Download En qué sentido hablamos del “concepto híbrido” de la obra de teatro?

INSTITUCIÓN EDUCATIVA BARRIO SANTA CRUZ
TEATRO
PREGUNTAS GENERADORAS
Margarita María Mejía Román
2011
[ESCRIBIR
LA DIRECCIÓN DE LA COMPAÑÍA]
2011
TEATRO
INSTITUCIÓN EDUCATIVA BARRIO SANTA CRUZ
2011
Fuentes Consultadas:
Gómez Martínez, José Luis. 2005-2010. Introducción a la Literatura. Introducción al a
Literatura. [En línea] Dynamic Quest, 2005-2010. [Citado el: 3 de mayo de 2011.]
http://www.ensayistas.org/curso3030/. 0-9763880-5-7.
Jean, Jonvent. El teatro y su Historia. Origenes del teatro. [En línea] [Citado el: 3 de mayo de
2011.] http://www.bambalinasteatro.com.ar/downorigenes.htm.
Manuel, Alfaro Rodriguez Juan. 2006. Cartelera teatro off. Mexico: La adaptación en el Teatro.
[En línea] 16 de marzo de 2006. [Citado el: 3 de mayo de 2011.]
http://www.cartelerateatroff.com.ar/verNoticia.asp?id=42.
Separata de Castillo,G. Y Otros . 2005. Guías de aprendizaje para una escuela de anticipación.
[En línea] CPEIP, 2005. [Citado el: 4 de mayo de 2011.]
Sieduca. 2005. Sistema de formación para la vida. Preparación de una obra de teatro. [En
línea] 2005. [Citado el: 4 de mayo de 2011.] http://www.si-educa.net/basico/ficha510.html.
I
NTRODUCCIÓN A LA OBRA DRAMÁTICA Y SU REPRESENTACIÓN
En el estudio introductorio a los géneros literarios, distinguíamos cuatro
objetivos fundamentales en el acto de comunicación, que son también el
origen de los géneros literarios: personal (poesía
lírica), mimético (narrativa), persuasivo (ensayo), y dramático (teatro).
Pero mientras en los tres primeros géneros literarios el acto de comunicación se
establece a través de la palabra escrita, la obra dramática (obra de teatro) se
escribe fundamentalmente con el objetivo de que sea representada. Las
palabras drama y teatro, que tienen un origen griego, hacen referencia al acto
de representación: drama significa acción, actuar; teatro significa contemplar,
espectáculo. Todavía hoy día llamamos teatro al lugar donde se representan las
obras dramáticas u obras de teatro. En estas dos palabras, teatro y drama, se
encuentra también la esencia del concepto híbrido del género, pues implican:
lectura y representación, autor y director, lector y público, actor y personaje.
Aunque en los cursos de literatura la obra de teatro se nos presenta como un texto
que leemos, debemos recordar que se escribe para ser representada y que una
lectura crítica debe tratar de visualizar dicha representación.
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PREGUNTAS GENERADORAS
1. ¿En qué sentido hablamos del “concepto híbrido” de la obra de teatro?
Mientras la poesía, la narrativa y el ensayo se construyen a través de palabras, en
la obra teatral la palabra es únicamente una parte de la totalidad; es decir, es sólo
una de las dimensiones de la representación. En los otros géneros literarios se
trata de la palabra escrita; en la obra de teatro se trata de la palabra
representada (la palabra interpretada a través de cualidades fónicas precisas,
acompañadas de gestos, silencios, movimientos, etc.). Quizás podemos comprender
mejor el contexto híbrido de la obra teatral si la consideramos un punto
intermedio entre la pantomima, una representación donde se omite la palabra, y
la narrativa, la palabra sin la representación. Los tres textos nos cuentan
una historia: la narrativa tiene la palabra sin la representación explícita; la
pantomima es representación sin la palabra; la obra de teatro ocupa una posición
intermedia, pues es la palabra representada. Los tres esquemas que incluimos en
este estudio introductorio explican de modo gráfico este carácter híbrido de la
obra dramática: el primero es una representación esquemática del carácter híbrido
de la obra de teatro; el segundo se centra en el texto escrito; y el tercero en la
representación.
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TEATRO
2. Si la obra de teatro se caracteriza por la palabra representada ¿Quién es
el destinatario?
La naturaleza híbrida, palabra representada, de la obra de teatro posibilita
también dos destinatarios claramente diferenciados: el lector y los espectadores.
Como texto escrito, difundido en libros, la obra de teatro tiene siempre como
destinatario a posibles lectores. Hay también obras de teatro que nunca llegaron a
ser representadas. El lector común tiende a leer la obra de teatro como una
expresión de la narrativa; en este caso las direcciones de escena representan una
forma peculiar del narrador, y la lectura se manifiesta como experiencia individual.
El director de una obra de teatro es primero un lector del texto.
Como palabra representada, o sea, como espectáculo, el destinatario deja de ser
individual. La obra representada necesita del complemento de un público que
reacciona ante lo que ve y oye, a la vez que forma un lazo de unión entre los
espectadores y actores-personajes.
3. ¿Por qué la división entre texto primario y texto secundario, si nosotros
leemos las direcciones de escena como la voz del narrador?
Sí, eso sucede cuando leemos la obra de teatro. La clasificación entre texto
primario y secundario no se refiere al contenido ni a la obra leída, sino a la realidad
de la obra representada: el texto primario son las palabras habladas; el texto
secundario no se pronuncia, son direcciones de escena que guían al director y a
los actores en la representación de los personajes y de las palabras habladas.

¿En qué consiste el texto primario?
El texto primario son las palabras representadas en el escenario y que según su
función podemos clasificar de distintos modos (haga clic en cada uno de los
siguientes términos para obtener un desarrollo más amplio con numerosos
ejemplos):



Diálogo entre los personajes: Suele ser la parte más significativa del texto
primario.
Acción referida: cuando uno de los personajes nos narra algo que sucede
fuera del escenario o en el pasado. Es el momento cuando la obra de teatro
se aproxima más a la narrativa.
Acotaciones habladas: denominamos así a las direcciones de escena que
están integradas en el diálogo entre los personajes.
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TEATRO


Monólogo: lo denominamos también soliloquio, para representar esos
momentos cuando uno de los personajes está hablando solo; se trata de los
pensamientos de un personaje dichos en voz alta.
Apartes: una de las convenciones del teatro, mediante la cual uno de los
personajes puede hablar a otro personaje o al público, y se asume que los
demás personajes en escena no pudieron oír las palabras.
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
¿A qué denominamos texto secundario y cómo podemos reconocerlo?
Como señalamos anteriormente, el texto secundario es la porción del texto escrito
que no se pronuncia durante la representación y que sirve de guía para la
construcción del espacio escénico y para la representación.
Estos textos se denominan Acotaciones o direcciones de escena y normalmente
están escritos en letra cursiva y entre paréntesis (italics). Hay obras de teatro
que no poseen acotaciones o que tienen muy pocas.
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TEATRO
4. Antes se explicó la “acción referida” como una narración ¿cómo
diferenciamos la obra teatral de los demás géneros literarios?
Recordemos que la clasificación de los textos literarios en géneros es sólo un modo
de aproximarnos a la obra literaria. En el caso particular de la obra de teatro, la
única diferencia es la intención implícita de que se escribe para ser representada.
Fuera de esta diferencia que se manifiesta en la forma y en el destino final, la
obra de teatro es una dramatización de la palabra, independiente del género
literario con que pueda ser asociada. Por esta misma razón, las consideraciones en
cuanto a los recursos retóricos estudiados en los demás géneros, se aplican
igualmente a la obra de teatro. En el pasado, durante el siglo XVI y XVII, en el
momento en que triunfaba la comedia española, las obras de teatro se escribían en
verso. El romance, la redondilla, el soneto y la octava real constituían formas de
versificación que representaban convenciones precisas de la obra de teatro. La
reflexión del ensayo y la motivación al diálogo han estado presentes en el teatro en
todos los tiempos: desde el carácter filosófico de la obra de Calderón en el siglo
XVII, a la reflexión del teatro del oprimido de Augusto Boal en nuestros días. Pero
entre todos los géneros literarios, la narrativa es el género más próximo a la obra
dramática. La obra de teatro comunica también una historia, aunque sea
representada (con frecuencia tiene igualmente partes narradas). Y, como historia,
posee, igual que la narrativa, un desarrollo, un clímax, puntos decisivos, desenlace,
etc. Como la narrativa, la obra de teatro desarrolla también su historia con el
artificio de un discurso, donde a la trama se unen los múltiples recursos de la
representación (luces, vestuario, tono de voz, silencios, etc.), para dar lugar a una
interpretación explícita.
5. ¿Qué quiere decir una interpretación explícita?
La representación de una obra de teatro es ya una interpretación del texto escrito
y como tal contiene elementos que no están o pueden no estar en el texto escrito
(tanto en el texto primario como en el texto secundario). No nos referimos ahora a
las modificaciones en el texto que pueda introducir el director, sino a elementos
implícitos en el texto escrito, como el vestuario, el maquillaje, los sonidos, las
luces, el tono de la voz, entre otros. Todos estos elementos, como ya señalamos,
pueden estar implícitos en el texto escrito, pero dependen de la imaginación de
cada lector. La obra representada nos presenta la “imaginación” de un lector en
particular: el director de la obra teatral. En este sentido la obra representada es
ya una interpretación de la obra escrita. Las palabras habladas pueden ser las
mismas, pero los personajes se mueven en el escenario y, junto a las palabras, se
comunican con los espectadores a través de sus gestos, movimientos, tono de voz,
silencios y el diálogo sin palabras con que las personas interaccionan entre sí. Por
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esta misma razón, una obra de teatro puede tener múltiples posibles puestas en
escena: múltiples interpretaciones de un mismo texto.
Es importante conocer el contexto de una obra teatral antes de intentar una
modificación.
Existe un aspecto prácticamente consultado por los directores de teatro, de
cualquier época y lugar - salvo rarísimas excepciones - y es el de la adaptación de
un texto, ya sea de autor vivo o muerto.
En el teatro es posible observar cambios de época, de lugar, de personajes y hasta
de situaciones concretas, que el espectador común no detecta del todo, dado que
no conoce los textos originales o no tiene referencias previas (haber visto la obra
antes, con otro reparto, director).
Cuando un director decide adaptar parte de un texto, ya sea porque no tiene los
recursos para conseguir el vestuario y/ la escenografía de la época (cosa que
sucede muy seguido con el teatro independiente), no cuenta con suficientes
actores para integrar el reparto original o simplemente, quiere dar una referencia
más cercana al espectador, debe tomar en consideración las consecuencias que
esto conlleva, si desea que su trabajo sea respetable.
Por ejemplo, si alguien decide adaptar un diálogo o modificar el nombre de un
personaje, en una obra que está situada en una época con referencias específicas,
deberá revisar el resto del texto para verificar que su adaptación no se salga de
contexto.
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TEATRO
6. Si toda representación es ya una interpretación, ¿cómo se caracteriza la
relación entre el dramaturgo y el director?
El dramaturgo es el autor de la obra, es el creador del texto. Como señalamos
antes, el dramaturgo crea su texto para ser representado; es decir, desde el
comienzo el texto posee dos dimensiones precisas: La dimensión literaria y
la dimensión espectacular. Con la expresión dimensión literaria nos referimos
principalmente al texto primario. La dimensión espectacular es el texto (primario y
secundario) más el espacio escénico. El director, que es primero un lector, al poner
en escena una obra de teatro, va a interpretar el texto y las direcciones que
proporciona el dramaturgo, pero las direcciones de escena y el texto mismo limitan
su participación a una interpretación.

Comprendo la diferencia entre dimensión literaria y dimensión
espectacular
Muchos de los elementos de la representación se encuentran ya presentes en el
texto primario. Lo mismo que en poesía hablamos de sílabas y estrofas como
unidades estructurales del poema, en la obra de teatro la unidad más simple es
la escena, luego la obra se estructura en actos. Las escenas cambian cuando los
personajes entran o salen del escenario (el escenario es el lugar donde se
representa la obra). La escena, en este sentido, además de la unidad estructural de
la representación, es también la unidad que establece el ritmo en el que ha de
proceder la representación. Así, incluso las obras de teatro que no incluyen
explícitas direcciones de escena, determinan el ritmo de la obra representada
según el modo como agrupan el diálogo en escenas.
7. El director sigue e interpreta las direcciones del dramaturgo ¿cómo
construye luego la representación?
En efecto, el dramaturgo proporciona la estructura de la obra en escenas y la
división en actos. También contiene referencia al espacio referido a través de
la acción referida que los personajes intercalan en su diálogo. La función del
director es estructurar todos esos elementos a través de
actantes (actantes pueden ser los personajes, la utilería, los sonidos, las luces,
vestuario, coreografía, etc., incluso el público: todo aquello que interviene en
la representación de la obra). No obstante, para los efectos de esta introducción
vamos a distinguir entre los actores y los actantes. Los actores son las personas
que bajo la dirección del director y la guía del dramaturgo (a través de
las acotaciones), van a representar la palabra escrita (los elementos verbales),
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interpretada con elementos mímicos, para crear los personajes que van a
representar la historia. Vamos a reservar el término de actante para aquellos
elementos (objetos, sonidos, luces, etc.) que pueden adquirir durante la
representación la categoría de personaje (bajo el término actante exponemos
numerosos ejemplos de los textos incluidos en este curso).
8. ¿En qué sentido puede ser el público un actante?
Mientras la obra leída suele ser un acto individual, la obra representada es siempre
un acto colectivo. El público que presencia una representación participa con
frecuencia en el desarrollo de la obra a través de sus reacciones colectivas: risa,
silencio, exclamaciones de sorpresa, de miedo, etc. Sobre todo en el siglo XX,
el teatro experimental incluía en el texto secundario indicaciones para provocar o
interactuar con el público. Con este propósito se experimenta también con la forma
y el emplazamiento del escenario.
9. Las consideraciones expuestas hasta aquí parecen también coincidir con las
representaciones cinematográficas ¿existen diferencias entre ambos modos de
representación?
Es cierto que en ambos casos se trata de la palabra representada, pero el arte
cinematográfico merece un capítulo aparte que sale fuera de los objetivos de este
curso de introducción a la literatura centrado en la palabra escrita. No obstante, sí
que conviene mencionar dos diferencias básicas entre ambas representaciones. Una
tiene que ver con la técnica y la otra con el uso que se hace de dicha técnica. Con la
primera aludimos a la eliminación de los límites que impone un escenario físico:
todo espacio referido puede ser representado en la obra de cine. La segunda
diferencia se refiere a la substitución de nuestro campo visual por el campo visual
de la cámara. Examinemos esta relación en tres niveles de interpretación: a) el
texto escrito; b) la representación en una sala de teatro; y c) la representación
cinematográfica.
A) El texto escrito impone un mínimo de obstáculos a nuestra interpretación sobre
la apariencia de los personajes, cómo se mueven, cómo se visten, cómo reaccionan,
El lector posee un máximo de libertad al interpretar la obra escrita.
B) En la obra de teatro el director interpreta el texto, pero nosotros, como
público, tenemos libertad individual de concentrarnos en partes del escenario, en
uno u otro personaje, en su movimiento o en sus expresiones faciales.
C) En la obra cinematográfica el punto de vista de la cámara decide qué es
importante, así, por ejemplo, se enfoca en la expresión de una cara, pero nos
impide ver todo lo demás que podía estar sucediendo en la escena.
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10. ¿Cómo se escribe un Guión?
Las etapas para escribir un guión
Para estructurar un mensaje es imprescindible saber qué se quiere expresar a
través de él. Aquí entra en juego la cantidad de conocimientos del guionista
sobre lo que escribe. El guionista antes de dar un orden al mensaje debe tener
su mente repleta de información sobre el tema.
El conocimiento puede venir de muchas fuentes: la experiencia personal, el trato
con los demás, la lectura de prensa o literatura, el visionado de fuentes
audiovisuales o el acceso a información de las grandes redes informáticas. Todo
ello puede englobarse en una labor investigadora y dentro de ella una labor de
documentación. Se habla de investigación porque tanto las entrevistas
personales como la visita a hemerotecas forman parte de ella.
Cuando se escribe un guión se hace en varios tiempos que corresponden a
diferentes escalas o tramos de un guión.
«Sinopsis». Es un resumen muy breve del relato, que sirve para que el productor
se fije en la idea. Suele tener unas pocas páginas.
«Redacción novelada o Tratamiento». Es la redacción del relato como si fuera
una descripción novelada, de forma lineal en cuanto a la visión que la futura
presentación va a dar.
«Guión literario o continuidad dialogada», cuando la redacción novelada se
convierte en secuencias y escenas, en las que los diálogos y la explicación de los
lugares de acción, lugar y tiempo son especificadas con claridad.
«Guión técnico»: Es muy variada su forma de realización. Su base es el «Guión
literario», que se divide en planos, escenas, secuencias, siendo en realidad un
montaje en borrador.
La estructura del guión
Un guión se divide en secuencias, que son como los
actos de una obra de teatro. Cada secuencia lleva
un encabezamiento que indica el lugar y el
momento en que se va a desarrollar. La secuencia
se subdivide en escenas. Cada escena comprende
uno o varios planos, rodados en el mismo ambiente
y con los mismos personajes.
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La estructura del guión, como se dice más arriba, no tiene normas objetivas.
Cada director, productor o guionista, las más de las veces en conjunto, deciden
aquello que es necesario que conste en el guión.
Un guión puede comenzar así:
«Secuencia 1ª' Entrada del Zoológico. Exterior. Día». Eso quiere decir que hay
que rodar la primera secuencia en el exterior de un parque de zoológico, durante
el día.
A continuación se describe la acción de la secuencia. Cuando hablan los
personajes que intervienen en la acción, se destacan de manera clara sus
diálogos.
Cada vez que cambia el lugar donde se vaya a rodar la escena, o el tiempo -día o
noche-, se pasa a otra secuencia.
11. ¿Cuál es el Origen del teatro?
ORIGENES DEL TEATRO
El teatro nace en Grecia, pero antes de su nacimiento ya existían
manifestaciones teatrales en el mundo: los bailes, las danzas, que constituyen las
más remotas formas del arte escénico. Estas primeras manifestaciones
dramáticas son las prehistóricas danzas mímicas que ejecutaban los magos de las
tribus, acompañándose de música y de masas corales en sus conjuros con objeto
de ahuyentar los espíritus malignos, y otras pantomimas y mascaradas, así como
las danzas córicas en honor de Dionisos, renovación del culto de Príapo, que se
celebraba al pie de la Acrópolis de Atenas.
La estatua de Baco era llevada procesionalmente, entre himnos al macho cabrío
que era sacrificado al retorno de la procesión, en un altar colocado bajo una
encina. Los himnos, entonados por sátiros y náyades que no cesaban de danzar
durante el trayecto, eran de un poeta del Peloponeso, llamado Arión, que puede
ser considerado el precursor de los autores dramáticos.
Estos festivales fueron luego modificándose, y se introdujeron, en lugar del ya
anacrónico mito, héroes y reyes, primera piedra del arte escénico, colocada casi
simultáneamente por Tespis, por Epigenes y por Arión.
El ballet, es, pues, la primera manifestación teatral que se conoce, y la única que
existe todavía en los países salvajes o de rudimentaria civilización.
Con anterioridad a Tespis, el teatro se reducía a un corifeo que narraba las
aventuras de un héroe o de un dios y un coro que le acompañaba y le interrumpía
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de vez en cuando con preguntas y con exclamaciones de júbilo o de dolor. Tespis
imaginó representar al héroe, encarnarlo.
Tespis era natural de Icaria y nació hacia el año 540 antes de Jesucristo.
El maquillaje en su más rudimentaria forma surge, también con Tespis, que
obligaba a embadurnarse el rostro con las heces del vino a todos los
componentes del coro.
Primero hubo un solo actor –corifeo-, y sólo necesitaba una mesa junto al altar
de Dionisos para dialogar con los chorentae, mesa o carro que se colocaba en el
centro de la orchestra. Cuando, aumentan los actores la mesa se convierte en
plataforma, y al fin la importancia de la representación requiere ya una
habitación o barraca donde los actores se disfrazan. También entonces se
levantan gradas de madera para el público, ya que éste aumenta cada vez más y
ya no puede situarse en filas, de pie, alrededor del altar (thymele).
Parece ser que un día, representándose obras de Esquilo y Pratinas, se hundieron
las gradas. Ante el temor de que pudiera repetirse la catástrofe, se acordó
construir, con planos de Anaxágoras y Demócrates, un teatro con graderío de
piedra.
Vitrubio, en su libro V, describe las tres partes principales del teatro griego:
el muditorio, la orchestra y la barraca o scena.
Las localidades estaban colocadas en semicírculo, apoyadas sobre la pendiente
rocosa de la Acrópolis. Al final del graderío existía una columnata y detrás
continuaban los asientos. En el centro de la orchestra estaba el altar de
Dionisos. A su alrededor danzaba el coro.
La scena estaba enmarcada por tres muros. Uno de frente y otro a cada lado. El
muro del centro solía adornarse con columnas, estatuas y frisos. Tenía tres
puertas. Por la central, de mayor tamaño, entraban los dioses y los héroes. Las
otras dos eran para los personajes secundarios. En los muros laterales había
también sendas puertas.
El teatro de Dionisos, cuyo emplazamiento se había perdido por completo con el
tiempo, fue descubierto en el año 1765 por el investigador R. Chandler,
prosiguiendo luego las excavaciones J. H. Strack en 1862 y Dorpfeld en 1886.
En la época de Sófocles ya existía el telón: una cortina doble que se desplegaba
hacia los lados. Los decorados -invención de Agatardo- estaban colocados a guisa
de forrillos, tras las puertas de enfrente. Estos decorados -prismas (periaktes)
atravesados por un eje- eran giratorios y en cada una de sus caras tenían
pintado un motivo diferente conforme a los tres géneros teatrales de entonces:
tragedia, comedia y sátira. Se suponía que la tragedia ocurría en templos o en
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palacios; la comedia, en interiores, en calles, en plazuelas, en mesones; y la
sátira, en grutas o arboledas.
Había también una tarima pequeña con ruedas -enkyklema- que se hacía avanzar
desde una de las puertas del fondo y que servía para las escenas nocturnas,
desapareciendo cuando acababa la escena. Junto al enkyklema estaban
los exostras, cuyo uso es hoy desconocido, y una especie de tribuna -teologeiónen la que aparecían las divinidades.
En el teatro de Atenas cabían 17,000 espectadores, en el de Dfero, 30,000 y
alrededor de las 35,000 personas en el de Megalópolis.
Había una silla reservada al sumo sacerdote y varios puestos de honor en torno a
él. El graderío recibía el nombre de "bajo" en los lugares reservados a los altos
dignatarios, "medio", el sitio que ocupaban los ciudadanos, y "alto", la parte de
las gradas destinadas a la plebe. En la parte más alta estaban los "pórticos",
cubiertos siempre y que se reservaban a las mujeres.
En estos teatros se habían introducido ya notables mejoras y adelantos. Eran ya
suntuosos y amplios y tenían abundantes recursos escénicos y decorados que aún
se perfeccionaron después, sobre todo desde que Apolodoro descubrió en el año
200 antes de Jesucristo las leyes de perspectiva.
Las primeras tragedias griegas ensalzaban las virtudes de los dioses. Esquilo
(525-456), Sófocles (496-406) y Eurípides (480-406) se inspiraron para sus
concepciones en los poemas homéricos, primer cantor de dioses, semidioses y
héroes. En la comedia griega se puede considerar tres etapas: antigua, media y
nueva.
La primera era esencialmente satírica. Los autores presentaban en escena,
perfectamente descritos, con sus nombres auténticos incluso, a los jefés de
Estado, a los filósofos, poetas, magistrados y generales. Muchos autores fueron
castigados por sus audaces mordacidades, entre ellos el poeta Eupolis, al que
Alcibíades mandó arrojar al mar.
Por fin se puso coto a estos desmanes cuando cayó el gobierno de Atenas en
poder de una oligárquica tiranía que empleó la censura, prohibiendo que se
llevasen a la escena personajes públicos.
De todos modos, no se consiguió que los autores desistieran de sus propósitos de
expresar lo que libremente sentían. Continuaron sus acres censuras a los
gobernantes y hombres de Estado, poniendo nombres supuestos a los
personajes, pero el público los reconocía fácilmente.
A este período pertenece la "comedia media". No duró mucho, sin embargo,
porque, considerando que era igualmente peligrosa, fue también prohibida.
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Nació entonces la "comedia nueva", o de costumbres, que adquiere en Menandro
su expresión más completa. Son llevados al teatro, como medio de exposición, las
corrupciones y vicios de la sociedad.
La comedia carece del coro y, aunque no tiene ya el cariz personal de las
primeras obras griegas, conserva aún su prístico ímpetu henchido de aticismo.
El público griego gozaba también con el espectáculo de pantomimas y con el
"drama satírico", género bufo, cuyos personajes principales y obligados tenían
que ser satiricos y faunos.
Las representaciones empezaban muy temprano, poco después de la salida del
sol. El precio de las localidades, el teorikón, era de dos óbolos. Desde los
tiempos de Pericles el gobierno daba un óbolo para la entrada y otro para la
merienda a los pobres. Los gastos de sostenimiento del teatro eran sufragados
por los ciudadanos pudientes. Los que pagaban para el sostenimiento del teatro
se llamaban coregas, eran elegidos por los arcontes y tenían que mantener a los
individuos necesarios para componer el coro. Los coros entraban en concurso
antes de las fiestas y al sostenedor del coro que vencía se le colocaba una
corona de hiedra.
Esta costumbre se fue perdiendo a medida que el coro intervenía cada vez
menos en las representaciones dramáticas, quedando al cabo relegado a un papel
muy secundario: danzar y cantar en los entreactos.
En un principio, el autor y el actor eran una misma persona. Esquilo elevó a dos el
número de actores que intervenían en la representación dramática. En la época
de Sófocles eran tres ya los actores, e incluso más, ya que a veces sucedía que
en alguna representación se precisaban más intérpretes.
Esquilo nació en Eleusis el año 525. Fue Soldado y poeta. De él se ha dicho que su
lenguaje poético es inimitable, y su estilo uno de los más vigorosos que se han
conocido. Murió en Gela, cerca de Sicilia, el año 456. De las setenta u ochenta
comedias que escribió, apenas quedan hoy siete conocidas: Los persas, Las
suplicantes, Los siete contra Tebas, Prometeo encadenado, Agamenón, Las
coéforas, Las euménides...
Sófocles, nació en Colona, cerca de Atenas el año 496. Primero fue sacerdote y
el año 468 se reveló como autor dramático al serle premiada su
trilogía Triptolemo. Dotado de un espíritu renovador y revolucionario, su
aportación dramática significó un avance definitivo para el teatro griego.
Suprimió las enormes y ampulosas tiradas de versos; aumentó el número de
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TEATRO
actores y dio a sus personajes cierta humanidad.
Escribió más de cien tragedias, aunque a nosotros sólo han llegado Edipo
Rey, Edipo en Colona, Ayax, Antígona, Electra, Filoctetes, Las traquinias... Sus
obras han sido vertidas a varios idiomas y se siguen representando en todo el
mundo.
Eurípídes nació en Salamina, el año 480. Fue pintor, orador, filósofo, poeta y
dramaturgo. Sus principales obras son: Ifigenia en Aulis, Ifigenia en
Táurida, Hipólito coronado, Alcestes y Las troyanas. Poética y literariamente
quizá sea inferior a Esquilo y Sófocles, pero teatralmente fue superior a ellos.
En Aristófanes se puede y debe considerar al político, al crítico y al satírico.
Como político escribió Lisístrata, Los acanienses, Los Caballeros yLa Paz. Como
crítico -duro, implacable- escribió: Las aves, Las ranas, Las nubes y Ceres. Como
satírico: Las avispas y Las junteras son las más características. Escribió poco en
relación con los demás y apenas queda una docena de obras suyas.
Aristófanes es quizás el menos interesante de todos ellos y alguna de sus piezas,
por ejemplo Lisístrata, es hoy irrepresentable a causa de la forma en que la
concibió y expresó. Está escrita de un modo áspero, crudo obsceno en muchos
momentos, y no se detiene ante ninguna expresión del lenguaje por fuerte y
atrevida que sea, ni ante ninguna escena más o menos inmoral.
12. ¿Cómo se prepara una obra teatral?
El teatro como arte comunitario por excelencia, permite el logro de una real
comunicación entre emisores (los actores) y receptores (el público), a través
de un mensaje (texto), mostrativo de una determinada realidad. Selección de
una obra dramática factible de montar.
Una representación consta sólo de dos elementos esenciales: actores y
público. La representación puede ser mímica o utilizar el lenguaje verbal. Los
personajes no tienen por qué ser seres humanos; los títeres o el guiñol han
sido muy apreciados a lo largo de la historia, así como otros recursos
escénicos. Se puede realzar una representación por medio del vestuario, el
maquillaje, los decorados, los accesorios, la iluminación, la música y los
efectos especiales.
Estos elementos se usan para ayudar a crear una ilusión de lugares, tiempos,
personajes diferentes, o para enfatizar una cualidad especial de la
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TEATRO
representación y diferenciarla de la experiencia cotidiana, la preparación de
una obra teatral consiste en:
Lectura general de la obra y comentario
Valoración de la obra. Una vez leída la obra en conjunto se hará hincapié en los
valores que conlleva el texto, de su sentido de las ideas transmitidas y de sus
elementos más significativos. Ubicación espacio-temporal de la obra. La obra
debe ser representativa de una época determinada, visualizada a través de
lenguaje del texto y de las ideas implícitas en él. Análisis interno de la obra.
Análisis general del conflicto y de la acción dramático. El predominio de una
de estas instancias configura un drama de acción, de personaje o de espacio.
Lectura dramatizada
Se lee el texto preocupándose ahora de ir dándole un mayor sentido a las
diversas situaciones dramáticas. Guiados por el profesor los alumnos eligirán
los personajes, cuyo trabajo de profundización y estudio debe empezar a
realizarse.
Distribución de responsabilidades en el montaje
El profesor tiene que explicar que el montaje de una obra implica un trabajo
de carácter colectivo, en el cual todos los alumnos tendrán diferentes
responsabilidades, todas de igual importancia. Consideraremos:
1. 1. Director ayudante: aunque el profesor asumirá, en última
instancia, la dirección de la obra, habrá un director ayudante quien
colaborará con el director en la visualización del montaje. Es
fundamental un esquema de dirección, un establecer desde el inicio del
montaje la ubicación de los personajes, sus entradas y salidas, las
correcciones de sus movimientos, todo dentro de la mayor libertad
creativa asignada a los personajes-actores.
2. Productor: estará a cargo de la organización de la obra de teatro,
buscando las formas y medios más favorables para la puesta en escena.
3. Actores: son quienes finalmente tienen la responsabilidad del éxito de
la obra. Por eso, la elección de los personajes debe efectuarse en la
forma más idónea posible, considerando condiciones, responsabilidad,
capacidad de trabajo. Repitamos que no hay papel chico: todos tienen
igual importancia en el contexto general de la obra.
4. Escenógrafo: se preocupará de las diversas decoraciones del
escenario, lo que da lugar a que lea la obra y busque todos los signos
emitidos por el dramaturgo en el texto. Es preferible que se busque
una escenografía simple, sin complicaciones pero que ayude a la
comprensión de la obra por parte del público.
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5. Maquillador: conseguirá los elementos indispensables para un mínimo
de maquillaje en los actores.
6. Iluminador: fabricará reflectores o tachos simples para crear una
atmósfera escénica especial. La utilización de la luz debe tener
relación con el climax creado en la obra con los momentos más
significativos en su desarrollo.
7. Encargado de la parte musical: puede que la obra exija una
determinada melodía o no la elija. En todo caso, la música que se utilice
debe tener relación con el sentido de la obra. Se preocupará de que el
sonido se proyecte en las instancias convenidas.
8. Encargado del vestuario: conseguirá el vestuario apropiado al tipo de
la obra y personajes, sin caer tampoco en la exageración ni
sofisticación. Un vestuario muy simple y cómodo para el accionar del
actor.
9. Tramoyista: estará a cargo del trabajo técnico del manejo de la
escenografía.
Ensayo
Cada uno de los ensayos se dividirá en tres partes fundamentales.
1. Ejercicios de preparación física. El director efectuará con los
actores breves ejercicios de respiración, vocalización, movimiento,
conocimiento del instrumento más significativo del actor: su cuerpo.
2. Ejercicios de improvisación. Se crearán diversas situaciones
dramáticas, breves, las cuales se actuarán.
3. Ensayo con el texto de la obra para que los actores vayan
memorizando el texto.
Preparar ensayos parciales
Según la obra estos ensayos parciales serán por escenas y o actos hasta llegar
a la totalidad.
Ensayo general
Tiene por finalidad mostrar la obra como si fuera el día del estreno, es decir
con todos los elementos configurados a través de las indicaciones anteriores.
Estreno de la obra
Se cumple el objetivo de la preparación de una obra de teatro: su
representación. Esta se optimizará en la medida en que cada uno de los
integrantes del curso cumpla con sus trabajos asignados y tome esta empresa
con la mayor seriedad.
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En el siguiente enlace encontrarás más información y de manera recreada para
complementar la pregunta generadora
http://www.rmm.cl/usuarios/pponce/doc/200508251241020.56obrateatral.pdf
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