Download Biografías de los artistas del Jazz de San Javier 2012

XV FESTIVAL DE JAZZ DE SAN JAVIER 2012
PROGRAMA
Viernes 6
 Giovanni Mirabassi Trio
 Renegade Creation (Michael Landau, Robben Ford, Jimmy Haslip,
Gary Novak)
Sábado 7
 Tingvall Trio
 Jorge Salan e Invitados
Martes 10
 Jethro Tull’s Ian Anderson “Thick As A Brick 1 & 2”
Miércoles 11
 Frank Harrison Trio + Alyth McCormack
 John Hiatt
Viernes 13
 Tom Harrell Quintet
 Dana Fuchs
Sábado 14
 Dayna Kurtz
 Terri Lyne Carrington “The Mosaic Project”. Invitada especial: Dianne
Reeves
Viernes 20
 Ximo Tebar & IVAM Jazz Ensemble (featuring Roque Martínez)
 Keb’ Mo’
Sábado 21
 Dorantes Cuarteto. Invitada especial: Esperanza Fernández
 Toquinho
Miércoles 25
 Miles Smiles (Wallace Roney, Larry Coryell, Joey DeFrancesco, Rick
Margitza, Omar Hakim y Darryll Jones)
Viernes 27
 Luis Salinas Cuarteto
 Travellin’ Brothers Big Band
Sábado 28
 José Luis Gutiérrez Quinteto. Invitada especial: Lucrecia
 Eliane Elias
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GIOVANNI MIRABASSI TRIO
Giovanni Mirabassi es un pianista italiano, nacido en Perugia y afincado en París.
Autodidacta, aprendió escuchando a Bud Powell, Art Tatum y Oscar Peterson y ha estado
muy influenciado por Enrico Pieranunzi. A los 17 años, después de varias experiencias
musicales de enorme importancia (tocó con Chet Baker en 1987 y con Steve Grossman en
1988), marchó a Pa-rís en 1992.
En 1996, sacó a la luz su primer álbum con Pierre-Stéphane Michel al contrabajo y Flavio
Boltro a la trompeta, que obutvo el “grand prix” al Mejor Solista en el Concurso
Internacional de Jazz de Avignon, presidido por Daniel Humair.
En 2001, Giovanni Mirabassi editó su primer álbum como solista, Avanti!, una colección de
canciones sobre la Revolución, que había madurado durante varios años. Este disco fue un
hito importante en su carrera (Django d’Or al Mejor Joven Talento). Mirabassi comenzó a
hacer giras de forma regular, en formación de trío o a piano solo. En los últimos años se ha
convertido en un músico muy popular, especialmente en Japón.
A fines de 2005, grabó su nuevo CD, Prima o poi, con formación de trio y cuarteto, con el
sello Minium. Un año después, grabó un nuevo album con standards de la “chanson”
francesa, Cantopiano. Estos dos CDs, todavía buscados por el pco y valorados por los
medios, lo colocaron en un lugar preminente dentro del jazz europeo. Durante un periodo
de diez años ha producido una docena de CDs y DVDs (algunos de ellos con grabación de
conciertos en Japón) y ha tocado por todo el mundo.
En 2008, grabó el CD Terra furiosa, en 2009 Out of Track y en 2010 el concierto Live @ The
Blue Note, Tokyo. Recientemente ha sacado su último álbum ¡Adelante! (2001).
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RENEGADE CREATION
Michael Landau, Robben Ford, Jimmy Haslip y
Gary Novak
Michael Landau
To cover Michael Landau´s career takes a
long time. He is one of the most used
sessionplayers, he is a fantastic musician.
Musician and composer Michael Landau was
born and raised in Los Angeles California. He
grew up with the music of The Beatles, Jimi
Hendrix, Led Zeppelin, Cream and The Band.
His grandfather Ernani Bernardi arranged
and played the alto sax and clarinet during
the "swing era" with the Dorsey Brothers and
Benny Goodman. Michael began playing the
guitar at age 11. As a teenager he quickly
became very interested in jazz and electric
jazz music. Weather Report, Pat Martino and
Jaco Pastorius were some of his early
obsessions.
In the mid '70s Michael played in the L.A. dance clubs with an R&B band and toured the
west coast with The Robben Ford Band, which included members of the Yellow Jackets,
Jimmy Haslip and Russell Ferrante.
At age 19 he joined Boz Scaggs for a world tour and by the age of 20 he started to do
session work with the help of Steve Lukather and Jeff Porcaro. Some session highlights over
the coming years would include Pink Floyd, Miles Davis, Joni Mitchell, BB King, James
Taylor, Seal, Ray Charles and Rod Stewart. There is a complete session discography at
allmusic.com with over 500 records and soundtracks listed.
In 1984 Michael toured again and recorded with Joni Mitchell. This tour was called "The
Refuge Of The Roads" with Vinnie Colaiuta, Larry Klein and Russell Ferrante.
In 1989 he released his first solo studio album "Tales from the Bulge", an instrumental
record initially released in Japan and on "Creatchy" records in the states. Wayne Shorter,
Steve Tavaglione, Vinnie Colaiuta, Carlos Vega, David Garfield and Jimmy Johnson were
among some of the players on this release.
In 1990 he formed the blues-rock band Burning Water with his brother Teddy Landau,
David Frazee and Carlos Vega. They put out 4 discs of original material and played in Japan
and locally in L.A. It was also around this time that he started to record and tour with James
Taylor.
In 1993 he won the readers poll for "Best Studio Guitarist" in "Guitar Player Magazine".
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In 1994 Michael formed The Raging Honkies, a spicy rowdy rock band with Teddy Landau
and Abe Laboriel Jr. They released 2 discs and toured in Europe and the US.
In 2001 he released a double live album of original material and a studio album "The Star
Spangled Banner" on his own label "Unconscious Records".
Michael has also produced and or mixed some selected artists and side projects including:
Scott Henderson, The Jazz Ministry, Stolen Fish and Freak Juice.
He currently tours and performs with The Michael Landau Group, The Wreckers, Robben
Ford, The Jazz Ministry, Stolen Fish, Hazey Jane and James Taylor.
His most recent project, a double live album will be released on "Tone Center" records in
the states, "Mascot Records" in Europe, and "Vega Music" in Japan.
Words from Jazz Network
Robben Ford
Robben Ford (nacido el 16 de diciembre de 1951) es un
guitarrista de blues, jazz y rock.
Nació en Woodlake, California y creció en Ukiah.
Comenzó a tomar clases de guitarra a los 13 años en
1965, comprando su primera guitarra con 19 años en
1969. Charles Ford, su padre, tenía su propia banda de
blues, Charles Ford Blues Band en la que figuraban
como músicos Robben y sus hermanos.
La fama mundial como guitarrista le llegó en 1986, año
en el que figuro como guitarrista en el staff de la gira de
Miles Davis, por fusionar de manera genial jazz y blues
de un modo innovador. Robben Ford también ha tocado
en directo y colaborado en albums con Jimmy
Witherspoon, George Harrison, Joni Mitchell con Tom
Scott´s L.A. Express, y los Yellowjackets.
Ford compuso su primer álbum en solitario en 1972,
titulado Discovering the Blues. A este último le sucedieron Schizophonic (1976) y su mejor
álbum The Inside Story (1979) el cual fue disco de oro en 1980.
Tras un periodo de cuatro años sin ningún nuevo release, en 1983 editó Words and Music, al
que siguió su álbum homónimo Robben Ford en 1986.
En al año 1988 compuso Talk to Your Daughter, que también fue disco de oro 1989. Su
mejor trabajo de los noventa incluye los discos Handful of Blues, Blues Connotation y Tiger
Walk los cuales constituyen un regreso a sus raíces bluseras.
Jimmy Haslip
Jimmy Haslip es un bajista estadounidense de jazz y jazz fusión.
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Nacido en el Bronx de Nueva York, creció en un entorno musical. De niño aprendió a tocar
la percusión, e inició pronto sus
estudios musicales, empezando
con la trompeta. Con 15 años,
probó por primera vez un bajo
eléctrico, instrumento del que se
declara prácticamente autodidacta,
aunque
recibió
clases
del
legendario Jaco Pastorius, lo que
supuso un paso de gigante en su
carrera. En 1977, junto a Robben
Ford, Russell Ferrante y Ricky
Lawson, forma The Robben Ford
Group, banda que más tarde sería
rebautizada
como
The
Yellowyackets.
Una de las particulridades técnicas de Haslip es que, a pesar de ser zurdo, no cambia la
posición de las cuerdas de sus instrumentos, por lo que su técnica de ejecución resulta
radicalmente alejada de la técnica estándar. Aun así, Haslip es uno de los grandes
especialistas del bajo fretless, en el que ejecuta frecuentes y complicados solos, pero
despliega su virtuosismo también en el bajo acústico, el contrabajo eléctrico y en el bajo
eléctrico. Su asombroso dominio técnico le sitúa entre los principales exponentes del
instrumento dentro del complejo género del jazz fusión, y le ha valido 2 premios Grammy y
11 nominaciones.
Jimmy Haslip ha colaborado, entre otros artistas con David Sanborn, Rod Stewart, Joe
Cocker, Chaka Khan, Eric Marienthal, Al Jarreau, John Scofield, Crosby, Stills & Nash, Bo
Diddley, Dori Caymmi, Ivan Lins, Airto Moreira, Larry Carlton, Booker T. Jones, Kiss,
Tommy Bolin, Milton Nascimento, Roy Ayers, Lee Ritenour, Walter Becker, Randy
Crawford, Diane Reeves, Bonnie Raitt, Pat Metheny, Branford Marsalis, Blackjack, Michael
Bolton, Kenny G, Randy Brecker, Bob James, Vinnie Colaiuta, Nana Vasconcelos, Diana Ross,
Toots Thielmanns, Harvey Mason, Paulinho Da Costa, Alex Acuña, Peter Erskine, Dennis
Chambers, Joe Sample, David Benoit, Ron Wood, The Rippingtons, Robben Ford, Joshua
Redman, Michael McDonald, Phil Perry, Andy Summers, Bela Fleck, Bobby McFerrin, Take
6, Anita Baker, Donald Fagen, Kenny Garrett, Chuck Loeb, Kurt Elling, Terri Lynn
Carrington, Patrice Rushen, o George Harrison.
Gary Novak
Born and raised in Chicago, Gary Novak was practically born with drum sticks in hand.
Coming from parents of great musical talent, it is no wonder that Gary began playing the
piano at the tender age of 8. While most musicians find their musical inspiration outside
the home, Novak's influence came from his parents. His mother, Carol Novak, also a pianist,
played with her trio at the London House. His father, Larry Novak, the famous Chicago
pianist, not only encouraged the career of his son but also put him to work. From the age of
10 to 12, Novak would work with his father's trio in all the Chicago clubs, including Mr.
Kelly's, gaining the insight and experience that would lead to several musical milestones
obtained at a very young age.
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During high school, Novak worked
with the jazz clarinet master Buddy
Defranco as well as such notables as
Joe Williams, Milt Hinton, Kenny
Burrell, Barney Kessel and the great
Louis Bellson. Novak's blossoming
reputation lead to the opportunity to
represent Yamaha drums and Zildjian
cymbal through endorsements at the
age of 17.
At 19 years old, Novak moved to Los
Angeles - an important step forward
for Novak bringing many opportunities most could only dream of getting. Not only did Los
Angeles bring him his first road job with Maynard Ferguson, but it marked a year of great
exposure. Novak would come to work with Brandon Fields and record on his latest LP. He
worked with such musical greats as Michael McDonald, Natalie Cole, David Sanborn and
Anita Baker.
He teamed up with guitarist Lee Ritenour who employed him for his solo tour and the GRP
All-Star tour in 1991.
Novak continued to tour throughout ’92, this time with George Benson. Although he had
been working for the greater part of his life, he was not about to slow down. At 28, he
joined Chick Corea’s newest band. After leaving it, he toured with other great musicians,
such as Bob Berg and Allan Holdsworth. In 1998 he joined Canadian pop star Alanis
Morissette’s band, recording and touring with her for over a year.
One must wonder what will be left for Gary Novak to do, having accomplished so much in
such a short time....
Gear: In 2008 Gary switched from DW to YAMAHA...
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TINGVALL TRIO
Este magníficio trío, fundado en Hamburgo en
2003, está compuesto por tres músicos de
nacionalidades distintas: el pianista sueco
Martin Tingvall, el contrabajista cubano Omar
Rodríguez Calvo y el baterista alemán Jürgen
Spiegel.
En su estilo predominan las influencias del folk
nórdico aplicadas a un nuevo concepto de jazz,
dos estilos musicales que a primera vista
pueden parecer distantes y que mezclan con
extraordinario
talento
y
originalidad,
concibiendo los temas sobre la base de un
sonido homogéneo, cálido y sin fisuras. En
varias ocasiones en sus interpretaciones ese
concepto de jazz nórdico se funde con otros
estilos más cercanos al sur de Europa.
El fundador de la banda, Martin Tingvall, es un gran pianista y compositor en la estela de
pianistas nórdicos como Niels Lan Doky o Esbjorn Svensson. A él pertenecen todos los
temas del trío y es él quien marca la línea más lírica y melódica en la formación.
Son artistas que han avanzado a una categoría superior en su género muy poco tiempo Con
su primer álbum Skagerrak, (2006), mientras que los medios de comunicación seguían
delirando acerca de la calidad constante en todo el CD, "... impresionante, principal
testimonio de la musicalidad", la realización ya estaba cristalizando entre los aficionados,
radio y prensa escrita, que el sonido inconfundible del grupo se había vuelto aún más
homogéneo con su álbum sucesor: Norr (2007) (un merecido "CD de Jazz de la semana" en
las 5 cadenas públicas en Alemania).
Además de exitosos conciertos en Alemania, el trío ha conseguido ganar numerosos
seguidores en los países escandinavos, Austria, Polonia, España, Italia y los países del
Benelux. En Japón, el número de copias de vinilo para audiofilos fue sorprendente y refleja
la popularidad de los músicos. Tingvall Trío se ha convertido en uno de los principales
tríos de piano en Europa, en la onda de Esbjörn Svensson Trío. Sin embargo, a diferencia
del trio sueco, que utilizaban sonido electrónico y efectos, Tingvall Trío son puramente
acústicos.
En el año 2009 publicaron su CD Vattensaga, donde madura el sonido de la banda. Este
trabajo está basado en cuentos que giran alrededor del agua, el elemento básico más
importante (el compositor Martín Tingvall vive parte del año en el sur de Suecia, muy cerca
de los lagos y el mar) y parte de las ganancias de las ventas de CD se va a Viva Con Agua,
una organización que financia purificación de pozos de agua potable en todo el mundo.
En el año 2011 han editado su nuevo álbum titulado Vägen, con el que han conseguido
estar en el TopTen de las listas alemanas de música de Jazz.
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JORGE SALAN E INVITADOS
Jorge nació en Madrid en abril de 1982 y
desde siempre tuvo en su mente la
música. Con 8 años tuvo su primera
guitarra y, con ocho años, inicia sus
estudios de solfeo y guitarra clásica.
Influenciado por la película Cruce de
Caminos de Walter Hill, donde descubre a
Ry Cooder y Steve Vai, cambia sus
estudios de música clásica por los de
guitarra eléctrica. Con 17 años, el Berklee
College of Music le concede una beca de 4
años para estudiar en EEUU.
Pasa un año en Boston, rodeado de esa
diversidad musical y cultural tan
característica de Berklee, y compone
algunos de los temas que recoge su
primer álbum. Uno de ellos “Driving
through the tunnel” es elegido por Mariano Muniesa como sintonía de su programa “Rock
Star” de la cadena 40 principales.
Su primer disco, The Utopian Sea of Clouds (2002) es el resultado de todos estos años de
trabajo y dedicación a la música, que Muniesa definió en una sola frase: “Con apenas veinte
años, Jorge Salán, se ha revelado como el músico más innovador, hábil y original de la nueva
escena del Rock español con su álbum debut. Un trabajo llamado a ser un clásico que creará
escuela, que inspira con la magia propia de los grandes, de los verdaderamente grandes, toda
su música”.
Este disco le supuso el reconocimiento de la crítica musical y del público, como mejor
guitarrista de Rock y HardRock de este país. Con su segundo álbum From Now On (2004),
contnúan los elogios a sus composiciones y la frescura de sus temas, sorprendiendo a los
más incrédulos y exigentes con un sonido espectacular y un estilo inclasificable, por la
diversidad de raíces y culturas musicales que contiene. Por no hablar de sus directos,
donde siempre deja un delicioso sabor de boca a todos aquellos que han podido
disfrutarlos.
En 2005 entra a formar parte de una de las bandas españolas con más éxito del momento,
Mago de Oz, permaneciendo en el grupo durante cuatro años.
En 2007 presenta su tercer disco en solitario Chronicles of an Evolution, con colaboraciones
de algunos de los músicos mas reputados de la escena mundial del Rock, como Bob
Daisley (Gary Moore, Ozzy Osbourne, Rainbow), Jeff Scott Soto (Talismán, Journey, Yngwie
Malmsteen), Danny Vaughn (Tyketto, Waysted) o Carlos Escobedo (Savia, Sober).
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Jorge participó, como invitado, en la grabación del directo en DVD del grupo aragonés Tako
en Zaragoza. Igualmente, en Vigo, fue invitado por el guitarrista Javier Vargas a tocar con su
grupo. El concierto fue grabado en DVD y también contó, como artistas invitados, con
Raimundo Amador y Devon Allman, entre otros.
En 2009 se pone a la venta su cuarto disco de estudio titulado Subsuelo en el que participan
como músicos invitados: Miguel Rios, la figura más carismática de la música rock de
nuestro país y por el que Jorge siente una profunda admiración desde pequeño, Danny
Vaughn (Tyketto), que vuelve a unirse de nuevo a este proyecto de Jorge y Ramón Arroyo
(Los Secretos), que ha grabado su inconfundible sonido de guitarra en una de las canciones.
El tema “Subsuelo” lo incluyó Miguel Ríos en su disco Solo o en compañía de otros, del año
2008. De esta canción, Miguel comentó: “Subsuelo, la canción de Jorge Salán, me recordaba,
vagamente, una época en la que estuve cercano al heavy, cuando hacía canciones con
Salvador, antes de que naciera Jorge. Incluso el texto, en el que colaboro, tiene ese
ambiente. Él es uno de los jóvenes creadores con más futuro del momento.” Jorge ha
compartido con Miguel Ríos momentos inolvidables, como su participación en el concierto
de Gredos “Músicos en la Naturaleza”, rodeado de artistas que sienten por Miguel Ríos la
misma admiración que él.
Además de sus conciertos en España, Jorge gira por toda Europa y Sudamérica como
guitarrista de Jeff Scott Soto, y graba su primer directo en la Sala Heineken de Madrid, en
un concierto doble, donde Jeff también fijaría su actuación, para su posterior edición en
DVD.
En 2010 lanza su quinto álbum, titulado Estatuas en la Calle y publicado en un mismo pack
con el DVD Directo al Subsuelo. En este disco, Jorge se decide a cantar por primera vez en
castellano, versionando canciones de sus cuatro discos anteriores, y contando con
colaboraciones de lujo, como Patricia Tapia y Carlos Escobedo, y añadiendo un nuevo título
para la ocasión “Mar de la adicción”. El DVD contiene la grabación de su directo en Madrid,
con la participación de Miguel Ríos, Javier Vargas y Jeff Scott Soto.
Días antes de este lanzamiento, se pone en marcha el “Live Guitar Night”, un espectáculo de
alta calidad, que reúne a Jorge Salán y Javier Vargas, Vargas Blues Band, en un directo único
para los amantes del Rock y del Blues y cuyo primer concierto en Madrid se convirtió en un
éxito total.
Y es que Jorge no se limita en absoluto a ser un maestro en su instrumento. Es, además, un
compositor con una frescura casi olvidada en estos tiempos, un innovador nato, que da a
sus creaciones la pincelada adecuada que hace que escuchar cada una de sus canciones sea
algo absolutamente nuevo y sorprendente a la vez.
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JETHRO TULL’S IAN ANDERSON
“THICK AS A BRICK 1 & 2”
Jethro Tull es el nombre de una original
banda de rock progresivo escocesa, que
comenzó su andadura en 1968 y que,
desde entonces, ha trabajado de forma
ininterrumpida hasta el día de hoy
siendo, tras Rolling Stones (1962) y Le
Orme (1966), entre otros, uno de los
grupos de rock más antiguos todavía
activo.
El nombre de la banda, extraño como
suena, tiene un origen no menos
particular. Su agente revisó libros de
historia y llegó con el nombre de Jethro
Tull, un agricultor inglés que había
inventado un sistema revolucionario
para la siembra.
Desde sus inicios, ha sido liderada por
el virtuoso flautista Ian Anderson. La
banda logró mucha popularidad en la
primera mitad de los años setenta con
álbumes históricos como Thick As A
Brick y Aqualung, y llegó a convertirse
en un grupo de culto.
Su primera formación estuvo integrada
por Ian Anderson (voz, flauta y guitarra
acústica), Glenn Cornick (bajo), Clive Bunker (batería) y Mick Abrahams (guitarra
eléctrica). Su álbum de debut fue This Was. Al poco tiempo, Mick Abrahams se separó del
grupo y fue sustituido por Martin Lancelot Barre, que forma parte del grupo desde
entonces.
Su música, encuadrada en el rock progresivo, constituye una mezcla muy original de blues,
folk inglés y hard rock, con pinceladas de música barroca, música medieval inglesa e
incluso renacentista. El grupo desarrolla además una vertiente dedicada a originales
canciones acústicas de difícil clasificación. En su sonido, destaca de forma particular la
flauta de Ian Anderson, tocada de una forma magistral, que ha sido y sigue constituyendo
una de las inconfundibles características de la banda, así como el sonido desgarrado de la
guitarra eléctrica de Martin Barre, finamente entrelazado con el de la flauta de Anderson.
Durante algunos años, el grupo incluyó dos teclistas conjuntamente, con lo que obtuvo un
sonido de particular colorido: los geniales John Evan y David Palmer. Este último realizaba
además los arreglos orquestales. La formación también ha utilizado una gran variedad de
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instrumentos, barrocamente combinados, en su mayoría tocados por el propio Ian
Anderson, como el laúd, la mandolina, la balalaica, el saxofón, la armónica, la gaita, el
acordeón y diversas clases de flautas. Salvo contadas excepciones, todas los temas
interpretados por el grupo han sido compuestos por Ian Anderson, auténtico líder y
factótum del grupo. Anderson es un personaje camaleónico, tanto en su aspecto como en su
capacidad para reinventar continuamente su propia música, lo cual ha permitido a Jethro
Tull mantenerse joven a pesar de los años. El grupo ha pasado por diversas formaciones y
estilos.
http://www.lastfm.es/music/Jethro+Tull/+wiki
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Ian Anderson, known throughout the world of rock music as the flute and voice behind the
legendary Jethro Tull, celebrates his 44th year as an international recording and
performing musician in 2012.
Ian was born in 1947 in Dunfermline, Fife, Scotland. After attending primary school in
Edinburgh, his family relocated to Blackpool in the north of England in 1959. Following a
traditional Grammar school education, he moved on to Art college to study fine art before
deciding on an attempt at a musical career.
Tull formed in 1968 out of the amalgamation of the John Evan Band and McGregor's
Engine, two blues-based local UK groups.
After a lengthy career, Ian Anderson and Jethro Tull have released 30 studio and live
albums, selling more than 60 million copies since the band first performed at London's
famous Marquee Club in February 1968.
After undertaking more than 3000 concerts in 40 countries throughout four decades, he
has typically played 100-plus concerts each year to longstanding, as well as new fans
worldwide. Widely recognized as the man who introduced the flute to rock music, Ian
Anderson remains the crowned exponent of the popular and rock genres of flute playing.
So far, no real pretender to the throne has stepped forward. Ian also plays ethnic flutes and
whistles together with acoustic guitar and the mandolin family of instruments, providing
the acoustic textures which has been an integral part of most of the Tull repertoire.
Anderson has so far recorded four diverse solo albums in his career: 1983's "Walk Into
Light", the flute instrumental "Divinities" album for EMI's Classical Music Division in 1995
which reached number one in the relevant Billboard chart, and the more recently recorded
acoustic collections of songs, "The Secret Language of Birds", and “Rupi’s Dance”. New
recordings are scheduled for release in 2012 and 2013.
In recent years, he has toured more and more under his own name in solo concerts with
orchestras, string quartets, featured soloists and in his other eclectic acoustic shows. Most
of the concerts scheduled for 2012 and 2013 will feature the Thick As A Brick sequel,
TAAB2 – Whatever Happened To Gerald Bostock? as well as the original Thick As A Brick
album, both performed in their entirety live or, on some shows, various other repertoire
staples and favourites.
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Anderson lives on a farm in the southwest of England where he has a recording and
rehearsal studio and offices. He has been married for 36 years to Shona who is also an
active director of their music and other companies. They have two children - James and
Gael – and two grandchildren. Gael is married to actor Andrew Lincoln, currently shooting
more episodes of the hugely-acclaimed zombie thriller, The Walking Dead, for TV broadcast
in 2012 and 2013.
His hobbies include the growing of many varieties of hot chile peppers, the study and
conservation of the 26 species of small wildcats of the world and the appreciation of
mechanical watches, fountain pens and vintage cameras. He reluctantly admits to owning
digital cameras and scanners for his work on the photographic promotional images related
to Tull as well as his solo career.
In 2006, he was awarded a Doctorate in Literature from Heriot Watt University in
Edinburgh, the Ivor Award for International Achievement in Music and, in the New Years
Honours List 2008, an MBE for services to music. In 2011, he received another Doctorate in
Literature from Dundee University.
Ian owns no fast car, never having taken a driving test, and has a wardrobe of singularly
uninspiring and drab leisurewear. He still keeps a couple of off-road competition
motorcycles, a few sporting guns and a saxophone which he promises never to play again.
He declares a lifelong commitment to music as a profession, being far too young to hang up
his hat or his flute, although the tights and codpiece have long since been consigned to
some forgotten bottom drawer.
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FRANK HARRISON TRIO
con Alyth McCormack
Frank Harrison took up the piano at 11, and began playing gigs when he was 15. After
taking up a scholarship at Berklee School Of Music, Boston, he returned to the UK and
joined Gilad Atzmon’s band. In 2000 they started the Orient House Ensemble, with whom
Frank has recorded seven albums, including BBC Jazz Album Of The Year 2003, Exile. The
band regularly tours Europe, playing at major Jazz and World music festivals. Frank has
also performed with Peter King, Julian Arguelles, Julian Siegel, Don Weller, Alan Barnes,
John Etheridge, Louis Stewart and Iain Ballamy.
In 2006 Frank formed a trio with drummer Stephen Keogh and bassist Aidan O’Donnell.
Their debut album, First Light, launched to critical acclaim and they have since toured
regularly in Europe and the Far East, as well as collaborating with special guests such as
Louis Stewart and Tina May. Frank's new trio features Davide Petrocca on bass and
Stephen Keogh on drums.
“Frank Harrison is one of the most talented young musicians I have heard” Ronnie Scott
“His talent shines among his peers” Julian Joseph
Alyth McCormack
Better known as Alyth (born c. 1970) is a Scottish singer and actress. She was brought up
on the Isle of Lewis in the Scottish Outer Hebrides.
As a young child in the 1970s, Alyth was immersed in the culture of Hebridean Scotland.
She went on to study classical singing and drama at the RSAMD in Glasgow. Since then, she
has worked on a string of collaborations, with folk, jazz, classical and indie musicians.
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During this time she recorded with various artists, appearing on over 16 albums between
then and 2007, and in 2000 released her début solo album 'An Iomall' (Scottish Gaelic: The
Edge) on Vertical records.
In 2004, she began touring with On Eagles' Wings, and toured again in 2007. Throughout
2007 and 2008, she performed worldwide with The Chieftains, appearing at venues such
Boston Symphony Hall and Carnegie Hall. She toured with Moving Hearts during their UK
Tour in 2008, and appeared at the Liverpool Philharmonic.
Alyth performed a concert for Sanctuary alongside Moya Brennan and Nóirín Ní Riain. She
is a member of The Island Tapes, Shine and other bands. In 2009, Alyth released her second
solo album, People Like Me, which featured members of the Scottish band Lau.
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JOHN HIATT
“Dirty jeans and mudslide hymns”, John Hiatt. El hombre tranquilo del rock
Kepa Arbizu / Tercera Información / 03-09-2011
Quizás el mejor camino para llegar a tener una carrera profesional dentro de la música
longeva y respetada por todos (tanto desde de la industria como por parte de los
seguidores) sea avanzar a pasos cortos, seguros, sin altibajos y alejado de los focos
mediáticos. O tal vez este sea sólo el consuelo para aquellos que no logran triunfar, en el
sentido cuantitativo de la palabra. Sea como sea, John Hiatt, aparezca o no en las portadas
de gran tirada, es uno de los hombres claves dentro del rock de los últimos años.
El norteamericano lleva nada más y nada menos que casi 40 años dedicándose a sacar
estupendos discos y a consagrarse como referente de un tipo de música, y también de
actitud, que en nada tiene que envidiar a la de nombres, por otra lado de indudable calidad,
como Tom Petty o Bruce Springsteen.
De extensísima discografía, abarca desde mediados de los setenta hasta la actualidad,
sobresale entre las creaciones de John Hiatt el magistral y esencial Bring the family (1987),
un disco de puro sonido de raíces de asombrosa perfección en todos los registros que
abarca, gracias en buena medida también a la banda de la que se rodeó, formada entre
otros por Ry Cooder o Nick Lowe.
Dirty jeans and mudslide hymns, su nuevo álbum, es otra pieza más dentro de lo que se
podría llamar esta última etapa del músico norteamericano. Aquella que se inició con
Master of disaster (en esa ocasión flanqueado por los North Mississippi Allstars) y en la que
realiza un rock americano sobrio, contenido y de alto calado emocional. En esta ocasión, y
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junto a su banda habitual de los últimos años (Doug Lanco, Patrick O’ Hearn y Kenneth
Blevins), ha contado para las labores de producción con Kevin Sherley (Joe Bonamassa,
Black Crowes, Aerosmith o Led Zeppelín) que ha supuesto implementar el tono dramático a
sus composiciones, cosa que dicho de paso les viene a las mil maravillas.
“Damn this town”, encargada de abrir disco y en la que narra todo un catálogo de
desgracias, es una auténtica joya que sirve también como una demostración de músculo.
Estamos ante un sonido denso pero compactado con tremenda fuerza, a lo que ayuda su
tono de voz profundo y crudo, que le emparienta con Bob Dylan o el Graham Parker actual.
“I love that girl” es otra muestra de contundencia instrumental, aunque esta vez con un
ritmo más alegre en la que el country-rock se encuentra con momentos pop y que podría
ser firmada por cualquier potente banda del llamado alt-country.
Una parte importante del grueso de esta álbum lo forman canciones lentas o medios
tiempos. Es el caso de “Till get my lovin back” o “Don’t wanna leave you now”, con un aire
country, mención especial para la pedal steel de Russ Pahl, aderezado con leves gotas de
soul. “Hold on for your love” y “Down around my place”, enfocadas desde un punto de vista
mucho más rockero y con una épica maravillosamente conseguida principalmente por el
potente sonido de las guitarras, protagonistas en ambas composiciones.
Además de todo esto, y recordando que estamos ante un compositor que siempre se ha
movido por todos los palos de lo que se entiende por música de raíces, hay momentos
también para el country nostálgico de “Adios california”, el rock and roll mestizo, al estilo
de Delbert McClinton, de “Detroit made”, el blues rock sosegado de “Train to Birmingham”
o “All the way under”con su pura esencia a Nueva Orleans.
John Hiatt, al igual que otros veteranos con no demasiada repercusión como Buddy Miller o
Guy Clark, demuestra su fuerza y su talento a cada paso que da en forma de discos de una
asombrosa perfección y en la que la música tradicional americana la representa con iguales
dosis de sensibilidad, fuerza y épica, decorado todo ello con la imaginería habitual de este
tipo de estilos y donde los dramas, las largas carreteras o el desamor, construyen un mapa
crudo y real que supera con mucho cualquier interpretación localista para llegar hasta la
esencia del ser humano.
http://www.tercerainformacion.es/spip.php?article28274
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TOM HARRELL QUINTET
Thomas Harrell (Urbana, Illinois, 16 de junio de 1946) es un trompetista, fliscornista y
compositor estadounidense de jazz.
Su infancia transcurre en California, donde empieza a tocar la trompeta con sólo nueve
años. tras sucesivas crisis nerviosas, se diagnostica como esquizofrénico en 1967, y desde
entonces, permanece en continuo tratamiento. A comienzos de los años 1970, trabajará en
la big band de Woody Herman y en los grupos de Horace Silver, Arnie Lawrence y Chuck
Israels, además de convertirse en un reputado músico de sesión, colaborando con Lee
Konitz, Sam Jones, Bill Evans, George Russell y otros. También formó parte de la sección de
viento de bandas de jazz rock, como Malo, donde coincidió con los también trompetistas
Forrest Butchel y Luis Gasca. En 1983, se incorpora al cuarteto de Phil Woods, con quien
permanecerá hasta 1988.
Desde 1989, Harrell dirige sus propias formaciones como líder, especialmente el quinteto
que mantiene entre 1996 y 2003, registrando un buen número de álbumes para RCA /
BMG. Ha compuesto además un gran número de temas para otros músicos y realizado
arreglos para bandas y artistas reconocidos. Su obra compositora se ha publicado en
diversos libros, por Hal Leonard. Jamey Aebersold, Sher Music, y "Gerard and Sarzin".
También ha grabado con Charlie Haden y Joe Lovano.
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DANA FUCHS
Dana Fuchs is a phenomenon, a singer whose mesmerizing voice and presence has led
critics to compare her to Rock Legends from Janis to Jagger. Dana’s portrayal of “Sadie” in
Sony Pictures’ highly acclaimed film Across the Universe has exposed her considerable
talents to a wider, international audience.
Dana and her band spent time in 2010 successfully harnessing the energy & power of her
live show in the studio for their new album, Love To Beg (Ruf Records), released April
2011. “I’m really excited about the new material and the energy we captured in the studio,”
says Dana. “Jon and I wrote most of the tunes while touring for pretty much the past year
and we feel this new album really captures all of our influences in a sincere and powerful
way.”
Since then, Dana has been touring the globe non-stop bringing her high energy “Rock & Roll
Church of Love” to audiences far and wide. Love To Beg is a combination of Rock, Soul,
Gospel and Blues that captures the visceral energy she brings to the stage every night.
“Honestly, we recorded this collection of songs for ourselves and our fans,” says Dana. “We
weren’t thinking about having a 3-minute song with ‘hooks’ or worrying about the often
dark nature of the lyrics. We just trusted our own musical instincts and let it rip. I can’t wait
for the world to hear the new CD and I can’t wait to bring it to life onstage.”
But Dana has been honing her craft and creating vibrant music from an early age...
The youngest of six musical children, Dana was raised in a small town in rural Florida
surrounded by music –her older siblings’ band playing classic rock in the garage, Ray
Charles and Hank Williams on her parents’ turntable and a big dose of 70’s and 80’s funk at
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school. At age 12, she joined the First Baptist Gospel Choir and was singing, shouting and
praising the lord every week in a small black church on the outskirts of town. “The best
advice I ever got was from a matronly African American woman who told me to just let
‘Mama Music’ take over. I felt inspired, liberated and scared!”
At 16, she was fronting a popular local band at a roadside Holiday Inn. It was the beginning
of a hunger for singing and the stage that Wildwood, Florida couldn’t possibly satiate. Soon
she was headed north, telling friends and family she was “going to New York to sing the
blues”.
Arriving in NYC alone and broke at the age of 19, Dana soon found herself down-and-out on
Manhattan’s Lower East Side. After the wake-up call of her older sister’s suicide (Donna
was Dana’s first musical mentor), Dana pulled herself together and was determined to
reconnect with her passion for music. She began hitting the local blues jams with a
vengeance and it was at one of these sessions that she met Jon Diamond, an established
NYC guitarist who toured with Joan Osborne and Debbie Davies.
Immediately recognizing a musical chemistry, they formed the Dana Fuchs Band. Within a
year, the band was a feature act in New York City’s best clubs, often sharing the stage and
performing with the likes of John Popper, James Cotton, and Taj Mahal. For another year
Dana immersed herself in the blues, playing three long sets a night, four nights a week –
until sunrise – honing her formidable vocal power and performance style, all the while
building a large, loyal following.
After a couple of years working the blues circuit, Dana knew it was time for a change and
decided to tell her own story and create her own music. She and Jon began writing
intensively and putting together a solid body of original rock songs. “I didn’t grow up on
Tobacco Road, so my personal ‘blues’ had a different story and I needed to tell it. I also
needed to explore and express my rock and roll side more.”
Soon Dana was back on the Lower East Side again, only this time on stage with the band,
debuting her songs to a packed house at Arlene’s Grocery. The fan response was
overwhelming. The band was soon selling out shows at The Mercury Lounge, The Stephen
Talkhouse and BB King’s, sharing the bill with luminaries including Little Feat, Marianne
Faithfull, and Etta James to name just a few.
Shortly thereafter, the producers of the off-Broadway hit “Love, Janis” hearing raves about
Dana from various cast and crew-members, asked her to come in for an audition. Dana
went in, sang a few bars of “Piece of My Heart,” and was offered the role of Janis Joplin on
the spot. “I had 8 days to learn 20 Joplin tunes and 52 pages of dialogue. One of the most
exciting challenges of my life!” Playing Janis four nights a week garnered Dana a whole new
audience who were soon regulars at her band’s shows listening to Dana performing her
own music.
The Dana Fuchs Band has released several acclaimed albums, from their studio debut
Lonely for a Lifetime to their 2008 internationally distributed Live in NYC CD and
DVD. According to Dana, “Live performance is the way I get to truly spill my soul and
connect with an audience. I love being in the studio but in live performance every second is
a new creation.”
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Perhaps Stereophile Magazine said it best: “Imagine a sultry, more emotive Janis Joplin,
backed by a higher energy version of the late 60s Rolling Stones... Rock n’ Roll doesn’t get
any better.”
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DAYNA KURTZ
Dayna Kurtz is the kind of artist who inspires wild-eyed zealotry among her fans, and there
are three reasons for it: One, she's an artist's artist, one whose whiskeyed, determined alto
often earns her comparisons with Nina Simone; two, while Europeans adore her, she's
obscenely underappreciated in her own country; and three, her songs, which straddle a
difficult space between jazz, rock, and folk, are pure poetry. Another Black Feather, her
third full-length, merits still more whipping up of the faithful. Each of these 11 tracks
arrives swathed in soul-derived, deeply held meaning, and each follows lyrical twists that
deliver a listener to places in her own heart she might not have had occasion to visit
otherwise. There is sadness ("It's the Day of Atonement, 2001"), regret ("Venezuela,"
"Nola"), and tenderness ("All Over Again"), but most of all there is beauty; a common
thread. Kurtz chooses her backing players as carefully as her words, and here they display
an audible knowingness of her character -- when her mood shifts, they match it with
idiosyncratic mastery. Another Black Feather owes its artist instant stardom. If that's
unattainable, it should at least earn her the one descriptor all serious artists strive for:
important.
Tammy La Gorce
22
TERRI LYNE CARRINGTON “THE MOSAIC PROJECT”
Invitada especial: Dianne Reeves
Drummer, composer, producer
and
clinician,
Terri
Lyne
Carrington, was born in 1965 in
Medford, Massachusetts. After an
extensive touring career of over
20 years with luminaries like
Herbie Hancock, Wayne Shorter,
Al Jarreau, Stan Getz, David
Sanborn, Joe Sample, Cassandra
Wilson, Clark Terry, Dianne
Reeves and more, she recently
returned to her hometown where
she was appointed professor at
her alma mater, Berklee College
of Music. Terri Lyne also received
an honorary doctorate from
Berklee College of Music in 2003.
After
studying
under
full
scholarship at Berklee, with the
encouragement of her mentor,
Jack DeJohnette, Terri Lyne
moved to New York in 1983. For
5 years she was a much indemand musician, working with James Moody, Lester Bowie, Pharoah Sanders, and others.
In the late '80s she relocated to Los Angeles, where she gained recognition on late night TV
as the house drummer for the Arsenio Hall Show, then again in the late '90s as the
drummer on the Quincy Jones late night TV show, VIBE, hosted by Sinbad.
In 1989, Ms. Carrington released a GRAMMY® nominated debut CD entitled Real Life Story,
which featured Carlos Santana, Grover Washington Jr., Dianne Reeves, Wayne Shorter,
Patrice Rushen, Gerald Albright, John Scofield, Robert Irving III, Greg Osby, Don Alias and
Hiram Bullock. Other solo CDs include 2002's Jazz is a Spirit, which features Herbie
Hancock, Gary Thomas, Wallace Roney, Terence Blanchard, Kevin Eubanks, and Bob Hurst,
and 2004's Structure, a cooperative group which features Adam Rogers, Jimmy Haslip and
Greg Osby. Both CDs were released on the Europe-based ACT Music label, and enjoyed
considerable media attention and critical acclaim in the European and Japanese markets.
Her production and songwriting collaborations with artists such as Gino Vannelli, Peabo
Bryson, Dianne Reeves, Siedah Garrett, Marilyn Scott have produced notable works as well,
including a special song commissioned by the Atlanta Committee for the 1996 Olympic
Games, "Always Reach for Your Dreams," (featuring Peabo Bryson), and her production of
the Dianne Reeves GRAMMY®-nominated CD, That Day, which hovered at the top of the
music charts for many months.
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Terri Lyne has played on many recordings throughout the '80s and '90s thru today. Notable
examples of her work include Herbie Hancock's GRAMMY® Award winning CD Gershwin's
World, where she played alongside Joni Mitchell and Stevie Wonder. She has toured with
each of Mr. Hancock's musical configurations (from electric to acoustic) over the last 10
years and is featured on his Future2Future DVD.
After a hiatus from the U.S. recording scene as a solo recording artist, Terri Lyne returned
in 2008 with More To Say... (Real Life Story: NextGen). She performs with friends and
colleagues with whom she has been working with in her 20-year-plus career. Joining
Carrington on More to Say is an impressive all-star cast of jazz and contemporary jazz
instrumentalists, including George Duke, Everette Harp, Kirk Whalum, Jimmy Haslip, Greg
Phillingaines, Gregoire Maret, Christian McBride, Danilo Perez, Patrice Rushen, Robert
Irving III (who also serves as co-producer), Chuck Loeb, Tineke Postma, Ray Fuller, Dwight
Sills, Anthony Wilson, Les McCann and a special appearance by her dad, Sonny Carrington,
on tenor. In addition, Terri Lyne collaborates with esteemed vocalist Nancy Wilson for the
song, "Imagine This."
In July 2011, Terry Lyne releases The Mosaic Project, her fifth recording overall and first on
Concord Jazz. Her new album once again gathers a myriad of voices and crystallizes them
into a multi-faceted whole that far outweighs the sum of its parts. She produced the 14song set which features some of the most prominent female jazz artists of the last few
decades: Esperanza Spalding, Dianne Reeves, Dee Dee Bridgewater, Sheila E., Nona
Hendryx, Cassandra Wilson, Geri Allen and several others. Terri Lyne says the emergence
of so many great female jazz artists is what finally makes an album like The Mosaic Project
possible, more so now than in decades past.
Dianne Reeves
Dianne Reeves está considerada
como una de las más importantes
cantantes femeninas de jazz de
nuestro tiempo.
Descubierta por el trompetista Clark
Terry cuando todavía iba al colegio,
Dianne comenzó a cantar en la
banda de su escuela, y con ella
recibió un premio durante la
Citywide Big Band, una competición
escolar celebrada en Denver. Aquél
premio le sirvió para asistir a la
conferencia
de
la
National
Association of Jazz Educators en
Chicago. Terry la escuchó durante la
conferencia y decidió ayudarla.
Dianne Reeves ha cantado con el trompetista cuando aún estaba en la Universidad de
Colorado. Inició su carrera en Los Ángeles en 1976.
24
En California, Dianne Reeves descubre el trabajo en estudio, y se empapa de cultura
musical. Graba con Lenny White, Stanley Turrentine, Alphonso Johnson y The Latin
Ensemble.
Entre 1978 y 1980 conoce a Billy Childs y comienza una relación artística que durará diez
años; con Childs, Dianne aborda el período de desarrollo musical más importante de su
vida. Acompaña al grupo Night Flight en el conocido "circuito de las playas" americanas,
dándose a conocer en todo el sur de California En 1981 trabaja con Sergio Mendes y con el
compositor Phil Moore y comienza ya a recibir los primeros elogios de la crítica y las
primeras muestras de reconocimiento del público. Al año siguiente, Dianne y Billy
producen su primer álbum para el sello Palo Alto titulado: Welcome To My Love. En 1986 se
instala en Nueva York y tras grabar su segundo álbum, Fore Every Heart, en el que se
aprecia mucho la influencia de Harry Belafonte, regresa a la costa Oeste donde ambos
deciden formar un trío con el que realizan una amplia gira por los Estados Unidos.
En 1987, Dianne Reeves interviene en el concierto Echoes of Ellington en Los Ángeles, en
homenaje al gran compositor y pianista. Esa noche Bruce Lundvall, presidente de Blue Note
Records, está entre el público y tras escucharla la invita a entrar en su discográfica, una
decisión que reforzará definitivamente su carrera. Su primer álbum para el sello de la
etiqueta azul, Dianne Reeves (1987) incluye un arreglo del tema de Ellington "Better Days",
que se convierte en un enorme éxito. Tras el éxito de ésa primera grabación, Dianne inicia
una gira por Estados Unidos y Asia que se prolonga hasta 1989. Sus grabaciones se suceden
año tras año y su voz es muy apreciada por los entendidos y el público de jazz.
En 1991 graba I Remember para Blue Note y el disco permanece durante más de tres meses
en la lista de jazz vocal más vendidos de los Estados Unidos. A ése enorme disco le siguen
Art and Survival (EMI, 1994). Un nuevo álbum al año siguiente para Blue Note Quiet After
The Storm fue nominado para el Grammy por la mejor interpretación vocal de Jazz. Ya
subida en la cresta de la ola, graba un disco con los grandes del jazz entre los que se
encuentran: Joe Williams, Clark Terry, Harry "Sweets" Edison, James Moody, Phil Woods,
Toots Thielemans y Kenny Barron. The Grand Encounter constituyó un enorme éxito.
Dianne Reeves, sigue en la actualidad grabando discos para Blue Note y está afianzada
como una de las voces más cualificadas en el mundo del jazz vocal contemporáneo y sus
admiradores suelen disfrutar con enorme interés cada actuación, concierto o disco que
saca al mercado.
25
XIMO TEBAR & IVAM JAZZ ENSEMBLE
Featuring Roque Martínez
Ximo Tebar nace en Valencia (Spain) en
1963, comienza a tocar la guitarra los
siete años y a los diecisiete decide
dedicarse profesionalmente a la música.
Desde entonces, ha realizado giras y
grabaciones por España, Europa y
América liderando su propio grupo o
junto a prestigiosos solistas como: Johnny
Griffinn, Benny Golson, Joe Lovano, Tom
Harrell, Tete Montoliu, Anthony Jackson,
Lou Bennett, Lou Donaldson, Louie
Bellson, Joey DeFrancesco, Jan Ackerman,
etc.
Ha participado en la mayoría de los mas
importantes festivales de jazz del mundo
como: Vitoria-Gasteiz, San Sebastian Jazzaldia, North Sea, Montreux, Latin in Manhattan,
Pori Jazz, Midem Cannes, Apolo Theater New York, Jazz at Lincoln Center NYC, Buenos
Aires, Panama, Moscow, Leningrad, Jordania, Libano, EEUU, San Javier, Madrid, Barcelona,
etc.
Ximo Tébar es el músico español que más premios a obtenido en los últimos años, de entre
ellos, cabe destacar el premio al MEJOR SOLISTA de la Muestra Nacional de Jazz, otorgado
por el Ministerio de Cultura, durante dos años consecutivos (1989-90).
En Diciembre de 2003 se traslada a Nueva York fijando su residencia en Manhattan y
comienza a introducirse en la escena jazzistica neoyorkina tocando con Michael P.
Mosmman, Dave Schnitter, Anthony Jackson o Arturo O'Farril por los jazz clubs como
Birland, Smoke, Dizzy’s Jazz At Lincoln Center, etc. En Febrero de 2004 firma un contrato
en Nueva York con Sunnyside Records y comienza a trabajar, de la mano de Arturo O'Farril
con la Chico O'Farril Afro Cuban Jazz Orchestra actuando cada domingo en el Birland Jazz
Club. También comienza a trabajar con Joe Lovano, Tom Harrel, Dave Samuels, etc. y como
productor en grabaciones.
Considerado por la crítica internacional especializada como el creador del Son
Mediterráneo, su extensa discografía, 14 discos, consta de discos de corte jazzistico
tradicional como su estupenda colección de discos “The Jazz Guitar Trios”, (4 volumenes
grabados junto a los mejores organistas y baterías del mundo, Joey DeFrancesco, Dr. Lonnie
Smitt, Lou Bennett, Idris Muhammad, Billy Brooks, etc.). Su faceta mas original e
innovadora la muestra en sus discos de fusión como, “Son Mediterráneo” (Wea 1992) Disco
considerado como uno de los 100 mejores albumes de jazz de la década de los 90,
“Homepage” (Wea 1998) Nominado "Mejor Album de Jazz" en los Premios de la Música
1999 y primer disco de jazz español que ha entrado en las listas de éxitos. “Embrujado”
(Omix 2003), la critica destaca el disco como: "Una obra total y plena. Jazz imaginativo con
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geniales particularidades". En su faceta más vanguardista, sus discos “Eclipse” (Omix 2006)
y “Steps” (Omix 2008) han sido valorados como los mejores discos del año por la revista All
About Jazz New York. Su último disco “Celebrating Erik Satie” (2009) es un trabajo basado
en la música del genial compositor francés Erik Satie en clave de jazz contemporáneo.
Actualmente Ximo Tebar reside entre Valencia y Nueva York y comparte sus giras,
grabaciones, producciones discográficas y Master Clases en Seminarios, con la dirección de
su sello discográfico Omix Records y la dirección artística de uno de los proyectos más
innovadores de España; el IVAM JAZZ ENSEMBLE, una iniciativa del IVAM (Museo de Arte
Moderno de Valencia) que promueve programas de creación y experimentación en torno a
la música moderna y el jazz de forma continuada como parte integrada de las actividades
del museo.
IVAM Jazz Ensemble: un sueño hecho realidad
By Jose Mª García Martínez / Diario El País, Cuadernos de Jazz
Reflexionar en torno al hecho jazzístico; interpretar el pasado de nuestra música desde una
imprescindible perspectiva histórica, siempre mirando al futuro (“Ancient to the Future”)…
no hace mucho que el jazz ha cobrado consciencia de su propia historia. Para ello, ha sido
necesario el concurso de quienes han promovido las herramientas imprescindibles a tal
efecto, instituciones y músicos, principalmente.
Lo que en nuestra vieja Europa son la formaciones sinfónicas estables dependientes en un
grado u otro de la Administración, lo es, en los Estados Unidos, la orquesta “Jazz at The
Philarmonic”, institución sometida a toda suerte de críticas, la mayoría fundadas, por su
discutible forma de entender la interpretación del pasado a pié de la letra. Los tiempos han
cambiado y JATP parece haber emprendido un nuevo camino más acorde con los tiempos al
haber dado entrada en su programación a las así llamadas “vanguardias”, bien está que así
sea.
En Europa es la Viena Art Orchestra (VAO), primera entre las orquestas de repertorio
surgidas en los últimos 20 años en el Viejo Continente, verdaderos buques escuela para los
músicos de jazz en ciernes (y una formidable oportunidad de trabajo para los
consagrados). Cada país tiene la suya; en Francia, la Orquesta Nacional de Jazz; en Italia, la
Orquestra Inestabile. Aquí, por fin, tendremos la nuestra: el “IVAM Jazz Ensemble”. Hemos
tenido que esperar, lo propio de un país que dejó morirse a un genio universal del jazz –
Tete Montoliu- sin dedicarle el menor reconocimiento, nada se diga del Premio Nacional de
la Música. Las comparaciones, a veces, son odiosas…
No es casualidad que el IJE nazca en Valencia, tierra de jazzistas donde se escucha mucho y
buen jazz. Para los que habitamos regiones menos dadas al asunto, la ciudad y su comarca
constituyen una especie de reserva jazzística de la península, con perdón; como tampoco es
casualidad que tenga como director artístico a Ximo Tébar, a quien uno no va a descubrir a
estas alturas. Que si alguien reunía las condiciones para poner en marcha semejante
proyecto, no cabe duda de que era él.
El programa que se anuncia para la primera temporada de la IJE es todo lo ambicioso que
puede esperarse de un proyecto de tales características. Para empezar, los músicos que
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integran el “ensemble” pertenecientes todos ellos a la primera división del jazz nacional e
internacional. Eso es lo más importante: el resto vendrá por añadidura.
Hasta donde a uno se le alcanza, todo será música compuesta o arreglada para la ocasión,
que en esto no valen las imitaciones. Y, en tercer lugar, el temario, acaso lo más sugerente
de cuanto se anuncia. De haber tiempo para ello, y según se adelanta, se dedicarán
sucesivas sesiones monotemáticas al jazz y el flamenco (un “must”), el jazz electrónico, la
“fusión”, el blues, el jazz con denominación de origen valenciano, la libre improvisación, el
jazz “afrolatino” y el jazz experimental. Eso, para empezar.
La semilla ya está plantada. Ahora es momento de comenzar a saborear los frutos.
http://www.jazzspain.net/web/ivamjazzensemble
28
KEB’ MO’
Mo's music is also a purely post-modern expression
of the artistic and cultural journey that has
transformed the blues, and his own point of view,
over time. His distinctive sound embraces multiple
eras and genres, including pop, rock folk and jazz, in
which he is well-versed. In total, it owes as much to
contemporary
music's
singer-songwriter
movement, encompassing his longtime friends and
collaborators Bonnie Raitt and Jackson Browne, as
to the spirit of blues godfather Robert Johnson that
dwells in his work. For Keb' Mo', the common bond
between these influences is the underlying
storytelling ethic, the power of song to convey
human experience and emotional weight.
The Reflection is the first new studio album by Keb
Mo since Suitcase in 2006. These twelve songs are
the product of an important period of personal and
professional growth for the artist formerly known
as Kevin Moore. In that time, he started a new
family; moved from Los Angeles to Nashville; built a
state–of–the–art home studio, and founded his own label, Yolabelle International,
distributed by Ryko and the Warner Music Group.
Keb Mo is a three–time Grammy Award winner for Best Contemporary Blues Album; and a
key figure in the acclaimed 2003 PBS series Martin Scorsese Presents The Blues. But The
Reflection is not, in essence, a blues album. In sound and spirit, it’s closer to the work of
African–American "folk soul" singer/songwriters like Bill Withers, Bobby Womack, and
Terry Callier.
Indeed, tracks like "My Shadow" and "Crush On You" would have fit neatly into Urban
radio’s "Quiet Storm" format at almost any time in the past 25 years. The Reflection brings
together all of this singular artist's diverse influences – pre–disco R&B, American folk and
gospel, rock, blues, and more – in a sound that is truly and uniquely his own.
"I worked on this record for the better part of two years," says Keb. "It took me some time
as this was an educational process for me and my engineer John Schirmer. I didn’t want to
let it go until I had something that I was proud to share with the public. It’s the culmination
of all of my influences throughout my career."
Through all the changes of the past several years, Keb Mo found time to play a couple of
hundred shows on several continents. He composed and recorded music for the acclaimed
TNT series "Memphis Beat," starring Jason Lee and Alfre Woodward. And he wrote some of
the best songs of his career for The Reflection – material strong enough to attract such
notable guests as country music superstar Vince Gill ("My Baby’s Tellin’ Lies"), nouveau–
soul chanteuse India.Arie ("Crush On You"), saxophonist Dave Koz ("One Of These Nights"),
29
and veteran session guitarist David T. Walker ("All The Way," "The Reflection," "The Whole
Enchilada").
AWARDS
- Grammy Awards:
Contemporary Blues Album "Keep It Simple" 2005
Contemporary Blues Album "Slow Down" 1999
Contemporary Blues Album "Just Like You" 1997
- Grammy Award Nominations:
Blues Album of the Year "The Reflection" 2011
Contemporary Blues Album of the Year "Suitcase" 2007
Contemporary Blues Album of the Year "Big Wide Grin" 2002
Contemporary Blues Album of the Year "The Door" 2001
Country Song of the Year "I Hope" 2006
- Gold Record certified by RIAA for "Keb' Mo'" 2005
- 2002 Orville Gibson Awards- Best Blues Guitarist
- 2008 Elevate Film Festival - Best Music Artist
- 2008 Elevate Film Festival - Best Music Video
- Hollywood Rock Walk Induction - June 16, 2007
- WC Handy Blues Awards:
1999 Song of the Year - Soon As I Get Paid
1994 Country/Acoustic Blues Album of the Year - Keb' Mo' album
1999 & 2000 Contemporary Blues Male Artist of the Year
1997-2002 Acoustic Blues Artist of the Year
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DORANTES CUARTETO
Invitada especial: Esperanza Fernández
En la luminosa campiña lebrijana, al
sur de la provincia de Sevilla, nace
David Peña Dorantes, en el seno de
una familia que vive y siente, en lo
mas hondo de sus entrañas, el cante
y la música de Andalucía. Miembro
de una legendaria familia que supo
expresar como nadie el sentimiento
de los cantes del Sur, de
extraordinaria cultura musical,
entre sus ancestros cuenta con
numerosas
figuras
muy
significativas en la historia del
flamenco. Por mencionar algunas:
su abuela María “La Perrata”; su
padre Pedro Peña; su tío carnal Juan Peña “El Lebrijano”; Fernanda y Bernarda de Utrera,
Diego Carrasco, El Turronero, Pedro Bacán, Bambino, etc., llegando, por ejemplo, sus raíces
hasta los legendarios Mercé La Serneta y Tomás “El Nitri».
Dorantes, tras haber absorbido la cultura musical de su familia, realiza estudios de piano,
armonía y composición en el Real Conservatorio Superior de Música de Sevilla. Todo este
bagaje incide en procurarle una sólida formación, además de un amplio conocimiento
acerca de las diversas estructuras musicales: desde las más clásica hasta las más
vanguardistas.
Comienza con la guitarra flamenca con la que gana varios concursos y siendo aún muy
joven descubre el piano que lo enamora y decide dedicarse a él por completo. Su primera
actuación pública como pianista solista fue en 1991 en los Reales Alcázares de Sevilla ante
sus Majestades los Reyes de España y en el año 1996, apoyado entre otros, por Sir Yehudi
Menuhin, Dorantes presenta su opera prima, “Orobroy”, en el Festival d´Art Flamenco de
Mont de Marsan, Francia. Tres meses después, tras cosechar un gran éxito con su actuación
en el prestigioso Festival francés, la Bienal de Flamenco de Sevilla organiza su primer
concierto en España. La unanimidad con que, tanto la crítica especializada como los
espectadores, aficionados, puristas y vanguardistas, aplauden el estreno de su obra y
presentación en Sevilla, le valió por entonces para ser denominado “Artista Revelación” y
conseguir el “Premio Demófilo” otorgado por la Fundación Machado de Sevilla como al
mejor espectáculo de Flamenco realizado entre los años 1995 y 1996.
Entre 1997 y 1998, graba su primer disco que, al igual que su primer espectáculo, lo titula
Orobroy. Una vez más, no cesan los elogios y los premios, entre los que se encuentra el
“Premio Flamenco Hoy 1999” a Orobroy como al mejor disco instrumental que le otorga la
Asociación de Críticos de Flamenco de España. Ya por entonces se le empieza a reconocer
como al Músico Flamenco del Siglo XXI.
31
De 1998 al año 2002, realiza multitud de actuaciones por todo el mundo, desde La Habana
hasta Tokio, compartiendo cartel con prestigiosos artistas del Latin Jazz (Michael Camillo o
Chucho Valdés), la Música Clásica, World Music (Musafir), etc. Su presencia es solicitada
en los más importantes Festivales Internacionales de Música. En el año 2000, el Ballet
Nacional de España le propone una colaboración especial, en calidad de artista invitado
junto a Aída Gómez y Antonio Canales, con quienes llaga a realizar más de cuarenta
funciones en el Teatro de la Zarzuela de Madrid. En el año 2002, saca al mercado su
segundo trabajo discográfico, Sur, grabación que lleva a cabo entre la ciudades de París
(Francia), Sofía (Bulgaria), y Sevilla. Donde colaboran, entre otros, la Orquesta Nacional de
Radio Sofía y grandes músicos como Theodosii Spasov, la cantaora Esperanza Fernández, el
percusionista Tino di Geraldo y el compositor y arreglista, discípulo de Astor Piazzola,
Thomas Gubitsch. Al igual que hiciera con su anterior trabajo, al nuevo espectáculo lo titula
como al nuevo disco: “Sur”.
El estreno de “Sur” en España, lo realiza dentro de la XII Bienal de Flamenco de Sevilla.
Estreno y actuación por el que le otorgaron tres Premios, “Giraldillos”, y lo erigieron en el
triunfador absoluto de la edición citada: Premio del Público (mejor espectáculo); Premio a
la Mejor Música (mejor música original) Premio al Mejor Intérprete Solista. A Sur, tal y
como le ocurriera a Orobroy, también le ha sido otorgado el “Premio Flamenco Hoy 2003”
como mejor disco Instrumental. Con este espectáculo es llamado para el concierto
inaugural del Womex y la Feria Mundial de flamenco en el 2003.
Sus obras, desde entonces, se utilizan en teatro, ballet clásico y flamenco, cine… y artistas
de la talla de Antonio Canales, Rafael Amargo, Antonio el Pipa, Eva La Hierbabuena, Belén
Maya… bailan sus composiciones. Colabora además con artistas tan variados como
Susheela Raman, Esperanza Fernandez, El Barrio, Jose Manuel Hevia, Paco Fernandez, Juan
Peña “El Lebrijano”…
En el 2004 y junto a Tino di Geraldo, Carlos Benavent, Jorge Pardo y Diego Carrasco sale al
mercado Flamencos del Siglo XXI, grabado en directo en el Festival de Etnosur donde actuó
ante más de dos mil personas. Es reconocido como el “mejor Dvd flamenco del 2004” por la
asociación de críticos de España.
Además es un artista comprometido con su sociedad, y ofrece multitud de conciertos
benéficos, para la erradicación del chabolismo, para “Save the Children” en el Royal Albert
Hall (Londres), para la ayuda contra sida infantil (festival de ”Sevilla en el corazón de
Sudáfrica”)…
En el 2005 realiza la composición musical de la obra Lisístrata para el ballet flamenco
nacional de Tokio con el que realiza una gira por los mejores teatros japoneses.
En el año 2006 vuelve a recibir un Giraldillo en la Bienal de Flamenco de Sevilla, esta vez al
Momento Mágico, gracias a una actuación junto al cantaor Miguel Poveda. Recientemente
ha sido alagado con el honor de ser Pregonero de la prestigiosa y tradicional Velá de
Santiago y Santa Ana en el barrio Sevillano de Triana.
En 2008, el artista sevillano se embarca en una exitosa experiencia al unirse con la
Orquesta Nacional de Tokio para representar su obra Sur. Los asistentes a este espectáculo,
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que recorrió Japón durante un mes, aclamaron al compositor obligándole a hacer varios
bises en todas sus representaciones.
Dorantes se encuentra ahora inmerso en la elaboración de su tercer disco, que saldrá a la
venta este año y cuyo contenido permanece en secreto, por expreso deseo de su autor.
Dorantes es, a día de hoy y sin duda, uno de los mejores y más populares embajadores de la
música andaluza.
Esperanza Fernández
Gitana nacida en el barrio de Triana que ha recibido la
herencia flamenca de una familia de importantes cantaores,
guitarristas y bailaores.
Dotada de una privilegiada condición para cantar,
interpreta distintos y variados estilos. A los dieciséis años se
presentó por primera vez como cantaora de un importante
espectáculo, "El Amargo" de Mario Maya, y desde entonces
ha protagonizado un progreso continuo compartiendo
escenarios con artistas como de Paco de Lucía, Camarón de
la Isla, Rafael Riqueni o Enrique Morente.
Su sentido del compás, su afinación y una voz rica en
matices, le permiten abrirse paso tanto por los caminos más
tradicionales del flamenco como por otras experiencias
cercanas a la fusión y al mestizaje. En 1994 protagonizó, junto a Morente, el espectáculo " A
Oscuras". En el año 2000 se presenta en la Bienal de Sevilla con Gerardo Nuñez y la New
York Flamenco Reunion (fusión de jazz y flamenco con el batería Marc Miralta y el
contrabajista Javier Colina, entre otros).
http://www.flamenco-world.com/tienda/autor/esperanza-fernandez/33/
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TOQUINHO
Antonio Bondeolli Pecci Filho (São Paulo, 6 de
julio de 1946), conocido como Toquinho, es un
guitarrista y cantautor brasileño.
A los 14 años comenzó a tomar lecciones con el
guitarrista Paulinho Nogueira. Con Edgard Janulo
enriqueció su conocimiento de armonía y mejoró
este conocimiento en su amistad con Oscar Castro
Neves. El estilo de Baden Powell llegó a ser
irresistible a Toquinho, que comenzaba en el
ámbito musical. Para tener la personalidad
apropiada como guitarrista, buscó en Isaías Sávio
la técnica necesaria de la guitarra clásica.
Ya compositor, hizo un curso de armonía y
orquestación con Leo Peracchi y el maestro
argentino Carmelo Taormina (quien en esa época
se había radicado en São Paulo). En los años
sesenta empezó a acompañar a varios artistas
profesionales entre los que estuvieron Elis
Regina, Chico Buarque, Zimbo Trio, Señales De
Valle, Trío de Jazz de Bossa, Tayguara, Ivete, Tuca,
Cuña de Geraldo, entre otros, en el escenario del teatro Paramount.
Este escenario fue el principio de la carrera profesional de Toquinho, todavía solamente
como instrumentista acompañante, aunque rápidamente pasó a otros escenarios. Participó
en En la onda de la oscilación (costa de Maria Della del teatro, 1964), al lado de Tayguara,
de las heces de Thommas, del flautista y del trío de Manfred Fest; en Libertad, Libertad
(Costa se Maria Della del Teatro, 1965), con Pablo Autran, Theresa Raquel, Oduvaldo Viana
Filho y Cláudia, bajo la dirección musical de Toquinho y en Este mundo es la mía (1965),
que incluyó a Sergio Ricardo, Toquinho y Manini.
Toquinho cultiva hasta hoy una fuerte amistad con Chico Buarque, iniciada a los 17 años,
cuando compusieron la canción Luna llena, la primera melodía de Toquinho que recibió
una letra. Buarque la incluyó cuatro años después en su LP Chico Buarque de Holanda
(volumen 2) (1967).
En 1966 grabó su primer LP instrumental: O violão de Toquinho (la guitarra de Toquinho),
registrado para Fermata. Más adelante participó en comedias musicales de la TV y de
importantes festivales de la canción popular. En 1968 compuso con Pablo Vanzolini Boca
da noite (‘La boca de la noche’).
En mayo de 1969 viajó a Italia por más de seis meses con Chico Buarque. Durante este
período realizó numerosas presentaciones en los lugares más inusuales de la península,
desde castillos medievales hasta cantinas suburbanas. Regresó a Brasil a principios de
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1970 y allí grabó su segundo LP para RGE, en el cual apareció su primer gran éxito: Qué
maravilha, realizado en sociedad con Jorge Ben.
Basado en este trabajo del guitarrista, Vinícius de Moraes lo invitó en junio de 1970 a
seguirlo al lado de María Creuza en una serie de conciertos en el café-concert La Fusa de
Mar del Plata (provincia de Buenos Aires). Esta reunión profesional entre Vinicius y
Toquinho duraría 11 años y encantaría a Brasil y al mundo con una productividad
constante. Crearon cerca de 120 canciones, grabaron alrededor de 25 discos en Brasil y en
el exterior y realizaron más de 1000 actuaciones en escenarios brasileños, europeos y
latinoamericanos.
A partir de 1971, inauguraron un circuito por las universidades del paísde norte a sur.
Momentos importantes de esta sociedad de Toquinho/Vinicius:
La Voglia del LP RGE La pazzia, l'incoscienza, l'allegria (1976), grabado en Italia con la
participación de Ornella Vanoni;
El show del Canecão, en Río de Janeiro, en 1977, com Tom Jobim, Vinicius, Toquinho e
Miúcha (Heloísa Maria Buarque de Hollanda), un espectáculo que mantiene hasta hoy la
marca de público y de duración (7 meses en cartel);
El show Dez anos de Toquinho e Vinicius, en 1979.
En 1980 lanzaron su último trabajo conjunto, Um pouco de ilusão, por Ariola.
Aparte de su relación con Vinicius de Moraes, Toquinho cultivó otras agrupaciones. En
1971 hizo música con Gianfrancesco Guarnieri Castro Alves pede passagem (Castro Alves
pide pasaje) y, en 1973, Um grito parado no ar (un grito parado en el aire) y Botequim. Las
músicas de esas tres piezas fueron condensadas en el LP de RGE, Botiquín (1973).
En 1974 se lanzó en Brasil el disco RGE Boca da noite, y, en 1976, graba en Itália un disco de
solos de guitarra: Toquinho: il Brasile nella chitarra. Los años de 1977 y 1978 fueron
marcados por dos LP de Philips: Toquinho Tocando, instrumental, y Toquinho Cantando,
teniendo como compañeros, en este último, a Carlinhos Vergueiro e Belchior. En 1979, para
conmemorar los diez años de trabajo con Vinicius, en función del concierto que hacían, se
lanza el disco Philips Dez anos de Toquinho e Vinicius.
En 1980, Toquinho, Francis Hime y Maria Creuza viajan por Brasil, en más de 90
presentaciones. Al final de ese mismo año, Toquinho se presentó en Buenos Aires y en
varias ciudades de Argentina. Durante el invierno de 1981, con la cantante Jane Duboc,
actuó en Roma, Milán, Florencia y Turín. En el mismo año, participó en el Festival de
Montreux y, desde allí, partió a la temporada estival de Francia, donde actuó en el Olimpia
de París. Aún en 1981, viajó por Brasil al lado de Jane Duboc con el show Doce Vida y grabó
el disco con el mismo nombre con la discográfica Ariola.
A principios de 1982 Toquinho ofreció varios conciertos en Bogotá y Cali y, en el segundo
semestre, fue a Italia para una serie de funciones. El mismo año, Maurizio Fabrizio,
compositor italiano, fue a Brasil y compuso con Toquinho algunas canciones para el LP
Acquarello, para la compañía Maracanã, lanzado en San Remo y que dio a Toquinho un
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disco de oro, convirtiéndose en el único artista brasileño en conseguirlo en el extranjero.
Aún en 1982 vuelve a presentarse en el festival de Montreux junto a otros artistas
brasileños.
En 1983 grabó en Brasil el LP Aquarela para Ariola, que fue el disco número 35 de su
carrera. En ese mismo año condujo el espectáculo Canta Brasil en el Teatro Sistina de
Roma, mostrando la historia de la música popular brasileña, con la participación de
grandes músicos como Blanco de Nieve, Papete, Marçal Velho de Portela, Mutinho, Luizão,
Rafael Rabelo, Luciana Rabelo, Dominguinhos y un coro formado por las voces de
Guadalupe, Silvia Maria, Bel y Eliana Estevão. Más tarde ese mismo año concluyó, junto al
baterista Mutinho, un nuevo trabajo dedicado a los niños, el LP Casa de Juguetes.
En 1984 lanzó Sonho dourado (Sueño dorado), un disco producido por Barclay y un
espectáculo con el mismo nombre. En 1985, Toquinho compuso el LP A Luz do Solo, para
Barclay, un trabajo esencialmente instrumental. En 1986 editó el LP Coisas del Corazón,
también para Barclay, y actuó en Italia, Colombia, Córcega y Japón, dónde hizo varias
presentaciones al lado del saxofonista japonés Sadao Watanabe. En ese mismo año produjo,
en sociedad con Elifas Andreato, 10 canciones que tratan sobre la Declaración Universal de
los Derechos del Niño y que fueron editadas en el LP Canción de todos los niños.
En 1987 volvió a Japón para una serie de muestras en Osaka, Kōbe, Kioto y Tokio. Entró en
la Fiesta del Club Enfadada, promovida por Watanabe, al lado de Vicktor Lazio, el Andy
Narell Group, el Bill Brufford Quartet, la Semana Activa, Pierre Borrough, Karizana, el Jeff
Lorber Group, Nick Plyntas, las Chaquetas de Yelllow. Lanzó el LP Go Juntos, grabado
durante las muestras en el Club Enfadado, con la participación de Sadao Watanabe. 20 días
después viajó a España para tocar en Madrid, Barcelona, Avilés, Zaragoza, Pamplona y otras
ciudades.
Grabó una versión de Acuarela en español a dúo con la cantante mexicana Guadeloupe. En
1987 fue tres veces a Chile, entrando en Santiago y Viña del Mar. Una de las muestras fue
transmitida por la Televisión Nacional de Chile para toda América Latina durante el
concurso de Señorita Chile.
En 1988 realizó una gira por todo Brasil e hizo un concierto en la Plaza de Maksoud.
Realizó conciertos en Santiago y Caracas. Con la muestra Hecha en el Corazón entró en el
circuito nacional, con la prominencia para una estación de dos semanas en el Palacio (en
São Paulo).
En 1989 se presentó a bordo de la nave Eugênio C y entra en varias capitales de Brasil y en
Puerto Rico. En julio viajó a Japón, actuando en Kyoto y Tokio, y grabó un especial para la
televisión japonesa, Fuji. A fines de julio, embarcó a Europa para actuar en Barcelona,
Sevilla y Córdoba. En París participó de la conmemoración del bicentenario de la
Revolución francesa.
En agosto de 1990 lanzó su disco número 42: A la Sombra de un Jatobá. En ese disco,
mezcló varios estilos musicales, de baladas a la Steve Wonder, hasta la samba e Clara
Nunes. Tuvo la participación especial de Raimundo Fagner y Eliana Estevão. También 1990
realizó una gira por todo Brasil y volvió a Italia.
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Empezó 1991 con una nueva gira por Italia. En Brasil logró un show de 5 semanas en el
Palladium de San Pablo, además de varias presentaciones en el resto del país. A fines de ese
año sacó en Italia el disco El viajero del sueño, para BMG-Ariola. En 1992 lanzó El viajero del
sueño en España, en América Latina y en Brasil.
En 1993, BMG-Ariola produjo para el mercado italiano una colección organizada para
propio Toquinho y el director de RCA, Angelo Franchi, que incluyó 20 grabaciones
representativas de la carrera de Toquinho. En 1995 grabó un vídeo para el mercado
japonés con música de bossa-nova, con la participación de Tom Jobim, João Gilberto, Chica
Costa y Lyra, entre otros.
Entró con Sadao Watanabe en la muestra de los 100 años de amistad Brasil-Japón. A fines
de 1995 presentó el especial Toquinho 30 Años de Música en la Rede Manchete, con la
participación de Chico Buarque, Gilberto Gil, Jorge BenJor, Lúcio Dalla, el Cuarteto en Cy y
Oswaldinho de Acordeon.
En 1997 saca para Paradoxx, después de 7 meses de preparación, dos productos: un CD
inteactivo de canciones y un CD doble con sus 30 (treinta) las canciones favoritas. En
febrero empezó la grabación del CD Herdeiros do Futuro, por Movieplay, basado en los diez
derechos universales del niño. Este proyecto, en su versión teatral, se presentó en el Teatro
Gazeta de São Paulo, con éxito de público y crítica.
En enero de 1999 participó como jurado en el Festival de San Remo, junto a José Carreras y
Ennio Morricone. Ese año partició en los siguiente discos:
Songbook de Chico Buarque, con la música Time Bueno
Implicated del grupo Los Jamones
La mitad del mundo, de María Creuza.
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MILES SMILES
Wallace Roney, Larry Coryell, Joey DeFrancesco,
Omar Hakim, Darryll Jones y Rick Margitza
Wallace Roney
Wallace Roney (Philadelphia, 1960) saltó a los escenarios al mismo tiempo que su
contemporáneo, Wynton Marsalis, y sus comienzos fueron de la mano del gran Sonny Stitt.
Trabajó con los Jazz Messengers y su progresión fue tal que pronto fue considerado uno de
los grandes trompetistas del jazz actual.
A lo largo de varios años, trabajó con el quinteto del batería Tony Williams y participó en
una sesión homenaje a Miles Davis en 1992. En su papel interpretando a Miles Davis,
Wallace Roney, consiguió una gran aceptación de la critica cuando recreó el ambiente de su
popular quinteto. Fue justo su participación con el trompetista de Alton, en el Festival de
Jazz de Montreux, lo que hizo que saltara a la fama. El disco testigo de aquel hecho, se titula
Miles Davis and Quincy Jones at Montreux (Warner Bross, 1991).
En su todavía corta carrera discográfica, Wallace Roney, ha grabado mas de una docena de
álbumes para los sellos Muse, Warner y últimamente con Concord Jazz con quien grabó en
el año 2000 un excelente registro titulado No Room for Argument. (Apoloybaco.com)
Joey DeFranceso
Joey DeFrancesco (born April 10, 1971) is an American jazz organist, trumpeter, and
vocalist. Down Beat's Critics and Readers Poll selected him as the top jazz organist every
year since 2003.
DeFrancesco was born in Springfield, Pennsylvania. His grandfather was multiinstrumentalist Joe DeFrancesco, of Italian descent; his father is Hammond B3 player
"Papa" John DeFrancesco, who took his son to jazz clubs from the age of seven. Joey
DeFrancesco started playing the piano at the age of four, switching to the B3 shortly after.
By age six, he was sitting in on his father's gigs. By age ten, he was enrolled in the
Settlement Music School Jazz Band. Under the direction of Lovett Hines, he learned and
performed with the Jazz Band with the likes of saxophonist Robert Landham, drummer
Kevin Outterbride, bassist Leonard Richardson Sr. and guitarist Kelvin McDaniel, playing
out on his own, as well as sitting in with organ legends like Jack McDuff and Richard
"Groove" Holmes. DeFrancesco went to high school with bassist Christian McBride, where
the two were often scolded for altering their big band charts. While in High school, he was
also in a local jazz trio called Strictly Business with drummer Leon Jordon Sr. and bassist
Leonard Richardson Sr.
When DeFrancesco was seventeen years old, Miles Davis asked him to join his band.
DeFrancesco toured Europe and recorded Amandla with Davis. He became well known in
the 1990s, however, through his work with John McLaughlin's trio Free Spirits. He has also
played with jazz guitarists Pat Martino, Paul Bollenback, Jimmy Bruno, Dave Stryker, Danny
Gatton as well as trumpet player Big Jim Henry and many others.
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DeFrancesco's own recordings as leader, first with Columbia, and later with labels such as
Muse and Big Mo, established what Chris Parker has referred to as "his importance as one
of the most unfussily virtuosic torch-bearers of contemporary organ jazz."
DeFrancesco listened to and learned from Jimmy Smith, to whom he pays homage in his
1999 High Note release, The Champ. In 2000 he recorded the album Incredible! with Smith.
He also pays tribute to Don Patterson in Tribute to Don Patterson: The Philadelphia
Connection released in 2004. DeFrancesco also learned from McDuff, and recorded with
him as well. DeFrancesco paired with Jimmy Smith on Smith's last effort, called Legacy,
finished just days before Smith died in 2005.
Today, Joey DeFrancesco plays an average of 200 nights a year on the road with various
musicians. His core bands include Byron Landham (drums), Paul Bollenback (guitar) or Pat
Bianchi (keyboards). When not on the road, he resides in Arizona with his mother, father
and daughter Ashley Blue Defrancesco.
Darryll Jones
Darryl Jones (nacido el 11 de diciembre de 1961) es un bajista afroamericano oriundo de
Chicago, Illinois.
Ha colaborado con artistas de jazz como Herbie Hancock, Miles Davis, Mike Stern, John
Scofield, y Steps Ahead. También colaboró con artistas de pop y rock como Sting, Peter
Gabriel, Madonna, Eric Clapton y Joan Armatrading.
Jones toca con The Rolling Stones desde el año 1993, cuando el bajista y miembro histórico
de la banda Bill Wyman renunciara después de 30 años de participación.
Omar Hakim
Omar Hakim (Nueva York, 12 de febrero de 1959) es un destacado baterista
estadounidense que ha desarrollado su carrera en el campo del jazz, del jazz fusion y de la
música pop.
Hakim señala al vibrafonista de jazz Mike Manieri como la persona que le introdujo en la
escena en 1980; El baterista apareció en un video con Manieri titulado The Jazz Life y
comenzó a trabajar con la cantante Carly Simon a través de una recomendación de él.
Hakim obtuvo una tremenda notoriedad cuando pasó a formar parte de Weather Report y,
después, de la banda de acompañamiento de Sting, apareciendo en el film Bring of the
Night.
En 1984 grabó la mayor parte de las pistas de batería del álbum Brothers in Arms, del
grupo británico Dire Straits, cuando los productores decidieron desechar las grabaciones
del baterista original del grupo, Terry Williams, con la mayoría de los temas ya terminados.
Hakim regrabó todo el álbum en sólo dos días para marcharse y ceder de nuevo el puesto a
Williams.
Entre 1988 y 1989 Omar Hakim apareció regularmente como miembro de la banda del
programa norteamericano "The Sunday Night" de la cadena NBC. Tras ser reemplazado
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temporalmente por el baterista J. T. Lewis durante la segunda mitad de la tempoarada de
ese año, Hakim volvió a la banda a finales de 1989, cuando el programa cambió su nombre
por el de "Night Music".
Entre los artistas más destacados para los que el músico ha grabado o a quienes ha
acompañado se encuentran Anita Baker, Sting, Weather Report, Mariah Carey, Madonna,
David Bowie, Miles Davis, Chic, Everything but the Girl, Marcus Miller, o Kazumi Watanabe,
entre otros muchos.
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LUIS SALINAS CUARTETO
Luis Salinas es un guitarrista y compositor nacido el 24 de junio de 1957, en Monte Grande,
al sur del gran Buenos Aires, Argentina.
La influencia de su padre y de su padrastro, ambos músicos, lo animaron a tocar la guitarra
desde muy pequeño, “el gusto por tocar todos los géneros viene de ahí”, explicó. Pese a
haber comprado su primera guitarra a los 27 años, esta pasión venía desde la cuna.
El lugar que marcaría un antes y un después en su carrera fue “El papagayo”, célebre pub,
donde tocó durante ocho años.
Es un músico autodidacta, el cual no estudió en ningún conservatorio, gran improvisador,
de original capacidad interpretativa. Compartió experiencias con varios grandes del
folklore y del tango, como Adolfo Ábalos y Horacio Salgán. También tocó con Egle Martin,
Jaime Torres y grabó un disco de tango con María Graña.
Lleva grabados nueve discos, entre ellos, Música Argentina 1 y 2 donde tocando la guitarra
criolla hizo un recorrido por el folklore y el tango, Ahí va, por el que recibió su segundo
premio Gardel, en el cual vuelve al sonido eléctrico del latín jazz. Luis Salinas y amigos en
España, se grabó en 2004 en Barcelona junto a músicos de la calidad de Tomatito, Horacio
Fumero, Oscar Giunta, Javier Colina, Jorge Bonell, Jorge Pardo y Perico Sambeat entre otros.
En mayo de 2006 presentó su cd doble, Muchas cosas. Durante su carrera tocó con grandes
guitarristas como el mismísimo B.B. King y músicos de la talla de Hermeto Pascoal.
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TRAVELLIN’ BROTHERS BIG BAND
Los grandes bluesman y las grandes bandas de Blues, a lo largo de la historia han tenido
una estrecha relación con las riberas y los deltas de los ríos. En el caso de Travellin’
Brothers no es una excepción, formados a finales del año 2003 junto a las orillas de la ría de
Bilbao, en la localidad bizkaina de Leioa, reciben una gran inspiración del río Nervión. Seis
Amigos, Seis Hermanos forman la banda, esta unión familiar es una de sus grandes
virtudes, fácilmente palpable en su actitud sobre los escenarios.
Travellin’ Brothers tienen un gran bagaje musical, en estos ocho años su actividad ha sido
frenética y en continuo ascenso y compromiso por la auto-superación. Tres discos y más de
350 conciertos avalan su trayectoria.
Camaleónicos como pocos, son capaces de tocar tanto en pequeños clubs y salas o en los
más grandes festivales. Como ejemplo sus continuas participaciones en Cazorla Blues
Festival, Hondarribia Blues Festival, Bejar, Cáceres, Barcelona, Yeclajazz en Murcia, Blues
Sur Seine en Paris o Cahors Blues Festival también en Francia, la lista es interminable. A lo
largo de estas participaciones han tenido la suerte y el honor de compartir escenario con
auténticas leyendas del género como Buddy Guy, Koko Taylor, John Mayall, Canned Heat,
Ike Turner, Robben Ford, Susan Tedeschi, Junior Watson, Johnny Winter, Carey Bell, etc,
etc.
En el año 2010, tras convertirse y afianzarse como una de las bandas punteras del blues
nacional, deciden dar un paso más en su carrera y acometer un nuevo y ambicioso
proyecto, el cual exigirá el máximo esfuerzo e implicación por parte de todos los miembros
del grupo. Tras un año de duro trabajo en la trastienda, con largos ensayos, composiciones,
arreglos, etc, nos presentan su nuevo proyecto: Travellin’ Brothers Big Band. Grabado en
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directo en el Auditórium KulturLeioa, con una Big Band de lujo compuesta por 2 trompetas,
2 trombones, una tuba y 4 saxos, además de la colaboración de 2 coristas ataviadas de
violín y guitarra acústica. Un repertorio que en su mayoría son composiciones propias y
completado por grandes clásicos y homenajes que la banda tributa a sus ídolos. Excelentes
e inéditos arreglos de Big Band compuestos para la ocasión por el saxofonista de la banda,
el Maestro Alain Sancho. A los mandos técnicos el prestigioso productor Kaki Arkarazo y en
la dirección del DVD el tandem de realizadores Igor Legarreta & Igor Urdaniz, los cuales
además de la realización del concierto integro, facturan un documental en el que recorren
la historia del grupo y nos muestran imágenes de la gestación de este proyecto.
Este formato de Big Band además de ser un proyecto muy ambicioso, es un formato
novedoso, algo inédito entre nosotros. Inspirados en las big band modernas de Brian Setzer
o del canadiense Colin James y desde luego en las grandes big band clásicas como las de
Count Basie, Duke Ellington o Cab Calloway.
Durante el 2012 el objetivo primordial es llevar este formato al directo, recorrer teatros y
festivales y mostrar al público de lo que son capaces y hacer disfrutar y vibrar tanto como
ellos lo hacen.
Otro de los objetivos de Travellin’ Brothers tras ganar el concurso “Road to Menphis” y la
posibilidad que les da de cruzar el charco por primera vez, será mostrar y medir su
capacidad en la cuna del blues, disfrutar de la experiencia y por qué no, intentar ganar la
batalla mundial de bandas en el “28 International Blues Challenge”.
Por estas y otras sorpresas más, el año 2012 se presenta realmente prometedor.
Sin duda, si pasan por tu ciudad no lo dudes, no te pierdas este gran espectáculo.
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JOSÉ LUIS GUTIÉRREZ QUINTETO
Invitada especial: Lucrecia
José Luis Gutiérrez es uno de los
músicos más innovadores y
refrescantes de la escena
española.
Su
música
es
apasionada, intensa y personal
como pocas, “el silencio asesino”
como le llama el compositor
López de Guereña.
Una de las características más
importantes de su música son las
influencias de las músicas
ibéricas, que se unen con
maestría a la libertad de las
músicas
improvisadas.
Surgiendo así un particular estilo
denominado “Iberjazz”. Una recuperación y actualización de las músicas ibéricas, de alta
calidad y verdadera originalidad.
Su primer disco: Núcleo fue considerado el mejor álbum de jazz del año en España. Este
hecho impulsó de forma definitiva la carrera de José Luis Gutiérrez. A partir de entonces
fue considerado uno de los músicos referentes y de mayor proyección del jazz español.
En 2011 presenta su último disco Fruit Salad que ahonda aún más en las enormes
posibilidades creativas que se abren en la unión de las músicas ibéricas y el jazz.
Ha dirigido sus proyectos en multitud de lugares alrededor del mundo: Roma, Tallin, San
Sebastián, México, Caracas, Río de Janeiro, Casa Blanca, etc.
Ha colaborado con maestros de la talla de: Jorge Pardo, Chano Domínguez, Jerry González,
Paquito D'Rivera, Javier Colina, Carlos Barreto, Tommy Caggiani. también ha sido profesor
de saxofón en el conservatorio de música de Zamora. Miembro del jurado de diferentes
certámenes musicales. Ha escrito artículos musicales en varios periódicos y revistas.
Es el director artístico de los Festivales Internacionales de Jazz:Universijazz y La Granjazz.
Lucrecia
Nacida en Cuba, cuna de grandes maestros, supo desde niña que su vida estaba marcada
por el sonido de su tierra. Comenzó sus estudios de piano y canto en el Instituto Superior
de Arte de Cuba, recibió clases de canto con Isolina Carrillo y se acabó licenciando en
música en la especialidad de Piano.
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Su inserción en la música popular cubana se produjo cuando ingresó a la famosa orquesta
femenina Anacaona donde se encargó tanto de las voces y los teclados como de algunas
orquestaciones. Obtuvo premios como vocalista en diferentes concursos. 1993 fue el año de
su confirmación y reconocimiento en Cuba como artista, situando sus canciones en el hit
parade de radio y televisión. Llegó de gira a
España, país al que más tarde regresaría para
instalarse en Barcelona.
En su trayectoria cinematográfica destaca su
banda sonora para el documental Balseros,
dirigido por Carles Bosch y Josep Maria
Doménech y que obtuvo una nominación en la
edición de los Oscars 2003.
Siguiendo sus pasos en el mundo del cine, su
canción “Cubáname” fue seleccionada como
tema principal de la película Segunda piel
(1996), del director Gerardo Vera, con un
reparto encabezado por Javier Bardem, Jordi
Mollŕ y Ariadna Gil. Para la grabación de
"Cubáname", contó con la colaboración de
grandes profesionales como Chavela Vargas o Paquito D’Rivera.
Por lo que respecta a su discografía, Lucrecia ha publicado más de diez discos. Productora
musical y ejecutiva del disco Me debes un beso (1994), antecesor de Prohibido (1995),
publicado un año después y que significó su debut como compositora. En 1996 grabó Mis
Boleros, participó en la gira “3 Generaciones De Músicos Cubanos” junto a Paquito D’Rivera
y Patato Valdés y formó parte del festival Womad.
Al año siguiente grabó Pronósticos, y musicalizó el documental Balseros.
La maternidad le proporcionó un estado idóneo para su disco Agua (2002) y la canción “Mi
Gente” obtuvo el Premio de la Música "Mejor Tema Dance y Hip hop", de la SGAE.
Con Mira las Luces (2006), quiere homenajear a Celia Cruz, con la que le unía una gran
amistad. Su último álbum hasta la fecha, Álbum de Cuba (2009), cuenta con la presencia en
el disco de Celia Cruz y Andy García, editado en Europa, América Latina y EEUU.
Entre sus colaboraciones musicales, destaca la gira Pasión Cubana 2002 y la gira Pasión
Cubana 2001, en la que Lucrecia actúa junto a Celia Cruz, Paquito d´Rivera y Manzanita.
Además ha compartido escenario con artistas tan importantes como Chavela Vargas o Lluís
Llach, entre otros.
La artista ha compaginado su faceta musical con la televisión. Ha intervenido en programas
de gran éxito. Actualmente es presentadora del programa infantil del Televisión Española
Los Lunnis, por quinto año consecutivo, acumulando numerosos premios, entre ellos tres
TP de Oro, un Micrófono de Oro, diversos discos de platino y oro y una nominación a los
premios Emmy.
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ELIANE ELIAS
Multi-GRAMMY® Award nominee,
Brazilian pianist singer composer
and arranger Eliane Elias is known
for
her
distinctive
and
immediately recognizable musical
style which blends her Brazilian
roots, her sensuous, alluring voice
with her impressive compositional
and piano skills. All her recordings
went top five on Billboard and top
five on the radio charts in the U.S.,
with many reaching number one.
In Japan, four of Eliane’s
recordings received the Gold Disc
Award from Swing Journal,
(including consecutively her last
three releases). Her 2007 release,
Something for You, received the
Best Vocal Album of the Year
Award in Japan. In 2008, Eliane
was the number two artist in CD sales in France on the Annual Jazz Charts.
Her latest album, Light My Fire – released on May 31, 2011 on Concord Picante, a division
of Concord Music Group – debuted at #3 on Billboard’s Jazz Chart and so far, has reached
#3 on iTunes and #4 on Amazon’s Jazz Charts. Eliane and Light My Fire are receiving great
praise and unanimously amazing reviews. Eliane’s song “What about the Heart” (Bate Bate)
just received a Grammy nomination for Best Brazilian Song. The CD features Eliane on
vocals and piano, her arranging, and four compositions written or co-written by Eliane
herself. It also includes covers of familiar works by songwriters as diverse as Jim Morrison
and the Doors, pop icon Stevie Wonder and jazz saxophonist Paul Desmond. Backing her is
a crew of twelve high-caliber players, including special guests such as guitarist/vocalist
Gilberto Gil and trumpeter Randy Brecker.
With a highly successful international career, Eliane performs concerts around the world.
In her work she has documented dozens of her own compositions. Her outstanding piano
playing, arranging, and beautiful vocal interpretations have solidified her place in the
pantheon of music giants. Demonstrating her unique gifts as a pianist, singer, composer
and arranger as well as melding her immense talents in jazz, pop, classical and Brazilian
music, she is, as Jazziz magazine recently called her, “A citizen of the world” and “An artist
beyond category.”
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