Download Culture Collide (L.A.) Corona Capital (D.F.)

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Coberturas Especiales
Culture Collide (L.A.)
Corona Capital (D.F.)
Editorial
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Bienvenidos…
La música forma parte fundamental del ser humano gracias al papel que ha jugado y juega en todas las culturas
del mundo. Es una constante en la historia de la humanidad. Los instrumentos y sonidos podrán cambiar, pero
en esencia siempre será expresión de emociones y sentimientos.
México es el punto de enlace entre la música latinoamericana y la estadounidense; somos un país con un gran
interés y pasión por la música de todas partes del continente y del orbe. Esa pasión se refleja en las bandas que
crean canciones, remixes, covers, en los medios y sobre todo en la audiencia: que asiste a conciertos, busca lo
más nuevo, pero que también celebra encontrarse en todo momento con las grandes bandas del pasado.
Hoy, y tras una década de existencia, Filter Magazine, la publicación originaria de Estados Unidos, llega a
México para compartir lo más actual y relevante, pero también para impulsar a las bandas referentes cuyo
legado siempre está allí… esperando ser descubierto. Así que, es un honor presentarles el trabajo que después
de varios meses de planeación se consagra en este primer número de Filter México, que cabe resaltar, será la
primera publicación musical gratuita de nuestro país, porque sabemos que el modelo editorial tradicional no es
viable para un melómano nómada.
No queda más que darles la bienvenida a este nuevo proyecto que esperamos sea pieza clave en la escena
actual y la que viene en camino…
-Staff Filter México
EN PORTADA
32 CSS: El ritmo, los rebeldes
DESTACADOS
22 ST VINCENT Una corta y curiosa historia
26 GUILLERMO DEL TORO Guía para hacer una Película de Horror Escalofriante
28 Platicamos con THE KILLS
F-STOP
30 CECI BASTIDA: Postales de una Mexicana en L.A.
TRIBUTO
38 CILER: Arte Urbano Nacional
PAISAJES SONOROS
14 SUDAFRICA: De The Parlotones a Cape Point: rock en la cuna de la humanidad
LES PRESENTAMOS A…
16 WU LYF
18 TWIN SISTER
19 ANTOINE REVERB
YA DEBERÍAS CONOCER A...
20 ACHERS OF LOAF
REVIEWS
41 RESEÑAS
ENDNOTE
48 por REMERITAS
FILTER. 1
™
Publisher
Breakfast Media
Director Editorial
Milton Barboza
[email protected]
Editor en Jefe
Andrés Díaz
Traducción y Redacción
Mara Vargas, Anna Stephens,
Paulina García, Paola del Castillo
Corrección de Estilo
Berenice Andrade
Coordinador de Arte
Oliver Barrón
Fotografía
Rodrigo Jardón
Gerente de Producción & Operación
Paola Palazón Seguel
[email protected]
Editora Web
Paulina García
Gerente de Publicidad & Marketing
Landy Bustamante
[email protected]
[email protected]
FILTER México es una publicación editada y publicada por Breakfast Media S.A. de C.V. Mariano Escobedo 498. Piso 10. Colonia Anzures. CP 11590.
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por Envíos Profesionales. Impresa en PrePrensa Digital.
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Esta publicación es realizada en conjunto con FILTER Magazine.
PUBLISHERS
Alan Miller & Alan Sartirana
EDITORIAL
Editor-in-chief: Pat McGuire
ASSOCIATE EDITOR: Breanna Murphy
interns: Clare R. Lopez, Krystle Uy
ART
LAYOUT DESIGNER: Melissa Simonian
DESIGN INTERNS: Allie LaBelle, Leila Tredemeyer
CONTRIBUTING ARTISTS & PHOTOGRAPHERS
Greg Christian, Daniel Kohn, Clare R. Lopez, Luisa Zá, Heidi
Bresler, Shepard Fairey/OBEY Giant, Brantley Gutierrez, Michael Kupperman, Nick Offerman,
Craig Thompson, Chad Van Gaalen, Dan Winters
SCRIBES
A.D. Amorosi, Andrea Bussell, Kendah El-Ali, Jonathan Falcone, Spencer Flanagan, Kevin Friedman,
Marty Sartini Garner, Erin Hall, Lauren Harris, Brooks Hays, Mike Hilleary, Patrick James,
Jessica Jardine, Taleen Kalenderian, Daniel Kohn, Mary Kosearas, Gregg LaGambina, Kyle Lemmon,
Clare R. Lopez, Kyle MacKinnel, Nevin Martell, Kenny S. McGuane, Marissa R. Moss, Kurt Orzeck,
Jason Parham, Loren Poin, Adam Pollock, Ken Scrudato, Dom Sinacola, Chris Slusarenko,
Zachary Sniderman, Laura Studarus, Colin Stutz, Scott Thill, Tamara Vallejos, Paul Zollo
Marketing
Samantha Barnes, Mike Bell, Tim Dove, Paul Familetti, Samantha Feld,
Holly Gray, Ian Hendrickson, Alyssa Jones, Matt Martin, Wes Martin,
Andrea Narvaez, William Overby, Kyle Rogers, Connie Tsang, Jose Vargas
For marketing inquiries please email [email protected]
FILTER Magazine is published by FILTER Magazine LLC, 5908 Barton Ave., Los Angeles CA 90038. FILTER Magazine is not responsible for
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2.FILTER
FILTER. 3
Eventos
Eventos
Laura Jansen / Foto Leanna Flecky
Por MILTON BARBOZA, enviado especial
Todas las fotos fueron tomadas por “The School of Photography shooters led by instructor Damian Tsutsumida”
OCTUBRE 6-9 /
LOS ÁNGELES,
CALIFORNIA
4.FILTER
Con apenas dos ediciones, el Culture Collide
comienza a colocarse como uno de los mejores
eventos de la zona californiana, gracias a la diversidad de propuestas que se presentan. El festival se
desarrolló en distintos escenarios, cercanos entre
sí, de la zona conocida como Echo Park, para que
los asistentes tuvieran la posibilidad de ver la mayor
cantidad de bandas que llegaron de distintos puntos del planeta como Portugal, Dinamarca, Polonia,
Brasil, Bélgica, Austria, Australia, Estados Unidos y
claro está, México.
Para arrancar Culture Collide se hizo una fiesta de
bienvenida a medios de comunicación y bandas
que disfrutaron de un DJ set de los neoyorquinos
de The Rapture, quienes lograron hacer bailar a los
presentes.
Desde la tarde del primer día (martes 6) se realizaron showcases de bandas suizas y canadienses
para después dar paso a que en Twonky Chateau
del Taix, Origami Vinyl y Echo, se presentaran actos
como Buck 65, Midnight Surfer, Kassette, Liam
Finn, Los Hollywood, Lindstrøm, entre otros, que
dieron por sentado su gran calidad.
El viernes 7 lo más esperado fue la presentación de
YACHT en el Echoplex, pero antes nos sorprendimos con grupos holandeses como The Death Letters o Laura Jansen, además de IndigoTree y Paula
& Carol desde Polonia. También llegó al escenario
de la Iglesia Metodista del Echo Park, Ximena
Descartes A Kant / Foto Shane Aufdemberg
Foto Spencer Amonwatvorukal
Sariñana, quien tan sólo estuvo acompañada de su
teclado y pedales para crear loops. Gustó al público
con quien interactuó en todo momento mientras
presentaba lo mejor de su disco homónimo y algo de
su debut, Mediocre.
Otro grupo interesante que encontramos fue Hands,
que bajo un sonido de rock con tintes electrónicos
animó el inicio de la velada en el Echoplex. Ya para
la media noche y con el lugar lleno, YACHT puso el
ritmo para que toda la gente bailara y cantara, con lo
que se convirtió en uno de los highlights del festival.
El sábado comenzó con presentaciones de MyBubba & Mi (Dinamarca), Pubes (Estados Unidos), The
Lanksies (Francia), De Staat (Holanda) y los mexicanos de Descartes A Kant, quienes tuvieron gran
aceptación con su rock lleno de experimentación,
FILTER. 5
Eventos
Datarock / Foto Chad Yanagisawa
The Asteriods Galaxy Tour /
Foto Shane Aufdemberg Blcok Party
Keleigh Layton
Origami Vinyl/ Foto Gian Acosta
Escenario Block Party / Foto Keleigh Layton
Dapuntobeat / Foto Gian Acosta
CSS / Foto Shane Aufdemberg
Taix Sign / FotoMike Brown
6.FILTER
el preámbulo perfecto para que la noche la cerraran los brasileños de CSS, que gracias a canciones como ‘Alala’ causaron
revuelo y ovaciones.
El domingo las actividades se concentraron en la calle aledaña
al Taix, donde se montaron dos escenarios para terminar con
todo la segunda edición de Culture Collide. Dapuntobeat de
México llegó para prender a la gente en Twonky Chateua
gracias a su electro rock. Su presentación preparó la gran
fiesta que seguiría en el escenario dos con Datarock desde
Noruega, quienes ya son garantía de calidad. V Is For Volume
de Colombia también levantaron la mano con su ritmo, además
de MEN desde Nueva York, Avi Buffalo de Long Beach, California, Clap Your Hands Say Yeah que regresaron con nuevo
disco este año, y de nueva cuenta CSS.
Como acto final se presentó Gang Gang Dance que, con su
sonido experimental cerraron esta block party y el festival.
Culture Collide regresará en 2012 seguramente con otras
buenas propuestas sonoras y Filter México estará nuevamente
presente para traer los pormenores de este festival que poco
a poco se afianza como uno de los obligados para asistir en
Estados Unidos.
FILTER. 7
Eventos
Eventos
Festival
Corona Capital
2011
Por STAFF FILTER MÉXICO
Foto RODRIGO JARDÓN
The Strokes
Portishead
Portishead
8.FILTER
Fue la segunda edición de uno de los festivales más importantes de México. Para esta
ocasión, los organizadores del Corona Capital
atendieron las demandas que los asistentes y
melómanos hicimos el año anterior; el resultado fue sobresaliente. Más allá de los malos
pronósticos meteorológicos y rumores de
posibles cancelaciones por parte de los headliners , el festival estuvo a la altura de una gran
y cosmopolita urbe, como lo es la Ciudad de
México. La obvia mejoría del sonido ofrecido
en los cuatro escenarios, la separación entre
cada uno de ellos, además del afortunado
clima de ese sábado 15 de octubre.
En cuanto al cartel de este 2011, el Corona Capital
presentó a las bandas que actualmente destacan por
su reciente aparición o por nueva producción discográfica. A pesar de que la gran oferta de agrupaciones
extranjeras eran el mayor atractivo para muchos, el
talento nacional se hizo notar en todos los escenarios
destacando entre las actuaciones el pop de Yellow
Yesterday, la presentación en vivo del Bella Época
de Torreblanca, la dulzura de Madame Recamier y la
comunión entre los asistentes y Austin TV. Entre actos
más recientes pero ya bien consolidados, las chicas
de Ruido Rosa ofrecieron una sólida presentación
dejando claro que son más que cuatro chicas bonitas,
y el electro pop de Disco Ruido encendió los ánimos
de los presentes con temas como la muy coreada
Torreblanca
Torreblanca
“Mrs. Love” y la participación especial de Álvaro y
Cristina de El Columpio Asesino, para interpretar un
remix de “Toro”.
Wavves rebasó las expectativas en el escenario Bizco
Club (en donde también estuvo El Columpio Asesino),
para dar cátedra de lo mejor del rock español del momento. Uno de los momentos cumbres y más sorprendentes de la tarde fue la presentación de O.M.D. en el
escenario Capital. Los ingleses demostraron que las
ganas de tocar las canciones como si fuera la primera
vez sigue presente en ellos. Después de un momento
de descanso, la grandiosa personalidad de Santigold y
su grupo de músicos y bailarinas tomaron el escenario
con canciones de su primera y única producción, que
Ruido Rosa
Ruido Rosa
FILTER. 9
Eventos
Black Fo
sufrió un par de arreglos dub para retomar la energía
que dejó O.M.D. minutos antes. El escenario Capital se
convirtió en una fiesta ochentera repleta de público de
todas las edades.
Conforme se escondía el sol la versatilidad de géneros
se hizo presente; en el escenario Corona la mezcla de
rock progresivo y metal de Coheed And Cambria, hizo
mover las cabezas a los presentes, mientras que en el
Corona Light los brasileños de Cansei De Ser Sexy los
hacían brincar y bailar.
El cierre del escenario Bizco Club con The Rapture se
vio rebasado en capacidad y energía con una audiencia que no paró ni un solo minuto de bailar al ritmo del
cencerro, y haciendo segunda voz a Luke Jenner.
Definitivamente la mejor parte del festival llegó al caer
la noche, cuando Beth Gibbons y compañía, Portishead, subieron al escenario Capital para hipnotizar a la
audiencia, con un impresionante set que culminó después de una hora y media. Es impresionante la forma
en que la agrupación de Bristol logra llegarle al público
Moby
con canciones que van desde la tristeza o melancolía
hasta la ternura y frenetismo por los grandes riffs de
Adrian Utley y las secuencias de Geoff Barrow. Al final
nos dejaron una noche inolvidable que se reflejó en
la gran sonrisa que traía Beth al finalizar su primera
presentación en Latinoamérica.
Finalmente, Julian Casablancas, Albert Hammond Jr,
Fabrizio Moretti, Nikolai Fraiture y un enyesado Nick
Valensi, es decir, The Strokes, interpretaron temas de
su consistente trayectoria. Uno hubiera pensado que el
setlist estaría basado en su última producción Angles,
pero sólo escuchamos “Under Cover Of Darkness”
o “Machu Picchu”. El resto de sus canciones fueron
grandes clásicos del Is This It, álbum que acaba de
cumplir su primera década de vida y que sigue demostrando que ya es un clásico automático.
Así concluyó uno de los festivales más importantes
de nuestro país en la actualidad que combinó buenas
propuestas, grandes grupos y un inolvidable concierto
por parte de Portishead.
Editors
Editors
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Usa, juega, disfruta
Las Samuel del Dr. Martens
Nada más rock que Agyness Deyn, la ex de Albert Hammond Jr., sea
la imagen de la nueva campaña de las “Docs”. Luego de 50 años, y
de que el médico alemán Klaus Maertens vendiera la patente al fabricante británico, las Dr. Martens no pasan de moda, con el tiempo
se han reinventado sin perder la esencia que las hizo tan populares.
En esta edición les recomendamos el modelo “Samuel Boot” de
su última colección. Con la ayuda de un P.O. Box puedes recibir tu
paquete directo desde UK.
www.store.drmartens.co.uk
Marshall más cerca de tus oídos
Súper elegantes, plegables, en negro y muy rockstars. Es
el modelo “Major” de audífonos Marshall, la icónica marca
británica de Jim Marshall usada por grandes como The Who,
Eric Clapton y Jimi Hendrix. Algunas de sus partes están hechas del mismo material que los amplificadores, como para
trasladar la experiencia más cerca de nuestros oídos; y los
detalles están muy bien pensados: desde la propia forma,
tamaño y facilidades de traslado, hasta el diseño de la caja.
Estos audífonos serían el detalle perfecto para combinar con
las “Samuel Boots”. ¡Retorno a los sesenta con look british!
La tienda en línea de Marshall ofrece envío a México.
www.marshallheadphones.com
Para fanáticos de los viniles
La fiebre por los viniles regresa; los entusiastas y fanáticos
siempre están buscando gadgets y productos nuevos. Un
tema súper importante es la limpieza de cada disco, en parte
porque de eso depende la calidad de lo que vamos a escuchar. En México existen pocas opciones para los coleccionistas de discos, pero Urban Outfitters –que desde hace unos
meses hace envíos al país– tiene en su sección de música un
kit muy práctico. ¡Es hora de hacer add to bag !
www.urbanoutfitters.com
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Paisajes Sonoros
Paisajes Sonoros
SUDÁFRICA
De The Parlotones a Cape Point:
rock en la cuna de la humanidad
Foto Heidi Bresler
Por PAT McGUIRE
Volar de Los Ángeles a Johannesburgo en tan
sólo un día es, sin duda, un ejercicio en muchos
sentidos, pero sobre todo en cuanto a paciencia
e ingeniería. Pensar que un ser humano se puede
sentar perfectamente dentro de una enorme pieza
de metal para realizar dos viajes de poco más de
seis horas y aun así estar a ocho horas de distancia
del punto “B”, es alucinante. Para cuando llego
al Aeropuerto Internacional de JohannesburgoOliver Reginald Tambo, se ha desvanecido un
día completo y también dos estaciones del año.
Localizado en la punta sur del continente africano,
Johannesburgo me recibe con noches frías y días
cortos, pero también con una de las experiencias
más enriquecedoras al que cualquiera en tierra
extranjera puede aspirar.
“Jozi” es la ciudad más poblada de Sudáfrica y
hogar de muchos iconos que el mundo ha llegado
a reconocer: Nelson Mandela, el estadio Soccer
City que se convirtió en la cara de la Copa Mundial
FIFA el año pasado, y el municipio de Soweto. Es
de igual forma hogar de la banda más popular de
rock de aquel país, un melódico cuarteto llamado
The Parlotones quienes, cansados de abarrotar
constantemente el Domo Coca-Cola de, “Jozi”,
montaron su más ambicioso show a la fecha:
una obra de teatro rockera titulada Dragonflies &
Astronauts . ¿Cómo podía perderme esta oportunidad de atestiguar la fusión entre Julie Taymor, Ray
Bradbury y The Decemberists (versión africana) en
un escenario en vivo?
La trama futurística acerca de una princesa alienígena y su amante (un robot espacial) se mezcla con
las canciones que tocan en vivo los integrantes de
14 . F I L T E R
la banda disfrazados, quienes junto con un grupo
de bailarines y actores realizan coreografías a las
canciones post-apocalípticas en una escenografía
muy bien elaborada.
El resto de mi estancia en Johannesburgo la pasé
como un turista. Visité museos, la Old Fort Prison
en Constitution Hill, en donde los prisioneros eran
llevados durante el Apartheid, el South African Constitutional Court, la oficina de Mandela y Oliver Tambo,
y la Reserva Natural de Rinocerontes y Leones (una
mezcla entre safari y zoológico cerca del sitio Cradle
of Humankind World Heritage).
Nos detuvimos en Soweto, una municipalidad de
poco más de cuatro millones de habitantes verdaderamente diversa socialmente, para comer un auténtico buffet africano con cereales (“pap”), chakalaka
(chile con carne), dumplings, mariposa emperador
(una entrada tan salada que apenas después de tres
cervezas pude quitarme ese sabor). En este municipio visité uno de los primeros hogares de Mandela y
el Museo Hector Pieterson, ambos han servido para
conmemorar la lucha de la comunidad sudafricana
negra durante el Apartheid y los horrores que esta
nación ha tenido que vivir en tan poco tiempo.
Como me dijeron, un viaje a Sudáfrica no está completo sin hacer una parada en Cape Town, la ciudad
portuaria del suroeste del país. Así que después de
un vuelo de dos horas me encontré en lo que posiblemente es la metrópoli más hermosa que he visto.
Con su dramática y omnipresente vista a Table
Mountain y su precioso muelle que me recordó a
una efervescente ciudad de Los Ángeles, Seúl o la
Ciudad de México. Disfruté de la buena vida
nocturna en el famoso restaurante de mariscos
Quay 4 dentro del Distrito del Muelle.
La mañana siguiente, realicé una caminata en el
Malay Quarter y pagué por una visita al museo Slave
Lodge, antes de atravesar la popular Long Street en
donde se encuentran muchos restaurantes, tiendas
y bares hasta que llegué a Mabu Vinyl, una verdadera tienda de discos indie, cuyos dueños Jaques
y Mighty luchan diariamente por difundir la buena
música nueva.
Me dirigí al aeropuerto para tomar mi vuelo directo
de 17 horas de Johannesburgo a Nueva York. ¿Y
saben qué? Recordando los momentos vividos
durante una semana en Sudáfrica, por primera vez
en mi vida estar sentado en un avión todo un día
completo, fue simplemente un gran “placer”.
F I L T E R . 15
Les presentamos a
WU LYF
Por KENDAH EL-ALI
En un mundo cada vez más saturado de estímulos e información, nada sobresale más que la sencillez y el silencio. Esa fue la apuesta que un cuarteto hizo cuando se juntaron para crear aquella flama de combustión lenta
que se conoce como WU LYF (iniciales para “World Unite! Lucifer Youth Foundation”). Los miembros, Evans
Kati, Joe Manning, Tom McClung y Ellery Roberts se han mantenido anónimos ante virtualmente todo: desde
entrevistas hasta contratos con disqueras que ansían firmarlos; el único contacto que han tenido con sus fans
es a través de su sitio oficial donde anuncian futuras presentaciones y lanzamientos. Este mismo silencio generó muchas especulaciones y rumores, sin embargo, su método resultó efectivo, pues WU LYF ha logrado lanzar
su debut a través de LYF –su propio sello-, así como llenar sus calendarios para embarcarse en una gira mundial
altamente anticipada. Un resultado nada decepcionante para un colectivo de jóvenes que no llegan ni a los
20 años; sin embargo, lo más raro de todo es que en realidad su modus operandi no tiene nada de misterioso.
“En realidad no abrimos la boca hasta que hubiera algo de qué hablar”, asegura el vocalista y tecladista Ellery
Roberts. “Ahora tenemos más cosas de qué hablar… lanzamos un disco.”
“Somos tres personas de 20 y uno de 21 quienes tienen una especie de pandilla” dice Roberts. “A través del
apoyo constante de la gente, esto se convirtió en algo un poco más tangible, en un concepto para un disco,
en algo para contar.”
Su sonido, liderado por voces rasposas y viscerales, trasciende sin ningún tipo de esfuerzo y es capaz de pintar
imágenes que van desde bosques frondosos a terrenos grises e industriales. Puede ser tan tribal como grunge,
tan operístico como nihilista, justo como el nombre de Lucifer lo sugiere: con una gran carga de luz y a la vez
demoníaco. La banda se refiere a su música como “pop pesado”.
“El pop pesado es algo similar a La Insoportable Levedad del Ser,” explica Roberts. “Existe una noción de lo
ligero y lo pesado coexistiendo en un mismo plano. Lo ligero es algo más libre, pero también más superficial.
Sin embargo, la pesadumbre es lo que te inspira a componer”.
Con una metodología militante y estrategias de mercadotecnia directo del futuro (pueden ser parte de su coalición por tan sólo 20 dólares y recibir por correo su música y su arte), no es necesariamente importante el saber
‘quién’ y ‘qué’ es WU LYF. No queda muy claro si ellos mismos entienden el impacto emocional o financiero que
su música ha alcanzado y bien podrían estar en la cabeza de un movimiento. Pero sólo el tiempo lo dirá, pues
por ahora tan sólo son cuatro jóvenes que les causa gracia cuando les preguntan del significado espiritual de
sus composiciones.
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F I L T E R . 17
Les presentamos a
TWIN
SISTER
Por LAURA STUDARUS
En la primavera pasada, la banda de Long Island dejó
atrás su vida normal para convertirse en músicos de
tiempo completo. El bajista y guitarrista Gabel D’Amico
recuerda no haberse arrepentido por perder su trabajo
anterior: “Estaba terminando de estudiar. Eric Cardona
(guitarrista) y Andrea Estella (vocalista) estaban trabajando en una tienda de arreglos frutales”, ríe mientras
dice esto. “Esos eran unos trabajos horrorosos. Bryan
Ujueta (baterista) ha trabajado en lugares tan extraños
y divertidos como una tienda de sombreros para cowboys o una fábrica de rompecabezas”.
La banda por fin se convirtió en quinteto cuando se les
unió la tecladista Udbhav Gupta. Fue un amor a primera vista que se dio al navegar con sus proyectos en la
escena de música independiente de Nueva York.
“Los que ahora son mis compañeros son personas
que veía y me decía: ‘¡me gustaría estar con ese tipo
de personas!’, seguramente ellos sintieron lo mismo”,
explica D’Amico.
Con sus EPs Vampires With Dreaming Kids (2008) y
Color Your Life (2010), el grupo tomó una gran decisión: rentaron una casa en Hamptons para escribir su
primer disco.
“Creo que hacer eso ya estaba en nuestras mentes
después de haber leído la experiencia de otras
bandas.
“Era invierno y no había nadie cerca”, D’Amico continúa, “fue bizarro pero muy divertido. Me sentía como si
estuviéramos en un mundo opuesto ya que se suponía
que estábamos en uno de los barrios más prósperos,
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pero no lo era en ese entonces”.
El autoimpuesto campamento de entrenamiento funcionó muy bien. El resultado fue In Heaven, 10 tracks
audaces influenciados por un pop retro. Por lo menos
esta descripción concuerda con lo que dice D’Amico:
“Creo que hubiera sido imposible hacer música sin
nostalgia. Nos pegó en un nivel muy inconsciente”,
dice esto mientras revisa algunos de los discos de
su padre buscando alguna referencia. Finalmente, se
rinde mientras se ríe de la derrota. “Creo que la radio
comercial es responsable de que sonemos a un millón
de cosas al mismo tiempo”.
A pesar del éxito de su primera excursión musical,
D’Amico asegura que la banda está lejos de estar
satisfecha con su nuevo rol como músicos de tiempo
completo.
“Creo que si hubiéramos hecho un álbum que consideráramos perfecto, ¿a dónde podrías ir a partir de
eso?”, dice al preguntarles si tienen un ideal a seguir:
“¡Nos hubiéramos rendido! Por eso es bueno estar
insatisfechos. Totalmente insatisfechos”.
Les presentamos a
ANTOINE REVERB
“Hubo un tiempo en que las reseñas de nuestro primer
LP sólo hablaban de la diversidad de instrumentos,
incluso pensaban que Andy (vocalista) se llamaba
Antoine”, nos cuenta Cynthia mientras la banda tapatía
ríe sobre su no tan lejano origen, en donde los chelos,
banjos, clarinetes y trompetas eran los pilares de
Goodbye Victorian Houses. Ahora decidieron dejar
ese halo acústico para concentrarse en su aspecto
más ruidoso y eléctrico, pero de eso hablaremos más
adelante.
Por ser músicos por convicción, deben batallar con
trabajos que no necesariamente son los ideales,
incluso deben pedir permiso para salir de gira. Andrés
trabaja en un bar y a cada rato le piden que cante “Fly
me to the moon” de Frank Sinatra. “Llegar a renunciar a
nuestros trabajos sería como un sueño”, nos dice.
Armar un conjunto con todas las cualidades que tiene
Antoine Reverb, implicó que el destino reuniera muy
buenos músicos que compartieran la misma sensibilidad a la música. A pesar de que Antoine es la casa
en donde se encuentran, cada uno tiene su proyecto
alterno: Benjamín (teclados y voz) tenía un proyecto
llamado Volumina, pero ahora está desarrollando otro
llamado Doroteo; Andrés está en The Oaths, que es
un proyecto más electrónico; Cynthia (teclados y voz)
ha estado desde hace siete años en una compañía
de teatro llamado Psycho Circo, aparte de dar clases
de música y tener un proyecto al lado de Diego (guitarrista) que sigue gestándose y que ha tenido varios
nombres. Miguel (percusiones) es el más fiel a Antoine
al no tener un segundo hogar, por el momento trabaja
en un estudio de grabación y da clases de audio.
El título de esta nueva producción, Everything Is A
Foreign Language To Me, proviene de una línea de una
Por ANDRÉS DÍAZ
canción. “Es una frase con la que cualquiera puede
identificarse”, nos cuenta Benjamín. Son 10 canciones
que quedaron varadas de la grabación del EP A
Revolt of Sorts. Están envueltas en un arte basado en
símbolos y figuras que simulan “los milagritos” que se
les ponen a los santos.
Anteriormente las canciones se basaban en la guitarra
acústica, pero ahora decidieron hacerlo con base en la
eléctrica. “Queríamos que el disco sonara tal cual como
sonaría en vivo por lo que simplificamos los instrumentos,
pero diversificamos las voces al pasarle Andrés la estafeta a Benjamín y Cynthia”, nos cuenta el guitarrista Diego.
El salto que ahora obtuvieron al unirse a las filas de
Arts&Crafts México les ayudará a darse a conocer,
pero todavía hay mucho por hacer para que propuestas como la suya salgan de la sombra. “Creo que falta
crear una comunidad que apoye. La gente no va a ver
propuestas nuevas aunque sólo pague 20 pesos por
un concierto. Si no está in, la gente no va”.
Aun así, la banda mantiene una actitud positiva para
el futuro: “En el primer tour seguramente perderemos
dinero, pero algún día estaremos tocando en Estados
Unidos y Canadá, así como Europa y Japón”.
3 DISCOS PARA ESCUCHAR A
ANTOINE REVERB
Sufjan Stevens – Illinoise
Wolf Parade – Expo 86
Furland - Historia De La Luz
DISCOS QUE INSPIRARON A
GABEL D’AMICO A HACER MÚSICA
The Velvet Underground & Nico - The
Velvet Underground & Nico
The Clash – London Calling
Pixies - Doolittle
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Ya deberías conocer a
ARCHERS OF LOAF
Por MARTY SARTINI GARNER
A excepción de los dos años que pasó enseñando inglés en Taiwán, el vocalista de Archers Of Loaf siempre
ha sido un músico trabajador: primero con los titanes
del indie rock originarios de Chapel Hill, Carolina del
Norte, y después por su cuenta como Crooked Fingers.
Bachmann dice sobre la separación de Archers en
1998: “Simplemente ya no quería formar parte de una
ruidosa banda de rock”. Pero justo esa banda –reunida
recientemente por ese mismo sonido sólido que los separó– es totalmente una banda de rock ruidosa.
Icky Mettle, el debut del grupo en 1993, es un desorden
de sucias guitarras arrojadas con melodía y agallas vocales suficientes para elevar el proyecto entero. El rudo
canto a gritos de Bachmann, unido a los coros de Eric
Johnson y su gancho de guitarra principal, transforman
casi todo en algo en lo que hay creer y tenerle fe.
Aunque la prensa dibujó rápidamente líneas quebradizas entre Archers y los cinco hermanos de California
que gobernaron el mundo indie durante la mayor parte
de los 90, los sureños presentaron un sonido más grueso, uno más ligado a la densidad rítmica de Mission of
Burma, o a la precisión de la guitarra de Television, o la
belleza imperfecta de Pavement.
“Realmente trabajamos en las guitarras. No encontramos un bajista o un baterista por un tiempo porque
sabíamos que queríamos lograr la parte de la guitarra
primero”.
Tras la separación en 1998, Bachmann creó el proyecto Crooked Fingers, produjo a Azure Ray y ha lanzado
varias placas bajo su propio nombre. Eric Johnson salió
de gira con una banda amiga de Chapel Hill, Super-
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chunk, antes de estudiar derecho para convertirse en
litigante. El bajista Matt Gentling tocó con Band Of Horses por un tiempo, y el baterista Mark Price es el dueño
de un taller de bicicletas.
A pesar del nuevo interés en la agrupación, los Archers
no tienen planes de grabar nuevo material.
“No quiero regresar y tratar de recrear algo que no podemos hacer tan bien”, Bachmann explica. “Prefiero
hacer algo completamente nuevo y sincero a lo que
somos ahora como personas”.
Por ahora, Archers Of Loaf están contentos de trabajar
arrastrando un trailer a través de Estados Unidos para
tocar, con toda su esencia, para adultos contemporáneos con camisas fajadas y cualquier otra persona que
busque convertir en himno lo ordinario.
“Debes trabajar tan duro como puedas en lo que desees hacer”, opina Bachmann. “Es difícil hacer una carrera en la música, pero si lo disfrutas, trabaja duro”.
ERIC BACHMANN ELIGE TRES DISCOS
DE ARCHERS OF LOAF QUE YA DEBES
CONOCER
Icky Mettle (1993)
Vs the Greatest of All Time EP (1994)
Vee Vee (1995)
F I L T E R . 21
Sister of Mercy
Principales
Principales
Imaginen: si pudieran meter la mano adentro de una película, la sumergieran hasta el codo y jalaran hasta que las
raíces de ésta se soltaran y la tierra se aflojara haciendo que perdiera el balance por la simple física de arrancar
algo del suelo. Verían la cosa que tienen en la mano y se darían cuenta de que es música. La película desaparecería
por completo y sólo quedaría esta cosa pulsando en la palma de su mano como un corazón arrancado del pecho.
Todo lo que quedaría en su mano es la banda sonora de la película, de alguna manera, fruto de la tierra, como
raíz de un vegetal que crece hacia abajo en vez de arriba. No quedaría nada más que el sonido del color de una
zanahoria naranja o un corazón rojo. Sería la música de una película que alguna vez estuvo viva en la tierra, como
la comida, y que ahora se lo podrían comer. Si pudieran hacer algo así, probablemente serían capaces de hacer
algo similar al álbum Strange Mercy de St. Vincent. (¿Habrá algo más compasivamente extraño que arrancar una
planta de la tierra y comerla?)
Pero no podemos hacer eso. Ni siquiera St. Vincent
puede. Pero a veces suena como que sí pudiera. Escuchen su tercer álbum y si no están de acuerdo, ¿por
lo menos podrían aceptar la lógica extraña de alguna
manera? Probablemente no hagan un mejor trabajo
ustedes. Tienen que estar callados ahora, porque, recuerden, están escuchando música.
(Recapitulando, lo que tienen en su mano ahora es una
zanahoria, un corazón y la música de una película volteada al revés para que no la puedan ver. Es probable
que volvamos a esto.)
“Estoy acostada cómodamente en un sofá. Estoy viendo una grulla falsa disecada en mi pared“, dice Annie
Clark, también conocida como St. Vincent, describiendo lo que ella puede ver desde su posición en su departamento de Nueva York. “El disecado es falso. Es de
John Derian. También estoy viendo una pila de libros en
mi mesita de noche. Tengo algunos ensayos de Martin
Amis. Prefiero sus ensayos a su ficción. Mythologies de
Roland Barthes. Es muy bueno. Es una buena persona.
¿Sabías que vivió con su madre hasta que murió? Vivió
con ella toda su vida. Escribió un libro sobre eso. Olvidé
cómo se llama, pero el chiste es que se debería haber
llamado Hijito de Mami. Lo amo. Es un bombón. “
Una corta y curiosa historia de
St. Vincent
Por Gregg LaGambina
22 . F I L T E R
Al comparar a un venerado filósofo francés, crítico y
semiólogo, con un dulce cubierto de chocolate, Clark
ha revelado accidentalmente un poco de la dicotomía
que vive en ella y que denuncia su arte. Una nativa de
Dallas se trasladó a Nueva York sólo para sumergirse
de manera tan convincente en el tráfico enloquecido de
ideas, el ruido, las palabras, la música y la historia. Puede agarrar un teléfono y marcarle en este momento a
David Byrne, Kid Cudi, o a Matt Berninger, y si la palabra
“Annie” aparece, felizmente tomarán la llamada. Queda
un rastro de Dallas en ese “bombón”, y es algo bueno.
¿Cuánto tiempo toma convertirse en un neoyorquino y
perder todos los vínculos detectables con los llanos y
praderas, para andar en la bicicleta como Lou Reed y
ser dueño de una ciudad?
“Esa es una buena pregunta”, dice Clark, tomándose su
tiempo para pensarlo. “Toda mi familia está en Texas.
Siempre será mi hogar. Ahí puedo respirar y me puedo
relajar. Pero mi mejor amigo de la secundaria y yo sabíamos que teníamos que irnos de ahí y que vendríamos a
Nueva York. Era nuestro Oz. Esta ciudad es algo de lo
que casi te enamoras adictivamente. Es realmente adictiva y parcialmente destructiva. Te vuelves loco viviendo
aquí. Pero como estoy enamorada de ella, no puedo
imaginar estar en otro lugar. “
Lo reconozca o no, Clark es muy organizada. Strange
Mercy es su tercer álbum. Tiene 28 años. Su disco
debut, Marry Me, fue lanzado cuando ella tenía 25
años en el 2007. Le siguió Actor, el cual lo terminó en
el 2009. Si han leído hasta este punto, van a escuchar su nuevo material. No necesitan que nadie se los
describa. (Recuerden: ustedes ya tienen la carga de
una zanahoria, un corazón, y una banda sonora para
una película invisible en sus manos.) Deberían tener
la libertad de crear una opinión propia acerca de su
sonido, lejos de estas páginas.
Si ponen atención al track “Surgeon” de Strange Mercy –una especie de súplica porque la abran quirúrgicamente para sangrar– probablemente noten que
suena a una vieja canción suya llamada “Laughing with
a mouth of blood,”, o incluso “Marrow” –ambas parte
de Actor–, ya que las tres juegan con imágenes de una
anatomía dañada. Le deben su efecto no sólo a lo que
dicen (esa mezcla de juego y horror), sino también en
la forma en que se entregan.
Sus composiciones sacuden y asustan, susurran in
crescendo. Escuchen su voz en el primer track del disco, “Chloe in the afternoon” y podrán escuchar el tipo
de respiración que haría una persona sorprendida por
un fuerte “¡Buu!”. El placer de estar asustado, es lo que
los psicólogos explican sobre por qué vemos películas
de terror. Está ahí, en su forma de cantar. Pero no hay
absolutamente nada imponente o aterrador en Annie
Clark. Tiene un gran corazón. Tiene la voz para leer-
Fotos Brantley Gutierrez
F I L T E R . 23
Principales
Principales
un filme francés de Éric Rohmer ( Chloe in the Afternoon) que pasa rápidamente en una explicación muy
chistosa de una película pornográfica de art-house que
accidentalmente vio, pensando que la protagonizaba
Amy Adams.
“Yo pensaba: ‘he oído hablar de esta película. Es con
Amy Adams o algo así.’ Y entramos a verla y fue horrible.
Esta mujer se mete cada vez más y más en el sadomasoquismo y ves cómo se va desarrollando, desde que
pide que la ahorquen mientras tiene relaciones sexuales hasta que se hagan pipí encima de ella. Es una
excelente película, en realidad. Pero yo estaba como:
‘¿cuándo se enamora Amy Adams del irlandés? ¿Qué
está pasando aquí?’ Es muy incómodo, pero la deberían ver. Nada era falso. Digo, de verdad se hicieron pipí
encima de ella.”
le un cuento a un niño pequeño. Lo sorprendente es
que no suena calculado. Todo es tan natural como una
verdura creciendo de arriba para abajo. Cosas que se
encuentran en la tierra, que podría ser raro pero están
ahí, ella las desentierra para que puedan verlas. Ella las
ve también asombrada.
“¿Sabes? Estaba pensando en que mi meta definitivamente no es hacer música que manipula. No como: ‘espera, hay un monstruo en la esquina’. Estaba pensando
en esto hace poco, y creo que probablemente se deriva
de un lugar bastante natural: empecé a tener ataques
de pánico cuando era chiquita. Así que para mí era muy
normal que las cosas estuvieran perfectamente bien y
que de repente me invadiera el miedo, una especie de
pánico. Luego sólo esperaba a que se pasara.
“Por lo tanto, para mí, hacer música en la que de repente aparece una nube negra es normal. Es la forma en
que mi cerebro ha trabajado durante muchos años. Ya
no es así ahora. Lo tengo un poco más controlado, un
poco más dominado. Nunca ha sido con la intención de
jugar con la mente de las personas, para nada. Es más
una extensión natural de mi mente.”
¿Y qué pasó con esa zanahoria, corazón, y película sin
imágenes, todos enterrados en algún lugar de la tierra?
¿De dónde vino todo eso? Hablando con Annie Clark
es evidente que realmente no importa. Pueden hablar
de cualquier cosa. Esto se aprende cuando desvía una
pregunta sobre el nombre de una canción basada en
24 . F I L T E R
Lo que uno aprende de Annie Clark es que todo está
permitido. No hay nada fuera de los límites, siempre y
cuando sea interesante. Así que lo que sea que haya en
su música que podría haber conjurado estas zanahorias y corazones, esta suciedad, y las películas borradas, excepto por la música, no importa. (Que los tengan
en sus manos a lo largo de este artículo probablemente
sea innecesario.) Lávense las manos y regresen. Hay
cosas que hacer, como escuchar Strange Mercy, un
álbum que podríamos llamar una obra maestra, pero
la referencia “obra maestra” se ha convertido en una
palabra como “genio”. (Hoy en día, encontramos en todas partes a un genio y a su obra maestra dando un
paseo por la calle de su hermosa ciudad como un peatón cualquiera.) Esto es otra cosa. No lo has oído aun
después de haberlo escuchado. Va a cambiar con el
tiempo. Y como todo lo bueno, grande y duradero, esta
continua transformación también le permitirá enfrentar
el paso del tiempo.
“No quiero que esto suene presumido o falso”, nos dice
Clark, tratando de ayudarnos a llegar a algún tipo de
conclusión (que en realidad no hay ninguna, a excepción de las limitaciones impuestas por esta misma página). “Pero cuando estoy realmente inspirada, pienso
en colores. No pienso en notas. Todo eso se escapa
por la ventana. Cuando estoy tratando de llegar a algo
musicalmente, estoy pensando en los colores, fotos e
imágenes y trato de pintar con eso. Una canción debe
tener una base y una verdad emocional. No me importa
la verdad de algo siempre y cuando el núcleo emocional quede intacto. Me voy más por cómo quiero que
me haga sentir cuando lo escuche, que por cómo me
siento en el momento. Primero tienes que creer en ella,
de lo contrario nunca convencerás a nadie de nada.”
F I L T E R . 25
F-Stop
Principales
Features
Features
PELICULA DE HORROR
Por PATMcGUIRE
Guillermo del Toro probablemente es lo más cercano que nuestra generación estará de una
figura como Alfred Hitchcock. Al igual que el maestro (del cual Del Toro ha escrito un libro, literalmente), las películas de Del Toro son espeluznantes, terroríficas, parecen de otro
mundo y están llenas de suspenso; pero también son inteligentes, chistosas, sorprendentes,
fantásticas y siempre tienen un personaje femenino embestido de poder. El maestro mexicano
ha escrito y dirigido películas como El Laberinto del Fauno, Hellboy (con todo y secuelas),
Cronos y Mimic; ha escrito otros títulos (como los próximos largos de los Hobbits), también
es dueño de una productora y ha incursionado en el rubro de los prostéticos y caracterizaciones. Su proyecto más reciente como escritor y productor es Don’t Be Afraid Of The Dark,
una película protagonizada por Katie Holmes, Guy Pierce y Bailee Madison, que se perfila
para ser un clásico instantáneo entre casas encantadas y batallas con criaturas que terminan
en matanzas.
EN PALABRAS DE GUILLERMO DEL TORO:
He pasado décadas de mi vida literalmente leyendo, viendo, escribiendo y filmando horror, exclusivamente. Vivo en una casa que tiene siete bibliotecas con miles de libros y por
lo menos un tercio de ellos son de este género. He visto todas las películas de horror por lo
menos hasta la década de los noventa y trato de tener un sistema para ellas: la primera vez
que veo una película, lo hago por gusto, si me gusta entonces la vuelvo a ver dos o tres veces
más para estudiarlas.
En mi lista personal de las mejores películas de miedo de todos los tiempos están –sin un
orden en específico–: The Haunting, The Innocents, The Shinning, Alien, Jaws, la versión
japonesa de The Ring, The Uninvited y Night Of The Living Dead. Debe haber más, pero
ésas son las primeras que vienen a mi mente. Todas son clásicos. El momento en The Ring
donde el fantasma cruza de la pantalla de televisión a la sala… estaba en un avión viendo la
película y me dieron ganas de salir corriendo por la puerta.
Yo no creo hacer tantas películas de miedo, más bien son películas raras. Hay momentos en
ellas –como la escena de la botella en El Laberinto del Fauno– que han afectado a mucha
gente, y eso es genial. Pero la verdad no he hecho tantas películas de miedo. Estoy muy
contento con Don’t Be Afraid Of The Dark, porque lo que quería era ir a contracorriente.
Las mujeres en la mayoría de las películas de miedo no son más que personajes gritones y sin
chiste, y me he esforzado mucho por crear personajes femeninos que resulten mucho más
interesantes que los masculinos.
Tengo una gran confianza con Don’t Be Afraid Of The Dark –sólo me involucro en películas
que realmente quiero apoyar y que tienen el suficiente sustento para garantizar su éxito.
Don’t Be Afraid Of The Dark la escribí para mí mismo hace muchos años y estuve muy
pendiente de la producción. No la llamaría “mi película” al cien por ciento, pues el director
siempre pone mucho de su parte, pero ciertamente hay mucho de mí en ella y estoy muy
orgulloso.
Aquí mis secretos para hacer una película que sí de miedo…
26 . F I L T E R
Utiliza el recurso de lo que no se puede ver.
Con esto quiero decir que puedes tener presencia de una criatura tan sólo con sus sonidos, o
puedes convertir un momento en algo tenso usando solamente pasajes que pongan nerviosas
a las personas, y no tienes la necesidad de mostrar nada.
Si hay algo que crees que vale la pena mostrar, no dudes en mostrarlo.
Creo que hay un constante estire y afloje entre lo que se ve y lo que no. Si se trata de una
película de miedo, uno trata de dar a entender muy al principio que hay una criatura a través
de indirectas para después llegar al momento culminante donde ésta se revela, pero no se
hace en el mismo momento. En Don’t Be Afraid, podemos verlas: se ven sus sombras en
movimiento, sus ojos que brillan en la oscuridad y siempre está el clásico momento debajo
de las sábanas. Cuando niño siempre las cobijas de mi cama eran como un refugio, como un
el lugar más íntimo dentro de la casa, y me parece que ese es un gran momento para develar
a la criatura. Sin embargo lo hacemos de forma gradual y después damos la sorpresa.
Diseña una buena Criatura
El secreto en diseñar a un buen monstruo es que siempre se puede ver diferente. Cuando
mostramos a estas criaturas a distancia, se mueven con rapidez –casi como roedores-. Cuando están cerca, tratamos de resaltar algún detalle importante en la primera toma y enfocarnos en otro cuando hacemos el close-up. Estos se diseñan de una forma que la gente no
se canse de verlos. Si son inteligentes al respecto se pueden mostrar de formas muy abiertas.
Creo que hay muchas criaturas que faltan por diseñar y que hay muchas otras que aún
podemos descubrir.
F I L T E R . 27
Principales
The
Principales
KILLS
Por ANNA STEPHENS Foto RODRIGO JARDÓN
Mosshart agrega: “Mantener esa actitud es algo que le da credibilidad a las bandas. En lo personal me gusta
conocer a la gente con la que viajo, con la que trabajo concierto tras concierto. Esas cosas no son fuente de
inspiración para mí y es algo que reflejamos en el escenario: la actitud de que somos los mismos arriba y abajo
del escenario.”
Blood Pressures se editó en abril pasado. El álbum se grabó en Benton Harbor, Michigan, en un estudio
llamado Keyclub dirigido por dos muy buenos amigos del dueto. Ahí han grabado ya tres discos. Esto le
da confidencialidad a The Kills y los coloca en una zona de confort, lo que podría resultar peligroso para la
propuesta musical.
“De alguna manera, el ambiente está totalmente alejado de todo. Podemos componer, ensayar, tocar y grabar a
la hora que nos dé la gana. Preferimos tener esta libertad de no tener horarios fijos. Eso nos limita mucho. Por
eso hemos vuelto ahí desde No Wow ”, explica Hince.
“A pesar de este confort”, complementa Mosshart”, “la nueva producción cuenta con elementos diferentes:
incluimos cantantes de gospel, hay piano y otros instrumentos que no utilizamos comúnmente.”
La honestidad de la que hablan The Kills se refleja en el momento en que los vemos arriba de un escenario,
cuando nos invitan a ser parte del espacio que ocupan para convertirnos en el tercer elemento, no en discordia, sino en tensión pasional sublime.
The Kills es un dueto que pertenece al conjunto de bandas sucias, intensas, sexuales y engañosas. La ronca
voz e impulsiva actitud de Alison Mosshart embona perfectamente con la ecuánime y elegante presencia de
Jamie Hince. La música de The Kills siempre decadente, pesada y peligrosamente seductora, los trajo de vuelta
a la Ciudad de México, pero ahora en calidad de músicos internacionalmente reconocidos.
Ante la poca credibilidad y desarrollo que actualmente tiene el rock, Blood Pressures es un álbum que se
destaca por recuperar un poco de esa actitud y pasión del género. Jamie recuerda qué fue lo que le apasionó
cuando comenzó a escuchar música.
“Me encantó todo lo que sucedió con las riot grrl, Bikini Kill y Huggy Bear, entre otras bandas. Me encantó. Todo
era muy natural y radical. Algo similar ocurrió cuando comenzamos The Kills. Se trataba de querer hacer lo
nuestro, sin poses ni apariencias.”
28 . F I L T E R
F I L T E R . 29
Endnote
Estación F
Ceci Bastida
Una de las cualidades de los que viven en la frontera
con Estados Unidos, en especial los tijuanenses, es la
dualidad que tienen en cuanto a la identidad nacional,
ya que por vivir en un país en donde todo se centraliza en el Distrito Federal, hace que en estos terrenos
fronterizos la gente busque las oportunidades que
tengan más cerca.
Es por eso que grupos como Tijuana No! ofrecieron
un sonido diferente a lo que el rock mexicano de los
noventa tenía, ya que habiendo una escena tan fructífera como la californiana a la vuelta de la esquina, era
obvio que tendrían mucha influencia de ella.
Ceci Bastida sabe muy bien de esa dualidad y la ha
aprovechado para crear una carrera versátil que la
llevó a ser parte de Tijuana No!, ser colaboradora de
su amiga Julieta Venegas, y después crear su propia
carrera como solista.
“Todo empezó con mi mamá porque ella tocaba el
piano y me parecía maravilloso cuando lo hacía. A
los 15 años me invitó a tocar un amigo en una banda
que terminó siendo Tijuana No!. Todo se fue dando
de una forma muy natural”, nos comenta previo a que
supiera que formaría parte del cartel de Lollapalooza
2011.
30 . F I L T E R
Postales de una
mexicana en L.A.
Por ANDRÉS DÍAZ
Luego de iniciarse artísticamente con la banda
creadora de clásicos como “Pobre de ti”, se fue a
estudiar la universidad y estuvo dando clases en una
secundaria.
“Empecé a probar otras cosas porque empecé muy
joven y no me di oportunidad de hacer muchas más.
Luego me di cuenta que la música era lo mío y fue
justo cuando empecé a tocar con Julieta Venegas por
más de ocho años desde su disco Bueninvento”.
Para comenzar su carrera artística, dejó de participar
con Julieta Venegas después del Unplugged. Se fue
a su casa de Los Ángeles para empezar a componer
demos muy básicos, pero con ideas muy claras.
“ Veo la marea es el resultado de muchos años de
escuchar música. No hay ska, pero en cuanto a las
letras de las canciones definitivamente están influenciadas por Tijuana No!, porque hablo de cosas que a
uno le afectan como ser humano”.
Sobre sus futuros planes de grabar un nuevo álbum
comentó que no se quiere presionar mucho porque
el último material salió en Estados Unidos a finales de
2010, pero el plan es seguir componiendo pronto.
F I L T E R . 31
En portada
RITMO,
REBELDES
EL
LOS
Por DANIEL KOHN
En los últimos años, CSS se han convertido en una de las bandas más comentadas del mundo
aunque sus integrantes no lo hayan notado. “Hemos visto las reseñas del principio de nuestra
carrera y decían que éramos ‘la banda de moda del 2006.’ ¡Nunca me di cuenta de esto!”, dice
la vocalista Lovefoxxx. Los originarios de São Paulo, Brasil, han ganado una gran base de fans
internacional a través de giras interminables y álbumes aclamados por la crítica, que finalmente
se han traducido en éxito en su país de origen.
La banda, formalmente conocida como Cansei de Ser Sexy, recientemente lanzó su tercer
álbum La Liberación, y el proceso de grabación se diferencia de cualquier otro proyecto en
el que el grupo ha trabajado. Les tomó casi tres años completarlo; produjeron 24 canciones
entre las que tuvieron que elegir, finalmente, las 11 que componen el disco. “Lamentablemente hemos tenido que dejar un montón fuera que nos gustaban mucho”, dice Lovefoxxx. “Sin
embargo, lo bueno es que ahora tenemos muchos lados B.”
La Liberación es un paso adelante para el quinteto ya que la conocida combinación de CSS de
pop dance, reggae y punk se ha expandido para incluir elementos de indie rock. La participación de varios invitados especiales en el álbum –que incluyen a Ratatat, Bobby Gillespie de
Primal Scream y el pianista Mike Garson–, junto con la voluntad de la banda para experimentar
con música nueva, ha hecho de este su disco más maduro hasta la fecha.
Filter se reunió con Lovefoxxx en su día libre dentro de su gira en el Reino Unido, donde platicamos de su amor por el arte y lo que diría si tuviera la oportunidad de charlar con la persona
“cansada de ser sexy” que le dio el nombre a la banda: Beyoncé.
Foto UniversalMusic/Andreas Laszlo Konrad
32 . F I L T E R
F I L T E R . 33
Foto Luisa Zá
¿Qué los llevó a grabar La Liberación de forma tan diferente a los álbumes anteriores?
No fue una decisión consciente. Teníamos mucho tiempo y no había plazos que cumplir ni restricciones por parte de la disquera. Esto lo grabamos durante un par de años y entre un montón de giras.
El no tener una fecha de lanzamiento definida, ¿hizo que fuera más fácil grabar este álbum?
Era muy cómodo, pero al mismo tiempo era muy difícil porque no podíamos dejar de cambiar las canciones. Por momentos deseaba que tuviéramos un plazo para ya terminarlo de una vez. Pero viendo
hacia atrás, estoy feliz de que había mucho tiempo.
34 . F I L T E R
¿Planean lanzar todos los lados B?
Ya lanzamos algunos. Hay un bonus track en iTunes y hay una canción extra en la versión japonesa. Siempre nos
gusta tener material extra porque sentimos que nunca tenemos suficientes canciones.
La Liberación introduce lo que se le puede llamar “rock indie” en un disco de CSS. ¿Qué artistas escucharon
durante la grabación del álbum?
No sé de los demás, pero yo estaba escuchando mucho a Dinosaur Jr. Hay una canción llamada “Cat” que no terminó
en el álbum, y que sin duda suena a Dinosaur Jr. Queríamos que el conjunto de las canciones fuera coherente con el
título. Creo que una canción como “Rhythm to the rebels” representa el sonido del álbum. Hay una mezcla de artistas
que amamos como Shakira, Erasure y Built To Spill, que echamos en una licuadora y de ahí salió nuestro sonido.
F I L T E R . 35
Foto Luisa Zá
En portada
Lovefoxxx en Corona Capital 2011
Foto Rodrigo Jardón
¿Qué aprendiste al trabajar con veteranos como Bobby Gillespie, Ratatat y Mike Garson?
Siempre habíamos querido tener invitados y funcionó porque tuvimos tiempo para hacerlo. Por lo general toma
mucho tiempo que una persona responda, así que tener tiempo de nuevo funcionó para nosotros. Fue increíble
tener a Mike en el piano, ¡ahora estamos a un paso de David Bowie y dos pasos de Iman!
El arte juega un papel muy importante en la definición de CSS como banda, ¿cuál es la inspiración que te
atrae a diferentes formas de arte visual?
Me gustan mucho las cosas hechas a mano. Yo antes trabajaba diseñando y cuando alguien de una banda
me pedía que hiciera cosas para ellos, me emocionaba muchísimo. No importaba si se trataba de carteles o
volantes, todas estas cosas eran originales y divertidas de hacer.
¿Has tenido problemas para traducir el éxito que han tenido en el extranjero a su natal Brasil?
Hemos tenido muchos conciertos [en Brasil], pero nunca fueron tan populares ahí como en el extranjero. Las
personas están empezando a notarnos más ahora, porque hablan de nuestras giras internacionales.
Tus letras abordan temas muy personales pero son capaces de tener un significado más amplio para
llegar a una mayor audiencia. ¿Es una decisión inconsciente o escribes a propósito sobre las cosas que
te han pasado con las cuales se pueden relacionar otras personas?
Estoy 100 por ciento de acuerdo contigo. Nuestros fans han madurado con nosotros y parece que nuestras
letras han crecido con ellos. Tenían 16 cuando empezamos y ahora están en sus veintes, que para nosotros
significa que no sólo son fieles, sino que se identifican con lo que estamos haciendo.
Está documentado que la banda obtuvo su nombre de una cita de Beyoncé. ¿Has tenido la oportunidad
de conocerla?
Una vez, en Japón. Ella estaba con Solange y la vimos cuando salía y grité, “Solange, ¡Te quiero!” Ella comenzó
a reír y fue muy divertido. Me encanta Beyoncé. Vi su show en Brasil, es increíble. Ella es especial y me alegra
que nuestro nombre se relacione con ella porque es realmente genial.
Culture Collide trae bandas de todo el mundo a Los Ángeles para tocar en un fin de semana ecléctico en
una ciudad culturalmente diversa. ¿Qué te emocionó de tocar para un público tan diverso?
Creo que es genial y es muy similar a como es en Brasil. Es chistoso porque todos en la banda somos completamente diferentes y creo que es bueno tener tantas bandas de todos lados y tener un sonido y presencia
única. Estoy contenta de ser parte de un festival que mezcla culturas y música, sin embargo, cada elemento es
en sí mismo, como una especie de ensalada de frutas.
36 . F I L T E R
F I L T E R . 37
Tributo
Tributo
Alexis Mata (Ciler), proviene de San Pedro de los Pinos en la Ciudad de México,
y actualmente vive en la colonia Roma.
Mata comenzó su carrera en el arte
urbano con la intervención de paredes y
espacios públicos de la capital mexicana.
De formación autodidacta y proveniente
del mundo del diseño, Ciler desarrolló
un estilo único a través de procesos
creativos en los que hace observaciones
de su entorno. Para Mata, la calle es un
gran formato de expresión y considera
que todo artista debe experimentar en
el arte urbano en algún momento de su
desarrollo profesional.
El estilo de Ciler se ha transformado y
ha abarcado otro tipo de arte y técnicas
como la escultura, fotografía, ilustración,
pintura, instalación, collage, dibujo,
diseño gráfico y aerosol. Sus obras se
caracterizan por una constante preocupación por el ser humano, sus miedos,
sentimientos, la locura y la muerte. Actualmente se ha concentrado en el arte visual
popular contemporáneo.
Lo grotesco e incluso violento de sus
piezas –en constante alusión al humano–
hace que lo superficial de una modelo,
de una marca de moda, se reinterprete
como una reflexión de la muerte y permanencia del ser.
Entre sus muestras más recientes se encuentra “Replicant Memories”, expuesta
en Yautepec Gallery, en donde “traza una
post-realidad en la cual ambos, cuerpo
y mente –el último se enlaza con lo real
en una cultura basada en la imagen– se
absorben y se refabrican dentro del
imaginario del simulacro, como memorias
colectivas futuras de un pasado que
nunca pasó, un corto circuito masivo del
eterno retorno.”
arte urbano nacional
Por ANNA STEPHENS
38 . F I L T E R
Ciler ha formado parte de diversos
proyectos curatoriales, intervenciones en
lugares como el Centro Cultural de España, Centro Cultural Border, y exposiciones colectivas en la galería Muca Roma.
Además ha colaborado con Kid Robot,
entre otras marcas y organizaciones.
F I L T E R . 39
Reviews
FEIST
Metals
Universal Music
84%
Para informar correctamente acerca de las condiciones de un corazón roto se requiere una enorme
cantidad de sinceridad y franqueza; y más, si se van
a escribir canciones al respecto, es muy importante
encontrar el acompañamiento más sincero para fungir
como la banda sonora de las relaciones que llegan a
su fin. Quien se encarga de llevar estos mensajes de
culpa y desamor es Leslie Feist.
Para Metals, Feist y su eterno compañero Chilly Gonzalez y Dominic Dalole (músico y amigo que colaboró
en The Reminder), viajaron a Big Sur para la grabación. El tiempo y el contexto fueron clave para los
trabajos de Feist –sobre todo si se trata de la relación
entre personas y lugares–, y se ven reflejados en su
música, donde melodías pop han sido reemplazadas
con arreglos de cuerdas y un piano impaciente. Metals
no es necesariamente un disco fácil de escuchar, ya
que a pesar de que el mensaje se mantiene igual, la
forma de expresarlo es lo que ha cambiado. Para este
trabajo, Feist tomó el papel de narradora en lugar de
ser quien confiese, por lo que es difícil creer que todas
esas historias tan acertadas puedan ser ajenas; y si es
verdad que todas esas historias se basan en simples
observaciones, entonces los comentarios son hechos
40 . F I L T E R
trágicamente ciertos (“A good man / and a good
woman / can’t find the good in each other”).
Feist explora una vena un poco más gótica a la hora
de relatar historias: resucita temas que murieron en el
pasado para enfrentarlos en el presente para escalar
obscuras y desagradables ramas de árboles familiares, mismos que se combinan con un cuerno francés
y un gran coro para surtir el efecto deseado. La naturaleza también cobra vida en las canciones sugiriendo
que las trampas de la vida no son únicamente para
los humanos: “Cicadas and Gulls” es una canción folk
de cómo el escarabajo de las costas tiene que tocar
su canción hasta que todos los pájaros vuelen no tan
lejos de casa.
El tono y la música de Metals se inclinan hacia lo
sombrío y a la vez poético, para comunicar sus palabras a través de un elemento que se completa con la
música. A lo largo del disco, Feist abre varios cofres de
soledad, errores y la constante lucha con el pasado,
pero no es hasta después del sube y baja emocional
del disco que uno finalmente puede ver cómo se
esclarece el panorama para bien: “Get it wrong / Get it
wrong / Get it wrong / Get it right / Get it right / Get it
right” BREANNA MURPHY
F I L T E R . 41
Reviews
Reviews
obedece al arte
¿Cómo comparar la temperatura musical de hoy en día con la de antaño? Para hacerlo escogimos varias portadas
diseñadas con base a las ilustraciones que hizo Shepard Fairey (Obey) a lo largo de los años.
90%
Tom Petty & The Heartbreakers
The Live Anthology
(2009)
86%
Led Zeppelin
Mothership
(2007)
82%
Sage Francis
Li(f)e
(2010)
80%
Anthrax
The Greater of Two Evils
(2004)
76%
Jello Biafra and the Guantanamo School of Medicine
The Audacity of Hype
(2009)
70%
Stone Temple Pilots
Stone Temple Pilots
(2010)
67%
Smashing Pumpkins
Zeitgeist
(2007)
42 . F I L T E R
MASTODON
The Hunter
Reprise
71%
El álbum más accesible –hasta ahora– de Mastodon encuentra a los ATL-iens tan perdidos como siempre –y sin gasolina. The Hunter no es un cometa potente encaminado
hacia un destino en específico, sino que sólo flota en el espacio. Los indie rockers que
no estén familiarizados con el repertorio de los sludge-slingers encontrarán una luz verde
aquí. Puede que confundan esto con una versión más-pulida-pero-de-menor-calidad de
algo que Queens of the Stone Age podría haber hecho en sus inicios. Los fans del metal,
por otro lado, se molestarán.
KURT ORZECK
BJÖRK
Biophilia
Universal Music
87%
El título de este nuevo proyecto multimedia proviene de la teoría del biólogo Edward O.
Wilson sobre la sensibilidad innata de los humanos hacia los seres vivos en medio de una
época de aniquilación ambiental y violencia civil. Era de esperarse encontrar hablando a
esta diminuta diosa bailarina en terrenos donde la tecnología termina y el arte empieza.
Biophilia es un tributo a cómo los logros humanos pueden intensificar nuestro entendimiento de lo conocible, pero también desconociendo y aterrorizando al mundo natural, el
cual hace posible nuestra existencia. Es una obra maestra del anti nihilismo.
KEN SCRUDATO
THE FIELD
Looping State of Mind
Kombat
84%
El hecho de que el título de la tercera producción de The Field se llame Looping State of
Mind no resulta comprensible. Sin embargo, lo que en realidad llamará la atención son los
patrones que Axel Willner crea en cada canción y que hacen que el disco funcione. Estos
paisajes sonoros, casi cinematográficos, no sólo permiten que un corte y otro se entrelacen a la perfección mientras cada uno conserva elementos propios que los diferencian
uno de otro, desde el emotivo piano de “Then it’s white” hasta las vocales escasas de
“Burned out”. CLARE R. LOPEZ
M83
Hurry Up, We’re Dreaming
Mute/Elektra
92%
Anthony Gonzalez es un sintetizador humano. Él puede lograr crear canciones inspiradas
en My Bloody Valentine, Vangelis, el shoegaze noventero o en películas de John Hughes
apropiándoselas como ningún otro artista independiente. Su sexto disco está condimentado con ambientes electrónicos y paisajes de ensueño que se entrelazan en dos discos
musical y temáticamente: desde el sencillo “Midnight city” hasta la influenciada por Peter
Gabriel en “OK pal”, harán que se desgarre tu corazón como una hoja de papel. Gonzalez
ha creado una colección de memorias borrosas, nostalgia, melancolía reflexiva y experimentación pop que le implora al escucha convertirse en las historias y lugares que viven
en nuestros sueños. KYLE LEMMON
F I L T E R . 43
Reviews
™
DJ SHADOW
The Less You Know, the Better
Verve
87%
The Outsider (2006), el desafiante álbum de DJ Shadow, estaba cargado con una
producción impecable pero con temáticas que dejaban mucho que desear. Ahora en este
disco logra trascender géneros musicales con una experimentación mucho más madura.
Desde cortes instrumentales y sicodélicos como “Enemy lines” y “Sad and lonely” que se
parte en dos capítulos, hasta la veloz “I’m excited” (con la colaboración de Afrikan Boy), el
espectro musical de DJ Shadow es increíblemente amplio. SCOTT THILL
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CASS McCOMBS
Humor Risk
Domino
82%
Cass McCombs es uno de los compositores americanos más prolíficos. Después del
emocional Wit’s End, su segunda producción en este año, Humor Risk, es un disco
mucho más positivo y con muchas imágenes mentales. Este disco es una mezcla del
aterciopelado rock alternativo, americana, blues y folk. Cass McCombs mantiene una
energía alta al contrario del disco anterior. Si uno los junta, ambos discos son la continuación perfecta para su obra maestra del 2009, Catacombs. KYLE LEMMON
CLASS ACTRESS
Rapprocher
Carpark
77%
Lo soleado de Los Ángeles no necesariamente inspira cuentos de la paranoia que dejó
Ultravox. Aquí encontramos a Class Actress con Elizabeth Harper lamentando horrores
contemporáneos como tener que levantar su trasero para ir a trabajar. (“¡Que ya venga el
fin de semana!”, dice ella). Aún así, la música está viva con todo su toque synth pop con
una orquestación lúgubre y sintética, así como una lúgubre y desfigurada melodía y una
base maciza de funk. Ahora se reubicó en Brooklyn, en donde uno desea encontrarse a
Carlos D en la librería Ballard con una polvorienta botella de vodka, sin saber cuál será el
resultado. KEN SCRUDATO
JUSTICE
Audio, Video, Disco
Warner Music
85%
Los fans de este dueto francés que están esperando bailar ahora tendrán un disco más
suave y asoleado. Atrás quedaron “Phantoms,” “Stress” y “Waters of Nazareth”. Ahora tenemos “New lands,” “Parade” y “Horsepower” que sustituyen el terror bíblico que profesaba
su primer álbum. Este disco aún tiene conflictos y las referencias barrocas, pero con un toque humano de baterías vivas, guitarras al estilo de Ratatat y sampleos que no necesariamente destruyen el infierno. El resultado es tal vez menos bailable, pero podemos empezar
a reconocer su propio sonido. Audio, Video, Disco a lo mejor no pateará traseros, pero le
da esperanza al futuro. ZACHARY SNIDERMAN
Polanco
Hotel W
Habita
Celeste House
Museo Rufino Tamayo
Alianza Francesa de México
Galería de Arte del Centro
Vasco
Galería Mexicana de Diseño
Sala de Arte Público Siqueiros
The Cupcake Project
Roma
Broka
Lilit
Limantur
Mog
Retroactivo
Non Solo
Casa Lamm
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MUCA Roma
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Labor
Centro Cultural de la Diversidad
Centro Cultural Roma esTonal
Centro Cultural Woody Allen
Centro Cultural Telmex
Centro Cultural Instituto Goethe
Galería Anonymus
Galería GAGA
Galería 13
Condesa
Rockshop
Discoteca
Barracuda
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La esquina del Té
Leonor
Don Quintín
Salón Malafama
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Condesa DF
X Espacio de Arte
Galería EDS
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Galería Karimanzutto
Santa Fe
Distrito Capital
Lomas
Eno Virreyes
Coyoacán
La Bipo
La Muca
Museo Casa Frida Kahlo
Anahuacalli
Filmoteca
Centro
Museo de la Ciudad de
México
Museo del Palacio de Bellas
Artes
Museo Mexicano del Diseño
Museo Franz Mayer
Laboratorio Arte Alameda
Centro Cultural España
ExTeresa Arte Actual
Museo del Estanquillo
Antiguo Colegio de San
Ildefonso
Centro de la Imagen
Museo del Tequila
Museo del Juguete
Satélite
Tower Records
Galería Film Club Café
Casa de Cultura Parque
Naucalli
Altavista/San Ángel
Tower Records
Alianza Francesa de México
(San Ángel)
Centro Cultural San Ángel
GB Gallery
Museo Carrillo Gil
Cafés
Café Punta del Cielo
Café La Selva
Cielito Querido Café
The Coffee Company
Restaurantes
Pizza Amore
Mr. Sushi
La Ostra
Frutos Prohibidos
Librerías
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El Péndulo
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El Sótano
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Universidades
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Intercontinental
La Salle
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44 . F I L T E R
F I L T E R . 45
Reviews
TWIN SISTER
In Heaven
Domino
82%
Ellos permanecieron el invierno pasado encerrados en una casa rentada de los Hamptons
escribiendo su primer disco de larga duración, luego de una serie de EP’s en 2008 y 2010.
In Heaven es lo que uno podría esperar que proviniera de una casa de verano en medio
del invierno: soñador y bendito, pero a veces solitario e inquietante. Llevados por el romántico y arrullador canto de Andrea Estella, estas diez canciones permiten que el quinteto
de Long Island cruce la distancia de su encantadora mezcla de indie pop que va de los
sintetizadores (“Daniel”), funk (“Bad street”) a la abstracción idílica (“Kimmi in a ricefield”).
En el cielo, de hecho. ILANA BERGER
TORREBLANCA
Bella Época
Arts & Crafts México
81%
Debemos agradecer que en la escena mexicana hay una gran diversidad de géneros musicales, esto se debe a grupos como Torreblanca, quienes nos han enseñado a escuchar
otro tipo de música dentro de lo “indie” al incluir instrumentos como el piano, sax o acordeón. En este primer LP exploran mejor lo que hicieron en su primer EP Defensa. En este
disco destaca la comunicación que tienen como músicos, ya que hay unos excelentes
arreglos gracias a los coros de Andrea, los metales de “El Tío”, así como el bajo cortesía
de “El Abuelo” Zavala, la batería de Jerson y la distintiva voz de Juan Manuel Torreblanca,
por lo que nos da como resultado un todo muy bien coordinado. Destacan “Si”, “Lobo” y
“Dejé de ser yo”. ANDRÉS DÍAZ
THE DRUMS
Portamento
Univeral Music
77%
El EP Summertime! , sumado a su exitoso debut, le dio a la banda la oportunidad de darse
a conocer en la escena. Ahora entrega su segundo lanzamiento compuesto por depresión
y melancolía bailable. Portamento, un término musical italiano del siglo XVII que denota
una diapositiva vocal entre dos tonos (también significa anticipación), tiene sentido como
título del álbum, ya que el grupo todavía está en un viaje de transición desde que perdió
a su guitarrista y obtuvo una nueva y sutil dirección en su sonido. Su base pop ganó otra
capa gracias a que el guitarrista Jacob Graham pasó al sintetizador, esto creó un sonido
más completo para que coincidiera con las letras pegajosas inspiradas en la vida mundana
de todos los días (“Quiero comprar algo / pero no tengo dinero”). A pesar de la nostalgia
en las palabras, hay alegría que pinta un resquicio de esperanza en medio de un futuro
algo nublado y poco claro. No hay duda de que tienen tiempo para descifrar adónde van
con su música si continúan por este camino de altas expectativas. MARY KOSEARAS
EL COLUMPIO ASESINO
Diamantes
Terrícolas Imbéciles
85%
Estamos frente al álbum que definirá el sonido del rock español este 2011, considerando
que este año han sonado grandes propuestas como Odio París, Pony Bravo y Hola A
Todo El Mundo. Esta producción se caracteriza por su crudeza, sencillez y cierta oscuridad que resulta atractiva y desconcertante para los oídos. Prueba de ello es su potente
sencillo “Toro”, el cual tiene una progresión tan deliciosa que no habíamos oído desde
“Sea within a sea” de The Horrors. También destaca el cover a “On the floor” de We Are
Standard, así como una magnífica versión de “The endless plain of fortune” de John Cale
en la canción “cisne de cristal” a cargo de la vocalista Cristina. A sus 10 años de carrera,
han creado su primer álbum clásico. ANDRÉS DÍAZ
46 . F I L T E R
F I L T E R . 47
Eduardo Caudillo X Remeritas X Filter Magazine
48 . F I L T E R