Download Descarga - Bateria y Percusión Magazine

BATERIA&PERCUSION
M
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G
A
Z
I
N
E
Núm 16
ENERO - FEBRERO 2014
www.bateriapercusion.com
Russ Miller
editorial#16
sumario 04
Aquí estamos de nuevo comenzando el año llenos de planes, proyectos y ganas de
hacer cosas interesantes que espero se vean reflejadas en estas páginas.
En este primer número de este año contamos con la presencia en exclusiva –como
siempre- de dos grandes bateristas que aúnan su carrera como freelancers con sus
trabajos personales, me estoy refiriendo a Russ Miller, baterista norteamericano
residente en el área de Los Angeles y que ha
trabajado con artistas como Ray Charles, Tina
Turner, Andrea Boccelli o Bobby Caldwell entre
muchos otros y Paco García, veterano del panorama español con disco recién estrenado en
el 2013.
Aquí estamos de
nuevo comenzando
el año llenos de
planes, proyectos
y ganas de hacer
cosas interesantes
que espero se vean
reflejadas en estas
páginas.
Nuestro luthier nos presenta uno de los trabajos más increíbles que creo que es mejor
que veáis por vosotros mismos. Pepe Cantó
nos adentra en los trabajos, detalles y bagaje
realizados por percusionistas femeninas de primer nivel. Así como su sección didáctica donde
está acompañado por Juanjo Garcerá que nos
propone ideas de acompañamiento e improvisación en el contexto jazzero del instrumento.
Josu Erviti propone consejos de cómo trabajar en directo con metrónomo sin que el público lo oiga. Las recomendaciones de
Danko y el artículo más literario musical de Toni Garrido cierran un número que
espero os guste. Os recomiendo visitar las webs de nuestros anunciantes, están a
un solo click desde su anuncio y siempre tienen propuestas interesantes que ofrecernos. Gracias por estar ahí.
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Russ Miller
Entrevista
Paco García
Entrevista
Generación de una de las baterías
más caras del mundo
Luthier
Pioneras del ritmo
Artículo de opinión de Pepe Cantó
Click a una pista
Didáctica
Melodía y estructura en la batería
Didáctica
Percusión al día. Técnicas básicas de
conga
Didáctica
Sample Magic AB
Software
Slate Digital VBC
Software
Death Letter Blues
Relato
Dime qué escuchas/ves/estudias y te diré
quién eres.
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LA BATERÍA AMÉRICANA
POR EXCELENCIA.
Taylor Hawkins / Foo Fighters
y su Gretsch USA Custom
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Desde 1883 Gretsch ha fabricado las mejores
baterías hechas en América, para los beaterías que
no se conforman con cualquier cosa.
PORTADA
Asensio Ros “Wally”
Tocando para la
canción
Russ Miller
Es uno de los grandes bateristas de estudio del área de Los Ángeles, lo que equivale a decir del mundo. Ha grabado con
muchas de las grandes figuras vocales incluyendo Ray Charles, Tina Turner o Bobby
Caldwell. A pesar de su nivel sigue tomando clases e intenta mejorar día a día. El
trabajo con su banda Arrival, bandas sonoras, programas de televisión, didáctica etc.
forman parte de su trabajo igualmente. En
la siguiente revista que nos dio para Batería y Percusión nos habla extensamente de
todo ello. Amigos: Russ Miller
PORTADA
¿Por qué la batería y ningún otro instrumento?
De hecho, empecé a tocar la guitarra primero.
Me tomó cerca de 8 meses para aprender el
tema de “Batman”, así que pensé que no era
para mí. Cuando tenía unos 8 años de edad, mi
amigo, que vivía cerca, y mi primo, ambos tocaban la batería, así que supongo que me interesó. Mi abuelo, con el que me crié, tocó la batería
cuando era niño, pero se dio por vencido. Sin
embargo, era un entusiasta de la música. Yo me
crié escuchando mucha música, especialmente
la música de Big Band.
¿Cómo fueron tus inicios y tu primera etapa
de práctica?
Mi tía me dio $50.00 para comprar un drumset
de plástico de la tienda Sears. Duró alrededor
de 8 horas... Recuerdo tocar la canción “Heartbreaker” de Pat Benatar y destruirlo. Más tarde,
en realidad toqué con Pat Benatar y toqué esa
canción, fue todo un momento para mí, ¡Llegar
al punto de partida de esa manera! Acabé cogiendo un pad de batería y comencé a tomar
clases a los 8 años de edad, nunca he dejado de
tomar lecciones durante toda mi carrera. Sigo
tomando lecciones a día de hoy, en la actualidad con Peter Erskine. A través de los años he
tenido grandes “entrenadores”, Jim Chapin, José
“Changuito” Quintana, Steve Rucker, Freddy
Gruber, Steve Smith, Dave Weckl, Jeff Hamilton,
Adam Nussbaum y ahora Peter.
¿Cuándo y cómo llegaste a ser profesional?
Alrededor de los 15 años, llamé un anuncio en
el periódico local de “Se busca baterista”. Fui a
una audición para el trabajo y lo conseguí. Todo
el mundo en la banda tenía sus 40 y yo tenía 15
años. Recuerdo que no era capaz de entrar en
los clubes para tocar (había que tener 18 años
en el momento de beber alcohol). Tuve que
unirme a la unión del músico y obtener una tarjeta. Esto me dejaba entrar en los clubes. Tenía
que salir de inmediato después del concierto y
no poder entrar, a menos que tuviera esa tarjeta. Es curioso, todavía llevo mi tarjeta hoy en
mi cartera. Tocábamos en la banda de jueves
a domingo cada fin de semana. Por lo general
era 21:00 a 2:00 am cada noche, 5 sets más
o menos. Todavía estaba en la escuela secundaria, por lo que fue un reto para mí los días
entre semana para levantarme por la mañana.
Continué tocando en las bandas de “Semi- Pro”
los siguientes años. En un momento tocaba en
la banda que trabajaba 6 noches a la semana.
Por último, mientras asistía a clase en la Universidad de Miami en Florida, empecé a conocer
a los profesionales serios y entré en la escena.
Conocí a los chicos que estaban trabajando en
el círculo de Gloria Estefan que hay en Miami.
Empecé a trabajar con todos esos tipos y varios
artistas que estaban ​​fuera de Miami. Todo está
en las recomendaciones de otros, por lo general
nunca bateristas. Yo estaba trabajando mucho
en Miami, simplemente no era lo que yo quería
hacer. Yo quería hacer discos por lo tanto decidí
mudarme a Los Ángeles en 1996.
Comencé a tomar clases a los 8
años de edad, nunca he dejado
de tomar lecciones durante toda
mi carrera.
Estás considerado uno de los mejores bateristas de estudio con una lista de más de 300
grabaciones, ¿Nos puedes contar cómo es tu
trabajo en el estudio, el proceso de grabar
batería?
Bueno, es diferente para cada artista, productor y situación. Para los registros de pop y rock,
es todo orquestación de la parte correcta para
la canción. Consigues la parte correctamente
y después trabajas en la interpretación de esa
parte. Crecí haciendo sesiones en cinta analógica de 2 pulgadas y teníamos que tocar la can-
FOTO: Pedro Mendonça
B&P Magazine. Isue ENE/FEB 2014
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PORTADA
ción completa, no se podía “ensamblar”
la canción con un montón de pequeños
pinchazos y partes. Correctamente “ensambladas” las partes no es música, son
sólo las notas correctas. La “performance” de un artista sobre la pieza es música. Incluso en la música electrónica muy
integrada, como Nelly Furtado o registros
de Daniel Bedingfield, todavía se tocaba
la parte de arriba a abajo. Para las películas, es todo lectura y clavarlo todo en
tan pocas tomas como sea posible. Además de estar en el clavo con el click. Hay
mucho material en un track de película y
no se puede jugar con el tiempo y la sensación, tanto como en otras grabaciones.
Los tracks para TV son veloces y perfectos... rápidamente, los discos de straight
Jazz son para capturar un “momento”...
Realmente es conseguir entrar y decir
algo con la interpretación de batería, que
“eleve” la música más alto. Cada productor también tiende a tener diferentes enfoques de la grabación. Algunos te dejan
hacer lo tuyo, otros están en encima de
cada nota. He tenido discusiones sobre la
altura de la baqueta sobre las “ghost-notes”... ¡locura! Otros compositores con lo
que trabajo mucho, como Jeff Danna, dejan mis partes casi completamente para
mí, es el entorno creativo óptimo. Esto se
debe a que he hecho tal vez 35 a 40 películas y programas de televisión con él en
los últimos 18 años, por lo tanto, simplemente lo deja a mi discreción artística. En
cuanto a un enfoque global de hacer las
sesiones, una de las cosas que yo hago es
escuchar muy de cerca, varias veces y /
o escribir una referencia para la pista. No
toco en torno a la batería a ver que sale.
Ensamblo la parte en la referencia o en
B&P Magazine. Isue ENE/FEB 2014
mi cabeza y luego la toco. Cuando empezamos a grabar, sólo debería haber una
o dos tomas. Toco lo mejor en el primer
par de tomas, si tratamos de realizar un
seguimiento de una parte por dos horas,
sólo se convierte en notas. Además, por
lo general, sólo uso voz y click en mis oídos, con sólo un pequeño fragmento de
teclas y bajo. Me aseguro de que todo lo
que toco funciona con las voces. Nada
debe cubrir las voces. Todo lo que toco
siempre levanta la voz y ayuda a contar
la historia. Me gusta trabajar con grandes
cantantes. Se puede decir de inmediato,
bateristas que no trabajan mucho con
cantantes tocan de forma completamente diferente. He trabajado con algunos de
los más grandes cantantes de la historia
como Ray Charles, Tina Turner, Steve Perry, Andrea Boccelli, Bobby Caldwell… En
cada uno de esos trabajos el protagonista
era el cantante, no yo.
¿Qué habilidades o cualidades deben
ser desarrolladas para ser un baterista
de estudio?
Bueno, hay algunas imprescindibles, hablo mucho sobre esto en mis libros y
DVD, y especialmente en el “Online Classroom”. Tienes que tener una gran capacidad de cronometraje, pero más que eso,
es necesario un pulso fuerte y definido.
El pulso es muy diferente a mantener el
tempo, un metrónomo puede mantener
el tiempo perfectamente pero no tiene
pulso. Además es necesario tener grandes habilidades de lectura. Leer e interpretar es muy importante, tiene que sonar como si hubieras tocado la canción
durante años la primera vez que lo haces
en el estudio. Además, una buena mezcla
es realmente importante, a veces veo chicos que tocan los instrumentos del kit en
desequilibrio entre sí por ejemplo, tocan
el hi -hat demasiado alto, o bien, el kick
demasiado débil en pop-rock. La combinación adecuada para el estilo dado es
realmente importante, te limita la forma
en que se puede mezclar con cuestiones
de “leakage”. El exceso de hi -hat en el
micro de caja, demasiados platillos en el
overhead… se trata de enormes problemas de grabación. Además, todo lo que
se toca tiene que ser muy definido y claro,
nada de gilipolleces. Veo chicos tocando
en vivo y no son articulados, están tan
ocupados tratando de tocar enormes re-
llenos o contenidos asombrosos que suena desordenado en ese momento. Ese
enfoque no se traduce a las grabaciones.
Puedo decir de inmediato cuando alguien
ha hecho sesiones o no. Parte de esta actitud es por lo que hay máquinas en los
álbumes y luego usan un baterista en vivo
en el show para el elemento “visual” . En
algunos de estos shows más modernos,
incluso se ejecutan las pistas de batería
fundamentales sobre el baterista en vivo.
Para mí, eso sería un mensaje muy claro
de que algo está mal... la máquina está
haciendo la parte más importante de tu
trabajo todas las noches. Esto no es bueno y lo veo todo el tiempo, sin embargo.
6
PORTADA
¿Cuáles son los trabajos realizados hasta el momento de los que te sientes más satisfecho?
Me encanta la grabación. Me gusta que si toco genial
ese día será capturado para siempre, de gira, si tengo una gran noche sólo las personas en el lugar lo
tendrán en su memoria. Me encanta tocar en frente
de la multitud para la respuesta inmediata, pero la
captura de los momentos en la cinta son mis favoritos. Por supuesto, en cuanto a proyectos, mi banda
“Arrival” es el que más artísticamente me satisface.
Tengo la oportunidad de tocar la música que quiero,
como quiero, con los chicos que quiero.
Ray Charles, The 5th Dimension , Cher, Natalie
Cole, Tina Turner, Bobby Caldwell, Andrea Bocelli, Nelly Furtado, The Psychedelic Furs, Al Jarreau, Hilary Duff, Daniel Bedingfield, y Meredith
Brooks son algunos de los artistas con los que
has trabajado, ¿Qué has aprendido en tus años
de experiencia? ¿Fue alguno de ellos especial?
He tocado un montón de música diferente, con un
montón de diferentes personas durante muchos
años. A veces, me gustaría simplemente haber estado en una banda como “Rush” o algo así. Una que
permaneció como una sola unidad, por un largo
tiempo. Sería interesante ver donde hacía donde podría llevar una “silla de baterista”. Eso es parte de la
inspiración para mí con el proyecto “Arrival”. Quiero
ver donde puedo llevar esa música en un viaje más
a largo plazo. Uno de los inconvenientes de ser un
side -man es que por lo general estoy tocando las
canciones solo un par de veces, a veces sólo una.
Voy a escuchar las cosas de una sala de cine o en la
radio y pensar: “¿Qué otra cosa podría haber pensado en esa canción?”. Por otro lado todos los artistas
me han enseñado algo, he tocado con algunos grandes cantantes y creo que ha cambiado mi acercamiento a la música. Además, ha habido un montón
de situaciones de “alta presión” como American Idol,
o lectura a vista en sesiones de cine, televisión y coB&P Magazine. Isue ENE/FEB 2014
sas similares. Todo me enseñó a cumplir a un nivel
alto. Aprender a rendir al máximo bajo presión es
una habilidad muy importante, la mayoría de las personas sólo tocan mejor cuando hay una presión muy
ligera. Mi trabajo es todo lo contrario.
He tocado un montón
de música diferente, con
un montón de diferentes
personas durante muchos
años.
¿Con quién te gustaría trabajar que no lo has hecho todavía?
James Taylor y Peter Gabriel, por razones diferentes.
Creo que James tiene unas canciones increíbles, interpretadas de una manera muy madura. Creo que
Peter es un artista sónico, crea arte sonoro, canciones increíbles con increíble atención al detalle en las
partes y los tonos.
¿Dónde te sientes más cómodo en directo, estudio, enseñanza…?
Creo que en el estudio. Me encanta tocar en vivo
pero estoy en un estudio de grabación de alguna
manera, casi todos los días, si no es R.M.I. (Estudio
Personal de Russ), es una sala comercial.
Si necesitas un batería para un proyecto, ¿Qué
habilidades debería reunir?
Gran timing, grandes tonos, gran actitud, gran lector,
gran groove, grandes ideas y un gran tipo para pasar
el rato. Sin presión…
¿Quiénes son sus bateristas favoritos y por qué?
Diferentes tipos y por diferentes razones. Los que
creo que han tenido el mayor efecto en mi forma
de tocar son Papa Jo Jones, Philly Jo Jones, Buddy
Rich, Steve Gadd, Carlos Vegas, Denny Carmassi, Neil
Peart, Jeff Porcaro, Dave Weckl, Steve Smith, Adam
Nussbaum, Jeff Hamilton y Peter Erskine. Por supuesto, algunos de estos chicos han sido mis maestros.
Todavía estudio con Peter Erskine, pero mi “núcleo”
fueron: Jim Chapin, Ed Thigpen, Jeff Hamilton, Dave
Weckl, Freddy Gruber, José Quintana, Steve Rucker,
Adam Nussbaum y Peter Erskine.
¿Qué te llevó a iniciar un proyecto en solitario
“Arrival Trio” y los álbumes “Chegada3”, “Arrival”
y “Cymbalism”?
Como he mencionado, me canso de tocar la música
de todo el mundo todo el tiempo. La razón principal para mí es para pasar más tiempo con la música,
más de una o dos sesiones. El trío ha sido realmente
impresionante para eso. El nuevo disco “ Chegada3
“ (que significa “Arrival3” en portugués), es una de
mis grabaciones favoritas. No es un álbum loco de
batería, es un verdadero álbum de música, de una
banda. Realmente no puedo decidirme a hacer esos
discos de bacteria en solitario. Para ser honestos,
no se puede intentar meter voz a un disco de batería, sería como el álbum de R2- D2. Me gustan las
melodías, armonía y buenas letras. Siempre me han
gustado los álbumes de Max Roach, la idea de tener
una banda y tocar música a un nivel muy alto. A veces se trata de baterías muy cool y, a veces, apenas
está tocando percusión sencilla. Pero se trata de un
enfoque de “primero la música”. Es por eso que el
primer y el último álbum de “Arrival” tienen voces.
Por supuesto que ambos tienen algunas cosas de
batería aventurera.
Tus libros y videos instruccionales son muy respetados, cuéntanos acerca de ellos, ¿Cómo enfo7
PORTADA
cas tu enseñanza?
Todo mi material de instrucción se
basó en hacer un libro o DVD que
me hubiera gustado tener. Me sentí como si hubiera un “agujero” en el
mercado. Me gustó mucho trabajar
en ellos aunque fueron cantidades
increíbles de trabajo. Para ser honesto, los hice en ciertos momentos
de mi carrera cuando no estaba tan
ocupado como lo estoy ahora. Tienes
que dedicar grandes cantidades de
tiempo en el que no estás haciendo
dinero para hacerlas. El nuevo “Online Classroom” que se lanzó ahora en
2014 no es la excepción. Tomó casi 2
años en completarse.
También eres parte del elenco
de artistas de “Drum Guru” ¿Qué
B&P Magazine. Isue ENE/FEB 2014
piensas acerca del proyecto de
Rob Wallis?
Creo que es genial, Rob es un pensador vanguardista. Él sabe que te
tienes que ajustar en el mercado,
estoy contento de ser parte del proyecto. Se trata de una aplicación muy
fresca. Siempre he tratado de ajustar
mi dirección a los cambios del mercado. El uso de equipos electrónicos,
la programación, la construcción del
estudio, los productos signature, materiales de instrucción y ahora el salón de clases en línea se mueve con
los tiempos. He tratado de hacer eso
en mi forma de tocar, también. Mucha gente se frota las manos con su
propia leyenda por así decirlo.
¿Cómo te mantienes en forma?
en este momento que son increíbles.
Están fuertes en el mercado y estoy
contento de ser parte de ellos.
Practico todos los días durante una
hora. Todavía tomo lecciones, siempre lo he hecho. Escucho música
constantemente y trato de ver las
cosas que están saliendo nuevas.
¿Qué crees que ha cambiado en la
escena musical desde que empezaste hasta ahora?
Todo. Cuando empecé no había estudios en todo el mundo y cada nota
que oyes en la televisión, películas,
discos… todo era tocado por un ser
humano. Ahora, 50 % o menos es un
ser humano, la mayoría implica máquinas. La gente puede estar en el
negocio ahora pero nunca lo podría
haber hecho antes. Había que cantar y tocar la canción sin auto -tune
ni arreglos rítmicos en Pro-Tools.
Pinchar era el último recurso... No es
el camino para hacer una grabación.
Todavía estoy trabajando en como
capturar una actuación, no montar
notas juntas. La música existe acerca
de la comunicación y de la expresión,
no de lo que puede hacer una máquina.
Cuéntanos algo acerca de su sonido y tu kit.
Es curioso, he aprendido mucho
acerca de mi sonido a través de todo
el cambio de Yamaha a Mapex el año
pasado. Había tocado con Yamaha
desde que tenía 16 años, estaba
tan “atado” a la empresa que iba a
terminar tocando todo lo que me
pidiera, que fuese nuevo. También
han ido cambiando su sonido mucho, por lo que estaba cambiando
el mío también. Cuando finalmente
me puse a buscar lo que quería, por
primera vez en mi carrera, realmente
tuve una idea de mi sonido. Me gusta mucho el sonido “Big” controlado.
Es necesario crear un sonido grande
al momento del impacto, pero que
no dure demasiado tiempo. A veces
pensamos que el mejor sonido de
batería es el sonido más resonante
y abierto posible, sino que tiene un
montón de cuestiones vinculadas al
mismo. Se crea una vibración simpática en el kit, esto viene a través
como de un ligero rugido en una
grabación. Muchas veces, tienes que
silenciar las pistas de tom cuando ni
siquiera las tocas. También, puede
causar retroalimentación. El kit de
Mapex Saturn IV tiene un gran sonido real y más corto, como que entra
y luego sale. Además, estamos trabajando en nuevas líneas de Mapex
¿Puedes darnos algún consejo
para los bateristas principiantes?
Piensa en la sustancia sobre el estilo
a largo plazo. Es cierto que es mejor ser suertudo que “grande”, pero
estoy apostando mi dinero a “grande”. Recuerda, estás empezando un
pequeño negocio al ser un músico
profesional. Eres el producto. El producto tiene que ser algo que la gente
necesite, que necesite para ser un
gran producto, es necesario que se
comercialice, tiene que actualizarse y
8
PORTADA
Sólo quiero hacer
la mejor música
posible, por el
mayor tiempo
posible...
necesita ser cuidado al máximo. No pares a la gente, llévalos hacia ti. Consigue
un buen profesor. Tiger Woods tiene uno
y es el mejor golfista que jamás haya vivido. Sé serio, incluso si lo estás haciendo
por diversión, es más divertido ser bueno.
¿Como funciona “Online Classroom”?
Es completamente nuevo y una manera
única de tener “entrenador”. Hay más de
110 lecciones a 5 cámaras en HD. Por
supuesto, puedes navegar por todos
los diferentes módulos o lecciones, hay
de todo, desde la técnica de la mano a
la experiencia en más de 30 estilos de
música. Pero lo diseñé para que pueda
sinscribirte en el curso completo. Al adquirir el curso completo y como parte del
proceso de inscripción, me envías un video / audio con cuáles son tus objetivos
(hay un cuestionario para ayudarte). Reviso personalmente y envío de vuelta un
supuesto plan de estudios, que dice qué
clases tomar y en qué orden para alcanzar tus metas. Puedes estar conmigo en
tu evolución y trabajamos en tu desarrollo juntos. Se trata de un nuevo concepto
de instrucción privada o entrenamiento,
B&P Magazine. Isue ENE/FEB 2014
vi algunas otras lecciones on line y me
sentí como que eran demasiado “comprar una lección y aprender un fill”. Esto
se trata de guiarte a través de un plan
de estudios conjunto (como una universidad) para conseguir realmente que llegues a otro nivel. Se pondrá en marcha el
2014 y esperamos que todo salga bien,
para que podamos mantenerlo activo.
Puedes acceder a ella a través de mi sitio
web , simplemente haz click en “Online
Classroom” en la parte superior de la
página o puedes ir directamente a www.
drumandpercussionuniversity.com. Además, para todos s lectores, utilice el código de cupón “DNP_Launch“, y todos recibirán 10 % de descuento de todo en el
salón de clases, incluyendo la inscripción
al curso completo.
¿Retos de futuro?
Seguir trabajando, seguir mejorando,
seguir amando este negocio loco. Me
siento bendecido de hacer lo que hago y
lo sé. Sólo quiero hacer la mejor música
posible, por el mayor tiempo posible...
9
ENTREVISTA
Paco García
Asensio Ros “Wally”
La voz de la experiencia
Paco García es un músico que toca la batería, un reputado instrumentista dentro del
panorama nacional y un solicitado músico
de estudio con más de 200 títulos grabados. En esta entrevista para Batería y Percusión nos comenta desde sus inicios a su
entendimiento de la música nada desligado
a su entendimiento vital actual. Pero mejor
dejemos que hable el mismo…
Paco García usa exclusivamente baterías
Yamaha PHX, platos PAISTE, baquetas WINCENT signature, parches REMO, micros
SHURE, Hard Case.
Foto: Santi Miguel
ENTREVISTA
¿Cuándo y por qué decidiste dedicarte
a la música, más concretamente a la
batería?
Lo cierto es que la música, para mí, es un
sentimiento que arranca en algún lugar
del inconsciente y se manifiesta en la primera infancia. No recuerdo en absoluto
algo que se parezca a una afición que se
va formando con el paso del tiempo. Yo
cantaba en Radio León e iba al conservatorio a la edad de cuatro años, así que la
música es para mí algo tan íntimo como la
familia, los inviernos nevados de León o
los veranos en Gijón y Oviedo.
La afición por la batería sí es posterior,
pero creo intuir que los tambores de Semana Santa me indujeron a ese pálpito
tremendo que surge de lo profundo de
unos parches. Recuerdo escaparme de la
mano de mi padre y colarme a través de
la gente para estar en primera fila “oliendo” ese sonido dramático entre el aire
espeso del incienso y las velas. Probablemente de ahí arranque el sentimiento sagrado que dispenso a la música. Para mí
el sonido es de origen divino, nunca frívolo o propicio para “entretener”. Es un acto
de entrega, una devoción que me conecta
con otra realidad vital, más significativa y
más profunda.
Me hubiera gustado aprender a tocar la
batería con maestros y métodos pero,
sencillamente, no fue posible. En los años
sesenta no había nada parecido a escuelas, profesores, métodos ¡qué es eso! lo
único que circulaba por la casa de algún
amigo rico eran los discos de música inglesa o americana que nos “volaban la cabeza” luego, alguna batería vieja, un par
de amplificadores y un local eran todo el
arsenal necesario para reproducir a nuestra manera aquel torrente de sensaciones sonoras tan estimulante.
Los cimientos son básicos para llegar
alto. Háblanos de tu etapa de formación, maestros, métodos.
Bueno, los cimientos son vida sentida llevados a la práctica. No conozco otra base
más poderosa. Si no hay devoción por la
música y talento natural no hay nada. Yo,
a mi pesar, soy autodidacta, pero por fortuna poseo esos dos principios básicos.
La música, para mí,
es un sentimiento
que arranca en
algún lugar del
inconsciente
B&P Magazine. Isue ENE/FEB 2014
Variaciones Goldberg de Bach, interpretadas por Glenn Gould.
fluyente, a la hora de concebir la música
como forma compleja, texturas, composición, improvisación colectiva y riqueza
estética. Nadie como WEATHER REPORT.
40 años en activo, más de 200 discos
grabados para todo tipo de artistas,
alguno publicado con tu firma (incluyendo el que va a salir recientemente
DVD-CD), Eva Rock, Coz, Teddy Bautista, Orquesta Mondragón, Pedro Ruy
Blas, Carmen Linares, Serrat y Sabina
El primer disco que te compraste y el
último.
El primero creo recordar que fue uno de
Emerson Lake and Palmer, allá por finales
de los 60 o primeros 70. El último, en fechas recientes, una versión tardía de Las
¿Qué grupos escuchabas cuando empezaste y cómo has ido evolucionando
en cuanto a gustos?
En los sesenta escuchaba, en España a
Brincos, Módulos, Ángeles, Canarios, Pop
Tops, Bravos, Buenos, Pekenikes y fuera
a Beatles, Stones, Animals, soul de la Motown, Cream, Hendrix. En los setenta fue
una explosión de vida tal que me llevaría
muchas páginas glosar toda esa fertilidad
y ese fuego que vivimos. Led Zeppelin,
Pink Floyd, Deep Purple, Santana, Crosby
Stills and Nash, King Crimson, Soft Machine, Yes, Return to Forever, y el que para
mí ha sido mi grupo preferido y el más in-
11
ENTREVISTA
hasta Diana Ross, Gilbert Bécaud o María
Creuza…. Son algunos de los numerosos
artistas y grupos que has acompañado.
Cuéntanos cómo ha sido tu trayectoria y la
clave para mantenerse en la primera fila.
Todo parte del mismo principio, que es inagotable porque no conoce el desaliento: la
devoción y el gusto natural por lo que haces.
Lo demás es pan comido. Realmente, no hay
esfuerzo, ni desidia; sólo unas ganas locas de
tocar y expresarte de la mejor forma posible.
El resto es una consecuencia lógica de esa
fuerza que te impulsa más allá de tu imaginación. ¿Quién le dijo jamás a un joven aficionado a la batería, como yo hace muchos años,
que llegaría a tocar alguna vez con todos esos
nombres? La vida es, afortunadamente, un
misterio, un prodigio, y el futuro únicamente
está en nuestras manos. Nada está escrito.
Algún trabajo en estudio que destacarías y
alguna gira que recuerdes especialmente.
No está bien elegir y luego descartar. En mi
opinión, todas y cada una de las muchas grabaciones en las que he participado me han enseñado algo positivo. Ya sé que esta respuesta
es muy típica, pero no por ello menos cierta.
En cuanto a tournées por España y América sí
me atrevo a decir que, sin duda alguna, las giras del 2002 y 2003 “Versos en la boca” de Serrat, con disco incluido y arreglos de mi buen
amigo Ricardo Miralles.
¿Con quien te gustaría trabajar a nivel nacional que aún no lo hayas hecho?
Yo estoy satisfecho con todo lo realizado hasta ahora. El futuro no existe...
Diferencia del batería en estudio y en di-
B&P Magazine. Isue ENE/FEB 2014
recto, ¿Dónde te sientes más a gusto?
Definitivamente en el estudio. Ahí puedo expresarme con calma y meditar sobre lo que
se está cocinando. Elegir el diseño adecuado,
el sonido, el tipo de caja, toms y platos, el encaje con el resto de la banda o con la gran orquesta, el tratamiento de las dinámicas (muy
importante para mi forma de tocar) el fraseo,
los matices, en fin, todo un mundo de sutilezas e ínfimos detalles que, desgraciadamente,
en directo no existen o existen apenas. Actuar para un público está bien, por supuesto,
es una energía maravillosa que te hace sentir
vivo, que es excitante, que crea expectativa.
También disfruto de eso.
Algún bache o desaliento en estos 40 años
por el que te llegaras a plantear tu carrera.
A finales de los años 90 tuve un serio encontronazo con mi ego destructivo pero, finalmente, venció la serenidad y la cordura.
Baterías que admiras y porqué.
Normalmente no me gusta dar nombres propios, porque es discriminativo e injusto, pero
soy consciente que ésta es una revista de baterías y muchos esperan mi respuesta. ¿Está
bien si digo Ringo, John Bonham, Bill Bruford,
Regolí, Ginger Baker, Daniel Umair, Ian Paice,
Salvador Niebla, Jeff Porcaro, Virgil Donati, Carlos Carli, Peter Erskine, Anye Bao, Jorge Rossi,
Pedro Ruy Blas, Dave Weckl, Borja Berrueta,
Vinnie Colaiuta, Pepe Sánchez, Art Blakey, Félix Arribas, Elvin Jones, Jack De Jonhette, Steve
Gadd, Angel Crespo, Pedro Barceló, Antonio
Calero, Vicente Climent, Valentín Iturat... y todos los baterías anónimos de las orquestas
españolas que sacan adelante sesiones de
baile agotadoras y muy poco reconocidas.
¿Cómo se hace un buen batería?¿Cual es la
12
ENTREVISTA
principal cualidad a trabajar?
Yo hablaría de dos principios que conforman mi sistema: relajación y precisión.
Sin estos dos pilares es muy difícil lograr
la excelencia, meta de todo buen músico.
Sigues perfeccionándote como músico, ¿Cómo lo haces?
Respecto a la batería, poniendo atención
a la actitud mental -que debe ser relajada
y receptiva- y a la distensión muscular y
posicional del cuerpo. Por lo demás, no
paso ni un día sin tocar el piano y escuchar a Bach.
También posees un amplio bagaje y reputación en el terreno de la docencia
¿Cómo enfocas tu método de enseñanza?
En mi sistema de enseñanza caben todo
tipo de capítulos menores del aprendizaje integral de la batería. Todo aquello ya
conocido por cualquier estudiante animado por el conocimiento convencional de
la técnica, estilos, fraseo etc. pero desde
mi perspectiva personal. Personal en el
sentido de experiencia propia. Crear y desarrollar un método propio no ha sido difícil. Únicamente, he tenido en cuenta con
todo detalle “como” toco la batería y “qué”
toco. El resto ha consistido en pormenorizar y clasificar ese conocimiento propio,
nada más.
¿Cómo ha cambiado el panorama musical desde que empezaste hasta ahora
y cómo ves a las nuevas generaciones ?
Podría decirse que ese panorama del que
hablas ha cambiado completamente, es
obvio. Nuevas tecnologías, realidad virB&P Magazine. Isue ENE/FEB 2014
“Sin relajación y
precisión es muy
difícil lograr la
excelencia, meta
de todo buen
músico.”
tual, descargas de contenidos, la desaparición progresiva de los soportes tradicionales, música on line etc. son sólo algunas
de esas realidades tozudas que han llegado a nuestras vidas apenas sin tiempo para digerirlas. Pero, en el fondo más
profundo, el océano de la vida sigue en
absoluta calma, como siempre estuvo.Y
el artista, si desea seguir en contacto con
los mundos sutiles del sentimiento y un
abandono confiado, no debe hacer caso
más que a sus motivaciones más íntimas,
con independencia de las herramientas
que para tales fines decida usar.
Tu sonido. Háblanos de la importancia
para un batería en encontrar su sonido.
En mi opinión, el sonido no es propio, no
es “de nadie” ni nadie encontrará jamás
algo parecido. El sonido es una ilusión
del tiempo y del espacio, ambos ilusorios también. Pero cuando bajo a la tierra
y pongo los pies en un estudio o en un
escenario busco los sonidos profundos,
graves, que me da mi maravillosa batería
nuevo, de tu hijo Daniel García Diego.
En tu anterior trabajo “Zenko” nos
muestras, a mi entender, un jazz fusión
de calidad, con influencias variadas del
rock progresivo de los 70 o el latin jazz
actual en algunos temas. Háblanos de
tu nuevo proyecto, ¿va a seguir en la
misma línea que “Zenko”? ¿Para cuando estará?
En mi disco “Zenko” expreso las raíces
que me mantienen aún vivo en este mundo convulso de lo musical. Efectivamente, mi hijo Daniel ha sido y es mi vehículo para llegar hasta el fondo de lo que
yo puedo ser capaz de dar. Yo le doy las
pautas y él las realiza de forma magistral.
Después de todo, creció en casa con esa
música. Darle el biberón a un bebé mientras suena “In a silent way” marca mucho,
te lo aseguro...
En este segundo trabajo, DVD-CD que
ya ha visto la luz en este recién estrenado año 2014 bajo el sello Youkalimusic, y cuyo título es: “Golpe Vacío” decidí
Yamaha PHX, busco los ecos del viento
impetuoso y la suave brisa que me proporcionan mis fantásticos platos Paiste, y
también las melodías agudas de mi octaban, mis cajas y mis campanas.
¿Cuando decides empezar tus proyectos en solitario? Háblanos de ellos.
¿Cómo los fraguaste?
Hace años tuve relación con el bajista y
compositor Julio Blasco, buen amigo. De
esa amistad salió un primer trabajo conjunto, con el nombre de “Clínica Tubú”
bajo un sello independiente. Ahí vi la posibilidad de fraguar eventuales proyectos
propios sin los prejuicios que a veces me
asaltaban. “¿Podré hacerlo?, ¿Qué tengo
yo que decir?” Lo demás ha sido labor de
ese tiempo ilusorio de espera paciente,
hasta la publicación de mi primer trabajo
en solitario en el 2011 “Zenko” con el sello
Youkalimusic.
Estás a punto de sacar un nuevo trabajo a la calle con la participación, de
13
ENTREVISTA
“Mi consejo es
que exploren
en su interior
y reconozcan
sus verdaderas
motivaciones.”
[email protected]
olvidarme de los temas en su acepción
convencional. Es una pura improvisación
desde el primero al último corte. Ya sea
acompañado por mi amigo y genio de la
guitarra, Juan Cerro, o por los teclados
de Daniel o por la danza de mi hija Anita.
Todo está tocado en el momento, sin preparación alguna. Las pautas únicamente
las ha dado una atención penetrante en
lo que “está sonando”. Hay tan sólo una
excepción, y es el tema “A la vuelta” una
pieza corta de piano, que compuse para
ser interpretada por la trompeta de Dave
Gil.
No “groove”, no forma musical, no métrica predeterminada, no estilo... pero sí
tonalidades, para que mi batería pueda
interactuar melódicamente con guitarras,
teclados, secuencias y texturas. Esa es
la única salvedad a la regla improvisato-
B&P Magazine. Isue ENE/FEB 2014
ria del disco. Fraseo total y melodías sin
principio y sin fin. Así quiero yo que suene
ahora mi batería.
Consejos para los bateristas que empiezan.
Mi consejo es más una invitación a que
exploren en su interior y reconozcan sus
verdaderas motivaciones, a ver si son
ellas las que les señalan el mundo del sonido, del ritmo, de la armonía, de la melodía, que les puede llevar a través de un
camino incierto pero fascinante. Si es así,
bienvenidos al club.
Nuevas metas a la vista.
Entre el año 2014 y el 2015 tengo pensado producir un DVD con mi sistema de
enseñanza. Es un trabajo laborioso que
llevará tiempo poner a punto, y yo soy
ecualizaciones, micros en fase, contrafase
-muy importante en las baterías- sonido
“ambiente” etc. Después un buen café y
esperar instrucciones del productor y del
artista. Los grupos de trabajo, generalmente, ya están formados por un número concreto de personas muy allegadas.
Si no es el caso, la amabilidad y la disposición a colaborar sin reservas es actitud
obligada. La comunicación también es
un valor muy apreciado en el estudio. Un
ambiente fluido y comunicativo lo es todo
a la hora de sacar adelante un disco.
persona ocupada, así que tendré que
sacar horas como sea para plasmar de
la mejor manera esta aportación propia
al mundillo de los baterías y, por qué no,
músicos en general. Ahí se podrán hallar
valores universales que nos afectan a todos.
Consejos para grabar en estudio.
En primer lugar (no es broma) llegar antes que nadie para montar la batería con
absoluta tranquilidad, probar diferentes
opciones y tener total complicidad con
el ingeniero de sonido. Hablar con él sobre el tipo de micros necesarios para esa
sesión, posicionamiento de estos etc. Es
muy importante para los músicos de sesión conocer perfectamente la microfonía y unas nociones más que básicas de
sonido: cortes y rangos de frecuencias,
Algo más que nos quieras contar.
Que estas palabras sirvan de estímulo a
todos aquellos que decidan emprender la
aventura de una vida dedicada a la más
grande de las bellas artes: la música.
14
TALLER
Generación de una de las
baterías más caras del mundo
Hola a todos y bienvenidos a un nuevo número de Batería & Percusión.
En esta ocasión me enorgullece presentaros como fue el proceso que ha
dado lugar a tener una de las baterías
más caras del mundo. Dado que se va
a estrenar el día 7 de febrero me ha
parecido interesante contaros como
surgió el proyecto y como se materializó.
B&P Magazine. Isue ENE/FEB 2014
Sabéis que desde hace algún tiempo y dado que me gusta
probar todo lo que se pone a tiro, llevo trabajando con un
nuevo material que es piedra natural flexible. Bueno, pues
decidí cambiar el aspecto de una Sonor y forrarla en piedra
natural. Para ello elegí una piedra de color plateado cuyo
nombre comercial es Silver Shine. La verdad es que es bastante bonita porque si la ves desde lejos parece más bien
papel de plata, dado que brilla mucho y se nota bastante
que es piedra. Bueno pues el primer paso fue desmontar
hasta dejar los cascos de la batería donante, en este caso
una Sonor como os comentaba, limpios y sin vinilo. Una recomendación que os doy es que guardéis siempre las piezas
de cada casco por separado en bolsas o cubetas independientes ya que después os será muchísimo mas fácil montar la batería. Una vez tenemos los cascos desnudos, lo que
tenemos que hacer es una hendidura en ellos de 1,2mm ya
que ese es el espesor que tiene la piedra flexible. Yo os recomiendo no hacer la hendidura hasta los bordes porque eso
afectaría al bearing edge del casco y modificaría el sonido al
final. Os pongo unas imágenes para que veáis por vosotros
mismos lo que os quiero decir.
Yo hice la hendidura con una fresadora midiendo antes en
una madera la profundidad que le quitaba. Una vez tenemos
todos los cascos sin recubrir, lo que hay que hacer es darles
una buena lijada y dejarlos finos para que se pueda trabajar
con ellos en el siguiente paso. A continuación hay que recortar la piedra y pegarla en la hendidura que hemos hecho. Yo
utilizo un método muy sencillo. Ya que no sabemos el diámetro con exactitud, lo que hago es con una cuerda o con
cinta de carrocero rodear una vez el casco y luego la despego y mido lo que tiene de perímetro. Seguidamente mido
José Viana
Hendiduras realizadas con
la fresadora
Ejemplo de casco ya lijado
15
TALLER
la altura de la hendidura y así tengo las medidas del
rectángulo de piedra que tengo que cortar. Una vez
tengo el rectángulo cortado y probado en el casco,
encolo el envés de la piedra y el casco, con la ayuda
de un molde lo pego. De esta parte no tengo fotos
pero os lo podéis imaginar sin duda. Así me queda el
casco recubierto con la piedra totalmente y uniformemente. Luego vuelvo a hacer los agujeros en la piedra
aprovechando los existentes y solo me queda montar
los herrajes y he aquí el resultado:
Queda muy original, muy poco visto y a mi me parece
bonita. En cuanto a la sonoridad cambia, porque la
verdad es que hemos quitado madera y añadido una
capa de material cuya dureza es mayor y con menos
elasticidad. Esto se traduce en una perdida de calidez
en el sonido pero una mejora en cuanto al ataque, a
la afinación y al volumen. Lo que hace sonoramente el recubrimiento en piedra la hace desaconsejada
para el jazz por ejemplo, pero es una más que bonita
opción si tocamos rock, pop o blues.
Aquí hubiera acabado la historia de esta batería pero
no fue así. Al poco tiempo de terminarla conocí al que
hoy considero un buen amigo y que se llama Eduardo Bermejo. Eduardo es un joven pintor que tiene
una proyección brutal y que además es una bellísima
B&P Magazine. Isue ENE/FEB 2014
persona. Si queréis conocer más de su obra podéis
consultar su pagina web en. En el tiempo en que lo
conocí se disponía a trabajar por primera vez con
lienzos de piedra que elabora el mismo fabricante de
la piedra flexible. Como no me puedo estar callado le
propuse el utilizar la batería como un lienzo y convertirla en una obra de arte con el objetivo de fusionar
música y arte pictórico. Sorprendentemente acepto y
yo tuve que cederle mi batería recién fabricada para
este particular proyecto. El me ha cedido varias fotos
de como ha quedado o ha ido quedando la batería.
Ahí van:
La sonoridad cambia,
porque la verdad es que
hemos quitado madera
y añadido una capa de
material cuya dureza es
mayor y con menos elasticidad. Esto se traduce en
una perdida de calidez en
el sonido pero una mejora
en cuanto al ataque.
Esta es una pequeña muestra de como ha quedado
la batería. Para mí simplemente es espectacular. El
precio lo dice todo sobre ella. Si queréis saber mas
escribirme a [email protected] y os puedo informar más detalladamente, pero su coste es casi como
un apartamento de hoy en día. Los que queráis verla
expuesta, se presenta el día 7 de febrero en Godella (Valencia) en la galería Acuda (C/Médico doctor
Aleixandre, 16) hasta el día 2 de marzo. Luego si alguno venís a Valencia en Fallas, estará expuesta en la
galería La Metro de la parada de metro Colón durante
todas las fiestas. Lo más curioso es que se va a exponer boca abajo. Para visualizarlo el artista me envío
una recreación de como va a quedar y ahí os va:
La verdad es que esto demuestra que se puede hacer
todo lo que queramos, que es la filosofía válida para
mí.
Bueno espero que os haya gustado y nos vemos en el
siguiente número de Batería & Percusión.
16
OPINIÓN
Pioneras del ritmo
Cuando vi la retransmisión de la presentación de los Juegos Olímpicos de Londres, me encantó el hilo conductor de
ésta. Los ingleses hicieron gala de uno
de sus cimientos tanto cultural como de
negocio: la música. No voy a recordar
el evento ni sus partes, más buenas o
menos afortunadas en ocasiones, pero
sí a destacar algo que como tamborero
me llenó de emoción y, por qué no, de
orgullo, había mucha, pero mucha percusión. Y ante esta argamasa de tambores y redoblantes allí estaba nada más y
nada menos, como una estrella en toda
la extensión de la palabra, Evelyn Glennie, dirigiendo e interpretando su propia
composición. Percusionista escocesa
que ha bebido de las fuentes del folk y,
a su vez, de la percusión clásica y contemporánea, Evelyn es todo un derroche
de ingenio, musicalidad y buen humor,
que supo dar la talla en un espectáculo
complejo y grandioso y que dejó a mi
entender muy alto, tanto el valor de la
percusión en dicho evento, como el ser
una mujer quien lo hiciera.
B&P Magazine. Isue ENE/FEB 2014
A priori, nunca me han interesado
ni “los días de”, ni los homenajes a
diferentes grupos digamos sociales,
ni los monográficos basados en género, tendencias sexuales o diferencias étnicas. Pero claro, casi siempre
hay una razón para estas cosas. Es
fácil de entender el día del orgullo
gay, pues la heterosexualidad nunca
ha tenido que demostrar nada y en
el caso de los hombres, dando por
supuesto nuestra heterosexualidad,
ya se nos hace sentir orgullosos de
ella desde el mismo día que nacemos. Así que sería ridículo constituir
el día del orgullo hetero. O machote,
en un tono más casposo.
Y llegados al día de la mujer, ¿o mujer trabajadora?, nunca me acuerdo,
obvio es explicar aquí su historia, su
evolución, sus luchas, sus retos, su
complicada existencia en un mundo
de testosterona y dogmas religiosos, escritos por hombres claro.
El microcosmos de la música profesional, por lo menos el que yo conozco desde hace más de treinta años,
tiene un componente machista. En
la furgoneta, el microbús, la prueba
Pepe Cantó
de sonido o el hotel, siempre suelen
acontecer salidas de tono un tanto
misóginas, que chirrían a un pensamiento educado y sensible. Por
otra parte a día de hoy no he visto,
no digo que pase como en otros
trabajos, que a mujer alguna se le
haya discriminado en trato, sueldo
o cualquier otro tipo de derecho. Lo
cual otorga a nuestra profesión un
atisbo de esperanza, en un mundo
anclado a un tipo de pensamiento
que debería de haber desaparecido
hace siglos, incluso no haber llegado jamás a existir.
Y con ellas llegó la escandalera.
Bobbye Hall dicen que fue la primera en darle duro al tambor en
el mundo del R&B. Difícil saber si lo
fue, pero eso sí, fue la primera en
llegar al primer nivel de la industria
musical americana como percusionista de estudio y acompañamiento, allá por los primeros años 70.
Nacida en Detroit, se adentró en el
mundo de la percusión afrolatina
pero dirigida al R&B. Logró asociarse con los fabulosos Funk Brothers
17
Bobbye Hall
y puso sus manos al servicio de artistas de la Motown como el mismísimo Marvin Gaye. Durante estos
años también trabajó entre muchos
otros para James Taylor, Carole King
u otro grande del soul, Stevie Wonder, por no olvidar su fabuloso trabajo en el Hejira de Joni Mitchell.
Y a finales de los 70 llega su gran
eclosión, es contratada por Bob
Dylan. Y digo eclosión no solo por la
fama de Bob Dylan, pues no era mayor a la de los artistas con los que
OPINIÓN
venía trabajando, sino porque Dylan no
suele utilizar en su música percusión
afrolatina, y ese hecho constituyó una
gran apertura sonora en el mundo del
R&R y un privilegio el ser uno los primeros en hacerlo, siendo además mujer.
Bobbye aparece en 22 temas de la lista Billboard Hot 100. Durante más de
cuatro décadas hemos escuchado sus
percusiones, aparte de los mencionados, con: Janis Joplin, Smokey Robinson,
Doobie Brothers, Leo Sayer, Diana Ross,
Quince Jones, Steve Nicks, Rod Stewart,
Tracy Chapman, Bob Seger, Pink Floyd,
Billy Preston…y muchos más.
Sheila E también aparece en la década
de los 70 en este mundo de tambores y
tamboreros. Procedente de una familia
de músicos, su padre el gran percusionista Pete Escovedo, su tío el cantante
Alejandro Escovedo, por si faltara algo
su padrino fue el mismísimo Tito Puente, el rey del timbal, amigo íntimo de la
familia.
Exuberante, tanto musicalmente como
en belleza física, actitud e imagen, la
conmoción que puede crear en directo
es considerable. Músico con un sentido
del ritmo y una capacidad improvisadora sorprendente. Además de dominar
todos los elementos de la percusión
latina es una batería con un groove seguro y macizo.
Debuta como músico de sesión en el
disco de Alphonso Johnson, Yesterday’s Deams, para seguir colaborando
con artistas como: George Duke, Herbie Hancock, Diana Ros, Lionel Richie o
Marvin Gaye. Pero la buena estrella no
cesa y por si fuera poco es contratada
B&P Magazine. Isue ENE/FEB 2014
por Prince para las sesiones del Purple
Rain. Como Sheila también canta, toca
la guitarra, compone, arregla, baila y
produce, pues la relación además de
fructífera ayudó a que Sheila E grabara su primer disco en solitario, The
Glamorous Life, iniciando una carrera
como solista que aún no ha cesado a
día de hoy, con un puñado de discos a
su nombre.
Aparte de su carrera como cantante,
batería, percusionista, demostradora
de marcas o mujer de negocios, a Sheila le ha sobrado tiempo para colaborar
con artistas como: Babyface, Gloria Estefan, Billy Cobham, Jennifer López, Ringo Star, Beyonce, Mike Oviedo, Cindy
Lauper, Santana, José Feliciano, Poncho
Sánchez…
Marilyn Mazur la descubrí sobre 198687 acompañando a Wayne Shorter en
Pachá de Valencia. Ahí estaba, rodeada
de un set entre acústico y electrónico,
apoyando la batería de la magnífica
Terry Line Carrington, dos chicas a los
mandos rítmicos del gran Shorter, increíble en esos momentos. Su modo
de concebir la música me fascinó, no
era nada que yo conociese en esos
momentos, estaba muy adelantada en
conceptos a la época. Con un lenguaje completamente personal, que bebe
tanto de ideas africanas, orientales y
sobre todo del jazz contemporáneo,
esta mujer es puro exotismo, pura libertad, pura expresión.
Poco después gozaría de un prestigio
considerable por participar en directo y
estudio con el gran Miles Davis, un honor impagable para cualquier músico
Cada vez más mujeres entre tambores, algo
a celebrar en lo que se había convertido en
otro ghetto de hombres.
Marilyn Mazur
de este planeta, que al ser mujer en un
ambiente predominante de hombres,
duplica dicho honor. Aunque se ha dedicado sobre todo a sus proyectos personales, tiene como doce o trece discos a su nombre, ha realizado algunas
colaboraciones con gigantes del jazz
como: Gil Evans, Jan Garbarek o Charlie
Mariano, entre una lista extensísima de
figuras del jazz europeo, ya que aunque nacida en New York, de ascendencia polaca y afroamericana, se educó y
vive en Dinamarca.
Carole Steele es una más que reconocida percusionista de estudio y acompañante, goza de una trayectoria muy
interesante tanto como músico, como
por sus vivencias personales.
Nacida en 1952 en San Francisco, de
ascendencia escocesa y griega, y enamorada desde jovencita de los ritmos
y la percusión latina, empieza muy
pronto su actividad profesional con
grupos pequeños en su área metropolitana. Contacta con Santana o el gran
maestro Mongo Santamaría, al que se
18
OPINIÓN
acercó en una de sus actuaciones y le dijo:
quiero tocar contigo, a lo que Mongo, ante
esta pregunta que le hacia una chica poco
más que adolescente, rubia y blanca como
el merengue, le dijo: ¿estás loca o qué?, y
ella insistió: no, quiero tocar un tema contigo y hacer un solo. Esa misma noche la
contrató, y en torno a los 21 años llegó a
New York en la banda de Mongo, una de las
leyendas más grandes de las tumbadoras y
el Latin-Jazz.
Su trayectoria es un imparable cúmulo de
viajes y experiencias en la América hippie de
los 70. Vivencias con la cantante brasileña
Flora Purim y su marido, uno de los grandes gurús de la percusión moderna, Airto
Moreira, empleo de secretaria para pagar el
alquiler mientras convivía con ellos y con un
joven Stanley Clarke, vuelta a New York para
conectar con los grandes de la salsa Willie
Colón o Tito Puente, trabajar en una tienda
de percusión para subsistir, viajar a Venezuela con la banda de salsa femenina Latin
Fever, hasta en el 78 ser contratada por la
cantante Diana Ross y entrar de lleno en el
mundo de las grandes estrellas del Pop. En
la actualidad tiene su propio negocio como
experta en cultura afrocubana y trabaja con
grupos de turistas como guía cultural en
Cuba.
B&P Magazine. Isue ENE/FEB 2014
Carole es una percusionista de una claridad,
sonido y tempo increíble. Ha colaborado entre otros con: Diana Ross, Steve Winwood,
Odetta, Santana, Eric Clapton, Tears For
Fears, Aztec Camera, Anastacia, Nona Heindrix, Pino Danielle, Steve Ferrone, Joan Baez,
Peter Gabriel, Oleta Adams, Chaka Khan, Richie Havens…
Sheila E
Presente, futuro.
Cada vez más mujeres entre tambores, algo
a celebrar en lo que se había convertido en
otro ghetto de hombres. Hemos recordado
a cuatro pioneras pero ha habido, y hay,
muchas más: Vicky Randle, Jody Linscott, Estaire Godinez, Layne Redmon, Marina Bambino, Lisette Santiago…todas excelentes
muestras de grandes percusionistas.
No quisiera acabar sin rendir homenaje a la
percusión tradicional ejecutada por mujeres durante siglos: norteafricanas, orientales, asiáticas, cómo no a las pandereteiras
gallegas, y a ese increíble pandero cuadrado
de Peñaparda tocado por tantas mujeres
auténticas, de la tierra, como la encantadora Tía Gora, que acaba de cumplir en este
entrante 2014 sus 109 años y sigue dándole
a su tambor, tal vez no con la misma energía, pero a buen seguro con la misma magia,
magia de mujer.
19
TRUCOS Y CONSEJOS
¿Cómo poner una canción con metrónomo pero que el público no lo oiga?
Josu Erviti
parte (I)
Esta es una de las preguntas frecuentes de muchos amigos y conocidos
del mundillo baterístico. Yo conozco 2
maneras diferentes de hacerlo y hoy
os enseñaré la más económica y fácil.
En el siguiente número, explicaré la
otra manera que es mejor, pero más
caro y complejo.
Muchas veces vemos en clinics y
conciertos, que el baterista lanza una
pista de audio para tocar sobre ella y
entra clavado desde la primera nota
a tempo, sin que nadie haya escuchado ninguna referencia. ¿Cómo sabía
cuando tenía que entrar exactamente? La respuesta es bien fácil. Él en su
mezcla de monitores, lleva una referencia que fuera no se está oyendo,
pero... ¿Y esto cómo se hace?
B&P Magazine. Isue ENE FEB 2014
Lo primero que debemos saber es, qué tempo tiene la
canción y para ello, usaremos la función tap del metrónomo. Casi todos los metrónomos de hoy en día tienen
esta función y sirve para pulsar un botón al ritmo de la
canción y que éste nos de la velocidad exacta.
Para comprobar si la velocidad es exacta, mientras suena la canción le daremos al click y los dos deberían ir
a la vez. Si no es así, tendremos que volver a hacer el
proceso del tap de manera más precisa hasta tener la
velocidad real.
Ahora que sabemos el tempo de la canción, necesitamos una estación de trabajo de audio digital (DAW) tipo
Cubase, Pro Tools, Logic (estos son de pago) o Audacity,
Garage Band que son gratuitos.
Primero abrimos una pista estéreo en nuestro DAW (yo
utilizo Pro Tools) donde pondremos la pista que queramos reproducir y pondremos los dos panoramas a la
izquierda:
Ahora nos fijaremos que el audio sonará solamente por
el altavoz izquierdo ya que el panorama de la pista estéreo está puesto a la izquierda.
El siguiente paso es crear una pista de metrónomo y la
cuadraremos con la canción. Yo normalmente suelo dejar 2 compases de cuenta antes de entrar para poder
interiorizar bien el tempo:
Ahora tenemos que mover el panorama del click a la derecha:
“Para saber qué tempo
tiene la canción usaremos
la función tap del metrónomo.”
Si reproducís el audio, os daréis cuenta que sonará la
canción en el altavoz izquierdo y el click en el derecho.
Ahora tenemos que exportar el audio para que podamos prescindir del ordenador en el directo y poder lanzar la pista desde cualquier reproductor.
El siguiente paso es sacar el sonido de nuestro repro20
TRUCOS Y CONSEJOS
ductor (teléfono, tablet, mp3...) desde la salida de auriculares con un cable mini jack a dos jacks de ¼. Lo conectamos a una mesa de mezclas pequeña que tenemos que
llevar y metemos en un canal estéreo nuestra canción:
Nosotros tendremos en nuestros auriculares la canción
en la izquierda y el click en la derecha, pero...¿Cómo
hago para que fuera salga solamente la canción?
El técnico nos pedirá que le mandemos una señal y lo
único que vamos a mandarle va a ser el lado izquierdo
de la salida de mesa. Así, él podrá amplificar la canción
en un canal mono y sonará en los dos altavoces de PA.
Ventajas de este sistema:
1-Es barato.
2-Es simple y fácil de aprender.
3-Hace falta Poca infraestructura.
Desventajas de este sistema:
1-La canción suena en mono y se pierde el efecto de
espacio del estéreo.
2-Puede haber algunos sonidos que no se oigan ya que
han sido mezclados en estéreo y puede haber sonido
fuera de fase.
3-En tu mezcla oyes la música a un lado y el click al
otro.
Como véis es un sistema
muy fácil de hacer
funcionar, de llevar a
directo y solamente
necesito un ordenador,
un reproductor y una
mesa de mezclas.
Como véis es un sistema muy fácil de hacer funcionar,
de llevar a directo y solamente necesito un ordenador,
un reproductor y una mesa de mezclas. En el siguiente número os enseñaré otro sistema que es más complejo de aprender y más caro, pero que suena mejor.
Como siempre, todo depende de nuestro presupuesto,
de nuestra habilidad a la hora de manejarnos con las
herramientas de audio y de nuestro compromiso con
la calidad.
Espero haberos ayudado con este “truco” y nos vemos
en el siguiente número ¡Hasta pronto!
B&P Magazine. Isue ENE FEB 2014
21
DIDÁCTICA
Melodía y estructura en la
batería
Una de las preguntas más frecuentes de alumnos avanzados, es la de como llegar a controlar la estructura o
forma del tema, donde hacer los fills o breaks, como
hacer pequeños solos (“cuatros”, “ochos”) y como obtener cadencia através del discurso del grupo, para así ,
llegar a dirigir el grupo, big band u orquesta sinfónica.
A mi modo de ver, el primer paso debería ser estudiar
la relación melodía-armonía, es decir, analizar las notas
de la melodía respecto a los acordes del tema, en temas standards como BEAUTIFUL LOVE, BLUE BOSSA,
ALL THE THINGS YOU ARE etc.
El segundo paso seria tocar esta melodía y armonía en
algún instrumento armónico, vibráfono, piano, guitarra…
El tercer paso, una vez podamos cantar la melodía
controlando así su estructura (AABA, AB, ABAC…) nos
sentaremos en la batería tocando un groove o ritmo
sencillo en cualquier estilo elegido y cantaremos la melodía a la vez que realizamos este acompañamiento.
Aquí radica para mí la verdadera independencia - polirrítmia en música, ya que disociamos CEREBRO-MANOS-PIES.
Y en cuarto lugar, si es posible, llegar a improvisar sobre la armonía del tema -con nuestro vibráfono, piano,
guitarra etc.- tal y como harían los demás miembros
del grupo.
¿Qué estudiar para llegar aquí? Pues deberíamos estudiar la relación escala –acorde, triadas y cuatriadas,
los modos: jónico, dórico, frigio, lidio, mixolidio, eólico
y locrio. Escalas: blues, pentatónicas, disminuidas, melódicas, armónicas, lidia dominante, lidia aumentada,
B&P Magazine. Isue ENE/FEB 2014
exátonas etc. Analizar la función de los acordes del
tema: tónica, dominante, subdominante, dominante
secundario etc.
CADENCIA- ESTRUCTURA
Una vez estamos cantando y tocando simultáneamente ya estamos preparados para realizar cadencias o finales de frase un pequeño FILL para dar sensación de
estructura, entre la A y la B, por ejemplo.
Seguidamente realizaremos dos pasos: Primero tocaremos entre los espacios que va dejando la melodía
por ejemplo con el BOMBO y segundo tocaremos la
melodía tal cual, por ejemplo con la CAJA.
“CUATROS” “OCHOS”
Sin parar de tocar una base rítmica y cantando la melodía por ejemplo en un tema AABA, realizaremos un
OCHO (SOLO O FRASE), en la segunda A y en la ultima A.
A, acompañamiento. B, solo (8 compases, solamente en
los “parches”)
A, acompañamiento. A, solo (8 compases, solamente en
los “parches”)
Una vez explicado esto, he aquí unos ejemplos para
practicar en la batería
TOCANDO EN LOS ESPACIOS:
1. Tocar base de plato. Tocar base de charles. Tocar base
de bombo. Espacios con la caja.
Juanjo Garcerá
TOCANDO LA MELODIA:
1. Tocar base de bombo. Tocar base de caja. Tocar base de
charles. Melodía con el plato.
2. Tocar base de plato. Tocar base de caja. Tocar base de
charles. Melodía con el bombo
Para que esto tenga mayor sentido, transcribiremos
SOLOS de las grabaciones hechas por otros bateristas
como: Al Foster, Billy Higgins, Philly Joe Jones, Art Taylor,
Max Roach, Jack DeJohnette, Bill Stewart, Louis Hayes,
Jo Jones, Clarence Penn , Antonio Sánchez, Elvin Jones,
etc.
Si te cuesta mucho trabajo la transcripción de las grabaciones de los SOLOS, puedes intentar memorizar
frases poco a poco de tus bateristas preferidos.
Es importante recordar que cuando estés haciendo
“CUATROS” u “OCHOS”, es recomendable que los toques en los parches (caja, toms y timbal base). Porque
creo que resulta más claro y pedagógico.
Practícalo también con tu “bajista” primero y luego con
tu Grupo.
Estos son solamente algunos de los ejemplos que
suelo practicar constantemente creando, cadencias,
estructuras, para intentar estar siempre dentro de la
música y músicos.
Espero que sea de alguna ayuda este capítulo.
Un saludo.
2. Tocar base de plato. Tocar base de charles. Tocar base
de caja. Espacios con el bombo
22
DIDÁCTICA
Percusión al día.
Técnicas básicas para conga.
Pepe Cantó
Esta entrega de Percusión al día, la he querido dedicar a unos ejercicios tan básicos como
esenciales para conga. Los cuatro primeros, nos
ayudarán a tocar el tumbao cubano y derivados
de una forma clara y contundente, aunque luego los integremos en otros estilos como el Jazz,
el R&B o el Rock. En cuanto al quinto, que aparece como ejercicio 7, nos ayudará a corregir los
defectos de sonido entre slap y golpe abierto.
Este último es conveniente practicarlo extremadamente lento con el slap cerrado y, cuando
empecemos a subir la velocidad, cambiar el slap
a abierto. Veréis que es ahí donde aparecen los
problemas, pues se confunden los abiertos con
los slaps abiertos. Este ejercicio os ayudará a
pensar en el golpe abierto, algo que se tiende
a olvidar.
B&P Magazine. Isue ENE/FEB 2014
S: Slap
(Distinguir entre abierto y cerrado)
O: abierto
H: talón o palma de la mano
T: dedos
Los golpes H (heel) y el T (toes) son difíciles
de ejecutar sin un buen profesor. Aunque
hay muchos tutoriales, DVD y métodos específicos, muy buenos, tenéis que tener en
cuenta que no todas las manos son iguales,
por lo tanto os recomiendo adaptar lo que
veáis a vuestra fisonomía.
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SOFTWARE
Agus González Lancharro
collection
A/B Instantáneo
Cuando desees hacer un A / B a un
proyecto en tu DAW con una o más
pistas de referencia es muy probable
que enciendas un reproductor externo
y estableces un nivel de volumen más
o menos a juego, o bien importas la
referencia a una pista en la DAW para
reproducirlo desde ahí. Bueno, pues
eso se acabó.
B&P Magazine. Isue ENE/FEB 2014
24
SOFTWARE
Estamos ante el primer plug-in de Sample Magic,
que permite cargar hasta nueve archivos de audio de referencia y cambiar entre ellos y la pista
en la que se está trabajando. El plug-in viene en
VST, AU, RTAS y formatos AAX y está destinado a
ser colocado último de la cadena en el bus master después de cualquier tratamiento, aunque es
posible que desees poner mediciones después
de él para que pueda comparar los espectros de
frecuencia .
Después de cargar tus pistas de referencia (que
puede estar en una variedad de formatos, incluyendo MP3 y M4A), se puede equilibrar el volumen usando los controles deslizantes individuales. Precisos medidores de picos y RMS aseguran
que hayas emparejado correctamente los volúmenes de las pistas. La interfaz de usuario bien
diseñados. Una vez que hayas seleccionado la
pista de referencia, que está representado por
una vista en forma de onda, lo que le da la capacidad para ampliar y hacer bucle de cualquier
sección. Es simplemente un caso de hacer click
en los botones A y B situadas en la parte derecha
para cambiar entre su mezcla original y la nueva
pista de referencia. Voilá.
Los loops se pueden doblar, cuadruplicar, reducir a la mitad o ajustar manualmente. Puede
ajustar el fundido entre las pistas de referencia
de 0 a 2000 ms, y optar por importar de forma
automática todas las pistas.
Todo funciona exactamente como se describe,
haciendo que el proceso de referencia AB una
alegría sin esfuerzo. Nos gustaría poder cambiar
entre las pistas a través de MIDI, y múltiples bucles por pista también sería bueno, pero tal como
está, mientras que la magia AB ciertamente no es
algo que usted necesita, cualquier productor que
encontraríamos esto una herramienta muy útil.
Conclusión
Solución sencilla y elegante para referenciar a otras pistas cuando se trabaja en una mezcla. Aunque puedes vivir
sin ello, Sample Magic AB es una herramienta muy útil, barata y que nos
agiliza el trabajo sin esfuerzo.
The Mastery Of Tone.
B&P Magazine. Isue ENE/FEB 2014
Distribuidor en España y Portugal
de Crescent Cymbals
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SOFTWARE
Agus González Lancharro
VIRTUAL
BUSS
COMPRESORS
Compresión analógica virtual
B&P Magazine. Isue ENE/FEB 2014
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SOFTWARE
Slate Digital ha labrado una reputación envidiable a la hora de
producir simulaciones analógicas en diversas categorías, por lo
que su última aventura - Virtual Compressors Buss - es sin duda
un lanzamiento esperado.
Al igual que su colección Virtual Console y VTM,
VBC (VST / AU / RTAS / AAX) no recibe la aprobación de ningún fabricante en particular, dándole la
libertad para mejorar los originales.
Sin embargo, los tres plugins que conforman la
colección - FG -Grey, FG- Red y FG -Mu – están claramente inspirados en tres diseños clásicos: SSL
4000, original Red 3 Stereo Compressor / Limiter
de Focusrite y la Fairchild 670. Tanto los modelos
de Fairchild y Manley se han modelado en la creación de FG- Mu.
Durante el desarrollo, Slate tomó la decisión consciente de concentrarse en las no linealidades
como la distorsión armónica, distorsión de fase,
alteración de frecuencia y el ruido, así como las
características de compresión subyacentes.
El paquete VBC incluye un cuarto plug-in llamado
FG-Rack, que contiene los tres compresores en
serie. El propósito principal de este rack virtual
realmente no es tener tres procesadores que
comprimen en su buss de mezcla. Como se puede
apagar cada compresor individualmente, puedes
utilizar FG-Rack a la audición de los tres compresores y mantener sólo el que más te guste en una
pista dada. Otra aplicación sería combinar ciertas
propiedades de cada modelo, por ejemplo, el empleo de FG-Grey para punch y añadir sutil saturación con FG-Red estableciendo su relación a 1:1 y
subir el control Drive.
B&P Magazine. Isue ENE/FEB 2014
En acción, cada uno de los compresores Buss viene con una personalidad sónica distinta. FG -Grey
es el rápido, excelente para pop, FG- Red sería mi
primera opción para los temas de rock, debido a
su función de saturación, y FG- Mu ofrece un exuberante floración con un sabor vintage para pistas
lentas. Ninguno de los compresores es completamente neutral. Todos ellos presentan algún grado
de distorsión armónica. FG - Mu muestra una pequeña protuberancia en la región de 2 kHz . Los
tres también introducen un componente de ligero
ruido sobre los- 120dB. Fabrice Gabriel, creador
de este pack, siente que el ruido es un componente esencial en la recreación de un sentimiento
analógico.
VBC puede ser no tan radicalmente nuevo como
algunos lanzamientos anteriores de Slate Digital,
pero es raro encontrar tantos detalles sonoros y
realismo en un plug-in. A pesar de que se han tomado algunas libertades, la calidad de emulación
es excepcional.
Con sus no-linealidades cuidadosamente, los
plug- ins VBC pueden no ser ideales para el procesamiento ultra-limpio, como se requiere en algunas aplicaciones de masterización y siempre
impartirán un cierto sabor. En el aspecto práctico, se necesita una llave iLok de segunda generación incluso para la demo, aunque tiene un precio
atractivo. Tres tubos de pegamento sónico por el
precio de uno es una ganga, sin ninguna duda.
Conclusión
Mucho carácter y autenticidad analógica.
VBC es claramente una de las mejores emulaciones de software de equipos analógicos
que nos hemos encontrado hasta la fecha. En
comparación con otros plugins líderes en el
mercado de una inclinación similar, el enfoque
diligente de Slate se nota, sobretodo en las excelentes características no-lineales.
VBC es un esfuerzo absolutamente excepcional que establece nuevos estándares.
Es raro encontrar tantos
detalles sonoros y
realismo en un plug-in.
The Mastery Of Tone.
Distribuidor en España y Portugal
de Crescent Cymbals
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RELATO
Death Letter Blues
Toni Garrido
(I)
La amplia carretera atenazaba como
una serpiente aquella marcha hacia el
oeste.
Ugarte había metido una cassette de
éxitos de Elvis…, su viejo cacharro aún
conservaba un aparato reproductor
de cintas magnéticas.
Bajo aquel día de insistente luz cegadora sonaba el “Crawfish” que el Rey
interpretó con Kitty White en 1958
para King Creole.
Aquel groove de tintes sudorosos
y sensuales le hacía golpear con la
mano en la puerta del coche e imaginar a Lucy bailando sobre la mesa del
salón en aquella mansión chic de tonos pastel.
El “Crawfish” azotaba con su espesa y
calurosa esencia añeja…, pura seducción entre el salpicadero y sus pensamientos que se quedaban muy atrás,
junto a su chica.
Ronnie miraba los edificios que acariciaban la carretera a ambos lados e intuyó a Elvis en alguna ventana aullando el “Crawfish” mientras se peinaba
el tupé.
El rugido del automóvil acompasaba
B&P Magazine. Isue ENE/FEB 2014
sus instintivas imágenes… Lucy, Elvis,
JW, su tienda de licores, Nancy Sinatra,
Bloody Mary…
Ronnie tenía una idea fija… Escapar
de Ugarte, no tenía ninguna intención
de dar con John y mucho menos de
entregarlo a la policía. También sabía
que Lucy nunca se lo perdonaría.
Así que su situación era difícil…, pero
sabía que ese viaje no llegaría a su
destino, al menos con él.
Las viejas canciones de Elvis seguían
sonando con el rechinar de la cinta
que en algunos momentos parecía
que iba a salir del reproductor liada
como un enjambre de lombrices.
Ugarte le volvió a sacar de su silencio,
como siempre de forma inesperada.
-Ehhh, muchacho…, pareces preocupado por algo.
-Pienso…, simplemente -contestó
con cierta sorna.
-Es bueno pensar… apuesto a que
Lucy está en ellos. En los pensamientos, digo.
Ronnie meneaba la cabeza, haciendo
negativas mientras miraba al frente
28
absorbido por sus razonamientos.
Sin duda quería terminar con esa situación, era su máxima en ese momento. Deseaba encontrar otro camino, otras rutas, posiblemente hacia
algún lugar desconocido o tal vez volver a por Lucy, desaparecer con ella
y vivir al margen de todos esos pillastres. A veces sería capaz de matarlos
sin compasión alguna.
Volvieron a parar en otra zona de moteles y bares…, era un lugar animado,
con muchos coches y camiones estacionados por todas partes.
Ugarte fue directo a un local de comida rápida, por su parte, Ronnie decidió dar una vuelta.
Entró en una tienda de souvenirs, era
evidente que se encontraban en algún
lugar del desierto de Mohave…, llaveros y camisetas de diferentes tipos
de cactus y figuras del padre Eusebio
Kino. Unas imágenes de diferentes
santos y vírgenes mexicanas además
de posters gigantes del Gran Cañón
decoraban aquel bazar repleto de una
suerte de trastos y objetos almacenados por todas partes. Al final optó por
RELATO
comprarse una camiseta muy llamativa
de un jaguar…
-Los pocos que quedan en América
del Norte sobreviven en Arizona -le
comentó el tendero.
Era de su talla, y era bonita de verdad.
Salió de la tienda con ella puesta.
Una voz le llamó la atención.
-Chico.
Ronnie se dio la vuelta pensando en la
persona exacta. No tenía explicación
para ello pero sabía que era el redneck
que vio unos kilómetros atrás.
-¿Si? -contestó con una sonrisa.
-¿Seguimos el mismo camino? -le preguntó con otra sonrisa socarrona.
-Pues no lo sé, pero desde luego vamos hacia el oeste. Escucha, amigo…
¿Tienes un sitio en tu ranchera?
-Así es, creo me hace falta un compañero de viaje.
Ronnie miró a su alrededor…, miró hacia
el coche de Ugarte y en un acto reflejo
hacia el local donde estaba comiendo el
viejo zorro.
-Un momento… -dijo al redneck mientras corría con paso firme hacia el Ford.
Al llegar a la altura del coche, sacó su cuchillo de caza y con una destreza propia
de un delincuente habitual, rajó las dos
ruedas delanteras del auto. De un salto
corrió de nuevo hacia el nuevo compañero que esperaba con inquietud.
-Vámonos de aquí amigo.
-Sí, antes de que el séptimo de caballería salga en nuestra búsqueda -dijo
el redneck soltando hacia el aire un manojo de llaves.
B&P Magazine. Isue ENE/FEB 2014
La ranchera del nuevo amigo de Ronnie
salió a toda prisa de aquel lugar, cogiendo un ritmo acelerado y potente hacia
algún lugar muy lejos de allí.
Una cordillera de montañas de color
negro se vislumbraban casi al otro extremo del mundo…, parecía que todo
había cambiado a su alrededor. Ahora
habían desaparecido todas las zonas
de bares, moteles y gasolineras, lo cual,
tranquilizó a Valmo. Ahora todo eran
valles y promontorios por doquier. Un
sentimiento de libertad pasajera le invadió, al igual que una inagotable sensación de recuerdo por Lucy.
En aquellos instantes de paz… no existían más palabras de desaliento.
-¿Escucha? ¿Y tú trabajo de repartidor?
-Son sólo trabajos puntuales, de vez
en cuando me saco algunos dólares
repartiendo por la zona de bares donde vivo.
-¿Vives allí?
-Sí, en un pequeño motel de la parte trasera. Es tranquilo, no da con la
carretera. ¿Sabes?, es un buen sitio
para vivir. Nadie te molesta, la gente
pasa y no suele volver nunca más.
-No nos hemos presentado.
-No lo creerías. Debo decirte que será
mejor que no sepas quien soy.
Ronnie le miró con cierta desconfianza,
no entendía muy bien aquella salida.
-Ahora me vienes con esas amigo…
¿Eres otro espía como Ugarte?
-¿Era el tipo que te acompañaba, no?
-Sí, un polizonte de poca de monta, un
-Hey, Kurt… muchacho -exclamó el
redneck.
El chico se acercó dando unos graciosos brincos hasta llegar a la altura del
coche.
Ambos tipos se abrazaron con afecto,
mientras se lanzaban algunos puñetazos cariñosos y se decían pequeñas
travesuras.
-Este es Ronnie -dijo el viejo.
-Kurt -dijo el muchacho extendiendo su
mano.
Ronnie apretó con fuerza la mano de
Kurt. Miró a su alrededor y un escalofrío
de vértigo e incertidumbre le abrumó.
Desde el interior de la gasolinera el
“Death letter blues” de Son House revoloteaba por toda el área como un
fantasma entre el polvo y los rayos de
sol que lo traspasaban. Una luz expresionista se distorsionaba como una revelación en aquel momento… en aquel
preciso momento.
buscavidas.
El redneck sonreía mientras miraba al
frente con tranquilidad… el calor apretaba. El paraje por el que pasaban era
árido, como surgido de una película de
forajidos. Un lugar sin ningún aliento de
vida…. Enormes piedras y árboles muertos e inertes se postraban bajo pequeñas nubes de color rojizo.
Ni por delante ni por detrás se veía ningún coche. El viejo se había desviado
por una carretera fuera de los mapas
habituales.
Después de unos kilómetros volvió a
desviarse y ante ellos apareció un enorme polígono industrial que vivió sin
duda tiempos mejores.
Se adentraron en medio de una polvareda relajada, todo parecía absorbido
por algún gran suceso del pasado…
Todo se desvanecía en una laxitud uniforme, increíble y fantasmagórica.
Ronnie se sobreponía sin decir ni una
palabra, suponiendo que su acompañante conocía el terreno a la perfección.
-Supongo que no conoces este lugar…,
pero yo sí -dijo el redneck mientras volvía a sonreír.
Aceleró con gran destreza por las primeras calles de aquel nuevo lugar para
Ronnie… el sol y el polvo les acompañaban como un halo protector.
Ronnie presentía algo en aquel extraño
punto del desierto y no ocultaba su prudencia y temor.
Frenó en seco en una gastada y vetusta gasolinera. Un muchacho de aspecto
fuerte y rudo esperaba con los brazos
en jarra.
29
DIME QUE...
Dime qué
escuchas/ves/
estudias y te
diré quién eres.
Danko Compta
Discos, directos, métodos, websites, y curiosidades en los que
parar, ya sea un ratito o para que formen parte de tus incunables.
Todos tenemos etapas y episodios con
nuestros ídolos, pero hay que reconocer
que hay figuras que permaneces atemporales en los “hall of fame” del instrumento,
y creo que maese Donati es uno de ellos.
Acompañando a un músico y genio como
considero que es Steve Vai, en esta gira
en concreto, en este emplazamiento
en concreto, con un sonido estupendo,
compartamos el ver un directo de rock
visceral y “freak” (nota para los “hipsters”
que no aguanten tanta semigarrapatea
seguida) en el que podremos disfrutar
de grooves, compases, chops, breaks, fils
y un lenguaje baterístico de Donati en el
2001, ¡hace 12 años y un mes!
Muchos dicen que ya se podría considerar esto como de “antaño”, y ciertamente
la música está cambiando a pasos agigantados, pero muchos seguimos compartiendo esa opinión de que hay que
mantener vivo el recuerdo de los de antes para inspirarnos, mezclar con lo que
se lleva ahora y hacer un buen mañana. ¡A
darle al play y a mover el cuello!
lado por un rato).
Si buscáis en la red encontraréis vídeos
de él tocando a dúo con un saxofonista. Y
la pregunta es: ¿Danko, qué está tocando
Nate a dúo con un saxofonista? Pues buscadlo y ya veréis, mirad, rollo artículo interactivo; yo flipé mucho al verle, sobretodo
por su actitud, serenidad y concentración
inspiradoras.
CD
Nate Wood
Reliving
¡Feliz año compatriotas!
Y por la velocidad a la que va el mundo
me permito empezar esta nueva edición
con un disco semi-tranquilo. Nate Wood,
un musicazo con mayúsculas, os cuento
algunas cosas de él: baterista, guitarrista, bajista, saxofonista, teclista, cantante,
creo que tiene tiempo de ser esposo,
amigo e incluso contribuyente (de eso no
se escapa nadie, bueno sí, pero no viene
al caso hablar de esto ahora, hablemos
de música y dejemos el color “gris” a un
B&P Magazine. Isue NOV/DIC 2013
Además de tocar con grandes músicos
como Taylor Hawkins (el batera de Foo
Fighters), Chaka Khan, Sting, George Harrison y como gran músico que es él, invierte su tiempo en su inquietud personal
y nos presentó en 2003 este maravilloso
disco que me hipnotiza. Grooves sencillos y secos, pero contundentes. Chops
interesantes y una forma muy moderna
de entrelazar diferentes secciones. Melodías, armonías y arreglos que, a mi gusto
y parecer, empastan estupendamente
con una lógica aplastante.
Hay poca información sobre el disco así
que tendréis que surfear la red para conocer más y como esa es la intención que
me gusta hacer despertar en vosotros:
Let’s go!
VIDEOS
Steve Vai
Live at The Astoria
Y pasamos de un disco groove-fusion-relax-pop a un directo de uno de los ídolos
de la guitarra de todos los tiempos.
A sabiendas que es una revista de drummers, ¿Por qué este directo? Porque sale
Virgil Donati y hacía tiempo que no hablaba de él.
30
DIME QUE...
DOCUMENTAL
The Universal Mind of Bill
Evans
Y cambiamos de “palo” absolutamente y
nos metemos en el terreno del “jazz”. En
este documental no hay bateristas, entonces ¿Danko, de qué va esto? Pues uno
no siempre ha de comer lo mismo ¿no?
Nos gusta la diversidad, la multiculturalidad, es la etiqueta del S.XXI, y ya sabéis
que un batería ha de compartir el lenguaje de la música para ser considerado “músico” y así realizar el mejor trabajo en lo
que nos compete: tocar música con otros
seres vivos que tocan otros instrumentos
también.
Bill Evans, pianista, relacionado con Miles
Davis, Herbie Hancock, Chick Corea, un pilar estructural referente en el mundo del
piano de jazz internacional por su maestría mezclando la composición y la improvisación.
Un documental que nos acerca al modo
B&P Magazine. Isue NOV/DIC 2013
de pensar y racionalizar de Bill Evans en
la composición y la improvisación, cómo
concibe lo que es componer y lo que es
improvisar, y la fina línea que los separa,
cómo cruzarla sin montar un estropicio.
Una muestra de actitud, serenidad, personalidad, perseverancia, mucho estudio,
disciplina y lo que nos hace diferentes, dicen, de los animales: la cultura. Cuando
se dice de alguien que es “culto” se refiere
no a conocer datos de diferentes disciplinas, sino hacer con ellos algo provechoso
con lo que se te da bien y crecer, expandir
y mejorar en lo que desempeñes.
Un buen trocito de historia y humanidad
musical a guardar en la retina.
sotros, sólo hace falta tocarla, entre todos
y con una buena actitud. En este método,
en nuestro trabajo como bateras puros y
duros, Steve Jordan nos hablará sobretodo, del material y el sonido que buscamos, en referencia a nuestras influencias
y a lo que vayamos a tocar.
Una de las cosas que adoro de este gran
hombre, además de su temple tocando y
ese lenguaje tan específico, es la concentración, seriedad, serenidad y profesionalidad que imprime en cada uno de sus
“golpes”, y la importancia pareja que tiene
no sólo en cómo darlos si no en “con qué”
darlos, “dónde” darlos, “cuando” darlos,
“POR QUÉ” darlos.
Sin ánimo de legar a un punto demasiado
metafísico, sabemos que lo que nos flipa
de los grandes de los que solemos hablar,
es eso, su actitud, mucho más que cuánto
ha costado el instrumento que tocan. Afinemos las orejas y sigamos influenciándonos de tan excelente forma de compartir
su sabiduría.
MÉTODO INSTRUCCIONAL (DVD/LIBRO/
AUDIO CD)
Steve Jordan
The Groove is here
Uno de los bateras de moda a nivel internacional, Steve Jordan. Lo conoceréis, o si
habéis tenido la suerte, lo habréis visto en
directo con John Mayer. Pero ¿Y si os digo
que ha tocado con Stevie Wonder, Dan
Aykroyd y John Belushi (los dos pazguatos
más maravillosos del Blues cinematográfico The Blues Brothers), Keith Richards,
Eric Clapton o en el programa de Letterman…? Podría seguir, pero quiero decir
más, se dio a conocer más que por su
trabajo como batera por su trabajo como
productor y además ha sido galardonado
con un Grammy Awards por su trabajo
con Robert Cray.
¿A qué esperamos en movernos más y
mejor, crear más música y hacernos con
un curriculum del que sentirse tan orgulloso como éste? La música ya está en no31
DIME QUE...
de nuestras tierras, ¡Que hay que actualizarse!
WEBSITE
Mikeslessons
www.mikeslessons.com
Hace unas semana, en el local, con el batera de mi banda (en la que toco la guitarra y canto y cuando me deja le pego unas
cuantas ráfagas a la bataca en directo)
nos pusimos a trabajar en un chop concreto del que me habló Isaac.
Para mostrármelo me enseñó el vídeo de
Mike Johnston a través de su web, y descubrí un nuevo e interesante profesional
del otro lado del charco que comparte su
forma de entender la batería para aprender nuevos “truquillos” molones y vaciletas.
Para mi gusto, tiene un formato de explicación en los vídeos en los que habla mucho (y tiene tela que lo diga yo que rompo
los cosidos para seguir hablando…), pero
se explica bien y hace fácil la comprensión
de figuras y formas de aplicación de conceptos abstractos para construir chops.
Más que recomendable tenerlo en cuenta para seguir acrecentando nuestro lenguaje y modernizar los breaks, chops y fils
B&P Magazine. Isue NOV/DIC 2013
FESTIVAL INTERNACIONAL
Viña Rock
Y bien, después de haber hablado de dos
festivales internacionales, ya va siendo
hora de empezar a tratar las propuestas que tenemos en nuestas tierras para
compartir espacio con los que les guste la
música tanto como a nosotros y con carteleras de las que hacen que construyas
viajes y ganes amistades y experiencias
más fuertes que una foto.
Uno de los más importantes de España, el
Viña Rock. Nació en 1996, y desde entonces han estado dando caña y ruido con
nombres como Barricada, Ska-P, Molotov,
Def con Dos, Sepultura, y un tremendo
etcétera que os emplazo a leer en la web.
Se denomina desde el minuto cero como
un festival Arte-Nativo, y eso me parece
estupendo, abriendo sus horizontes a
bandas internacionales, con un concurso
de bandas incluido se yergue con sus 18
años de edad un festival maduro, cañero,
das, o reformadas en discoteca, o que hayan cambiado de dueño 50 veces y hayan
perdido su filosofía absolutamente, o que
no programen porque la ordenanza municipal y el vecindario tienen la temática del
“ruido” muy a flor de piel. Aún y así sigue
habiendo bastante actividad en directo
por aquí, y he decidido empezar por la primera sala de Madrid en la que he tocado
en mi vida de Barcelonés.
Al lado del metro Noviciado, con su estilo
funk de los setenta, dos plantas, buenos
“drinkings”, buen ambiente, y una programación que ha ido evolucionando y en la
que se nota que hay un trabajo por cumplir varias necesidades ociosas, tanto en
estilos musicales como en intensidades,
música en directo, música enlatada después y apuesta en directo con un Rider
bastante bien cuidado en la web.
que da importancia nativa a su cartelera y
que aguanta a pesar de los tiempos y del
poder mediático del pop en España.
Recomendable tenerlo en cuenta y pegarse un viaje a Villarobledo, se hace cuando
a los que nos gusta el verano ya se nos da
permiso para ir en manga corta si los Anemoi (dioses griegos del viento) nos traen
el calor puntualmente.
SALA DE CONCIERTOS
Sala Siroco (Madrid)
En esta nueva temporada como
veis hemos cambiado TV y Radio
por Festivales y Salas de conciertos, como de costumbre, cualquier
referencia que queráis aportar que
se nos pueda escapar o que consideréis oportuna que recomendar,
bienvenido sea a través de la redacción de la revista o Facebook
¡Gracias!
Y siguiendo con el viaje que propongo para
esta temporada de salas de conciertos en
las que disfrutar de nuestro arte y el de
nuestros compatriotas y maestros, volvemos a la península después de hablar del
Baked Potato hace dos números.
A la hora de escoger de qué sala de nuestro país hablar he pensado, ¿por dónde
empiezo? ¡Porque hay muchísimas salas
de conciertos!
La cuestión era que no estuvieran cerra-
DANKO COMPTA HIRNYJ
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bateriapercusion.com
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Jefe de Redacción
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