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Transcript

THE
MUSIC
BUSINESS
MAGAZINE
ALEX LORA
ENTREVISTA EXCLUSIVA
GENESIS 11 GUITAR LAB
Nuevo Estudio Especializado
LA MÚSICA EN EL CINE
Arte y Negocio
BILLY IDOL
“Dancing With Myself”
JULIO-AGOSTO 2015
2
THE MUSIC BUSINESS MAGAZINE
THE MUSIC BUSINESS MAGAZINE
3
EN DONDE HAY MÚSICA HAY AMOR
Si quieres ser parte de nuestra comunidad y recibir Gratis la revista TMB The Music Business Magazine en formato digital,
envíanos un mail a [email protected]
The Music Business Magazine
¡BIENVENIDOS!
TMB es un proyecto de difusión cultural
con énfasis en la producción musical.
A través de esta revista queremos
establecer un vínculo estrecho entre músicos,
compositores, intérpretes,
arreglistas, canta-autores, letristas,
ingenieros de audio, y con todos quienes de
alguna manera estamos inmersos
en el negocio de la música.
A través de TMB, estaremos organizando diverMichael Jackson ONE es un espectáculo único de fusión musical y acrobacia, danza y
visuales que llevan al público a un viaje de
inmersión a través de las composiciones y el
espíritu de Michael Jackson.
La poderosa discografía de Michael es escuchada como nunca antes en una mezcla, con
gran técnica de sonido de medio ambiente
envolvente.
ONE lleva a los espectadores a través de una
serie de diversos cuadros visuales y musicales, en el corazón de un mundo que es a su
vez majestuoso, juguetón, mágico y conmovedor.
En Michael Jackson ONE, el espíritu de
Michael se canaliza a través de la vibrante
energía del elenco de 63 bailarines y actores,
subrayado por el rendimiento aéreo, acrobacias de conducción, y coreografías vivas que
utilizan el lenguaje urbano como un trampolín para la exploración.
ONE es un hermoso homenaje a la obra,
espíritu innovador, y el legado de Michael
Jackson, el Rey del Pop, el genio, el visionario,
el Número Uno.
sos eventos que nos permitan
adentrarnos en este extraordinario mundo, y en
donde estamos seguros, tiene el
poder de transformar vidas y ayudar
a la reconstucción del
tejido social en nuestro país.
¡Muchos saludos!
JUAN PABLO PLASENCIA MIRANDA
DIRECTOR ASOCIADO
[email protected]
DIRECCIÓN MUSICAL: KEVIN ANTUNES
Kevin, es un diseñador y director musical, tecladista
y programador de audio digital. En su más reciente
gira trabajó directamente para Madonna en su récord MDNA tour mundial. Kevin fue el Diseñador
Musical y actuó en el escenario con Madonna en el
Superbowl Halftime Show 2012. También trabajó
directamente con Rihanna como su Diseñador Musical por su Loud Tour Mundial 2011 con una fecha
de lanzamiento en 2013 programando su DVD. Esto
culminó en una actuación durante la ceremonia
del Premio Grammy 2012 con Rihanna y Coldplay.
Kevin también ha trabajado con Justin Timberlake,
Janet Jackson, Timbaland, Britney Spears, Aerosmith, Mary J Blige, Alicia Keys, Taylor Swift, Snoop
Dogg, Christina Aguilera, Lady Antebellum, P Diddy,
Pharrell Williams, Enrique Iglesias, Backstreet Boys,
Marky Mark & the Funky Bunch, y los New Kids on
the Block, entre otros
EN EL ESTUDIO DEL CCRC
Y claro que aprovechamos para tomarnos la foto con el gran ídolo del Rocanrol.
Juan Pablo Plasencia, Alex Lora, Rafael Pérez y Toño Castillo.
THE MUSIC BUSINESS MAGAZINE
7
EN PORTADA
© German Plasencia Studio
¡QUE VIVA EN ROCANROL!, es quizá la frase más célebre del
mundo de la música en México, cuyo significado, ahora,
tiene un enorme número de ascepciones. Alex Lora, es el autor de esta simbólica frase que expresa de manera resumida,
la fuerza que este género musical –el Rock– transmite a la
“la Raza” o sea a todos nosotros.
¿Quién no ha oído hablar de Alex Lora? Él es único, un ídolo,
un icono, un representante del pueblo que desea expresar a
través de la música sus inquietudes, sus traumas, su sentir en
contra del abuso del gobierno y de los acontecimientos que
vive el pueblo, manteniendo una lucha constante por una
vida mejor para todos. ¿Qué músico, no quisiera contar con
estos valores y transformar su entorno?
“DIOS BENDIGA A LA BANDA Y AL ROCANROL”
THE
MUSIC
BUSINESS
MAGAZINE
RAFAEL PÉREZ IRAGORRI
DIRECTOR EDITORIAL / PUBLISHER
[email protected]
JUAN PABLO PLASENCIA MIRANDA
DIRECTOR ASOCIADO
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SOFÍA PRISCILA PÉREZ VALLE
EDITORA EN JEFE
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RAFAEL ALEJANDRO AZCÁRATE
DIRECTOR CREATIVO
[email protected]
ANTONIO CASTILLO
WEB MASTER/ SOCIAL MEDIA
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FEDERICO MARRÓN ZAVALA
DIRECTOR COMERCIAL
[email protected]
MARÍA CARRERA
DIRECTORA DE RELACIONES PÚBLICAS
[email protected]
ROBERTO PLASENCIA MIRANDA
VENTAS
[email protected]
CARMEN LORIA ESCUDERO
JUAN CARLOS BELTRÁN
ARTE Y DISEÑO
FOTOGRAFÍAS
GERMÁN PLASENCIA ANTONIO SERENO GETTY IMAGES SHUTTERSTOCK
CONSEJO EDITORIAL
TAVO LARA GÜIDO LARIS MARÍA ANTONIETA LOZANO PABLO MONDRAGÓN
MIKE PORTILLO ARMANDO MERINO FEDERICO MARRÓN ZAVALA
COLABORADORES
PABLO CHÁVEZ ALEJANDRO LARA BETO MÉNDEZ
TMB THE MUSIC BUSINESS MAGAZINE ES EDITADA BIMESTRALMENTE POR TMB ENTRERPRISE, S.C., CON DOMICILIO EN HACIENDA DE LA ESCALERA 22, COLONIA PRADO
COAPA, MÉXICO 14350, D.F. TEL. 55) 5678-1033. EDITOR RESPONSABLE DE LA PUBLICACIÓN: RAFAEL PÉREZ IRAGORRI. NÚMERO DE CERTIFICADO DE RESERVA DE DERECHOS
AL USO EXCLUSIVO, DIRECCIÓN DE RESERVAS, INSTITUTO NACIONAL DE DERCHOS DE AUTOR, SCRETARÍA DE EDUCACIÓN PÚBLICA, RESERVA EN TRÁMITE. NÚMERO
DE CERTIFICADO DE LICITUD DE TÍTULO, COMISIÓN CALIFICADORA DE PUBLICACIONES Y REVISTAS ILUSTRADAS, SECRETARÍA DE GOBERNACIÓN EN TRÁMITE. NÚMERO DE
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QUE FIRMAN LOS ARTÍCULOS, QUIENES SON LOS ÚNICOS RESPONSABLES DE LOS ARTÍCULOS QUE FIRMEN. IMPRSIÓN: EDITOIAL DE IMPRESOS Y REVISTAS SA DE CV CON
DOMICILIO EN EMILIANO CARRANZA 100, COLONIA ZACAHUITZCO, MÉXICO 03550, D.F. TELS. 55) 5672-0399 Y 55) 5539-9948.
IMPRESO EN MÉXICO / PRINTED IN MEXICO
www.tmb.com.mx
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THE MUSIC BUSINESS MAGAZINE
Top 5
ESTE ES EL TOP 5, de los cantantes
fallecidos que más dinero recaudaron
en el 2014
1. Michael Jackson Ganancias: 160 mdd Fecha de muerte: 25 de junio de
2009 Edad: 50 años Causa: Sobredosis/homicidio
El Rey del Pop conserva su corona
postmortem, ganando la mayor
parte de su dinero a partir de dos
espectáculos del Cirque du Soleil,
su catálogo Mijac Music, las ventas
de música grabada y la mitad del
imperio editorial Sony/ATV, que
incluye derechos de autor de éxitos
de los Beatles, Lady Gaga, Eminem
y Taylor Swift
2. Elvis Presley Ganancias: 55 mdd Fecha de muerte: 16 de agosto de
1977 Edad: 42 años Causa: Ataque al corazón
El Rey del Rock n ‘Roll sigue ganando
constante y sostenidamente gracias
a su eterna imagen popular y su
famosa casa, Graceland.
3. Bob Marley Ganancias: 18 mdd Fecha de muerte: 11 de mayo de
1981 Edad: 36 años Causa: Cáncer
La icónica estrella del reggae no
era conocida por sus tendencias
capitalistas en vida, pero la muerte
lo está convirtiendo en un hombre
de negocios muy diversificado.
Algunos emprendimientos recientes
incluyen la compañía de bebidas
Marley (productor de la “bebida
relajante” conocida como la Marley’s
Mellow Mood) y la House of Marley
(fabricante de productos de audio
y estilo de vida amigables con el
ambiente). Marley ha vendido más
de 75 millones de discos desde su
muerte.
4. John Lennon Ganancias: 12 mdd Fecha de muerte: 8 de diciembre de
1980 Edad: 40 años Causa: Asesinato
Lennon han vendido más de 63
millones de álbumes de The Beatles
sólo en EU desde 1992, tanto como
intérprete como compositor. Otras
empresas, como el show Love! con
temas de The Beatles del Cirque du
Soleil en Las Vegas seguirán llenando
sus arcas.
5. Jenni Rivera Ganancias: 7 mdd Fecha de muerte: 9 de diciembre de
2012 Edad: 43 años Causa: Accidente aéreo
La cantante mexicana-estadounidense. Desde su muerte ha vendido más
de 880,000 álbums, casi la misma
cantidad que vendió en vida.
Editorial
“En los negocios no se obtiene lo que se merece, sino lo que se negocia”
–Dr. Chester Karras
¡Ahora!
E
n TMB The Music Business Magazine (La revista digital
del negocio de la música), dedicaremos todos
nuestros esfuerzos a exponer en las páginas de esta
publicación periódica, todo aquello que beneficie a
cada uno de los actores de la industria musical.
La música es la manifestación artística más generalizada
en nuestra sociedad. Está presente en todos los momentos
de nuestra vida, y casi en cualquiera de nuestras actividades
cotidianas, sin importar a qué grupo económico-social pertenezcamos, o con cuál género nos identifiquemos.
Existe la música para jugar, bailar, cantar, dormir, relajarse,
enamorarse, y hasta para protestar. Del Hip-hop al Indi Rock,
del Mambo a la Música Clásica, del Heavy Metal al Canto
Gregoriano, existen miles de estilos, géneros y subgéneros.
Y ¿por qué no decirlo? Hay a quienes nos gusta todo tipo de
música, aunque tengamos predilección por algún género en
particular.
La música está presente los 365 días del año en cualquier
lugar a cualquier hora. Nos gusta realizar cada actividad de
nuestra vida con música, despertar, bañarnos, comer, ir a la
escuela o al trabajo oyendo música, en el auto o en el metro
con nuestros headphones. Nos encanta ir a los conciertos,
pero también oír música en el restaurante o en el bar, disfrutamos igual a la Filarmónica en la Netzahualcóyotl que los
íntimos “toquines” de Rock en vivo.
Se crea música para teatro, telenovelas, videos, cortos,
cine, TV, espectáculos o el circo. Hoy contamos con la opor-
tunidad de tener nuestra “propia” música en cualquier tipo de
dispositivo, equipos de audio y video, computadora, tabletas
y todo tipo de celulares.
La música representa un porcentaje importante del P.I.B.
mundial, es un factor de desarrollo económico sustentable.
La industria musical, es la industria sin chimeneas, y es imprescindible en nuestras vidas. Está comprobado científicamente
que la música hace de los seres humanos mejores personas.
En TMB iremos desarrollando temas de interés para que
puedan ser aplicados de manera profesional, ‘tocaremos’:
el conocimiento del mercado musical, cómo se graba y se
distribuye un disco, hablaremos de los sellos discográficos,
de la filmación de videogramas (video-clips y recitales) y
análisis presupuestales. Cómo incrementar la creatividad en
la producción artística, cómo saber en qué nicho se puedendesarrollar los talentos de cada uno. Cómo elegir un estudio
de grabación o al mejor manager. Qué ofrecen las sociedades
de intérpretes, autores y compositores. Qué es la producción,
edición, composición, masterización de un tema. Pasaremos
por el management hasta el merchandising.
Además de exponer diversas novedades, recomendaciones, artículos, entrevistas, notas, lo mejor de la agenda musical
y el espectáculo, cultura, tecnología, educación, capacitación,
tips, short-cuts, y todo aquello que pueda resultar de utilidad
para quienes formamos parte de este gran universo.
Negociemos un mejor panorama para la música y sus
“actores” en México.
RAFAEL P. IRAGORRI
Director Editorial / Publisher
THE MUSIC BUSINESS MAGAZINE
9
Contenido
La Música y el Sonido en el Oscar 7
En Palabras de
8
Tempo
9
Tesoros
10
El Empresario
14
I Create Music...
16
Top 10
18
The Interview
25
Sibarita
32
En Portada
36
El Santuario
40
Premios
42
1.- CONTENIDO / CARTA EDITORIAL
Espacios
48
Rafael 1.- CONTENIDO / CARTA EDITORIAL
Good Business
50
Rafael Pérez Iragorri
Libros
51
El Maestro2.- NOVEDADES
53
El Coleccionista
54
3.- LA ENTREVISTA INTERNACIONAL
Tips
58
Sofía
Priscila
Pérez
Valle
La Academia
60
MKT
62
4.LA
ENTREVISTA
INTERNACIONAL
Micellaneus
64
Juan Pablo Plasencia
5.- GÉNEROS
Introducción al tema, El Son.
6.- HISTORIA
Libros de Coro
Guadalupe Lazo
10
THE MUSIC BUSINESS MAGAZINE
Tempo
ORIS
El Arte de la Disonancia
ORIS PRESENTA EL RELOJ THELONIOUS MONK LIMITED EDITION
O
Por MARÍA CARRERA
ris se complace al presentar el próximo integrante
de la histórica línea de relojes que rinden homenaje a figuras emblemáticas del mundo del
jazz. Oris Thelonious Monk Limited Edition
celebra los incomparables talentos de uno de los
mejores pianistas y compositores de jazz de América. Thelonious
Monk es uno de los referentes del jazz moderno. Es recordado
especialmente por su forma de usar la disonancia en su música,
un estilo definido por armonías que son inestables dentro de un
contexto armónico global. En 1944, compuso Round Midnight,
que desde entonces se ha convertido en la composición de jazz
más recordada. Oris Thelonious Monk Limited Edition es una
alegoría al distinguido estilo y talento de Monk. El reloj de acero
de 40mm cuenta con una esfera azul ahumado con efecto rayos de sol, con índices pulidos, y exhibe la inusual disposición
de 11 marcadores de minutos entre los marcadores de las 10 y
las 12, un guiño a la técnica disonante de Monk. En el reverso, el
fondo está grabado con la leyenda ‘MONK ALWAYS KNOW’, que
hace referencia a una de las múltiples ocurrencias memorables
de Monk inspiradas en las letras de su anillo hecho a medida.
Para el público, parecía decir ‘KNOW’, pero cuando se acercaba,
explicaría que dice ‘MONK’. El reloj se presenta en un estuche de
madera lacado en gris satén y será distribuido mundialmente a
partir de mayo del 2015.
THE MUSIC BUSINESS MAGAZINE
Foto ©Oli Gill
11
Colaboradores en este número
GÜIDO
LARIS
MIKE
PORTILLO
MARÍA ANTONIETA
LOZANO
ALEJANDRO
ANDRADE
Músico, arreglista, productor y director
musical nominado al Grammy 2013
como coautor y coproductor de “16”
tema de Allison. Trabajó como músico
en giras con Garibaldi, Mestizzo y
DKDA. Director de giras de RBD, Eiza
González “Lola Erase Una Vez”, Diego
Bonetta y HaAsh. Arreglista y vocal
coach de OV7, Reik, RBD, Allison,
Yuridia, Río Roma, Malú, Vázquez
Sounds y productor de RBD, Allison
y Masappan. Director musical de La
Academia 10 Años, La Academia Kids
y Soy Tu Doble.
Baterista graduado del PIT, The
Percussion Institute of Technology
del MI, Musicans Institute de L.A.,
CA, E.U.A. fue maestro en ese mismo
instituto, alternando con Billy Cobham, Richie Gajate, Dom Famularo,
Kenny Aronoff, David Garibaldi y
Chuck Silverman. Ha acompañado a
Rocío Durcal, Armando Manzanero,
José José y Ángela Carrasco. Vendió
más de 40,000 copias de su curso
“Fundamentos de batería”, el primer
video producido en español por un
baterista mexicano, para el mercado
de habla hispana.
Se encontró con la música a los nueve
años de edad. Al terminar la escuela
primaria, ingresó a la Escuela Nacional
de Música de la UNAM en 1948.
Estudió liturgia y órgano en la Escuela
de Música Sacra. Fue pianista en el
INBA asignada a la Compañía Oficial
de Danza. Creó el CIEM, Centro de
Investigación y Estudios de la Música
en 1972. Recientemente diseñó un
programa de cómputo capaz de respetar los principios de la pedagogía,
de modo que la intervención del
profesor sea mínima o inexistente;.
En poco tiempo replica su modelo
de negocio para promover la
metodología de Dissimilis Noruega
en América Latina, co-fundación
“Música Que Cura”, una ONG que
promueve la educación artística para
personas con discapacidad mental,
en alianza con el Centro de Educación Dissimilis de Oslo. Recibe una
beca para estudiar una maestría en
la prestigiosa universidad de Berklee
College of Music.
PABLO
CHÁVEZ
PABLO
MONDRAGÓN SILVA
BETO
MÉNDEZ
JUAN MANUEL
LARA CÁRDENAS
Sus comienzos fueron en Discos
Orfeón de 1992 a 1994, asistente /
ingeniero en Kay Nha Estudios, Ingeniero en Jefe en Estudios Montecristo
por 10 años. Ingeniero y productor.
Actualmente es productor general del prgrama de TV “Estudio Cuatro
32”. Su más reciente participación
como ingeniero de grabación es
“Juan Gabriel-Los Dúo”. Ha colaborado con Los Temerarios, Armando
Manzanero, Lupita Dalessio, Yuri, Reily,
Límite, Tatiana, Jeans, Aida Cuevas,
Mariachi 2000, Pesado, La Nueva
Banda Timbiriche, Pablo Montero y
Pepe Aguilar, entre otros.
Productor y compositor de música
para cine, teatro, danza y TV, ganador
de la Diosa de Plata con su primer
largometraje y creador de varias metodologías dedicadas a la enseñanza
musical. Socio director de 24-0, A.C,
dedicada a proyectos de prevención
de violencia por medio del arte y
socio director de Jamón Jamón
Cineconsultores, ofreciendo estrategias de mercadotecnia a proyectos
cinematográficos.
Músico, cantante, compositor y arreglista. Egresado de la Escuela Superior
de Música del I.N.B.A.
En la década de los 70 formó parte
de más de una veintena de grupos
musicales entre los que destacan:
“La ley de Herodes” con Sergio Arau,
grupo “Why” (pioneros en imitación
de Los Beatles) y el grupo de Javier
Bátiz entre muchos otros. Ha musicalizado dos películas (una de ellas
internacional), siete obras de teatro y
varios Jingles (música para comerciales). Cuenta en su discografía propia
con dos LP”s y cinco CD”s.
Licenciado en Canto Gregoriano y
Musicología, egresado del Instituto
Cardenal Miranda, afiliado al Instituto
Pontificio de Música Sagrada de
Roma, Italia (1964). Desde 1991,
Investigador del Centro Nacional
de Investigación, Documentación e
Información Musical “Carlos Chávez”
(CENIDIM), del Instituto Nacional
de Bellas Artes. De 1990 a la fecha
ha transcrito a la notación musical
actual más de 500 obras polifónicas
de compositores novohispanos,
pertenecientes a los archivos de las
catedrales de México, Puebla, Oaxaca,
del Museo Nacional del Virreinato en
Tepotzotlán, Edo. de México, entre
otras.
12
THE MUSIC BUSINESS MAGAZINE
Bohemia 22
C E N T R O C U LT U R A L R O B E R T O C A N T O R A L
Áureo Baqueiro
Leonel García
José Luis Roma
“Todos coreamos la gran cantidad de éxitos que los
talentosos compositores interpretaron con tanto sentimiento”.
Textos y Fotos ABRIL P. MARTÍNEZ
C
on el Centro Cultural Roberto Cantoral totalmente abarrotado, se llevó a cabo la Bohemia No. 22 el pasado 14
de mayo. El concierto dio inicio con la cantautora Lorena
Gutiérrez quien interpretó de su autoría “Somos algo” y “La
vida gira”, ella participa en el taller de composición de la
SACM a cargo de la maestra Mónica Vélez. Esta Bohemia
fue conducida por René Franco, con su humor muy quitado de la
pena. Entre la asistencia encontramos a Leonel García, José Luis Roma
y Aureo Baqueiro, invadieron la noche de buena música exponiendo
sus magníficas composiciones. La velada comenzó con la interpretación de Áureo Baqueiro con “La vida es así”, continuó Leonel García
con “Recuerda” y después vino la interpretación de José Luis Roma, “Un
día de suerte”, canción que hiciera famosa Alejandra Guzmán.
JOSÉ LUIS ROMA
Forma parte del dúo Río Roma, al lado de su
hermano Raúl. José Luis de 33 años, es también
un compositor prolífico y versátil, algunos de los
cantantes famosos que han grabado sus canciones
son: María José, Noel Schajris Alejandro Fernández,
Camila, Alejandra Guzmán, Pandora y Calibre 50,
entre otros.
LEONEL GARCÍA
Cantante, músico y compositor nacido en 1975
en la Ciudad de México, ex integrante del dúo Sin
Bandera, se caracteriza por poseer una magnífica
voz y gran interpretación. En Sin Bandera, lanzó
ocho discos. Ha compuesto temas para Thalía,
Alejandro Fernández, Carla Morrison, Pepe Aguilar,
Gloria Trevi, Jessy y Joy, Kalimba, Natalia Jiménez,
Manuel Mijares, OV7, Agustín Bernsaconi y Máximo
Espíndola, y muchos más
ÁUREO BAQUEIRO
Cantautor, compositor y productor discográfico, nacido en la Ciudad de México en 1967, y sobrino de Luis
Demetrio (conocido como el ‘Compositor Romántico de México’). Se inició en el ambiente musical siendo
muy joven escribiendo temas para Timbiriche. Productor desde el 2000 de temas para Kabah, Sin Bandera,
Ha-Ash, Alejandro Fernández, Motel, Paulina Rubio, Yahir, Thalía, Paty Cantú, Leonel García, entre otros.
THE MUSIC BUSINESS MAGAZINE
13
Espectáculos
The Metropolitan
Opera
Transmisión en Vivo desde N.Y.
Por MARÍA CARRERA
Fotografías Cortesía Metropolitan Opera
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THE MUSIC BUSINESS MAGAZINE
Fotografía de fondo por Jonathan Tichler/Metropolitan Opera
ARRIBA Escena de “Il Trovatore” de Verdi
con Dmitri Hvorostovsky como Count di Luna
Fotografía de Ken Howard/Metropolitan Opera
ABAJO Escena de “Tannhauser” de Wagner
Fotografía de Marty Sohl/Metropolitan Opera
Fotografía de fondo de Marty Sohl//Metropolitan Opera
THE MUSIC BUSINESS MAGAZINE
15
E
l actual Metropolitan Opera House está situado en el
Lincoln Center en la Plaza Lincoln, en Nueva York, en el
Upper West Side, y fue diseñado por el arquitecto Wallace
K. Harrison. Tiene una capacidad aproximada de 3,800 espectadores con un área adicional de 195 lugares. En caso
necesario, el tamaño del foso de la orquesta se puede disminuir para
agregar otra fila de 35 asientos. El vestíbulo está adornado con dos
famosos murales —de 10x12 m.— del talentoso artista Marc Chagall,
El triunfo de la música y Las fuentes de música. Después de numerosas
revisiones a su diseño, el nuevo edificio fue inaugurado el 16 de septiembre de 1966, con el estreno mundial de Antonio y Cleopatra de
Samuel Barber. El teatro, se caracteriza por su excelente acústica, además de actualizarse constantemente en cuanto a recursos técnicos
se refiere. Cuando la compañía de ópera está en pausa, la Ópera es el
hogar de actuaciones del American Ballet Theatre y otras compañías
de ballet.
ALGUNAS DE LAS PRINCIPALES ÓPERAS
DEL MUNDO QUE SE PRESENTAN EN EL
METROPOLITAN OPERA DE NUEVA YORK,
SON TRANSMITIDAS EN VIVO
Y PUEDEN SER VISTAS Y ESCUCHADAS EN EL
AUDITORIO NACIONAL
RECOMENDAMOS:
3 DE OCTUBRE “EL TROVADOR”
El trovador, es una ópera en cuatro actos con música de Giuseppe Verdi
y libreto en italiano de Salvatore Cammarano, basada en la obra
de teatro El trovador (1836) de Antonio García Gutiérrez. Cammarano murió a
mediados del año 1852 antes de terminar el libreto. Esto dio al compositor la
oportunidad de proponer revisiones significativas,
que bajo su dirección realizó el joven libretista Leone Emanuele
Bardare y se ven en gran medida en la ampliación del papel de Leonora.
31 DE OCTUBRE “TANNHAÜSER”
Tannhäuser y el torneo poético del Wartburg, es una ópera en tres actos con música
y libreto en alemán de Richard Wagner, basada en dos leyendas alemanas. Wagner
utilizó principalmente dos historias que aparecen en la obra de Ludwig Bechstein,
la leyenda del caballero Tannhäuser y
el concurso de canto del Castillo de Wartburg. Los temas principales de
la ópera son la lucha entre el amor sagrado y profano, y la redención a través del
amor, tema dominante en gran parte de la obra de Wagner.
Es la quinta ópera de Wagner. El libreto fue escrito
entre 1842 y 1843 y la música entre 1843 y 1845.
21 DE NOVIEMBRE “LULÚ”
Lulú, es una ópera del compositor Alban Berg entre 1929 y 1935.
El libreto fue adaptado por el propio Berg de las obras de Frank Wedekind Erdgeist
(Espíritu de la Tierra, 1895) y Die Büchse der Pandora (La caja de Pandora, 1904).
Berg murió antes de completar el tercer y último acto.
En las décadas siguientes, la ópera se realiza típicamente incompleta.
1
2
16
THE MUSIC BUSINESS MAGAZINE
1. Michelle DeYoung como Venus
en “Tannhauser” de Wagner
Fotografía de Marty Sohl/Metropolitan Opera
2. Una escena de“Tannhauser” de Wagner
Fotografía de Marty Sohl/Metropolitan Opera
4
3. Marlis Petersen como Lulu
en “Lulu” de Alban Berg
Fotografía de Kristian Schuller/Metropolitan Opera
4. Lobby de The Metropolitan
Opera House noche de estreno
de la temporada 2011-2012
Fotografía de Ken Howard/Metropolitan Opera
5. Fachada principal de The Metropolitan Opera House
en el Lincoln Center Plaza
Fotografía de Jonathan Tichler/Metropolitan Opera
3
LINCOLN CENTER FOR THE PERFORMING ARTS
ÓPERAS QUE SERÁN TRANSMITIDAS EN VIVO
AUDITORIO NACIONAL
OCT 17 OTELO
ENE 16
LOS PESCADORES DE PERLAS
ENE 30
TURANDOT
MAR 5
MANON LESCAUT
ABR 2
MADAME BUTTERFLY
ABR 16
ROBERTO DEVEREUX
ABR 30
ELEKTRA
5
Es un conjunto cultural de edificios con más de 61,000 m2,
que alberga el Metropolitan Opera , el Avery Fisher Hall,
el David H. Koch Theater (antiguo Teatro Estatal de N.Y.).
Y es sede de las siguientes organizaciones:
The Metropolitan Opera
New York City Ballet
New York City Opera
Orquesta Filarmónica de Nueva York
The Chamber Music Society of Lincoln Center,
The Film Society of Lincoln Center
Jazz at Lincoln Center (Lincoln Center Jazz Orchestra)
The Juilliard School
Lincoln Center Theatre
The New York Public Library for the Performing Arts
American Ballet Theater
Lincoln Center for the Performing Arts, Inc.
THE MUSIC BUSINESS MAGAZINE
17
Tesoros
Los Libros de Coro
del Museo Nacional
del Virreinato
Testimonios Emblemáticos
Por JUAN MANUEL LARA CÁRDENAS
INVESTIGADOR DEL CENIDIM-INBA
El Museo Nacional del Virreinato es el repositorio nacional que guarda los testimonios más
emblemáticos y representativos del arte del período virreinal de México: esculturas, pinturas,
retablos, marfiles, orfebrería, platería, bronces, azófares, hierro forjado, marquetería, cerámica,
indumentos, textiles y bordados, biombos, cristalería, y un sin fin de tesoros que muestran
la creatividad artística de México a lo largo de los siglos.
P
ero no menos importante es el tesoro musical de la misma
época, que el genio benéfico que vela por la Patria, como
diría algún poeta romántico, favoreciendo su sobrevivencia, ha permitido que se conserve en el Museo Nacional
del Virreinato, donde se guarda celosa y diligentemente: 94
libros de coro provenientes principalmente de la Catedral de México,
así como de archivos conventuales. Todos ellos contienen parte substancial de la historia de la música mexicana de la época de los virreyes.
Si las pinturas, las esculturas, los marfiles, los retablos, etc. sugieren
y proponen temas para exposiciones, publicaciones, conferencias y
coloquios, además de admirarse y disfrutarse por medio de la vista,
la música catedralicia y conventual contenida en los libros de coro
que conforman el acervo del Museo del Virreinato no es menos admirable y digna de conocerse -y disfrutarse-, aunque sea ésta un arte
que quizá no encuentre fácilmente oídos receptivos porque resulta
extraña a los oídos modernos altamente condicionados por la música
comercial, la que se rige por las reglas de la mercadotecnia y no por
las reglas del arte.
Con todo, el conjunto de obras musicales contenidas en el acervo
del Museo Nacional del Virreinato conforman un panorama que posee un perfil preciso y coherente, pues, a pesar de que al parecer no
hubo un proyecto concreto en la selección de los documentos musicales abducidos, éstos son representativos de la música catedralicia
18
THE MUSIC BUSINESS MAGAZINE
que se interpretaba en las grandes catedrales novohispanas y americanas de los siglos XVI, XVII Y XVIII.
Y así como se arman exposiciones con los diferentes temas que
sugieren los objetos artísticos que guarda el museo, también hay que
armar una “exposición sonora” de la riqueza musical contenida en los
libros de coro. Éstos, aparte de ser soportes de la música característica
de una época, son también obras de arte en sí mismos, por su decoración y encuadernación, fruto de la habilidad de artesanos especializados, contratados por los cabildos catedralicios para ese menester,
como José Gastón y Balbuena, Sebastián Carlos de Castro, Sebastián
Rodríguez de Guzmán y Juan de Dios Rodríguez Leonardo de León
Coronado, entre otros.
Los libros de coro que guarda el museo contienen dos clases de
música: canto llano y polifonía vocal, escritas ambas en sendos códigos de notas utilizados en los siglos XV, XVI y XVII, que resultan indescifrables para los músicos actuales, por lo que es necesario el trabajo de
especialistas que los transcriban a la notación musical actual para que
esta música pueda ser leída, interpretada y escuchada nuevamente.
Ésta es la música litúrgica que acompañaba las grandes celebraciones religiosas y civiles de la época de los virreyes, herencia cultural
de México, porque con ella empieza la historia documentada de la
música mexicana, que tiene su equivalente en la poesía de Fernán
González de Eslava, Francisco de Terrazas, Eugenio de Salazar, Gutierre
de Cetina, Juan Ruiz de Alarcón, Sor Juana Inés de
la Cruz, Carlos de Sigüenza y Góngora; en la arquitectura, nuestros edificios históricos de la época,
como las iglesias barrocas y los palacios virreinales;
y en la pintura, las obras de Simón Pereyns, Andrés de la Concha, José Juárez, Nicolás Rodríguez
Juárez, Sebastián de Arteaga, Juan Correa, Cristóbal de Villalpando, Miguel Cabrera, etc.
Los libros también guardan música polyfónica de algunos de los compositores europeos
más destacados de su época: Francisco Guerrero
(1528-1599), de cuyas obras están llenos los archivos catedralicios americanos; Alonso Lobo de
Borja (1555-1617), quien fue discípulo y sucesor de
Guerrero como maestro de capilla en la catedral de
Sevilla; Sebastián Aguilera de Heredia (1561-1627),
maestro de capilla de la Catedral de Zaragoza,
Eduardo Duarte Lobo (1565-1646), de la catedral
de Lisboa.
Pero también, parte de la polifonía vocal catedralicia que contienen los libros es obra de algunos de los más destacados compositores de los
siglos XVI, XVII y XVIII que vivieron en la Nueva España: Hernando Franco (1532-1585), el más eximio
representante de la polifonía francoflamenca en
América; Francisco López Capillas (1614-1674), el
primer gran músico nativo de este continente conocido hasta ahora; Antonio de Salazar (ca. 16501715), Manuel de Sumaya (ca. 1676-1755). Todos
ellos fueron maestros de capilla de la más importante catedral americana del período virreinal: la
Catedral Metropolitana de México-Tenochtitlan.
Ésta era la música que se cantaba en las grandes y solemnes celebraciones de las catedrales y
conventos de la Nueva España, en México, Puebla,
Oaxaca, San Cristóbal Las Casas, Morelia, Guadalajara, Zacatecas, Durango, etc., presididas por el arzobispo y su cabildo catedralicio, con la presencia
de las autoridades civiles, el virrey, la virreina, sus
consejeros, ministros y cortesanos.
Una música hasta ahora desconocida, pues ha
dormido el sueño secular del olvido, causado por
los cambios políticos y sociales de nuestra historia,
y por la ignorancia y la incuria de quienes debían
conocer de su existencia y conservarla como patrimonio cultural de un pueblo.
Desde la primera mitad del siglo XX, cuando
estos libros aún pertenecían a la catedral de México, algunos musicólogos egregios: Robert Stevenson, Thomas Stanford, Steven Barwick, se dieron a
la tarea de rescatar la música contenida en ellos.
Después vendrían otros, como Miguel Bernal Jiménez, José de Jesús Estrada, Julián Zúñiga, etc. Y así,
por el trabajo de estos musicólogos pioneros, y de
los que hemos tomado posteriormente la estafeta,
poco a poco se va dando a conocer esta música,
publicada, interpretada e incluso grabada.
MUSEO NACIONAL DEL VIRREINATO. TEPOTZOTLÁN, ESTADO DE MÉXICO
Reproducción autorizada por el Instituto Nacional de Antropología e Historia
CONACULTA-INAH-MEX. Foto: Michel zabé
La Música, la Magia del Cine
ARTE Y NEGOCIO
DIRECTOR
MÚSICA
El Sonido y la Imagen
PABLO MONDRAGÓN SILVA
LA MÚSICA DA FUERZA Y DIRECCIÓN A LA IMAGEN, CONECTANDO DE MANERA DIRECTA
CON LAS EMOCIONES DEL ESPECTADOR Y COMPLEMENTANDO LA MAYORÍA
DE LAS ESCENAS DE UN FILME
A
ntes que nada quiero explicarles desde donde les voy
a compartir visiones y percepciones de la infinita y hermosa parte de la música dedicada a acompañar imágenes.
Soy músico de cine y mercadólogo, lo que me permite tener dos visiones, muy alejadas para algunos pero que sin duda
son parte de la misma actividad.
Estas visiones son la “artística” y la de “negocio”, y se irán combinando para tener una perspectiva más global.
Para empezar explicaré que papel juega la música en el cine.
Después de varios años de haber musicalizado cortometrajes, documentales y largometrajes, entendí justo en una sala cinematográfica, la más obvia y profunda misión de la música en el cine. Durante
Ambulante, famoso festival de documentales, viendo Café, trabajo de
un buen amigo Hatuey Viveros (que por cierto en ese momento no
tenía música), (borré comentario) una chica le comenta a su acompañante al terminar la proyección: “¿Qué?, ¿Ya acabó? Uy, casi lo logran,
casi me hacen llorar, pero no pudieron”. –Es importante hacer mención
que el documental es increíble, y que para la corrida en otros festivales
Hatuey ya le estaba poniendo música y cambiando algunos aspectos
de la edición. Ya una vez terminada la nueva versión, el documental
ha sido ganador de varios de premios nacionales e internacionales–.
Siempre hemos tenido muy claro que la música sirve para dar
“ambiente” a la película, ayudar con el “tono”, acompañar personajes,
acciones, emociones, darle identidad a la película, etc. Pero ese fortuito comentario dicho por un espectador al final, resulta tan simple,
claro, obvio y funcional como eso; esa chica quería llorar, estaba absolutamente conmovida con el documental, PERO, faltó un pequeño
empujón, y es un empujón que sólo la música puede dar.
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La música es un vector, es un elemento que da fuerza y dirección
a la imagen, es un elemento de la producción de una película que
gracias al lenguaje que maneja, es capaz de conectar de manera directa y sin escalas con las emociones de las personas, de los espectadores, y de decirles de forma consciente o inconsciente lo que queramos que sientan, cuando queremos que lo sientan, que tan profundo
y por cuanto tiempo queremos que lo sientan.
Ok, si esto es lo que hace la música en el cine, ¿cuál es la misión
del que hace la música para cine?
Pues la respuesta más obvia es “hacerla”, pero verán, no es tan
sencillo como parece, así que vamos por partes:
Antes que nada, la regla de oro, la regla número uno, la regla que
si no tenemos clara no podemos dedicarnos a esto, es que la música está a merced de la película. Cómo es la regla de oro, explicaré
un poco más al respecto. Estar a merced quiere decir que SIRVE, que
ESTÁ HECHA PARA, que SU RAZÓN DE SER ES la película, y la película
es quien tiene la última palabra de cómo la música va a ser parte de
ella. Esto implica un obvio pero muy complejo triángulo:
PELÍCULA
DIRECTOR
MÚSICA
Ya platicaremos en otro número más a fondo sobre este triángulo;
pero créanme que es de lo más interesante. Como en cada proyecto
este triángulo tiene formas, componentes, caminos y resultados muy
diversos: pero, por el momento, utilizaré este triángulo para explicar
algunas de las responsabilidades de lo que “hacer” música para una
película implica.
Muchos músicos han incursionado en la
composición de música para cine, entre ellos, el
guitarrista Jimmy Page con Death Wish 2,
el grupo Toto con Dune y Pink Floyd con Music
from the Film More.
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21
• Entender a profundidad la visión del
director sobre la película: lo primero es ubicarnos dentro de lo que el director quiere
para su película, ya sean referencias sonoras,
conceptos, sus gustos, sus referentes culturales y sociales, etc. La visión del director es el
punto de partida, y entre mejor lo entendamos desde el inicio del proceso de trabajo,
será mucho mejor el camino y los resultados.
En este punto debemos ser excelentes comunicadores, no se vale ponernos en el plan
de: “Como el director no sabe de lenguaje
musical no me puede comunicar su idea, no
sabe de escalas, funciones tonales, orquestación y sus indicaciones son tan ambiguas
como: más triste, menos notas o que sea más
como azul de atardecer”.
Es nuestra obligación indagar hasta las
últimas consecuencias sobre lo que el director –desde donde tenga la capacidad de
comunicarlo–, nos quiera decir, y también es
nuestra obligación desarrollar formas efectivas de entablar esa comunicación. Como
este es uno de los puntos mas importantes
del proceso, ya lo hablaremos con más detalles en otra ocasión.
• Entender a profundidad la película:
también tenemos la obligación de analizar
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la película desde un lugar que muchas veces
el mismo director no conoce, recordemos
que por algo nos necesita y debemos tener la capacidad de ver lo que el no ve. En
teoría como músicos deberíamos tener una
sensibilidad que la mayoría de los directores
no desarrollan a profundidad, que es la perspectiva sonora (recordemos que los planes
de estudio y puntos de interés de la mayoría
de los directores están sobre la imagen, las
cámaras, las lentes, los planos y no sobre el
audio y la música). Y desde ahí debemos contribuir de forma sutil y contundente.
• Ofrecer un concepto sobre la música
para su película: Antes de escribir o tocar la
primera nota, debemos tener la capacidad
de construir mentalmente y aterrizar en un
documento nuestra propuesta para la música de la película, derivada de los dos puntos
anteriores, que quiere el director y que me
pide la película. Este concepto implica la instrumentación, el tono (no me refiero a si es
Sol menor o Mi lidio), los lugares donde debe
haber música y donde no, la relación entre
la música y los personajes, entre la música y
las acciones, entre la música y el ritmo de la
película, entre la música y los ambientes de
la película y entre la música y la estructura de
la película. Hace ya varios años un muy buen
maestro de arreglo nos compartió, “tener la
capacidad de hacer un concepto es lo más
difícil para los compositores y los arreglistas”.
Claro que lo que propongamos en un
primer momento no será exactamente lo
que quede al final, pero si ofrece una dirección que sin ella, puede ser muy frustrante
para nosotros y para el director.
• Tener la capacidad técnica y de producción para convertir esas ideas en audios: Ya
sea por que somos multi-instrumentistas, o
por que conocemos muchos músicos, porque
tenemos un estudio o nos prestan alguno o
contrataremos otro, por que tenemos la capacidad de responder a presupuestos “de cuates”
o “amor al arte” (cero presupuesto) o poder resolver con presupuestos altos, ya sea por que
somos los mejores haciendo melodías reconocibles o por que lo nuestro es procesar efectos,
samplers y las más novedosas tecnologías para
hacer los más interesantes ambientes; debemos poder resolver y aterrizar ese concepto en
audios. Al final de todo, lo que importa son los
audios, por más interesante que sea el proceso,
las ideas sobre la música y sus posibilidades, lo
virtuoso que puedan ser los músicos invitados
a la grabación o lo dedicado que sea el ingenie-
ro de mezcla, todo esto es inútil si el audio no
suena “bien” y no “matcha” (encaja?) bien con la
imagen.
Cuando estudiaba, otro maestro nos comentaba: “para los músicos, no importa donde hayan estudiado, ni con quién, ni si tienen
el mejor o el peor equipo para trabajar, lo que
hace la diferencia entre uno bueno, uno malo y
uno excelente será lo que escuchamos cuando
le pongamos “play” a su obra.”
• Desarrollar un presupuesto y plan de trabajo: Una vez resuelto el tema del concepto, llegará tarde o temprano la pregunta del millón,
¿Y cuanto cuesta hacer eso?
Aunque no nos hacemos músicos para trabajar con documentos en Excel, hay que convertir este proceso en números, en cantidades,
en tiempos en un presupuesto que va desde la
primer maqueta hasta que entregamos el Cue
list final a la producción.
Debemos tener absolutamente claro cuales son las etapas de la producción musical,
todas las necesidades y a todos los músicos,
ingenieros y personas involucradas. ¿Hay que
rentar instrumentos?, ¿qué va a comer el ingeniero de mezcla mientras realiza su trabajo?,
¿y si necesito hacer retakes con algún músico
por que se alargó la escena me va a cobrar
de nuevo? En este punto la cuestión es que
lo que “se nos fué” o no contemplamos en el
presupuesto que entregamos a la producción,
adivinen ¿quién lo tendrá que pagar?
• Acompañarnos con aspectos legales:
Aunque el director que nos invita al proyecto
nos diga que la película sólo será para que la
muestre en navidad ante sus primos y tíos, y
tal vez algunos primos y tíos nuestros si logramos una buena amistad, hay que recordar
algo: en el momento que la película pretenda tener salida comercial a alguna de las posibles ventanas, (salas de cine, TV abierta o
por cable, internet, DVD) la productora necesitará hacer contratos de distribución y venta,
para lo cual necesitará todos los contratos
relacionados con la producción musical en
orden. Recordemos que cualquier intercambio económico debería estar sustentado en
un contrato con todos los aspectos legales,
derechos y obligaciones claros y delimitados
en un marco constitucional. Términos como
obra por encargo, sociedades de gestión colectiva, cesión de derechos patrimoniales y
sincronización, entre muchos otros, deberán
ser de nuestro conocimiento, y a menos de
que tengamos en nuestra familia un buen
abogado con especialidad en derechos de
autor, y que no nos cobre, algún día tendremos que pagar uno para proteger a perpetuidad nuestro trabajo.
Un último aspecto que me gustaría mencionar tiene que ver con una muy
común confusión en el mundo de la música
para cine. Una cosa es el soundtrack y otra el
score o música original, también conocido
como OST (original soundtrack). El soundtrack está conformado por las canciones que
acompañan la película, por lo general de artistas conocidos que tuvieron exposición de
su trabajo después de haber grabado y firmado contrato con alguna disquera y/o editora
y esta es la tarea del supervisor musical, que
implica escoger y obtener los derechos de
dichas canciones. Y el score es lo que el compositor de música para cine va a crear para la
película.
La intención de este artículo es tener
un primer vuelo de pájaro en el mundo de
la música para cine. En artículos posteriores
iremos profundizando todos los temas antes
mencionados y otros más, y para eso platicaremos con personajes que forman parte de
toda esta cadena artística que se deriva a una
cadena negocios. Nos vemos en la siguiente
edición.
Lograr el Éxito
Siete Elementos
Cruciales para un Disco o Canción
HAY UN SIN NÚMERO DE DETALLES EN LA PRODUCCIÓN DE UN DISCO, COMENZANDO POR LA
SELECCIÓN DE TEMAS, LOS ARREGLOS MUSICALES, DIRECCIÓN DE VOCES, LA CALIDAD DE
GRABACIÓN, LA EDICIÓN, MEZCLA Y MASTERIZACIÓN
Por GÜIDO LARIS
E
n mi opinión hay 7 puntos clave que hacen la diferencia
en la producción de una canción o un disco:
1. LA SELECCIÓN ADECUADA DE LAS
CANCIONES DEL DISCO
Ya sea un disco independiente o una producción de una compañía
disquera transnacional. El primer punto crucial es la determinación
de las canciones, es decir, el repertorio. En una compañía disquera
esa función la lleva a cabo un A&R (arte y repertorio). El criterio de
selección ha cambiado con la era digital, antes se buscaba que un
disco saliera con 10 ó 12 canciones, aunque hubiera 4 sencillos que
fueran hits, eso era suficiente para asegurar altas ventas en un disco,
las otras canciones podían ser “relleno”, hoy en día la gente tiene la
opción de comprar en itunes canción por canción de modo que, todas las canciones deben de ser elegidas como se eligen los sencillos.
En el caso de los discos “indie” sucede muy a menudo que no se
cuida la selección de temas. Lo bueno de las disqueras indie es que
creen en aquellos que comienzan, tienen un sano espíritu de rebeldía contra las grandes y eso ayuda a que proyectos nuevos salgan a
la luz. Sólo que por ese mismo sentido de rebeldía, algunos cometen el error de no cuidar la calidad de los temas y dedican una gran
cantidad de esfuerzo, recursos económicos, tiempo y energía a producir canciones que no tienen los elementos de una buena canción.
¿Cuáles son esos elementos? Bueno, existen cursos de composición
que toman meses, incluso años, no hay forma de dar ese curso en
un artículo de dos páginas; pero podemos hablar de cuáles son los
puntos que definen un gran tema:
A.
Una estructura que sea atractiva para quien escucha. Hablando de música con letra, sea el estilo de música que sea: Rock,
Pop, Folk, Grupero, Banda, es importante que una canción se construya de modo que tenga impacto para quien la escucha. A lo largo
de las últimas décadas se han probado todo tipo de estructuras, y la
estructura que ha probado tener mayor impacto es:
i-a-b-c-i-a-b-c-d-c-i
En dónde i=introducción, a=verso, b=precoro (preparación para el coro)
c=coro, d=puente también llamado “special” o “middle eight”.
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En esta estructura el tema o canción tendría que atrapar al escucha desde el comienzo, la melodía y letra del verso es importantísima
ya que mantiene o pierde la atención de quien escucha, en mi opinión el precoro debe construirse con notas en un rango ligeramente
más agudo que el rango de notas usadas en el verso, mientras que
el coro reventar a notas largas y más agudas que las partes anteriores
de modo que genere una emoción explosiva, el coro es el clímax, una
canción cuyo coro no revienta es como una película o libro que no
tiene climax, es aburrida y pierde el interés de quien escucha.
Posteriormente, el puente o special es también sumamente
importante ya que le da un respiro a la canción. Tradicionalmente
cambia de acordes usados hasta ese momento en la canción, a veces incluso modula de tonalidad y esto renueva la canción hacia una
parte no predecible que también podría ser climática inclusive más
“intensa” que el coro. En el caso de la música popular, la duración total
un tema no debería exceder de 3:30 y cuidar de no tener espacios
instrumentales largos que pierdan la atención del escucha. Para la
música instrumental, jazz, clásica, de cámara o incidental, las reglas
cambian, lo importante es la emoción que genera sin importar tanto
la estructura.
B.
El segundo elemento de una gran
canción es una melodía cantable, recordable. En el punto anterior comenté que en mi
opinión, para que una melodía tenga mayor
impacto, debe irse construyendo con notas
graves en el verso, un poco más agudas en el
precoro y más agudas en el coro. Sería entrar
en subjetividad tratar de explicar con palabras
que hace a una melodía cantable. La calidad
de melodías es lo que separa a un profesional
de un principiante, a eso se le conoce como
el oficio, éste sólo se desarrolla con la práctica y el análisis, es algo que sucede con los
años, hay una teoría que menciona que para
ser profesional en cualquier área se requieren
10,000 horas dedicadas a esa disciplina. Pero
no se desanimen, todo viaje comienza con el
primer paso, es preferible empezar hoy que
esperar para siempre. Yo sugiero escuchar
un montón de música de diversos géneros y
analizar las melodías que han sido éxitos, seguro que en ese análisis encontrarás puntos
en común y sobre todo comenzarás a generar un criterio propio. Lo que más ayuda en el
proceso de hacerse un profesional es hacer
co-autorías con compositores que ya hayan
colocado temas (canciones) en discos mainstream, aprender de los mejores es la vía más
rápida para generar profesionalismo y generar un estilo propio.
La armonía debe apoyar a la melodía, si
se tiene una estructura armónica que nos
gusta y una melodía que no combina pero
es una gran melodía, es preferible ajustar la
armonía que la melodía.
En el caso de la música instrumental, de
cámara, jazz o música incidental se usa otro
criterio, lo importante es la emoción que
quieres provocar. Aunque, en mi opinión aún
en un tema instrumental la melodía principal
es la máxima jerarquía y la armonía debe servir a la melodía.
C.
El tercer elemento que hace a una
gran canción es una letra que sea compatible
con la melodía y que logre transmitir claramente una emoción. Si pusiéramos jerarquías, la más alta debe ser la melodía, la letra
debe ajustarse a la melodía y no viceversa, lo
que hace que una canción atrape la atención
es la melodía, si ésta no atrapa la atención,
no interesa saber que dice la canción, pero
si la melodía es aprendible, seguro se quiere
saber que dice la canción.
Otro punto importantísimo es cuidar que
los acentos de las palabras y las frases combinen con los acentos de las melodías, es decir,
que no haya acentos cruzados. Cada frase tiene un acento natural así como cada palabra lo
tiene, y una melodía tiene acentos naturales,
estos tienen que ir de la mano, cuando hay
acentos cruzados, se pierde el mensaje, puede
no entenderse lo que se quiere decir. Hay que
cuidar que la letra no se sienta forzada y que la
emoción y la idea sean claras. La intención de
una canción es que se comunique una idea,
si no se logra esa comunicación no se logró
el propósito de la canción. Si se logra el uso
de imágenes metafóricas en la letra esto lleva
a la canción a un nivel más alto, las imágenes
enriquecen la letra ya que la mente constantemente está creando imágenes referenciales y
estas se traducen en emociones. Una vez más,
co-escribir con profesionales llevará a generar
un criterio más amplio y a ser profesional más
pronto que por uno solo.
Podríamos entrar en debate respecto a la
estructura, la melodía y la letra. Hay quienes
se salen de estas reglas y aún así logran hacer un tema exitoso, sin embargo para poder
romper las reglas hay que dominarlas primero,
el ímpetu y la rebeldía son importantes para
renovar cualquier disciplina, siempre y cuando
se proponga un modelo mejor que el anterior.
En el caso de las canciones, si al salir de estas
reglas se logra impactar con más profundidad,
generar emoción y atrapar la atención del escucha con una estructura y melodía distintas
y propositivas, ¡excelente!, si no se logra esto,
la rebeldía y el ímpetu serían un esfuerzo perdido y dejarían de ser útiles para convertirse
en necedad.
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2. ARREGLOS MUSICALES
Una vez estando seguros de que todos los temas del disco son grandes canciones, el segundo
punto importante de la producción son los arreglos musicales. Éstos se tratan de una forma
distinta cuando el disco es de un grupo que cuando es de un solista.
A.
Cuando se trata de un grupo es importantísimo que el grupo participe en los arreglos, bajo la guía de un productor-arreglista. En este caso el grupo debe estar seguro de que
eligieron a un productor cuyo trabajo admiran y respetan para poder confiar en que dicho
productor los va a llevar al resultado que ellos buscan, en el proceso creativo es importante
dejar de lado al ego y la soberbia, no se trata de quién tiene la razón sino de saber que todos
trabajan para lograr un resultado impactante, del cual todos puedan sentirse orgullos.
Personalmente, cada vez que inicio un trabajo creativo, sea composición o arreglo, propongo como prioridad que si a alguna de las partes no le gusta cualquier detalle, se tira a la
basura, en vez de perder tiempo y energía debatiendo quien tiene la razón, se busca una idea
nueva que a todo mundo entusiasme, ¿por qué? si se usara la fuerza o la imposición de cualquiera o se convenciera al otro de algún detalle, el otro se quedaría con la “espina” sería como
pensar: “ese detalle no me gustaba pero ni modo”. Lo cual se traduce en futura insatisfacción. El
grupo debe sentirse 100% satisfecho y orgulloso del resultado ya que ellos son quienes defienden las canciones en el escenario, pero también el productor debe sentirse 100% satisfecho
con el resultado y orgulloso. Si no se confía en el productor, ¿para que contratarle? y por otro
lado, si se es también el productor, pero quiere imponer su criterio, no funcionará. Debe existir
una mutua comprensión de buscar lo mejor para el proyecto y que todos estén satisfechos.
B.
En el caso de un solista se puede delegar el arreglo 100% al productor para hacer más
efectivo el proceso; sin embargo la regla de que a todos los involucrados debe encantarles el
resultado, también aplica.
¿Cómo hacer los arreglos? es importante determinar qué estilo de música, una vez determinado, lo que hace un arreglista profesional es cuidar que la batería y el bajo tengan un ritmo
que sea contagioso y que combine (bombo con bajo) y sobre la base rítmica, construir la base
armónica que también tenga “hooks” y capture la emoción que la melodía y letra intentan exaltar. En esta parte también la jerarquía más alta la tiene la melodía, toda la música debe estar
pensada para que la melodía luzca aunque los instrumentos estén tocando demasiadas notas.
3. EL TERCER PUNTO DE UNA PRODUCCIÓN ES LA CALIDAD DE GRABACIÓN
Es importante contratar a un ingeniero que tenga experiencia en grabación, o encontrar a un
productor que conozca de ingeniería y sepa lo que hace. No se puede grabar un violín con un
micrófono de bombo.
En la calidad de grabación es importante tener en cuenta: la ejecución precisa y afinada
de cada instrumento, lo cual es una responsabilidad de los mismos músicos, en el caso de un
grupo se debe cuidar que cada instrumento sea bien tocado, el productor dirige a los miembros del grupo para que tenga una alta calidad, y contar asimismo con una buena selección
de micrófonos (adecuados para cada instrumento) un preamp clase a, un compresor clase a,
un convertidor clase a y un programa de grabación (daw) clase a.
Existen cientos de marcas de micrófonos preamps, compresores y convertidores de altísima
calidad, normalmente eso está determinado por el precio, un buen lugar para verificar la calidad de equipo son los foros de discusión como gearslutz en dónde se debate la calidad de
diversos equipos.
En el caso de los daw, hay múltiples programas profesionales de grabación –son una gran
herramienta–, el productor puede usar el que mejor conozca, sin embargo, es importante que
sea un programa de grabación profesional, no una app de juguete, no garageband, para poder
grabar, programar, editar, mezclar y exportar el audio de manera ágil.
26
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4. DIRECCIÓN DE VOCES
Una vez grabada la música, lo más delicado de un disco es la dirección de voces, en ésta
debe cuidarse tanto la interpretación, como la colocación de voz, la emoción que se vaya
construyendo de acuerdo con la sección de la canción y todo esto con énfasis en la afinación.
Personalmente prefiero cuidar sección por sección, que grabar tomas completas, hay quienes prefieren grabar tomas completas y luego elegir las mejores partes, yo al ir grabando voy
eligiendo, –ya me ha sucedido que estoy tratando de hacer el comp (edición final) y hay una
sección en la cual, ninguna toma está suficientemente bien o afinada o con la emoción que
busco–, por eso prefiero ir eligiendo las mejores tomas durante el proceso de grabación, así
que cuando el/la cantante termina, estoy seguro de que tengo la toma final.
5. EDICIÓN DE TODOS LOS ELEMENTOS
Este punto importantísimo es la edición de todos los elementos que se grabaron para asegurar
de que están a tiempo y afinados, lo cual hace que suenen amarrados (“tight”). En mi opinión
este es otro elemento que separa un disco amateur de un disco pro, es decir, qué tan sólido
suena, si está amarrado cada instrumento con el otro, todo es cuestión de criterios, yo hablo
del mío. Me parece que una buena ejecución es crucial, y si se logra editar sin perder la naturalidad del ejecutante, se escuchará un disco profesional, como yo lo veo: Un disco así quedará
para la posteridad, se escuchará en la casa, en el coche o en un antro. No es lo mismo que un
concierto donde la “imperfección” (desafinaciones o ejecuciones fuera de tiempo) se compensa con la emoción que provoca el escuchar con un alto volumen y en vivo.
6. LA MEZCLA
Una vez realizada la edición, el siguiente punto crucial es la mezcla, mezclar es asignar el
volumen, ecualización, efectos, paneo y compresión adecuados a cada instrumento de
la grabación para que todos los canales grabados se combinen a los dos canales estéreo:
izquierdo y derecho. Esta puede llevar la grabación a un nivel superior o desmerecer lo ya
grabado. Ya sea que el productor mezcle el disco o que contrate a un ingeniero. En donde
será muy importante poder capturar el espíritu que se busca de la canción. Es permisible
contar con ejemplos de canciones que sirvan como referencia y punto de comparación.
Hay ingenieros que usan estas referencias para hacer continuamente comparación a/b
entre la canción de referencia y la que se está mezclando para sentir la relación entre los
distintos elementos: relación bombo-bajo, relación tarola-voz, relación guitarras-teclados,
relación base rítmica-base armónica, cantidad de graves, medios, agudos, etc.
7. MASTERIZACIÓN
El último punto crucial de la producción de un disco es la masterización. El proceso de
masterizar es homogeneizar el volumen y ecualización de todas las canciones de un disco
una vez mezcladas, esto se hace ya que al mezclar cada canción de manera individual se
cuida solamente esa canción en relación con la referencia, y al escuchar todas las canciones de un disco puede haber variaciones de volumen o de ecualización entre una canción
y otra. También se utilizan limitadores para aumentar el volumen de las canciones sin llegar a la distorsión. Idealmente el ingeniero de mastering debería ser distinto al ingeniero
de mezcla, ya que también se pueden corregir pequeños detalles de frecuencias como
exceso de graves, medios o agudos. Un buen mastering puede transformar positivamente
el resultado que se obtuvo al momento de mezclar la canción y llevar el disco a un nivel
superior. Los estudios de masterización son diferentes a los de grabación, hay compañías
como Sterling Sound N.Y. o Precision Mastering dedicadas solamente a este último paso
de la producción discográfica. Es recomendable considerar siempre esta partida presupuestal para que un profesional de mastering sea quien realice los últimos detalles a un
disco.
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Los
Incansables
Negros
El regreso del
Vinilo o Acetato
SOFÍA PRISCILA PÉREZ VALLE
D
espués de mucho tiempo de
estar en la banca musical, regresan –ahora con más
caché– los históricos vinilos
o acetatos, contrario a lo que
muchos diagnosticaron con la proliferación del consumo de la música digital y
antes el CD.
El disco de acetato llega esta vez, no
como la única opción para escuchar los
hits del momento, sino como la opción
más “pura”, más auténtica y por supuesto
más estilizada y “ cool”, reapareciendo con
gran fuerza en la escena musical indie (quizá por que dicho género se jacta de ser honesto y en cierta forma nostálgico) y en el
mercado latino, ya no dirigiéndose al mundo
“underground” o a los coleccionistas y dj’s
solamente, sino al público en general, a todo
aquel que goce de la música y tenga la intención
de escuchar a detalle cierta pieza o canción.Esto ha
dado pie a que las bandas o artistas independientes,
lancen su material en dos versiones: CD y LP ( long
play, como también son conocidos los discos de acetato) llegando así a una mayor audiencia, misma que en su
mayoría se ha adentrado al mundo de la música durante el
apogeo digital pero que aún así busca un acercamiento con sus
artistas favoritos y que mejor manera de hacerlo que teniendo su
material discográfico en LP de doce pulgadas o bien en las dos
versiones para comparar las variantes de sonido entre uno y otro.
Este fenómeno no es realmente nuevo en géneros como el hip-hop o
la música electrónica ya que los dj’s siempre se mantuvieron fieles a el, sin embargo los artistas emergentes también se están inclinando bastante hacia el clásico
“negro”. México no se ha quedado atrás en el re-lanzamiento de los viniles, artistas como Zoé, Kinky, Julieta Venegas y Maná, entre otros, cuentan con ediciones de lujo, motivando a más artistas a hacer lo mismo.
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En el caso del rock, ésto se ha vuelto casi una regla. Phoenix,
Arctic Monkeys, Interpol, Franz Ferdinand, JC + The Voidz, Albert
Hammond Jr., por mencionar sólo algunos, han dejado en claro que los
viniles llegaron para quedarse, y pese a que el costo al público es
bastante elevado en comparación a un CD (en ocasiones más del
triple) las ediciones en LP seguirán teniendo éxito debido a que forman
parte de una experiencia social; los amigos o familiares se reúnen a
escuchar música en torno a ellos, generando una especie de ritual,
a diferencia de los Mp3 que por lo general se escuchan con
audífonos y de manera personal.
Además, los discos de acetato permiten redescubrir música
olvidada, música que no se comercializó y por ende
no está disponible en formato digital, verdaderas joyas
que podemos encontrar en los lugares
menos esperados.
“Creo que es
importante que
la gente siga
coleccionando LPs
porque tienen un sonido
grandioso y mucho más
cálido que la música
bajada de internet”
- Norah Jones.
THE MUSIC BUSINESS MAGAZINE
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Souvenier
¡El Salón de los
Rockeros Famosos!
Un recinto que no sólo alberga los recuerdos
de los músicos más famosos
Rock and Roll Hall of Fame
and Museum
Por RAFAEL P. IRAGORRI
Más de ocho millones de visitantes de todo el mundo han visitado el Salón de la
Fama y Museo del Rock & Roll en Cleveland, Ohio, llegando a más de 50,000
estudiantes y maestros cada año a través de sus programas de educación.
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THE MUSIC BUSINESS MAGAZINE
NUEVAS FIGURAS SE SUMAN AL SALÓN DE LA FAMA EN 2015
Una nueva colección con decenas de instrumentos históricos
y emblemáticos, letras escritas a mano, y más, representadas
por The Five Royales, The Paul Butterfield Blues Band, Green
Day, Joan Jett and The Blackhearts, Lou Reed, Ringo Starr y
Stevie Ray Vaughan and Double Trouble.
THE MUSIC BUSINESS MAGAZINE
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H
ace más de 25 años, líderes en la industria de la música se unieron para establecer la Fundación del Salón de la Fama del Rock
and Roll en la ciudad de Nueva York para celebrar la música y rendir homenaje a los músicos que cambiaron el mundo. Una de las
muchas funciones de la Fundación es el reconocer las contribuciones
de aquellos que han tenido un impacto significativo en la evolución, desarrollo y
perpetuación del Rock and Roll y su ingreso en el Salón de la Fama. El Rock and Roll
Hall of Fame and Museum abrió sus puertas en 1995 a orillas del lago Erie en el centro
de Cleveland, Ohio. Su misión es mostrar a los visitantes, aficionados y estudiosos de
todo el mundo un poco de la historia y la continua importancia del Rock & Roll, llevando
a cabo esta misión a través de la operación de un museo de clase mundial que reúne,
conserva, exhibe e interpreta este arte a través de su biblioteca y archivos, así como sus
programas educativos. Funcionarios de Cleveland y el estado de Ohio se acercaron a la Fundación en el año 1985 y propusieron la construcción de un museo importante. “Originalmente
habíamos planeado comprar una casa de piedra rojiza en la ciudad de Nueva York para albergar
el Salón de la Fama, así como el archivo, biblioteca y museo”, dijo Suzan Evans. En noviembre, la
ciudad envió una delegación a Nueva York. “Tenían unos maravillosos diagramas para un museo
que sería mucho más grande que cualquier casa de la ciudad que hubiéramos pensado en un principio”, dijo Evans.
“Nuestras cejas se levantaron, y alguien en la reunión me de Soul Asylum. Townshend hizo
pasó una nota que decía:” Haz las maletas”. A medida que la una donación muy significativa para
Fundación consideraba esta oferta, varias ciudades, incluyendo el museo, en esta ocasión: Su clásico
Nueva York, Filadelfia, Nueva Orleans, San Francisco, Memphis “Pinball Wizard” y la guitarra Gibson
y Chicago, también mostraron sus propuestas. Los miembros J-200 que utilizó para componer Tomde la Junta visitaron cada ciudad y fueron recibidos con escol- my –considerada la primera ópera rock
ta policial, manifestaciones públicas y las bandas de música. La en la historia–. El 13 de octubre de 1994,
primera cena de inducción se celebró en Nueva York en el Hotel Yoko Ono donó una importante colección
Waldorf-Astoria en enero de 1986.
de objetos de John Lennon al Museo. La coAlgunos de los famosos que incluimos son: Chuck Be- lección incluye: letras (manuscritos), una de las
rry, James Brown, Ray Charles, Sam Cooke, Fats Domino, los guitarras que Lennon usó en el concierto 1965
Everly Brothers, Buddy Holly, Jerry Lee Lewis, Elvis Presley y de los Beatles en el Shea Stadium, un par de anLittle Richard . Robert Johnson, Jimmie Rodgers y Jimmy Yan- teojos y la chamarra de piel.
cey fueron honrados como primeras influencias. Los primeros
Por fin en septiembre de 1995 y después de
no-artistas homenajeados fueron el productor Sam Phillips y DJ una larga espera de 12 años en la construcción, el SaAlan Freed. The Talent Scout / productor John Hammond fue lón de la Fama y Museo del Rock and Roll se abrió con
reconocido con un premio a la Trayectoria.
un programa completo de eventos. En el primer día, el
La ciudad de Cleveland ocupó el primer lugar en una en- 1 de septiembre, la celebración comenzó con un desfile
cuesta pública realizada por EE.UU. Después de una larga eva- lúdico por las calles de Cleveland, seguido del “corte de lisluación y muchas visitas a sitios potenciales por miembros de tón”. La ceremonia fue presidida por Pei, Ertegun, Wenner,
la Fundación, Cleveland fue elegido como el hogar permanente Evans, el gobernador de Ohio, George Voinovich, el alcalde
para el Salón de la Fama y Museo del Rock and Roll en Mayo de de la ciudad de Cleveland, Michael White, Little Richard y
1986.
Yoko Ono, así como prensa de todo el mundo. El evento termiUna extensa búsqueda realizada en 1987, fue para elegir al nó con una gran cena de gala.
arquitecto que realizaría dicho proyecto, IM Pei fue convocado
El Museo abrió oficialmente al público el sábado 2 de
como la mejor alternativa. Pei tenía mucho que aprender. “Yo no septiembre, iniciando con una ceremonia de presentación en
sabía nada sobre este tipo de música”, confesó, y para no desani- la Sala de Exposiciones Ahmet Ertegun M., que es la principal
mar a los miembros de la Junta, realizó varios viajes a Memphis y sala del museo nombrado así en reconocimiento al fundador del
Nueva Orleans, además de Nueva York para escuchar conciertos Salón de la Fama del Rock and Roll. La velada culminó con un conde Rock & Roll. “Escuché mucha música, y finalmente lo conseguí: cierto a beneficio en el Estadio Municipal de Cleveland.
el Rock and Roll es energía”, dijo Pei. Y aceptó en definitiva el reto
En el salón de la fama se encuentra una larga lista de los grandes del
de diseñar el primer museo del mundo dedicado al Rock.
Rock and Roll, como Chuck Berry, Bob Dylan, Al Green, Jerry Lee Lewis,
El 7 de junio de 1993, el terreno estaba listo para el Museo en Aretha Franklin, Johnny Cash, The Pretenders, John Fogerty, Lou Reed,
Cleveland. En el evento de bienvenida estuvieron, por supuesto: Iggy Pop, George Clinton, los Kinks, John Mellencamp, Bruce SpringsIM Pei y varios miembros de la junta, incluyendo Ahmet Erte- teen, Booker T. y los MGs, Eric Burdon y Martha Reeves.
gun, Suzan Evans y Jann Wenner. A esta ceremonia asistieron
Pete Townshend, Chuck Berry, Billy Joel, Sam Phillips, Ruth
Brown, Sam Moore, de Sam y Dave, Carl Gardner y Dave Pirner * Simon & Garfunkel: Septiembre 19, 1981, Central Park, New York, NY (500,000)
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THE MUSIC BUSINESS MAGAZINE
“Paul Simon* obtuvo
el Récord Guiness
de asistencia a un
concierto en
Central Park,
N.Y. en´81”
THE MUSIC BUSINESS MAGAZINE
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Desde su apertura el Rock and Roll Hall
of Fame and Museum ha acogido a casi
ocho millones de visitantes de todo el mundo, llegando a más de 50,000 estudiantes y
maestros cada año a través de sus programas
de educación.
LA ARQUITECTURA
Este significativo edificio de 14,000 metros
cuadrados es la sede permanente del Salón
de la Fama del Rock and Roll de Cleveland,
Ohio, Estados Unidos. Y es precisamente
este inmueble el primer museo del mundo
dedicado al patrimonio vivo de la música en
el género del rock and roll. El museo cuenta
con exposiciones interactivas, espacios de
actuación íntimos y presenta una rotación de
artefactos y vestuario, igualmente muestra
de la colección permanente del museo. Las
exhibiciones muestran épocas específicas,
estilos e hitos que ponen de manifiesto las
múltiples facetas de la “roca” y la evolución
del “rollo”.
Diseñado por el internacionalmente reconocido arquitecto IM Pei, el edificio es una
declaración sorprendente de tecnología y
belleza, con instalaciones de última generación que se levantan a orillas del lago Erie. Es
una excelente composición volumétrica de
formas geométricas y de espacios en cantiliver dinámicos anclados a una torre de 50
metros, esta estructura soporta un volumen
doble de forma triangular que se extiende a
una plaza de 6,000 metros cuadrados, ofreciendo una espectacular fachada de la entrada principal.
El edificio alberga a más de 5,000 metros cuadrados de exposición, así como oficinas administrativas, la tienda del museo
y la cafetería.
De IM Pei (Pei, Cobb, Freed & Partners
de Nueva York), podría decirse que es uno
de los arquitectos más famosos del mundo,
algunas de sus obras son la Galería Nacional
de la Construcción de Arte Oriental en Washington, DC, la Biblioteca John F. Kennedy
en Boston, el Museo de Arte Moderno de Ate34
THE MUSIC BUSINESS MAGAZINE
nas, y la ampliación del Museo del Louvre en
París, entre muchos otros edificios en todo
el mundo.
“En el diseño de este edificio”, dice Pei,
“mi intención era hacer eco de la energía del
rock and roll. He utilizado conscientemente
un vocabulario arquitectónico que es audaz
y nuevo, y espero que el edificio se convierta
en un símbolo para la ciudad de Cleveland
y para los fanáticos del Rock and Roll en el
mundo”.
EDUCACIÓN
Los programas de educación se han convertido en algunos de los más reconocidos. La
música nos da un micrófono para hablar al
mundo. Y la música tiene el poder de atraer
a las nuevas generaciones de diversas nacionalidades y pueblos. Ahora, es fundamental
estudiar y comprender cómo la música está
cambiando nuestro mundo, así como el reflejo de ella. Desde eventos gratuitos y muy
variados programas, las alternativas y oportunidades educativas tanto para estudiantes
como profesores, son enormes.
1
2
1, 2. Exhibición de Paul Simon.
4
3
3. Ejecución de los alumnos.
4. Vestuario de Beyoncé.
5. Muestra permanente precursores del Soul y el R&B.
6. Fachada posterior del Salón dela Fama y
5
6
Museo del Rock and Roll, vista desde el lago Erie.
ROCK AND ROLL HALL OF FAME AND MUSEUM
1100 E 9th St,
Cleveland, OH 44114,
Estados Unidos
+1 216-781-7625
www.rockhall.com
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36
THE MUSIC BUSINESS MAGAZINE
Interview
El Desmadre
es una Cosa Seria
Un buen cotorreo y muchas netas con Alex Lora
Por RAFAEL PÉREZ IRAGORRI
Fotos GERMÁN PLASENCIA
“Inventamos una rola que habla de Ayotzinapa, se llama ‘Ya basta’.
Cuando estábamos en el ensayo, le dije a mi cuate que hace la página del Tri,
fílmate esto y la subimos a la página de Youtube,
en 2 días teníamos más de 1 millón de visitas”.
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¿QUÉ NO TE GUSTA QUE TE PREGUNTEN?
Como dice mi domadora: “estás cabrón, porque te pregunto una cosa y me contestas otra
pendejada”, no´mbre pregúntame lo que quieras de todas maneras te voy a contestar algo
que no tiene que nada que ver. Risas.
¿CUÁNDO TE DISTE CUENTA QUE HACER LO QUE TE GUSTA REPRESENTABA UN NEGOCIO?
Bueno, más que un negocio, es cuando vi que esta madre iba en serio. Esto fue Avándaro1,
porque yo había tocado en diversas tocadas, en el CUM2, en la IBERO3, en los frontones de la
Del Valle4, de la Narvarte4, en C.U.5; pero en Avándaro cuando vi ese mar de gente, y pensé:
“ah güey, si es cierto” y no tanto como negocio sino como un modo de vida, fue cuando
empecé a rocanrolear y ya no tenía que pedirle a mi mamá para que me alivianara para comprarme una guitarra sino que yo ya podría ahorrar y pagarla. Mi mamá siempre me dijo: “Que
bueno, pero te vas a morir de hambre, tu estudia y toca lo que quieras”. Aún así, yo sentía que
la música me llamaba. Cuando estábamos en la época de Three Souls in my Mind6, éramos
tres pendejos, hijitos de familia, si había o no había tocada, nos valía madre. En Avándaro yo
tenía 18 años, las bandas grandes como los Tequila7, alegaban que cómo era posible que les
fueran a pagar a todos parejo (por grupo 3,000 pesos) pero aquéllos eran doce cabrones, en
cambio a cada uno de nosotros nos tocaron 1,000 pesos, puta madre, estábamos de pelos.
Porque para esa época cuando tocábamos en el Salón Chicago, cobrábamos 2,500 o 3,000
pesos, y para nosotros era una tocada normal, nuestra lana estaba bien, pero para una banda
de 8 a 12 cabrones 3,000 pesos eran una mentada de madre. Y ahí nos fogueamos muchísimo, después de eso tocábamos en el Champagne a Go-Go, y tocábamos 4 tandas diarias,
entrábamos a las 8:00 de la noche y salíamos a las 4:00 de la mañana, en medio de estas tres
bandas. Estuvo muy cabrón, y nos aventamos 4 años así, y en medio de nosotros, tocaban
las estrellas Javier Batiz8, Peace and Love9, Búfalo10, Los domingos nos pasábamos al Kartier,
atrás de la Lotería Nacional. Entonces íbamos a tocar al Herradero y al Salón Maya, y a veces
hacíamos hasta 5 tocadas, pero no era como ahora, que hay ensayos, montaje de equipo,
ingeniero de audio, antes llegábamos como Dios nos daba a entender, en un Súper Reverb11
conectábamos las guitarras, no se microfoneaba la batería, y chingue a su madre como sea,
había las columnas Kustom12 y ahí iban las voces.
A cada quien nos pagaban 250 pesos diarios, y era un dineral. En una semana juntábamos más de 1,500 pesos. Una Fender chingona, una Strato13 costaba unos 800 pesos, en fin,
tocábamos en los Hoyos Funkys14, cuantas veces se podía... y nos iba de poca madre.
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DESDE ENTONCES ¿NO HAS PARADO?
Desde el 12 de octubre del 68, fue mi primera tocada, precisamente el día que arrancaron los Juegos Olímpicos en México, justo
el día de la Raza Rocanrolera, eso fue 10 días
después de la matanza de Tlatelolco.
Ahora hay mucho más apertura de los medios de comunicación, ahora te das cuenta
de muchas más cosas, en aquél entonces no.
¿ERA UNA REPRESIÓN EN TODOS LOS
SENTIDOS?
Sí, había mucha represión para las tocadas.
Todo lo que se roban y todas las chingaderas
que hacía el gobierno antes, son las mismas
que ahora, lo que pasa que antes no nos
enterábamos, pero las tranzas siempre han
sido las mismas.
1. Avándaro. Festival Rock y Ruedas Avándaro, realizado el 11 y 12 de septiembre
de 1971 en Avándaro, a 5 km. de Valle de Bravo, Estado de México. Three Souls in
my Mind fue el grupo que cerró el concierto.
2. CUM. Siglas del Centro Universitario México, colegio privado en la ciudad de
México.
3. IBERO. Nombre con el que se le conoce a la Universidad Iberoamericana.
4. Del Valle, Narvarte. Colonias en la ciudad de México.
5. C.U. Ciudad Universitaria, en la ciudad de México.
6. Three Souls in my Mind. Tres Almas en mi Mente, en español, nombre del
grupo original formado por Carlos Hauptvogel, Guillermo Berea y Alejandro Lora.
1968-1983,
7. Tequila. Banda mexicana de los años 70, fundada por Francisco Kiko Rodríguez,
formada por nueve elementos.
8. Javier Batiz. Nacido en Tijuana, Baja California, el 3 de junio de 1944, es un
guitarrista mexicano, precursor del rock en México y maestro de Carlos Santana.
9. Peace and Love. Agrupación originaria de Tijuana, Baja California, una de las
primeras en incorporar metales y percusiones a su música, logrando un sonido
latino muy original y distintivo. En 1971 participaron en el festival de Avándaro los
¿QUÉ ES LO QUE MÁS TE GUSTA DE SER
UN ÍDOLO?
Nunca me he considerado como tal.
AUNQUE TODO EL MUNDO TE LO DICE,
¿NO?
Yo creo que es por el valemadrismo que
siempre he tenido hacia esas cosas.
A la raza le gusta este güey porque le vale
madre todo.
Pero yo la verdad nunca me he considerado así, porque cuando tu te empiezas a tomar muy en serio a ti mismo… ¡qué hueva! y
que hueva para la gente también.
Sería pésimo pensar, qué guapo soy, qué
chingón toco, cómo me quiere la banda;
pero así te aguanto dos rolas o una y media.
Es curioso porque una vez me encontré
asistentes corearon sus canciones “Tenemos el poder” y “Mariguana”.
10. Búffalo. Banda mexicana de rock.
11. Super Reverb. Amplificador para guitarra eléctrica fabricado por Fender. Fue
introducido en 1963 y se suspendió la producción en 1982. Este fue un amplificador
con una función de reverberación y “vibrato” (en realidad tremolo).
12.Kustom. Marca comercial de Ross, Inc., una empresa fundada en 1964 por
Charles “Bud” A. Ross en Chanute, Kansas. El principal factor de venta de amplificadores Kustom era su aspecto único. Ross, Inc. fue el primero en producir amplificadores en masa con cubiertas similares a las de la tapicería de los automóviles
tan populares en ese momento. Los amplificadores se destacaron por los circuitos
de estado sólido (circuitos integrados) en lugar de los diseñados en tubos de vacío
(bulbos), comunes en la década de 1960.
13.- Strato. Se refiere a una guitarra (ahora una clásica) de la marca Fender Stratocaster, también conocida como Strat, es un modelo de guitarra eléctrica diseñada
por Leo Fender en 1954, sigue produciendo hasta la fecha.
14.- Hoyos Funkys. Eran en los 60 lugares de reunión “clandestinos” para tocadas
de Rock mexicano, entre los cuales se encontraban: El Kartier, Salón Chicago, El
Herradero, Siempre lo mismo, y Petunias, entre otros.
en Teotihuacán, llaveritos con mi cara, pero eso me da más bien risa.
TÚ TIENES ESA GRAN IDENTIFICACIÓN CON EL PÚBLICO, TÚ HACES LO QUE TE GUSTA
HACER, QUE ES COMUNICAR Y SER LA VOZ DE ESTE PUEBLO.
¿CUÁL ES EL PRECIO QUE HAS TENIDO QUE PAGAR PARA MANTENERTE VIGENTE Y EN LA
CIMA DE LA POPULARIDAD?
Yo creo que el valerme madre y estar en contacto con la raza le da vigencia a mis rolas, ya
que también se van adaptando al momento que estamos viviendo.
¿VAS MODIFICANDO LA LETRA?
Por ejemplo, cuando compuse “Nuestros impuestos están trabajando”, decía: “La familia de
Echeverría, a un gran viaje se piró, doña Esther y su marido se fueron a dar un rol”, y esta rola
ha cambiado en cada sexenio, ahora dice “ La familia Peña Nieto vive en una gran mansión, la
gaviota y su camote, tienen un pinche caserón, nuestros impuestos están trabajando”.
ME PARECE QUE NO HAY NADIE QUE HAYA COMPUESTO ROLAS QUE SE VAYAN ACTUALIZANDO CADA SEXENIO.
“Abuso de Autoridad” decía: “Ya las tocadas de Rock ya nos las quieren quitar, ya va poder
tocar el hijo de Díaz Ordaz”, en aquella época Alfredo hizo su disco y andaba tocando en
todos lados y pues ni modo que le pararan la tocada, si era el hijo del preciso, y nosotros pensábamos que sólo podría tocar ese cabrón, y nosotros no. Esa rola también se ha actualizado,
ahora dice: “Ya las tocadas nos las quieren quitar, ahora sólo podrán tocar los hijos de Telerisa”.
¿QUÉ ABORRECES DE TI MISMO, HAY ALGO QUE DE PLANO ALUCINAS DE TI?
Sí, que soy muy torpe y aferrado.
¿ERES NECIO?
Sí
PERO ESO TE HA DADO EL ÉXITO TAMBIÉN, POR AFERRARTE EN COMUNICAR A TRAVÉS
DE TU MÚSICA. ESO PARECERÍA ALGO MUY NEGATIVO, PERO EN TI RESULTÓ MUY
POSITIVO.
Si, soy bastante necio y cerrado…
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“Álex es el único rockero que ha sabido
adaptar el género a nuestro idioma”
– MIGUEL RÍOS
¿VALE LA PENA LAS CHINGAS QUE TE METES PARA ESTAR EN
LOS ESCENARIOS?
Ah sí, claro!
Los viajes son muy culeros y cansadísimos, pero al momento de estar
con la banda y rocanroleando, ahí se te olvida todo.
¿TERMINAS EL CONCIERTO Y DICES: “VALIÓ LA PENA”?
Estar en el escenario, es vivir y vibrar, es ese momento increíble de
catarsis.
Y ¿NO HA PERDIDO EL ENCANTO PARA TI?
No, es como te decía, yo en el momento que dejara de sentir la
prendidez, la alegría y el valemadrismo, que siento en este momento
al estar haciendo un show, te diría: “sí, ahí está el arpa, pero yo ya no
la toco”, para qué chingados, si no me prendiera, la verdad ya no lo
haría.
¿QUÉ ESTRATEGIAS HAS DESARROLLADO EN LA EMPRESA ALEX
LORA?
Pues yo no he desarrollado nada, mi domadora es quien ha desarrollado todo esto, yo sólo subo al escenario, grito y digo pendejadas.
BUENO, EL TRABAJO DE CHELA HA SIDO FUNDAMENTAL EN
TODO ESTO.
Sí, lo más grueso de este negocio es la coordinación de los eventos,
las fechas, horarios, el staff, los músicos, el transporte, el hospedaje, el
acomodo de los músicos en las habitaciones, los viáticos, a qué hora
se realiza el montaje, a qué hora es el ensayo, a qué hora se come,
etc. Justo ayer le preguntaba a mi domadora: “¿A que hora va a ser
el pedo mañana?” (o sea el ensayo que tuvimos hoy) y me dijo: “ a la
1:00, no te preocupes, tu no´más agarras la lira y cantas.”
¿SIGUES SONANDO COMO EL TRI, QUE ES TU MARCA
REGISTRADA?
Sí efectivamente, es mi marca registrada bajo todos los rubros.
ÁLEX LORA
José Alejandro Lora Serna (n. Puebla de Zaragoza, 2 de diciembre de 1952), mejor conocido como Álex Lora, es un cantautor
mexicano y vocalista de la banda de rock y blues El Tri.
Álex Lora es hijo de Eloísa Serna. A finales de los años 1960
formó el grupo llamado Three Souls in My Mind en el que interpretaban covers y canciones en inglés de su autoría, lo cual era
común por considerarlo el “lenguaje del Rock”. Durante aquella
época grabaron dos álbumes. En 1971 la banda participó en el
Festival de Rock y Ruedas de Avándaro.
Hacia el año 1973, el grupo tomó la iniciativa de grabar un
álbum con canciones inéditas, donde el lenguaje coloquial
predominaba y los temas eran un grito exigente de libertad en
varios sentidos de la juventud de la época hacia los padres o el
gobierno en turno, que dio como resultado una excelente comunicación del grupo con el público. Esto abrió paso para que otras
bandas mexicanas los imitaran.
Debido a lo irreverentes que eran las letras de sus canciones,
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¿Y CON EL FUTBOL?
¡Qué pinche vergüenza para la familia!
PERO TODO MUNDO SE ACUERDA DE TI.
Pues sí, cabrón, ¿entonces va jugar el Tri o va a cantar? Ja, ja.
¿ES IMPORTANTE LA LANA?
Para poder seguir adelante sí, cuando tienes que hacer tu producción
y todo, claro.
Como decirte, a veces me invitan a que yo vaya a algo, pero si cae en
el día que hay una tocada, a mi banda no le va a caer nada en gracia,
que yo ande de mamón inaugurando una chingadera, y que por eso
ellos no tengan su lana de la tocada.
Antes, cuando empezábamos, no importaba tanto la lana, éramos
hijos de familia, nos encantaba tocar, y aunque nos pagaran con unas
caguamas, éramos felices, pero ahorita no, si alguien quiere hacer
algo con El Tri, debe ponerse de acuerdo con mi domadora.
¿CUÁNTA GENTE COMPONE ESTA EMPRESA?
Para una tocada, entre 20 y 24. Coordinar a todos estos, es un pedo.
Aunque también hemos hecho muchos jales altruistas para ayudar a
chavitos, discapacitados, y ahí todos deben estar conscientes de que
un evento así es para dar y no habrá lana, ya sabiendo eso todos se
solidarizan.
¿CUÁL ES LA PRIORIDAD EN TU VIDA HOY?
Seguir adelante, rocanrolear, tratar de comunicar cada día más directamente el sentir de la raza en mis rolas.
¿CÓMO VOCERO?
Cantar lo que la raza quiere decir. Inventamos una rola que habla de
Ayotzinapa, se llama “Ya basta”, entonces cuando estábamos en el
ensayo, le dije a mi cuate que hace la página del Tri, fílmate esto y
la subimos a la página de youtube, en 2 días teníamos ya más de 1
millón de visitas.
En las tocadas, la banda la reconoce y la corea, la rola dice: “Hasta
a éste y otros conjuntos con las mismas tendencias, no les fue
permitido presentarse en los medios de comunicación masiva,
pero sus grabaciones y presentaciones en vivo –sobre todo en
los conocidos hoyos funkie–, fueron muy bien aceptadas.
No obstante, la banda decide separarse en1984, Lora pierde
los derechos del nombre origina Three Souls in my Mind. Esto
motivó a que Lora formara otra banda, la cual bautizó como
“El Tri”, abreviatura con la que era más conocido el grupo y que
curiosamente se relacionaba como antítesis de (El PRI, Partido
Revolucionario Institucional, que siempre había estado en el
poder) y con (EL TRI-COLOR, lo mexicano, los tres colores del
lábaro patrio y la selección mexicana de futbol). Lo cual resultó
todo un éxito de recordación, y magníficos resultados en “marketing-branding”.
Álex celebró sus treinta años de carrera artística con dos presentaciones junto a Three Souls in my Mind y El Tri en el Auditorio
Nacional, acompañado por la Sinfónica FM y otros músicos que
lo habían acompañado en su carrera como Lalo Toral, Zbigniew
Paleta y Felipa Souza. En septiembre de 2005, ante cientos de
mexicanos, develó una estatua con su imagen en la ciudad de
Los Ángeles. También en 2008, Álex Lora y El Tri festejaron su
Cuadragésimo Quinto Aniversario de carrera musical, con una
edición especial que incluye un video documental, dos CD´s y un
libro a todo color que incluye realidad aumentada.
Lora ha recibido varios reconocimientos a su trayectoria: Medalla
Palamas Musicales Eduardo Márquez Tallado, Medalla Florida
del Inca, Garcilaso de la Vega (Perú), LA Estrella Álex Lora en el
MGM de Las Vegas, Nevada, EE.UU., Reconocimiento especial de
la Asamblea Legislativa del Distrito Federal IV Legislatura, Ariel al
Mejor Tema Musical para una Película. Cuenta con tres estatuas:
En Los Angeles, CA., en Guadalajara, Jal. y en el Museo de Cera
de la Ciudad de México.
Con El Tri, abrió dos conciertos a los Rolling Stones en el Foro
Sol del D.F.
Casado con Chela (su domadora y manager), tienen una hija,
Celia Lora.
cuándo va a continuar esta masacre, hasta cuándo van a seguir
derramando sangre“, es increíble, la banda ya se la sabe.
Y sí, me han comentado que de todas las figuras que están ahí, el
que más se parece soy yo, no mames… soy un muppet.
¿LLEGASTE A LA META DE TU VIDA PROFESIONAL
COMO MÚSICO?
Pues mira, yo siempre le pedía a la virgencita que me diera la oportunidad de ser rocanrolero, de poder dedicarme por completo a la
música, y vivir para rocanrolear y que fuera mi profesión. Lo que le
pedí a la virgen me lo concedió.
¿PLANES, FUTURO?
Me han propuesto que haga una película del Tri y la chingada, pero
ahorita ya está el documental de casi 3 horas en donde vienen muchas escenas del Tri en Ávandaro, en el extranjero, tocadas en toda
la república, testimonios de los clubes de fans “Hasta que el cuerpo
aguante” y el de “Los esclavos del rocanrol”, hay también comentarios
de los mismos miembros de la banda. Y es que esta recopilación
fue un regalo que nos dimos a nosotros mismos, el álbum doble, el
documental y el libro, que además incluye una realidad aumentada.
Este material lo presentamos en una tocada que dimos en San Vicente Chicoloapan, a beneficio de los damnificados de Baja California
afectados por el Huracán Odile, ahí aprovechamos para hacer la
presentación de esta recopilación de 46 años de trabajo.
¿QUÉ CONSIDERAS QUE LES FALTA A LOS MÚSICOS EN MÉXICO?
¡No, nada!
O SEA QUE ¿TENEMOS EN MÉXICO TODO EL TALENTO Y LOS
ELEMENTOS PARA LLEGAR A SER LO QUE SE QUIERA?
No es que les falte algo, pero yo les recomendaría que traten de plasmar en su música el sentir de su raza, si logran que su música diga lo
que la raza siente, no necesitan tocar muy chingón.
¿EXISTEN HEREDEROS DE ALEX LORA, MUSICALMENTE HABLANDO?
Siempre viene atrás alguien más cabrón que tú, ahorita no lo he visto,
pero ahí viene, ahí viene….
¿QUÉ SUEÑOS TIENES POR CUMPLIR?
Seguir rocanroleando y divertirme, si tú te diviertes, y lo disfrutas, la
raza se divierte y lo disfruta. Para mi, mientras tenga salud y la energía para poderlo hacer, lo seguiré haciendo con todo gusto.
¿CÓMO TE SIENTES CON TU FIGURA EN EL MUSEO DE CERA DE
LA CIUDAD DE MÉXICO?
Todos están de acuerdo que es la que más se parece. Cuando fue la
presentación, el maestro Jaime Almeida, hizo una introducción con
puros nombres de mis rolas, fue algo muy chido. Yo estaba escondido detrás de una cortinita, ahí estábamos el mono y yo con la misma
ropa y la misma lira, y entonces cuando Jaime termina de decir sus
palabras, se abren las cortinas, y yo me encuentro parado junto al
mono, toda la banda se quedó pendeja, - “¡no mames!”- dijeron,
“¿cuál es el mono y cuál es el chango?” Ja, ja. Primero me aguanté,
pero luego me empecé a cagar de risa…
¿ES LO QUE PENSABAS CUANDO COMENZÓ TU CARRERA?
No, cuando comencé a rocanrolear, no dije: “voy a rocanrolear 46
años”, ni pensé que iban a poner mi estatua en Guadalajara, ni en Los
Ángeles, California, ni que iban a hacer mi figura para el Museo de
Cera, ni que me otorgarían el Grammy por la excelencia musical, ni
que iba a grabar 46 discos, simplemente dije: “Me vale madre todo y
que viva en rocanrol”, y es lo que sigo diciendo hasta la fecha.
¿CUÁNDO PARARÁ ESO?
Mientras lo pueda seguir haciendo y la raza lo disfrute como yo, ¿por
qué habría de parar?, cuando no hubiera nada que comunicar, y ya
no hubiera nada por que denunciar, cuando la raza esté contenta
con su nivel de vida, ideal, existencial, económico, qué caso tendría
cantar las rolas que les canto, ¿verdad?. Qué caso tendría que yo
saliera al escenario y les dijera: “chingue su madre el gobierno” o
“pinches diputados culeros”.
¿ENTONCES TENDREMOS ÁLEX LORA PARA RATO?
Pues sí.
“Álex es un símbolo de libertad, de rebeldía,
de justicia, de amor, es todo”
– CHELA LORA
No quiero atosigarlos con una TRISTE CANCIÓN DE AMOR, pero soy un CHILANGO
INCOMPRENDIDO, bueno, hasta MI CHAVA NO ME COMPRENDE.
Siempre he sido EL NIÑO SIN AMOR, pero es que con esta MENTE ROCKERA, ¡OYE CANTINERO,
TODO ME SALE MAL! ¡Qué DIFÍCIL es vivir en este MALDITO SISTEMA!
Soy un POBRE SOÑADOR. Siento que soy una de LAS PIEDRAS RODANTES que Dios puso
en LIBERTAD BAJO FIANZA en este mundo, para ver si me arrojaba a las vías del
METRO BALDERAS o me dejaba atropellar por un A.D.O.
En vez de ir al psiquiatra le pedí consejo a la VIRGEN MORENA, Y esto fue lo que me dijo:
Si quieres ser EL REY, NUNCA DIGAS QUE NO. Sigue COTORREANDO CON LA BANDA,
HASTA QUE EL CUERPO AGUANTE. Y al terminar tus oraciones, quiero que mires al cielo
y con devoción alces tu voz para proclamar: ¡QUE VIVA EL ROCANROL...!
– JAIME ALMEIDA, en la presentación y develación de la figura de Álex Lora,
en el Museo de Cera de la Ciudad de México, 2013.
THE MUSIC BUSINESS MAGAZINE
41
Innovación
M.A.D. Gallery
Suiza
La “BIRDFISH” una guitarra eléctrica modular
diseñada por Ulrich Teuffel
Por RAFAEL P. IRAGORRI
Fotografías MB&F
http://www.mbandf.com/mad-gallery/
42
THE MUSIC BUSINESS MAGAZINE
La línea Prodigy fue creada en 2008 cuando el Sr. Teuffel desarrolló una línea de instrumentos de lujo a la par de los modelos clásicos. Esas lujosas guitarras se diferencian del
resto de los modelos de la serie en la selección de los tonos de las maderas, las placas
de metales finos, las pastillas, los materiales
y los acabados. Por último, están producidos
únicamente en piezas limitadas.
“Un clavijero hubiera sido solamente un
atributo decorativo,” dice Ulrich sobre su decisión de proveer al birdfish con un cuello
sin cabeza. “Todo lo que no era esencial en la
forma podía ser una desventaja en la función,
así que deliberadamente dejé fuera el clavijero.”
ULRICH TEUFFEL
Ulrich Teuffel nació en Kitzingen, Alemania en 1965.
La inventiva y el bicho creativo le mordieron a tem-
L
a Galería M.A.D. se complace en presentar el 'Rhodium Birdfish' (Pájaro-pez de
rodio) de Ulrich Teuffel, una guitarra eléctrica modular, delicadamente fabricada a
mano y compuesta por un cuerpo de dos piezas en aluminio; barras de afinación
intercambiables en madera; diapasón en madera de maple y pastillas deslizables
que pueden ser cambiadas en cuestión de segundos.
Trabajando solo en su taller de Bavaria, Ulrich elabora casi todos los componentes de la
guitarra a mano. Disfruta cada paso del proceso el cual toma muchísimo tiempo, —motivo por
el cual produce sólo diez guitarras birdfish al año—.
El Birdfish atrae la mirada. Su apariencia poco ortodoxa le hace ver como una guitarra
de la era espacial; pero si ves más de cerca no te puedes perder todos los elementos de una
guitarra eléctrica clásica. “Sólo uso materiales clásicos,” dice Ulrich. “No hay nada de tecnología de
vanguardia ahí, simplemente redefino la forma.”
Para hacer Birdfish, Ulrich combinó su experiencia como un luthier profesional con el conocimiento adquirido de sus estudios en diseño industrial.
“Mi meta era crear una guitarra extremadamente versátil al dividirla en sus componentes básicos,”
dice Ulrich. “Intenté llevar la idea de un legendario fabricante de guitarras, la guitarra modular de
Leo Fender al siguiente nivel —quería hacer los módulos fácilmente intercambiables y dar así al
guitarrista opciones con piezas que sonaran diferente—. También estaba interesado en un diseño
ergonómico ya que el instrumento se carga, se siente y se toca. Debía tener una interacción con el
cuerpo del músico.”
Esta guitarra obtiene su nombre de dos elementos centrales —el ‘pájaro‘ y el ‘pez’— ambos tallados de un bloque sólido de aluminio acústicamente óptimo. Las barras de afinación, pastillas
y el mástil están todos sujetos al ‘pájaro’ y al ‘pez’ mientras que la unidad de control —switch de 5
posiciones, como una guitarra clásica de los 50 —. forma la cabeza del ‘pájaro’.
prana edad, cuando contaba con 14 años comenzó a
construir guitarras. Después de la preparatoria hizo
estudios en metalurgia con automotrices alemanas,
entre ellas Mercedes-Benz. Estudió diseño industrial
e historia del arte, ¡aunque nunca se tituló! Y no es
extraño… en vez de estudiar pasaba todo el tiempo
construyendo guitarras eléctricas y acústicas, de forma
autodidacta. Por ejemplo, al leer un libro de diseño de
guitarras escrito por Donald Brosnac, Ulrich fue hipnotizado por las creaciones del diseñador de guitarras
Steve Klein lo cual le inspiró a construir su propia guitarra acústica tipo de lui.
Pero a Ulrich le cansó construir guitarras tradicionales y comenzó a buscar un reto mayor. A los 30,
se inscribió en un curso de cuatro años de diseño industrial en la Universidad Karlsruhe de Arte y Diseño
donde desarrolló un enfoque completamente nuevo
hacia su trabajo como fabricante de guitarras. Ulrich
no estaba seguro si el mercado alemán de instrumentos estará listo para recibir su radical concepto de fabricación de guitarras pero tenía fe en que sus diseños
serían aceptados internacionalmente.
THE MUSIC BUSINESS MAGAZINE
43
XI Entrega Anual
Premios
ARPA
2015
El mayor reconocimiento a la música cristiana
MAURICIO SCOTT
LOS PREMIOS ARPA RECONOCEN EL MÉRITO ARTÍSTICO O TÉCNICO, NO
ASÍ LAS VENTAS O LA POPULARIDAD. LOS GANADORES SON DETERMINADOS POR LOS VOTOS DE SUS PROPIOS COLEGAS CRISTIANOS QUIENES
SON A SU VEZ MIEMBROS CALIFICADOS DE LA ANMAC
E
l objetivo de los Premios ARPA es reconocer la
excelencia y atraer la atención del mundo a la
música cristiana y al mensaje de salvación de
Jesucristo.
A través de la participación activa de sus
miembros, se asegura que los programas y las actividades de la Academia sean relevantes para la comunidad y
al mismo tiempo se garantiza la integridad del proceso
de premiación como un reconocimiento al mérito que
celebra la excelencia de la música cristiana en español.
Estas iniciativas incluyen seminarios, conferencias, mesas
redondas, debates, publicaciones, apoyos e investigaciones, y todo aquello que sirva para difundir, promover y
mejorar la calidad de la música cristiana de habla hispana.
44
THE MUSIC BUSINESS MAGAZINE
EL PREMIO ARPA
Es una pequeña escultura forjada en bronce, con un
peso de 1.5 kilogramos y una altura de 33 centímetros,
diseñada en forma de arpa conjuntando una nota musical. El Premio ARPA es el reconocimiento más importante
que otorga la comunidad musical cristiana latina al mérito y la excelencia técnica, artística y creativa a través de
La ANMAC.
ARPA es el acrónimo Agradecimiento a la Respuesta
Profesional de un Adorado. El Premio ARPA es un reconocimiento entre colegas al esfuerzo y la calidad plasmada
en un fonograma o medio audiovisual, a todos quienes
representan los logros y sirven de ejemplo e inspiración
para mejorar e impulsar la música cristiana en español.
Es sobre todo, una forma de atraer la atención del mundo al mensaje de salvación del
Señor Jesucristo. El Premio ARPA® se otorga en base a las inscripciones de los miembros y las
compañías discográficas cristianas y a los votos de los miembros activos de la academia.
Cada año se celebra la Entrega de los Premios Arpa en un magno acontecimiento lleno
de música y color que reúne, como ningún otro evento en su clase, a los más grandes y reconocidos exponentes de la música cristiana contemporánea junto a los nuevos valores en
un montaje escénico y artístico de excepción convirtiendo a los Premios Arpa en el suceso
musical cristiano anual con mayor prestigio y cobertura al ser el único que se transmite por
televisión, radio e Internet a nivel transcontinental, a una audiencia que supera los 80 millones
de espectadores.
MEMBRESÍAS
Todos los profesionales de la música cristiana
de habla hispana pueden ser miembros de
La Academia Nacional de la Música y las Artes
Cristianas.
Los miembros de la Academia, a través de
su participación activa, son quienes aseguran
que los programas y labores de la Academia
sean vigentes y relevantes para la comunidad
musical cristiana.
Ellos también son los responsables a través
de sus inscripciones y de su voto de la integridad del proceso de premiación, para que sean
un reconocimiento basado en mérito y no en
ventas ni posición en listas de popularidad.
Son los Miembros Profesionales de la Academia quienes deciden con su voto a los ganadores del Premio Arpa cada año.
Los Miembros de la Academia reciben
anualmente las planillas para inscribir las producciones que consideran deben ser reconocidas por su calidad técnica y artística en la edición anual de los Premios Arpa.
A través de un Proceso de Votación, en
el cual sólo los Miembros Profesionales de la
Academia tienen derecho a voto se define a
los ganadores del Premio Arpa en las distintas
categorías.
Cualquier individuo puede afiliarse a La
Academia Nacional de la Música y las Artes
Cristianas® si es un profesional creativo o técnico cristiano que tenga créditos en al menos
dos fonográmas en un álbum (o su equivalente) grabado en español y distribuido comercialmente en América Latina o Estados Unidos.
Califican aquellas personas que han participado técnica o creativamente.
La membresía profesional incluye a: Vocalistas, Productores Artísticos, Compositores, Ingenieros, Escritores, Instrumentalistas, Arreglistas, Directores de arte, Redactores, Narradores,
Locutores, Diseñadores Gráficos, Fotógrafos,
Técnicos y Artistas de Video Musical y Cine.
THE MUSIC BUSINESS MAGAZINE
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GANADORES DEL PREMIO ARPA 2015
1. CANCIÓN DEL AÑO
ALABEMOS / Marcos Witt / Canzion
2. COMPOSITOR DEL AÑO
EMMANUEL & LINDA / REYVOL / Ti gracia
3. MEJOR ÁLBUM VOCAL MASCULINO
LA CARTA PERFECTA / Danilo Montero / Integrity Music
4. MEJOR ÁLBUM VOCAL FEMENINO
MI TODO / Damaris Guerra / Fe y Obra Music
5: MEJOR ÁLBUM DE GRUPO O DUO
TAN REAL / Heler / Sonic Ranch Records
1.
6: ÁLBUM DE ROCK / ROCK DURO
INDUDABLEMENTE / Rescate / Canzion
7. MEJOR ÁLBUM URBANO
INTIMIDAD 911 / Travy Joe / Canzion
8. LANZAMIENTO DEL AÑO
CAMBIAR AL MUNDO / Kerwin Márquez / Indie
9. PRODUCTOR DEL AÑO
DANILO MONTERO / COALO ZAMORANO / INTEGRITY MUSIC
La carta perfecta
10. ÁLBUM DEL AÑO
LA CARTA PERFECTA / Danilo Montero / Zamorano-Soto-Martinez-Santos / Integrity Music
11. ÁLBUM INSTRUMENTAL / CORAL
REFLEXIONES DE NAVIDAD 2 / German Galdames / Indie
2.
12. ÁLBUM DE MÚSICA REGIONAL O TROPICAL
SALSA SIN LÍMITES / Bobby Cruz / Cruz-Arvelo / Salsa Factory
13. MEJOR ÁLBUM INFANTIL
EN BUSCA DEL GOZO PERDIDO / Súper Pollo / Súper Pollo Castillos del Rey
14. MEJOR DISEÑO DE PORTADA
DEJA DE LLORAR / Jair Lomeli / Cristopher Ruiz / Cuartito Records
15. MEJOR VIDEO MUSICAL
REY VENCEDOR / Lucia Parker / Redimi2 / RGM Newbreed
16. MEJOR DVD
NO REPRESENTATIVA
3.
17. ÁLBUM POP / FUSIÓN
CONFESIONES DE UN CORAZÓN AGRADECIDO / Coalo Zamorano / Canzion
18. ALBUM DE MÚSICA ALTERNATIVA
SOMOS LA REVOLUCIÓN / Revolución / Indie
19. MEJOR ÁLBUM EN VIVO
LA CARTA PERFECTA / Danilo Montero / Zamorano-Soto-Martinez-Santos / Integrity Music
20. MEJOR ÁLBUM INDEPENDIENTE
PERFUME DE TU GLORIA / Richard Martínez / Indie
21. MEJOR ÁLBUM DE CANTAUTOR
PEREGRINO / Miguel Balboa / Sonic Ranch Records
22. MEJOR CANCIÓN EN PARTICIPACION
TU VIVES EN MÍ / Manolo Estrada Feat Ingrid Rosario / Me Studio
4.
46
THE MUSIC BUSINESS MAGAZINE
ESPACIO
RESERVADO
PARA
TU
ANUNCIO
¡LLAMA YA!
55) 3662 1491
Nuevos Talentos
Lienzo en Blanco
Segundo disco de Irina Indigo
Irina es una extraordinaria y carismática cantautora venezolana radicada en México,
nos platica sobre su pasión y como ha ido logrando sus objetivos…
Por SOFÍA PRISCILA PÉREZ VALLE
PRIMERA PARTE
¿DE DÓNDE NACE EL IMPULSO DE ESCRIBIR CANCIONES?
otros pensando “Dios mío qué desastre ya quiero que esto se acabe!”
Pero lo más importante es que fue aquí en México donde “aterricé”
el género musical al que finalmente estaría orientada mi música, el
Pop latino.
Escribir canciones, así como poemas, prosas, simples líneas “sin sentido”, es una actividad íntima que la mayoría de las personas que conozco alguna vez ha necesitado hacer. Pienso que crear es un impulso natural de todos los seres humanos como parte de una necesidad
de plasmar aunque sea algo de esa infinidad de cosas que llevamos
dentro. Además de que es algo ¡súper terapéutico! Todos tenemos
el talento de crear. La cosa es identificar para qué tipo de creación
somos buenos. Recuerdo que bajo ese impulso natural escribí mi
primera canción. Estando sola con tiempo libre, como a los 15 años.
¿POP LATINO COMO EL NOMBRE DE TU PRIMER DISCO?
¿CÓMO RECUERDAS LA EXPERIENCIA DE ESAS PRIMERAS
CREACIONES MUSICALES?
Es el nombre de la última canción del disco la cual habla de uno de
los aprendizajes más recientes que he tenido. Y digo aprendizaje real,
que es ese que va más allá de entender algo con la cabeza, es aquel
que se integra en tu percepción.
Bueno, pienso que lo más difícil de un acto creativo no es la creación
en sí, sino la exposición ante los demás. Atreverme a cantar esa primera canción frente a una persona (distinta a mi mamá) fue el mayor
reto. Para mi una de las palabras claves en esta carrera y en la vida,
es el “atrevimiento”.
ATREVERTE A SALIR DE TU PAÍS Y COMENZAR DE CERO
EN OTRO, ES ALGO QUE NO CUALQUIER PERSONA PUEDE
HACER. ¿QUÉ TAL ESA EXPERIENCIA?
Sumamente enriquecedora. Esos son los momentos en donde cursé
un intensivo forzoso de conocerme a mí misma.
Aunque “empezar de cero” nunca es exactamente así, y eso es un
alivio. Lo que tienes ya aprendido o vivenciado te ayuda en cualquier
lugar al que decidas irte. Por eso es importante vivir construyéndote cada día. Muchas de las cosas que edifiqué dentro de mi nunca
se han perdido, afortunadamente. El principio fue difícil como todo.
Pero todas las dificultades de esa primera etapa las recuerdo con
todo el cariño del mundo.
¿CÓMO HA SIDO TU CRECIMIENTO MUSICAL EN MÉXICO,
EL CAMINO, EL PROCESO…?
Desde haber estado cantando canciones que odiaba en bares donde nadie me ponía atención, hasta haber estado tocando mi guitarra
y mi teclado en el escenario del Auditorio Nacional con Armando
Manzanero al lado. Desde estar en ciertos escenarios pensando “Dios
mío qué bonito momento, que bien está sonando”, como estar en
48
THE MUSIC BUSINESS MAGAZINE
Así es, pero ahora estás promocionando tu segundo material que se
titula Lienzo En Blanco.
¿CÓMO DECIDISTE EL TÍTULO DEL ÁLBUM?
¿NOS LO COMPARTES?
Durante toda mi vida me peleé con la existencia, con la maldad, la
crueldad, las guerras y tanta injusticia en el mundo.
Y fue hasta hace muy poco que comprendí que no tiene mucho
sentido sufrir y cuestionarse la existencia de esos males, porque esa
polaridad (el bien y el mal, la luz y la oscuridad) es precisamente lo
que caracteriza esta dimensión en la que vivimos. Nosotros mismos
somos internamente tanto luz como sombra.
Lo bueno es que siempre tenemos la libertad de escoger a qué
lado pertenecer.
www.irinaindigo.com
Twitter: @irinaindigo21
Instagram: @irinaindigo21
Facebook: irinaindigo21
YouTube: indigomx
El segundo tipo de inspiración es simplemente sentir y tener las ganas de escribir, sin
ninguna emoción que lo detone. Estas ganas
pueden ser motivadas por escuchar grandes
canciones de otros artistas, ir a un concierto
y sentir como público una reacción del corazón ante ese estímulo que estoy escuchando,
conocer una historia personal atractiva para
escribir algo en torno a eso…
Pero volviendo al tema de la creación en
sí, es una sensación deliciosa de experimentar y que todo tipo de personas puede incorporar como una rutina terapéutica. Terminar
de hacer algo creado por nosotros me parece
que nutre el alma.
¿EN QUÉ ESTÁS AHORA EXACTAMENTE CON TU DISCO, QUÉ PLANES TIENES, QUÉ SIGUE?
Bueno, los planes de un artista independiente son un poco como esa frase de “cuéntale
tus planes a Dios para que se ría”! Y como
esto lo he venido aprendiendo luna tras luna,
entonces mis planes son: fluir, fluir en el mar
de las señales, de las personas que vamos conociendo, de nuestra preparación constante.
Y... hoy dentro de este mar, la corriente
está llevándome a una reestructuración de
todo el formato en vivo en el que he venido
trabajando hasta ahora. Estoy pasándome de
“full band” a completamente acústico. Adaptando las canciones de mis dos materiales a
este nuevo formato que siento aún más honesto que el anterior y por supuesto más íntimo. Y también preparando la producción de
tres nuevos arreglos acústicos de mi último
disco Lienzo En Blanco con sus respectivos
videos, para la promoción en redes y en “donde se deje” este año.
¿EN DONDE ENCONTRAMOS TU MATERIAL?
Entonces entendí perfectamente aquello
que decía la Madre Teresa “No me inviten a
una marcha anti-guerra, invítenme a una
marcha pro paz”.
Y el Lienzo En Blanco que tenemos cada
día que amanece es esa oportunidad de elegir de qué lado “conectarnos”.
Y si hoy en la noche vemos el cuadro que
pintamos en nuestro lienzo y no nos gusta,
mañana tendremos la oportunidad de tener
otro lienzo en blanco que pintar. ¿No es maravilloso?
Y QUÉ NOS DICES DE LA INSPIRACIÓN
PARA TUS CANCIONES. ¿DE DONDE
SALE, CÓMO SE ALIMENTA?
Bueno, hasta ahora he identificado en mí
dos tipos de inspiración: una que surge como
volcán de un pico de emoción que puede ser
tanto de alegría como de tristeza y que propicia que salga algo interesante.
En los momentos de profunda tristeza salen unas baladas buenísimas por cierto… por
eso cuando llegan esos momentos los recibo
con los brazos abiertos, aunque se sienta feo.
Lienzo En Blanco está distribuido digitalmente. Lo pueden encontrar en cualquiera de las
plataformas digitales de música: Deezer, Spotify, Itunes…
¿QUÉ OPINAS DE LAS REDES SOCIALES COMO EL NUEVO MODELO PARA
LA DIVULGACIÓN DE LA MÚSICA INDEPENDIENTE?
Una enorme oportunidad... Agradezco mucho estar viviendo en esta generación de
transición de lo que era la música independiente antes de las redes y después de las redes...
THE MUSIC BUSINESS MAGAZINE
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SEGUNDA PARTE
...Las oportunidades son infinitas y aunque también es infinita la cantidad de talentos haciendo lo mismo alrededor del mundo, no dejo de
agradecer, disfrutar y aprovechar al máximo la posibilidad de difusión
a través de esos medios y la posibilidad de explorar qué está pasando
en la escena musical alrededor del mundo a la vuelta de un click.
TÚ QUE HAS SIDO UNA ARTISTA QUE SE HA FORJADO
SU CAMINO DE MANERA TOTALMENTE INDEPENDIENTE.
¿QUÉ CONSEJO LES PUEDES DAR A LOS CHICOS QUE SUEÑAN CON TRIUNFAR EN LA ESCENA MUSICAL?
Lo primero que quiero compartir de todo corazón es que siempre es
importante hacer un análisis profundo de la palabra “triunfo” y de la
palabra “éxito”. Estas palabritas tienen mil significados dependiendo
de la persona y el contexto, y a veces por tenerla en nuestra cabeza
con el significado “incorrecto” nos hace sufrir el camino –cosa que es
lo primero que hay que esforzarse en cuidar–, ¡estar disfrutando ese
andar al máximo! Ese día a día que nos conduce al logro de esos retos.
El momento en el cual un joven autor consigue crear una canción
que lo satisface interiormente…eso, para mí es ser exitoso.
El momento en el cual un cantante recibe un aplauso sincero de
mil, cien o una sola persona… eso es éxito.
El éxito es estar avanzando constantemente en un proyecto personal; el éxito natural que sucede en la perseverancia; él éxito que hay
en el aprendizaje al darte cuenta que “por ahí no iba la cosa”.
El que no quita “el dedo del renglón”, trabaja y persevera, no tiene
el éxito garantizado en el futuro, sino que puede decir que lo tiene
porque lograr ser disciplinado y constante, ¡es ya un triunfo!
En conclusión de esta Primera Parte, pienso que hay que revisar
si el significado de las palabras triunfo o éxito las tenemos asociadas
a la carrera de una estrella de éxito masivo internacional por ejemplo,
o si eso es algo que en nuestra propia vida nos motiva o más bien
nos frustra. Y entonces desde ahí, replantearnos el significado si fuera
necesario y cuidando siempre a nuestro corazón, caminar a nuestro
objetivo con fe, disciplina y constancia.
¿CÓMO SE PUEDE COMERCIALIZAR UN ARTISTA?
A) PLATAFORMAS DIGITALES
Las plataformas de venta como Itunes, son accesibles para cualquier
artista que quiera subir su música. Solo que se necesita hacer a través
de empresas intermediarias como son CdBaby o Tunecore. Estas empresas cobran una cantidad por subir tu canción o tu disco (aprox. 15
dólares por canción o 50 dólares por álbum) y luego se encargan de
administrar las descargas de tus canciones y pasarte los respectivos
reportes.
Pero aquí viene la parte dura! En estos reportes puedes observar la cantidad de “ceros” que los protagonizan, ¿jajajaja! Por ejemplo
puedes ver que si un día hubo 90 reproducciones de tu canción en
Spotify, tu ganancia es de ¡0.14 USD!
Pero mi filosofía es que lo más importante para un artista independiente nuevo es estar presente en la mayor cantidad de lugares
posibles. Yo puedo ser usuaria de Spotify y por eso creer que con tener a mi música ahí ya es suficiente; pero resulta que hay miles de
personas que usan Google Play y millones que usan Deezer y va a ser
50
THE MUSIC BUSINESS MAGAZINE
en estos lugares donde van a poner en el buscador mi nombre.
Cuando ves los reportes de plataformas como las anteriores o de
páginas como SoundCloud, te das cuenta de que tu canción tuvo reproducciones en Turquía, Japón o Singapur! Y entonces te das cuenta
de que vale la pena estar presente en cualquier página que se dedique a reproducir música.
Pienso en las plataformas digitales como una buena forma de tener
presencia y no como un medio propiamente para ganar dinero.
La forma de hacer negocio para un artista ya no es sólo a través de
la venta de sus discos, sino a través de presentaciones en vivo —no
es el caso de las grandes estrellas por supuesto; pero esas son otras
historias—, la presencia del artista independiente en Youtube, redes
sociales y las plataformas de reproducción y venta digital son la mejor
promoción que hay para ello.
Así que a pesar de las diminutas cifras que nos dejan estas empresas, yo agradezco pertenecer a esta era donde es posible hacer llegar
mi mensaje a cualquier lugar del mundo desde mi computadora.
Sin embargo espero que esto mejore para los artistas y no dejaré
de participar en cualquier iniciativa que busque esta mejoría.
B) LUGARES PARA TOCAR
Yo veo el asunto de “donde tocar” en tres fases distintas para un artista
que empieza (y que por supuesto interpreta música original):
FASE 1
Fase de exploración de mi propio producto: Al principio es importante tocar en vivo no importa donde! Siempre dependerá del género
del artista lo amplio o reducido de las posibilidades del foro, pero en
esta fase solo importa foguearse por un lado y por el otro medir un
millón de cosas: el feedback de la gente ante lo que está escuchando,
el orden correcto del repertorio, los “baches” o huecos que hay que
evitar, el manejo de los nervios, la espontaneidad a la hora de hablar,
el “amarre” de los músicos, etcétera.
El que quiere tocar no importándole donde, siempre va a encontrar lugares. La calle, por ejemplo, es una gran escuela.
Esta fase por supuesto es “por amor al arte” (cero lana)
FASE 2
La fase de tocar en lugares públicos diseñados para tener música en
vivo: bares, teatro-bares, antros…pero ahora ya con la intención de
GANAR DINERO a través de la venta de boletos del evento o de los
covers que se proponga al local cobrar a los consumidores.
En esta fase te puede ir muy bien siempre y cuando tengas ya una
cantidad importante de seguidores que estén pendientes de donde
vas a tocar y vayan! Porque para la mayoría de los lugares eres absolutamente responsable de la convocatoria del evento y te comprometes a pagar de tu bolsillo el “consumo mínimo” impuesto por algunos
(y que varía dependiendo del día de la semana). Así que más te vale
que vaya toda la gente que invitaste para que paguen su cover!
Si en esta fase dos aún puedes sobrevivir sin ganar dinero y por
tanto no es eso lo que buscas, hay muchos lugares donde puedes
tener oportunidad de tocar en el D.F; lugares que tienen ya un público
cautivo que busca escuchar cosas nuevas. Por lo general en estos
lugares se programan varias bandas por noche.
FASE 3
La fase donde una agencia de Management
y/o Booking acuerda vender tus shows cobrándote un porcentaje de los mismos.
Aquí te puedes encontrar tanto empresas pequeñas como empresas gigantes. Y lo
bien que te vaya con ellas dependerá de muchos factores.
Mismo es el caso de firmar con una disquera. Cientos de historias de éxito como
cientos de historias de arrepentimiento.
Entonces en estas fases ya más “profesionales” de un artista, los movimientos tienen
que ser muy cautelosos y guiados de preferencia por el corazón!
Un artista honesto, auténtico y bien intencionado debe estar escuchando constantemente su corazón y debe también estar
convencido de que el éxito se trata de estar
creciendo constantemente y lo demás, aquello que se sueña despierto, llegará seguro por
añadidura.
“Para un artista
nuevo e independiente, firmar un
contrato con una
gran agencia de
Management
puede ser una
bendición o una
tragedia”.
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Twitter: @irinaindigo21
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Facebook: irinaindigo21
YouTube: indigomx
THE MUSIC BUSINESS MAGAZINE
51
Educación
Mi Verdadera Pasión
Interpretar
sentimientos,
pensamientos
y sensaciones...
Por ALEJANDRO ANDRADE
52
THE MUSIC BUSINESS MAGAZINE
PHANIE RODRÍGUEZ©
L
os sentimientos y pensamientos que puede tener alguien se extienden de la persona
al interés de interpretar sentimientos, pensamientos, y sensaciones en un instrumento.
No importa cómo suene al principio, pero sí importa cómo suena al final.
Ensayo tras ensayo el virtuosismo empieza a surgir. Los movimientos, y acciones que requieren los instrumentos para hacerlos sonar comienzan a ser más fáciles.
Todo empieza a fluir. Cuando se logran sonidos familiares viene en conjunto la emoción tanto
personal como colectiva. “Eso suena bien” comentan, y te das cuenta que algunas veces lo
sencillo también es bello.
Lo complejo es iniciarse en cualquier actividad. Dar ese primer paso requiere de un entusiasmo muy particular, que viene de un interés infantil de ser lo que realmente quieres ser.
Por alguna extraña razón los seres humanos no seguimos nuestros impulsos, nuestra
intención se pierde en nuestros pensamientos, y nos perdemos en el camino del querer al hacer.
En la música, y cuando interpretamos, esa respuesta es inmediata. El sonido que se emite
representa lo que pensamos, y lo que quisimos ser en ese instante. La música es sincera, la
música es objetiva. La música no miente.
Es por eso que vamos a encontrar en la interpretación musical una terapia, una actividad
que refleja la realización personal en su máxima expresión. La experiencia de generar sonidos
completamente análogos, y de generar belleza con la única herramienta con la que realmente
contamos (nuestro cuerpo) es una experiencia peculiar.
Únicamente aquella persona
que toca un instrumento
conoce la pasión desenfrenada
por la música. La mayoría de
las veces se enfoca en un solo
instrumento, que nos permite
arremedar a grandes maestros
de la música, o generar
nuestras propias frases,
palabras e interpretar con
nuestro propio estilo
nuestras ideas.
No siempre contaremos con los recursos necesarios para iniciarnos en la música. Esto sucede por ejemplo en colegios, en casos particulares en los que sencillamente no coincidió el
instrumento con la persona, el profesor con el alumno, y no sucedió el milagro de la música.
Afortunadamente el tamborilear con los dedos sobre el volante mientras escuchamos
nuestra canción favorita en el radio, el zapatear y bailar (como Dios nos da a entender) , y
la fortuna de poder seguir un ritmo, aunque sea el que nos marca nuestra vida, nos permite
experimentar (aunque sea a cuenta gotas) la experiencia musical.
En Strum Guitar Center (escuela de música) , y Dissimilis (escuela de artes para personas
con discapacidad intelectual) buscamos que la actividad musical, y los recursos para iniciarnos
en la música no falten.
Consideramos un derecho el tener acceso al goce que puede generar el tener actividad
creativa en nuestras mentes, y sabemos que la música es una excelente opción, pues no requiere de demasiados elementos.
El facilitar una metodología, un profesor y un instrumento en la vida de una persona puede
cambiarle la vida, convertirla en eso que quiere ser, por lo menos unos instantes puede verdaderamente generarle esa dicha, y ese impulso que lo anime a ser mejor cada día y a seguir
adelante.
No se busca que la población entera se convierta en un músico profesional (pues eso toma
tiempo, mucho esfuerzo, muchos estudios y dedicación), pero buscamos que la población
entra tenga la oportunidad de entender la música desde la posición de quien la interpreta, que
es sencillamente el derecho de tener ese acceso a la educación musical.
Me parece importante mencionar que
existe una carencia de realización personal
en general y consideramos que el aprender
a tocar un instrumento es un vehículo que
permite precisamente esto. Por medio de la
música y de fomentar una acción tan humana y a su vez tan bella, consideramos que se
puede disminuir el racismo, la desigualdad,
y potenciar el interés de cada persona por
lograr lo que realmente desean. Nuestro
grupo empresarial tiene el pleno deseo de
seguir trabajando por muchos años más con
la misión de fomentar la educación musical,
la profesionalización de la industria, y que
nuestro trabajo se refleje en una mejor calidad de vida de los individuos que gozan de
la actividad creativa y la vinculación que esta
actividad les ofrece con otros seres humanos.
La integración social es un atributo único y peculiar de toda actividad cultural, y
creativa.
Historia de Dissimilis y Strum Guitar Center.
enfoque social, realizando donativos de instrumentos, capacitación
de profesores, y proyectos de expansión global, mientras Strum Guitar
Center, al ser una sociedad, trabaja en un modelo similar, pero enfocado
en brindar servicios para mejorar la plataforma educativa musical
principalmente a nivel nacional.
Es posible que ambas historias suenen a la clásica “historias de garaje”
, y no están lejos de ser precisamente eso. Lo que ha permitido que los
proyectos se desarrollen han sido equipos pequeños que trabajan con
una visión a largo plazo, y la calidad humana de las personas que se
han sumado a cada uno de los proyectos, sin quienes nada de lo que se
ha gestado sería posible.
Todos los comienzos requieren de los recursos necesarios y de un
catalizador que genere la chispa que detona en actividad. En este
caso fue la suma de buenas voluntades, el deseo por ser mejores cada
día y de superarnos lo que nos ha llevado día con día a crear nuestra
estructura y lograr en conjunto lo que deseamos: un mundo con más
y mejor música.
“Dios Los hace y Ellos se juntan”, dice el dicho.
Muchas veces comenzamos proyectos de vida, iniciamos relaciones,
amistades que duran, otras que terminan. El destino es guiado
principalmente por nuestros intereses, pues al final del día hacemos lo
que queremos.
Las costumbres hacen leyes, y una costumbre básica de las personas
que trabajamos tanto en Strum Guitar Center, y Dissimilis es dar lo
mejor de cada quien, y esforzarnos al máximo en cada una de las tareas
que realizamos.
Dissimilis es un proyecto que nace en Oslo, Noruega en 1992, mientras
que Strum es un proyecto que nace en el Estado de México, México
en 2010. Los proyectos se vinculan en 2013 y se constituyen como
sociedades independientes en México en 2014, trabajando de la mano,
pero con autonomía administrativa.
Ambos proyectos se iniciaron en la sala de la casa de cada uno de los
fundadores, con la semilla de la pasión por la música y la sensibilidad
de querer compartir, y ser mejores cada día. En Noruega fueron Kai
Sahl y su hijo quienes de una serie de clase de música, se inspiraron
en promover esta actividad en su colonia el interés por la música, la
vinculación social, y el desarrollo de un modelo de educación dinámico,
y divertido.
En México fueron Julio Pradera y Alejandro Andrade, que a partir de la
amistad que se gestó en una serie de clases de música, nació el interés
por promover igualmente la educación musical en la colonia por medio
de cursos y programas de vinculación social como han sido master
clases, cursos de verano, conciertos, clases particulares, entre otras
actividades.
Con el paso de los años y con la suma de esfuerzos se ha logrado que
los proyectos crezcan, y que cada organización se enfoque en su especialidad. En Strum Guitar Center se promueven talleres de música en
colegios, por medio del desarrollo de programas específicos para cada
escuela, así como la capacitación, asesoría y consultoría en la creación
de programas de música para centros culturales, y empresas dedicadas
al desarrollo personal y profesional.
En Dissimilis se promueven talleres de música en centros de personas
con discapacidad intelectual, y la iniciación de talleres artísticos
enfocados siempre en el desarrollo integral de los alumnos.
Ambos proyectos coinciden en el interés de fomentar el acceso a una
educación artística a cualquier edad, y en desarrollar metodologías
y programas que faciliten la iniciación en actividades culturales,
trabajando de la mano con escuelas de música, centros educativos y
formativos, en la búsqueda de la suma de esfuerzos para el bien común
y el derecho de acceso a la cultura.
Al ser una fundación, Dissimilis trabaja de manera activa y con un
www.strumgc.com
www.dissimilis.no
[email protected]
THE MUSIC BUSINESS MAGAZINE
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Vivir de la Música
NO SOY LEYENDA
¿El músico se involucra o se compromete?
RAFAEL P. IRAGORRI
LOS COMENTARIOS DE BETO MÉNDEZ UN EXTRAORDINARIO MÚSICO QUE
HA HECHO DE TODO CON TAL DE NO ABANDONAR SU PASIÓN
“Aparte de McCartney me encanta Lee Sklar bajista de
Toto y de Phil Collins. En el Jazz me voy con Abraham
Laboriel y considero que el más grande virtuoso del
bajo de todos los tiempos es Victor Wooten”.
¿
DE QUÉ MANERA QUEDASTE ATRAPADO EN
LA MÚSICA?
Desde casi los ocho años cuando recibí de regalo unos
bongoes, con esos tocaba ritmos tomados de los discos de
rumba de “lobo y melón”, cuando tenía 10 años aprendí a
tocar la batería con un método llamado “Música menos uno”, en aquella
misma época (1964) fue cuando quedé infectado del virus de la beatlemanía. Al cumplir los 12 años compré mi primera guitarra eléctrica a
plazos en Casa Veerkamp, fue una Framus 1966 y a los 14 años mi primer
bajo un Fender Mustang blanco.
¿TIENES FORMALMENTE LA CARRERA DE MÚSICO?
Sí, estudié cuatro años en la Escuela Superior de Música del INBA guitarra y contrabajo, siempre fui mal lector pero con buen oído, que junto
con mi intuición y mi herencia musical me permitió sobrellevar la escuela. Pero más bien soy autodidacta desde 1973, por consejo de Henry
West, un saxofonista de jazz que admiré mucho. Con lo que sí cuento
es con una gran cantidad de horas dedicadas al estudio y ejecución. La
música requiere de mucha dedicación.
¿EN CUÁNTOS GRUPOS HAS ESTADO?
He tocado profesionalmente con más de 30, la mayoría rockeros y antes
rockanroleros; pero tambien incursioné en la salsa, el jazz, balada pop y
hasta versátil. En varios de esos grupos he sido el director, pero como
elemento procuro siempre portarme a la altura.
¿CUÁL ES LA MÚSICA QUE PREFIERES INTERPRETAR?
Primero mis rolas, porque soy cantautor. He grabado 7 discos, 2 en acetato (de acetato tiempo) y 5 CDs. Debo comentar que lo que más disfruto
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THE MUSIC BUSINESS MAGAZINE
tocando es la música de los Genios de Liverpool. En orden seguiría
el Jazz y el Rock de los 70, también la Salsa me encanta pero no
las Cumbias.
¿QUIÉNES SON TUS BAJISTAS FAVORITOS?
Hay alturas y géneros, pero puedo decir que en el Rock, aparte de Mccartney me encanta Lee Sklar bajista de Toto y de Phil Collins. En el Jazz
me voy con Abraham Laboriel y considero que el más grande virtuoso
del bajo de todos los tiempos es Victor Wooten, después de escucharlos me dan ganas de dedicarme a vender pepitas en la villa. Tengo que
mencionar que hablando del Jazz el bajista mexicano que más admiro
es Aarón Cruz y en Rock me quedo con dos: Javier Flores “el Zoa” y Jorge Rossel. Pero imagínate que a mí, Pako Gruexo en Rockotitlán me
anuncio un día como: “El mejor bajista de México”, fue en verdad un
privilegio, pero nunca supe si fue una broma.
¿CÓMO TE CONOCEN EN EL MEDIO MUSICAL EN MÉXICO?
Es un hecho que me conocen por el hermano de Nacho Méndez y
el primo de Memo Méndez Guiú, puesto que mis familiares gozan de
fama y prestigio. Por mi parte he sido considerado como uno de los
más destacados interpretes de la música de los Beatles. Realmente de
los pocos que pueden interpretar Oh Darling en el tono original en
México1. También soy conocido como el bajista de Javier Batiz y “Valedor”
para Alex Lora2. Soy conocido también por mi lado esotérico ya que
inventé la técnica Dharma Yoga, fui instructor de metafísica lo que me
ayudó a desarrollarme en la metamúsica.
¿CON QUÉ MÚSICOS FAMOSOS HAS TENIDO LA
OPORTUNIDAD DE TOCAR?
Tuve la suerte de estar en un “palomazo”
(Jam-Session Live) con Eric Burdon de The Animals, mi amigo el empresario Mario Olmos lo
llevó a Rockotitlán después de haber llenado en
el teatro Metropolitan en 1998. También participé con Edie Byrner de Fluck of Seaguls, en una
sesión en estudio de grabación en Orlando, Florida. Participé en un CD que grabó Javier Batiz en
donde por cierto están varios famosos nacionales, como: Alex Lora, Lalo Toral y Memo Briseño
considerados estos dos últimos como los mejores tecladistas de Rock mexicano, junto con Pepe
Negrete y Javier de la Cueva. Y volviendo al CD
llamado “Metromental” grabado en el año 2000
producido por Tony Méndez y Enrique Fux, ahí
participé como director musical.
¿CON QUIÉNES MÁS HAS TOCADO?
No puedo dejar de mencionar a otros famosos
como: Nando Estevane, Raúl Why (el Ringo Starr
mexicano) Fernando Bahaux, José Luis Cordero
“Pocholo”, Sergio Silva, Alex Azambulla y Gil Favila
(los últimos tres del grupo Kerygma), además de
Hebert Clavel quien es una verdadera autoridad
en el acordeón. Además de Héctor Ortiz, David
Beja, Paco Rosas, Leo Sandoval, Felipe Souza,
Jacko Grau. Por otro lado Polo Tena, Rafael Acosta, Los Hermanos Carrión, César Costa, Manolo
Muñoz, Julissa, Baby Batiz, Leda Moreno, Luhana,
Lila Deneken, Alejandra Ávalos, Diego de Cossio,
Rosalia Valdés, Nacho Méndez, Memo Méndez y
Tony Méndez, Rafael Pujol, Jorge Alarcón, Mario
“Track” Hernández, Ramón Rodríguez, etc.
COMO COMPOSITOR ¿QUÉ TE INSPIRA PARA HACER UNA CANCIÓN?
Básicamente alguna vivencia fuerte ya sea propia o ajena, también el amor en todas sus facetas;
pero déjame hacer un paréntesis, no toda la música original que uno compone proviene de las
musas, muchos de los compositores tenemos
en nuestro haber las llamadas “rolas por encargo”, desde un “jingle” pasando por la música para
cine, teatro o TV, y también temas para algún
cantante o grupo en especial. La composición es
un trabajo, y requiere de profesionalismo, compromiso y dedicación.
¿SIN MÚSICOS NO HAY MÚSICA?
El ámbito musical es enorme, y puedes encajar
en muchas áreas diferentes dentro del negocio
de la música, sin embargo siempre se requerirá
de mejores músicos para hacer mejores producciones. ¡Hay que involucrarse!
1. https://www.youtube.com/watch?v=nkrZsHob_BQ
2. https://www.youtube.com/watch?v=gX19bJ4c0FY
THE MUSIC BUSINESS MAGAZINE
55
El Santuario
GENESIS 11 Guitar Lab
Estudio Especializado de Clase Mundial en México
Por RAFAEL PÉREZ IRAGORRI
Fotografías Cortesía GENESIS 11
G
ENESIS11 Guitar Lab es el primer estudio especializado
en México para grabar guitarras. Con mas de 20 años
de experiencia en la industria de la música, Charly Rey
y David Benitez se unieron para abrir las puertas de
este nuevo estudio a productores, artistas y guitarristas para ofrecer la posibilidad de grabar con una gran variedad de
guitarras, amplificadores y pedales.
Guitar Lab fue diseñado por Sebastian Otero, uno de los ingenieros
más reconocidos en el medio, quien ha desarrollado gran experiencia
en el diseño de varios de los estudios más importantes en Mexico.
La idea de crear un estudio especializado en la grabación y producción de guitarras nace de la necesidad de ampliar las opciones
para los productores y artistas a la hora de grabar este instrumento
–que en la gran mayoría de las canciones es el instrumento predominante–. En muchos casos, hay quienes ya cuentan con un excelente
estudio pero con poco backline y deben limitarse a trabajar con pocas
opciones de guitarras y amplificadores. Génesis11 Guitar Lab cuenta
con una amplia gama de guitarras, amplificadores, pedales, gabinetes,
micrófonos, preamplificadores y de lo mejor en conversión A/D.
En Genesis 11 han trabajado con productores y compositores
como Rosino Serrano, Manu Moreno, Giorgio Torelli, Dany Tomas,
56
THE MUSIC BUSINESS MAGAZINE
Daniel Betancourt, Yuno Mustachrecords y también con bandas y artistas independientes como Pulso, Maya, Glass Mind, Tres cuartos, etc.
Gracias al internet el estudio ofrece grabación a distancia y re
amplificacion de guitarras, de esta forma ha logrado colaborar con
productores en Miami, Los Angeles y Nueva York.
Genesis 11 Guitar LAb, no se limita a realizar otro tipo de grabaciones, además de guitarras, ya que muchos productores utilizan
el estudio para grabar otros instrumentos como cuerdas, metales o
voces. Contando también con el servicio de mezcla o la producción
completa de temas.
El estudio mantiene una inversión constante en nuevos equipos
e instrumentos, lo que permite establecerse como el único estudio
especializado en la grabación de guitarras en México.
El estudio está avalado por diversos patrocinadores entre los que
se encuentran: Liquid Metal Guitars, Salvation Mods, CMP Amps,
Steve Clayton picks y Celestion speakers, David Laboga Cabs, etc.
En Genesis11 Guitar Lab se puede grabar cualquier tipo de sonidos sin importar el género musical, ya sea que el mismo Charly Rey
ejecute la(s) guitarra(s), o que el artista, músico o grupo lo realice, de
cualquier forma los clientes siempre contarán con la mejor asesoría
dada la gran experiencia de los socios.
PARTE DEL EQUIPO CON EL QUE CUENTA
GÉNESIS 11 GUITAR LAB
Guitarras Eléctricas
(02) Jackson JS32-7Q Dinky / (01) MCL John Mayer 83 Stratocaster / (01) Ernie Ball Music Man Steve Luke Lukather Signature Model / (01) Liquid Metal Guitars M1 / (01) Fender Telecaster; (01) Lapsteel Guitar; (01) Telecaster II; (01) Stratocaster
/ (01) Fernandes 62 The Revival (Surh ML pickups) / (01)
Parker Fly B 2000; (01) Parker Fly / (01) Ibanez 33 (Seymour
Duncan Jazz & LB pickups) / (01) Gretsch (SD Fat 90 pickups)
/ (01) Gibson Les Paul; (01) SG / (01) LTD 7 cuerdas / Jackson
Randy Rhoads (Seymour Duncan Pickups) (01).
Guitarras Acústicas
(01) Taylor 114ce / (01) Sigma DR 1 STT (6 cuerdas) / (01)
Martin DM-12 (12 cuerdas) / (01) Gretsch Resonator / (01)
Wechter Nashville Tuned Guitar / (01) Takamine Classic al
Nylon String Guitar / (01) Fender Montara / (01) Luna Ukelele
/ (01) Cuatro venezolano / (01) Prima Balalaika.
Amplificadores
(02) CMP OMG Custom Transistors Amp / (01) Custom Audio
Electronics OD-100 / (01) Marshall Plexi 1959 SLP 100W; (01)
JCM 800 modified / (01) Fender Band-Master VM 40 W / (01)
Mahaffay Little Lanilei Songworks SP / (01) Line 6 Bogner
Spider Valve 112.
Microfonía
(02) Audio-Technica AT2020 / (03) ShureSM57; (01) SM57
TAB Funkenwerk; (01) KSM32; (01) KSM 27 / (01) CAD Audio
Trion 7000 Ribbon / (01) Astra Radio Communications / (01)
Royer R-121Studio Ribbon Mic / (01) AEA N22 Ribbon / (01)
Blue Snowball; (01) Bluebird / (01) Sennheiser e609; (01) MD
421 / (01) Neumann M 149; (01) U 87; (01) U 891; (01) KM
184; (01) KMS 105.
Pres e interfaz de audio
(01) Chandler Limited Germanium Pre Amp/DI / (01) Neve
1073 LB / (01) API 512 c Mic Pre / (01) Helios Type 69 Preq
/ (01) Maag Audio PREQ 4 / (01) Edax VTP-100 Vacuum
Tube Pre Amp / (01) InwardConnections The Brute 500 Series
Compressor / (01) Warm Audio WA76 Compressor / (01) Kush
Audio UKB Clariphonic Parallel Eq / (01) Prism SoundOrpheus
/ (01) Apogee Rosetta 200 / (01) Universal Audio UAD-2
QUAD Core.
Efecos Sistema 1
(01) Trailer Trash Pedalboard / (01) RiveraGuitar System Controller / (01) Radial Eng. Tonebone Classic Distortion / (01)
RiotDistortion / (01) MXR Custom Audio Electronics boost/
overdrive / (01) DigitechWhammy Pedal / (01) Boss DD-6
Digital Delay; (01) FV 50 / (01) Morley Pedals Pro Series II
/ (01) Cmatmods Delay / (01) Dunlop CryBaby 535Q / (01)
GuyatoneMO3 Micro Octaver / (01) Artec Noise Gate / (01)
Sabbadius Hot Tube Simulator Booster / (01) AMP 50 Lovepedal / (01) Voodoo Lab Micro-Vibe / (01) KeeleyCompressor /
(01) Loop-Master 6.
Sistema 2
(01) Trailer Trash Pedalboard / (01) Keeley Compressor / (01)
Voodoo Lab Ground Control Pro II; (01) Ground Control GCX;
(01) Guitar Preamp / (01) Ernie Ball VolumePedal / (01) Roland EV-5 Pedal / (01) Dunlop Cry Baby 535Q / (01) Mooer
PureBoost / (01) Eventide H9 Full / (01) Mesa Boogie TriAxis
Guitar Preamp / (01) Radial Eng. Tonebone Classic Distortion
/ (01) Boss DD-7 Digital Delay / (01) Xotic EffectsBB Preamp
Overdrive / (01) Big John Lil´ John Fuzz / (01) Strymon Lex
Rotary Speaker / (01) Tim M1 Mini Buffer / (01) Korg Tuner /
(01) Furman PL 8 Power Conditioning.
CONTACTOS:
-Charly Rey 55 5438 3847 [email protected]
-David Benitez 55 8532 6305 [email protected]
15th ANNUAL
LATIN GRAMMY AWARDS
LAS VEGAS, NEVADA, EUA
MGM GRAND GARDEN ARENA
Este importante reconocimiento a la música latina se ha venido otorgando desde el año 2000,
México ocupa el primer lugar acumulando 136 premios, seguido de Brasil con 135 y
Colombia con 73 preseas. Para esta décima quinta entrega se premiaron 47 categorías ya que la
Categoría 19 BEST TROPICAL FUSION ALBUMENTRIES se combinó con la Categoría 17*.
Este año el Premio a Persona del Año fue para el cantautor español Joan Manuel Serrat.
LOS GANADORES
1. RECORD OF THE YEAR
Universos Paralelos
Jorge Drexler Featuring Ana Tijoux
2. ALBUM OF THE YEAR
Canción Andaluza
Paco de Lucía
3. SONG OF THE YEAR
Bailando / Enrique Iglesias Featuring
Descemer Bueno & Gente De Zona
4. BEST NEW ARTIST
Mariana Vega / Mariana Vega, artist.
5. BEST CONTEMPORARY
POP VOCAL ALBUM
Elypse / Camila
*17. BEST CONTEMPORARY
TROPICAL ALBUM
Más + Corazón Profundo
Carlos Vives
18. BEST TRADITIONAL
TROPICAL ALBUM
Grandes Exitos De Las Sonoras,
Con La Más Grande, La Sonora Santanera
La Sonora Santanera
33. BEST CHRISTIAN ALBUM
(PORTUGUESE LANGUAGE)
Graça / Aline Barros
34. BEST BRAZILIAN CONTEMPORARY
POP ALBUM
“Multishow Ao Vivo – Ivete Sangalo 20 Anos”
Ivete Sangalo
35. BEST BRAZILIAN ROCK ALBUM
Gigante Gentil / Erasmo Carlos
20. BEST TROPICAL SONG
36. BEST SAMBA/PAGODE ALBUM
Cuando Nos Volvamos A Encontrar
Carlos Vives Featuring Marc Anthony
Coração A Batucar / Maria Rita
21. BEST SINGER-SONGWRITER
ALBUM
37. BEST MPB (MUSICA POPULAR
BRASILEIRA) ALBUM
Verdade, Uma Ilusão / Marisa Monte
6. BEST TRADITIONAL
POP VOCAL ALBUM
Bailar En La Cueva / Jorge Drexler
38. BEST SERTANEJA MUSIC ALBUM
22. BEST RANCHERO ALBUM
Questao De Tempo / Sérgio Reis
Fonseca Sinfónico / Fonseca
Lástima Que Sean Ajenas / Pepe Aguilar
39. BEST BRAZILIAN ROOTS ALBUM
7. BEST URBAN PERFORMANCE
23. BEST BANDA ALBUM
Amigo Velho / Falamansa
Bailando / Enrique Iglesias Featuring
Descemer Bueno & Gente De Zona
Haciendo Historia
Banda El Recodo De Don Cruz Lizarraga
40. BEST BRAZILIAN SONG
8. BEST URBAN MUSIC ALBUM
24. BEST TEJANO ALBUM
41. BEST LATIN CHILDREN’S ALBUM
MultiViral / Calle 13
Forever Mazz / Jimmy González y Grupo Mazz
9. BEST URBAN SONG
25. BEST NORTEÑO ALBUM
Coloreando: Traditional Songs For Children In
Spanish / Marta Gómez & Friends
Bailando / Enrique Iglesias Featuring
Descemer Bueno & Gente De Zona
Amor Amor / Conjunto Primavera
42. BEST CLASSICAL ALBUM
26. BEST REGIONAL SONG
Verdi / Plácido Domingo
10. BEST ROCK ALBUM
De Mil Amores / Marco Antonio Solís
Agua Maldita / Molotov
27. BEST INSTRUMENTAL ALBUM
43. BEST CLASSICAL CONTEMPORARY
COMPOSITION
11. BEST POP/ROCK ALBUM
Concierto Para Violín y Orquesta De Cuerdas
Claudia Montero
12. BEST ROCK SONG
Final Night At Birdland
Arturo O’Farrill & The Chico O’Farrill
Afro-Cuban Jazz Orchestra
Cuando No Estás / Andrés Calamaro
28. BEST FOLK ALBUM
Wed 21 / Juana Molina
13. BEST ALTERNATIVE MUSIC ALBUM
Raíz / Lila Downs, Niña Pastori y Soledad
45. BEST ENGINEERED ALBUM
Romantisísmico / Babasónicos
29. BEST TANGO ALBUM
De Repente / C4 Trío y Rafael “Pollo” Brito
14. BEST ALTERNATIVE SONG
Tangos / Rubén Blades
46. PRODUCER OF THE YEAR
El Aguante / Calle 13
30. BEST FLAMENCO ALBUM
15. BEST SALSA ALBUM
Canción Andaluza / Paco de Lucía
Sergio George
Sergio George, album producer.
3.0 / Marc Anthony
31. BEST LATIN JAZZ ALBUM
47. BEST SHORT FORM MUSIC VIDEO
16. BEST CUMBIA/VALLENATO ALBUM
The Vigil / Chick Corea
Flamingo / La Vida Bohème
Celedón Sin Fronteras 1
Jorge Celedón & Varios Artistas
32. BEST CHRISTIAN ALBUM
48. BEST LONG FORM MUSIC VIDEO
(SPANISH LANGUAGE)
La Carta Perfecta - En Vivo / Danilo Montero
El Objeto Antes Llamado Disco - La Película
Café Tacvba
Loco De Amor / Juanes
A Bossa Nova É Foda / Caetano Veloso
44. BEST RECORDING PACKAGE
www.genesis11guitarlab.com
THE MUSIC BUSINESS MAGAZINE
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El Coleccionista
Memorias de
una Estrella
“SEXO, DROGAS, UNA VIDA DE ENCANTO Y
EL TRANCAZO QUE CASI ME MATA”
TOUCHSTONE
U
n arquitecto del sonido temprano, con gran estilo y
furia por el Punk Rock, cuyos labios se encrespan con
muecas, ese es Billy Idol, mismo al que el público con el
puño en alto, catapultó a la corriente principal del pop
como una de las primeras grandes estrellas de MTV,
siendo hasta hoy un verdadero icono del Rock ‘n’ Roll.
Su tan esperada autobiografía, Dancing With Myself, ofrece una
descarga honesta de electricidad que narra su viaje a la fama, desde
aquellos primeros días como líder de la banda de punk UK Generación
X, a la vida altamente decadente del dance-rock, género que lideró
con una actitud arrogante y desenfrenada, logrando que sus fans lo
hayan aceptado desde hace décadas. Además de añadir a su trayectoria ser el único en su clase calificado para contribuir a la evolución
de la cultura del rock, el ídolo es un temerario, vivaz, y ahora cronista
de su propia carrera.
Con dieciséis páginas de fotos en backstage, Dancing With Myself
es la historia de un sobreviviente de corazón, encantador, a veces
escalofriante, pero siempre fascinante debido a su intuición creativa. Todo esto unió fuerzas dentro de un hombre desenfrenado, esta
sorprendente memoria es inequívocamente literaria en su carácter y
valiente en la pura voluntad de contar. Billy Idol está destinado a emerger como uno de los grandes escritores entre los músicos.
“Vine a Nueva York en la primavera de 1981, mi guitarra en una
mano, una maleta en la otra, portaba una chaqueta estilo años 50
como la de Elvis y la suma de mis efectos en mi espalda. Seguramente
esta ciudad, con sus rascacielos llegando a la capa de ozono, tocando alturas hasta ahora desconocidas, podría recibir el sentir extraño
de una tierra extraña, podría recibir a un explorador más queriendo
actuar sin miedo ante la cara de un futuro sumamente incierto. Esa
noche los cielos ardieron con estrellas fugaces y un efecto de halo extraño que bien pudo haber sido un hombre en la luna riéndose de mi
audacia.
58
THE MUSIC BUSINESS MAGAZINE
Treinta y tres años después, regreso con una historia que contar.
Me conocen como Billy Idol, el rebelde del fondo del infierno que ha
venido a la vida de nuevo, ahora más plena de lo que la vida permitiría. Pero también soy William Michael Albert Broad, chico de clase trabajadora de los suburbios de Londres: un soñador con la nariz metida
siempre en un libro, un maldito con sentimientos, ilusiones demasiado grandes, sufriendo desaires demasiado profundos.
La vida me dio una llave de oro cuando me enamoré del rock ‘n’
roll (gracias a la música en la sangre de mi madre irlandesa), y un nuevo mundo se abrió ante mí. Con este mundo vinieron oportunidades,
y toda tentación bajo el sol; excesos alrededor del reloj.
Estoy irremediablemente dividido entre la oscuridad y el bien, el
rebelde y el santo, el maníaco sexual y el monje, el poeta y sacerdote,
el demagogo y populista. De la pluma al papel, he bajado todo, cada
latido del corazón. Voy a salir como cualquiera así que más vale que
me cuiden la espalda”.
“Vine a Nueva York en la primavera de 1981,
mi guitarra en una mano, una maleta en la otra,
portaba una chaqueta estilo años 50 como la de Elvis
y la suma de mis efectos en mi espalda...”
THE MUSIC BUSINESS MAGAZINE
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La Bataka
Primera Clase
¿Cómo se afina?
Por MIKE PORTILLO
MUCHA GENTE OPINA QUE HABLAR SOBRE CÓMO AFINAR UNA BATERÍA ES INGRESAR
A LOS VERICUETOS PROPIOS DE UNA “MANZANA DE LA DISCORDIA”.
C
uando se trata de afinar percusiones, hay que tomar en
cuenta las diferencias sustantivas entre percusiones sinfónicas y las que no lo son, como la batería. Los timbales
sinfónicos son de medida cóncava, muy grandes y de
bronce, características que los hace sumamente sonoros. La medida de un timbal sinfónico es de 32” (pulgadas), por lo
que por su volumen y forma, las resonancias que emiten significan
notas exactas, como bemoles y sostenidos. Si hacemos una medición con un afinador normal, la vibración que da el tambor de 32”, la
onda sonora y decibeles corresponderán a una nota exacta, inclusive sostenidos y bemoles. En la batería (no sinfónica), las medidas
son menores a 32”. La razón: el tambor más grande es el bombo,
que va de los 26, a los 24, 22, 20, 18 y 16”, y son construidos —la
mayor parte de ellos— de una gran diversidad de maderas, además
de tener forma cilíndrica, por lo que no cuentan con la capacidad
de dar la tonalidad exacta.
60
THE MUSIC BUSINESS MAGAZINE
Más allá de ello, les voy a dar un buen tip o mejor dicho... el
“secreto de la abuela” —que funciona bien y es importantísimo
para afinar la batería—, es por medio de “cuartas”: do, fa, si, mi. Esto
corresponde a una frase en inglés por cuartas. Comenzando por la
tarola, “My”, después con el tom de aire, o primer tom, sería “dog”; el
segundo tom de aire “has” y sigue el tom de piso, que sería “Flits”.
Lo anterior nos da la siguiente frase: “Mi perro tiene pulgas” (en
inglés, “My dog has flits”). Consecutivamente se afinan los bombos,
los toms (de aire y de piso) y la (las) tarola (s), así vamos recorriendo
la frase a partir de la tarola, para seguir afinando los tambores.
Para conocer cuál debe ser la tensión más adecuada para cada
tambor y los tipos de parches más recomendables, prepararé otro
artículo qué será publicado en el siguiente número.
Mr. Books
DOUBLE FANTASY
Josh Baker
TASCHEN
Las provocadoras y sensuales imágenes de Kishin Shinoyama han hecho del
fotógrafo uno de los más controvertidos artistas japoneses.
Esa capacidad suya de crear intimidad y un ambiente de confianza se ve expresada sobre todo en la serie de fotografías de Yoko Ono y John Lennon, tomadas
a petición de Ono para la portada y las actividades promocionales del célebre
álbum de 1980 de la pareja, Double Fantasy, sólo tres meses antes del fallecimiento de Lennon. Ahora, 30 años más tarde, aquellas imágenes (muchas de
ellas inéditas) destilan todavía frescura y honestidad, e inmortalizan a la icónica
pareja en un momento clave de su relación personal y creativa.
www.taschen.com
JAZZ LIFE
A JOURNAL FOR JAZZ ACROSS AMERICA
William Claxon / Joachim Berendt
TASCHEN
En 1960, el fotógrafo William Claxton y el célebre musicólogo alemán
Joachim Berendt recorrieron Estados Unidos siguiendo el rastro del jazz.
El resultado de su colaboración fue una asombrosa colección de
fotografías y grabaciones de artistas legendarios, así como
de desconocidos músicos callejeros.
El libro Jazzlife, fruto original de sus trabajos, se ha convertido en un
objeto para coleccionistas. Desde 2003, TASCHEN comenzó a reunir esta
importante colección de material, junto con muchas imágenes en color
nunca vistas de aquellos viajes.
www.taschen.com
ANDY SUMMERS. I’LL BE WATCHING YOU.
INSIDE THE POLICE 1980–1983
Andy Summers
TASCHEN
A comienzos de los ochentas, The Police salió de gira acompañado por un
fotógrafo que documentó el tras bambalinas del grupo con una serie de
fotografías en blanco y negro cándidas y llamativas. Coincidencialmente,
este talentoso fotógrafo resultó ser Andy Summers, el guitarrista del grupo.
Este libro, entre el periodismo gráfico y el diario ilustrado, es un seguimiento de The Police alrededor del mundo entre 1980 y 1983. Desde el oeste
americano hasta Australia y Japón, Summers no sólo registró a los miembros de la banda ensayando y divirtiéndose –el proverbial sexo, drogas y
rock&roll–, sino que también fotografió fans, paisajes, naturalezas muertas,
y transeúntes en un estilo de reportaje que evoca a Henri Cartier-Bresson y
Robert Frank. Con más de 600 fotografías.
www.taschen.com
THE MUSIC BUSINESS MAGAZINE
61
Tips de Producción
¿Cómo dar definición
al bajo?
La maravilla de los Plugins
Por PABLO CHÁVEZ
UNA OPCIÓN
Mi recomendación para darle mayor definición al bajo en el momento de la mezcla es pasar
este canal por un ecualizador principalmente para atenuar las frecuencias graves que estén
pasadas aunque lógicamente también pueden subir alguna frecuencia que sientan que le esté
faltando; pero prefiero no subir frecuencias hasta el final de este proceso.
Después paso el canal por un compresor donde ajusto un ataque rápido y lo libero suavemente. Una vez que el sonido de este canal me gusta lo duplico y a este nuevo canal le quito el
ecualizador y el compresor que usé en el primer canal y le inserto algún plug in de distorsión,
personalmente me gusta el SansAmp, porque al momento de insertarlo ya se puede escuchar cómo está trabajando, sin embargo, dependiendo del género musical pueden hacerse
ajustes en la distorsión hasta encontrar un sonido que además de definición le de propuesta
y carácter al track.
Esta distorsión va a generar esos armónicos que nos van a dar la definición que estamos
buscando, pero también puede exitar algunas frecuencias que no son agradables por lo que
después de la distorsión paso el canal por un ecualizador y corto esas frecuencias.
Una vez que tengo estos dos canales los escucho por separado y en conjunto, subiendo y
bajando el volumen de uno y otro, ajusto los ecualizadores y la compresión hasta encontrar un
buen balance entre ambos. Cuando este balance me gusta agrupo los dos canales para ajustar
el volumen general del bajo dentro del track.
Les recomiendo estar monitoreando constantemente los ajustes que estén haciendo a
estos dos canales de bajo, con todos los demás instrumentos para estar seguros de que es el
sonido que están buscando.
OVERVIEW
Has escuchado el SansAmp PSA-1 en miles de grabaciones, desde baterías y bajos
hasta voces y armónicas. Añádelo ahora a tus propias mezclas. El SansAmp PSA-1 es
un favorito tanto entre los artistas de gira como entre los profesionales de la grabación,
porque brinda una amplia variedad de emulaciones de amplificadores, generación de
armónicos, simulación de cajas de altavoces, y opciones de ecualización del sonido.
Agrega impacto y calidez a las pistas existentes o graba bajos y guitarras directamente en Pro Tools con la interfaz de grabación directa SansAmp XDI (vendido por
separado). Captura guitarras con un sonido claro y con poco ruido; pásalas después a
digital y logra cualquier sonido que se te ocurra.
SansAmp PSA-1 viene incluido en el software Pro Tools y Pro Tools HD.
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THE MUSIC BUSINESS MAGAZINE
MKT
Pensando en la Sociedad
“Crea fama y ponte a trabajar”
JENNIFER LOPEZ
COPPEL
La marca creada por Jennifer Lopez se creó en 2008 en
Estados Unidos como una propuesta dirigida a las mujeres
de pocos recursos que buscan un toque de glamour en su
vestimenta. México es el primer país a donde llega esta
marca low-cost, y fue posible gracias a la alianza estratégica
entre Coppel y la empresa de licencias internacionales Li
México, cuyo director comercial José Tawil y quien consideró a la cadena de tiendas departamentales su mejor
aliado para llevar a los clientes mexicanos esta propuesta
de moda y que incluye: zapatos, accesorios, artículos para
el hogar y prendas de vestir como vestidos, sacos, blusas,
pantalones y jumpsuits –en diversas texturas, patrones y
colores– a precios muy accesibles.
“Me siento muy emocionada de presentar oficialmente
mi marca. Esta nueva colección ha sido creada para las
mujeres que buscan moda, calidad y diseños contemporáneos inspirados en tendencias de vanguardia para lucir
hermosas en todo momento”.
–Jennifer Lopez
SHAKIRA
P&G
Shakira ha sido nombrada Primera Embajadora Global de
la franquicia ‘3D White’ de las marcas Oral-B y Crest.
“Celebrada artista, estrella del programa The Voice de NBC, filántropa,
ícono de la belleza y madre, Shakira representa el verdadero espíritu de la
mujer multifacética, y siempre hace todo con una brillante sonrisa en su
rostro”, dijo Stephen Squire, director global de ventas de P&G Oral Care.
“Estoy muy emocionada de trabajar con 3D White como embajadora
global. Siempre he considerado que la sonrisa es una de las mejores
herramientas en la vida. Es una marca muy importante y sé que van a
ser buenos socios, incluyendo el trabajo que vamos a hacer juntos para
ayudar a los niños en Colombia mediante mi fundación Pies Descalzos”.
–Shakira
La Academia
“Una Historia
de
Amor
Fallido
o el divorcio de las músicas”
Todo empezó con el sugerente sonido del tambor.
Le siguió el dulce sonar de la voz humana y de la flauta.
Más tarde se acercaron las cuerdas tañidas y frotadas.
El edificio sonoro crecía instalado sobre el golpeteo
de las manos sobre los parches imitando los ritmos del cuerpo,
y los movimientos del cuerpo se acoplaban al ritmo
de los tambores. Todo atrapado en un círculo infinito.
L
a semilla del arte había sido sembrada.
Aerófonos y cuerdas habían hecho su
aparición sin avisar y se habían organizado en el tiempo.
Surge así el arte de improvisar y hacer
la música. La razón de su existencia se expande hacia los linderos más apartados de su origen, desde
las llamadas de auxilio en la época tribal, el periodismo cantado de los juglares en la edad media, el
goloso éxtasis en los frecuentes bailes del mundo
monárquico, hasta la búsqueda, en los dos últimos
siglos, de satisfacción y deleite de los intelectuales
y también de los “emocionales”, como se dice a sí
mismo mi amigo, el guitarrista y compositor Gerardo
Tamez, debido, tal vez, a la fuente inspiradora de su
música: aquella que nace del surco de la tierra.
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THE MUSIC BUSINESS MAGAZINE
DRA. MARÍA ANTONIETA LOZANO
Todas las músicas del mundo tienen el mismo del modo griego Jónico. Se le llamó la “Música de
origen y los mismos elementos: el canto, el tambor, las Esferas” y pertenece al mundo de la ciencia, no
el aerófono y la cuerda. Se las puede disfrutar en se puede escuchar, pero sí se puede calcular. En
estado natural en cualquiera de sus culturas: sam- cambio la música perceptible pertenece al mundo de los seres vivos, y se le llamó la “Música del
ba, cumbia, góspel, blues, rock, danzón, corrido…
Las piedras preciosas suelen ser pulidas para Cuerpo”. La “Música de las Esferas” se estudiaba en
ensalzar su belleza. La música puede ser pulida para las universidades junto con la retórica, la matemáenaltecer su finura. En cada edad y circunstancia de tica y la astronomía; la “Música del Cuerpo” sólo se
la historia del hombre, la música popular ha sido practicaba. El carácter puramente teórico de una y
tratada de manera distinta: los cantos campesinos puramente práctico de la otra, las colocaron en un
austriacos fueron utilizados en el siglo XVIII, como terreno propicio para establecer una relación commateria prima por Franz J. Haydn y otros composi- plementaria que, con el paso de los años, se convertores para recrear la música que se utilizaría en los tiría en un apasionado amor teórico-práctico.
Esa relación ha llenado al mundo de emociobailes y conciertos de la corte de ese país; en las
plantaciones de tabaco de la Unión Americana los nes. La “Música del Cuerpo” tuvo acceso al estudio
de las funciones aresclavos negros cantamónicas, aprendió a
ban góspel con ritmos
de palmadas, tiempo La realidad es que solamente existen calcular; y la “Música
de las Esferas” descudespués, George Gerdos tipos de música sin importar
brió que la matemátishwin (siglo XX), comsu carácter :
ca también es arte, así
positor norteamericaaquella que tiene buena factura
aprendió a tocar insno, compone óperas y
trumentos y a cantar.
teatro musical con ese
y la que no la tiene.
Todo fue miel socanto y su derivado
Hay quien afirma que las piedras
bre hojuelas hasta que
el blues. Maurice Rapreciosas son música petrificada
el desdén se instaló en
vel compone con un
por el tiempo.
ambas músicas y soblues una sonata para
¿Cómo serán las piedras en que
brevino el divorcio. Ya
viola y piano. El “Jarano se llamaron “Música
be Largo”, propio del
se convertirá la música
de las Esferas” y “Músiestado de Michoacán,
que hagamos hoy?
ca del Cuerpo”, ahora
“Mambrú se fue a la
se llamaron Música
guerra”, “Naranja Dulce”, “Un Pasillo Colombiano” y varias piezas más de Clásica (¿?) y Música Popular. Las interrogaciones
música popular mestiza están orgullosamente pre- encerradas en los paréntesis obligan a hacer la aclasentes con su esencia en obras del genio de Bonn: ración de que el término “Clásico” hace referencia
Ludwig van Beethoven (siglo XVIII-XIX). La Zara- a un estilo de composición musical que tuvo una
banda es una pieza que forma parte de las suites duración de 50 años (1750 – 1800), después de esa
de J. S. Bach (siglo XVIII), los musicólogos suponen época, la música ya no fue clásica.
Podríamos pensar que los culpables de tal dique está inspirada en la Danza del Guajolote, usada
vorcio entre las músicas hayan sido la matemática
para las fiestas populares en lo que ahora es Perú.
En la actualidad se investigan las técnicas ex- y el pensamiento científico de Pitágoras, Boecio y
tendidas en la ejecución instrumental de las mú- otro sabios; ya que el desprecio hacia la práctica
sicas académica y popular. La electrónica también musical sin la base teórica se inicia desde tiempos
participa en música acusmática o con el uso de pe- inmemoriales.
Antes del siglo XV, la “Música del Cuerpo” se midaleras capaces de producir increíbles distorsiones.
Han sido agregados los sonidos acústicos a aque- raba con desprecio. Después del siglo XV el monje
llos fabricados con el auxilio de la computadora a Zarlino publica los libros teóricos con lo que se establece un equilibrio entre ambas músicas. Desde
través de software especializado, sin ningún rubor.
Durante muchos años las músicas mantuvie- el siglo XIX la repulsa es mutua.
Los músicos académicos (clásicos) miran para
ron, de alguna manera, una relación respetuosa entre ellas, permitiendo la libertad para cumplir con un sólo lado; los músicos populares miran sólo
los deberes que le fueran asignados al ser creadas: para el otro lado. Ninguno tiene la oportunidad de
religión, solaz, deleite, entretenimiento, recuerdos... asombrarse ante la inmensidad del panorama musical porque no lo ve. Tampoco puede aprovechar
Había amor y deferencia.
Escondido entre los siglos, estuvo oculto el los recursos que se guardan en los lados opuestos,
desdén de una música inaudible por su lejanía ha- son tesoros que están a la espera de los intrépidos
cia una música audible por su cercanía. En la escue- que se atrevan a internarse en el laberinto sonoro
la Pitagórica de Crotona, el sabio griego descubrió para crear nuevas propuestas.
que los planetas producían sonidos similares a los
THE MUSIC BUSINESS MAGAZINE
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Centro Cultural Roberto Cantoral
New York All Stars
DOS MAGNÍFICOS CONCIERTOS DE JAZZ SE DARÁN CITA EN EL CENTRO CULTURAL
ROBERTO CANTORAL, LA MEJOR ACÚSTICA DE AMÉRCIA LATINA
Presentados por DeQuinta Producciones en asociación con Jazz at Lincoln Center
DAN NIMMER
DAN NIMMER TRIO
5 DE SEPTIEMBRE
Dan Nimmer, su talento innato para tocar el piano lo llevó a destacar en la escena de jazz de
Nueva York, después de conquistar los escenarios en Chicago. Originario de Wisconsin, Dan
ha grabado cinco discos bajo el sello japonés Venus. Desde hace 10 años es el pianista del
Wynton Marsalis Quintet y de la Jazz at Lincoln Center Orchestra. Ha colaborado con grandes
artistas, como Norah Jones, Jimmy Cobb, Eric Clapton, Jon Faddis y muchos más. También se
ha presentado en “The Late Show” con David Letterman, “Live from Abbey Road”, entre otros
shows de televisión.
DIEGO URCOLA
CENTRO CULTURAL ROBERTO CANTORAL
Puente Xoco S/N Puerta A
Colonia Xoco,
Delegación Benito Juárez
México 03330, D.F.
Facebook/CentroCulturalRobertoCantoral@CCRCoficial
Twitter/CentroCulturalRobertoCantoral@CCRCoficial
Contacto: Gabriela Jacobo,
Directora de Programación y Operaciones
55)1228-8818
http://www.ticketmaster.com.mx/Centro-Cultural-RobertoCantoral-boletos-Mexico/venue/165010
3 DE OCTUBRE
Diego Urcola, es un destacado trompetista argentino, quien ha grabado cinco discos como solista. Ganador de 2 Grammy Awards® al
que también fué nominado en la categoría Mejor Álbum de Jazz Latino
por sus registros “Soundances” y “Viva”. Desde 1991 ha sido miembro
del Quinteto de Paquito D’Rivera donde se desempeña como director
adjunto. Ha actuado con la Jazz at Lincoln Center Orchestra, Dizzy
Gillespie Big Band, Joe Henderson Quintet, Steve Turré, Caribbean
Jazz Project, Bebo Valdés, Dee Dee Bridgewater y The Jazz Masters
bajo la dirección de Slide. Actualmente continúa su trabajo como
solista y en conjunto con varios artistas de la escena de jazz de Nueva
York, ciudad donde reside desde 1990.
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THE MUSIC BUSINESS MAGAZINE
Paul Rivera AchPhoto
DIEGO URCOLA QUINTET
ESTUDIA
LICENCIATURAS EN
COMPOSICION
MUSICA TEORICA Y
EJECUCION
Area Infantil desde los 18 meses hasta los 17 años
Avaladas por el ABRSM y
The University of West London
Jalapa No 5, Col. San Jerónimo Aculco, C.P. 10200, México D.F.
Informes a los teléfonos: 2457-3485 / 86 / 87 / 88
Micellaneus
En el Amor y en la Guerra
La música es capaz de emocionarnos, de motivarnos, e incluso de enseñarnos, por ello los
científicos han dedicado innumerables horas de estudio a este arte con el fin
de descubrir que hay detrás de notas y acordes...
S
egún un estudio del CSIC, Consejo Superior de Investigaciones Cinetíficas de Madrid, España, en los últimos años cada
vez la música se parece más y sigue unos patrones más predecibles. El grupo científico, liderado por Joan Serrá y Álvaro
Corral del Instituto de Investigación de Inteligencia Artificial
del CSIC, muestreó un total de 464,411 canciones (más de 1,200 horas
de música) compuestas entre 1955 y 2010.
A través del análisis de diferentes parámetros (sonoridad, tono y
timbre) observaron que cada vez existe menor transición entre distintos
grupos de notas, lo que provoca que sea más sencillo averiguar cuál
va a ser la próxima nota en una partitura, como si en un texto escrito
cada vez usáramos menor variedad de palabras y, además, tendiéramos a usarlas en el mismo orden.
Otra de las conclusiones a las que llegó este estudio, fue que cada
vez más las grabaciones se realizan a un mayor volumen intrínseco (el
volumen al que se graba la música independientemente del volumen
al que lo reproduzcamos). Esto puede ser una consecuencia de los adelantos tecnológicos que permiten un mayor margen dinámico.
FIFTH HARMONY
ESTADOS UNIDOS
La Quinta Armonía, en español, es un grupo
musical femenino estadounidense que tuvo
sus inicios en la segunda temporada de
The X Factor en el 2012, donde obtuvieron
el tercer lugar. El grupo está formado por
Ally Brooke Hernandez, Normani Kordei,
Dinah Jane Hansen, Camila Cabello y Lauren
Jauregui. En el 2012 firmaron con el sello
discográfico Syco de Simon Cowell –productor del programa de concurso–, y el sello
discográfico Epic Records de L.A. Reid. A la
fecha sólo han grabado un disco Refletions.
Esperamos que su gira “The Reflection Tour”,
llegue pronto a nuestro país.
THE SATURDAYS
REINO UNIDO
Es una girl band británica-irlandesa creada en 2007
en Londres, Reino Unido. Formada por Frankie
Bridge, Rochelle Humes, Una Foden, Vanessa
White y Mollie King.
Su música ha partido de una base de pop electrónico, aunque durante el desarrollo de su sonido el
grupo ha llegado a añadir matices desde pop-rock
a dance en casos concretos.
Su primer álbum produjo 4 sencillos top 10 en el
Reino Unido, siendo el mejor debut de una banda
de mujeres desde 2002, cuando se formó Girls
Aloud. Su trayectoria ha gozado de 14 sencillos
en el Top 10, entre ellos los más exitosos: “Up”,
“Issues”,”Ego”,”Higher”, “All Fired Up” y su primer #1
“What About Us”, todos estos certificados plata y el
último oro en Gran Bretaña. Además de 4 álbumes
Top 10 y un EP Top 5 en las listas británicas.
The Saturdays han vendido aproximadamente 4
millones de copias.
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