espíritu popular, y se
representaban en teatro y corrales de comedias.
* Estaban conformadas por un número variable de personajes, que desarrollaban una
acción muy simple de tipo cómico o satírico. Las había para uno “a solo”, o para dos,
tres y hasta seis y más personajes.
* Estos personajes eran los de la vida diaria de entonces: hortelanos, venteros, toreros,
lacayos, músicos, poetas, peregrinos, majos, etc., y la temática que los movía era
variada: amores, desdenes, celos, venganzas, desengaños.
* La estructura musical y dramática de la tonadilla solía ser tripartita: ABC. Es decir,
una primera parte donde se presentaba la idea o introducción, una segunda que son las
coplas y una tercera, el final, que solía terminar en una seguidilla.
* La tonadilla se inspiraba casi siempre en el folclore español, por lo que era una
música de características nacionales, con melodías y ritmo españoles. Usaba danzas
como la seguidilla, tirana, fandango, folía, etc., así como instrumentos hispanos como la
guitarra y las castañuelas.
25. Enumera algunas características del Impresionismo Musical.
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No trata de expresar emociones internas, profundas ni subjetivas, sino que pretende evocar
situaciones o momentos concretos.
La melodía, muchas veces pierde su sentido tradicional, ya que se convierte en breves
partículas motívicas. (a modo de pinceladas, como en pintura.). Debussy cultivaba una
melodía compuesta por frases fragmentarias que repetía frecuentemente.
Melodías sin una línea y periodización claras, lo que contribuye a crear una atmósfera sonora
imprecisa.
Falta de cadencias.
Con respecto al ritmo se busca ocultar el compás y liberar a la música de la “tiranía de la barra
de compás” (algunos compositores llegan a suprimir dicha barra de compás de las propias
partituras). Este fluir continuo de un compás a otro es muy característico de la música
impresionista.
Formalmente, el impresionismo se aleja de la herencia clásica. Esta vez la improvisación
marcará la estructura formal, la propia composición es la que va determinando la
estructuración formal, compleja y muy trabajada, basada en la superposición de frases,
periodos y secciones.
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La orquesta impresionista es amplia, a menudo se utilizará una gran orquesta pero no se
buscará una sonoridad total, sino que se recurrirá al uso de sordinas, grupos partidos… Se
buscan sonoridades nuevas lo que vendrá determinado por la influencia de las músicas
étnicas, conocidas por Debussy y otros músicos en la Exposición Universal de París de 1889.
Los músicos impresionistas también superponían, al igual que los pintores, colores puros,
dejando al oído del oyente la tarea de hacer la mezcla. También es muy utilizado el
contrapunto de timbres.
La armonía no será la clásica, sino que supondrá una ruptura con las reglas tradicionales:
Influencia de los modos medievales, sobre todo el frigio y el lidio. Trata de evitar que la
melodía se pueda definir como mayor o menor.
Uso de escalas exóticas como la pentatónica o la escala de tonos enteros. (la citada exposición
tiene mucho que ver con el uso de sonidos propios de otras culturas del planeta)
Emplea las triadas mayor y menor superpuestas.
Uso de acordes nuevos, o desplazados, los llamados Mixturas, también los acordes escapados.
Usa la disonancia sin resolver.
Se van a utilizar títulos poéticos o sugerentes como recurso para la evocación. Sirva de
ejemplo: Piezas en forma de pera, El mar…
26. ¿Qué es el Dodecafonismo? Cita los nombres y las obras
más importantes del Dodecafonismo.
Arnold Schoenberg (1874 -1951) llevó la ampliación del cromatismo hasta sus
últimas consecuencias: el rechazo de la tonalidad. Después de un período tonal, un segundo
atonal-expresionista, llega en su tercera etapa al Dodecafonismo. Con su obra Cinco piezas
para piano (1923) comienza el Dodecafonismo que consiste en como él mismo definió:
Composición con doce sonidos sin relación entres ellos, es decir, un sistema de
componer partiendo de los doce sonidos de la escala cromática que ya conocemos y
colocados en una serie.
Una vez conseguida la Serie Básica u Original con los doce sonidos de la escala
cromática organizados en el orden que el compositor considera necesario, la serie original
se presta a tres variantes fundamentales (que son procedimientos del contrapunto
tradicional, recordemos a J.S.Bach):
a) Inversión de la Serie Básica en movimiento contrario o de espejo.
b) Inversión de la Serie Básica en movimiento retrógrado o cancrizante.
c) Inversión retrógrada de la inversión de la Serie Básica.
No sólo Schoenberg se embarca en el Dodecafonismo, le siguen, y junto a él forman
la llamada Segunda Escuela de Viena: Alban Berg (1885-1935) y Anton Webern (18831945). Destaquemos algunas de sus obras:
* De Schoenberg: Cinco piezas para piano, Variaciones para orquesta, Un superviviente en
Varsovia, para recitador, coro y orquesta. Se trata de una cantata con texto en inglés, del
propio Schoenberg, que constituye un tributo a los judíos que perecieron en los campos de
exterminio nazi.
* De Berg: Sonata para piano, Concierto para violín.
* De Webern: Concierto para nueve instrumentos, Variaciones para piano.
27. ¿Qué es la música Aleatoria?
La Música Aleatoria surge en Norteamérica. Se basa en la utilización en la
composición del azar o de la indeterminación, es decir, un modo de componer
esencialmente intuitivo y nada sistemático.
Es aquélla en la que el autor no escribe o determina totalmente la música que hay
que tocar, sino que proporciona a los músicos unos “módulos” para que ellos, en el
momento de la ejecución, inventen o completen la partitura.
Precisamente el nombre de aleatorio viene de la palabra griega “alea”, que
significa dados, haciendo alusión a que en esta música, parte de ella se compone al azar,
según lo que en aquel momento le sugiera al intérprete.
John Cage (1912) es el artífice de esta nueva forma de composición:
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Búsqueda de nuevos materiales sonoros, insatisfecho con los instrumentos que
tiene a su servicio. Lo hace en obras como Construction, realizada con objetos no
convencionales, o en Paisajes imaginarios con curiosos recursos eléctricos.
Inventó un nuevo sistema de escritura musical (llamada escritura no
convencional), para adaptar los materiales inusuales que utiliza.
Concepción de cada unidad del sonido como independiente: no deriva de los
que le preceden o siguen y, por ello, sin propósito ni conexiones con otros.
Para conseguir lo anterior, hay que sacar al hombre de cualquier control del
sonido, haciendo que sean “ellos mismos”. Así se llega a la total
indeterminación. Surgen obras como Música para piano, en la que los intérpretes
inventan sobre ciertas notas propuestas y, según sus impulsos momentáneos.
28. Diferencias entre la música Concreta y la Electroacústica.
Música Concreta es la producida partiendo de sonidos existentes en el mundo,
es decir, por cualquier objeto.
Según Pierre Schaeffer, su inventor, está producida por objetos concretos
(cualquier objeto) y no por los abstractos, que serían los instrumentos tradicionales,
como el violín, el órgano, la flauta, etc. Una vez recogidos los sonidos del mundo real
en cintas magnetofóncias, los elabora con todo tipo de trucos, de tal forma que se
desnaturalicen y conformen una nueva realidad sonora. Los dos grandes compositores
de esta música: Pierre Schaeffer (1910) y Pierre Henry (1927), con obras como Sinfonía
para un hombre solo, Orfeo o Sinfonía para una puerta y un suspiro.
Música Electrónica es aquella en que se utilizan solamente sonidos producidos
electrónicamente. En ésta el sonido está producido por ruidos naturales elaborados
electrónicamente.
En la electrónica, el propio sonido es producido por sintetizadores o aparatos
electrónicos. El punto de partida de esta música es lo que se llama tono sinusodial, es
decir, el sonido puro sin armónicos, que es físicamente desagradable y que hay que
elaborar con aparatos complejos en un laboratorio. La música electrónica, al igual que la
concreta, se hace en un laboratorio (es el rasgo que comparten).
El primer concierto tiene lugar en Darmstadt (1951)y, en él intervienen Herbert
Eimert y Meyer-Eppler. Surge inmediatamente un compositor de gran importancia,
Karlheinz Stockhausen (1928), que compone en 1953 el Estudio I y otras muchas obras
como, Estudio II y el Canto de los adolescentes. Otro compositor atraído por esta
técnica es Ernst Krenec, que compone el Oratorio de Pentecostés.