Download Teatro barroco español

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El teatro barroco español es el teatro que se
desarrolló en España durante las últimas
décadas del siglo XVI, el siglo XVII y parte del
siglo XVIII. Es conocido también como teatro
del Siglo de Oro, por corresponder, en el
aspecto teatral, al momento cultural conocido
como Siglo de Oro español, o teatro clásico
español, por tratarse, según la opinión
generalizada, del momento álgido de la
dramaturgia española.
El teatro barroco supone el inicio en España
de un tipo de teatro comercial: por primera
vez el teatro se realiza en locales cerrados,
los corrales de comedias, a los que se accede
mediante el pago de una entrada, se
estabiliza un sistema de compañías
profesionales de teatro, los dramaturgos
venden sus obras a los directores de
compañía, etc.
Recogiendo los diversos elementos de la dramaturgia del siglo
XVI, y con el precedente de la escuela valenciana, Lope de Vega
es el autor que elabora la fórmula dramática que triunfará en el
escenario de los corrales, la llamada «comedia nueva» o
«tragicomedia», marcando el camino por el que irá el grueso de
la dramaturgia del siglo XVII. El éxito y la fama de Lope fueron
inmensos. De ello dio testimonio Miguel de Cervantes, en el
prólogo a sus Ocho comedias y entremeses nuevos nunca
representados, donde se lamenta de que su teatro no fuese del
gusto de los directores de comedias, debido a que el éxito de
Lope había cambiado las preferencias del público.
La fórmula dramática lopesca, si bien recogía ingredientes de
las prácticas teatrales que le precedieron, suponía una apuesta
original y que rompía en gran manera con la preceptiva teatral
clásica, por lo que sufrió ataques frecuentes desde las
instancias cultas. Entre los cultos, las concepciones sobre el
teatro seguían dependiendo en gran medida de las indicaciones
de la Poética de Aristóteles, y, sobre todo, de las
reelaboraciones que de este texto habían hecho los
preceptistas del Renacimiento italiano
A la hora de fijar la evolución histórica de la comedia
nueva o teatro barroco español, la crítica tradicional
trabajó fundamentalmente con el concepto de ciclo: se
dividía a los distintos autores en función de su cercanía
cronológica y estilística con los dos dramaturgos
mayores del siglo, Lope de Vega y Pedro Calderón de la
Barca. Así, se habla tradicionalmente de un ciclo de
Lope, caracterizado por una mayor espontaneidad y
libertad, seguido de un ciclo de Calderón cuyas
características serían una mayor estilización y
complejidad, tanto en el lenguaje como en la
construcción de la trama. Los principales dramaturgos
de cada ciclo son:
-Ciclo de Lope: Lope de Vega, Guillén de Castro, Mira de
Amescua, Vélez de Guevara, Ruiz de Alarcón. Tirso de
Molina, debido a su fuerte personalidad propia se suele
considerar aparte, si bien relacionado con el ciclo de
Lope.
-Ciclo de Calderón: Calderón, Agustín Moreto, Francisco
Rojas Zorrilla, Antonio de Solís o Bances Candamo.
El teatro barroco supuso el inicio en España de un teatro
comercial gracias fundamentalmente al establecimiento de
los corrales de comedias como infraestructuras
permanentes para las representaciones teatrales. Con
anterioridad, las representaciones solían hacerse en
espacios escénicos efímeros (calles o plazas en el caso del
teatro popular, salones de palacios en el caso del teatro
cortesano, etc.). Este proceso de nacimiento del teatro
comercial está en relación, en toda Europa, con el
surgimiento de las cofradías dedicadas a la beneficencia y
al auxilio de los necesitados: para desempeñar su labor
pedían a los ayuntamientos que les permitieran organizar
activiades teatrales de manera estable, con las cuales
financiarse. Para que ello fuera posible, era necesario un
local teatral estable y cerrado, única manera de poder
cobrar una entrada, lo cual supuso el principio de la
explotación comercial del teatro. También era necesaria la
profesionalización de la figura del actor, que había
comenzado con Lope de Rueda.
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“Comedia” era el nombre
que adoptaba cualquier
obra teatral en el siglo
XVII, a pesar de que no se
ajustara al concepto
clásico de este género.
Fue Lope de Vega el
creador de la “comedia
nueva” o "comedia
nacional", fórmula teatral
de gran éxito, pues
consiguió sintonizar
plenamente con el gusto
del púbico. En el Arte
nuevo de hacer comedias
(1609) expone Lope sus
características, que se
mantuvieron hasta bien
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Variedad temática: La comedia nacional extrae sus asuntos de la literatura
(clásica, medieval o contemporánea), de la historia, del folklore... y muestra
la extraordinaria capacidad de dramatización de los autores del XVII. Sus
principales temas son: el sentimiento del amor, la defensa del honor y de la
honra, la exaltación de la monarquía y del catolicismo (el teatro barroco
ejerce una función propagandística para mantener el orden social).
Rechazo de las “tres unidades” (lugar, tiempo y acción): Respecto al lugar,
introduce numerosos escenarios que aportan vistosidad y dinamismo; en
cuanto al tiempo, lo alarga Lope todo lo que le conviene. La unidad de acción
es la más respetada, aunque en general junto a la acción principal se
desarrolla otra secundaria.
División de la obra en tres actos o “jornadas”, en lugar de los cinco de la
literatura clásica, en función de la intriga. Por lo general, los actos
corresponden a la exposición, nudo y desenlace del argumento, aunque
Lope aconseja que hasta la mitad del tercer acto “apenas juzgue nadie en lo que
para”, es decir, que no se pueda prever el final. El primer acto suele comenzar de
forma abrupta para captar la atención del espectador desde el primer momento
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Polimetría y variedad estrófica: exclusivamente escrita en verso, predominan
en la comedia octosílabos y endecasílabos, si bien se incluyen otros metros;
en cuanto a las estrofas, se utilizan preferentemente: romances, redondillas,
cuartetos, décimas, sonetos... Para Lope cada situación exigía un tipo de
estrofa.
Lírica intercalada: cancioncillas y bailes interrumpen el curso de la acción
principal y añaden espectacularidad a la representación.
Mezcla de lo trágico y lo cómico, porque así ocurre en la vida cotidiana, con
ello pretende dar verosimilitud a la obra.
Decoro poético: consiste en la adecuación entre el tipo de personaje y su forma de
hablar y de comportarse.
Mezcla de personajes nobles y plebeyos, en la comedia debe haber variedad, al
igual que en la vida.
Creación de personajes-tipo, el autor barroco no suele profundizar en el estudio
psicológico de sus personajes.
El rey: representa el poder, la prudencia, en los conflictos sociales restablece el orden y
apoya la justicia. Si es joven, debido a su inexperiencia e impulsividad, puede mostrarse
soberbio e incluso injusto.
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El poderoso (noble, capitán, comendador...), orgulloso de su linaje, actúa como antagonista,
abusa de su poder, es malvado y tirano. Sobre él recae el castigo del rey que imparte justicia
o bien son sus vasallos que se vengan de él.
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El caballero o hidalgo: aparece como padre, hermano o esposo y vela por el honor familiar.
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El galán y la dama: normalmente protagonistas de la obra, son una pareja de jóvenes
enamorados pertenecientes a un mismo grupo social; en general, el galán es un caballero
idealista, apuesto, generoso y valiente; la dama es bella y apasionada, con astucia logra
vencer los obstáculos que se interponen entre ella y su enamorado.
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Decoro poético: consiste en la adecuación entre el tipo de personaje y su forma de hablar
●Mezcla de personajes nobles y plebeyos, en la comedia debe haber variedad, al igual que
●Creación de personajes-tipo, el autor barroco no suele profundizar en el estudio psicológic
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El gracioso y la criada: la figura del gracioso
es característica del teatro barroco, suele
ser el criado del galán, así como su amigo y
confidente. Como contrapunto del galán, es
cobarde y materialista. Su ingenio, su
sentido del humor suavizan las escenas más
tensas y, en ocasiones, da muestras de gran
cordura y sensatez. A menudo vive una
historia amorosa, paralela a la del galán, con
la criada de la dama.
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El villano: alcanza gran importancia en el
teatro barroco, es un campesino rico,
cristiano viejo, que se caracteriza por su
sentido de la honra. Cuando el poderoso
comete alguna injusticia contra él, se rebela
y defiende sus derechos.
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El teatro español se asienta sobre esquemas
morales e intelectuales fijos de la ideología de
la época. Los pilares básicos son:
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-el amor como ocupación y justificación
universal.
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-el honor como razón de ser
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-la defensa de la monarquía y la fe católica
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Drama del poder injusto: un número importante de obras tratan del abuso de
poder por parte de un noble como es el caso de peribañez y el comendador
de Ocaña. Cuando un noble ejerce injustamente el poder, el villano
impulsado por su conciencia y dignidad personal, acude al rey para que se
castigue o corrobore la venganza
Drama de honor: la época de Lope se regia por una gran cantidad de
normas sociales. Además del honor de casa persona, que era algo íntimo e
interior, tenía gran importancia el concepto de honra, que dependía de la
opinión de la sociedad. El conflicto dramático surge en el alma del personaje
entre su ser individual y su ser social. Lope de vega convirtió en uno de los
mas poderosos móviles de sus comedias los temas de honor, con plena
conciencia de si eficacia dramática.
Dramas de amor: Junto con le honor el amor es el otro móvil básico que
anima a los peonajes y que con mas regularidad apareced en las comedias.
Consecuencia inevitable del amor son los celos, que se utilizan como
recurso para provocar tensión y prolongar la complicación de l intriga. Amor
honor y celos son valores humanos tan preciados que justifican los mayores
sacrificios, con riesgos incluso
Gabriel Téllez, Tirso de Molina, fue fraile mercedario y ocupó un lugar
destacado dentro de la orden. Su actividad como autor de comedias le
provocó diversos problemas con la Junta de Reformación de Costumbres, a
cargo del conde-duque de Olivares. Residió en diversos lugares de España
y fue lector de Teología en Santo Domingo entre 1616 y 1618.
Algunos de los rasgos de la producción teatral de Tirso de Molina, como las
preocupaciones morales, el estilo más elaborado o la mayor complejidad de
las comedias, lo aproximan al teatro de Calderón.
Su producción dramática se distingue, especialmente, por una mayor
profundidad psicológica de los personajes. En concreto, destacan en sus
comedias las figuras femeninas, que adquieren fuerte carácter: ellas mismas
ejecutan la venganza y afirman su personalidad en la obra, para lo que se
emplea a menudo el recurso del disfraz. Las comedias de Tirso presentan
un juego de apariencias y engaños que se resuelve de forma repentina, feliz
y pacífica.
El teatro de Tirso de Molina se puede clasificar en tres grandes grupos: el teatro
religioso, el de inspiración histórica y el costumbrista. Pero, además de
estos grupos principales, Tirso de Molina también cultiva géneros menores,
como el entremés o el auto sacramental.