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La Isla Púrpura
Versión libre de La Isla Púrpura de Mijaíl Bulgákov.
dramaturgia y dirección de Jose Padilla.
una producción de
Buxman Producciones y Kamikaze Producciones.
en coproducción con
Teatro Guimera de S/C Tenerife
con la colaboración
Teatro Palacio Valdés de Avilés
Por qué una versión libre de La isla púrpura
Camarada Bulgákov... ¿Es usted
consciente de...?
(Se arrepiente; busca otra
postura, otro tono.)
Con “La Isla Púrpura” ha ido
demasiado lejos.
Ni siquiera su amigo Zamiatin se
había atrevido a tanto.
(Juan Mayorga; Cartas de amor a
Stalin)
¡El otro día vino a verme un autor de comedias…!
¡Imagínese, me ofreció Los días de los Turbín! ¿Qué le
parece? Y cuando hojeé esa cosa, mi corazón se aceleró… de
indignación.
¿Cómo?, le dije. ¿A quién le ha traído esto?
(Mijáil Bulgákov; La isla Púrpura)
Hace quince años llegó a mis manos un texto teatral de un autor
completamente desconocido para mí en aquel entonces: Mijáil Bulgákov.
Se trataba del libreto de La isla púrpura, y aunque en honor a la
verdad fue mucho lo que se me escapó en aquella temprana lectura, sí
me prendió algo que aún permanece, el uso decidido de un recurso
magnífico para contar historias.
En aquellas líneas fui testigo del atrevimiento a utilizar la sátira,
la farsa, para mostrar las grietas en el ejercicio de la libertad de
expresión de un régimen de tan lúgubres repercusiones como fue el
estalinista; por supuesto, régimen dictatorial que el autor en
cuestión soportaba a duras penas. Bulgákov no fue el primero ni el
último en utilizar esta técnica para revelar los oscuros mimbres del
poder pero desde luego que sí fue el primero en descubrírseme. Desde
entonces he procurado, de un modo u otro, dotar a mis textos de esta
irreverencia, evidentemente no porque haya vivido nada cercano a la
desdichada situación de todos los que sufrieron aquel terror sin
igual, sino porque se presentó ante mí un método que era diamante puro
para la escritura dramática: adoptando una forma aparentemente
contraria a la tesis de la obra que estamos escribiendo, ésta resalta,
destaca, se ve mejor, con lucidez, no apabulla y por lo tanto invita a
la reflexión. Esto no se limita al uso de la sátira; lo explica mucho
mejor que yo Bértolt Brecht en su escrito Las cinco dificultades para
decir la verdad:
En la obra de Shakespeare puede encontrarse un modelo
de verdad propagada por la astucia: el discurso de
Antonio
ante
el
cadáver
de
César.
Afirmando
constantemente la respetabilidad de Bruto, cuenta su
crimen, y la pintura que hace de él es mucho más
aleccionadora que la del criminal. Dejándose dominar
por los hechos, Antonio saca de ellos su fuerza de
convicción mucho más que de su propio juicio.
Jonathan Swift propuso en un panfleto que los niños de
los pobres fueran puestos a la venta en las carnicerías
para que reinara la abundancia en el país. Después de
efectuar cálculos minuciosos, el célebre escritor probó
que podrían realizarse economías importantes llevando
la lógica hasta el fin. Swift jugaba al monstruo.
Defendía con pasión absolutista algo que odiaba. Era
una manera de denunciar la ignominia. Cualquiera podía
encontrar una solución más sensata que la suya o, al
menos, más humana, sobre todo, aquellos que no habían
comprendido a dónde conducía este tipo de razonamiento
[…] En resumen: importa emplear la astucia para
difundir la verdad.
Siendo prosaico y resumiendo mucho la ecuación, Shakespeare y Swift
dicen lo contrario de lo que finalmente pretenden (y consiguen). Son
astutos. Funciona. Bulgákov hace lo propio en toda su bibliografía,
pero el caso de La isla púrpura es particularmente audaz. ¿Se puede
hablar de los desmanes de uno de los sistemas políticos más
poderosamente destructivos de la historia de la humanidad desde la
farsa? ¿Cabe esperar otra cosa en ese contexto que no sea una tragedia
desgarrada? La respuesta a ambas preguntas es un sí rotundo. Bulgákov
lo prueba.
La isla púrpura aborda la representación chapucera de la obra de
dicho título. A toda prisa y sin preparación la compañía de Guenadi
Panfílovich improvisa la función ante un único espectador, Savva
Lukich, censor del régimen y única persona que puede dar el visto
bueno para que la pieza llegue a ser representada. Urgencia: Lukich se
va mañana de vacaciones. Horror: el director -Panfílovich- no tiene ni
idea de lo que ha de representarse, por suerte tiene a su lado al
dramaturgo Vasili Artúrovich Dymogatski, un periodista venido a menos
que se hace llamar Julio Verne. El desastre está servido, la farsa va
a dar comienzo. Pero con un giro.
En Noises Off (“¡Qué ruina de función!”) de Michael Frayn o Thé à la
menthe ou t'es citron (“Locos por el té”) de Patrick Haudecoeur y
Danielle Navarro-Haudecoeur, obras de probado éxito internacional, los
cimientos son similares a los de La isla púrpura pero si bien aquellos
sirven para desplegar un magnífico divertimento, Búlgakov va un paso
más allá: el trasfondo es eminentemente político. Ese factor
diferenciador es por el que creo que esta obra tiene un espacio propio
en nuestros días y a la vez no lo tiene. Me explico.
El título completo de la pieza es elocuente: “Ensayo general de una
comedia del camarada Jules Verne, traducida del francés al esópico por
Mijaíl A. Bulgákov, presentada en el teatro de Guenadi Panfílovich con
música, erupción de un volcán y marineros ingleses”. En la brillante
chanza hay una clave oculta, el lenguaje esópico, más allá de
otorgarle un carácter de fábula, también alude al dialecto en clave
que los revolucionarios comunistas adoptaron en la Rusia zarista con
el objeto de hacer legales en apariencia las que de otro modo hubiesen
soflamas susceptibles de ser perseguidas. Tiene su miga. Y del título
hasta el final, todo lo que sucede en la función es un trasunto
enloquecido del régimen estalinista, la lustrosa parodia fue lo que le
costó el desprecio y ostracismo al autor. Dice Bulgákov:
A modo de punto de partida de esta carta quiero
referirme a mi panfleto La isla púrpura.
Toda la crítica, sin excepción, ha calificado esta obra
como una “completa, desdentada y mediocre nulidad” y
como un “libelo contra la revolución” […]
Pero entonces ¿en qué quedamos? ¿Es la Isla púrpura un
“triste y mediocre engendro” o un “hiriente panfleto
incisivo”?
Y creo que aquí reside la clave por la cual La isla púrpura no forma
parte del canon de obras representadas con asiduidad. La parodia
funciona en la medida que se esté al tanto del objeto parodiado y el
grueso de los espectadores de hoy no conocemos la Rusia de aquellos
días en profundidad ni tenemos fresca en la memoria la revolución rusa
de principios del XX que estudiamos en el colegio en su día. Por eso,
para nuestra desgracia, la sátira en carne viva de la lucha de clases
que Bulgákov propone en La isla púrpura no nos llega igual que a un
espectador del Moscú de los años veinte. Y es en esta mella (mella
nuestra, nunca de Bulgákov) donde precisamente encuentro su virtud
para crear una isla propia y que nos llueva encima.
Con La isla púrpura quiero dar el siguiente paso lógico en la labor
de investigación de dramaturgia y dirección que emprendí con mi obra
Haz clic aquí y continuó en Los cuatro de Dusseldorf [#DÜSSEL4],
piezas escritas a pie de escena y completamente adheridas al trabajo
con los actores, procesos ricos en cuanto a lo genuino que supone
lanzarse en grupo a descubrir una función. Hablo de ir un paso más
allá con La isla púrpura porque el desarrollo de la misma iría
encaminado a descubrir qué obra somos capaces de sacar a la luz a
partir de un material teatral previo. Los “huecos” que la obra de
Bulgákov nos deja serán por los que todo el equipo, actores pero
también la sección técnico-artística, se introduzca para irle dando
forma a la que será finalmente nuestra versión. El punto de partida es
excelente y los recursos que antes mencionaba están a nuestra
disposición. No empezamos de cero, más bien nos cubre las espaldas uno
de los mayores genios de la literatura universal. Expectante y con
ganas de empezar este proceso. Que nos llueva púrpura y que nos cale
hasta los huesos.
Jose Padilla
Elenco (por orden alfabético)
Lucía Barrado es licenciada por la RESAD.
Completa su formación habiendo cursado
estudios con José Carlos Plaza, Alfredo
Sanzol, Juan Carlos Gené (CELCIT Buenos
Aires, Argentina), técnicas del Odin
Teatret con Guillermo Angelelli e Iben
Nagel (Buenos Aires/Madrid), voz y
movimiento con Yoshi Oida (Barcelona) y
viewpoints con Anne Borgat (Madrid).
Desarrolla también otras disciplinas como
lucha escénica y danza contemporánea.
Junto a la compañía de teatro clásico Alma Viva representó El Hamete
de Toledo de Lope de Vega en el teatro La Galera de Alcalá de Henares.
Trabajó como actriz en la 57 edición del Festival de Mérida en el
montaje Antígona dirigido por Mauricio García Lozano y junto a Carlos
Martos y bajo dirección de Raquel Mesa montaron La puta respetuosa de
J.P.Sartre. En Enero de 2013 presentó con Efímero Teatro La indagación
de Peter Weiss con versión y dirección de Charo Amador. Participó en
la pasada edición del Festival Escena Contemporánea con una lectura
dramatizada de El úlimo fuego de Dea Loher dirigida por Fefa Noia en
el Teatro Español y ha inaugurado la presente temporada con Si el
Español nos contase obra conmemorativa del 430 aniversario del Teatro
Español dirigida por Gustavo Tambascio. Sus últimos proyectos son El
antidisturbios de Félix Estaire con Teatro de Acción Candente y el
reciente estreno en el Centro Dramático Nacional de Sobre algunas
especies en vías de extinción de Jose Ricardo Morales bajo la
dirección de Aitana Galán.
En el terreno audiovisual ha rodado para series de primera línea como
Con el culo al aire, Gran Hotel y Ciega a citas.
Manolo Caro Graduado en el Instituto del
teatro de Sevilla, completa su primera
formación con sendas becas en el
extranjero: Buenos Aires con Carlos
Gandolfo y Londres con Philippe Gaullier.
Entrena actualmente con Fernando Piernas
y Jordan Bayne.Su experiencia profesional
se inicia con la película Pasodoble de
José Luis García Sánchez a finales de los
80 y a partir de entonces va combinando
la televisión, el cine y el teatro. Su
trayectoria televisiva contempla comedia y drama. Interpreta en
multitud de series: Farmacia de Guardia, El Grupo, Los Serrano, Sin
tetas no hay paraíso, Policías, El comisario, Hospital Central, Los
simuladores, 7 vidas, Teletipos de Tricicle. En cine interviene en
largometrajes españoles como El Bola de Achero Mañas, Belmonte de J.S.
Bollaín, Skacky Carmine de Chema de la Peña, Camarón de Jaime
Chavarri, Mortadelo y Filemón de Guillermo Fesser, Por qué se frotan
las patitas de Álvaro Begines, El alquimista impaciente de Patricia
Ferreira, La pistola de mi hermano de Ray Loriga, 15 días contigo de
Jesús Ponce… Y también en largometrajes extranjeros como en el James
Bond Die another day de Lee Tamahori, Goya´s Ghost de Milos Forman, El
Quijote de Peter Yates y Olé de Quentin Florence.Participa en dos
espectáculos con el CDN: El inspector de Gogol por Miguel del Arco y
El avaro de Moliere por Jorge Lavelli con quien también representa
Edipo Rey en el Festival de Mérida. Representa cuatro montajes con el
C.A.T : La reina andaluza por Carlos Gandolfo, Yerma de Lorca por
Miguel Narros, Don Juan por Pedro Álvarez Ossorio y Julio César de
W.Shakespeare dirigido por Daniel Suárez Marzal. Interpreta textos
contemporáneos como El séptimo cielo de Caryl Churchill por José
Pascual, La puñalá de Antonio Onetti por Jean Dusaussoy y Trevélez de
José Manuel Mora entre otros. Y se embarca también en propuestas de
creación colectiva como Tres disparos, dos leones con Sara Molina, DeLirios y otros pe(s)cados con Marta Carrasco y con Luca Nicolaj Antes
que el tiempo acabe, Se comió la manzana y arrojó el corazón al suelo
y Eso que llaman amar; y con este mismo director actúa y produce El
alma en un hilo y el monólogo Tan pancho y con brío.
Montse Diez es Licenciada por la RESAD. Ha
sido actriz del elenco estable de la
Compañía Nacional de Teatro Clásico
estrenando y protagonizando en algunos
casos montajes como Don Gil de las calzas
verdes, Amar después de la muerte y Las
manos blancas dirigidas por Eduardo Vasco,
La Entretenida dirigida por Elena Pimenta,
Del rey abajo ninguno dirigida por Laila
Ripoll o La celosa de sí misma dirigida
por Luis Olmos. Fuera de la CNTC participa
en numerosos montajes como La Punta del Iceberg dirigida por Sergi
Belbel para el teatro de La Abadía, Entre Marta y Lope dirigida por
Gerardo Malla para el Teatro Español, Antígona del siglo XXI dirigida
por Emilio del Valle para el festival de Mérida y sala Matadero de
Madrid, Titus Andrónicus con La Fura dels Baus, El Sueño de una Noche
de Verano dirigida por Elena Pimenta , entre otros.
En televisión ha participado en series como Frágiles, Hospital
Central, Mir, La pecera de Eva o La memoria del agua entre otras.
Nerea Moreno Master en Artes Escenicas por
la URJC 2010 Fuenlabrada Madrid.
Licenciada por la
R.E.S.A.D., en Madrid (Profesores de
Interpretación Charo Amador y Ernesto
Caballero). En Teatro, Haz Click aquí Jose
Padilla, Si el Español nos contase, de G.
Tambasccio, Play list de Javier Aranzadi,
Viva verdi de Gustavo Tambascio,
Sexageracion de Tomas Gayo y Javier de la
Torre, Luces de Bohemia de Lluis Homar,
Retablo de las bajas pasiones de Javier de la Torre, Michael Jackson
que estas en los cielos de N Moreno, No se tire o tirese de David
Fabu, Frankenstein de G. Tambasccio, Avaricia, lujuria y muerte de
Salva Bolta, Argelino de Andres Lima, Hangman hangman y la ciudad de
la avaricia de Gustavo Tambascio, Sainetes de Ernesto Caballero, Las
visitas deberían estar prohibidas por el código penal de Ernesto
Caballero, Dulcineade Gustavo Tambascio, Sentido del deber de Ernesto
Caballero, entre otros. En televisión pasticipa en las series
Homicidios, Aida, Hospital central, El águila roja, La tira, Cuestión
de sexo, Ellas y el sexo debil, Mir y el El comisario entre otras. En
cine, participa en Salir Pitando de Alvaro Fernández Armero.
Germán Torres Natural de Barcelona y con
una larga trayectoria. Ganador Premio de
la Unión de Actores 2013 como mejor actor
secundario de teatro por su papel en
Iván-Off de Antón Chejov. Miembro fundador
de La Smorfia Teatro esta compañía inicia
su andadura en 2014 con La espuela de
Rocinante. Podemos destacar en teatro: El
huerto de guindos de Chejov, Magia Café de
Paloma Pedrero, La isla del tesoro en el
papel de John Silver, Muere Julio Cesar en
el papel de Bruto, Los Balcones de Madrid de Tirso de Molina con
dirección Ángel Gutiérrez, 7 novias pra 7 hermanos dirección Ricard
Reguant, la producción de Broadway La Bella y la Bestia en el papel de
Lumiere con 900 representaciones en Madrid, Primer amor de Samuel
Beckett, entre otras. En televisión destacamos su participación en la
serie Amar es para siempre en el papel de Federico Corominas, El
ministerio del tiempo, El síndrome de Ulises, Lalola, Sin tetas no hay
paraíso, Hermanos y detectives, Los Serrano, etc... En cine Sesión,
galardonada a la mejor película extranjera en el Festival de cine de
California y un largo etcétera de cortos.
Juan Vinuesa (Granada, 1983) actor,
periodista y profesor teatral. Se formó
como actor en el Laboratorio William
Layton y cursó la Licenciatura de
Periodismo en la Universidad Rey Juan
Carlos. Actualmente es profesor de
interpretación en el propio Laboratorio
William Layton, donde también cursó
estudios de dramaturgia con José Ramón
Fernández y Laila Ripoll. Además, ha sido
locutor en radios como MQM Madrid, Radio
Ilíberis o Max Radio y, en la actualidad, escribe sobre artes
escénicas en “Revista Actores”, “El Club Express”, “Godot” y es el
responsable de teatro en el programa “La calle de enmedio” de Canal
Sur Radio. Como actor ha trabajado en más de 15 montajes teatrales, ha
escrito tres piezas escénicas y el pasado año fue codirector de Yepeto
junto a Chema del Barco. En el campo audiovisual ha participado en
producciones como Vida de un muerto, el cortometraje El Barco Pirata
(ganador del Premio Goya al Mejor Cortometraje de Ficción 2012) o
Ficción, dirigido por Miguel Ángel Cárcano y producido por el nominado
al Óscar Esteban Crespo. En la actualidad tiene en cartelera Los
cuatro de Dusseldorf de Jose Padilla, Improvisa, tío! de Improclan en
el Teatro Alfil y Carne Viva de Denise Despeyroux en La pensión de las
pulgas.
Equipo Artístico
Jose Padila (Dramaturgia y Dirección)
es licenciado en Arte Dramático por la
RESAD. Le ha sido concedido el Premio Ojo
Crítico de Teatro de Radio Nacional de
España 2013 y el Premio Réplica a mejor
autoría canaria por su obra Porno Casero.
Ha traducido y adaptado Reventado de Sarah
Kane o Have I none [Otro no tengo] de
Edward Bond. Entre sus títulos originales
encontramos En el cielo de mi boca o
Cuando llueve vodka. En la primera edición
del certamen Almagro Off presenta su dramaturgia Malcontent que
obtiene una mención especial del jurado. En 2012 estrena una versión
de Enrique VIII de William Shakespeare en el Globe Theatre de Londres.
Su adaptación de La importancia de llamarse Ernesto de Oscar Wilde,
llevada a cabo junto a Alfredo Sanzol, fue nominada a Mejor
Espectáculo Revelación en los Premios Max. En abril de 2013 co-dirige
su obra Sagrado Corazón 45 para La Casa de la Portera. Sus trabajos
más recientes comprenden la escritura y dirección de dos trabajos: Los
cuatro de Düsseldorf [#DÜSSEL4] estrenada en el Sol de York y Haz clic
aquí para el ciclo Escritos en la Escena del Centro Dramático Nacional
y estrenada en La Sala de La Princesa (Teatro María Guerrero).
Fran Guinot (Ayudante de Dirección) es
licenciado en Arte Dramático
(interpretación textual) por la ESAD de
Valencia y en la actualidad cursa estudios
de Dirección de escena en la RESAD. Ha
sido ayudante de dirección de Eduardo
Vasco en la Compañía Nacional de Teatro
Clásico y en estos momentos en la compañía
Noviembre Teatro. También ha trabajado con
Juanjo Prats, Vicente Genoves y José Luis
Saiz como ayudante de dirección en Teatres
de la Generalitat Valenciana. Fiel colaborador de Jose Padilla ha
participado en sus dos últimos proyectos, Haz Clic Aquí, producción
del Centro Dramático Nacional y Los Cuatro de Dusseldorf residencia
artistica de El Sol de York.
Eduardo Moreno (Diseño Escenografía)
Galardonado con el Max a mejor
escenografía por De Ratones y Hombres en
los XVI Premios Max de Teatro y finalista
en la misma categoria un año anterior por
Veraneantes. Premio Ceres de Teatro al
Mejor Escenógrafo en 2012. Colaborador
habitual del prestigioso director Miguel
del Arco, es el responsable de las
escenografías de sus montajes Deseo ,El
Inspector, L’Enemic del Poble y Misántropo
además de las ya citadas De Ratones y Hombres y Veraneantes. Sus
últimos trabajos han sido la escenografía Del Eunuco estrenada en el
último festival de Merida, The Gagfather de Yllana Producciones y el
espacio visual de El largo viaje del día hacia la noche dirigido por
Juan José Alfonso. También es el responsable de la escenografía de
producciones como Ejecución Hipotecaria y Naturaleza muerta en una
cuneta dirigidas por Adolfo Fernández, Cupaima, Homenaje a Chavela
Vargas de Cecilia Gómez, La monja Alférez dirigida por Juan Carlos
Rubio, Oddi de Paco Montes, Babel de Tazmin Townsed, Macbeth de Ur
Teatro o Noches frías en Oslo, de Christian Vázquez, para la RESAD.
Como responsable desde 2006 del área de escenografía y proyectos de 3D
Scenica S.L., es responsable del diseño de Camino Real, de Tennessee
Williams; la adaptación para la gira de la escenografía de Paco Azorín
Grease, el musical de tu vida; ayudante de escenografía de Sidi Larbi
Cherkaoui & María Pagés en Dunas; escenografía y dirección técnica de
los conciertos del grupo Innocence; adaptación del diseño original
americano de Scott Pask para El Rey de bodas; adaptación del musical
londinense Sound of Music para los teatros Coliseum y Nuevo Apolo de
Madrid; y adaptación para la gira de la escenografía de Ramón Ribalta
para Fama, el musical.
Pau Fullana (Diseño de Luces) es titulado
en la Escuela Superior de Técnicas de las
Artes Escénicas del Institut del Teatre.
Técnico de luces en compañías como La Fura
dels Baus, La Cubana, Lindsay Kemp
Company, el Petit Liceu o Compañía María
Pagés. Diseños de iluminación para la
Compañía María Pagés en los espectáculos
Autorretrato, Mirada y Utopía. Diseño de
iluminación para Camino Real y Darlo todo
y No dar Nada dirigidos por Núria Alkorta.
Diseño de iluminación para Oddi dirigido por Paco Montes y producido
por Talycual Producciones.
Sandra Espinosa (Diseño Vestuario) es
licenciada como Diseñadora Superior de
Moda por el CSDMM (adscrito a la UPM)
y especializada en el diseño de la piel.
Estudia Fotografía en la NABA (Nuova
Academmia di Belle Arti) de Milán. Como
docente, es profesora de estilismo, moda y
tendencias en la escuela AULATELIER hasta
2004 y participa en el proyecto de
cooperación con el MINISTERIO DE EDUCACIÓN
ETÍOPE para el desarrollo de los programas
de estudios de las escuelas técnicas (TVET) de Corte y Confección y
Diseño de Moda, además de apoyar la implantación de éstos programas en
el Mary Helps collage de Zway donde hoy en día se siguen licenciando
estudiantes de familias muy pobres en una de las zonas más deprimidas
del país. Tras una larga andadura como estilista en televisión, en
numerosas editoriales (El País, El Mundo, In Style, Neo 2, Tendencias,
Ragazza, Zero, FHM, DT, MAN, etc…), en campañas publicitarias (Gold de
Roberto Verino, Halloween de Jesús del Pozo, etc… ) y en catálogos de
imagen para firmas de moda (Forecast, Oky^Coky, Van-Dos, Leyenda,
Momu, Dandara, Tribune, Giovanni Valdi, etc…); y haber colaborado en
el diseño de vestuario para diversos proyectos de cine decide indagar
en el mundo del teatro y las artes escénicas, un mundo que siempre le
ha influido e inspirado para sus producciones de moda. Su primer
trabajo ha sido el diseño de vestuario de la producción El Eunuco de
Terencio, en la versión de Jordi Sánchez y Pep Antón Gómez que se
estrenó en el pasado Festival Internacional de Teatro Clásico de
Mérida.
Mariano García (Diseño Sonoro)