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DEPARTAMENTO DE MÚSICA
PROGRAMACIÓN GENERAL
Para los cursos 1°, 2° y 4º de E.S.O.
Curso 2008-2009.
Jefe de Departamento :
Pedro Moreno Navarro
1
ÍNDICE DE LA PROGRAMACIÓN
PRIMER CICLO DE E.S.O.
Consideraciones preliminares:
3
OBJETIVOS GENERALES
EVALUACIÓN, RECUPERACIONES Y PROMOCIÓN
MATERIA, EVALUACIÓN, RECUPERACIONES Y PROMOCIÓN.
OBJETIVOS MÍNIMOS Y ADAPTACIONES CURRICULARES
ADQUISICIÓN Y/O DESARROLLO DE COMPETENCIAS
CONTENIDOS Y OBJETIVOS MÍNIMOS DE 1º
PRIMER TRIMESTRE
SEGUNDO TRIMESTRE
TERCER TRIMESTRE
CONTENIDOS Y OBJETIVOSMÍNIMOS DE 2º
PRIMER TRIMESTRE
SEGUNDO TRIMESTRE
TERCER TRIMESTRE
4
4
5
7
8
10
10
15
19
26
26
32
36
ACTIVIDADES PREVISTAS.
METODOLOGÍA 1º Y 2º DE LA ESO
OBJETIVOS GENERALES DE LA 2ª ETAPA
OBJETIVOS MÍNIMOS
PRIMER TRIMESTRE
SEGUNDO TRIMESTRE
TERCER TRIMESTRE
43
46
47
48
48
57
67
METODOLOGÍA en 4º de E.S.O
ANEXO I CONTENIDOS DE AUDICIONES
ANEXO II
EVALUACIÓN DE LAS PRUEBAS DE AUDICIONES
ANEXO III
PLANTILLA PARA ANALIZAR AUDICIONES
ANEXO IV
PRUEBA EXTRAORDINARIA SEPTIEMBRE Y PENDIENTES
73
75
81
82
84
2
PRIMER CICLO DE E.S.O.
Consideraciones preliminares:
Nuevamente nos encontramos en el presente curso con la preparación de materiales para los
contenidos cambiantes de asignaturas. En este caso afrontamos la elaboración del temario en los
niveles 2º y 4º de la ESO.
Ya en el pasado ejercicio nos vimos obligados a elaborar el del nivel 1º, que duplicaba el número de
horas semanales; así mismo se debió modificar el de 2º, dado que pasaría a similar consideración,
siendo un curso terminal, que había de enfocarlo de cara a la nueva situación que se plantearía en
los cursos siguientes.
El problema planteado por la sustitución de la Historia de la Música, desde 1º del extinto BUP en el
nivel coincidente después con 3º de la ESO, se planteaba que, la materia fundamental de la
musicología, se quedaba sin espacio o que habría que readaptarla a los niveles de 2º y/o de 4º.
La implantación escalonada de los nuevos horarios de las asignaturas dejaba, necesariamente, dos años
sin que se pudiera estudiar esta materia de Historia de la Música eliminada de 3º, a saber, el nivel
2º en los cursos 2006-7 y 2007-8.
Dado que en 4º la asignatura es opcional, se hace necesario incluir en el nivel 2º, en el que es
obligatoria, la materia antes impartida en 3º, con los correspondientes recortes y ajustes, dado que
en 2º no se tiene capacidad general para intuir la importancia de la presencia en la Historia de
logros artísticos de igual importancia a las demás artes.
Es obvio que tales estudios son más aptos para 4º, donde se venía recordando su tránsito histórico
profundizando en la Historia de la Música española. Pero por enésima vez se cambian los diseños
en este nivel, por lo que se propone una síntesis de lo que se estudiaba en 3º y en 4º.
En 1º de la ESO, se amplían o corrigen los tradicionales contenidos de lenguaje musical, géneros
musicales, instrumentos y agrupaciones, instrumentales y vocales, adelantando, merced a la
evolución, importantes aspectos que se desarrollarán en cursos siguientes. Valga como ejemplo la
importancia de la formación de la orquesta sinfónica, imposible sin las tendencias del Barroco y
sin la aparición y evolución de la sinfonía; de aquí surge la mejor música de nuestro tiempo, sin
duda plasmada en las bandas sonoras del llamado séptimo arte.
3
OBJETIVOS GENERALES.
Los estudios musicales de esta etapa van encaminados al contacto del alumno con el hecho
sonoro y musical, con un conocimiento suficiente del lenguaje musical y de los recursos usados para
su producción, para afrontar con elementos de criterio mínimo el estudio, comprensión e interpretación
de las obras de arte musicales y otras manifestaciones sonoras.
EVALUACIÓN, RECUPERACIONES Y PROMOCIÓN
El seguimiento de los conocimientos adquiridos por el alumno será directo en los ejercicios de
clase, escritos y orales, pues dada su elemental consistencia no suele tener problemas de
asimilación más que en alumnos de actitudes negativas.
Los textos a estudiar –características, definiciones, conceptos, etc.-, tendrán un seguimiento
con controles escritos frecuentes, para evitar la acumulación de contenidos extensos. Estos
conocimientos demostrados serán la base de las calificaciones en las evaluaciones
correspondientes.
La razón de ser de estudios sobre materias artísticas es la importancia cultural de las obras de
arte, por lo que tiene un indudable valor el conocimiento de las mismas, por encima de la
aproximación teórica y definiciones técnicas. Es por lo que los compact-disc que se facilitan a
todos los alumnos son un material de trabajo de indudable atractivo y de gran eficacia. Los
controles de identificación de obras musicales y de sus autores, además de ser extraordinariamente
formativos, aportan estadísticamente las mejores calificaciones en todos los niveles. Estos
controles van precedidos de un trabajo de análisis previo, cuyas pautas se suministran por escrito,
para destacar los perfiles auditivos de cada audición.
Es importante señalar que el objetivo de “aprender a escuchar”, tan necesario para la
persona, es de difícil evaluación; también lo es el grado de apertura al arte o la poesía que se
puede establecer, así como desarrollo de la sensibilidad en todas las direcciones que se pretende.
Es por esto por lo que queda al arbitrio del profesor evaluarlos y añadir créditos – no restar- a
calificaciones objetivamente bajas. Es por lo que la actitud del alumno será muy tenida en cuenta,
sobre todo si es positiva.
Las evaluaciones de alumnos con calificación por encima de Suficiente se establecerán
haciendo la media de sus resultados, con gran importancia de su evolución y con mayor peso de
las últimas calificaciones, considerando que la nota del último examen de temario hecho,
siempre tendrá doble valor de cara a la evaluación corriente, además de considerar su actitud,
nivel de participación y colaboración.
Las evaluaciones con resultados de Insuficiente serán producto de una nota media baja,
debida a niveles de aprendizaje por debajo claramente de los objetivos mínimos. No obstante, una
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nota media baja –Insuficiente-, puede corregirse al alza si las últimas notas son satisfactorias y se
evidencia un aumento en el interés, en el rendimiento y, en todo caso, su comportamiento.
Las recuperaciones de los alumnos cuyo rendimiento haya ido en aumento hasta alcanzar un
nivel de respuesta satisfactorio será considerada sin necesidad de exámenes específicos,
recuperando las evaluaciones suspendidas aprobando la siguiente si su nota anterior no es de 2 o
inferior. Aquellos que no tengan calificaciones satisfactorias en los niveles 1º, 2° y 4° de E.S.O.,
podrán acceder a un examen de suficiencia al final del curso.
Los alumnos con la asignatura pendiente de un curso anterior recuperarán ésta aprobando una
evaluación de las tres del curso presente. De no conseguirlo, tendrán prueba extraordinaria para
ello en las primeras semanas de la segunda evaluación. Si aún persiste la insuficiencia, podrán
presentarse en el examen final del curso en cualquiera de los grupos del nivel pendiente.
La evaluación final tendrá como referencia principal los Objetivos Mínimos establecidos más
adelante, los cuales sirven de guía útil para reconocer los niveles establecidos. La promoción del
alumno será propuesta: 1 en base a sus conocimientos; 2 en base a sus posibilidades, en el curso
siguiente, de recuperación si su actitud merece esta consideración; 3 si sus circunstancias
personales y si su actitud es avalada por el Equipo Educativo.
Advertencia sobre los exámenes.
Cuando un alumno falte justificadamente a un examen, deberá hacer el mismo en la siguiente clase a la que asista, previa justificación de
la falta y a petición propia del interesado, excepto si el examen es de audiciones, para el que habría que programar una prueba de
recuperación específica.
Extracto que se entrega al alumno sobre las consideraciones anteriores:
Materia, evaluación, recuperaciones y promoción.
Sobre la materia, evaluación, recuperaciones y promoción.
La materia
Los textos a estudiar –características, definiciones, conceptos, etc.-, tendrán un seguimiento con
controles escritos sobre un temario de contenidos mínimos, elaborado por el Departamento, supliendo
con medios audiovisuales excelentes, la mayor extensión y peso de un libro. El número de exámenes sobre
el temario no será inferior a nueve. Serán las notas principales junto a las de audiciones.
Audiciones
La razón de ser de estudios sobre materias artísticas es la importancia cultural de las obras de arte. Es
por lo que los compact-disc, también elaborados por el departamento, y que se facilitan a los alumnos para
su copia, son un material de trabajo de gran eficacia. Los controles de identificación de obras musicales y
de sus autores, además de ser extraordinariamente formativos, aportan estadísticamente las mejores
calificaciones en todos los niveles de la ESO.
Así mismo, cuando estas calificaciones de audiciones son altas, 6´5 o más en conjunto, se incluirán en
las nota media del último trimestre, incluso al examen de septiembre para quien lo necesite.
Es importante señalar que el objetivo de “aprender a escuchar”, tan necesario para la persona y
componente importante de la Asignatura, es de difícil evaluación. Por este motivo la actitud del alumno
será muy tenida en cuenta, por lo que se especificarán después medidas en este sentido.
Evaluación
Las evaluaciones de alumnos se resolverán haciendo la media de los resultados de las pruebas escritas,
con gran importancia de su evolución, esto es, con mayor peso de las últimas calificaciones: el último
examen de evaluación tiene valor doble (no válido esto para recuperaciones)
Incentivos por actitud y procedimientos:
Los alumnos que no tengan malas anotaciones en actitud (atención, corrección en clase, respeto,
asistencia, puntualidad...), añadirán 1 pto. a la nota final, lo que supone el 20% del aprobado. Por
procedimiento (deberes de casa y de clase, traer los materiales de trabajo, interés, participación,...)
añadirán 0´5, que supone otro 10%. Las malas notas en estos conceptos dejarán de sumar 0´1 pto. al
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cómputo global de 15 décimas (1´5). En el mejor de los casos con 3´5 de media, el alumno aprobaría la
asignatura en junio, dado que su buen comportamiento añadirá la puntuación necesaria.
Dichas malas notas se anulan bien con un positivo o bien advirtiéndose en las clases siguientes una
evidente aplicación por parte del alumno. El buen comportamiento en actitud y procedimientos, aun no
aprobando ninguna evaluación el alumno, en septiembre sólo responderá de las dos últimas evaluaciones.
Las participaciones que demuestren un interés evidente y continuo supondrán la obtención eventual de
un positivo, que o bien anulará una mala anotación y, si no la hubiere, añadirá un punto al numerador de la
operación de nota media, lo que es igual a sumar un punto al último examen, con efecto en la evaluación
en la que se produzca.
Recuperaciones
Sin necesidad de exámenes específicos, las evaluaciones suspendidas se recuperarán aprobando la
siguiente, siempre que la nota media no sea inferior al dos.
Evaluación final y promoción
La evaluación final tendrá como referencia principal los objetivos mínimos establecidos más
adelante, los cuales sirven de guía útil para reconocer los niveles establecidos.
La promoción del alumno será propuesta atendiendo a: 1) sus conocimientos; 2) sus posibilidades de
recuperación en el curso siguiente, si su actitud merece esta consideración; 3) si sus dificultades personales
y si su actitud son valoradas y avaladas por el Equipo Educativo.
Objetivos mínimos con Adaptación Curricular.
La redacción de los temarios por este Departamento, está en gran medida inspirada por los alumnos con
dificultades para seguir los niveles correspondientes. Estos alumnos tendrán que estudiar los contenidos
subrayados, que sólo se ven en los temarios especiales que se les da a ellos; pero gracias a este sistema, pueden
seguir la lectura de lo que estudian los demás, por lo que pueden seguir la clase hasta donde lleguen sus
posibilidades, con menor riesgo de que se pierdan a lo largo de la misma. Así mismo los padres pueden
consultar los párrafos anteriores, donde pueden ver el régimen que siguen los compañeros
Firma del Padre o Tutor:
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OBJETIVOS MÍNIMOS Y ADAPTACIONES CURRICULARES
Con objeto de evitar confusas descripciones de objetivos, se ideó elaborar los contenidos en
temarios originales, con abundante material de apoyo audiovisual. Los temarios adaptados, son
los mismos que los de los demás compañeros, sólo que cuentan con material subrayado como inicio
de su esfuerzo, a lo que se le puede añadir, en el mejor de los casos, el total. El presupuesto corre a
cargo de los gastos de Departamento y de su asignación económica correspondiente.
Objetivos mínimos con ADAPTACIÓN CURRICULAR.
La redacción de los temarios por este Departamento, está en gran medida inspirada por los
alumnos con dificultades para seguir los niveles correspondientes. Estos alumnos tendrán que estudiar
los contenidos subrayados, que sólo se ven en loe temarios especiales que se les da a ellos, pero gracias
a este sistema, pueden seguir la lectura de lo que estudian los demás, por lo que pueden seguir la clase
hasta donde lleguen sus posibilidades, con menor riesgo de que se pierdan a lo largo de la misma. Así
mismo los padres pueden consultar los párrafos anteriores, donde pueden ver el régimen que siguen los
compañeros.
Como complemento, con objeto de visualizar mejor cualquier página, tanto el temario del
profesor como el original a mano en el PC., los párrafos tienen colores diferentes, lo que ayuda a
situar mejor, en una pantalla, el lugar donde pudiera hallarse alguna dificultad
Ventajas de esta iniciativa:
En primer lugar está la posibilidad real de que todos los alumnos, sea cual fuere su nivel inicial o
posterior, puedan seguir el desarrollo normal de la clase, porque, según se expone en la
metodología, el seguimiento con la lectura de los mismos textos, evita en la mayor medida, tratos
apartados y diferentes, con lo que la labor de integración de los alumnos menos dotados queda
garantizada también en la mayor medida.
No depender de los cambios de las editoriales, que con el subterfugio de mejoras o
ampliaciones, cuando no reducciones de contenidos, cambian periódicamente la redacción, obligando a
abandonar libros que eran válidos y, muchas veces heredados, por lo tanto gratis.
En tercer lugar, se dispone de un archivo informatizado propio, que sin coste apreciable, se puede
modificar, ampliar, proyectar en video, etc.
Como ventajas finales están: la posibilidad de incluirlo en la Programación de forma íntegra,
y poder ser consultado, conocido, criticado y propuesto para mejora por todo aquel que tiene derecho a
acceder a esta Programación, poniendo, al lector del presente documento, directamente en contacto con
el material a estudiar, asequible a padres o tutores de cualquier nivel cultural.
Por otra parte, dado que los medios materiales, especialmente audiovisuales, se dispone de una
capacidad extraordinaria para suplir con creces la mayor abundancia de libros de texto en gráficos,
lecturas, imágenes, etc. Además se aligera el peso físico creciente que tienen que transportar los
alumnos en sus desplazamientos.
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ADQUISICIÓN Y/O DESARROLLO DE COMPETENCIAS
1. Competencia cultural y artística.
Desde el primer contacto con el alumnado comienza una tarea de contacto con el mundo del Arte, que
se irá manteniendo y ampliando, teniendo en cuenta y como fondo desde la Literatura a las Bellas
Artes, figurando la música como una expresión más de una similar forma de ver el mundo según la
época y el lugar. Los diferentes estilos tendrán su ubicación espacio-temporal y cultural, sus
aportaciones válidas y sus excesos o defectos a evitar.
La época y su arte tienen características comunes independientemente del medio artístico que se
emplee. En todos los apartados musicológicos, especialmente los relacionados con la Historia y con la
Historia del Arte, hay un material de contacto y recursos para ponerlos en relación –culturales- y para
analizarlos y valorarlos –artísticos-.
2. Competencia para la autonomía e iniciativas personales.
Los análisis de hechos musicales, preferentemente audiciones, cuentan con una plantilla con la que se
pueden detectar factores objetivos, como tempo, compás, tonalidad mayor o menor, etc., y otros de
carácter subjetivo, como son las sensaciones que se perciben, con un amplio abanico de adjetivos que
ayudan a situarse al alumno y también le posibilitan una opinión personal, que los alumnos irán
expresando y siendo oídos por todos, ampliando su percepción de cómo piensan o sienten muchos
compañeros.
3. Competencia social y ciudadana.
El mismo contacto con un grupo activo de alumnos va acompañado de una actitud respetuosa,
arbitrada por el profesor e incluso por compañeros.
Las preguntas que hacen los alumnos en la clase son derivadas por el profesor hacia algún compañero
que pueda responderla; en caso de que no sea posible el profesor elabora sobre la marcha una serie de
preguntas intentando que el alumno, relacionando otras cosas más sencillas, pueda encontrar la
respuesta. Los recursos son interdisciplinares en la medida de lo posible
De este modo, por ejemplo, se establecen vías de participación en las que el respeto es obligatorio y
necesario.
4. Competencia en información e informática.
Desde el principio, parte del material audio se propone a los alumnos para que ellos puedan elaborar
los ejemplos que van a utilizar, bien CDs o bien material de transporte informático, como memorial
extraíbles.
La participación del proyector conectado al PC del Aula, permite, asimismo, visualizar en la pantalla
todo tipo de operaciones, no sólo aquellas que permiten escritura musical, grabaciones de sonido, etc.,
sino todas aquellas de software libre, funciones, accesos, recursos, etc. útiles para el estudio, la
información y ejecución de trabajos.
5. Competencia para aprender a aprender.
Movido por vocación profesional hacia la formación integral del alumno como persona, ciudadano y,
convencidos del valor de la formación intelectual y cultural, para poder orientarse en la vida, es de
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enorme importancia enseñar el valor del aprendizaje y cómo obtenerlo por medios autónomos. Las
frases sobre el peso del conocimiento, para ser hombres y mujeres libres, son abundantes, pero no
tenidas en cuenta en todas sus dimensiones. Todas las que sean útiles, como refranes o sentencias, srán
comentadas para que no caigan en el olvido.
Con frecuencia el profesor utiliza en clase un diccionario etimológico, aspecto este de muchas
palabras, su origen y verdadero significado, que siempre ha llamado positivamente la atención de los
alumnos de todas las edades.
Partiendo de los significados de expresiones-conceptos como atención, concentración, memoria, orden,
análisis, etc., se buscan los principios más elementales para ponerlos en práctica. Desde siempre quien
esto redacta, ha tenido la costumbre de citar una sentencia atribuida a Pitágoras: Empezar es la mitad
del trabajo…, que a poco que se comenta llega a ser un axioma aceptado, pues muchas cosas no se
hacen porque ni siquiera se empiezan. Se buscan así acciones o gestos que facilitan o predisponen al
trabajo, como el uso habitual de la agenda, la importancia de asimilar disciplina con rutina; es una
forma de intentar crear hábitos.
A todo se suma la utilización de cualquier circunstancia favorable para corregir o señalar vicios
normales y conocidos en las deficiencias en los estudios.
Así mismo, siempre se hace constar que el conocimiento de composiciones conocidas pero ignoradas
en su título y autor, es un valor cultural de primer orden, que no tardan en hacer público en la primera
ocasión que se les presenta.
6. Competencia en comunicación lingüística.
Con frecuencia, hasta en los manuales de aparatos de reproducción de grabaciones, a cada banda de un
disco se le llama canción. Esto es un error por deformación e ignorancia. Aunque toda canción es o
pretende se música, una sinfonía no es una canción, una danza tampoco.
El lenguaje musical no acaba en la lectura correcta de pentagramas, sino que incluye muy
especialmente el concepto de forma, que como tal tiene una definición. El lenguaje específico de la
música es un enriquecimiento natural, pero obligatorio.
Téngase en cuenta que, después de transcurrido un tiempo los conocimiento pierden precisión y
contenidos. El contenido principal suele ir en un título de una definición o de un párrafo. Tanto en el
transcurso del desarrollo curricular como en el trascendente trabajo con audiciones, es capital, por
ejemplo, saber que el Himno a la Alegría es de Schiller, que la música es de Beethoven, y que su
ubicación, su soporte, su nombre grande es la IX Sinfonía.
7. Competencia en el conocimiento y la interacción con el mundo que nos rodea.
La música es el gran complemento de los sonidos a la creatividad humana, que trata de mejorar el
entorno. Como en todo no es aconsejable el exceso, ni de música ni, mucho menos de decibelios.
El carácter formativo de la música para la educación, y luego para compañía de la persona, estenido en
cuenta por filósofos grandes y menos grandes.
Aunque el ruído tiene su incorporación al arte musical como identificación de objetos y situaciones
que pueden rodear y modelar el hecho sonoro, caso de la Música Conreta, o de la Música
electroacústica, la contaminación por exceso de ruido e incluso por exceso de música debe ser uno de
los límites a señalar y a observar.
8. Competencia en la abstracción numérica y cálculo mental..
Aunque la aritmética no es materia evaluable en un seguimiento de estas asignaturas, pueden, no
obstante, señalarse aptitudes, sobre todo cuando son notables cuando son notables.
Los hechos musicológicos tienen un momento de aparición, desarrollo y decadencia, extinción o
durabilidad, por lo que la situación en el tiempo requiere un dominio de precisión en lo que se refiere a
años, siglos o períodos histórico-artísticos. No es desdeñable el valor que tiene moverse con
perspectiva en saltos de siglos, milenios o años.
A menudo se ven fechas de nacimiento y muerte de personajes y se mantiene, en estas asignaturas, la
costumbre hacer calcular mentalmente la edad de dichos personajes. Las respuestas que se obtienen
dan para detectar algunas veces problemas en proposiciones sencillas, aptitudes notables y deficiencias
llamativas, como pueda serlo el nivel de lectura o de comprensión.
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Contenidos y objetivos mínimos de 1º
Puntillo: Es un punto a continuación de una figura, silencio u otro puntillo, que le añade la mitad de la duración.
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5. El teclado.
El teclado es un mecanismo con el que muchos instrumentos ( piano, clave, acordeón, órgano,
etc.) hacen sonar las notas. Básicamente lo forman doce teclas:
Por una parte las teclas blancas, que son las siete notas Do Re Mi Fa Sol La Si,
Por otra cinco teclas negras que se denominan como la tecla blanca anterior, p.e., Do #
(sostenido), o como la tecla blanca posterior Re b (bemol); Re # ó Mi b, etc.
Dibujo de un teclado: fase 1ª
fase 2ª
fase 3ª
D# - Rb
D
R
….
R#-Mb
M
F
…
S
L
Si
D
R
M
F
S
L
Si
EXAMEN 2 en dos partes
El sonido y sus cualidades (2)
1. La intensidad o dinámica (del gr. dynamós = potencia )
Es la fuerza con que se emite un sonido: en música se emplea una terminología de procedencia italiana
para determinar qué intensidad se requiere en una partitura, empleándose abreviaturas debajo del
pentagrama de: piano “p” que significa suave, y forte “f”. Entre ambas dinámicas se encuentra
mezzoforte “mf” (medio fuerte), y en los extremos pianíssimo “pp” (muy suave) y fortissimo “ff”.
Los cambios graduales de dinámica se expresan a más con crescendo “cresc.” o a menos
decrescendo “decr.” En frases musicales más o menos breves se usan los reguladores, que son
ángulos que se abren hacia la derecha pidiendo intensidad, o a la inversa.
2. El timbre.
El timbre es la cualidad por la que distinguimos, p.e., el sonido de un violín del de un oboe, o el de
una voz de otra. Influyen muchos factores que determinan el timbre, siendo los más importantes:
En los instrumentos: el material (maderas, metal...) y el sistema de sonido: cuerda, viento,
percusión. También influye mucho la calidad de la fabricación y las cualidades del intérprete.
El timbre de la voz humana lo determinan el tamaño y la elasticidad de las cuerdas vocales, la
cavidad bucal y la resonancia craneal, distintas en cada persona.
Distinguir los timbres de los instrumentos en música tiene una gran importancia, porque la
inmensa mayoría de la música que se compone es para instrumentos desde 1600 (Barroco). La ciencia
llamada Organología, es la que investiga y describe todos los instrumentos*.
3. La melodía y la armonía.
La melodía es la parte cantada o cantable de la música. Se define como una sucesión de notas con
sentido musical completo, similar a una oración gramatical. Las notas se suceden de dos modos: de
grado o de salto: Do-Re es de grado; Do-Mi es de salto.
La armonía es el acompañamiento de la melodía. Se hace con sonidos que se escriben debajo de la
melodía. La forma de acompañamiento más sencilla es con acordes.
*
Dentro y fuera de la música, órgano e instrumento vienen a significar lo mismo.
12
Nota: Este ejercicio, con dibujo del teclado por el alumno, puede sustituir el examen 1.
13
Acorde: es la ejecución simultánea de varios sonidos; se escriben de forma vertical en el pentagrama
y todas sus nota están, o bien en líneas o bien en espacios.
En una canción la melodía la hace el cantante, y la armonía la hacen los instrumentos.
4. Intervalos. El intervalo es la diferencia de altura entre dos notas distintas. Los intervalos se
determinan numéricamente contando las notas de la escala que las separan, incluyendo las que lo
forma. Así, entre Do y Re, hay un intervalo de 2ª, entre Do y Sol de 5ª (Do-Re-Mi-Fa-Sol), etc. Esta
numeración es independiente de que las notas tengan alteraciones
Los intervalos pueden ser: armónicos si se dan simultáneamente (vertical) y se miden desde abajo.
melódicos si se dan de forma sucesiva. Estos últimos pueden ser
ascendentes o descendentes: Re-Sol es de 4ª asc.; La-Fa es de 3ª desc.
Los intervalos mínimos: el semitono y el tono.
El semitono o 2ª m (menor). Es la variación de altura mínima que percibe con claridad el oído
humano. En el teclado es la diferencia de sonido entre una tecla y la inmediata, indistintamente blanca
o negra, p.e. de Si a Do, ó de Fa# a Sol…
3. El tono o 2ª M (mayor). Tiene dos semitonos (un tono), obteniéndose en el teclado entre dos teclas
mediando una, indistintamente blanca o negra, p.e. de Do a RE, de Mi a Fa#.
4. Intervalo de 3ª.
El intervalo de 3ª es el más importante en la armonía, porque con ellos se forman los acordes
principales o tríadas, de tres notas, situadas todas en líneas (consecutivas) o en espacios. El intervalo
de 3ª m tiene tres semitonos, p.e. se Do a Mib o de La a Do
El primer intervalo de 3ª de cualquier escala determina directamente la tonalidad M ó m, p.e. en
la escala de Do la primera tercera es Do-Mi, que es de 3ª mayor (2 Tonos ó 4 semitonos ) significa
que es La Tonalidad de Do mayor; en la escala de Re, la primera tercera es Re-Fa, que es 3ºm (1 Tono
y medio ó 3 semitonos), es, por lo tanto la tonalidad de Re menor
5. Escalas y tonalidad
La escala. Es una sucesión ascendente o descendente de notas consecutivas. Normalmente la distancia
de nota a nota (de grado a grado) es de un tono, excepto en dos ocasiones en que es de semitono;
según donde se sitúen estos semitonos la escala sonará de un modo u otro.
La escala que mejor conocemos es la llamada mayor u occidental (de Do), que tiene estos
semitonos del 3º al 4º grado (Mi-Fa) y del 7º al 8º (Si-Do); en la escala andaluza o flamenca se sitúan
los semitonos del 1º al 2º y del 6º al 7º. La escala china, o pentáfona, es de cinco notas coincidiendo
con las teclas negras del teclado. La escala exátona, de seis tonos, crea efecto de irrealidad
Los grados o notas mas importantes de las escalas son el I ó Tónica, el V ó Dominante y el IV ó
Subdominante. Le sigue el III ó Modal, que distingue la escala o el tono mayor del menor.
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EXAMEN 3
INSTRUMENTOS MUSICALES 1
1. Generalidades de los instrumentos.
Los instrumentos musicales fueron inventados por los hombres para obtener sonidos más potentes que
la voz y comunicarse desde lejos (cuernos, tambores...); luego, apreciaron timbres nuevos y los usaron
en rituales y como acompañamiento musical a la voz, que fue el primero de todos los instrumentos.
Desde la prehistoria quedaron definidos para siempre los tres grupos a los que pertenecen casi
todos instrumentos: cuerda (el arco), viento (cuernos, flautas de hueso) y percusión (troncos huecos,
con o sin membranas, etc.). Tienen un cuerpo resonante o bien una caja de resonancia amplificadora.
2. Instrumentos de teclado. Introducción
Los principales de estos pertenecen a los tres grandes grupos instrumentales: el clave y el piano son de
cuerda; el órgano, el armonio y el acordeón son de viento; la celesta es de percusión. El teclado es
un mecanismo para hacerlos sonar: en el piano, clave y celesta las teclas son palancas, en los de
viento son llaves de paso del aire, que es impulsado a presión por un fuelle.
3. El órgano.
Es el mayor y más poderoso de los instrumentos. Los más grandes tienen hasta 20.000 tubos sonoros,
la mayoría pequeños, pero los tubos principales llegan a medir hasta diez metros, y sólo se pueden
instalar en grandes auditorios o en las altísimas catedrales góticas, como la de Sevilla. Tienen hasta
cinco teclados para las manos y uno para los pies, llamado pedalera, que acciona los tubos más grandes
y graves. El aire es presionado por enormes fuelles y, cada tecla, lo deja pasar a su tubo. (Audición 2)
4. El armonio y el acordeón.
No tienen tubos sino varillas metálicas similares, aunque mayores, a las de una armónica. El armonio
tiene los fuelles a los pies del instrumentista y en el acordeón el fuelle es la parte central del
instrumento.
5. El clave. También llamado clavecín y clavicémbalo. Era el teclado principal antes de que se
popularizara el piano. Una pieza impulsada por cada tecla, llamada martinete, engancha la cuerda con
un plectro algo flexible. Su sonido es penetrante, pero de escasa potencia, por lo que perdió interés
para los músicos, que buscaba cada vez mayores sonoridades. No obstante quedó como símbolo
instrumental del Barroco (1600-1750), tuvo gran importancia en la obra de Bach y Händel.
Funcionamiento del martinete
1) Cabeza del apagador 5) Plectro o púa
9) Pulsador
2) Paño del apagador 6) Lengüeta
10) Rotación de la lengüeta
3) Amortiguador
7) Eje de la lengüeta
4) Cuerda individual
8) Resorte de repetición
6. El piano.
Su nombre original es pianoforte; cada tecla impulsa un macillo hacia su cuerda, muy tensada, y
dependiendo de la fuerza con que se tocan el sonido puede ser suave (piano) o fuerte (forte), de ahí su
nombre original. Se inventó a principios del S. XVIII y se impuso cincuenta años después, con Haydn,
Mozart y Beethoven, hasta hoy. Audiciones
7. La celesta. 2/2 S XIX
Es parecido a un piano vertical (de pared), pero en vez de cuerdas tiene placas metálicas que al ser
golpeadas por los macillos producen un sonido cristalino, de magia o fantasía. (El Hada de Azúcar).
15
SEGUNDO TRIMESTRE
EXAMEN 4
1. La textura musical:
La textura musical es la forma en que se combinan habitualmente los sonidos. La palabra textura
deriva del verbo tejer, que significa entrelazar. Se usan simultáneamente tantos pentagramas como
voces tenga la composición, para mayor claridad, p.e.
San
ta
Ma
rí
a,
Ma
ter
De
i
se escribe así y cada voz o cada instrumento, tiene su propio pentagrama
Desde la aparición de la polifonía (S X d.C) se distinguieron dos formas básicas de simultanear
las voces: la homofonía y el contrapunto, que evolucionaron mucho hasta el Renacimiento (Ss.XVXVI).

2. Texturas homofónica y contrapuntística.

La textura homofónica consiste La textura homofónica en que las voces llevan el mismo ritmo: todas las voces
coinciden en figuras y silencios, pero no las notas, que varían la altura de modo diferente. Ver gráfico anterior.

Textura contrapuntística
En la textura contrapuntística cada voz lleva un discurso de notas y texto (letra) independiente. Las
figuras y silencios pueden coincidir o no, siendo de gran dificultad tanto la composición como la
interpretación de esta música:
Principio del Ave María de T.L. de Victoria
Una variedad muy usada es el contrapunto imitativo, en la que las voces repiten una misma melodía
a diferentes alturas. Esta técnica fue el origen de la fuga, importante forma musical barroca.
3. Monodia (o melodía) acompañada
Desde el Barroco (1600-1750) se impuso hasta hoy, es el acompañamiento de la melodía con acordes,
bien a cargo del clave (teclado) o de otros instrumentos.
16
Esta técnica de combinar sonidos se denomina monodia acompañada. La nueva forma de
componer se implantó con la invención de la Ópera (“Orfeo” de C. Monteverdi, 1607), con el fin de
aislar una sola voz para poder entender bien textos largos. La melodía inspirada y pegadiza
determinó desde entonces el éxito de los compositores. Apenas hay melodías conocidas anteriores
al Barroco.

4. La voz humana. (Las tesituras. El coro).
La voz humana se comporta, a la vez, como instrumento de viento y de cuerda (frotada), haciendo el
aire las funciones de arco que frota y hace vibrar –a voluntad-, las cuerdas vocales cuando es
expulsado de los pulmones.
Las cuerdas vocales y su entorno tienen mayor tamaño en los hombres que en las mujeres y los
niños, de aquí que aquellos tengan la voz más grave. La frecuencia de la voz en éstos oscila entre 90 y
530 ciclos (Vbr./seg.); en las mujeres entre 170 y 1000 ciclos, llegando los niños a 1300.
frecuencia media
5. Tesitura y coro. Tesitura es la altura de una voz. En la música vocal se distinguen básicamente
cuatro tesituras en las que se agrupan los cantantes de un coro:
SOPRANO
voces agudas femeninas e infantiles
CONTRALTO
voces graves femeninas e infantiles
TENOR
voces agudas masculinas
BAJO
voces graves masculinas
Existen dos tesituras intermedias: mezzosoprano, entre soprano y contralto y barítono, entre tenor y
bajo, pero son de carácter solístico, no coral, propia de cantantes de ópera.
Un coro para ser considerado como tal debe contar, al menos, con tres cantantes en cada grupo.
Con sólo dos por grupo se denomina doble cuarteto (de voces).
El estadio deportivo
EXAMEN V
Formas musicales vocales profanas: canción, madrigal y ópera; y religiosas: motete y Misa
Polifónica
Las formas musicales son unos determinados perfiles de las músicas que se componen, y que
permiten su clasificación e identificación.
1. La canción.
Significa acción de cantar. Es la forma más difundida y antigua de música vocal. Normalmente
se trata de entonar tiene un texto profano versificado, acompañado generalmente de uno o varios
instrumentos. Las primeras que se conservan son las compuestas por los trovadores (Ss. XII-XII).
2. El madrigal.
Es como una canción polifónica a cuatro o cinco voces, de origen medieval, pero su época de
esplendor fue en Italia, durante el Renacimiento (
). El texto solía escogerse de la obra de un gran
poeta, como Dante o Petrarca. Sus compositores más ilustres fueron G. Palestrina, C. Gesualdo y C.
Monteverdi.
17
3. La ópera.
Es como una obra de teatro cantada, que emplea cantantes/actores, coro, orquesta, decorados,
etc. Debe considerarse la primera ópera Orfeo, de Claudio Monteverdi, y los más grandes
compositores de óperas fueron Mozart, Verdi y Wagner.
4. El motete.
Es una obra polifónica con texto religioso no litúrgico, que el compositor escoge libremente de
las Sagradas Escrituras. El motete tanto como la misa, se desarrollan en el Gótico y alcanzan el
esplendor en el Renacimiento SXVI Palestrina compuso 373 motetes, C. de Morales (Se.) 80.
5. La misa polifónica.
Consiste en poner música a los rezos obligados de la misa: Kyrie eleison (Señor ten piedad),
Gloria, Credo, etc, todo en latín. En realidad son como cinco o seis motetes litúrgicos, que tienen el
mismo tema musical de entrada y diferente desarrollo. Su apogeo se dio en el Renacimiento.
La primera que se conserva fue la Messe de Notre Dame, de Guillaume de Machaut, en el
S. XIV. componer misas fue tan importante para los compositores de esa época como las sinfonías
para Mozart o Beethoven. G. Palestrina (Ren.) compuso 104, pero lo normal eran dos o tres docenas.
Kyrie eleison, Misa de Notre Dame.
Catedral de N. Dame (S . XII-XIII), París
EXAMEN VII
INSTRUMENTOS DE CUERDA
1. Los instrumentos de cuerda. Fundamento.
Se fundamentan en la vibración de una o más cuerdas tensadas. Las diferentes notas dependen de la
longitud de la cuerda principalmente, aunque también de la tensión y del grosor de la misma.
La longitud de la cuerda se manipula en el mástil del instrumento (si lo tiene), a cuyos
extremos se hallan el clavijero y la caja de resonancia. Si no poseen mástil, como el arpa y la lira,
deben tener una cuerda para cada nota Hay tres importantes subgrupos:
2. Cuerda frotada o de arcos.
Están concebidos para actuar en grupos. Son esencialmente melódicos (monódicos), aunque puedan
dar notas simultáneas. Son la base de todas las orquestas y sus más numerosos componentes.
Las cuerdas son frotadas con cerdas tensadas en un arco, produciendo el sonido instrumental más
cercano a la voz humana. Lo forman los instrumentos de la familia del violín: violín, viola,
violonchelo y contrabajo, ordenados de menor a mayor. Poseen un juego de cuatro cuerdas, aunque
los contrabajos de hoy suelen tener cinco.
3. Formaciones de cámara (Música de Cámara)
Cámara significa aquí habitación, espacio suficiente para que pueda actuar un grupo reducido de
instrumentos. Empezó siendo una distracción para amigos músicos y se convirtió en género musical
del nivel más elevado. El cuarteto de cuerda: lo forman dos violines, viola y vchelo. es la referencia
capital
Las primeras composiciones importantes de cámara surgen en el Barroco (1600-1750),
erigiéndose el clave y el violín como principales instrumentos en las llamadas sonatas dúos, si se
añadía un violonchelo, sonatas tríos. Así, desde pronto, las obras de cámara se denominaron según el
número de componentes: dúos, tríos, cuartetos… hasta nonetos. Son importantes los grupos que
incluyen el piano.
4. Cuerda pulsada con mástil.
Son instrumentos solistas, pues tienen buena capacidad armónica (sonidos simultáneos). Suelen tener
seis o más cuerdas que se manipulan con ambas manos: con la mano izquierda se preparan las notas en
los trastes del mástil y la derecha las hace sonar. Los más populares son: la guitarra y la vihuela
(guitarra antigua) en España, el laúd y la mandolina (Europa); la balalaika (Rusia) y el banjo (USA).
18
De todos estos instrumentos el más popular, ágil y completo es la guitarra, que además de ser el
alma de la música española, ha tenido más éxito que ningún otro instrumento en la música moderna,
tanto en su versión acústica (guit. normal), como en la eléctrica.
Durante el Renacimiento (SS. XV y XVI) y el Barroco (1600-1750), en España se compuso
muchísima y muy buena música para vihuela, mientras que en el resto de Europa sus competidores
eran el laúd y la mandolina
5. Cuerda pulsada sin mástil.
Necesitan amplios juegos de cuerdas, especialmente el arpa, que es el más importante de estos
instrumentos, pues tanto la lira como el salterio, son instrumentos muy antiguos y hoy sin utilidad.
6. El arpa es el único instrumento de cuerda pulsada que interviene en la orquesta, aunque no tiene
mucha potencia si posee larga sonoridad, debida a su gran caja de resonancia.
TERCER TRIMESTRE
EXAMEN VIII
INSTRUMENTOS DE VIENTO Y DE PERCUSIÓN
1. Instrumentos de viento: fundamentos.
Se basan en la buena acústica del tubo sonoro, que es el cuerpo del instrumento y a la vez su caja de
resonancia. La vibración se produce en la embocadura del instrumento (flauta), en lengüetas de caña
(oboe), o en los labios presionados del instrumentista (trompeta). Las notas se obtienen manipulando la
longitud de la columna de aire que circula por el tubo.
Hay dos importantes subgrupos: viento madera y viento metal.
2. Viento madera.
Flauta, oboe, clarinete y fagot.
Son rectilíneos y tienen un buen número de orificios a lo largo del tubo: la nota más aguda se obtiene
liberando el primer orificio, la más grave cerrándolos todo. Tienen un sistema de llaves para accionar
los orificios más lejanos a los dedos. Los principales se ordenan de la siguiente manera:
- Flauta travesera y flautín. Hoy se fabrican casi siempre de metal inoxidable, muchas son de plata,
algunas pocas de oro, e incluso existe una de platino. El flautín es el más agudo de los instrumentos.
- De lengüeta doble: oboe y fagot, y sus complementarios graves respectivos: corno inglés y
Contrafagot fagot.
- De lengüeta simple: clarinete, su complementario el clarinete bajo, y los saxofones.
Lengüeta doble de oboe
Leng. simple de clarinete
El saxofón tiene forma de “S” y no es instrumento de viento madera propiamente, pues aunque tienen
orificios y lengüeta son fabricados en metal y suenan entre madera y metal.
La flauta de Pan es un grupo de cañas huecas alineadas, de diferente tamaño, cada una con una nota.
El órgano de tubos es una gigantesca flauta de Pan mecanizada.
19
INSTRUMENTOS DE PERCUSIÓN

3. Viento metal:

Trompa, trompeta, trombón y tuba.
Presentan forma enroscada, debido a la gran longitud que poseen. Tienen una embocadura o boquilla
en donde se introducen los labios presionados, que se hacen vibrar al soplar.
Son instrumentos de gran potencia y varían la longitud de la columna de aire interior
accionando pistones o válvulas para conducir el aire por segmentos de tubo alternativos. Los más
importantes son: trompa (válvulas), trompeta (pistones), trombón (vara) y tuba (pistones).
Sistema de válvula
Sistema de pistón
Boquillas de v. metal
4. Instrumentos de percusión.
Percutir significa golpear. Los instrumentos de percusión son el conjunto más variado y numeroso de
toda la organología. Básicamente se dividen en dos grandes grupos: membranófonos o de membrana, e
idiófonos, esto es, que vibra el instrumento entero.
Entre los de membrana distinguimos los afinados, como los timbales, y los de sonido
indeterminado, como la caja y el bombo. Se golpean con distintos tipos de baquetas (palos).
Entre los idiófonos debemos destacar por su uso frecuente en la orquesta, el triángulo, los
platillos, el gong y las campanas (tubos metálicos grandes y resonantes) . Además figuran los
impropiamente llamados xilófonos: xilófono (de madera), vibráfono (idem con tubos resonantes) y
glockenspiel (de metal); y panderetas, maracas, etc.
20
Orquesta barroca (Vivaldi, Bach o Händel)
Orquesta clásica (Haydn Mozart o Beethoven)
Distribución del instrumental en la gran orquesta
21
EXAMEN IX
1. La orquesta.
Es una agrupación musical de numerosos instrumentos que tocan de forma coordinada. Los
instrumentos se disponen en la partitura ocupando el pentagrama superior el más agudo, luego
aparecen los de registros medios y, en el último, el instrumento más grave.
Si es partitura orquestal se sitúan de arriba abajo: viento madera, viento metal, percusión, voces
(si las hay) y cuerda (arcos). Y se disponen en el orden estudiado.
En el escenario donde van a actuar, la disposición de los grupos instrumentales depende del
Director, pero normalmente se disponen en semicírculo, quedando a la izquierda del Director los
violines en dos grupos, violas por delante y violonchelos y contrabajos a la derecha.
Detrás de las violas los vientos y, más alejados aun, la percusión.
2. La orquesta de cuerda barroca.
Como la conocemos ahora, la orquesta tuvo su origen en la época denominada Barroco (1600-1750),
asentando para siempre las cinco secciones de cuerda (arcos) que sólo variará multiplicando sus
componentes en el futuro. Su plantilla es la siguiente
Violines I
5
Violines II
4
Esta es la orquesta empleada por todos los compositores barrocos (Vivaldi,
Violas
3
Bach, Händel...)
Violonchelos 3
Contrabajo.
Clave
3. Orquesta Clásica (1750-1827)
Fue la empleada por Haydn, Mozart y Beethoven para sinfonías, oberturas y conciertos con solista.
Su plantilla establece un plantel donde ya no faltarán los vientos y la percusión:
Cuerda
Vs. I
Vs. II
Vlas.
Vchs.
Cbs.
12
10
8
6
4
Vtº. Madera
Flautas
Oboes
Clarinetes
Fagots
2
2
2
2
Vtº. Metal
Trompas 2
Trompetas 2
Percusión
Timbales
2
en las T y D.
La ampliación en el número de componentes de esta orquesta, durante el Romanticismo (S XIX), dio
como resultado las orquestas sinfónicas o filarmónicas actuales, que la forman más de cien músicos.
Desde Beethoven en adelante son las orquestas para las que escribieron los grandes compositores;
también son las que interpretan las bandas sonoras de las mejores películas.
5. Orquesta Sinfónica (1830 hasta hoy).
Fue una evolución y crecimiento de la anterior. Se denominó sinfónica porque tiene el instrumental
requerido por los grandes compositores de sinfonías de oberturas y conciertos, como Brahms,
Bruckner o Tchaikovsky (2/2 S. XIX).

Cuerda
Vtº. Madera
Vtº. Metal
Percusión
Vs. I
Vs. II
Vlas.
Vchs.
Cbs.
16
14
12
10
8
Flautas
2
Oboes
2
Clarinetes 2
Fagots
2
Contrafagot
Trompas
4
Trompetas 3
Trombones 3
Tuba
Timbales
3
en las T, D y S.
22
6. Orquesta Filarmónica (1830 Hasta hoy)
En las producciones operísticas, cada vez mayores y más ruidosas (Wagner o Verdi), se necesitaba
mucha potencia sonora. Se ampliaron notablemente, sobre la O. Sinfónica, las secciones de viento y
percusión. A la cuerda se le ñadirían una o dos arpas
Cuerda
Vs. I
Vs. II
Vlas.
Vchs.
Cbs.
Vtº. Madera
16
14
12
10
8
Arpas
Flautas
4 3 + flautín
Oboes
4 3 + C. inglés
Clarinetes 4 3 + Cl bajo
Fagots
4 3 + C.fagot
Vtº. Metal
Trompas
4-8
Trompetas 3 -6
Trombones 3-6
Tuba
Percusión
- Timbales
3
en las T, D y S.
- Bombo, platillos
triángulo, pandereta,
Glockenspiel, gong.
2
Esta plantilla pasó también a las salas de conciertos para interpretar los Poemas Sinfónicos de Liszt,
de R Strauss y de la música descriptiva en general (Scheherazade). Actualmente las orquestas
sinfónicas y filarmónicas no se diferencian más que en el nombre.
Banda de música.
Son agrupaciones musicales móviles que se componen exclusivamente de instrumentos de viento y
de percusión. Su origen es remoto y asociado a los ejércitos, donde se necesitaba un sonoro grupo de
tambores para marcar el paso organizado de las tropas, así como potentes trompetas y cuernos para
ordenar movimientos con sencillos toques.
En el S XIX alternaban estas funciones con otras de entretenimiento y embellecimiento de
celebraciones y actos oficiales, aumentando y variando el número de instrumentos; fueron apareciendo
agrupaciones de este tipo sin vinculación al mundo militar para acompañar procesiones y para actos
musicales supliendo las dificultades y carestía de las orquestas.
En Sevilla son notables la Banda Municipal, la del Regimiento de infantería Guzmán el
Bueno, más conocida como Soria 9 y la Banda del Maestro Tejera, así como las de localidades
como Salteras, Utrera, etc., habiéndose compuesto muchas obras maestras inspiradas en numerosas y
veneradas imágenes de cofradías sevillanas, como Amargura, Jesús de las penas o Virgen del Valle.
23
Análisis pormenorizado de la audición 1 del CD nº 2
24
25
26
CONTENIDOS MÍNIMOS DE 2º
Puntillo: Es un punto a continuación de una figura, silencio u otro puntillo, que le añade la mitad de la duración.
27
EXAMEN 1.
1.
EL CANTO GREGORIANO
Es la manifestación musical propia del Románico. Es música religiosa monódica, cantada al unísono y a capella por la
congregación de monjes o monjas, a los que se pueden sumar los feligreses.
Procede de los cánticos sinagogales judíos.
Características del Canto Gregoriano
1. El texto cantado, en latín, se extrae la Biblia, destacando las colecciones de Himnos, Salmos, y Misas.
2. Hay una pausa al final de cada frase, en la que se aprecian los ecos característicos del templo románico y del
Canto Gregoriano.
4. El ritmo es libre: a desigual longitud de las frases hace imposibles los ritmos habituales (bin. o tern.)
3. Se escribe en tetragramas y con notación cuadrada.
4. Según la relación nota-sílaba se distinguen varios estilos:
- Silábico: una nota por sílaba, propio de textos muy trascendentes.
- Neumático: dos, tres o cuatro notas por sílaba.
LA MÚSICA PROFANA:
2. LOS TROVADORES
Eran poetas músicos que amenizaban las reuniones cortesanas en los castillos. Cantaban en lengua normal, por lo que
sus canciones se popularizaron y fueron difundidas por ellos mismos y por los juglares, portadores de pequeños
espectáculos ambulantes (payasos, títeres, etc. y música).
Al regreso de las Cruzadas, muchos nobles de todos los rangos, enriquecidos o no, tenían muchas hazañas y
sentimientos que contar tras largas y lejanas ausencias. Esto motivó el auge de la vida cortesana, donde los trovadores
versificaban y cantaban las hazañas de guerra y las historias de amor, propias o de sus señores, cuya música fue
transcrita a notación por monjes.
3.
CARACTERÍSTICAS DE LA MÚSICA TROVADORESCA.
A diferencia del Canto Gregoriano esta música si tiene ritmo, principalmente ternario. Solían acompañarse de
instrumentos como laúdes, pero con arpegios a la entrada y al final de cada verso (recitativo).
Según la zona y la lengua que usan se distinguían propiamente los trovadores, que cantaban en langue d´Oc,
aquitano o provenzal (SO. de Fr.); los troveros en langue d´Oïl (N. de Fr.); y los minnesänger, que empleaban el
alemán.
Muchos fueron nobles, como Guillermo IX, Duque de Aquitania, y su bisnieto, Ricardo Corazón de León.
Otros como Marcabrú, Bernart de Ventadorm y Adam de la Halle eran poetas protegidos de sus cortes.
4. LAS CANTIGAS
En España se desarrollan composiciones similares conocidas como Cantigas, pero con poca presencia de hechos de
armas. Su mayor importancia se debe a la colección compilada de Alfonso X El Sabio, (1226-84) Cantigas de Santa
María, con cuatrocientas diecisiete composiciones
Martín de Códax, llamado el Juglar de Vigo, dejó una valiosa colección, las Cantigas de Amigo.
5 LOS GOLIARDOS (Canción en latín)
Fueron estudiantes de todas partes de Europa que se desplazaban a los monasterios más prestigiosos de Europa, para
completar sus estudios, antes de la creación de las universidades* en los Siglos XII y XIII.
Pero los libros estaban en latín y esa era la lengua en que se entendían, y en las que escribieron numerosas
canciones en latín recogidas en dos importantes colecciones: Carmina burana (canciones profanas) y Catuli carmina
(canciones de Catulo).
Su temática, con frecuencia irreverente y atrevida, se refiere a la trilogía de la diversión juvenil de siempre: las
mujeres, el vino y la sátira.
28
EXAMEN II
EL GÓTICO (SS. XIII-XIV)
Es el período artístico y creativo más genuinamente medieval, sin reminiscencias clásicas. Está definido en arquitectura
por el arco ojival o apuntado, arbotantes, enormes vidrieras que sustituyen a los muros y alturas extraordinarias.
Aunque afectó a la construcción de castillos y puentes, son las catedrales el testimonio más espectacular de este arte,
que necesitó de tantos y tan variados artesanos –herreros, leñadores, carpinteros, cristaleros, canteros, arrieros…-, que
impulsaron el desarrollo de las ciudades.
1. LA POLIFONÍA de poli = varias, y phonos = voces.
Aunque su aparición es muy temprana (S.X), no tiene gran importancia hasta finales del S. XII
La polifonía es el fenómeno musical más importante de la Historia por dos razones.
1.
El descubrimiento y desarrollo de las leyes de la armonía, esto es, la conjunción y encadenamiento
de sonidos simultáneos.
2.
Obligó a la creación de un sistema de escritura musical, dado que la música polifónica no se
memoriza fácilmente y los cantantes necesitan una guía escrita.
2.
ARS ANTIQUA.
Incluye los primeros cantos polifónicos. La base era un canto gregoriano o llano, al que se añadían segundas voces con
las siguientes fórmulas desarrolladas en la Escuela de Notre Dame de París.
Organum primitivo o paralelo. Las primeras polifonías se llamaban organum y discantus
Consiste en añadir a una melodía gregoriana denominada vox principalis, otra paralela a distancia tonal de 4ª ó 5ª,
denominada vox organalis.
Kyrie XI
-Ky
ri
e - e - - -
le i son
iij
Chri - ste - - -
- - -
- - -
-
le i son
Organum libre o melismático.
Tiene la vox principalis muy melismática, y la vox organalis llamativamente lenta y estática. A esta forma pertenecen
las obras más importantes son de Leonin y Perotin, en los que intercalan el canto llano completo entre los momentos
polifónicos, conociéndose esta práctica como Organum de Notre Dame.
Aleluya, de Leonin
Discantus.
Es el gran salto cualitativo de la polifonía. Consiste en que la vox organalis discurre por movimiento contrario: si una
voz sube la otra baja y viceversa. A cada nota o punctus, se le opone otra o contrapunctus (contrapunto es casi
sinónimo de polifonía). Es la base del conductus, que al aplicársele una tercera voz, derivó en el motete.
I sa - i -as ce –ci nit,
sy - na -go -ga me -mi
-nit Jes - se ra -dix e -xe -ret , vir- gam vir -ga
pro –fe –ret
Conductus Isaías cecinit, de Perotin.
29
3.
ARS NOVA
Es el título de un tratado de música aparecido en de 1320, de Philippe de Vitry, que supone el comienzo de la música
polifónica profana, de más vivacidad, que introdujo figuras más breves en la escritura musical.
Guillaume de Machaut 1300-72
El mejor poeta francés según Petrarca, además de clérigo, es el mayor compositor de la Edad Media. Compuso
canciones monódicas-, baladas y rondós polifónicos en el campo profano. En el religioso dejo compuesto numerosos
motetes y la primera misa polifónica completa conservada, la Messe de Notre Dame.
El Motete
Deriva del conductus de Perotin. Inicialmente fue de texto profano y político, con alusiones a personajes y hechos del
S. XIII parisino (Vitry y Machaut), pero con el tiempo sería exclusivamente religioso, definiéndose como es una
obra polifónica religiosa, con texto sacro no litúrgico, con una duración de entre tres y seis minutos.
4.
La Misa
Es la forma musical más importante de la Edad Media y del Renacimiento, similar en importancia a la Sinfonía para
Haydn, Mozart y Beethoven.
Consiste en poner música a las partes el Ordinario de la Misa o misa normal. Pero cuando la misa tiene una
dedicación – Misa de Navidad, Resurrección, Difuntos, etc.-, también se musicalizan las partes del llamado Propio de
la Misa, intercaladas en el Ordinario. Las primeras son las más comunes y abundantes:
Partes del Ordinario de la Misa
Partes del Propio de la Misa
Kyrie Eleison (Señor ten piedad)
Introitus
Gloria
Sequentia
Credo
Gradual
Sanctus/Benedictus (Consagración)
Offertorio
Agnus Dei (Cordero de Dios)
Communio
Ite, missa est (despedida)
30
EXAMEN III
LA MÚSICA EN EL RENACIMIENTO, ( renacer de la cultura clásica grecorromana).
1. LA ESCUELA FRANCOFLEMENCA
En música no hubo un renacimiento propiamente dicho, pues no había ningún ejemplo musical de la época clásica. Se
siguió perfeccionando los logros de la polifonía gótica, principalmente con misas y motetes, desde los tiempos de
Perotin y Machaut (Notre Dame).
El S. XV lo jalonan compositores como el inglés J. Dunstable (1385-1453), afincado en Borgoña, G. Dufay
(1400-74) y Josquin Desprez (1440-1521).. Fue celebrado por todos lo músicos del Renacimiento como el más
grande. Todos compusieron numerosas misas, motetes y canciones polifónicas.
2. ITALIA destacaron Palestrina y Monteverdi
Aquellos fueron llamados a Italia, donde trabajaron en las cortes de Mantua, Florencia, Ferrara y en la Capilla
Papal de Roma. El arte franco-flamenco de Josquin, y Orlando di Lasso fue asimilado y culminado por maestros
italianos como G. Palestrina con 103 misas y 330 motetes y C. Monteverdi, ya con estilo propio italiano.
EL MADRIGAL
El madrigal era una canción polifónica del Renacimiento. No alcanza gran categoría hasta la llegada de maestros
flamencos como C. de Rore o J. Arcadelt en ½ S XVI. El madrigal renacentista exige cantores instruidos; se
compone sobre sonetos de grandes poetas como Dante y Petrarca,. El Amor y la Naturaleza eran los contenidos
principales.
Los maestros italianos siguieron la senda flamenca, otra vez, y dejaron los mejores madrigales L. Marenzio y
Gesualdo da Venosa. Culminó le época C. Monteverdi (1567-1643) . Todos publicaron diversos libros de
madrigales, entre los que destaca el quinto de Monteverdi, que es plenamente barroco, al incluir la parte del bajo
continuo.
3. ESPAÑA
La Música Religiosa fue la mejor de España
La corte española también importó artistas y músicos flamencos desde los RR.CC. Las catedrales serían hasta el S.
XVIII los centros de formación musical en España. La música religiosa dio los mejores compositores a España, como
C. de Morales (1500-53), con 22 Misas, ochenta Motetes y T.L. de Victoria (1548-1611), además de veinte Misas
dejó la mejor Misa de Difuntos hasta el Réquiem de Mozart.; es el mayor compositor español.
La Música profana en España se hizo con
EL VILLANCICO Y EL ROMANCE
En España la música profana era de fuerte arraigo popular. El villancico era una forma popular sin vinculación
específica con la Navidad, que alterna un estribillo, la letra y música que se repetía, con las coplas o estrofas de
contraste. El compositor más destacado de estas formas fue Juan del Enzina (1468-1519).
El romance tiene un contenido poético mayor, pues era una adaptación polifónica de los antiguos romances
españoles, que narraban gestas amorosas de caballeros medievales.
4. LA MÚSICA INSTRUMENTAL DEL RENACIMIENTO
Los instrumentos participaban en obras polifónica sustituyendo o doblando voces y en la música de danza.
Tuvo un despegue considerable en instrumentos polifónicos, especialmente el órgano, el laúd y la vihuela. En
el primero destacó eminentemente el organista español Antonio de Cabezón (1510-66), burgalés y ciego de
nacimiento, que fue reconocido en toda Europa acompañando al séquito de Felipe II. Inventó la forma Variaciones,
que él llamaba diferencias, que consistía en presentar repetidas veces un tema con modificaciones armónicas, rítmicas
o melódicas. Esta forma fue muy útil en el futuro (Bach, Mozart, Beethoven o Brahms).
En Italia Fueron Andrea y Giovanni Gabrieli quienes dejaron abundante producción para órgano. En
Inglaterra destacó la música para virginal, especie de clavecín pequeño.
La vihuela tenía el aspecto parecido a una guitarra, pero de un sonido más cercano al laúd, preferido en Europa,
con timbres próximos al arpa. Los compositores como Luís de Mylan y Alonso de Mudarra, dejaron composiciones
de gran altura que atrajo tanto a las clases cultas como a las populares.
31
SEGUNDO TRIMESTRE
IV EXAMEN
A. MÚSICA Y MEDIOS DE COMUNICACIÓN:
1. GRABACIONES MUSICALES:
Entendemos como grabaciones el almacenamiento de sonidos por medios mecánicos que pueden volver a
reproducirlos. La partitura sólo cumple función de almacenamiento.
El invento del fonógrafo en l878 (como el de la luz eléctrica pocos años después) se debió al
norteamericano T.A. Edison; diez años más tarde E. Berliner inventó el gramófono, el primer tocadiscos.
Los primeros discos fueron de pizarra, luego de vinilo. Necesitaban una punta fina de diamante para leer el
surco (línea o grama) del disco.
Hacia 1930 en estudios radiofónicos de Centro Europa, se inventa la Cinta magnetofónica, que
permitía poder borrar lo grabado y acoplarse a la cinta cinematográfica, pasando el cine mudo a la historia.
En los años 60 Philips inventó el radio- cassette que funcionaba a pilas.
En los años cincuenta del S.XX se inventó el sistema estéreo, con el que se alcanzó un nivel de
calidad casi insuperable en condiciones óptimas de reproducción.
La tecnología láser permitió sustituir la aguja de diamante, (que no podía evitar la suciedad del surco
o chocar con los arañazos del disco, reproduciéndolos a modo de ruidos y chisporroteo), por un rayo lector
luminoso que atraviesa la placa de plástico que protege la grabación. Hablamos del soporte sonoro CD
(compact disc), comercializado desde 1980, un siglo después de las primeras grabaciones.
2. LA RADIO.
En 1888 el físico alemán H. hertz descubría lo que serían llamadas después ondas radiofónicas. Pero
es el italiano G. Marconi quien debe ser considerado el inventor de la radio seis años más tarde.
En la década de 1920 empezaron a emitir las primeras emisoras de radiodifusión. El aparato
radioreceptor, la radio a secas, resultó desde el principio mucho más barato que el gramófono. La
radiodifusión (la Radio) fue el mayor invento para poner la música al alcance de casi todos.
Ya no era necesario desplazarse a las salas de conciertos, a menudo en ciudades distantes, para oír una
buena orquesta o a un gran intérprete. Todo tipo de música se vio beneficiada porque, como en la ópera y en
el cine, la música es como el alma de la radio.
Podemos encontrar emisoras especializadas en muchos tipos de música, especialmente moderna,
como 40 principales o Cadena Cien, pero también hay emisoras en las que abunda el flamenco, canciones
para los más mayores, etc. En España hay una cadena de RNE dedicada a la música clásica: Radio Clásica
(antes Radio 2) en 93.7 FM.
3. LA TELEVISIÓN
Las primeras emisiones de televisión comenzaron en Berlín a principios de la década de 1930, siendo
los Juegos olímpicos de esa ciudad, en 1934, los primeros que se televisaron Pero al revés que la radio, no se
popularizó hasta pasados muchos años, concretamente en los años sesenta aquí, en España.
En lo que a la música se refiere no fue un gran avance, de manera que no es un competidor de la
radio. Para lo que sí sirvió fue para promocionar la imagen de los cantantes, difundir tanto sus video-clips
como sus excentricidades y hacer vivir del cuento a tantos que ya ni cantan ni nada.
El nivel de calidad de los programas de televisión es tan penoso que, músicos y cantantes de gran nivel,
empiezan a no querer aparecer en televisión, por no desprestigiarse.
En lo que a música clásica se refiere, se pueden ver conciertos retransmitidos en diferido por La 2 de
TVE los sábados o domingos a las ocho o las nueve de la mañana...
Actualmente en el canal TDT VEO se emiten grabaciones de conciertos clásicos y de óperas los
sábados y domingos, respectivamente, desde las 13.h.
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4. EL CINE.
Es un invento en el que participan Edison (la cámara de cine) y los hermanos Lumière (el proyector).
Posiblemente la mejor música que se crea y se oye hoy en día es la música de cine. Durante el primer
cuarto del S.XX, las películas eran mudas. En las salas de proyección se amenizaban con la ayuda de un
pianista o un grupo reducido de músicos, que tocaba en directo atentos a las secuencias.
Con la película El cantante de jazz, en 1927, nace el cine sonoro. Pronto se vio que se necesitaban
fondos musicales de calidad, recurriéndose al principio a páginas escogidas del repertorio clásico. Pero, como
en las óperas de los grandes románticos, como Wagner, Verdi o Puccini, se vio pronto la necesidad de una
música inspirada por el propio guión, por sus personajes y sus escenas.
Los directores de cine recurrieron a compositores vivos y famosos, como Prokofiev o Honneger para
encargarle trabajos específicos. Pero el cine necesitaba de nuevos artistas y fue surgiendo la figura del
compositor de bandas sonoras (música de cine).
Se denomina banda sonora a uno de los dos extremos del celuloide (lo película) que llevan grabados
sonidos (en cinta magnetofónica), con la música y los efectos sonoros. En la otra banda se graba la voz, y
puede borrarse para introducir los doblajes.
5. GRANDES COMPOSITORES DE CINE.
Los compositores de bandas sonoras son estrechos colaboradores de los directores: como los
realizadores, cámaras y actores, recibe una copia del guión e instrucciones para la música que se requiere. La
banda sonora premiada con algún oscar en Hollywood, Berlín o Cannes, es un aval importante para la
promoción de las películas.
Los autores más reconocidos deben la fama a su talento y a haber participado en grandes películas,
como por ejemplo: Max Steiner en Lo que el viento se llevó o Casablanca; Henry Mancini en Desayuno
con diamantes y La pantera rosa; Ennio Morricone en La muerte tenía un precio, El bueno, el feo y el malo
y La misión. El más importante es J. Williams, autor de Parque Jurásico y de Indiana Johnes
33
EXAMEN V
EL JAZZ Y SU EVOLUCIÓN: ORÍGENES, PRINCIPALES ESTILOS
EL JAZZ, INTRODUCCIÓN:
Es una música que se inventa en los Estados Unidos. Los compositores más importantes fueron: Louis
Armstrong y Glenn Miller
Al finalizar la guerra de Secesión (separación) norteamericana (1861-65) entre los estados del norte y
del sur (esclavistas), muchos negros liberados, que habían tocado en las bandas militares,. disueltas del
ejército vencido, inventaron el Jazz. Ensayaron toques de marchas con los ritmos de las canciones de trabajo,
work-songs, que tenían una acentuación musical inversa a toda la música occidental.
2. LOS WORK-SONGS, O CANCIONES DE TRABAJO
Eran canciones adaptadas al trabajo de la siembra y la siega, con un tiempo de compás largo y
arriba (levantamiento de la hoz) y otro breve y abajo de corte. Los movimientos tenían más de
lateralidad que de verticalidad, estableciendo desde pronto lo que iba a ser la constante de los bailes
modernos.
3. EL BLUE.
Es un tipo de canción en el que los esclavos negros expresaban, en la intimidad, el lamento de su condición,
pero también la resignación cristiana y un punto de esperanza. Cuando se acompañó de instrumentos que
además potenciaban sus ritmos, iba a convertirse en la base de la música moderna: el rhithm and blues.
4. EL RAGTIME.
Es una de las modalidades más antiguas y notables. Se manifiesta en piezas para piano con ritmos
acusados y sorpresivos. Literalmente significa ritmo (o tiempo) despedazado. Su mayor
te fue Scott Joplin (1868-1917), autor de títulos tan exitosos como The enterteiner y Maple leaf ragtime.
5. NUEVA ORLEANS Y CHICAGO (AÑOS 20).
En Nueva Orleans se empezó a difundir esta música ante el público, creándose allí las Big Band Jazz,
orquestas formadas de viento y percusión, a las que se añadió pronto el piano. La primera fue la Diexiland
Jazz Band, con clarinete, trompeta, trombón, batería (creación de ellos) y piano.
Buscando mejor fortuna en ciudades más ricas, los músicos de jazz remontaron el Mississipi y triunfaron en
Chicago, donde se consagraron nombres tan importantes como la propia Diexilan, “King” Oliver y Louis
Armstrong (cantante y trompetista).
34
EXAMEN VI
6. EL SWING (AÑOS 30 Y 40).
El éxito del jazz atrajo al público con el swing, cuyo significado –balanceo-, con un baile libre, de
movimientos laterales, que enganchó a la juventud hasta hoy. Sin duda los más importantes músicos de
swing fueron Glenn Miller y Benny Goodman.
Otros nombres importantes fueron el pianista Duke Ellintong, el jazzista más puro, y George
Gershwin, que adaptó el jazz a formas clásicas: rapsodias, concierto, ópera, etc.
7. EL ROCK & ROLL (AÑOS 50).
Mientras el público del swing se hacía viejo, en los años cincuenta surge un fenómeno nuevo, el R.&
R., vocablo que empleó el locutor Alan Freed, de Cleveland (USA), para denominar los ritmos marcados que
aparecían en aquella época. La primera canción que inicia este estilo fue Rock around the clock, de Bill
Haley and His Comet.
Los primeros triunfadores del R.& R. Fueron Chuck Berry y, sobre todo, Elvis Presley (1935-77)
que con canciones de gran calidad y un baile provocativo en el escenario, disparó el fenómeno fans. Las/os
fans de Elvis le doraron como a un dios. Protagonizó muchas películas de temática juvenil.
8. EL POP ROCK. (AÑOS 60).
En esta década grupos ingleses se van a alzar a la cabeza de la música moderna, con un conjunto
único, The Beatles, que moderaron los ritmos frenéticos y crearon canciones fáciles y pegadizas y buenos
arreglos musicales. Desde 1965 a 1970, año en el que se disolvieron, no dejaron de tener varios títulos a la
cabeza de las super ventas, hicieron las canciones Help!,y Yesterday, Hey Jude o Let it be.
Sus componentes: Paul McCartney, John Lennon, George Harrison y Ringo Star , sobre todo el
primero, hicieron por su cuenta algunas muy buenas canciones.
El grupo gran grupo competidor de ellos fue The Rolling Stones, que con su líder Mick Jagger, aún
llenan estadios cuando no suspenden la actuación. Su canción I can´t get no satisfaction, les lanzó a un lugar
de privilegio.
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TERCER TRIMESTRE
EXAMEN VII
EL BARROCO 1600-1750 (+ J.S. Bach)
Como gótico y medieval, barroco fue otro adjetivo despectivo en principio. Fue otra época gloriosa de la Historia del
Arte. Pero a diferencia del Renacimiento, esos años estuvieron marcados por guerras que desangraban Europa, los
artistas no tuvieron tanta y tan buena acogida y reflejaron las tensiones de una sociedad exuberante y grandiosa en la
Corte, pero doliente y miserable en los ámbitos urbanos.
El arte sigue teniendo base clásica, pero sus figuras no representan sosiego, sino acción, movimientos y
difíciles equilibrios. La arquitectura quiebra las líneas con entrantes y salientes, se parten los frontones, se retuercen las
columnas (salomónicas) y se incrustan relieves que mezclan lo lo lineal y geométrico con figuras en movimiento. El
movimiento es la característica más sobresaliente en el arte y en la música, cuyo sostén y motor será el bajo continuo
(b.c.)
1. CARACTERÍSTICAS DEL BARROCO MUSICAL
-
Se impone la música TONAL (con base en las T. D. y S.) sobre la música modal, con los tonos M. y m.
Equilibrio entre la producción musical religiosa y la profana, y entre la música vocal y la instrumental
EL BAJO CONTINUO –clave u órgano más cuerda grave*- es la característica principal del Barroco,
imponiendo un ritmo mecánico y evitando el estilo “a capella”.
El instrumento más representativo es el clavecín y la orquesta más definida es la de cuerda (o de arcos): 5V-I, 4VII, 3 Vlas, más el bajo continuo: 3 Vchs. , Cbjo. y Clave.
La música vocal es narrativa y de larga duración: la Ópera, el Oratorio y la Cantata. En la música. instrumental se
desarrollan la Sonata, la Suite y el Concierto.
MUSICA VOCAL
2. Nuevas formas de cantar.
Tanto la música religiosa como la profana eran narrativas, se preferían largas historias a poemas breves. Las
voces solistas cantaban fundamentalmente de dos modos:
- Recitativo, o manera de cantar hablando, silábico y con acompañamiento de b.c., para avanzar en la acción o
narración, que se detiene mucho con los números musicales más elaborados:
- Aria, o canción con acompañada de orquesta, parte musical más importante.
- Arioso a medio camino entre recitativo y aria, menos trascendente.
- El coro, que será la voz de la gente congregada.
3. LA ÓPERA. Es una obra de teatro cantada, a la manera de cómo se imaginaban el teatro griego. Consta de:
obertura, pieza orquestal de inicio, actores cantantes, coro y decorados. Pronto se definieron dos tipos de óperas:
La Ópera Seria, que trata de seres mitológicos o históricos relacionados con el pasado clásico. La primera de
estas óperas y modelo de las posteriores fue Orfeo, de Monteverdi. Las mejores fueron las de G. F. Händel: Julio
César, Agripina y Jerjes. Otros Compositores grandes fueron A. Scarlatti (I), H. Purcell(G.B.) y G. B. Lully (F).
La Ópera Bufa, o cómica, cuyos personajes son extraídos de la vida cotidiana urbana y popular. El prototipo
fue “La Serva Padrona”, de Pergolesi.
4. EL ORATORIO. Es música religiosa parecida a la ópera. Su argumento se adapta desde hechos bíblicos, pero no
es para el teatro, sino para cantarse en templos. También se sirve de oberturas, arias, recitativos y coros, pero los
cantantes no actúan, sólo prestan su voz a los personajes sacros. Nuevamente es Händel quien logra las mejores obras,
con Israel en Egipto, Sansón y la mejor y más universal: El Mesías, que incluye el celebérrimo Aleluya.
5.
LA CANTATA. Es música para ser cantada. Al sustituirse la polifonía por la monodia acompañada, fue útil
para episodios religiosos breves, como Parábolas o Salmos, y tuvo mayor desarrollo religioso, pero en origen fue
profana. Se conservan más de doscientas de J. S. Bach. Otros autores importantes fueron G. Carissimi (I) H. Schütz y
G. Ph. Telemann (A).
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6.
LA PASIÓN. Es una gran cantata centrada en el dogma fundamental cristiano: la Pasión, Muerte y Resurrección
de Cristo. G. P. Telemann compuso gran número de ellas, pero la P.S.S. Juan y la P.S.S. Mateo de Bach son obras
cumbres de la Música. Es la base de las películas sobre Jesucristo de tres siglos después.
EXAMEN VIII
MÚSICA INSTRUMENTAL
1. La música instrumental, libre de las limitaciones de los textos, adquiere gran desarrollo y se iguala en
importancia a la música vocal. Prosperaron las formas improvisatorias, como tocatas, recercares o fantasías.
En España prosperaron los tientos, diferencias y batallas para órgano, con buenos conpositores como J.B.
Cabanilles y F. Correa de Arauxo. En la guitarra destacó Gaspar Sanz. En el centro de Europa se
definieron y desarrollaron tres formas importantes a varios movimientos o partes contrastantes:
2. SUITE. Es una colección o selección de danzas diferentes Rondó, Aria, Badinerie, etc., para un
instrumento sólo o para orquesta. Va precedida de una obertura si es obra orquestal, y de un preludio si es
solística. De las primeras destacan las cuatro de Bach. Son igualmente importantes las tituladas Música
Acuática y Música Fuegos Artificiales, de Händel.
3. SONATA, o música para ser sonada, para solista y bajo continuo. es el comienzo de la música de
cámara. Se distinguieron la sonata da camera, cuyas partes eran danzas, y la sonata da chiessa (iglesia),
cuyas partes eran movimientos (tempos), allegro, andante, etc., de la que derivó la sonata clásica. Destacaron
maestros italianos como A. Corelli y G. Torelli.
4. CONCIERTO. Es una obra para instrumento solista y orquesta:. La palabra deriva de concertar, poner de
acuerdo. Es la forma más importante del Barroco a la música instrumental. Es una obra con tres
movimientos rápido-lento-rápido: allegro, andante y presto.
Para un único solista quedó la voz concierto para ( …) y orq., llegando a Vivaldi a componer más de
cuatrocientos, entre ellos las Cuatro Estaciones, que son cuatro conciertos para violín y orquesta. Bach dejó
varios para violín, Händel para órgano y Albinoni para oboe especialmente.
Para varios solistas se denominó concerto grosso, siendo los más célebres los seis Conciertos de
Brandenburgo de Bach y muchos de Händel..
EL CLASICISMO Es la época de Mozart y de Beethoven.
Es el neoclasicismo en Arte. El cansancio de la gran variedad de formas, estilos y adornos del Barroco, se despejó
volviendo a rescatar los elementos clásicos en estado puro, desapareciendo los adornos en columnas y frontones,
volviendo las figura al reposo y a la sencillez en pintura y escultura. En definitiva se buscaba la pureza de las líneas y
el dibujo (perfiles).
En música la línea es la melodía, fácil e inspirada. Conocemos más melodías de Mozart que de ningún otro
gran compositor; al talento se unía el gusto por lo equilibrado y proporcionado, cosas que nunca pasan de moda. El
término clásico usado como adjetivo se refiere a lo que no cambia ni necesita cambiar.
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EXAMEN IX
1. CARACTERÍSTICAS DEL CLASICISMO
- Se imponen la música profana sobre la religiosa, la instrumental sobre la vocal y el piano (piano-forte) sobre
el clave. Desaparece el b.c. El piano sustituye al clave
- La orquesta se asienta sobre la cuerda –12V-I, 10V-II, 8Vl, 6Vch, 4 Cb,- y parejas de viento –fls. Obs. Cls.
Fgts. Tpas. y Tptas, más otra de timbales. La orquesta tiene instrumentos de cuerda y de viento
- La música instrumental adopta globalmente la FORMA DE SONATA, 4 movs.: Allegro-Adagio-MinuetoAllegro en sonatas, tríos, cuartetos... y sinfonías.
- Beethoven concluye el Clasicismo iniciando el período siguiente, el Romanticismo, componiendo según sus
sentimientos y no según la moda.
2.
F.J. HAYDN (1732-1809).
Fue quien inventó la sinfonía y la sonata en una estructura con cuatro movimientos: allegro, adagio, minueto y allegro,
a lo largo de 78 cuartetos de cuerda (2 V., Vla, Vch.) y 104 sinfonías. La estructura serviría para todo tipo de
composiciones solísticas o de grupos, de manera que un trío es una sonata para tres instrumentos, un cuarteto para
cuatro… y una sinfonía es una sonata para orquesta.
Esta es la estructura en síntesis de una sonata, sinfonía, cuarteto, etc.
I Mov. Allegro . con introducción, opcional, lenta y solemne.
1ª Sección EXPOSICIÓN.
- Tema A, principal
- Puente modulante* enérgico.
- Tema B, en otra tonalidad (altura.
- Repetición íntegra
2ª Sección DESARROLLO
- Motivos principales sometidos a muchos cambios
3ª Sección REEXPOSICIÓN
- Tema A, en la tonalidad inicial
- Puente incompleto, poco enérgico**.
- Tema B, también en la tonalidad inicial. **
4ª Sección CODA: fragmentos finales de carácter conclusivo
II Mov. Andante.
o Adagio.
Alternancia indefinida de dos temas. También es frecuente
que tenga un solo tema en forma de Tema con Variaciones (A. de C.)
III Minueto o
Scherzo desde
Beethoven
Movimiento rítmico, descargado de emociones y tensiones.
IV. Allegro
En forma sonata como el primer movimiento.
3. W.A. MOZART (1756-91)
El talento de Mozart brilló desde los tres o cuatro años hasta su muerte. A los doce compuso una ópera, Bastián y
Bastiana, que aún se representa con éxito. A los dieciséis era artista maduro. Fue el mejor compositor de música
instrumental y vocal, lo que le sitúa en una posición única, pues Rossini, Verdi o Wagner, sólo fueron conocidos por
sus óperas, mientras que Beethoven sólo compuso una y Brahms o Bruckner ninguna.
Escribió 27 conciertos para piano y orquesta y un concierto para cada instrumento de viento madera (
),
elevando la categoría del género casi a la altura de la sinfonía. Con igual maestría compuso, y 41 sinfonías, veinte
sonatas para piano y abundantes tríos y cuartetos.
De sus óperas destacan Las Bodas de Fígaro, Don Giovanni y La Flauta Mágica.
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Murió dejando inconcluso el Réquiem, su obra más emotiva y romántica, fruto de un extraño encargo para el
que trabajó, fuertemente sugestionado, hasta la extenuación y muerte sin poderlo concluir. Siempre creyó que aquel
encargo provenía del más allá y que iba a ser para su propio funeral. Pero no tuvo funeral.
4.
L. v. BEETHOVEN (1770-1827)
Es el compositor más importante de la historia. Compuso 9 sinfonías y 5 conciertos para piano, sólo fueron igualados
en proporciones medio siglo después su muerte, pero no en calidad. Lo mismo ocurre con sus 32 sonatas y 17
cuartetos. Se le debe estudiar como clásico y romántico a la vez.
Fue contemporáneo del general Napoleón, el pintor F. Goya y del Almirante Nelson., logró lo que Mozart no
obtuvo: el respeto y la admiración a su persona, lo que se evidenció en el funeral de Beethoven, al que asistió toda la
ciudad de Viena. Al de Mozart no fue nadie.
También son románticos los títulos que empiezan a aparecer en algunas de sus obras, como las sonatas Claro
de Luna , La Tempestad o Appassionata; así como si Sinfonía Heroica (3) Sinfonía del Destino (5), etc., y la 9º y
última de sus sinfonía, la Sinfonía Coral, en la que incluyó el Himno a la Alegría de Schiller
39
EXAMEN X
EL ROMANTICISMO
1. CARACTERÍSTICAS DEL ROMANTICISMO
-
La música para piano es la más importante, difundida y fundamental.
Los compositores dotan a sus obras de títulos poéticos libres (
), o genéricos: Impromptus, Nocturnos,
Preludios, Fantasías, Baladas, etc. En las etapas de madurez los compositores se vuelven a las formas clásicas (FF.SS): sonatas, cuartetos,
sinfonías… estas últimas, cada vez más extensas, doblarán en duración a las de Mozart.
Franz Liszt crea el Poema Sinfónico.
Surge el Nacionalismo musical (Rimsky-K., Falla, Sibelius...), que eleva los ritmos y melodías populares a las
obras clásicas.
2.
LOS PIANISTAS DE LA PRIMERA GENERACIÓN
F. Schubert (1797-1728). Inició con fuerza la tradición del Lied (canción en alemán), componiendo más de
seiscientos. En la Música instrumental experimentó con grandes sonatas, cuartetos y nueve sinfonías. De sus piezas
breves destacan dos colecciones impromptus.
F. Mendelssohn (1809-47). Buscó el efecto de la poesía en el piano solo, distinguiéndose sus colecciones de
Romanzas sin Palabras. En sus sonatas y música de cámara, obtiene resultados muy desiguales, con obras maestras
como la Sinfonía Italiana (4ª) y el concierto para violín. Su marcha nupcial es la mas célebre de todas.
F. Chopin (1810-49). Compuso casi exclusivamente para piano, para el que escribió dos conciertos. Dejó en
colecciones de cuatro scherzos, baladas e impromptus. Es el gran héroe nacional polaco y el compositor de mejor
inspiración del Romanticismo.
R. Schumann (1810-56). Compuso colecciones de piezas muy breves: Papillons, Carnaval y Escenas de Niño
(Täumerei),. También dejó el mejor de los quintetos con piano y los lieder más interpretados, un gran concierto y
cuatro importantes sinfonías.
F. Liszt (1811-86). También hizo colecciones de piezas cada una con su título, con clara intención descriptiva, como
Armonías Poéticas y Religiosas, Años de Peregrinaje (Juegos de Agua) y de enormes dificultades técnicas. Sondeó la
inspiración infernal en su Sinfonía Dante, la diabólica en el Vals Mephisto y la muerte en Totentanz
3.
LOS SINFONISTAS DE LA SEGUNDA GENERACIÓN
C. Franck (1822-90). Este compositor belga, optimista y poco prolífico, revitaliza la música para órgano. En las
formas clásicas sólo hizo una sinfonía, una sonata para violín y piano, un cuarteto de cuerda y un quinteto con piano,
pero todas obras maestras.
J. Brahms (1833-97). Tardó mucho en componer su primera de cuatro sinfonías, todas de máximo nivel y las mejores
desde Beethoven, al igual que sus dos conciertos para piano y su concierto para violín, grandes en proporciones y
densidad. Muy autocrítico y de mal carácter, quemó parte de sus obras por no considerarlas lo suficientemente buenas.
P.I. Tchaikovsky (1840-93). Sólo las tres últimas de sus seis sinfonías son realmente importantes. Su primer concierto
para piano es el más célebre de la historia. Entre sus obras maestras figuran los mejores ballets: La Bella Durmiente,
Cascanueces y El Lago de los Cisnes. También compuso importantes poemas sinfónicos, como Romeo y Julieta, así
como la Obertura Solemne 1812, en honor de la victoria rusa sobre Napoleón.
A. Bruckner (1824-96). Algunos lo consideran el músico más grande de la historia. Sus nueve sinfonías son colosales
en sonoridad y duración, comparadas merecidamente en su grandeza con las catedrales góticas y en su potencia con los
tronantes órganos de sus interiores, instrumentos del que él era gran maestro.
40
EXAMEN XI
1.
LA MÚSICA PROGRAMÁTICA O DESCRIPTIVA
Es la música adaptada a la imagen y a los hechos que la inspiran, modelo para las bandas sonoras del futuro. El primer
paso importante es la Sinfonía Fantástica del francés H. Berlioz (1803-69), que agrega a la orquesta sinfónica
instrumentos propios del foso de la Grand Opera de París. Es la orquesta filarmónica o total, que suma a la sinfónica
o de concierto, instrumentos efectistas, como la celesta, arpas y percusión variada.
2.
EL POEMA SINFÓNICO
F. Liszt ( ) inventó el Poema Sinfónico, de un solo movimiento, en el que la estructura la imponía el argumento de
un título extramusical. Compuso sus trece poemas sinfónicos tienen referencias variadas: en Los Preludios un poema,
en La Batalla de los Hunos un cuadro, en Orfeo un mito. El siguiente gran compositor fue R. Strauss (1862-1949), con
Así Habló Zarathustra o Muerte y Transfiguración. También figuran Tchaikovsky (arriba), Rimsky-Korsakov, con
Scheherazade, Mousorgsky con Una N. en el Monte Pelado o P. Dukas, con El Aprendiz de Brujo.
LA ÓPERA ROMÁNTICA: Los compositores de ópera románticos más importantes fueron Verdi y Wagner
3.
VERDI Y PUCCINI
Está dominada por grandes y trágicos dramas amorosos. Estos últimos cuajan en la tradición italiana con G. Donizetti
con L´Elisir d´Amore, y con V. Bellini con La Sonámbula y Norma, que establecen el concepto del Bel Canto, con casi
todo el interés en las voces protagonistas.
G. Verdi (1813-1901), es el mejor de los operistas italianos, compitiendo en todas las facetas: Grand Ópera
en Aida y Nabucco; dramas como La Traviata, Rigoletto; o cómicas como La Forza del Destino. Firmó las melodías
más conocidas de la Ópera.
El último gran hito de la ópera italiana fue el Verismo, o realismo, con óperas en el que la tragedia no se limita
a un final truncado, sino que impregna gran parte de la obra. El más destacado es G. Puccini (1858-1924) con obras
como, Madame Butterfly y Tosca.
3.
WAGNER
Los elementos fantásticos son más atractivos en Alemania, ya sea el terror o lo diabólico en El Cazador
Furtivo, de K.Mª. von Weber, o las grandes leyendas y mitos germánicos como en la obra de R. Wagner (1813-83),
óperas colosales no superadas.
Si en Italia era la voz la protagonista, en Wagner lo es la orquesta, que extiende su actuación si pausas, que se
ha llamado la melodía infinita. El estilo grandioso de Wagner tiene su origen en La Grande Opera de París.
Sus óperas, como Tannhäuser, Tristán e Isolda y Parsifal, están extraídas de leyendas medievales, caballerescas y
artúricas. Pero su obra cumbre El Anillo de los Nibelungos, es una tetralogía mitológica que comienza en el mundo de
los dioses con El Oro del Rin y la Valquiria, y desciende mundo al humano de Sigfrido y El ocaso de los Dioses.
41
EXAMEN XII
1. EL NACIONALISMO
Las polonesas de F. Chopin y las rapsodias húngaras de F. Liszt abrieron una fuente de inspiración en la música
popular de cada país. Checoslovaquia, Hungría, Rusia, Noruega y España, países con fuerte tradición y colorido
folclórico, aportaron excelentes obras, principalmente escénicas. Cabe citar entre las óperas El Principe Igor de A.
Borodin, entre los rusos; Peer Gynt, de E. Grieg (N); La Vida Breve de M. de Falla (E).
En el ballet el propio Falla (1876-1946) aportó dos excelentes títulos: El Sombrero de Tres Picos y El Amor
Brujo; del ruso I. Strawinsky (1882-1971) destacó La Consagración de la Primavera
En la música instrumental destaca () la riqueza e inspiración de la música española, como en la Suite Española,
de piezas breves de Albéniz (1860-1909); y () la Sinfonía Sevillana de J. Turina (1882-1949); y el Concierto de
Aranjuez de J. Rodrigo (1901-99).
2. LA ZARZUELA: Es la ópera española.
Aunque su origen se remonta al S. XVII, es en las últimas décadas del S. XIX y primeras del S. XX cuando alcanza su
gran protagonismo. Alternando pasajes hablados con otros cantados, su temática es netamente desenfadada y española.
Se distinguen dos géneros: la Zarzuela Grande en dos y tres actos, y el Género Chico, con un solo acto y una hora de
duración.
En las primeras destacan F. A. Barbieri (1823-94), con Pan y Toros; F. Alonso (1887-1948), con La Calesera
y Las Leandras; P. Sorozábal (1897-1988), con La Tabernera del Puerto.
En el Género Chico están las obras más populares: La Revoltosa, de R. Chapí (1851-1909), La Verbena de la
Paloma, de T. Bretón (1850-1923) y La Boda de Luis Alonso y La Torre del Oro, del sevillano Gerónimo Giménez
(1854-1923).
3. POST-ROMANTICISMO
Después de Brahms y Bruckner las formas clásicas, esencialmente alemanas, como las sinfonías y conciertos, entraron
decadencia, esto es, no tuvieron continuadores.
Destacan Mahler (1860-1911) compuso nueve sinfonías, de tal importancia que se le considera el último de los
Grandes. Y Rachmaninov (1873-1943) escribió los últimos “super” conciertos para piano y orquesta y R. Strauss los
ultimos poemas sinfónicos y óperas óperas de estilo wagneriano. Convivieron con los movimientos innovadores o
”ismos”, que tendían a lo breve o moderado, como Neoclasicismo, Impresionismo, Dodecafonismo, etc.
4. NEOCLASICISMO
I. Strawinsky ( )que participó de la estética expresionista del S. XX, con música de fuertes impulsos y carente de
sentimentalismo en sus ballets ( ), volvió su atención a las viejas formas clásicas, como sinfonías, sonatas, conciertos
o música de cámara, pero con reducidas orquestas y sin las intensidades emotivas y grandiosas de los románticos.
En esta corriente se encuentran los rusos S. Prokofiev (1891-1953) y D. Shostakovich; el húngaro B. Bartok,
acaso el músico del S.XX mejor valorado; el finlandés J. Sibelius; y el danés C. Nielssen (1875-1931).
SIGLO XX: LOS ISMOS
Los “ismos” son una reacción al exceso de emotividad romántica. Como el Renacimiento, el S. XIX o siglo romántico,
fue época de expansión, con gran demanda cultural. Pero había empezado con las desangrantes Guerras Napoleónicas y
concluía con la Paz Armada, que estallará en el desastre de 1914-18 o Primera Guerra Mundial. Después vinieron dos
décadas de posguerra y de declive económico, y la Segunda Guerra Mundial (1939-45). Ante tales acontecimientos los
grandes artistas plasmaron lo que vieron, dibujando un mundo temible y temido.
La inminencia de las tragedias no cuajaba con el sentimentalismo romántico en la poesía, el arte y la música;
buscaban la evasión o se impregnaban de pesimismo.
42
EXAMEN XIV
1. CARACTERÍSTICAS
-
Comienza a desarticularse la música TONAL quitando importancia a las T.D. y S.:
Con el Impresionismo (Ravel y Debussy), la melodía se difumina entre la armonía; Strawinsky descompone
los ritmos regulares;
El Atonalismo de Schoenberg crea la anarquía armónica y melódica, es música fea muy difícil de
memorizar.
El Dodecafonismo (Schoenberg, A. Berg y Webern) ordena el Atonalismo: ninguna nota se repite sin que se
oigan las once restantes. Es la respuesta de la música al Expresionismo.
Finalmente la experimentación y la libertad de estilos excluyen caracteres generales. Un ejemplo de
compositor de éxito es C. Orff ( ), con nuevas musicalizaciones de canciones medievales goliardescas.
No hay que olvidar que, junto a las vanguardias, conviven tardorrománticos como S. Rachmaninov o R.
Strauss ( ).
2.
EL IMPRESIONISMO.
Es émulo del movimiento pictórico homónimo de Monet o Renoir. Estos pintores eliminaron el dibujo y sumergían las
figuras de sus cuadros en ambientes brumosos e intemporales. C. Debussy (1862-1918), se aproximó a este arte
difuminando la melodía (dibujo), con armonías y adormecedoras escalas exátonas, que crean atmósferas sosegadas y
húmedas. Sus títulos son sugerentes, como La Catedral Sumergida, Reflejos en el Agua, etc, para piano. Para orquesta
escribió los poemas sinfónicos como Preludio e la Siesta de un Fauno, su referencia capital.
Las técnicas impresionistas de Debussy tienen su origen en Liszt ( Juegos de Agua en la Villa D´Este)…, y
acaso fueron superadas por M. Ravel (1875-1937) en el piano con Ondina y en la orquesta con ballet Dafnis y Cloe,
aunque su mayor celebridad se la debe al repetitivo Bolero.
3.
EXPRESIONISMO: ATONALISMO Y DODECAFONISMO
El Expresionismo es un arte crudo que refleja la desesperación ante el sufrimiento. La belleza como inspiración deja
paso al efecto sórdido, la angustia o la decepción, descritas en la deformación de las figuras de P. Picasso, o ausencia
de detalles y de adornos en E. Munch. Finalmente desaparece la figura y aparecen la pintura y la escultura abstractas:
ésta con bultos amorfos; aquella con composiciones de colores y manchas.
A. Schoenberg (1874-1951) tradujo esta sensación al mundo de los sonidos, deformando la melodía y la
armonía, creando una anarquía sonora, en lo que se conoce como Atonalismo, evitando las secuencias TDTST, que
daban equilibrio a la música. La sistematización del atonalismo fue el Dodecafonismo, que establece el principio de
que no se repite una nota hasta haber sonado las otras once. Figuran junto a Schoenberg A. Berg y A. Webern, que
estableció la denominada melodía tímbrica: una nota por instrumento. De aquí derivó el Serialismo.
43
CD. NIVEL 2º E.S.O.
J. S. Bach (1.685-1.750)
Aria, de la Suite nº 3
Concierto de Brandenburgo nº4,
mov. 1º.
3. Badinerie de la Suite nº 2
1
2
W. A. Mozart (1.756-91)
4. “Kleine Nacht Musik
(Pequeña Serenata), mov.1º.
5 Sinfonía nº 40, en Sol m., mov.1º.
6 Sonata para piano nº 16, en Do M.
mov. 1º.
F. J. Haydn (1733-1809)
7. Cuarteto “Emperador”(nº 77)
mov 2º: tema con variaciones
W. A. Mozart (1756-91)
11. Requiem en Re : Introito de la
Misa de Difuntos
R. Strauss (1864-1949)
12 “Así Habló Zarathustra”
Poema sinfónico
R. Wagner ( 1.813-83)
13 La Cabalgata de las Walkyrias
(preludio del acto III de la ópera
“La Walkyria”).
P. I. Tchaikowsky ( 1.840-93)
14 Obertura Fantasía “Romeo y
Julieta (fragmento).
S. Prokofiev (1.891-1.953)
15. “Montescos y Capuletos”, del
ballet Romeo y Julieta.
L. v. Beethoven (1770-1827).
8. Sinfonía V, en Do , mov. 1º.
9. Sonata para piano n° 14, en Do # m,
mov. 1° ( = mov. 2°) “Claro de luna”
M. de Falla (1876- 1946)
16. “Danza Ritual del Fuego”,
del ballet El Amor Brujo”.
F. Liszt (1811-86)
10. Juegos de Agua en la Villa d´Este,
de “Años de Peregrinaje”.
M. Ravel (1875-1937)
17. Dafnis y Cloe
Ballet, 2ªSuite.
C. Orff (1.895-1.982)
18. Carmina Burana
“Fortuna Imperatrix Mundi”
44
ACTIVIDADES PREVISTAS. 1º y 2º: 1ª EVALUACIÓN
-
Desde el principio, y en todos los niveles hasta 4º de E.S.O., al alumno se le dotará de un guión
elaborado por el profesor, para realizar análisis auditivos de las músicas de todo tipo que se trabajen
en clase y en casa.
Es una actividad principal, y queda avalada por los muchos años de experiencia, por su eficacia
en la profundización de la música y por el aprecio posterior que demuestran a un repertorio,
mayoritariamente clásico, alumnos de todo nivel y aplicación. El contenido del guión figura en el
anexo de esta Programación, así como las principales obras musicales que se estudiarán durante el
curso y en cada nivel.
-
Experimentación con objetos vibrantes como diapasón, membranas, e instrumentos.
Estudio del pentagrama y del teclado como base de identificación gráfica de los sonidos. Aprender a
dibujar un teclado de forma rápida para hacer ejercicios.
- Conocimiento de las notas musicales –en clave de Sol en 1° y también de Fa en 2°-, como
determinación de alturas. Detectar mediante dictado musical cambios hacia graves o agudos.
- Estudio de las duraciones y su dependencia de las figuras y silencios. Aprender a marcar y detectar
compases elementales, durante la audición de obras musicales.
- Comprobación de los diferentes timbres con interpretaciones en diferentes instrumentos o registros
en el teclado electrónico.
- La música vocal hasta el Renacimiento contará con audiciones interpretadas “a capella
-
-
-
Ejercicios de escritura musical que agilicen el conocimiento de este lenguaje en niveles elementales,
suficientes para buscar detalles en partituras para seguir audiciones.
Sonorización de las melodías escritas en los ejercicios, rectificándolas hasta encajarlas en las
armonías de las notas Tónica, Dominante y Subdominante.
Audiciones musicales extraídas del repertorio clásico y popular, adecuadas al momento y al tema en
cuestión. Esta parte de las actividades es fundamental, por lo que cada alumno contará con una
plantilla elaborada por el profesor con guías para el análisis elemental.
Experiencias con el silencio general para identificar los múltiples ruídos de fondo.
Seguimiento del primer episodio del poema sinfónico de R. Strauss “Así Habló Zarathustra”, donde
se pueden identificar aspectos elementales de la escritura musical, causa principal de su impacto y
popularidad
Demostraciones sonoras con flauta, guitarra y violín, para observar en vivo el funcionamiento de los
fundamentos sonoros.
Actividades previstas 1º y 2º: 2ª EVALUACIÓN
- Demostraciones sonoras con flauta, guitarra y violín, para observar en vivo el funcionamiento de los
fundamentos sonoros.
- Proyectar videos de instrumentos, de interpretaciones musicales, etc.
- Control de la voz con ejercicios sencillos sobre intensidad, altura y duración, dosificando el aire.
Emitir sonidos máximos agudos y graves sin emplear falsete.
- Recitar un poema con pausas notables y correcta interpretación de la puntualización.
Ejercitar la marca del compás con los movimientos del director de orquesta, intentando acompañar
de gestos expresivos durante la audición de obras.
Analizar distintos tipos de melodías con diferentes texturas.
- Estudio elemental de partituras con diferentes formaciones instrumentales.
45
ACTIVIDADES PROPUESTAS EN 1º y 2º: 3ª EVALUACIÓN
Las actividades básicas de este bloque serán las audiciones, acompañadas en algunos casos por
partituras, que serán comentadas y preparada con las indicaciones pertinentes, escogidas entre las que se
ajustan a los modelos menos contradictorios.
- Analizar diversas melodías sencillas, extraídas de las audiciones del CD de 1º.
- Visión de vídeos de instrumentos y de interpretaciones instrumentales y vocales.
”, aunque se advertirá que no es el único modo.
- En el Barroco se hará lo contrario, con especial atención a la música instrumental, a
la forma concertante y al clavicémbalo. Se aprenderá la noción de “Bajo Continuo”.
- Con el Clasicismo se atenderá especialmente a la sinfonía, con las referencias de
Mozart y de Beethoven.
- En el Romanticismo se atenderá a obras muy relacionadas con sus títulos, tanto en
piezas para piano como en poemas sinfónicos.
- Como detalle de conexión con el siguiente guión, tendrá una especial mención las
músicas llamadas Concreta, Electrónica y Electroacústica.
-Entendida la exposición anterior, relacionada con la radiodifusión y con los nuevos
instrumentos nacidos en sus laboratorios, se entenderá con eficacia el fenómeno de las
músicas populares –Jazz, Rock, etc.-, y su llegada a las masas de público.
46
METODOLOGÍA 1º Y 2º DE LA ESO
La base de trabajo será, como en cursos anteriores, el seguimiento de un temario original elaborado
por el Departamento, presentado en un cuadernillo de fotocopias, que incluye los contenidos programados
Así mismo los ejercicios serán propuestos por el profesor según las necesidades de cada curso o de
cada caso personal, siempre atendiendo a la consecución de objetivos útiles, dado que las propuestas del
libro es demasiado amplia y absolutamente inabarcable en su totalidad.
1. Seguimiento del temario.
Como ya se indica al principio, el temario contiene sólo contenidos mínimos y está elaborado de
modo que todos los alumnos, con adaptación y sin ella, pueden seguir la lectura y los ejemplos e
ilustraciones de que se acompaña.
Las lecturas serán repartidas entre todos los alumnos, sin excepción, por lo que se tendrá en cuenta el
nivel de las mismas y su componente comprensivo. Las ilustraciones que necesiten mayor detalle
pueden ser proyectadas, ampliadas en detalle y complementadas por otras.
2. Preguntas de clase.
Sobre lo avanzado se sondeará el estudio diario, la atención al desarrollo de la materia, valorándose,
con el material abierto, la búsqueda en página, tema, apartado, párrafo y renglón del dato; de este modo se
desarrolla la capacidad de autonomía en el estudio, el carácter de investigación del mismo y la
comprensión general.
3. Pruebas escritas.
El temario se halla dividido en temas-examen, finalizado cada cual se procederá a realizar un examen
escrito. Dado que son breves y concisos se pedirá el desarrollo de uno o dos apartados. De cara a
recuperaciones y a evaluar mejor a alumnos con adaptaciones, se realizarán pruebas con preguntas de
breves enunciados y respuestas.
4. Audiciones
En cada nivel de la E.S.O. en el que se imparta esta Asignatura, se proporcionará, al menos, un CD
con grabaciones de obras o fragmentos del repertorio clásico fáciles de recordar y en buena me medida
conocidas, pero cuyos títulos y autores son ignorados. Con los ejercicios adecuados y con pautas de
análisis, esta ignorancia será superada con facilidad. Los contenidos de dichos CDs., como están sujetos a
cambios de un año para otro según su eficacia, se presentan en los anexos de esta Programación.
Según su oportunidad, la experimentación sobre hechos sonoros diversos –silencio, vibraciones,
ruídos de fondo, etc.-, será un recurso permanente y frecuentemente improvisado.
5. Análisis
Los ejemplos musicales más idóneos llevarán el auxilio de su correspondiente partitura, con lo que
las tareas de análisis se emprenderán recién adquiridos los conocimientos elementales de lenguaje
musical, con lo que los alumnos verán desde el principio su aplicación práctica.
Las audiciones musicales serán el complemento esencial de la metodología, pues añaden, a la
ilustración de los contenidos, el contacto directo con obras de arte de eminentes creadores, siendo ejemplo
permanente de los trabajos bien acabados. Como complemento se añadirán proyecciones de videos,
diapositivas y demostraciones instrumentales, pero sin perder de vista que es la sensibilidad de la humana
acción de escuchar, el objetivo de formación integral del alumno, así como manifestarse verbalmente con
los tonos más adecuados, los ritmos menos tensos y los gestos más armoniosos en sus relaciones con los
demás. Las plantillas a modo de guía para el análisis de audiciones y de partituras se presentan como
anexos al final de esta programación.
47
DEPARTAMENTO DE MÚSICA
OBJETIVOS DE LA 2ª ETAPA
OBJETIVOS
CONTENIDOS
1. Mantener una llamada de atención constante
sobre la base de respeto que debe presidir toda
actividad educativa. Fomento de la
colaboración y entendimiento entre alumnos de
edades dispares;
2. Poner en contacto al alumno con la música
de otros tiempos y de otros lugares del mundo,
especialmente Europa desde la Edad Media
Comentarios cotidianos de eventos del centro,
problemas particulares, noticias…; recordar
máximas y refranes que ayuden a entender y
mejorar nuestros comportamientos;
3. Ver las grandes semejanzas de los hombres
de una época y la actual, así como las grandes
diferencia. Papel de la tecnología como
realidad y su provecho para entender el
presente y el pasado.
Proyecciones de videos y reproducción de
obras musicales, con análisis formales y
comentarios de los gustos de los diferentes
lugares y las sucesivas épocas. Estudio de las
formas musicales y de sus creadores y
representantes.
4. Comprende las necesidades, demandas y
hábitos humanos en otros ambientes. Estudiar
las consecuencias en las manifestaciones
artísticas.
Definir los procesos de registro escrito, su
aparición y desarrollo, sus causas y los medios.
Estudiar la evolución de la música y de los
instrumentos musicales, así como la aparición
del registro en medios de grabación con la
misma consideración.
5. Entender, a través de y como base en la
música y los compositores españoles, el
discurrir de nuestra patria en la Historia. Ver
simultáneamente la participación extraordinaria
de Andalucía en el acervo cultural de España.
Estudiar las peculiaridades de nuestra música y
seguir paralelamente la evolución de otras
ramas de las manifestaciones humanísticas,
incidiendo en las influencias desde nuestra
región y en las consecuencias sobre la misma.
6. Acercarse a la realidad musical con la
participación directa en la ejecución y en la
participación como público
Recuerdo o aprendizaje de las nociones básica
de la escritura musical. Realización de
ejecuciones sencillas en el teclado a dos
manos. Asistencia a algún evento musical de
temporada con alumnos del Centro.
Estudio de las condiciones sociales, culturales
y económicas de las sociedades en las que se
producen los acontecimientos musicales que se
suceden en los diversos desarrollos temáticos.
48
4º de E.S.O.
OBJETIVOS MÍNIMOS
TEMA I :
ANTIGÜEDAD Y EDAD MEDIA
EDAD MEDIA (tras el fin del Imperio Romano S.V ).
La caída del Imperio Romano de Occidente tuvo como consecuencia la ocupación de los territorios por
numerosos pueblos germánicos, contenidos durante siglos en la fronteras naturales de los ríos Rin y Danubio,
que invadieron el debilitado y corrompido Imperio Romano, usurparon el poder, pero fueron incapaces, por
salvajes, de ordenar social y económicamente lo conquistado. La civilización romana se hundió en pocos años
y los libros, archivos y muebles sirvieron para avivar chimeneas en invierno.
Pero hasta que sucedieron las grandes invasiones del S.V. las misiones cristianas habían cruzado las
fronteras y evangelizado a los bárbaros en sus antiguos asentamientos, por lo que las pertenencias de la Iglesia
como templos, abadías y monasterios, fueron respetados con sus importantes bibliotecas. Durante muchos
siglos, estudiar sólo iba a ser posible dentro de los monasterios, por lo que la arquitectura, el arte, la música, la
literatura o la filosofía de la Edad Media, iban a ser eminentemente religiosas. En los últimos siglos de la
Edad Media se iban a suceder dos grandes estilos artísticos difundidos por Europa, desde Francia, por monjes
benedictinos en ambos casos.
EL ROMÁNICO (Ss. X-XII)
Se define en arquitectura por construcciones –templos y abadías en general-, de gruesos muros con
contrafuertes, estrechos ventanales, arcos de medio punto -abiertos o cegados-, y bóvedas de cañon. Son
edificios poco luminosos y resonantes, ideales para la oración, la meditación y el recogimiento.
En Música impera la monodia, pero desde el S.X empieza a practicarse una polifonía rudimentaria.
EXAMEN 1.
1.
EL CANTO GREGORIANO
Es la manifestación musical propia del Románico. Es música religiosa monódica, cantada al unísono y a
capella por la congregación de monjes o monjas, a los que se pueden sumar los feligreses.
Procede de los cánticos sinagogales judíos adecuados a la entonación sobre notas y escalas de origen
griegos, de las que surgen los ocho modos o escalas gregorianas. A estos modos se debe su matiz arcaico y
sacro.
Características del Canto Gregoriano
1. El texto cantado, en latín, se extrae de cualquiera de los setenta libros de la Biblia, destacando las
grandes colecciones de Himnos, Salmos, Antífonas y Misas.
2. La claridad del texto es fundamental, por eso hay una pausa al final de cada frase en la que se
aprecian los ecos característicos del edificio románico y del propio Canto Gregoriano. La desigual longitud de
las frases hacen imposibles los ritmos a los que estamos habituados, binarios o ternarios, porque estos
proceden de la métrica de los versos.
3. Se escribe en tetragramas y con notación cuadrada.
4. Según la relación nota-sílaba se distinguen varios estilos:
- Silábico: una nota por sílaba, propio de textos muy trascendentes.
- Neumático: dos, tres o cuatro notas por sílaba.
- Melismático o florido: muchas notas en algunas sílabas.
El primero y el último se observarán siempre en todo tipo de música, pero el Neumático es genuino del Canto
Gregoriano.
LECTURA
El canto mozárabe.
Se llamaron mozárabes los cristianos que no abandonaron su religión cuando España fue invadida por los
musulmanes a partir de 711. Las reformas llevadas a cabo por el Papa San Gregorio el Magno (590-604) se
imponían con lentitud; no en vano gran parte del repertorio gregoriano proviene del norte de Francia y sus de
Alemania, y es casi todo posterior al S. VIII.
49
En España se consolidó el llamado canto mozárabe, difícil de distinguir del gregoriano, hasta el S. XI.
Debido a la invasión que sufrimos en aquellos siglos las relaciones con Roma no eran fáciles; no obstante en
Toledo siempre hubo un nutrido clero y eminentes obispos, siendo un centro cristiano que nunca perdió su
relevancia desde los primeros siglos de la cristiandad; fue la capital del mundo mozárabe. Pero faltos de tales
contactos no conocieron a tiempo la escritura musical, de modo que se transmitieron los cantos por tradición
oral, siendo dificultoso saber cómo fueron en su origen y su floración entre los Ss. VI-VII.
1. EL TEMPLO ROMÁNICO Y EL CANTO GREGORIANO
La resonancia de una habitación vacía se debe a la uniformidad de las paredes y a su falta de relieve. Una vez
que la llenamos de cosas esa reverberancia desaparece.
En las paredes de los templos románicos el poco relieve lo daban pequeñas ventanas, de modo que el
sonido se reflejaba y flotaba en el ambiente. Además, la poca luz ofrece un interior de penumbra y un
aislamiento del mundo exterior, condiciones excelentes para la meditación.
La retirada a los monasterios de clausura es una renuncia a los engaños del mundo. No es un invento
cristiano, pues en la Antigüedad lo hicieron no pocos filósofos, que se retiraban al desierto, eremós en griego,
de donde deriva eremita, hombre apartado, y ermita, templo alejado de la población.
Con el cristianismo se multiplicó ese deseo de apartarse para contemplar los grandes misterios de la
existencia. Pronto se vio la conveniencia de reunirse en comunidades para hacer más llevaderas las dificultades
de vivir aislados, como techo y comida, por lo que se fundaron órdenes religiosas que, para ser fieles al deseo
de soledad, se dotaron de normas muy severas de vida en comunidad, relativas al trabajo, la lectura y la
oración.
El Canto Gregoriano, con su ausencia de ritmo, con su estilo pausado, con la acumulación de voces,
resultó un acceso a la belleza diferente a las opciones mundanas. Y el templo románico su caja de resonancia
más adecuada. Es la música religiosa por antonomasia.
ESCRITURA MUSICAL
Todos hemos memorizado canciones sin necesidad de tener estudios musicales. La música es la más grata de
las artes y le gusta a casi todo el mundo. Pero lo que se cantaba y se canta tiene una base versificada: la música
nace de la poesía, es hija de la métrica y la entonación, de la belleza hablada.
Con la aparición de la polifonía surge un problema, se necesitan voces que se tienen que acompasar
con una pauta. Surge la necesidad de escribir los sonidos y sustituir a la memoria. El monje Guido d´Arezzo
(995-1050) sería el que idearía un sistema de líneas (pautas) para establecer alturas, y un nombre para estas
alturas, las notas. Estos fueron tomados de la primera sílaba de los seis versos iniciales de un himno a San Juan
Bautista, que comenzaban una nota más alto que el anterior. La séptima nota se tomó de las iniciales de Sanct
Ihoannes.
GREGORIANO: DENOMINACIÓN
El Canto gregoriano debe su denominación a San Gregorio Magno, Papa de 590 a 604. En los primeros
siglos posteriores se le había atribuido a él la creación y composición de toda esta música. De esta suerte se
consideró intocable, cosa que se manifiesta en la denominación cantus firmus a la melodía base gregoriana
sobre la que se construyeron las primeras polifonías. Pero S. Gregorio no creó tal música: en su inmensa labor
de unificar el culto cristiano y, en lo referente a la música, podría decirse que describió las características que
aquí estudiamos.
Catedral de Notre Dame de Paris.
Vidriera de la Catedral hispalense.
LECTURA.
El Canto gregoriano fue la primera música que se escribió. Los monjes encargados de escribir la música fueron también
los que registraron la música profana, pero sólo la parte cantada monódica, sin tener en cuenta el acompañamiento
instrumental, que era improvisado y dependía del intérprete. Tal menester se debió al influjo e interés de la nobleza, que
disfrutaba del prestigio derivado de las Cruzadas, que obtenían fácilmente el favor de los abades de los monasterios por su
protección y por las generosas donaciones.
50
Las largas estancias invernales en los castillos favoreció el desarrollo de la vida cortesana, que ideaba cada vez
más pasatiempos: juegos de mesa, música, danza, actuaciones de malabaristas, títeres, etc. Entre ellos destacó por el valor
de la poesía y de la música el trovador, que, además de componer canciones amorosas, cantaba las gestas del señor del
castillo, de sus antepasados o de sus nobles.
LA MÚSICA PROFANA:
2. LOS TROVADORES
Eran poetas músicos que amenizaban las reuniones cortesanas en los castillos. Cantaban en lengua vernácula,
por lo que sus canciones se popularizaron y fueron difundidas por ellos mismos y por los juglares, portadores
de pequeños espectáculos ambulantes (payasos, títeres, etc. y música).
Al regreso de las Cruzadas, muchos nobles de todos los rangos, enriquecidos o no, tenían muchas
hazañas y sentimientos que contar tras largas y lejanas ausencias. Esto motivó el auge de la vida cortesana,
donde los trovadores versificaban y cantaban las hazañas bélicas y las historias de amor, propias o de sus
señores, cuya música fue transcrita a notación por monjes.
3. Características de la música trovadoresca.
A diferencia del Canto Gregoriano esta música si poseía ritmo, principalmente ternario. Solían
acompañarse de instrumentos como laúdes, pero con arpegios a la entrada y al final de cada verso (recitativo).
Según la zona y la lengua que usan se distinguían propiamente los trovadores, que cantaban en langue
d´Oc, aquitano o provenzal (SO. de Fr.); los troveros en langue d´Oïl (N. de Fr.); y los minnesänger, que
empleaban el alemán.
Muchos fueron nobles, como Guillermo IX, Duque de Aquitania, y su bisnieto, Ricardo Corazón de
León. Otros como Marcabrú, Bernart de Ventadorm y Adam de la Halle eran poetas protegidos de sus
cortes. A ellos se deben leyendas medievales, relatos y poemas artúricos como El Cuento del Grial, del trovero
Crètien de troyes, auténtica novela de caballería.*
4. LAS CANTIGAS
En España se desarrollan composiciones similares conocidas como Cantigas, pero con poca presencia de
hechos de armas. Su mayor importancia se debe a la colección compilada por Alfonso X El Sabio, (1226-84)
Cantigas de Santa María, con cuatrocientas diecisiete composiciones
Martín de Códax, llamado el Juglar de Vigo, dejó una valiosa colección, las Cantigas de Amigo.
(Canción en latín)
Fueron estudiantes de todas partes que se desplazaban a los monasterios más prestigiosos de Europa, para
completar sus estudios, antes de la creación de las universidades*.
Pero los libros estaban en latín y esa era la lengua en que se entendían, y en las que dejaron numerosas
canciones en latín recogidas en dos importantes colecciones: Carmina burana (canciones profanas) y Catuli
carmina (canciones de Catulo).
Su temática, con frecuencia irreverente y atrevida, se refiere a la trilogía de la diversión juvenil de
siempre: las mujeres, el vino y la sátira.
LA CATEDRAL Y LA UNIVERSIDAD DE PARIS
Junto a la de Bolonia (It.), la de Oxford y la de Salamanca, la Universidad de París inicia una nueva etapa del
saber y la investigación. En París se formó la universidad entorno a la Catedral de Notre Dame, y la presencia
y obra de los primeros grandes compositores polifónicos Leonin (1135-1201) y Perotin (1183-1236), es un
producto de primer orden de la suma de talentos que se congregaban en París. No en balde fueron distinguidos
con la latinización de sus nombres como Magister Leoninus y Magister Perotinus, que crearon el primer estilo
de música reconocible en otros autores, el estilo o Escuela de Notre Dame.
Contemporáneo de Perotin fue el teólogo Pedro Abelardo, que impartió clases en aquella Universidad.
Enamorado y casado en secreto con una alumna suya, Eloisa, se convirtieron en amantes de leyenda, como
Dante y Beatriz, o Petrarce y Laura. Su opositor, Bernardo de Claraval, San Bernardo, fue el más ilustre
benedictino desde el fundador de la orden, S. Benito de Nurcia. Una generación después impartiría su
magisterio el sabio más grande de la Edad Media: Santo Tomás de Aquino, patrón tradicional de los
estudiantes.
5. LOS GOLIARDOS
51
EXAMEN II
EL GÓTICO (SS. XIII-XIV)
Es el período artístico y creativo más genuinamente medieval, sin reminiscencias clásicas. Está definido en
arquitectura por el arco ojival o apuntado, arbotantes, enormes vidrieras que sustituyen a los muros y alturas
extraordinarias.
Aunque afectó a la construcción de castillos y puentes, son las catedrales el testimonio más espectacular de
este arte, que necesitó de tantos y tan variados artesanos –herreros, leñadores, carpinteros, cristaleros, canteros,
arrieros…-, que impulsaron el desarrollo de las ciudades.
1. LA POLIFONÍA (de poli = varias y phonos = voces)
Aunque su aparición es muy temprana (S.X), no tiene gran importancia hasta finales del S. XII
La polifonía es el fenómeno musical más trascendente de la Historia por dos razones.
3.
El descubrimiento y desarrollo de las leyes de la armonía, esto es, la conjunción y
encadenamiento de sonidos simultáneos.
4.
Obligó a la creación de un sistema de escritura musical, dado que la música polifónica no
se memoriza fácilmente y los cantantes necesitan una guía escrita.
2.
ARS ANTIQUA.
Incluye los primeros usos polifónicos. La base era un canto llano o gregoriano, al que se añadían segundas
voces con las siguientes fórmulas desarrolladas en la Escuela de Notre Dame de París.
Organum primitivo o paralelo.
Consiste en añadir a una melodía gregoriana denominada vox principalis, otra paralela a distancia tonal de 4ª ó
5ª, denominada vox organalis.
Kyrie XI
-Ky
ri e - -
e - -
le i son
iij
Chri - ste - - -
- - -
- - e
- -
-
le i son
Organum libre o melismático.
Tiene la vox principalis muy melismática, y la vox organalis llamativamente lenta y estática. A esta forma
pertenecen las obras más importantes de Leonin y Perotin, en los que intercalan el canto llano completo entre
los momentos polifónicos, conociéndose esta práctica como Organum de Notre Dame.
Aleluya a dos voces, de Leonin
Discantus.
Es el gran salto cualitativo de la polifonía. Consiste en que la vox organalis discurre por movimiento contrario:
si una voz sube la otra baja y viceversa. A cada nota o punctus, se le opone otra o contrapunctus (contrapunto
es casi sinónimo de polifonía). Es la base del conductus, que al aplicársele una tercera voz, derivó en el motete.
I sa - i -as ce –ci nit,
sy - na -go -ga me -mi
-nit Jes - se ra -dix e -xe -ret , vir- gam vir -ga
pro –fe –ret
Conductus Isaías cecinit, de Perotin.
52
3.
ARS NOVA
Es el título de un tratado de música aparecido en de 1320, de Philippe de Vitry, que supone el comienzo de la
música polifónica profana, de más vivacidad, que introdujo figuras más breves en la escritura musical.
Guillaume de Machaut 1300-72
El mejor poeta francés según Petrarca, además de clérigo, es el mayor compositor de la Edad Media. Compuso
canciones monódicas-, baladas y rondós polifónicos en el campo profano. En el religioso dejo compuesto
numerosos motetes y la primera misa polifónica completa conservada, la Messe de Notre Dame.
El Motete
Deriva del conductus de Perotin. Inicialmente fue de texto profano y político, con alusiones a personajes y
hechos del S. XIII parisino (Vitry y Machaut), pero con el tiempo sería exclusivamente religioso,
definiéndose como una obra polifónica, con texto sacro no litúrgico, con una duración de entre tres y seis
minutos.
4.
La Misa
Es la única y gran forma musical de la Edad Media y del Renacimiento, similar en importancia a la Sinfonía
para Haydn, Mozart y Beethoven.
Consiste en poner música a las partes el Ordinario de la Misa o misa normal. Pero cuando la misa tiene
una dedicación – Misa de Navidad, de Resurrección, de Difuntos (Réquiem), etc.-, también se musicalizan las
partes del llamado Propio de la Misa, intercaladas en el Ordinario. Las primeras son las más comunes y
abundantes:
Partes del Ordinario de la Misa
Partes del Propio de la Misa
Kyrie Eleison (Señor ten piedad)
Introitus
Gloria
Sequentia
Credo
Gradual
Sanctus/Benedictus (Consagración)
Offertorio
Agnus Dei (Cordero de Dios)
Communio
Ite, missa est (despedida)
53
EXAMEN III
LA MÚSICA EN EL RENACIMIENTO.
Renacimiento significa renacer de la cultura clásica grecorromana antigua.
1. LA ESCUELA FRANCOFLEMENCA
En música no hubo un renacimiento propiamente dicho, pues no había ningún ejemplo musical de la época
clásica. Se siguieron perfeccionando los logros de la polifonía gótica, principalmente con misas y motetes, que
siempre tuvo su referente en la zona norte de Francia y PP.BB. (Borgoña y Flandes), desde los tiempos de
Notre Dame.
El S. XV lo jalonan compositores como el inglés J. Dunstable (1385-1453), afincado en Borgoña, G.
Dufay (1400-74) y J. Ockeghem (1420-96) y Josquin Desprez (1440-1521).. Fue celebrado por todos lo
músicos del Renacimiento como el más grande. Todos compusieron numerosas misas, motetes y canciones
polifónicas.
2.
ITALIA Y ROMA
Aquellos fueron llamados a Italia, donde trabajaron en las cortes de Mantua, Florencia, Ferrara y en la
Capilla Papal de Roma. El arte franco-flamenco de Josquin, y Orlando di Lasso fue asimilado y culminado
por maestros italianos como G. Palestrina (103 misas y 330 motetes) y C. Monteverdi, ya con estilo propio
italiano.
EL MADRIGAL
El madrigal era una canción polifónica medieval. No alcanza gran categoría hasta la llegada de maestros
flamencos como C. de Rore o J. Arcadelt en ½ S XVI.El madrigal renacentista se compone sobre poemas de
grandes poetas como Dante y Petrarca, exigiendo un grupo de cantantes instruidos. El Amor y la Naturaleza
eran los contenidos principales.
Los maestros italianos siguieron la senda flamenca, otra vez, y dejaron los mejores madrigales L.
Marenzio y Gesualdo da Venosa. Culminó le época C. Monteverdi (1567-1643) . Todos publicaron
diversos libros de madrigales, entre los que destaca el quinto de Monteverdi, que es plenamente barroco, al
incluir la parte del bajo continuo.
3.
ESPAÑA
La Música Religiosa
La corte española también importó artistas y músicos flamencos desde los RR.CC. Las catedrales serían hasta
el S. XVIII los centros de formación musical en España. La música religiosa dio varios de los mejores
compositores de la época ya mencionados, como C. de Morales (1500-53), con 22 Misas, ochenta Motetes, F.
Guerrero (1528-99) autor de un Liver Vesperorum; y 16 Magníficats; y T.L. de Victoria (1548-1611),
además de veinte Misas dejó los Oficios de Semana Santa y la mejor Misa de Difuntos hasta el Réquiem de
Mozart.
EL VILLANCICO Y EL ROMANCE
En España la música profana era de fuerte arraigo popular. El villancico era una forma popular sin vinculación
específica con la Navidad, que alterna un estribillo, la letra y música que se repetía, con las coplas o estrofas
de contraste.
El romance tiene un contenido poético mayor, pues era una adaptación polifónica de los antiguos
romances españoles, que narraban gestas amorosas de caballeros medievales.
El compositor más destacado de estas formas fue Juan del Enzina (1468-1519).
4.
LA MÚSICA INSTRUMENTAL DEL RENACIMIENTO
Adquiere autonomía de la música vocal. Participaba en obras polifónica sustituyendo o doblando voces. En la
música de danza era importante.
Tuvo un despegue considerable en instrumentos polifónicos, especialmente el órgano, el laúd y la
vihuela. En el primero destacó eminentemente el organista español Antonio de Cabezón (1510-66), burgalés y
ciego de nacimiento, fue reconocido en toda Europa acompañando al séquito de Felipe II. Inventó la forma
Variaciones, que él llamaba diferencias, que consistía en presentar repetidas veces un tema con
modificaciones armónicas, rítmicas o melódicas.
Esta forma tuvo enorme trascendencia en el futuro en manos de Bach, Mozart, Beethoven, Chopin o
Brahms.
En Italia Fueron Andrea y Giovanni Gabrieli quienes dejaron abundante producción para este
instrumento. En Inglaterra destacó la música para virginal, especie de clavecín pequeño. En Europa se prodigó
la música para laúd, mientras en España lo hacía la compuesta para vihuela.
54
La vihuela tenía el aspecto parecido a una guitarra, pero de un sonido más cercano al laúd, con timbre
próximo al arpa. Los compositores como Luís de Mylan, Luís de Narváez, Alonso de Mudarra y Diego
Pisador, dejaron composiciones de gran altura que atrajo tanto a las clases cultas como a las populares.
LECTURAS DEL RENACIMIENTO I
Es el período más importante de la Historia del Arte. La consolidación de grandes naciones como España,
Francia e Inglaterra permitirá en Europa una época de prosperidad no conocida desde la dominación romana.
Las siempre prósperas ciudades-estado italianas como Venecia, Génova o Florencia, pudieron redoblar su
negocio comercial con nuevos clientes y mayor seguridad, atrayendo a los grandes pintores y músicos
flamencos, élite del esplendor gótico final.
Con la proliferación de universidades y el progreso económico y técnico, multiplicó
extraordinariamente el número de estudiosos y permitió conocer en toda su magnitud el gigantesco mundo
cultural de Grecia y Roma, que daba sentido a las impresionantes edificaciones milenarias aun intactas: arcos
de triunfo, acueductos, puentes, etc., como el Partenón y el Coliseo, que permanecían completos entonces.
Arte, literatura, filosofía, historia, etc., fueron estudiados y rápidamente imitados. Surgieron
masivamente émulos renacentistas que retomaron aquella cultura y llenaron la cultura con sus nombres:
Rafael, Leonardo, Miguel Ángel, Bruneleschi, Donatello, Guttenberg, Galileo, Copérnico, Colón, etc.
El Mundo Clásico estuvo hecho a la medida del hombre (de hecho medían con la pulgada, el palmo, el
pie, el codo, la braza…), de sus problemas e ideas, por lo que la anterior cultura Teocéntrica medieval se vio
sustituida por otra antropocéntrica: Dios ya no era el único objeto de meditación ante la fascinación del
Hombre y sus logros. A estos nuevos pensadores e investigadores se les llama desde entonces humanistas.
Estos despreciaron la época precedente “lo que media entre Roma y nosotros”, (de aquí Edad Media), y
denominaron despectivamente gótico (godo o bárbaro) al arte anterior.
El cambio de época fue acentuado por eventos históricos, como la caída de Constantinopla (I.R.Or.),
en 1453 y el descubrimiento de América, o tecnológicos como la invención de la imprenta en 1450, la brújula
y el telescopio.
La Creación de Adán, Capilla Sextina del Vaticano, antes y después de la restauración
La Capilla Sixtina debe su nombre al Papa Sixto IV della Rovere (pontífice desde 1471 hasta 1484) quien hizo
reestructurar la antigua Capilla Magna entre el año 1477 y el 1480. La decoración del s. XV de las paredes
incluye: las falsas cortinas, las Historias de Moisés (paredes sur - entrada) y de Cristo (paredes norte - entrada) y
los retratos de los Pontífices (paredes norte - sur - entrada). Fue realizada por un equipo de pintores formado
originariamente por Pietro Perugino, Sandro Botticelli, Domenico Ghirlandaio, Cosimo Rosselli, coadyuvados
por sus respectivos talleres y por algunos de sus colaboradores más estrechos entre los que destacan Biagio di
Antonio, Bartolomeo della Gatta y Lucas Signorelli. Sobre la bóveda, Pier Matteo d'Amelia pintó un cielo
estrellado. La realización de los frescos tuvo comienzo en 1481 y se concluyó en 1482. A esta época se
remontan también las siguientes obras en mármol: el tranqueo, el coro, y el escudo pontificio encima de la
puerta de entrada. El 15 de agosto de 1483 Sixto IV consagró la nueva capilla a la Asunción de la Virgen y la
dedicó a ella. Julio II della Rovere (pontífice desde 1503 hasta 1513), sobrino de Sixto IV, decidió modificar
parcialmente la decoración de ésta, confiando el encargo a Miguel Ángel en 1508, quien pintó la bóveda y los
lunetos, en la parte alta de las paredes. En octubre de 1512 el trabajo había terminado y el día de Todos los
Santos (1° de noviembre), Julio II inauguró la Sixtina con una misa solemne. En los nueve recuadros centrales
se hallan representadas las Historias del Génesis, desde la Creación hasta la Caída del hombre, el Diluvio y el
nuevo renacer de la humanidad con la familia de Noé.
55
LECTURAS DEL RENACIMIENTO II
La Hansa. Fue una confederación de importantes ciudades alemanas como Lübeck, Bremen y
Hamburgo, creada en el S.XIV con fines comerciales, que crearon una zona segura de circulación
comercial. Dado que el norte de Francia era su límite occidental y Austria el occidental, con sus
dominios del norte de Italia, el intercambio entre los extremos de Europa fue fructífero, conectando
desde Suecia e Inglaterra hasta Sicilia.
De especial importancia en el Renacimiento es la afluencia de pintores y músicos flamencos a
Italia, aportando la insuperable técnica lograda en el último periodo gótico o Gótico Internacional .
Entre los primeros figuran V. van Eyck y R. van der Weyden, así como los alemanes A. Durero y M.
Grünewald.
La Iglesia Católica.
Con sede en Roma, fue siempre la confesión cristiana más importante y extraordinariamente influyente. En los
primeros siglos del cristianismo el obispo (epíscopus=protector) de Roma, (el Papa), no era de rango superior
al de Constantinopla (Bizancio), Cartago o Antioquia (Siria). Pero la última estancia y muerte en Roma de S.
Pedro y de S. Pablo, los Apóstoles capitales de la cristiandad, siempre dieron relevancia al obispo de Roma,
relevancia aún mayor desde que el Islam dominó el Mediterráneo desde Anatolia (Turq.) hasta España desde el
S. VIII.
Durante la Edad Media la Iglesia recibió donaciones de tierras de reyes, nobles y particulares,
acumulando un patrimonio incalculable, además de haber sido depositaria del saber, custodiado en sus
incontables y valiosas bibliotecas. Contó siempre con los más eminentes sabios y santos, pero el poder
corrompió a muchos de sus miembros e instituciones, como la Inquisición, con abusos manifiestos que le
acarrearon muchos enemigos.
Lutero.
La ruptura religiosa que supuso la Reforma de (1517) de Martín Lutero, dividió Europa entre católicos y
protestantes. Lutero denunció abiertamente los excesos de la Iglesia en un escrito colocado en las puertas de la
catedral de Wittenberg. Hoy la Iglesia asume las tesis más importantes de Lutero, quien no confió en la
capacidad de reacción que la Iglesia siempre tuvo.
El mismo Lutero pronto se hizo poderoso ayudado por príncipes y reyes del norte de Europa que
querían emanciparse de la autoridad eclesiástica. El alineamiento opuesto de católicos y protestantes dio como
resultado la primera gran guerra internacional europea: la Guerra de los Treinta Años, que agotó a España,
especialmente a Castilla, empezando nuestro declive como primera potencia de Europa (y mundial) que fuimos
durante doscientos años.
Trento
La Iglesia, minada por corrupciones insostenibles, reaccionó con el Concilio de Trento (1555), elevando las
exigencias morales internas y, por lo que respecta a la música religiosa, tomó a Palestrina y su Misa del Papa
Marcelo como modelo a imitar. También prohibió el Concilio la entrada de instrumentistas en los templos, de
donde procede el concepto a capella, pero no tuvo mucha vigencia esta medida.
El madrigal
es el mayor exponente de la música profana renacentista. Las calidades de estas composiciones igualaban a la
música religiosa y no están sujetas a los severos juicios eclesiásticos, por lo que experimentarán audacias
armónicas que ya no serían superadas. La música vocal del Renacimiento es la mejor de toda la historia, con el
Amor y la Naturaleza como protagonistas.
Gesualdo da Venosa
Elevó el madrigal a niveles de complejidad armónica no superados hasta el Romanticismo. Tal vez sea el
mejor de todos los madrigalista. Fue Príncipe de Venosa (It), y es conocido como el Príncipe Asesino, pues
mató a su esposa y a su amante al sorprenderlos en flagrante adulterio.
56
SEGUNDO TRIMESTRE
EXAMEN IV
MÚSICA Y MEDIOS DE COMUNICACIÓN:
1. GRABACIONES MUSICALES:
Entendemos como grabaciones el almacenamiento de sonidos por medios mecánicos que pueden
volver a reproducirlos. La partitura sólo cumple función de almacenamiento.
El invento del fonógrafo en l878 (como el de la luz eléctrica pocos años después) se debió al
norteamericano T.A. Edison; diez años más tarde E. Berliner el gramófono, el primer tocadiscos.
Los primeros discos fueron de pizarra, luego de vinilo. Necesitaban una punta fina de diamante para
leer el surco (línea o grama) del disco. El tenor italiano Enrico Caruso (1873-1921) aceptó colaborar
con Berliner para promoción del aparato y se convirtió en el músico pionero de la industria
discográfica.
Elridge Jonson en 1917 le puso motor eléctrico al invento de Berliner y consige lo que
conocemos por tocadiscos.
Hacia 1930 en estudios radiofónicos de Centro Europa, se inventa la Cinta magnetofónica,
que permitía poder borrar lo grabado y acoplarse a la cinta cinematográfica, pasando el cine mudo a
la historia.
En los años cincuenta del S.XX se inventó el sistema estéreo, con el que se alcanzó un nivel
de calidad casi insuperable. No es posible señalar un inventor, dado intervinieron muchos
laboratorios.
La tecnología láser permitió sustituir la aguja de diamante, (que no podía evitar la suciedad
del surco o chocar con los arañazos del disco, reproduciéndolos a modo de ruidos y chisporroteo), por
un rayo lector luminoso que atraviesa la placa de plástico que protege la grabación. Hablamos del
soporte sonoro CD (compact disc), comercializado desde 1980, un siglo después de las primeras
grabaciones.
El último gran invento, el lector láser para discos de vinilo, aún vale 10.000 €. Siempre se
defendió que la calidad del vinilo era superior al CD, aunque no otras prestaciones y comodidades.
2. LA RADIO.
En 1888 el físico alemán H. hertz descubría lo que serían llamadas después ondas
radiofónicas. Pero es el italiano G. Marconi quien debe ser considerado el inventor de la radio seis
años
más
tarde.
En la década de 1920 empezaron a emitir las primeras emisoras de radiodifusión. El aparato
radioreceptor, la radio a secas, resultó desde el principio mucho más barato que el gramófono. La
radiodifusión (la Radio) fue el mayor invento para poner la música al alcance de casi todos.
Ya no era necesario desplazarse a las salas de conciertos, a menudo en ciudades distantes,
para oír una buena orquesta o a un gran intérprete. Todo tipo de música se vio beneficiada porque,
como en la ópera y en el cine, la música es como el alma de la radio.
Podemos encontrar emisoras especializadas en muchos tipos de música, especialmente
moderna, como 40 principales o Cadena Cien, pero también hay emisoras en las que abunda el
flamenco, canciones para los más mayores, etc. En España hay una cadena de RNE dedicada a la
música clásica: Radio Clásica (antes Radio 2) en 93.7 FM.
Grandes emisoras de radiodifusión como BBC, RTVF, RTVE, y NBC, tienen su propia y
prestigiosa orquesta sinfónica.
3. LA RADIO Y LA MÚSICA CONTEMPORÁNEA.
Las pruebas de sonido que se hicieron en los centros de radiodifusión desentrañaron de los
aparatos electrónicos una infinidad de sonidos nuevos, productos de malos contactos, interferencias,
ecos, etc., que poco a poco fueron aislados y codificados.
Pronto atrajo la atención de compositores de vanguardia que introducían el ruido en las
composiciones. El ruido de unas palmadas evocaban la imagen de dos manos; el de un frenazo
57
evocaba una composición en la calle con coches, claxon, peatones, etc. Esta forma de atraer la
imagen real mediante sonidos se le llamaría Música Concreta, con los compositores franceses P.
Schaeffer y P. Henry, con creaciones tan concretas como los sonidos, como las de este último
Sinfonía para una puerta y un suspiro. Esta música debía grabarse, depeniendo de la tecnología
electrónica.
La Música Electroacústica se sirvió de sonidos y ruidos naturales tratándolos y/o
mezclándolos con los desarrollados en los estudios de radio, que empezaron a usarse como auténticos
laboratorios de sonido. Resultó la vertiente más productiva y de mejor futuro, agrupando importantes
nombres, como E. Varèse,B. Maderna y L. Berio
El músico alemán Kh. Stockhausen es el autor de Gesange Juglinge (Canto de los
adolescentes) se especializó en una variante que sólo empleaba sonidos electrónicos, determinando
un tipo de música llamada Música Electrónica.
El espacio que ocupan en la historia de la música es ambiguo, poco definido y ampliamente
experimental. Por lo general atendieron los compositores mencionados otros campos más ortodoxos,
pues no es fácil atraer al público con indeterminaciones constantes.
Una gran deuda con estos extraños artistas son los instrumentos electrónicos, como guitarras,
órganos, amplificadores, etc., y el más completo de todos: el sintetizador, que ofrece un enorme
variedad de sonidos y ruidos codificados y susceptibles de mezclarse para crear una infinidad más de
timbres.
4. LA TELEVISIÓN
Las primeras emisiones de televisión comenzaron en Berlín a principios de la década de 1930,
siendo los Juegos olímpicos de esa ciudad, en 1934, los primeros que se televisaron Pero al revés que
la radio, no se popularizó hasta pasados muchos años, concretamente en los años sesenta aquí, en
España.
En lo que a la música se refiere no supuso gran avance, de manera que no es un competidor de
la radio. Para lo que sí sirvió fue para promocionar la imagen de los cantantes, difundir tanto sus
video-clips como sus excentricidades y hacer vivir del cuento a tantos que ya ni cantan ni nada.
El nivel de calidad de los programas de televisión es tan penoso que, músicos y cantantes de gran
nivel, empiezan a no querer aparecer en televisión, por no desprestigiarse.
En lo que a música clásica se refiere, se pueden ver conciertos retransmitidos en diferido por
La 2 de TVE los sábados o domingos a las ocho o las nueve de la mañana. En las emisiones en TDT,
en el canal VEO emiten buenas grabaciones de conciertos los sábados a las 13 h, y ópera los
domingos a la misma hora
4. EL CINE.
Es un invento en el que participan Edison (la cámara de cine) y los hermanos Lumière (el
proyector).
Posiblemente la mejor música que se crea y se oye hoy en día proviene del cine. Durante el
primer cuarto del S.XX, las películas eran mudas. En las salas de proyección se amenizaban con la
ayuda de un pianista o un grupo reducido de músicos, que tocaba en directo atentos a las secuencias.
Con la película El cantante de jazz, en 1927, nace el cine sonoro. Pronto se vio que se
necesitaban fondos musicales de calidad, recurriéndose al principio a páginas escogidas del repertorio
clásico. Pero, como en las óperas de los grandes románticos, como Wagner, Verdi o Puccini, se vio
pronto la necesidad de una música inspirada por el propio guión, por sus personajes y sus escenas.
Los directores de cine recurrieron a compositores vivos y famosos, como Prokofiev o
Honneger para encargarle trabajos específicos. Pero el cine necesitaba de nuevos artistas y fue
surgiendo la figura del compositor de bandas sonoras (música de cine).
Se denomina banda sonora a uno de los dos extremos del celuloide (lo película) que llevan
grabados sonidos (en cinta magnetofónica), con la música y los efectos sonoros. En la otra banda se
graba la voz, y puede borrarse para introducir los doblajes.
58
5. GRANDES COMPOSITORES DE CINE.
Los compositores de bandas sonoras son estrechos colaboradores de los directores: como los
realizadores, cámaras y actores, recibe una copia del guión e instrucciones para la música que se
requiere. La banda sonora premiada con algún oscar en Hollywood, Berlín o Cannes, es un aval
importante para la promoción de las películas.
Los autores más reconocidos deben la fama a su talento y a haber participado en grandes
películas, como por ejemplo: Max Steiner en Lo que el viento se llevó o Casablanca; Henry
Mancini en Desayuno con diamantes y La pantera rosa; Ennio Morricone en La muerte tenía un
precio, El bueno, el feo y el malo y La misión. En los filmes de carácter dramático, histórico,
romántico, etc, tómense algunos ejemplos de la selección que se presenta en página anterior.
En el llamado cine de acción, con J. Williams a la cabeza en títulos como E.T., P. Jurásico, Indiana
Johns o Tiburón, deben mencionarse a Danny Elfman en Batman y Spiderman, Hans Zimmer en
Gladiador, Brad Fied en Terminador; Alan Silvestri en Regreso al Futuro; James Horner en Troya y
Howard Shore en la saga de El S. de los Anillos.
59
EXAMEN V
ORIGEN DE LA MÚSICA MODERNA: EL JAZZ
1. EL JAZZ, INTRODUCCIÓN.
Al finalizar la guerra de Secesión (separación) norteamericana (1861-65) entre los estados del
norte y del sur (esclavistas), muchos negros liberados, que habían tocado en las bandas militares,.
disueltas del ejército vencido, inventaron el Jazz. Ensayaron toques de marchas con los ritmos de las
canciones de trabajo, work-songs, que tenían una acentuación musical inversa a toda la música
occidental.
Los últimos reductos de la resistencia sudista quedaron muy al sur, adonde fueron
refugiándose los que huían del avance nordista. Se llevaron consigo a sus esclavos, que finalmente
obtuvieron la libertad en Nueva Orleáns, la ciudad más al sur y mejor comunicada con el interior, ya
que el río Mississipi y el gran afluente, el Missouri, son grandes y navegables. Si N. Orleáns fue la
primera ciudad del Jazz, Chicago lo fue en segundo lugar, tal vez por las fuertes reacciones racistas
de después de la guerra, muchos negros huyeron lo más lejos posible, río arriba a miles de kilómetros.
2. EL BLUE.
En un principio hay que rastrear esta música de origen africano en plena época de esclavitud.
La religión cristiana, a la que fueron obligados a abrazar, les dio un consuelo entrañable,
sorprendiendo a no pocos que los esclavos fueran mejores cristianos que quienes se consideraban
superiores.
El Blue es un tipo de canción en el que los esclavos negros expresaban, en la intimidad, el
lamento de su condición, pero también la resignación y un punto de esperanza. Cuando se acompañó
de instrumentos que además potenciaban sus ritmos, iba a convertirse en la base de la música
moderna: el rhithm and blues. Son excepcionales las cantantes de blues Bessie Smith y Billie
Holiday.
3. LOS WORK-SONGS.
En el campo abierto de las grandes plantaciones, donde era explotada la buena resistencia
del africano al calor y al sol, se genera buena parte del impulso rítmico y vital que caracterizaría
a la música moderna, en la que el elemento rítmico cuaja en el más complejo aparato de
percusión, que llamamos batería, sin la cual la música pop es impensable
Los work-songs eran canciones adaptadas al trabajo de la siembra y la siega, con un
tiempo de compás largo y arriba (levantamiento de la hoz) y otro breve y abajo de corte. Los
movimientos tenían más de lateralidad que de verticalidad, estableciendo desde pronto lo que iba
a ser la constante de los bailes modernos.
5. EL RAGTIME.
Es una de las modalidades más antiguas y notables. Se manifiesta en piezas para piano con
ritmos acusados y sorpresivos. Literalmente significa ritmo (o tiempo) despedazado. Su mayor
exponente fue Scott Joplin (1868-1917), autor de títulos tan exitosos como The enterteiner y Maple
leaf ragtime, recurridos con frecuencia en el cine, como la película El Golpe, protagonizada por R.
Redford y P. Newman.
60
EXAMEN VI
5. NUEVA ORLEANS Y CHICAGO (AÑOS 20).
En Nueva Orleans se empezó a difundir esta música ante el público, creándose allí las Big Band
Jazz, orquestas formadas de viento y percusión, a las que se añadió pronto el piano. La primera fue la
Diexiland Jazz Band, con clarinete, trompeta, trombón, batería (creación de ellos) y piano.
Buscando mejor fortuna en ciudades más ricas, los músicos de jazz remontaron el Mississipi y
triunfaron en Chicago, donde se consagraron nombres tan importantes como la propia Diexilan,
“King” Oliver y Louis Armstrong (cantante y trompetista).
6. EL SWING (AÑOS 30 Y 40).
El éxito del jazz implicó al público con el swing, cuyo significado –balanceo-, describe un
baile libre, de movimientos laterales, que enganchó a la juventud hasta hoy. Sin duda los más
afamados músicos de swing fueron el trombonista Glenn Miller, el clarinetista Benny Goodman y
el vibrafonista Lionel Hampton
Otros nombres importantes fueron el pianista Duke Ellintong, el jazzista más puro, y George
Gershwin 1898-1937, que adaptó el jazz a formas clásicas, con la Rapsodia in Blue , concierto para
piano y orquesta, y la ópera Porgy and Bess.
EL DESPEGUE DE LA MÚSICA MODERNA, O POP.
9. EL ROCK & ROLL (AÑOS 50).
Mientras el público del swing se hacía viejo, en los años cincuenta surge un fenómeno nuevo,
el R.& R., vocablo que empleó el locutor Alan Freed, de Cleveland (USA), para denominar los ritmos
marcados que aparecían en aquella época. La primera canción que inicia este estilo fue Rock around
the clock, de Bill Haley and His Comet.
Los primeros triunfadores del R&R. fueron Chuck Berry y, sobre todo, Elvis Presley (193577) que con canciones de gran calidad y un baile provocativo en el escenario, disparó el fenómeno
fans. Las/os fans de Elvis le doraron como a un dios. Protagonizó muchas películas de temática
juvenil.
10. EL POP ROCK. (AÑOS 60).
En esta década grupos ingleses se van a alzar a la cabeza de la música moderna, con un
conjunto único, The Beatles, que moderaron los ritmos frenéticos y crearon temas fáciles y pegadizos
y buenos arreglos musicales. Desde 1965 a 1970, año en el que se disolvieron, no dejaron de tener
varios títulos a la cabeza de las super ventas, como Help!, Yesterday, Hey Jude o Let it be.
Sus componentes: Paul McCartney, John Lennon, George Harrison y Ringo Star , sobre
todo el primero, hicieron por su cuenta algunas muy buenas canciones. Siempre se consideró a
Lennon el mas carismático e influyente del grupo, pero la mayoría de títulos exitosos, como los ya
nombrados y Eleanor Rugby, Penny Lane o Michèle, aunque firmados Lennon/McCarteny, eran del
segundo
El grupo gran competidor de ellos fue The Rolling Stones, que con su líder Mick Jagger, aún
llenan estadios cuando no suspenden la actuación. Su canción I can´t get no satisfaction, les lanzó a
un lugar de privilegio.
EL ROCK SINFÓNICO
Los Beatles decidieron en 1967 suprimir las actuaciones en directo –el griterío impedía oir la música, y dedicarse a grabar las canciones que iban creando. El ejemplo no cundió mucho y las actuaciones
de otros siguieron adelante, pero las grabaciones aparecen con magistrales arreglos en el caso de
Simon & Garfunkel, Moddi Blues, Beach Boys y otros
Pero esta decisión les llevó a contar con músicos profesionales, orquestas importantes y con
George Martin, arreglista y manager, conocido como el quinto beatle. Se iniciaba una era de
grabaciones de grandes acabados, con frecuente arropamiento instrumental, que arrastrarían a los
mejores autores a inmortalizar temas que, en directo con sólo guitarras y batería, no habrían
prosperado como lo hicieron. La frecuente inclusión de orquestas atrajo el adjetivo sinfónico.
61
Incluimos en este sentido gran parte de los títulos de la selección presentada en este temario, a
la que hay que añadir nombres propios importantes, como Pink Floyd, Camel, Mike Oldfield Dire
Strite o Alan Parsons. Este último había trabajado como técnico en los estudios Abbey Road,
interviniendo en el disco de los Beatles del mismo nombre y en el Let it be, así como en
producciones de Pink Floyd.
ESPAÑA EN LOS “60”
LA DÉCADA PRODIGIOSA
España consiguió un despegue económico importante en los sesenta. Muchas familias humildes
empezaban a disfrutar de coche propio gracias al seiscientos, que lanzó a muchos a veranear en colonias
costeras cercanas. Marbella, Torremolinos o Benidorm, ganaban fama internacional; otras muchas
localidades, cada vez más animadas y que pedían aun más animación. Se reclamó pronto la presencia de
cantantes en fiestas locales.
Atraer turista de fuera y dentro de España promocionó festivales de la canción. La competencia
crecía y el talento se multiplicaba, quedando de todo ello una cantidad importante de grandes y logradas
canciones que pueden, cuarenta años después, salir al mercado y a las ondas. La gran demanda
veraniega de actuaciones propició que no pocos artistas murieran en accidentes de tráfico.
1. DÚO DINÁMICO RAMÓN DE LA CALVA Y MANOLO ARCUSA.
Hacia 1965 mientras se expandía el fenómeno Vétales, en España se abría paso a las canciones
inglesas, pero nunca desbancaron a los cantantes nacionales; desde hacía años, en 1958, el Dúo Dinámico
había reproducido el fenómeno fans en España, fenómeno latente en todo el mundo: Elvis y Los Platters en
EE.UU, Cliff Richard en el Reino Unido o G. Cincuetti en Italia.
El Dúo Dinámico causa gran sensación entre las chicas más jóvenes; sus canciones gustan a todo el
mundo latino. La canción "Quince años tiene mi amor"(1960) tiene un éxito arrollador. Ocupan los primeros
lugares de las listas de éxito con cada canción que graban.
El Dúo se hace imprescindible en los festivales de la canción que se prodigan por toda España,
ganando el Festival de la Canción del Mediterráneo en Barcelona con "Como ayer" (1963). el Festival de la
Costa Verde con "Somos jóvenes” y segundos premios en el Festival de Benidorm con "Quisiera ser".
El broche final lo consiguen como autores, ganando por primera vez para España el Festival de
Eurovisón en 1968, con "La la la", cantada por Massiel. Esta canción es una de las mejores de Eurovisión de
todos los tiempos. Una fugaz reaparición en los “80” con Tú vacilándome, fiel al sonido y estilo de antaño,
alcanzó el éxito y el reconocimiento de que, en su día, no los alzó la moda, sino la calidad.
2. LOS BRINCOS
Los Brincos fueron el grupo más personal e influyente del pop español de los 60. Aunque tomaron como
modelo de referencia a The Beatles, a los que superaban en ventas en España. Desde un principio acertaron a
crear un estilo propio, impregnado de sabor español tanto estética como musicalmente: su imagen de marca les
mostraba vestidos con capas negras, y su primer gran éxito fue Flamenco.
Además, Los Brincos interpretaban sus propias composiciones, y no versiones de éxitos extranjeros
como era práctica común (Los Ángeles, Los Mustang…). Todo ello, unido a la calidad de unas canciones de
estribillos pegadizos y cuidadas armonías vocales.
La formación estaba compuesta por Juan Pardo, Fernando Arbex (los dos principales motores
creativos), Antonio Morales "Júnior" y Manolo González. Entre 1964 y 1966 publicaron dos elepés e
innumerables singles de éxito, como Un sorbito de champagne o A mí con ésas.
Tras la expulsión del conjunto de Juan Pardo y Junior, los éxitos siguieron sucediéndose con títulos
como
62
Lola, o Nadie te quiere ya y Mejor (su éxito más sobresaliente), pero su cuarto álbum, Mundo,
demonio y carne (1970) supuso un fracaso que condujo finalmente a la disolución de un grupo único.
3. LOS BRAVOS
Mientras Los Brincos suponían una seria competencia para los Beatles en España, los Bravos irrumpieron con
notable éxito en el extranjero, especialmente en Inglaterra, En la etapa de oro de la historia mundial del poprock –Bee Gees, Beach Boys, Simon & Garfunkel, etc.-, pocas bandas no anglosajonas podían competir
comercialmente con los ilustres nombres que poblaban las listas inglesas y americanas. Los Bravos fue la
única formación española que lo hizo, convirtiéndose en el conjunto hispano de mayor éxito internacional de
los sesenta.
El quinteto se formó con: Michael. V. Kogel "Mike" (Berlín,1944), solista conocido después como M
Kennedy. Antonio Martínez "Tony" (Madrid, 1944), guitarra solista. Manuel Fernández ,(Sevilla 1942), al
órgano, Miguel Vicents,(La Coruña, 1943), guitarra baja Pablo Sanheli (Barcelona,1943), batería. Tras el
suicidio de Manolo Fernández al morir su mujer en accidente, en 1967, entraron en declive.
En su formación clásica tuvieron cinco números 1: "La parada del autobús", "Black is Black", "La
moto", "Los chicos con las chicas", "Bring a little lovin". Grabaron dos películas muy pop, "Los chicos con las
chicas" y "Bring a little lovin". Black is Black, subió al número 2 de las listas anglosajonas y americanas.
Ningún grupo español ha llegado tan lejos como ellos.
LOS ÁNGELES
Fueron uno de los grandes grupos españoles de los años sesenta. Venían de Granada y aportaban
elementos nuevos al pop español y las mejores armonías vocales. Dejaron excelentes canciones
propias e hicieron las mejores adaptaciones vocales en español de éxitos de diversos géneros y
procedencias. Para los aficionados españoles de la época "Mañana Mañana” o "98.6"
Con Rafael Trabucchelli como productor y arreglista, crearon las canciones" Mónica" o
"Créeme". En 1976 un tremendo accidente de tráfico acabó con la vida de dos de sus principales
componentes. Fué el final para el grupo que con tanto entusiasmo se sumaron al pop español de la
llamada década prodigiosa.
FÓRMULA V
Fórmula V fueron los más clásicos de la canción veraniega de finales de los sesenta. Descubiertos
por Maryní Callejo, la excelente cazatalentos que también había lanzado a la fama a los Brincos,
debutaron en una discoteca madrileña en enero del 68. Su segundo single "La playa, el sol, el mar, el
cielo y tú" era casi una reclamación musical de principios de las vacaciones y amor.
Del 68 al 71 estuvieron realmente inspirados: Tengo tu amor(68), Cuéntame(69),
Cenienta(69). Eran comerciales sin resultar vulgares. Luego conforme pasaban los primeros 70, se
decantaron por una fórmula más simplona para crear éxitos de verano, como hicieron otro grupo
coetáneo, Los Diablos, autores de títulos como Eva María y Un Rayo de Sol.
OTROS
JUAN Y JUNIOR
Expulsados de los Brincos en1967. Iniciaron una aventura como dúo tan fructífera como
Breve, sólo seis canciones, entre las que descollaron Anduriña, y En San Juan. Tras poco tiempo de
colaboración decidieron no continuar: Juan Pardo se mantuvo muchos años como uno de los mejores
compositores de canciones españoles, mientras que Junior se centró en cuidar la carrera de su mujer,
Rocío Dúrcal.
LOS PEKENIKES, LOS RELÁMPAGOS Y OTROS.
Destacaron por producciones instrumentales, originales en el caso de Pekenikes, su primer gran
álbum instrumental data del año 1966 y en él se recogen grandes éxitos como "Lady Pepa" o "Hilo de
Seda" y "Embustero y Bailarín" un año después. Los Relámpagos hicieron adaptaciones a
instrumentos modernos de temas populares o clásicos, como la Danza del Fuego o Alborada Gallega.
63
Otros grupos de interés fueron Los Canarios, con Ponte de rodillas, Los Pops-Tops con
Mamy Blu, Los Pasos, con su éxito La Primavera y Los Módulos con Todo tiene su fin.
Uno de tantos malogrados cantantes, Nino Bravo, pueda que haya sido la mejor voz del pop
español, con emblemáticas canciones como Libre, América o Noelia.
Voces notables fueron también Karina con Las Flechas del Amor, El Baúl de los Recuerdos
o Fiesta. Así como Camilo Sesto con Algo de mí.
Sobrevivieron al declive de la “Década” con largo recorrido cantantes como el roquero
Miguel Ríos autor de Vuelvo a Granada o En el Río Aquel, o el clásico Julio Iglesias.
64
EXAMEN VIII
EL BARROCO 1600-1750 (+ J.S. Bach)
Como gótico y medieval, barroco fue otro adjetivo despectivo en principio. Fue otra época gloriosa
de la Historia del Arte. Pero a diferencia del Renacimiento, esos años estuvieron marcados por
guerras que desangraban Europa, los artistas no tuvieron tanta y tan buena acogida y reflejaron las
tensiones de una sociedad exuberante y grandiosa en la Corte, pero doliente y miserable en los
ámbitos urbanos.
1. CARACTERÍSTICAS DEL BARROCO MUSICAL
-
-
Se impone la música TONAL (con base en las T. D. y S. ) sobre la música modal, con los tonos M. y m.
Equilibrio entre la producción musical religiosa y la profana, y entre la música vocal y la instrumental
EL BAJO CONTINUO –clave u órgano más cuerda grave- es la característica principal, imponiendo un ritmo
mecánico, imprimiendo movimiento, evitando tanto los huecos sonoros (horror vacui) como el estilo “a
capella”.
El instrumento más representativo es el clavecín y la orquesta más definida es la de cuerda (o de arcos): 3V-I,
2V-II, 2 Vla 2 Vch. 1 Cb. y 1 Clave.
La m. vocal es narrativa y dramatizada: Ópera (prof.) Oratorio y Cantata (rel), todas a base de obertura
(oieza orquestal inicial),recitativos (forma de cantar hablando), arias (canciones acompañadas de orq.) y coros.
En la m. instr. se desarrollan la Sonata (para solo y continuo), la Suite (danzas para orquesta) y el Concierto
(para solista y orquesta). El concierto es la aportación principal del Barroco a la música instrumental.
2.
MUSICA VOCAL
Tanto la música religiosa como la profana eran narrativas, se preferían largas historias a
poemas breves. Las voces solistas cantaban fundamentalmente de dos modos:
Recitativo, o manera de cantar hablando, silábico y con acompañamiento de b.c., para avanzar en la
acción; Aria, o canción con acompañada de orquesta, número musical más importante, que detiene la
acción para disfrutar de música elaborada, con frecuentes y lucidos melismas. A medio camino entre
ambos se sitúa el
arioso, menos trascedente. El coro será la voz de la gente congregada.
LA ÓPERA. Es una obra de teatro cantada, a la manera de cómo se imaginaban el teatro griego.
Consta de: obertura, pieza orquestal de inicio, actores cantantes, coro y decorados. Pronto se
definieron dos tipos de óperas:
Ópera Seria, que trata de argumentos mitológicos o históricos relacionados con el pasado
clásico. La primera de estas óperas y modelo de las posteriores fue Orfeo, de Monteverdi. Las
mejores fueron las de G. F. Händel: Julio César, Agripina y Jerjes. Otros Compositores grandes
fueron A. Scarlatti (I), H. Purcell(G.B.) y G. B. Lully (F).
Ópera Bufa, o cómica, cuyos argumentos y personajes son extraídos de la vida cotidiana
urbana y popular. El prototipo fue “La Serva Padrona”, de Pergolesi.
3. EL ORATORIO.
Es la alternativa religiosa a la ópera. Su argumento se adapta desde hechos bíblicos, pero no es para el
teatro, sino para cantarse en templos. También se sirve de oberturas, arias, recitativos y coros, pero
los cantantes no actúan, sólo prestan su voz a los personajes sacros. Nuevamente es Händel quien
logra las mejores obras, con Israel en Egipto, Sansón y la mejor y más universal: El Mesías, que
incluye el celebérrimo Aleluya.
4. LA CANTATA.
Es música para ser cantada. Al sustituirse la polifonía por la monodia acompañada, fue útil para
episodios religiosos breves, como Parábolas o Salmos, y tuvo mayor desarrollo religioso, pero en
origen fue profana. Se conservan más de doscientas de J. S. Bach. Otros autores importantes fueron
G. Carissimi (I) H. Schütz y G. P. Telemann (A).
5. LA PASIÓN.
Es una gran cantata centrada en el dogma fundamental cristiano: la Pasión, Muerte y Resurrección de
Cristo. G. P. Telemann compuso gran número de ellas, pero la P.S.S. Juan y la P.S.S. Mateo de
Bach son obras cumbres de la Música. Es la base de las películas sobre Jesucristo de tres siglos
después.
65
EXAMEN IX
MÚSICA INSTRUMENTAL
La música instrumental, libre de las limitaciones de los textos, adquiere gran desarrollo y se iguala en
importancia a la música vocal. Aparte de las formas improvisatorias, como tocatas, recercares o
fantasías, se definieron y desarrollaron tres formas importantes a varios movimientos o partes
contrastantes:
1. SUITE.
Es una colección o selección de danzas diferentes Rondó, Aria, Badinerie, etc., para un
instrumento sólo o para orquesta. Va precedida de una obertura si es obra orquestal, y de un
preludio si es solística. De las primeras destacan las cuatro de Bach. Son igualmente importantes las
tituladas Música Acuática y Música Fuegos Artificiales, de Händel.
2. SONATA,
Música para ser sonada, para solista y b.c (
). es el comienzo de la música de cámara. Se
distinguieron la sonata da camera, cuyas partes eran danzas, y la sonata da chiessa (iglesia), cuyas
partes eran movimientos (tempos), allegro, andante, etc., de la que derivó la sonata clásica.
Destacaron maestros italianos como A. Corelli y G. Torelli.
3. CONCIERTO.
Es cuando la sonata pasa a la orquesta: de solo y b.c. pasa a solo y orquesta. La palabra deriva de
concertar, poner de acuerdo. Es la aportación más importante del Barroco a la música instrumental.
Es una obra con tres movimientos rápido-lento-rápido (allegro, andante y presto).
Para un único solista quedó la voz concierto para … y orq., llegando a Vivaldi a componer
más de cuatrocientos, entre ellos las Cuatro Estaciones, que son cuatro conciertos para violín y
orquesta. Bach dejó varios para violín, Händel para órgano y Albinoni para oboe especialmente.
Para varios solistas se denominó concerto grosso, siendo los más célebres los seis Conciertos
de Brandenburgo de Bach y muchos de Händel..
BARROCO MUSICAL
En 1600 aparece la Ópera –Orfeo de Monteverdi-, auténtica respuesta de la música al ideal clásico. Se trataba
de una obra de teatro con sostén musical, a imitación del teatro griego, con voces que cantaban alternándose y
no simultáneamente, imponiéndose la monodia acompañada sobre la polifonía.
LA FUGA.
Gracias a J.S. Bach tomó inusitada importancia esta forma instrumental, que es la supervivencia del difícil
contrapunto flamenco, básicamente contrapunto imitativo, que sigue la estela dejada por O. di Lasso, los
organistas J. P. Swelinck, D. Buxtehude y Bach. Sólo estos dos últimos dejaron una producción importante,
aportando técnicas que enriquecieron, mucho mas tarde, el gran sinfonismo del S. XIX.
LOS LIBRETISTAS
Las adaptaciones (reducciones) de los textos exigió maestros literatos llamados libretistas (guionistas), entre
los que destacaron A. Zeno y P. Metastasio, tanto con libretos religiosos como profanos.
66
TERCER TRIMESTRE
EXAMEN X
EL CLASICISMO 1750 +Bach-1827 + Beethoven.
Es el neoclasicismo en Arte. El cansancio de la gran variedad de formas, estilos y adornos del Barroco, se
despejó volviendo a rescatar los elementos clásicos en estado puro, desapareciendo los adornos en columnas y
frontones, volviendo las figura al reposo y a la desnudez en pintura y escultura. En definitiva se buscaba la
pureza de las líneas y el dibujo (perfiles). En música la línea es la melodía, fácil e inspirada. Conocemos más
melodías de Mozart que de ningún otro gran compositor.
1.
-
-
CARACTERÍSTICAS DEL CLASICISMO
Se imponen la música profana sobre la religiosa, la instrumental sobre la vocal y el piano (pianoforte) sobre el clave. Desaparece el b.c.
La orquesta se asienta sobre la cuerda –12V-I, 10V-II, 8Vl, 6Vch, 4 Cb,- y parejas de viento –fls.
Obs. Cls. Fgts. Tpas. y Tptas, más otra de timbales.
La música instrumental adopta globalmente la FORMA DE SONATA, 4 movs.: Allegro-AdagioMinueto-Allegro, ( sonatas, tríos, cuartetos... y sinfonías), el 1º con la estructura: Exposición (: )Desarrollo-Reexposición.
Beethoven concluye el período estableciendo las pautas del Romanticismo, desde el intimismo de la
sonata “Claro de Luna” a las desafiantes sonoridades de sus nueve sinfonías.
2.
F.J. HAYDN (1732-1809).
Fue quien asentó la sonata en una estructura con cuatro movimientos: allegro, adagio, minueto y allegro, a lo
largo de 78 cuartetos de cuerda (2 V., Vla, Vch.) y 104 sinfonías. La estructura serviría para todo tipo de
composiciones solísticas o de grupos, de manera que un trío, un cuarteto o una sinfonía son, técnicamente,
sonatas para: tres instrumentos, para cuatro o para orquesta, respectivamente.
Esta es la estructura en síntesis de una sonata, sinfonía, cuarteto, etc.
Introducción lenta y solemne (opcional)
I Mov. Allegro .
1ª Sección EXPOSICIÓN.
- Tema A, principal
- Puente modulante* enérgico.
- Tema B, en otra tonalidad (altura.
- Repetición íntegra
2ª Sección DESARROLLO
- Motivos principales sometidos a muchos cambios
3ª Sección REEXPOSICIÓN
- Tema A, en la tonalidad inicial
- Puente incompleto, poco enérgico**.
- Tema B, también en la tonalidad inicial. **
4ª Sección CODA: fragmentos finales de carácter conclusivo
II Mov. Andante.
o Adagio.
Alternancia indefinida de dos temas; también es frecuente
que tenga un solo tema en forma de Tema con Variaciones (A. de C.)
III Minueto o
Scherzo desde
Beethoven
Movimiento rítmico, descargado de emociones y tensiones.
IV. Allegro
En forma sonata como el primer movimiento, o en forma Rondó: A-B-A-C-A-B-ACODA. Esta forma es propia de finales de conciertos para solo y orquesta.
67
3.
W.A. MOZART (1756-91)
El talento de Mozart brilló desde los tres o cuatro años hasta su muerte. A los doce compuso la ópera Bastián y
Bastiana, que aún se representa con éxito. A los dieciséis era artista maduro. Fue el mejor compositor de
música instrumental y vocal, lo que le sitúa en una posición única, pues Rossini, Verdi o Wagner, sólo
conocidos por sus óperas, mientras que Beethoven sólo compuso una y Brahms o Bruckner ninguna.
Escribió 27 conciertos para piano y orquesta y un concierto para cada instrumento de viento madera (
), elevando la categoría del género casi a la de la sinfonía. Con igual maestría compuso, 41 sinfonías, veinte
sonatas para piano y abundantes tríos y cuartetos.
De sus óperas destacan Las Bodas de Fígaro, Don Giovanni y La Flauta Mágica.
Murió dejando inconcluso el Réquiem, su obra más emotiva y romántica, fruto de un extraño encargo
para el que trabajó, fuertemente sugestionado, hasta la extenuación y muerte. Siempre creyó que aquel encargo
provenía del más allá y que iba a ser para su propio funeral. Pero no tuvo funeral.
4.
L. v. BEETHOVEN (1770-1827)
Es el compositor más trascendental de la historia. Sus 9 sinfonías y 5 conciertos para piano, sólo fueron
igualados en proporciones medio siglo después su muerte, pero no en calidad. Lo mismo ocurre con sus 32
sonatas y 17 cuartetos. Se le debe estudiar como clásico y romántico a la vez.
Fue contemporáneo del general Napoleón, el pintor F. Goya y del Almirante Nelson., logró lo que
Mozart no obtuvo nunca: el respeto y la admiración a su persona, lo que se evidenció en el funeral de
Beethoven, al que asistió toda Viena. Al de Mozart no fue nadie.
También son románticos los títulos que empiezan a aparecer en algunas de sus obras, como las sonatas
Claro de Luna (nº 14), La Tempestad(17) o Appassionata (23); así como si Sinfonía Heroica (3) Sinfonía del
Destino (5), etc., y la 9º y última de sus sinfonía, la Sinfonía Coral, en la que incluyó el Himno a la Alegría de
Schiller
LECTURAS
La Sinfonía Heroica (3ª)
Esta sinfonía es una de las obras más famosas de Beethoven, que originalmente titula Sinfonía Bonaparte. La
idea de componer una sinfonía en honor del “liberador” de Europa, al parecer, le fue sugerida por el mariscal
Jean-Baptiste Bernadotte, embajador de Francia en Viena en 1798, o por Rodolphe Kreutzer, violinista al
que Beethoven dedicó una sonata. Bonaparte era, con la diferencia de tan sólo un año, un exacto
contemporáneo del músico, que no solamente sentía una viva admiración por su “héroe”, sino que, más o
menos conscientemente, había establecido una especie de paralelismo entre sus destinos respectivos.
Beethoven admiraba los ideales de la Revolución Francesa encarnados en la figura de Napoleón
Bonaparte, quien defendió el principio de igualdad de todos los hombres contra las naciones absolutistas
europeas –todo el poder para el Rey-, coaligadas contra Francia. Derrotando a todas en brillantes batallas se
ganó un nombre de estratega junto a Aníbal, César y Alejandro.
Pero cuando se autocoronó emperador en mayo de 1804, Beethoven se disgustó tanto que borró el
nombre de Bonaparte que figuraba en la dedicatoria de la partitura, con tal fuerza que rompió su lápiz y dejó
un roto en el papel. A sus amigos les dijo a propósito: “¡Ahora sólo va a obedecer a su ambición, elevarse más
alto que los demás, convertirse en un tirano!”. Y así fue: en 1808 quiso anexionarse España después de
sacrificar nuestra flota en Trafalgar, en 1805, a manos de Nelson; España quedó desangrada mientras echó a
los franceses en la Guerra de la Independencia 1808-12. También en 1812 sufrió Napoleón otro desastre en
Rusia. Finalmente fue aniquilado su ejército en Waterloo, en 1815.
Un proverbio hindú dice. El hombre que se vence a si mismo es más valeroso que el que vence a diez
mil. Beethoven lo consiguió. De admirador pasó a ser héroe admirado por las generaciones posteriores. Fue el
prototipo del genio romántico.
68
EXAMEN XI
EL ROMANTICISMO
1.
CARACTERÍSTICAS DEL ROMANTICISMO
La música para piano es la más difundida y fundamental, Los compositores dotan a sus obras de
títulos poéticos libres (
), o genéricos: Impromptus, Nocturnos, Preludios, Fantasías, Baladas,
etc. - En las etapas de madurez se vuelven a las formas clásicas (FF.SS: sonatas, cuartetos, sinfonías).
- Franz Liszt crea el Poema Sinfónico.
- Surge el Nacionalismo musical (Rimsky, Falla, Sibelius...), que eleva los ritmos y melodías populares
a las obras clásicas.
-
2.
LOS PIANISTAS DE LA PRIMERA GENERACIÓN
F. Schubert (1797-1728). Inició con fuerza la tradición del Lied (canción en alemán), componiendo más de
seiscientos. En la Música instrumental experimentó con grandes sonatas, cuartetos y nueve sinfonías. De sus
piezas breves destacan dos colecciones impromptus.
F. Mendelssohn (1809-47). Buscó el efecto de la poesía en el piano solo, distinguiéndose sus colecciones de
Romanzas sin Palabras. En sus sonatas y música de cámara, obtiene resultados muy desiguales, con obras
maestras como la Sinfonía Italiana (4ª) y el concierto para violín..
F. Chopin (1810-49). Compuso casi exclusivamente para piano, para el que escribió dos conciertos. Dejó en
colecciones de cuatro scherzos, baladas e impromptus. Es el gran héroe nacional polaco y el compositor de
mejor inspiración del Romanticismo.
R. Schumann (1810-56). Compuso colecciones de piezas muy breves: Papillons, Carnaval y Escenas de Niño
(Täumerei), Su inspiración es de gran nivel. También dejó el mejor de los quintetos con piano y los lieder más
interpretados, un gran concierto y cuatro importantes sinfonías.
F. Liszt (1811-86). También hizo colecciones de piezas cada una con su título, con clara intención descriptiva,
como Armonías Poéticas y Religiosas, Años de Peregrinaje (Juegos de Agua) y de enormes dificultades
técnicas. Sondeó la inspiración infernal en su Sinfonía Dante, la diabólica en el Vals Mephisto y la muerte en
Totentanz
Schubert
Mendelssohn
Chopin
C. Franck
Bruckner
3.
LOS SINFONISTAS DE LA SEGUNDA GENERACIÓN
C. Franck (1822-90). Este compositor belga, optimista y poco prolífico, revitaliza la música para órgano. En
las formas clásicas sólo hizo una sinfonía, una sonata para violín y piano, un cuarteto de cuerda y un quinteto
con piano, pero todas obras maestras.
J. Brahms (1833-97). Tardó mucho en componer su primera de cuatro sinfonías, todas de máximo nivel y las
mejores desde Beethoven, al igual que sus dos conciertos para piano y su concierto para violín, grandes en
proporciones y densidad. Muy autocrítico y de mal carácter, quemó parte de sus obras por no considerarlas lo
suficientemente buenas.
P.I. Tchaikovsky (1840-93). Sólo las tres últimas de sus seis sinfonías son realmente importantes. Su primer
concierto para piano es el más célebre de la historia. Entre sus obras maestras figuran los mejores ballets: La
Bella Durmiente, Cascanueces y El Lago de los Cisnes. También compuso importantes poemas sinfónicos,
como Romeo y Julieta y Francesca da Rímini, así como la Obertura Solemne 1812, en honor de la victoria
rusa sobre Napoleón.
A. Bruckner (1824-96). Algunos lo consideran el músico más grande de la historia. Sus nueve sinfonías son
colosales en sonoridad y duración, comparadas merecidamente en su grandeza con las catedrales góticas y en
su potencia con los tronantes órganos de sus interiores, instrumentos del que él era gran maestro.
69
EXAMEN XII
1. LA MÚSICA PROGRAMÁTICA O DESCRIPTIVA
Es la música adaptada a la imagen y a los hechos que la inspiran, modelo para las bandas sonoras del
futuro. El primer paso importante es la Sinfonía Fantástica del francés H. Berlioz (1803-69), que
agrega a la orquesta sinfónica instrumentos propios del foso de la Grand Opera de París. Es la
orquesta filarmónica o total, que suma a la sinfónica o de concierto, instrumentos efectistas, como la
celesta, arpas y percusión variada.
EL POEMA SINFÓNICO
F. Liszt ( ) creó el Poema Sinfónico, de un solo movimiento, en el que la estructura la imponía el
argumento de un título extramusical. Sus trece poemas sinfónicos tienen referencias variadas: en
Los Preludios un poema, en La Batalla de los Hunos un cuadro, en Orfeo un mito. El siguiente gran
compositor fue R. Strauss (1862-1949), con Así Habló Zarathustra o Muerte y Transfiguración.
También figuran Tchaikovsky (arriba), Rimsky-Korsakov, con Scheherazade, Mousorgsky con
Una N. en el Monte Pelado o P. Dukas, con El Aprendiz de Brujo.
LA ÓPERA ROMÁNTICA
2. VERDI Y PUCCINI
Está dominada por grandes y trágicos dramas amorosos. Estos últimos cuajan en la tradición italiana
con G. Donizetti con L´Elisir d´Amore, y con V. Bellini con La Sonámbula y Norma, que establecen
el concepto del Bel Canto, con casi todo el interés en las voces protagonistas.
G. Verdi (1813-1901), es el mejor de los operistas italianos, compitiendo en todas las facetas:
Grand Ópera en Aida y Nabucco; dramas como La Traviata, Rigoletto; o cómicas como La Forza del
Destino. Firmó las melodías más conocidas de la Ópera.
El último gran hito de la ópera italiana fue el Verismo, o realismo, con óperas en el que la
tragedia no se limita a un final truncado, sino que impregna gran parte de la obra. El más destacado es
G. Puccini (1858-1924) con obras como, Madame Butterfly y Tosca.
3. WAGNER
Los elementos fantásticos son más atractivos en Alemania, ya sea el terror o lo diabólico en
El Cazador Furtivo, de K.Mª. von Weber, o las grandes leyendas y mitos germánicos como en la
obra de R. Wagner (1813-83), óperas colosales no superadas.
Si en Italia era la voz la protagonista, en Wagner lo es la orquesta, que extiende su actuación
si pausas, que se ha llamado la melodía infinita.
Sus óperas, como Tannhauser, Tristán e Isolda y Parsifal, están extraídas de leyendas medievales,
caballerescas y artúricas. Pero su obra cumbre El Anillo de los Nibelungos, es una saga mitológica
que comienza el mundo de los dioses en El Oro del Rin y la Valquiria, al humano de Sigfrido y El
ocaso de los Dioses.
70
EXAMEN XIII
1. EL NACIONALISMO
Las polonesas de F. Chopin y las rapsodias húngaras de F. Liszt abrieron una fuente de inspiración
en la música popular de cada país. Checoslovaquia, Hungría, Rusia, Noruega y España, países con
fuerte tradición y colorido folclórico, aportaron excelentes obras, principalmente escénicas. Cabe
citar entre las óperas El Principe Igor , de A. Borodin, entre los rusos; Peer Gynt, de E. Grieg (N);
La Vida Breve de M. de Falla (E).
En el ballet el propio Falla (1876-1946) aportó dos excelentes títulos: El Sombrero de Tres
Picos y El Amor Brujo; del ruso I. Strawinsky (1882-1971) destacó La Consagración de la
Primavera
En la música instrumental ninguna tiene la riqueza e inspiración de la música española, como
en la Suite Española, de piezas breves de I. Albéniz (1860-1909); en la Sinfonía Sevillana de J.
Turina (1882-1949); y el Concierto de Aranjuez de J. Rodrigo (1901-99).
2. LA ZARZUELA.
Aunque su origen se remonta al S. XVII, es en las últimas décadas del S. XIX y primeras del S. XX
cuando alcanza su gran protagonismo. Alternando pasajes hablados con otros cantados, su temática es
netamente desenfadada y española. Se distinguen dos géneros: la Zarzuela Grandea en dos y tres
actos, y el Género Chico, con un solo acto y una hora de duración.
En las primeras destacan F.A. Barbieri (1823-94), con Pan y Toros; F. Alonso (1887-1948),
con La Calesera y Las Leandras; P. Sorozábal (1897-1988), con La Tabernera del Puerto.
En el Género Chico están las obras más populares: La Revoltosa, de R. Chapí (1851-1909),
La Verbena de la Paloma, de T. Bretón (1850-1923) y La Boda de Luis Alonso y La Torre del Oro,
del sevillano Gerónimo Giménez (1854-1923).
3. POST-ROMANTICISMO
Después de Brahms y Bruckner las formas clásicas, esencialmente alemanas, como sinfonías y
conciertos, entraron en una fase decadente, esto es, no tuvieron continuadores
G. Mahler (1860-1911) compuso nueve sinfonías, de tal importancia que se le considera el
último de los Grandes. S. Rachmaninov (1873-1943) escribió los últimos grandes conciertos para
piano y orquesta y R. Strauss las últimas grandes óperas. Convivieron con los movimientos
innovadores o ”ismos”, que tendían a lo breve o moderado, como Nacionalismo, Impresionismo,
Dodecafonismo, etc.
4. NEOCLASICISMO
I. Strawinsky ( )que participó de la estética expresionista del S. XX, con música de fuertes impulsos
y carente de sentimentalismo en sus ballets ( ), volvió su atención a las viejas formas clásicas, como
sinfonías, sonatas, conciertos o música de cámara, pero con reducidas orquestas y sin las intensidades
emotivas y grandiosas de los románticos.
En esta corriente se encuentran los rusos S. Prokofiev (1891-1953) y D. Shostakovich; el
húngaro B. Bartok, acaso el músico del S.XX mejor valorado; el finlandés J. Sibelius; y el danés C.
Nielssen (1875-1931).
71
S. XX .MÚSICA EXPERIMENTAL.
Abstraídos los sonidos de sus relaciones tonales (TDS) y de sus fuentes tradicionales –voz o instrumento-, se
experimentó con ruidos –palmadas, chirridos de puertas, pasos de caminante, etc.-, en lo que se llamó Música
Concreta (que refleja una imagen concreta); con ruidos procedentes de los aparatos emisores y receptores de
radio, que se llamó Música Electrónica, fruto de la cual nacieron las guitarras y órganos eléctricos.
Destaczaron P. Henry (1827) con su Sinfonía para una Puerta y un Suspiro, o K.H. Stockhausen (1928) autor
de Gesangen Juglingen (Cántico de los Adolescentes).
Al margen de estos y otros muchos experimentos, meritorios unos, rayanos en la burla y el escarnio al
público en otros, la mejor música de hoy se escribe para el cine, cuyos mejores compositores hacen uso
magistral de la gran orquesta filarmónica, como de los hallazgos recien descritos, para efectos y circunstancias
que lo requieren.
ESCÁNDALOS “ARTÍSTICOS”.
1. A Wagner, para estrenar Tannhauser en París, le pusieron la condición de que tenía que incluir una
pieza de ballet en su obra, como era tradicional. Pero la incluyó en el primer acto. El problema que se
desencadenó tenía poco que ver con el arte y con la música: una parte importante del público eran los
ricos herederos de la burguesía parisina, hombres jóvenes que acudían a la ópera en el último acto,
después de practicar sus deportes y cacerías, para ver a las estilizadas bailarinas, a las que luego
invitarían a las correrías nocturnas.
El enfado de estos muchachos fue tan lejos cuando no vieron a sus “novias”, que para la
siguiente representación contrataron a numerosos reventadores, que al poco de comenzar la ópera
empezaron a tocar trompetillas, lanzar serpentinas y confetis al público en monumental escándalo. La
función se suspendió, claro.
2. J. Cage (1912) compuso una obra para piano titulada 4.45, que consiste en ver al pianista sentado ante el
instrumento exactamente durante cuatro minutos y cuarenta y cinco segundos, sin tocar nada, o sea,
“interpretando” el silencio…
Las excentricidades de los artistas demostraron muchas veces talentos geniales, pero con frecuencia
son una pura estafa, o lo que es peor, una burla al público. Y es que no sólo son excéntricos algunos artistas
sino también muchos críticos, engreídos de saberlo todo. En no pocas ocasiones han encumbrado a gente de
ningún mérito. El crítico era el responsable de que alguien fuese dado a conocer al público o no; normalmente
no lo hacen mal, salvo cuando quieren ser protagonistas. Otro tanto: los escenógrafos.
72
EXAMEN XIV
SIGLO XX: LOS ISMOS
Los “ismos” son una reacción al exceso de emotividad romántica. Como el Renacimiento, el S. XIX o siglo
romántico, fue época de expansión, con gran demanda cultural. Pero había empezado con las desangrantes
Guerras Napoleónicas y concluía con la Paz Armada, que estallará en el desastre de 1914-18 o Primera Guerra
Mundial. Después vinieron dos décadas de posguerra y de declive económico, y la Segunda Guerra Mundial
(1939-45). Ante tales acontecimientos los grandes artistas plasmaron lo que vieron, dibujando un mundo
temible y temido.
La inminencia de las tragedias no cuajaba con el sentimentalismo romántico en la poesía, el arte y la
música; buscaban la evasión o se impregnaban de pesimismo.
1. CARACTERÍSTICAS
- Comienza a desarticularse la música TONAL quitando importancia a las T.D. y S.: con el
Impresionismo (Ravel y Debussy), la melodía se difumina entre la armonía; Strawinsky
descompone los ritmos regulares; y el Atonalismo crea una especie de anarquía armónica y
melódica (
)
- El Dodecafonismo (Schoenberg, A. Berg y Webern) ordena el Atonalismo: ninguna nota se
repite sin que se oigan las once restantes. Es la respuesta de la música al Expresionismo.
- Finalmente la experimentación y la libertad de estilos excluyen caracteres generales.
Además hay que tener en cuenta que, junto a las vanguardias conviven tardorrománticos
como S. Rachmaninov o R. Strauss (1.949).
2. EL IMPRESIONISMO.
Es émulo del movimiento pictórico homónimo de Monet, Degás o Renoir. Estos pintores
difuminaron el dibujo y sumergían las figuras de sus cuadros en ambientes brumosos e intemporales.
C. Debussy (1862-1918), se aproximó a este arte eliminando o interrumpiendo la melodía (dibujo),
con armonías modales y adormecedoras escalas exátonas (tonos),que crean atmósferas sosegadas y
húmedas. Sus títulos son sugerentes, como La Catedral Sumergida, Ondina, Reflejos en el Agua, etc,
para piano. Para orquesta escribió los poemas sinfónicos El Mar, en tres movimientos, y Preludio e la
Siesta de un Fauno, su referencia capital.
Las técnicas impresionistas de Debussy tienen su origen en Nubes Grises y en Juegos de
Agua… de Liszt, y acaso fueron superadas por M. Ravel (1875-1937) en el piano con Ondina y en la
orquesta con ballet Dafnis y Cloe, aunque su mayor celebridad se la debe al repetitivo Bolero.
3. EXPRESIONISMO: ATONALISMO Y DODECAFONISMO
El Expresionismo es un arte crudo que refleja la desesperación ante el sufrimiento. La belleza como
inspiración deja paso al efecto sórdido, la angustia o la decepción, descritas en la deformación de las
figuras de P. Picasso, o ausencia de detalles y de adornos en E. Munch. Finalmente desaparece la
figura y aparecen la pintura y la escultura abstractas: ésta con bultos amorfos; aquella con
composiciones de colores y manchas.
A. Schoenberg (1874-1951) tradujo esta sensación al mundo de los sonidos, deformando la
melodía y la armonía, creando una anarquía sonora de imposible memorización, en lo que se conoce
como Atonalismo, evitando las secuencias TDTST, que dan equilibrio a la música. La
sistematización del atonalismo fue el Dodecafonismo, que establece el principio de que no se repite
una nota hasta haber sonado las otras once. Figuran junto a Schoenberg A. Berg y A. Webern, que
estableció la denominada melodía tímbrica: una nota por instrumento. De aquí derivó el Serialismo.
73
METODOLOGÍA en 4º de E.S.O.
En los casos en que sea necesario, se impartirás unas clases de repaso sobre fundamentos de
escritura musical estudiados en 1º de E.S.O., con un control escrito y evaluable, que permita
análisis mínimos de partituras. Como el nivel exigible es muy bajo, no aportará dicho control una
nota importante si es positiva.
Habrá un mínimo de diez pruebas escritas o exámenes, incluída al menos una prueba de
audiciones en dos sesiones, cada una con nota propia y asimilable a la media
En el grupo de este nivel de este se proporcionarán dos o más CDs, con grabaciones de obras
o fragmentos del repertorio clásico, moderno y de cine fáciles de recordar y en buena me medida
conocidas, pero cuyos títulos y autores son ignorados. Con los ejercicios adecuados y con pautas
de análisis, esta ignorancia será superada con facilidad. Los contenidos de dichos CDs., como
están sujetos a cambios de un año para otro según su eficacia, se presentan en los anexos de esta
Programación.
Siempre que sea posible, los ejemplos musicales más idóneos llevarán el auxilio de su
correspondiente partitura, con lo que las tareas de análisis se emprenderán recién adquiridos los
conocimientos elementales de lenguaje musical, con lo que los alumnos verán desde el principio
su aplicación práctica.
El complemento esencial de la metodología serán las audiciones, y proyecciones de vídeos,
que añaden a la ilustración de los contenidos el contacto directo con obras de arte de eminentes
creadores, siendo ejemplo permanente de los trabajos bien acabados. Como complemento se
añadirán proyecciones de videos, diapositivas y demostraciones instrumentales, pero sin perder
de vista que es la sensibilidad de la humana acción de escuchar, el objetivo de formación integral
del alumno, así como manifestarse verbalmente con los tonos más adecuados, los ritmos menos
tensos y los gestos más armoniosos en sus relaciones con los demás.
La base de trabajo será, como en cursos anteriores, el seguimiento de un temario original
elaborado por el Departamento, presentado en un cuadernillo de fotocopias, que incluye los
contenidos programados
Así mismo los ejercicios serán propuestos por el profesor según las necesidades de cada
curso o de cada caso personal, siempre atendiendo a la consecución de objetivos útiles, dado que
las propuestas del libro es demasiado amplia y absolutamente inabarcable en su totalidad.
A Ejecución de obras sencillas a dos manos en el piano.
Se efectuará después o durante la copia de la música en pentagramas y facilitada.
Pero se contará, básicamente, con una tablatura e indicaciones de digitación sobre un teclado
impreso, donde se aprenderán los rudimentos de colocar cada dedo, según su número, sobre el
teclado.
La base del trabajo a dos manos consiste en memorizar la más sencilla ejecución, en Do
Mayor, de los acordes tríadas de tónica, dominante y subdominante.
Después sed aprenden con la mano derecha melodías senillas que, en determinados
momentos, simultanean notas con acordes.
B
1. Estudio del temario.
Como ya se indica al principio, el temario contiene sólo contenidos mínimos y está
elaborado de modo que todos los alumnos, con adaptación y sin ella, pueden seguir la lectura y
los ejemplos e ilustraciones de que se acompaña.
Las lecturas serán repartidas entre todos los alumnos, sin excepción, por lo que se tendrá en
cuenta el nivel de las mismas y su componente comprensivo. Las ilustraciones que necesiten
mayor detalle pueden ser proyectadas, ampliadas en detalle y complementadas por otras.
74
2. Preguntas de clase.
Dado que la mayoría de los alumnos ya han cursado asignaturas de Música en este
Departamento, la posibilidad de buscar el contacto con conocimientos adquiridos y, lógicamente
no recordados del todo, esta tarea será muy común.
Con el material nuevo y sobre lo avanzado se sondeará el estudio diario, la atención al
desarrollo de la materia, valorándose, con el material abierto, la búsqueda en página, tema,
apartado, párrafo y renglón del dato; de este modo se desarrolla la capacidad de autonomía en el
estudio, el carácter de investigación del mismo y la comprensión general.
3. Pruebas escritas.
El temario se halla dividido en temas-examen, finalizado cada cual se procederá a realizar un
examen escrito. Dado que son breves y concisos se pedirá el desarrollo de uno o dos apartados.
4. Audiciones y videos.
Las cada vez más útiles y frecuentes proyecciones de videos, no suplanta la tarea principal
en las actividades en esta metodología
En el nivel 4º de la E.S.O., se proporcionarán, al menos, dos CDs con grabaciones de obras
o fragmentos del repertorio clásico, moderno y de cine, fáciles de recordar y en buena me
medida conocidas, pero cuyos títulos y autores son ignorados. Con los ejercicios adecuados y con
pautas de análisis, esta ignorancia será superada con facilidad. Los contenidos de dichos CDs.,
como están sujetos a cambios de un año para otro según su eficacia, se presentan en los anexos
de esta Programación.
5. Análisis
Los ejemplos musicales más idóneos llevarán el auxilio de su correspondiente partitura,
impresa en el temario o proyectada, con lo que las tareas de análisis se emprenderán recién
adquiridos los conocimientos elementales de lenguaje musical, con lo que los alumnos verán
desde el principio su aplicación práctica.
Las audiciones musicales serán el complemento esencial de la metodología, pues añaden, a
la ilustración de los contenidos, el contacto directo con obras de arte de eminentes creadores,
siendo ejemplo permanente de los trabajos bien acabados. Como complemento se añadirán
proyecciones de videos, diapositivas y demostraciones instrumentales, pero sin perder de vista
que es la sensibilidad de la humana acción de escuchar, el objetivo de formación integral del
alumno, así como manifestarse verbalmente con los tonos más adecuados, los ritmos menos
tensos y los gestos más armoniosos en sus relaciones con los demás. Las plantillas a modo de
guía para el análisis de audiciones y de partituras se presentan como anexos al final de esta
programación.
EVALUACIÓN
La evaluación final tendrá como referencia principal los Objetivos Mínimos establecidos
más adelante, los cuales sirven de guía útil para reconocer los niveles establecidos. La promoción
del alumno será propuesta en base a sus conocimientos. En casos específicos, valorando la
actitud positiva y, a requerimiento del equipo educativo, de manera unánime, pueden
contemplarse el apoyo a la obtención de suficiencia o a la promoción.
75
ANEXO I CON LOS CONTENIDOS DE LAS
AUDICIONES DE LA E.S.O.
CD. NIVEL 1º DE E.S.O.
P. Dukas (1.865-1.935)
10 “El Aprendiz de Brujo”,
Poema sinfónico.
L. Anderson (1.908-75)
1 “La Máquina de Escribir”
P.I. Tchaikowsky (1.840-93)
11 “El Hada de las Lilas”
(del ballet “La B. Durmiente)
12 Obertura Miniatura.
13 “El Hada de Azúcar”
(ambas del ballet “Cascanueces)
J.S. Bach
(1685-1750)
2 Toccata (y Fuga en Re )
2
F.J. Haydn (1.733-1.809)
Sinfonía nª 101, de ”El Reloj”,
mov. 2º
M. Mousorgsky (1.839-91)
14 “Una Noche en el Monte Pelado”
Poema sinfónico.
L.v. Beethoven (1.770-1.827)
4 Septimino en Mi mayor:
Minuetto
5 “Para Elisa” (Bagatela)
N. Rimsky-Korsakov (1.844-1.908)
15 “Scheherazade”, Suite sinfónica.
E. Grieg (1.843-1.907)
6 “La Mañana”, de la suite
Peer Gynt.
16
F. Chopin (1.810-49)
7 Nocturno nº 2
G. Bizet (1838-75)
17 Preludio de la ópera
“Carmen”
E. Elgar (1.857-1.934).
8 Marcha de Pompas y Circunstancias
9 A. Honneger (1.892-1.955)
3-1” (mov. Sinfónico)
G. Rossini (1.792-1.868)
Obertura de la ópera
“El Barbero de Sevilla”
J. Strauss II (1.825-99)
18 “El Danubio Azul” (vals)
“Pacific 2A. Khachaturiam (1.903-78)
19 “Danza del Sable”, del ballet
“Gayeneh”
76
CD DE INSTRUMENTOS
SOBRESALIENTES
1.
B. Britten
1913-76
Variaciones sobre un tema de
Purcell
Guía de orquesta
9.
10.
G. Verdi 1813-1901
Marcha de la ópera Aida
Solo de trompeta
J. Brahms
1833-97
Sinfonía I, mov. 4º, intrd.
Solos de trompa// flauta//
Trombones en pp// trompa
W.A Mozart 1756-91
2.
3.
4.
5.
6.
7.
8.
Concierto para
arpa, flauta y orq.
Mov, 2º. Andantino
P.I. Tchaikovsky 1840-93
El Lago de los Cisnes
Suite del Ballet: introducción
Oboe, luego trompas en ff.
11.
12.
R. Wagner 1813-83
Tannhäuser, Obertura
Trombones en ff, y cuerda
J. Mohr
F. Gruber 1787 1863
Stille Nacht (Noche de Paz)
Coro a capella
13.
G.Fr. Händel 1785-1759
Del oratorio El Mesías
nº 42 “Aleluya”. Coro y Orq.
R. Strauss
1864-1949
Concertino, mov. 2º, adagio.
Solo de fagot.
14.
T. Luis de Victoria 1548-1611
Ave María, motete
Coro a capella
L.v. Beethoven 1770-1827
Sinfonía IX, mov, 4º, Allegro
. Vchs-c.bajos// Vlas-fagot
Violines// toda orquesta
15.
Kh. Stockhausen 1928-2007
Cyclus
Percusión diversa
16.
P.I. Tchaikovsky 1840-93
Sinfonía IV, mov. 3º
Pizzicato ostinato
17.
18.
C. Debussy
1862-1918
Reverie
Claro de Luna
Versiones en sintetizador
S. Rachmaninov 1873-1943
Sinfonía II, mov. 3º, Adagio
Solo de clarinete.
J.S. Bach
1685-1750
Preludio nº 1 en Do
de El Clave bien templado
J. Pachelbel
1653-1706
Canon en Re
Cuerda con clave
77
CD. NIVEL 2º E.S.O.
J. S. Bach (1.685-1.750)
Aria, de la Suite nº 3
Concierto de Brandenburgo nº4,
mov. 1º.
3. Badinerie de la Suite nº 2
1
2
W. A. Mozart (1.756-91)
4. “Kleine Nacht Musik
(Pequeña Serenata), mov.1º.
5 Sinfonía nº 40, en Sol m., mov.1º.
6 Sonata para piano nº 16, en Do M.
mov. 1º.
F. J. Haydn (1733-1809)
7. Cuarteto “Emperador”(nº 77)
mov 2º: tema con variaciones
W. A. Mozart (1756-91)
11. Requiem en Re : Introito de la
Misa de Difuntos
R. Strauss (1864-1949)
12 “Así Habló Zarathustra”
Poema sinfónico
R. Wagner ( 1.813-83)
13 La Cabalgata de las Walkyrias
(preludio del acto III de la ópera
“La Walkyria”).
P. I. Tchaikowsky ( 1.840-93)
14 Obertura Fantasía “Romeo y
Julieta (fragmento).
S. Prokofiev (1.891-1.953)
15. “Montescos y Capuletos”, del
ballet Romeo y Julieta.
L. v. Beethoven (1770-1827).
8. Sinfonía V, en Do , mov. 1º.
9. Sonata para piano n° 14, en Do # m,
mov. 1° ( = mov. 2°) “Claro de luna”
M. de Falla (1876- 1946)
16. “Danza Ritual del Fuego”,
del ballet El Amor Brujo”.
F. Liszt (1811-86)
10. Juegos de Agua en la Villa d´Este,
de “Años de Peregrinaje”.
M. Ravel (1875-1937)
17. Dafnis y Cloe
Ballet, 2ªSuite.
C. Orff (1.895-1.982)
18. Carmina Burana
“Fortuna Imperatrix Mundi”
78
CD de MÚSICA DE CINE 2º ESO
1.
2.
3.
4.
5.
6.
7.
8.
9.
10.
11.
12.
13.
14.
15.
16.
17.
18.
19.
20.
E.T.
1982
En busca del Arca perdida. Indiana Jones. 1981
Batman.
1989
Spiderman.
2002
Gladiator. Battle in The Colysseum.
2000
Tiburón.
1975
La Amenaza Fantasma.
1999
Star War. Marcha Imperial (Darth Vader).1977
La Muerte Tenia un Precio.
1965
La pantera Rosa. Theme.
1963
Terminator II.
1991
Regreso al Futuro.
1989
Ben Hur- camino del Calvario.
1959
Rey de Reyes.
1961
Parque Jurásico.
1993
Parque Jurásico, 2º tema
1993
Troya. Achilles Leads The Myrmidons. 2004
Braveheart - Main Theme.
1995
El Álamo
1960
El Señor de los Anillos. Las dos Torres 2001
John Williams
“
“
Danny Elfman
Hans Zimmer
John Williams
“
“
“
“
Ennio Morricone
Henry Mancini
Brad Fiedel
Alan Silvestri
Myklos Rosza
“
“
John Williams
“
“
James Horner
James Horner
Dimitri Tiomkin
Howard Shore
79
MÚSICA ESPAÑOLA, nivel 4º de E.S.O.
G. Giménez (1.854-1.923)
1- “La Torre del Oro”: Preludio (Zrz.).
A. Álvarez (1.867-1903)
2- “Suspiros de España”
M. de Falla ( 1.876-1.946)
3- Danza 1ª, ambas de
“La Vida Breve” (ópera)
E. Granados ( 1867-1916)
4- Danza española nº5:”Andaluza”.
I. Albéniz (1.860-1.909)
Suite Espñola:
5- Córdoba
M. de Falla
6- “El Amor Brujo”: (Ball.) Intermedio.
I. Albéniz
7- “Sevilla”
8- “Granada”
R. Soutullo/J. Vert (1884/90-1931/32)
9- Preludio de la zarzuela
“La Leyenda del Beso”
T. Bretón (1.850-1.923)
10- “La Verbena de la Paloma”:
Preludio (Zrz).
G. Gieménez
11- “La Boda de Luis Alonso”:
Intermedio ( Zarz.).
Anónimo
12 -Romance
S. Bacarisse (1.898-1.963)
13- Concertino para guitarra y orq.
Mov. 2º: Romanza.
F. Tárrega (1.852-1.909)
14- “Capricho Árabe”
J. Rodrigo (1901-99)
15- “Concierto de Aranjuez” para guitarra
y orquesta, mov. 2º.
y
F. Tárrega
16- “Recuerdos de La Alhambra”
T. L. De Victoria (1548-1611)
16 - Requiem: Introito
del Officium Defunctorum.
Canto religioso Mozárabe del S XI
17 - Dominus Regnavit. Introito de la
Misa Romana
T. L. de Victoria (disco del libro)
18- Ave María, motete
80
POP 65/75

1
SELECCIÓN PROPUESTA
14 Something (1969)
(Algo...especial)
The Beatles (G. Harrison)
1. Bridge over troubled water (1970)
(Puente sobre aguas turbulentas)

P. Simon & A. Garfunkel
15 Eleanor Rigby (1966)
16 Hey Jude (1968)
17 Let it be (1970)
(Déjalo así)
The Beatles (Lennon McCartney)
2. Alone again (Naturally) (1972)
(Solo otra vez)

G. O´Sullivan
18 Morning has broken
Cat Stevens
3. Wythout You (1971)
(Sin ti)

H. Nilsson
4. Good vibrations (1966)
(buenas vibraciones)

The Beach Boys

19 A soapbox opera (1975)
(Demagogia)
20 Another man´s woman
(La mujer de otro)
Supertramp

21 Anotherday (1971)
22 No more lonely nights (1984)
(Ninguna noche más solo)
P. McCartney

5. Holiday
Bee Gees
6. Scarboroug fair (1968)
Simon & Garfunkel
7. Sargent Pepper´s (1967)
8. With a little help from my friend
(Con un poco de ayuda de mis amigos)
9. Help! (1965)
10. Penny Lane (1967)
11. Michèlle (1965)
12. Yersterday (1965)
The Beatles (Lennon/McCartny)
13 Imagine (1971)
J. Lennon

23 Don´t answer me (1984)
Alan Parsons Project

24 The boxer (1969)
Simon & Garfunkel
1
Nota: Estas audiciones deberán obtenerlas los
alumnos por sus propios medios.
81
ANEXO II
EXÁMENES Y EVALUACIÓN DE LAS PRUEBAS DE AUDICIONES:
-
-
-
-
-
-
-
Las pruebas constarán de cinco audiciones, evaluándose cada una con dos puntos.
El alumno deberá responder por escrito a los contenidos propios de su nivel, identificando cada fragmento,
que sonará durante un tiempo suficiente.
Cada alumno dispondrá para estudiar de una copia en CD de las audiciones de su nivel y de la hoja
correspondiente que pormenorizan sus contenidos (ver anexo anterior).
De los dos puntos que obtendrá, uno depende de que responda correctamente a los datos principales: título
principal y apellido del compositor. Ambos datos están remarcados con letra negrilla, y es
imprescindible consignar ambos datos para aprobar cada audición (un punto).
Una vez resuelto el apartado anterior, el segundo punto se penaliza con 0,25 ptos. por cada dato que falte:
nombre de pila del compositor, título de la parte en cuestión de una obra compleja, movimiento, tonalidad,
etc.. Pero si añade alguno nunca se penalizará con más de 0,75 ptos.
En 3º y 4º, dado que el grueso de la asignatura lo constituye la Historia de la Música, consignar o no las
fechas del compositor resta o añaden 0,50 ptos. en cada audición, siempre que los datos principales sean
correctos.
En 1º y 2º el error u omisión de las fechas, como dato secundario, se penalizará con 0,25 ptos., pero su
acierto se valorará con 0,50 ptos. si ha respondido correctamente a los datos principales.
Habrá un mínimo de dos exámenes: uno (o más) durante el curso y otro en el examen extraordinario de fin
de curso. El profesor podrá señalar un segundo examen durante el curso de modo obligatorio, pero
respetando la mejor nota a efectos de nota media.
El examen de curso se hará en dos sesiones, cada una con la mitad de los contenidos, pero constarán, a
efectos de nota media de evaluación, como dos. En el examen extraordinario habrá sólo una prueba de
audición general.
El alumno que haya superado esta prueba no tendrá la obligación de repetirlo en el examen extraordinario
si no quiere, siendo evaluado solamente por la prueba escrita de contenidos. De hacerlo, la nota supondrá
el 50% de la prueba
Por consenso del alumnado se podrá señalar un examen de audiciones de otro nivel, considerando la nota
como la de un examen más de evaluación.
Consideración final:
Este tipo de pruebas viene ofreciendo los mejores resultados de cara a la calificación del alumno. Se da el caso
de que es sencilla de superar y, paralelamente, supone una demostración de conocimientos de primer orden e
importancia para esta asignatura, que sitúan al alumno con un conocimiento de esta parcela de las grandes
artes, muy por encima del común de los ciudadanos con titulaciones elementales, medias y, aún, superiores.
82
ANEXO III
PLANTILLA PARA ANALIZAR AUDICIONES EN CASA Y EN CLASE:
ANÁLISIS DE AUDICIONES
I
GÉNERO
(según elementos sonoros: A y B; según la orientación o intencionalidad: C)
A) Vocal:
1 monódico: una sóla voz , o varias voces cantando lo mismo ( al unísono).
2 Polifónico: varias voces cantando de modo diferente y simultáneo.
-En ambos casos puede ser “a capella” o acompañado ¿De qué? (B)
- Si es acompañado señalar si se observan: preludio, interludios y
postludio.
B) Instrumental:
1 Solístico
2 De cámara
3 Sinfónico
un solo instrumento ¿Cuál?
de 2 a 9 instrumentos –identificar varios-.
orquesta ( grupo numeroso, masas sonoras): ¿Barroca, clásica
4 Concertante
composición para un solista protagonista ¿? y orquesta ¿?
o romántica?
C) Orientación:
¿Música religiosa o profana? (A) /¿Música pura (formas) o descriptiva (títulos)?
(B)
II
TONALIDAD.
1 Mayor (Luz)
2 Menor (Sombra)
3 Modal *
4 Atonal **
5 Indefinida (efectos, ruídos) **
TEMPO
1 Presto
2 Allegro
(muy rápido)
(animado, movido)
3
Andante
(tranquilo, pero no lento)
4
Adagio
(despacio)
5
Grave
(muy despacio, lento)

III
V
PERÍODO ARTÍSTICO
* 1
Edad Media:
- Románico Ss.
X-XII
- Gótico
Ss.
XIII-XIV
* 2
Renacimiento Ss.
XV-XVI
3
Barroco
4
Clasicismo
5
Romanticismo I
6
Romanticismo II
7
-Post-romant.
- Impresionismo
1.600-1750
1.750-1.827
1.827-1.850
IV
COMPÁS
1.850-1.897
1
Binario
(dos pulsaciones básicas)
2
3
Ternario
(tres
Indeterminado
“
“
)
Hasta 1.950...
**
- Otros “ismos”
83


VI
CARÁCTER GENERAL
A) EXTROVERTIDO
Apoteósico
Triunfal
Lúgubre
Festivo
Fúnebre
Pomposo
Marcial
Feliz
Optimista
Animado
B) ÍNTIMO
C) ROMÁNTICO
Cálido
Amable
Sublime
Amoroso
Inquietante
Atormentado
Sereno
Sensual
Tenebroso
Suave
Intenso
Fantasmagórico
Silencioso
Armonioso
Sutil, delicado
Apasionado
Tempestuoso
Dramático
Trágico
Diabólico
Infernal
Satánico
Caótico
Heroico


VII
EVOCACIÓN
A) PAISAJE
B) AMBIENTE
Urbano
Rural
Pastoral
Serrano /boscoso
Costa (playa, acantilado)
Lunar, cósmico
Ultratumba
VIII
Luminoso
Sombrío
Brumoso
Lluvioso
Borrascoso
De terror, pesadilla
Celestial
C) MOMENTO/ÉPOCA
Matinal
Atardecer
Nocturnal
Prim./Ver./Ot./Invernal
Futuro
Pasado reciente, lejano
VALORACIÓN (de 0 a 10)
Esta plantilla se encuentra comprimida en un ejemplo tamaño folio en el final de los temarios de 1º y 2º
en la presente Programación
84
ANEXO IV
PRUEBA EXTRAORDINARIA DE ENERO DE 2009 PARA ALUMNOS DE 4º CON MÚSICA DE 3º
PENDIENTE
JUEVES 22, A LAS 18´30 H. AULA DE MÚSICA
Descripción de la prueba:
Se sorteará uno de los seis bloques de los CONTENIDOS, debiendo desarrollarse el mismo y los dos
siguientes. En segundo lugar se expondrá la relación de los compositores seleccionados de los tres
bloques restantes.
PRUEBA EXTRAORDINARIA SEPTIEMBRE 4º Y PENDIENTESDE 3º
2.- RESUMEN DE LA ASIGNATURA
alternativa a los contenidos pendientes
Descripción de la prueba:
Se sorteará uno de los seis bloques de los CONTENIDOS, debiendo desarrollarse el mismo y los dos siguientes. En segundo
lugar se expondrá la relación de los compositores seleccionados de los tres bloques restantes.
1.*LA EDAD MEDIA: (tras el fin del Imperio Romano S.V d/C). Arte casi exclusivamente religioso.
Románico (Ss. X-XII)
-
Se hereda la tradición monódica de la Antigüedad Clásica (Grecia y Roma)El Canto Gregoriano (en latín) y los
trovadores (en lengua vulgar) son el cénit de la monodia. La música medieval es MODAL (usa ocho modos o
“escalas gregorianas”).
- En el C. Gregoriano se establecen los tres tipos de canto: silábico, neumático y melismático
- La polifonía ( S.X ) nace como adorno de la melodía (monodia) y fuerza la creación de un sistema de escritura musical.
Gótico
(Ss. XIII y XIV)
- Se generaliza el uso de la polifonía y aparecen las primeras formas musicales: Organum, Conductus (Leonin y Perotin) y
Motete. La Misa de Notre Dame, de G. De Machaut, es la primera misa polifónica.
- La música profana es de corto alcance (trovadores, cantigas de A.X. “El Sabio” y Ars Nova); los instrumentos no tienen
un papel definido
2.*EL RENACIMIENTO (renacer de la cultura clásica o grecorromana) Ss. XV y XVI .
Es la gran época de la Polifonía y del estilo “a capella”. Aparece el coro.
- La música sigue siendo modal. La polifonía alcanza la perfección en las formas más importantes, como la Misa y el
Motete en la música religiosa y el Madrigal -y el Villancico en España- en la profana.
- La música profana (sobre poemas) es ya considerable y la música instrumental adquiere autonomía.
3.*EL BARROCO ( 1.600-1.750 +de Bach).
- Se impone la música TONAL (con base en las T. D. y S. ) sobre la música modal, con los tonos M. y m.
- Equilibrio entre la producción musical religiosa y la profana, y entre la música vocal y la instrumental
- EL BAJO CONTINUO –clave u órgano más cuerda grave- es la característica principal, imponiendo un ritmo mecánico,
imprimiendo movimiento, evitando tanto los huecos sonoros (horror vacui) como el estilo “a capella”.
- El instrumento más representativo es el clavecín y la orquesta más definida es la de cuerda (o de arcos): 3V-I, 2V-II, 2
Vla 2 Vch. 1 Cb. y 1 Clave.
- La m. vocal es narrativa y dramatizada: Ópera (prof.) Oratorio y Cantata (rel), todas a base de obertura (oieza
orquestal inicial),recitativos (forma de cantar hablando), arias (canciones acompañadas de orq.) y coros.
- En la m. instr. se desarrollan la Sonata (para solo y continuo), la Suite (danzas para orquesta) y el Concierto (para
solista y orquesta). El concierto es la aportación principal del Barroco a la música instrumental.
4.*EL CLASICISMO ( 1.750-1.827 + de Beethoven).
- Se imponen la música profana sobre la religiosa, la instrumental sobre la vocal y el piano (piano-forte) sobre el clave.
Desaparece el b. continuo.La orquesta se asienta sobre la cuerda –8V-I, 6V-II, 4Vl, 4Vch, 2 Cb,- y parejas de viento –fl.
Ob. Cl. Fg. Tpa. y Tpta, más otra de tbls.
- La música instrumental adopta globalmente la FORMA DE SONATA, 4 movs.: Allegro-Adagio-Minueto-Allegro, (en
sonatas, tríos, cuartetos... y sinfonías), el 1º con la estructura: Exposición (: )-Desarrollo-Reexposición-Coda.
- Beethoven concluye el período estableciendo las pautas del Romanticismo, desde el profundo intimismo de la sonata
“Claro de Luna” a las desafiantes sonoridades de sus nueve sinfonías.
- La Sinfonía (sonata para orquesta) será, en adelante, la composición instrumental más importante.
85
5.*ROMANTICISMO (1827-1897 + de Brahms)
La música para piano es la más característica y fundamental, ya solo, junto a la voz (Lied) o en grupo, sobre todo en las
primeras décadas (Schubert, Mendelssohn, Chopin, Schumann y Liszt).
Los compositores dotan a sus obras de sugestiones, emociones o dramatismo extraídos de las artes, la literatura, el paisaje, etc.,
con títulos libres ( Acuario, La Mañana) , o denominaciones genéricas: Nocturnos, Preludios, Fantasías, Baladas, Rapsodias,
etc., en sus etapas juveniles.
En las etapas de madurez se entregan a las formas clásicas (FF.SS), dotándolas de los extremos emocionales a los que nunca
renunciaron emulando a Beethoven: reflejar sus propios sentimientos. Liszt crea el Poema Sinfónico.
En la fase final se componen obras de extraordinaria duración y gran densidad, para las que se exigen orquestas de más de
cien músicos (óperas de Wagner, sinfonías de Brahms, Bruckner y Mahler o poemas sinfónicos de R. Strauss ).
Surge el Nacionalismo musical (Rimsky, Falla, Sibelius...), que eleva los ritmos y melodías populares a las obras clásicas.
6*SIGLO XX
Comienza a desarticularse la música TONAL quitando importancia a las T.D. y S.: con el Impresionismo (Ravel y Debussy), la
melodía se difumina entre la armonía; Strawinsky descompone los ritmos regulares; y el Atonalismo crea una especie de
anarquía armónica y melódica (
)
El Dodecafonismo (Schoenberg, A. Berg y Webern) ordena el Atonalismo: ninguna nota se repite sin que se oigan las once
restantes. Es la respuesta de la música al Expresionismo.
-
Finalmente la experimentación y la libertad de estilos excluyen caracteres generales. Además hay que
tener en cuenta que, junto a las vanguardias conviven tardorrománticos como S. Rachmaninov o R. Strauss (1.949).
RELACIÓN DE COMPOSITORES
1 EDAD MEDIA
Polifonistas:
Leonin
Perotin
Ph. De Vitry
G. de Machaut
F. Landini
Trovadores
Marcabrú
Adan de la Halle
W.v. der Vogelweide
Cantigas:
Alfonso X el Sabio
Martin de Códax
2 RENACIMIENTO
Fr.-flamencos:
G. Dufay
J. Ockeghem
Jorquin des Pres
J. Obrecht
Orlando di Lasso
Italia:
G.da Palestrina
C. Gesualdo
L. Marenzio
C. Monteverdi
Inglaterra:
T. Tallis
J. Taverner
W. Byrd
España
F. Guerrero
C. de Morales
T.L. de Victoria
3 BARROCO
Italia:
C. Monteverdi
G. Gabrieli
A. Corelli
T. Albinoni
A. Vivaldi.
Alemania:
H. Schütz
D. Buxtehude
J. Pachelbel
G.Ph. Telemann
J.S. Bach
G.F. Händel
España:
Gaspar Sanz
J.B. Cabanilles
F. Correa de Arauxo
4 CLASICISMO
C. Ph. E. Bach
J. Chr. Bach
F. J. Haydn
W.A Mozart
L.v. Beethoven
C. W. Gluck
M. Albéniz
P. Soler
J.C. Arriaga.
5 ROMANTICISMO (I)
F. Schubert
F. Mendelssohn
R. Schumann
F. Chopin
F. Liszt
H. Berlioz
K.M v. Weber
ROMANTICISMO (II)
R. Wagner
G. Verdi
C. Franck
A. Bruckner
B. J. Brahms
C. P.I. Tchaikowsky
ROMANTICISMO TARDÍO
G. Mahler
A. Scriabin
B. R.Strauss
S. Rachmaninov
NACIONALISTAS
I. Albéniz
J. Turina
M. de Falla
I. Sibelius
N. Rimsky-Korsakov
A. Borodin
I. Moussorgsky
6 S.XX
NEOCLASICISMO
I. Strawinsky
S. Prokofiev
B. Bartok
IMPRESIONISMO
C. Debussy
M. Ravel
EXPRESIONISMO/ATONALISMO
86
A.
Schoenberg
A.
BergA.
A.
Webern.
87
PRUEBA EXTRAORDINARIA DE ENERO DE 2009 PARA ALUMNOS DE 3º CON MÚSICA
DE 2º PENDIENTE
JUEVES 22, A LAS 18´30 H. AULA DE MÚSICA.
Alumna/o.
Curso.
CONTENIDOS a recuperar:
1. Música de cámara y agrupaciones.
Cámara significa aquí habitación, espacio suficiente para que pueda actuar un grupo reducido de instrumentos. Empezó
siendo una distracción para amigos músicos y se convirtió en género musical del nivel más elevado.
Las primeras composiciones importantes de cámara surgen en el Barroco (1600-1750), erigiéndose el clave
y el violín como principales instrumentos en las llamadas sonatas dúos, si se añadía un violonchelo,
sonatas tríos. Así, desde pronto, las obras de cámara se denominaron según el número de componentes:
dúos, tríos, cuartetos3º . hasta nonetos.
En el Clasicismo ( 1750-1827) J. Haydn (1733-1809) consolidó como principal agrupación el cuarteto de cuerda, formado
por dos violines, viola y violonchelo. Todos lo grandes compositores posteriores como Mozart, Beethoven o Bramhs le
dedicaron especial atención.
Le siguen en interés los tríos con piano: violín, violonchelo y piano; cuarteto con piano: violín
viola, violonchelo y piano; y quintetos con piano: dos violines, viola, violonchelo y piano. Estos últimos
suelen ser pocos (uno por compositor), pero de extraordinaria calidad.
Otras combinaciones dependen de los instrumentos que usaban los amigos de los compositores,
generalmente de cuerda, pero también incluyen instrumentos de viento, generalmente v. madera.
Definición de orquesta, principales ejemplos.
2. La orquesta. Es una agrupación musical de numerosos instrumentos que tocan de forma coordinada.
Su nombre deriva del gr. orchestra, que era un lugar apartado en el escenario donde se ubicaba el
coro en el teatro de la antigua Grecia. Hoy día, en los teatros de ópera o zarzuela el lugar destinado a los
instrumentos se denomina foso, situado por debajo del nivel del público y del escenario y separando
ambos.
3. La orquesta de cuerda barroca.
Como la conocemos ahora, la orquesta tuvo su origen en la época denominada Barroco (1600-1750),
asentando para siempre las cinco secciones de cuerda (arcos) que sólo variará multiplicando sus
componentes en el futuro. Su plantilla es la siguiente
Violines I
Violines II
Violas
Violonchelos
Contrabajo

5
4
3
3
Esta es la orquesta empleada por todos los compositores barrocos (Vivaldi,
Bach, Händel...) para conciertos con solistas, que fueron muchos. También,
para otras obras como suites y obras vocales como óperas y oratorios, se
añadían algunos instrumentos de viento y timbales.
Clave
4. Orquesta Clásica (1750-1827)
Fue la empleada por Haydn, Mozart y Beethoven para sinfonías, oberturas y conciertos con solista.
Su plantilla establece un plantel donde ya no faltarán los vientos y la percusión:
Cuerda
Vs. I
Vs. II
Vlas.
Vchs.
Cbs.
10
8
6
6
4
Vtº. Madera
Flautas
Oboes
Clarinetes
Fagots
2
2
2
2
Vtº. Metal
Trompas
2
Trompetas 2
Percusión
Timbales
2
en las T y D.
En las óperas es frecuente añadir algún
trombón, flautín y percusión variada,
como bombo, platillos y triángulo.
88
5. Orquesta Sinfónica (1830 hasta hoy).
Fue una evolución y crecimiento de la anterior. Se denominó sinfónica porque tiene el instrumental
requerido por los grandes compositores de sinfonías, oberturas y conciertos, como Brahms, Bruckner o
Tchaikovsky (2/2 S. XIX).

Vs. I
Vs. II
Vlas.
Vchs.
Cbs.
Cuerda
16
14
12
10
8
Vtº. Madera
Flautas
2
Oboes
2
Clarinetes 2
Fagots
2
Contrafagot
Vtº. Metal
Trompas
4
Trompetas 3
Trombones 3
Tuba
Percusión
Timbales
3
en las T, D y S.
Formas instrumentales.
1. Tema con variaciones.
Esta forma fue inventada por el organista y compositor español Antonio de Cabezón (S XVI), que la
llamó diferencias. Consiste en exponer un tema, normalmente ajeno, para presentarlo después en repetidas
ocasiones con diferente ritmo, armonía, contrapunto, instrumentación, etc.
Ha tenido una notable aceptación en toda la historia posterior, habiendo compuesto obras
importantes Bach, Mozart, Beethoven, Chopin, Liszt o Rachmnaninov, normalmente presentadas como
Variaciones sobre un tema de...
2. El concierto.
El verbo concertar significa poner de acuerdo. Son obras en la que un instrumento solista alterna su
protagonismo con una orquesta. Constan de tres partes (movimientos): allegro, andante y presto (rondó).
Se originó durante el Barroco, siendo el violín el principal solista, seguido del oboe. Son especialmente
conocidos los cuatro de Vivaldi que conforman sus Cuatro estaciones.
Durante el Clasicismo y en adelante, el principal solista sería el piano; Mozart compuso 27,
Beethoven 5 y casi todos los grandes compositores románticos posteriores (S.XIX), escribieron uno o
dos.
Cuando hay más de un solista se le denomina en el vocablo italiano concerto grosso, siendo los
más célebres los seis conciertos de Brandenburgo de J.S. Bach.
3. La forma de sonata.
Es la forma instrumental más importante. Su logro se debió en gran medida a J. Haydn. Consiste en
cuatro movimientos o partes ordenados así: allegro, andante (o adagio), minueto y allegro, el primero
de ellos con la estructura: exposición (repetida), desarrollo y reexposición.
Esta forma de componer se aplicó a toda la música instrumental. Si la obra es para piano se
denomina sonata a secas, si es de cámara se denomina por el número de componentes (trío, cuarteto,
etc.), y si es para una orquesta se denomina sinfonía, que es la de mayor rango, de las que Beethoven
compuso nueve, Mozart cuarenta y una y Haydn más de cien.
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PRUEBA EXTRAORDINARIA DE ENERO DE 2009 PARA ALUMNOS DE 2º CON MÚSICA
DE 1º PENDIENTE
JUEVES 22, A LAS 18´30 H. AULA DE MÚSICA
2. Cuerda frotada o de arcos.
Están concebidos para actuar en grupos. Son esencialmente melódicos (monódicos), aunque puedan dar
notas simultáneas. Son la base de todas las orquestas y sus más numerosos componentes.
Las cuerdas son frotadas con cerdas tensadas en un arco, produciendo el sonido instrumental más cercano a
la voz humana. Lo forman los instrumentos de la familia del violín: violín, viola, violonchelo y
contrabajo, ordenados de menor a mayor. Poseen un juego de cuatro cuerdas, aunque los contrabajos de
hoy suelen tener cinco.
3. Formaciones de cámara (Música de Cámara)
Cámara significa aquí habitación, espacio suficiente para que pueda actuar un grupo reducido de
instrumentos. Empezó siendo una distracción para amigos músicos y se convirtió en género musical del
nivel más elevado. El cuarteto de cuerda: lo forman dos violines, viola y vchelo. es la referencia capital
Las primeras composiciones importantes de cámara surgen en el Barroco (1600-1750), erigiéndose
el clave y el violín como principales instrumentos en las llamadas sonatas dúos, si se añadía un
violonchelo, sonatas tríos. Así, desde pronto, las obras de cámara se denominaron según el número de
componentes: dúos, tríos, cuartetos… hasta nonetos. Son importantes los grupos que incluyen el piano.
2. La orquesta de cuerda barroca.
Como la conocemos ahora, la orquesta tuvo su origen en la época denominada Barroco (1600-1750),
asentando para siempre las cinco secciones de cuerda (arcos) que sólo variará multiplicando sus
componentes en el futuro. Su plantilla es la siguiente
Violines I
5
Violines II
4
Esta es la orquesta empleada por todos los compositores barrocos (Vivaldi,
Violas
3
Bach, Händel...), sobre todo en obras concertantes, como las Cuatro
Violonchelos 3
Estaciones de Vivaldi, que son cuatro conciertos para violín y orquesta.
Contrabajo.
Clave
3. Orquesta Clásica (1750-1827)
Fue la empleada por Haydn, Mozart y Beethoven para sinfonías, oberturas y conciertos con solista.
Su plantilla establece un plantel donde ya no faltarán los vientos y la percusión:
Cuerda
Vs. I
Vs. II
Vlas.
Vchs.
Cbs.
12
10
8
6
4
Vtº. Madera
Flautas
Oboes
Clarinetes
Fagots
2
2
2
2
Vtº. Metal
Trompas
2
Trompetas 2
Percusión
Timbales
2
en las T y D.
La ampliación en el número de componentes de esta orquesta, durante el Romanticismo (S XIX), dio como
resultado las orquestas sinfónicas o filarmónicas actuales, que la forman más de cien músicos. Desde
Beethoven en adelante son las orquestas para las que escribieron los grandes compositores; también son las
que interpretan las bandas sonoras de las mejores películas.
90
5. Orquesta Sinfónica (1830 hasta hoy).
Fue una evolución y crecimiento de la anterior. Se denominó sinfónica porque tiene el instrumental
requerido por los grandes compositores de sinfonías de oberturas y conciertos, como Brahms, Bruckner o
Tchaikovsky (2/2 S. XIX).

Cuerda
Vtº. Madera
Vtº. Metal
Percusión
Vs. I
Vs. II
Vlas.
Vchs.
Cbs.
16
14
12
10
8
Flautas
2
Oboes
2
Clarinetes 2
Fagots
2
Contrafagot
Trompas
4
Trompetas 3
Trombones 3
Tuba
Timbales
3
en las T, D y S.
7. Banda de música.
Son agrupaciones musicales móviles que se componen exclusivamente de instrumentos de viento y de
percusión. Su origen es remoto y asociado a los ejércitos, donde se necesitaba un sonoro grupo de
tambores para marcar el paso organizado de las tropas, así como potentes trompetas y cuernos para
ordenar movimientos con sencillos toques.
En el S XIX alternaban estas funciones con otras de entretenimiento y embellecimiento de
celebraciones y actos oficiales, aumentando y variando el número de instrumentos; fueron apareciendo
agrupaciones de este tipo sin vinculación al mundo militar para acompañar procesiones y para actos
musicales supliendo las dificultades y carestía de las orquestas.
En Sevilla son notables la Banda Municipal, la del Regimiento de infantería Guzmán el Bueno,
más conocida como Soria 9 y la Banda del Maestro Tejera, así como las de localidades como Salteras,
Utrera, etc., habiéndose compuesto muchas obras maestras inspiradas en numerosas y veneradas imágenes
de cofradías sevillanas, como Amargura, Jesús de las penas o Virgen del Valle.
Las bandas están muy nutridas de clarinetes y saxofones, que hacen el papel similar al de los
violines y violas en la orquesta
91
92