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Bachillerato de Artes Escénicas, Música y Danza. I.E.S. López-Neyra. Historia de la Música y de la Danza.
tema 9
TEMA 9. SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XX: LAS VANGUARDIAS, EL
POP-ROCK Y LA MÚSICA CINEMATOGRÁFICA.
1/. Situación del tema en su contexto histórico y social.
La segunda mitad del siglo XX está marcada por el final de la segunda guerra mundial y la
división del mundo a nivel político y económico en dos grandes bloques. De un lado tenemos
el sistema capitalista, liderado por los Estados Unidos. En lo económico se define por el libre
mercado, mientras que en la política se defiende la individualidad y libertad de los ciudadanos.
El bloque comunista, liderado por la URSS, antepone el estado a la libertad del individuo. La
economía está dirigida y controlada por el estado, negándose la iniciativa personal. En el
plano personal, el estado también es el encargado de dirigir y controlar las conciencias y el
pensamiento de sus ciudadanos.
El fin de la segunda guerra mundial supondrá también la pérdida progresiva de protagonismo
de Europa frente al resto del mundo. Junto a fenómenos como el de la descolonización, el
mundo se volverá cada vez más uniforme, lo que hoy denominamos como globalización.
Por otra parte, y continuando con las décadas anteriores, las nuevas tecnologías y los avances
de las ciencias en todos sus campos seguirán su curso imparable. Baste citar, a modo de
ejemplo, el primer hombre en el espacio enviado por la Unión Soviética en 1961 o el primer
hombre en pisar la luna en 1969 obra de los norteamericanos.
La segunda mitad del siglo XX también se caracteriza por el surgimiento de la sociedad del
bienestar y del ocio, todo esto dentro de la cultura occidental.
Todos estos aspectos tendrán su repercusión en la música de la segunda mitad del siglo XX. El
final de la segunda guerra mundial, con todas sus terribles consecuencias, impulsó un deseo de
ruptura y de construcción de nuevo mundo más seguro. En el campo de las artes y de la
música en particular, ese deseo de ruptura se plasmó en una segunda oleada de movimientos
de vanguardia a partir de los años 50.
Muchas de estas nuevas vanguardias se volcaron con las posibilidades que entonces ofrecían
las nuevas tecnologías. Así, los avances de la ciencia y la técnica se aplicaron directamente en
el terreno musical. Los sintetizadores primero y los ordenadores después son un claro ejemplo
de lo que estamos diciendo. La música de vanguardia utilizó ampliamente estos nuevos
recursos en la denominada música concreta y música electroacústica. El pop y el rock no se
puede entender sin nuevos instrumentos como guitarra y bajo eléctricos, sintetizadores, cajas
de ritmo.
El sistema capitalista, con la búsqueda del individualismo, la libertad de conciencia y el libre
mercado, se han visto como un elemento fundamental en el nacimiento y posterior desarrollo
de la música pop-rock. No resulta extraño que el rock naciera en los Estados Unidos en un
momento en el que surgían las primeras discográficas y los jóvenes norteamericanos disponían
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de dinero para comprar los discos de sus cantantes y grupos favoritos. Además, esa idea de
libertad propició la enorme variedad de propuestas que encontramos en la historia del poprock.
La globalización, especialmente en las últimas décadas, traerá consigo la idea de fusión, de
mezcla entre todo tipo de corrientes musicales como nunca antes se había producido en la
historia de la música. Finalmente, la cultura del ocio impulsará el consumo de todo tipo de
músicas, en muchas ocasiones con un marcado carácter comercial, así como el impulso del
séptimo arte y la música cinematográfica.
2/. Características musicales.
Las vanguardias.
Las denominadas nuevas vanguardias, frente a las vanguardias de principios de sigli, se
desarrollaron a partir de los años 50. En un primer momento se vieron especialmente atraídas
por las nuevas tecnologías. Resultó inevitable que los grandes progresos científicos de la
primera mitad del siglo XX, específicamente en el campo de la electrónica y la acústica,
tuvieran una profunda influencia en la música. De esta forma se desarrolla en Europa la Música
Concreta, la Música Electrónica y la fusión de ambas, la música Electroacústica. En general
podemos afirmar que hay un gusto por el sonido en sí y las nuevas posibilidades que ofrece la
técnica. En la música concreta el material de base está formado por sonidos preexistentes:
sonidos y ruidos de la vida cotidiana, de la naturaleza y también voces e instrumentos
musicales que se graban y posteriormente se manipulan mediante diferentes técnicas de
montaje y manipulación del sonido. Por el contrario, la música electrónica se vale sólo de
sonidos provenientes de los nuevos aparatos electrónicos, los sintetizadores, capaces de crear
sonidos nuevos, artificiales, de laboratorio. La música electroacústica supone la síntesis
realizada a partir de 1956 entre estas dos técnicas.
Además de toda esta música experimental, desde los años 50 nos encontramos con otras
propuestas, destacando el serialismo integral y la música aleatoria. El serialismo integral
implica la extensión del principio de la serie de alturas de Schoenberg a otros elementos fuera
de la altura del sonido. Si era posible serializar los doce sonidos de la escala cromática,
también se podría hacer otro tanto con la duración, la intensidad, el timbre, la textura o el
silencio. La música basada en estos principios es atemática, no tiene un pulso rítmico claro y
presenta una ausencia de todo sentido de progresión, de movimiento hacia puntos de
culminación definidos y previsibles hacia el final de la obra.
La música aleatoria o de azar es una técnica compositiva musical basada en el recurso a
elementos no regulados por pautas establecidas y en la que adquiere un papel preponderante,
es la improvisación a partir de las secuencias no estructuradas. Tales rasgos improvisadores
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pueden fijarse en la creación del autor o en el desarrollo de la propia interpretación. Es
frecuente, en consecuencia, la composición de piezas aleatorias en las que el ejecutante
determina la estructura final de la obra, mediante la reordenación de cada una de las
secciones de la misma, o incluso mediante la interpretación simultánea de varias de ellas.
El pop-rock.
El término pop-rock tiene un significado muy amplio, refiriéndose en términos muy generales a
la música popular urbana nacida y desarrollada a mediados del siglo XX en las sociedades
capitalistas. Al igual que ocurre con la expresión música clásica, el pop-rock engloba estilos y
corrientes musicales muy diversas, muchas de ellas contrapuestas. Resulta, por tanto, muy
difícil condensar en unas pocas líneas las características musicales del pop-rock. No obstante,
se pueden hacer algunas generalizaciones:
-No existe un estilo único o dominante. Existen gran cantidad de propuestas, muchas de ellas
contrapuestas: rock and roll, pop británico, blues, soul, heavy metal, disco music, tecno music,
glam rock, rock psicodélico... junto con todas las fusiones posibles y los grupos y cantantes de
difícil clasificación. Una característica básica es la búsqueda constante de originalidad, de
nuevas vías de expresión entre distintas bandas e incluso en una misma a lo largo de su
carrera.
-El pop-rock utiliza sonidos de nuestro tiempo, es decir, emplea instrumentos musicales
electrónicos, sonidos producidos por sintetizadores, ordenadores y otros medios técnicos
avanzados. De hecho, el instrumento rey de la segunda mitad del siglo XX es la guitarra
eléctrica, con todas sus variantes. El pop.- rock es hija de su tiempo, y por eso emplea al
máximo la tecnología moderna.
-El género preferido es la canción, con un vocalista acompañado de instrumentos. No pueden
faltar el vocalista, la batería, bajo eléctrico y guitarra eléctrica, si bien las posibilidades se
enriquecen enormemente con los teclados, guitarra rítmica, piano… los grupos de pop rock
suelan ser reducidos, prevaleciendo las bandas de cuatro o cinco músicos.
-En la música pop- rock normalmente predominan los ritmos sencillos e insistentes junto con
melodías pegadizas. La pulsación rítmica y los ritmos repetidos fáciles de seguir son
fundamentales en una música que, en la mayoría de los casos, está asociada al baile y el
movimiento. El uso de ostinatos rítmicos y melódicos, normalmente en el bajo, son también
muy frecuentes. Estos ostinatos se denominan riff. Suele dominar el compás binario sobre el
ternario. Las melodías suelen ser también sencillas, claras y muy repetitivas.
-En cuanto a la forma empleada suele emplearse la forma de canción estrófica, donde se
alternan estrofas y estribillos. De nuevo observamos que la repetición es muy importante en
todo este repertorio.
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-La textura normalmente es ligera, homofónica y sin grandes complicaciones, con un
protagonismo en el bajo eléctrico, la batería y la guitarra rítmica. Los acordes empleados
suelen ser muy básicos y casi siempre dentro del sistema tonal. Prevalecen los acordes de
tónica, subdominante y dominante, con muy pocas modulaciones y empleo de cadencias
perfectas. Es muy frecuente el empleo de secuencias de acordes, esquemas armónicos que se
van repitiendo contantemente a lo largo de la canción. En cualquier caso, en el apartado de la
armonía se encuentran notables excepciones, con acercamientos al sistema modal y empleo
de acordes aumentados y disminuidos en algunas corrientes y cantantes del pop-rock.
-Muchas de estas características melódicas, formales, rítmicas o armónicas tienen una doble
explicación. En primer lugar, el pop-rock intenta llegar al mayor número posible de público.
Además de apoyarse en los medios de comunicación de masas, no es una música que busque,
salvo excepciones, la sofisticación. Intenta crear un lenguaje directo, sencillo, que pueda ser
asimilado por amplios sectores de la población. En segunda lugar, en el pop-rock entran en
juego otros factores extramusicales: la imagen personal de los cantantes, el espectáculo visual
del directo, las coreografías y la interpretación personal y genuina de cada vocalista o grupo
concreto.
La música cinematográfica.
La música para cine tiene una función muy clara: reforzar, enfatizar la intencionalidad
expresiva de la imagen. La música está normalmente supeditada a la imagen, y este hecho
condiciona sus características. El discurso musical de una banda sonora suele ser fuertemente
discontinuo y se halla íntimamente ligado al desarrollo de los restantes elementos de la banda
sonora: la palabra y los ruidos y efectos sonoros. El uso del leitmotiv es otro recurso de la
música para el cine. De esta manera se caracterizan personajes y situaciones con fragmentos
melódicos fácilmente reconocibles
La mayor parte de la música cinematográfica sigue el estilo sinfonista europeo característico
del periodo romántico y postromántico, si bien existen notables excepciones con música
experimental y con música pop-rock.
En función de la relación entre imagen y música contamos con dos posibilidades:
música diegética y extradiegética. La música diegética hace referencia a aquella que está
situada dentro de la pantalla. Pertenece a la acción, como en una película en la que se ve la
banda que toca en un acto solemne. La música extradiegética se refiere a aquella que se emite
desde un lugar imaginario. En la pantalla no se ven a los músicos. También se le denomina
música subjetiva o externa. Por ejemplo la música que escuchamos cuando dos enamorados se
besan al final de una película.
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3/. Cita y comentario de autores y obras.
La música concreta, desarrollada en torno a Radio France en París, está representada por
Pierre Schaefer y Pierre Henry. Canto de los adolescentes, de Stockhausen, marca el inicio de la
música electroacústica. Dentro del serialismo integral y de la música aleatoria podemos citar
a Olivier Messiaen y Pier Boulez.
Resulta imposible condensar en unas pocas líneas las grandes creaciones del pop-rock, así
como sus principales representantes. Del rock americano de los años 50 tenemos a Chuck
Berry, Elvis presley, Bill Haley, Little Richard, Buddy Holly o Jerry Lee Lewis. En los años sesenta
se amplía el panorama musical con el nacimiento del pop británico, con dos grupos
emblemáticos: The Beatles y The Rolling Stones. También en los 60 tenemos los inicios de la
canción protesta en los Estados Unidos, con Bob Dylan a la cabeza. En los 70 surge el rock
progresivo con bandas como Pink Floyd y el heavy metal Deep Purple. En los 80 triunfan
grupos como U2, Queen o Dire Straits y solistas como Madonna, Michael Jackshon y Bruce
Springsteen. A lo largo de los 90 nos encontramos con grupos como Oasis, Nirvana o The
Spiece Girls.
La música cinematográfica durante la segunda mitad del siglo XX está dominada por el
sinfonismo de corte clásico-romántico, con autores como Max Steiner, Bernard Herrmann y
John Williams. La música ligera, el pop o el jazz también cobran un gran protagonismo en las
bandas sonoras durante estas décadas. Henry Mancini es un buen ejemplo de la aportación del
jazz en la música cinematográfica. Un capítulo especial merecen las innumerables obras
maestras dentro del cine musical: Cantando bajo la lluvia, West Side Story, Grease o Jesucristo
Superstar son sólo algunos ejemplos.
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