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LAS NOCHES DEL FONSECA JULIO 2011 Martes 5 Música JORGE PARDO Vientos flamencos. Martes 12 Teatro UR TEATRO Macbeth de William Shakespeare Dirección: Helena Pimenta. Viernes 15 Música ANA BELEN Y ROSA TORRES ‐ PARDO Música callada, la vida rima. Viernes 22 Teatro EL BRUJO Mujeres de Shakespeare Dirección: Rafael Álvarez “El Brujo” Miércoles 27 Danza Flamenco Compañía Rojas y Rodríguez Cambio de Tercio FONSECA OFF Martes 19 Teatro THE CROSS BORDER PROJECT De Fuente Ovejuna a Ciudad Juárez. Dirección: Lucía Rodríguez Miranda Todas las actuaciones serán en el Patio del Colegio Fonseca a las 23 h. Entradas: 15 € Fonseca Off: Entradas 7 € Información y Venta de entradas: de lunes a viernes en Hospedería Fonseca de 10 a 14 h. Cursos Internacionales de 10,30 a 13 h y de 16,30 a 18 h. Una hora antes de cada función en Taquilla Venta electrónica: http://sac.usal.es JORGE PARDO Vientos Flamencos Martes 5 de julio de 2011
Formación: Jorge Pardo saxo y flauta Juan Diego guitarra flamenca Enrique Rodríguez trompeta Juan Peña “El Chispa” percusión Belén López baile Vientos Flamencos Jorge Pardo lanza en la “colección” de música Vientos flamencos 2 una mirada renovadora a la tradición musical hispánica. Y es que no sólo se ocupa de profundizar en el diálogo entre el jazz y el flamenco del que es destacado precursor, sino que también se inspira en el pasodoble español, joropos y guajiras latinoamericanas y el clásico Isaac Albéniz. El disco contiene, además, temas propios como las bulerías Ya puedo empezar y un doble homenaje a Camarón: la soleá Homenaje al Chaqueta y Viejo mundo. El octavo trabajo en solitario del saxo madrileño es un disco con espíritu colaborativo grabado en home studios en el que se escucha a casi una treintena de músicos. De Camarón a Albéniz. De las soleares a los joropos. De los pasodobles a Tío Borrico. Del jazz al flamenco. La colección de música Vientos flamencos en la que Jorge Pardo trabaja desde hace cuatro años ya tiene segunda entrega. El álbum, que ve la luz el 25 de mayo de 2009, ahonda en la música tradicional española desde la perspectiva flamenco‐jazz que identifica al músico madrileño. Aunque también se extiende al otro lado del océano, ocupándose de estilos latinoamericanos como el joropo Membrillo de Juan Romero y la guajira Tintando el día de Héctor González. Ambos temas pertenecen a la carpeta Qué grandes músicos. Y es que el saxofonista madrileño mantiene abiertos varios álbumes que, poco a poco, va nutriendo. Uno de los más significativos es X Camarón, en el que aquí tienen cabida la soleá Homenaje al Chaqueta y una versión muy personal de Viejo mundo, uno de los cortes más significativos del disco La leyenda del tiempo que, precisamente, cumple este año su trigésimo aniversario. “Este tema es de esos que se ha pegado a mi vida. Lo solíamos tocar con Dolores en los tiempos en los que estuvimos con Camarón. Lo tocamos en la Plaza de Toros Monumental de Barcelona”, explica el músico en el libreto hecho de textos escritos de su puño y letra. Las inmersiones de Jorge Pardo en el flamenco vienen marcadas con la etiqueta Mis palos. Y aquí son tres composiciones propias: las bulerías Ya puedo empezar, la rumba Media ración y la soleá Dos siglos. Suya es también la pieza solista Billones de años, perteneciente a la carpeta Pensamientos. El contenido del disco se completa con la versión del pasodoble En el mundo y con la de Cádiz de Isaac Albéniz que Pardo registró para la película Iberia de Carlos Saura junto a Carles Benavent y Tino di Geraldo, sus compañeros de trío. La segunda entrega de Vientos flamencos es una grabación itinerante realizada en los distintos home studios de muchos de los músicos participantes. En total, se escucha casi a una treintena de instrumentistas, entre ellos, guitarristas como Josemi Carmona, Juan Diego, Paquete y Nono García, percusionistas como Rubem Dantas o Tino di Geraldo, el bajo de Benavent, voces como la de Antonio Carbonell, violinistas, pianistas y trompetistas, entre otros. Jorge Pardo Como cualquier españolito de a pie, de jovencito, empieza a tocar la guitarra, aunque enseguida se ve atraído por el mundo de los instrumentos de viento. Sus referencias musicales son de infinidad de artistas y diversos estilos. Profesionalmente empieza a tocar en los “garitos” de la ciudad. Diego Carrasco, Jean Luc Vallet, Manuel Soler, Peer Wyboris, David Thomas, Ricardo Miralles, Pedro Iturralde, Vlady Bas, entre otros, son referencias y maestros de su entorno. Las Grecas, de la mano de Jhonny Galvao, es su primera grabación profesional. Dolores se agrupa en torno a Pedro Ruy Blas con varios músicos de la escena madrileña, se graban 3 LPs y en uno de ellos aparece Paco de Lucía, con el que colabora a través del tiempo en múltiples grabaciones y giras de ámbito mundial. También en la misma época conoce a Camarón, y graba en La Leyenda del Tiempo y otras producciones. Además en los estudios de flamenco Amor de Dios colabora con toda la nueva generación de artistas “Los jóvenes flamencos” que se cuece en Madrid en esa época. La flauta y el saxo quedan vinculados al mundo del flamenco desde entonces. Las cigarras son quizá sordas, Veloz hacia su sino, Diez de Paco, son algunos de los títulos que graba en los 90 producidos por su hermano Jesús para Nuevos Medios. Participa en los proyectos Vida en Catedrales con varias referencias con Tomás San Miguel, Zebra Coast con Gil Goldstein, Ur con Michaell Bismut, Jazzpaña con arreglos de Ariff Mardin y Vince Mendoza. Ya en el nuevo siglo, las grabaciones con D3, su colección de Vientos Flamencos, el trío con Carles Benavent, Tino di Geraldo y Touchstone con Chick Corea. Ha recorrido innumerables festivales y salas de los cinco continentes. Martes 12 de julio ficha artística Autor Versión y Dirección WILLIAM SHAKESPEARE HELENA PIMENTA Escenografía y Dirección Audiovisuales Diseño Audiovisuales Iluminación Vestuario Dirección musical Dirección coro Interpretación coral Reparto Macbeth Lady Macbeth Duncan / Macduff Banquo / médico Ross / asesino Malcom Lady Macduff / enfermera JOSE TOMÉ EMILIO VALENZUELA Y EDUARDO MORENO FELIPE RAMOS ALEJANDRO ANDÚJAR IÑAKI SALVADOR JUAN PABLO DE JUAN CORO DE VOCES GRAVES DE MADRID JOSE TOMÉ PEPA PEDROCHE OSCAR S. ZAFRA JAVIER HERNÁNDEZ‐SIMÓN TITO ASOREY BELEN DE SANTIAGO ANABEL MAURÍN Ayudante de dirección Ayudante de vestuario Ayudante atrezzo Maquilladora y peluquería Técnico de audiovisuales y maquinaria Técnico de iluminación Técnico iluminación rodaje Becarios Realización de escenografía Realización vestuario Fotografía Diseño gráfico Prensa Gestoría Distribución Una producción de Dirección de producción Reparto rodaje audiovisuales Brujas Soldados Niño JAVIER HERNÁNDEZ‐SIMÓN CARMEN MANCEBO ÁFRICA GARCÍA MAYTE BUJEDA IÑIGO LACASA TOMÁS EZQUERRA NUÑO PÉREZ ARANDA MARTA MOLEDO Y SERGIO HERAS CLEDIN‐ART, SFUMATO, UR TEATRO CORNEJO DAVID RUANO TATO SANTIAGO MARIA DÍAZ ABATE ECONOMISTAS CARMEN GARCÍA Y GRACIELA HUESCA UR TEATRO SUS DOMÍNGUEZ MERCEDES DEL CASTILLO Enrique Onetti , Carlos HernÁndez y Luis Miguel RodrÍguez SACHA TOMÉ CORO DE VOCES GRAVES DE MADRID presentación Una obra de siempre. Una de las más grandes tragedias de Shakespeareque nos proponemos servir al público de hoy con imaginación, rigor y compromiso. Una nueva mirada, necesariamente profunda, a la historia de este héroe convertido en villano que es Macbeth. Su periplo de ascensión y caída, guiado por una ambición desmedida, nos concierne. Macbeth, en su alocada carrera contra la incertidumbre que supone el vivir, no sólo se destruye a sí mismo y a cuanto le rodea, sino también, la ilusión que impulsa a la humanidad a ponerse en pié cada día, negociando con dignidad con nuestra vida mortal. Elegir ser un canalla puede parecer más rentable, desde un punto de vista práctico, que elegir ser honesto. Shakespeare nos abre una ventana a través de la que contemplamos cómo operan los mecanismos del mal y espera que saquemos nuestras propias conclusiones. La siempre poderosa palabra shakespeariana se alía, en esta ocasión, con composiciones de la ópera de Verdi del mismo título, interpretadas por el Coro de Voces Graves de Madrid y, con otros temas creados por el director musical del espectáculo; Iñaki Salvador, en un diálogo que contribuirá a dar cuenta del contraste de atmósferas, emociones y sentimientos que pueblan esta magnífica obra. Helena Pimenta escenografía y dirección audiovisuales La posibilidad de disponer de una herramienta virtual capaz de atrapar el movimiento y transformar grandes superficies hace más que nunca de la escenografía de este Macbeth un ejercicio de contención capaz de por lo menos intentar atrapar las temperaturas dramáticas y morales que subyacen en la obra, una síntesis de líneas, colores y energías que componen paisajes hipnóticos capaces de alimentar el texto de Shakespeare José Tomé projection mapping escenográfico El objetivo del video en este espectáculo es alcanzar la total integración con el lenguaje teatral. Es una combinación de los recursos clásicos y las nuevas tecnologías aplicadas a la escenografía. Se trata de conseguir profundidad, dinamismo y de recrear una estética capaz de transportarnos a otro tiempo. Juego de escalas y de la percepción por medio de la proyección en dos planos de profundidad y del uso de la gasa. Lo mundano y lo sobrenatural se integran en un mismo espacio, en el que la lucha entre lo nuevo, lo viejo, la vida y la muerte comparten un baile confuso al son de una misma partitura. El video es participativo y vive con los actores el mismo juego. Los límites entre lo real y lo ficticio son casi inexistentes, recreando el tormento del pensamiento de Macbeth. Éste es el mundo visto a través de sus ojos. Emilio Valenzuela y Eduardo Moreno. vestuario La Primera Guerra Mundial es un hito en Occidente en el cual convergen, terminan y nacen los ideales del hombre del XIX y del XX. El asegurarlo hasta La Segunda Guerra Mundial. El hombre individualizado del XIX muere inconcreto en las trincheras del XX. La indolente ralea victoriana yace en Ekaterinemburgo y Sarajevo y huye de Bucarest, Sofía, Atenas, Lisboa y Madrid. Worth sucumbe a Poiret y éste a Lanvin y éste a Vionet. Los soldados llevan sus guerreras primas de las de sus abuelos, portan bayoneta como ellos, picas como en las cruzadas y máscaras de gas como en una pesadilla futurible. 1914 es nostálgica y visionaria. Es Fortuny y Chanel a la vez. Un hombre moderno, republicano e idealista se topa de bruces con el mismo, su mortal enemigo. Alejandro Andujar Helena Pimenta versión y dirección Funda en 1987 la Compañía UR Teatro‐Antzerkia de la que es directora artística. Licenciada en Filología Inglesa y Francesa por la Universidad de Salamanca, se dedica profesionalmente desde 1986 a la Dirección de Escena donde ha recibido numerosos premios, entre otros, el Premio Nacional de Teatro 1993 con la compañía UR, Premios de la Asociación de Directores de Escena a la Mejor Dirección en 1996 (Romeo y Julieta) y en 1998 (Trabajos de amor perdidos), Premio del Jurado y de la Crítica al mejor Espectáculo del Festival Internacional de El Cairo 1993 (Sueño de una noche de verano) y Premio Lazarillo 2002 a la mejor trayectoria teatral. En 1978 funda la compañía ATELIER con la que dirige entre otras obras: El Avaro de Molière (1980), la Cantante Calva y la Lección de Ionesco (1981), Esperando a Godot de Samuel Beckett (1982). Escribe y dirige Cándido (1983), Dantería (1984), Procesados (1986) y Xespir (1987). En 1987 funda la compañía UR Teatro Antzerkia con la que dirige los siguientes espectáculos: Rémora (1988), Antihéroes (1991). En 1992 inicia una trilogía sobre las obras de William Shakespeare: Sueño de una noche de verano (1992), Romeo y Julieta (1995) y Trabajos de amor perdidos (1998); que la ha convertido en una de las especialistas sobre este autor, recibiendo hasta la fecha más de 20 premios nacionales e internacionales y el reconocimiento unánime de público y crítica. En 2001 dirige Sigue la tormenta de Enzo Cormann, en2002 Luces de Bohemia de R. Mª del Valle‐Inclán, en 2003 Sonámbulo de Alberti‐ Juan Mayorga. En 2004 vuelve a Shakespeare con La Tempestad y en el 2005 con Coriolano por encargo de Salamanca 2005 “Plaza Mayor de Europa” con motivo de la celebración del 250 aniversario de dicha plaza y en 2006 El chico de la última fila de Juan Mayorga. En 2007, en motivo de la celebración del 20 aniversario de UR teatro, dirige 2 caballeros de Verona de Shakespeare. En 2008, con motivo del festival “Ellas crean”, dirige la lectura dramatizada de Así que usted comprenderá de Claudio Magris, y con UR teatro dirige Cartas de amor a Stalin de Juan Mayorga. En 2009 reestrena Sueño de una noche de verano de Shakespeare, revisitando el galardonado montaje del año 92. Asimismo ha dirigido La Cabeza del Bautista de Valle Inclán en el Centro Dramático Gallego (1998), La llanura de Martín Recuerda en el Centro Andaluz de Teatro (1999), La comedia dels errors de William Shakespeare en el Teatro Nacional de Cataluña (2000), la parte escénica de La pasión según San Juan de Bach cantada por el Orfeón Donostiarra y producido por Quincena Musical 2000, La dama boba de Lope de Vega para la Compañía Nacional de Teatro Clásico (2002), Encuentro en Salamanca de Juan Mayorga, para el acto inaugural de la capitalidad cultural europea, Salamanca 2002, La entretenida de Cervantes para la Compañía Nacional de Teatro Clásico (2005), la zarzuela La Gran Vía de Chueca y Valverde para San Isidro 2006 y Macbeth de W. Shakespeare para SARABELA Teatro 2006, A filha rebelde de V. Cruz, Castanheira y Fonseca para el Teatro Nacional D. María de Lisboa (2006), La noche de San Juan de Lope de Vega para la Compañía Nacional de Teatro Clásico (2008). Además de su actividad como directora de escena; funda y dirige la Escuela de Teatro de Rentería (1987 – 1993), dirige la programación de la Sala Niessen de Rentería (1987‐1995). Imparte cursos, seminarios, clases y talleres de Interpretación, Dirección y Dramaturgia en foros nacionales e internacionales. Profesora de dirección escénica en la RESAD (2004 – 2005), Universidad de Santiago, Escuela de Teatro de Burgos, Centro Dramático de Aragón o la Escuela de Teatro de Barakaldo. Asimismo ha dirigido y realizado programas pedagógicos teatrales dirigidos a alumnos de Enseñanzas Medias, Escuelas de Teatro y Universidades. Ha sido miembro, entre otros, de los Jurados de los Premios Ciudad de San Sebastián, Calderón de la Barca, María Teresa León, Certamen Coreográfico de Madrid, Premio Nacional de Teatro y Premio Nacional de Literatura dramática. José Tomé Macbeth Socio fundador y miembro del equipo de dirección artística de la compañía UR teatro, donde realiza gran parte de su carrera como actor, labor que compagina con la de adjunto de dirección, escenógrafo y vestuarista dentro y fuera de la compañía. Como actor trabaja en los montajes de UR, todos ellos bajo la dirección de Helena Pimenta: “Rémora” (1988) en el papel de Corifeo, versión libre de Pentesilea de Kleist. Protagonista de “Antihéroes” (1991) de Helena Pimenta.Oberón en “Sueño de una noche de verano” (1992) de Wiliam Shakespeare. Mercucio en “Romeo y Julieta” (1995) de Wiliam Shakespeare. Beronwe en “Trabajos de amor perdidos” (1998) de Wiliam Shakespeare. Antonio en “La Tempestad” (2004) de Wiliam Shakespeare. “Coriolano” (2005) de Wiliam Shakespeare. Lanza en “2 caballeros de Verona” (2007) de William Shakespeare. Goldring en “Sigue la tormenta” (2001) de Enzo Corman. Max Estrella en “Luces de bohemia” (2002) de R. Mª del Valle ‐ Inclán. Alberti en “Sonámbulo” (2003) de Alberti‐Juan Mayorga. Rafael Artola en “El chico de la última fila” de Juan Mayorga Bulgakov en “Cartas de amor a Stalin” de Juan Mayorga. Para el Centro Dramático Nacional trabaja en “Los vivos y los muertos” (2000) de Ignacio García May y para la Compañía Nacional de Teatro Clásico en “Don Juan Tenorio” (2001) en el papel de Luis Mejía de Zorrilla, ambos dirigidos por Eduardo Vasco. En 2000 protagoniza la película “Las razones de mis amigos” dirigida por Gerardo Herrero y galardonada con el premio del público de la SEMINCI. Ha sido director pedagógico de la Escuela de Teatro de Rentería y profesor de voz, ortofonía e interpretación Pepa Pedroche Lady Macbeth Teatro Compañía Nacional de Teatro Clásico “El alcalde de Zalamea” Calderón de la Barca. D: Eduardo Vasco. “De cuándo acá nos vino” Lope de Vega. D: Rafael Rodrìguez. “Las manos blancas no ofenden” Calderón de la Barca. D: Eduardo Vasco. “Del rey abajo ninguno” Rojas Zorrilla.D: Laila Ripoll. “Don Gil de las calzas verdes” Tirso de Molina. D: Eduardo Vasco.“Amar después de la muerte” Calderón de la Barca. D: Eduardo Vasco. “La entretenida” Cervantes. D: Helena Pimenta. “La celosa de sí misma” Tirso de Molina. D:Luis Olmos. “Peribáñez y el comendador de Ocaña” Lope de Vega. D:J.L. Alonsode Santos “Dom Juan” Moliëre. D: Jean Pierre Miquel. Producciones Andrea D´Odorico. “Mañanas de Abril y Mayo” Calderón de la Barca. D: Miguel Narros. Zarzuela “La Gran Vía” F. Chueca y J. Valverde. D: Helena Pimenta. Televisión “Amar en tiempos revueltos” Serie. RTVE. D: Joan Noguera. “Casa de muñecas” Ibsen. Estudio 1. RTVE. D: Manuel Armán. Cine “Castillos de cartón” D: Salvador García Ruíz. “Los Borgia” D: Antonio Hernández. “Bienvenido a casa” D: David Trueba. “El laberinto del fauno” D: Guillermo del Toro. “El otro barrio” D: Salvador García Ruíz. Formación Licenciada en INTERPRETACION por la R.E.S.A.D. de Madrid. Titulada en PRODUCCION por la R.E.S.A.D. de Madrid. C.A.P. Facultad de Ciencias de la Educación. U.C.M. Interpretación teatral con: Helena Pimenta, Miguel Narros, Joäo Mota, Theodoro Terzopoulos, María Ruíz, Rubén Szuchmacher, Will Keen. Interpretación ante la cámara con: Luis Jimeno, Laura Cepeda, Mariano Barroso, Alex Bowen. Lenguaje, voz o canto con: Vicente Fuentes, Connie Philp, Patricia Kraus, Susana Rinaldi. Movimiento escénico y expresión plástica del actor con: Andrei Drosnin, Arkadi Nemirovski, María Muñoz, Arnold Taraborrelli, Ives Marc, Cleire Hägen, Ana Buitrago. Esgrima con Jesús Esperanza. Club de Esgrima de Madrid. Técnicas de clown con Eric de Bont. Flamenco con: Carmen Romero, Miguel Sandoval. Bailes de salón con Tony Escartín. Óscar Sánchez Zafra Duncan / Macduff Teatro 19:30 de Patxi Amezcua. Dir.: Adolfo Fernández y Ramón Ibarra (2010‐2011) MENTIRAS, INCIENSO Y MIRRA. Dir.: Juan Luis Iborra (2009) FUENTEOVEJUNA de Lope de Vega. Dir.: Laurence Boswell. Compañía Rakatá (2008‐2009) DON JUAN, PRÍNCIPE DE LAS TINIEBLAS de Josep Palau i Fabre. Dir.: Hermann Bonnin. Teatro Español (2008) EL PERRO DEL HORTELANO de Lope de Vega. Dir.: Laurence Boswell. Compañía Rakatá (2007) CÓMO SER LEONARDO de Julio Salvatierra. Dir.: Álvaro Lavín. Teatro Meridional (2006‐2007) JACQUES, EL FATALISTA de Julio Salvatierra. Dir.: Álvaro Lavín Martín. Teatro Meridional. Avilés (2005) CLOUN DEI. Teatro Meridional. Teatro Alfil. Madrid (2004) CYRANO. Dir.: Álvaro Lavín Martín. Adap.: Julio Salvatierra. Teatro Meridional. Festival de Teatro Clásico de Almagro (2002) MIGUEL HERNÁNDEZ de Julio Salvatierra. Dir.: Álvaro Lavín Martín. Teatro Meridional. Festival de Otoño. Madrid (2001) HISTORIAS DE AMOR PARA CRIATURAS de Julio Salvatierra. Dir.: Álvaro Lavín Martín. Teatralia (2001) QFWFQ de Italo Calvino. Dir.: Álvaro Lavín Martín. Adap.: Julio Salvatierra. Teatro Meridional. Festival de Teatro Iberoamericano de Cádiz (1999) MACBETH. Dir.: Miguel Seabra y Laila Ripol. Teatro Meridional, Producciones Cachivache, Micomicón. Festival de Otoño. Madrid (1997) Cine [REC]2. Dir.: Jaume Balagueró y Paco Plaza (2008). Protagonista EL PATIO DE MI CÁRCEL. Dir.: Belén Macías (2007) EL MUNDO ALREDEDOR. Dir.: Álex Calvo‐Sotelo (2005) Televisión LA REPÚBLICA. TVE (2010) EL PORVENIR ES LARGO. TVE (2008) QUERIDO MAESTRO. TELE 5 (1997‐1998) JavierHernández‐Simón Banquo / Médic Teatro 2010. Catástrofe. Dir: Guillermo Heras. Fray Alonso (Reparto) 2010. Ríanse del hipopótamo. Compañía 611teatro. Hugo Beckerman (Reparto) 2008. El hombre antes, durante y después. Dir: Celso Giménez. El Otro (Reparto) 2008. El color de la Justicia. Compañía Siglo XXI, enmarcado en el festival de escena contemporánea de Madrid. Juez (Reparto) 2008. Manifiesto. Dir Guillermo Heras. (Reparto) 2007. Soy Ulises… Estoy llegando, dirigida por Ainhoa Amestoy. Ulises (Protagonista). 2007. Cartas de amor a Stalin, dirigida por Álvaro Renedo. Bulgakov (Protagonista). Resad 2007. La noche veneciana, dirigida por Carlota Ferrer. Secretario (Secundario). 2006. La colonia penitenciaria, dirigida por Álvaro Renedo. Teniente (Protagonista). 2005. El poder de las noticias, dirigida por Sergio Artero. Periodista (Protagonista). 2003. Así que pasen cinco años, dirigida por Carlos Alonso. Criado y Jugador 2. Producida por Meditea Teatro 2001. Mañana Seremos, dirigida por Jon Koldo Vázquez. Él (protagonista). Producida por la compañía Claro de Luna 2001. Recuerdos en color, dirigida por Ricardo Padilla. Joven (protagonista). Producida por la compañía Claro de Luna 2000. Esperando a… Becket, dirigida por Juan Carrascoso. Varios personajes. 1999. Galopa mi corazón. Dirigida por Carlos Baiges. Uno (secundario). 1998. La comedia sin título, dirigida por Carlos Baiges. Criado y Espectador 2. 1997. Arlequino, servidor de dos amos. Dirigida por Carlos Panera. Florindo Aretusi Secundario). Producida por la compañía Behekoa Cine 2005. Encuentros, dirigido por Javier Villamor. Daniel Iriarte (protagonista)Producida por Ciclope 2000. Sabotage, dirigido por los hermanos Ibarretxe. Figuración especial. Producida por Ibarretxe and bross Premio “Jose Luis Alonso” al mejor director joven en 2009. Otorgado por la Asociación de directores de escena de España Tito Asorey Ross / Asesino Teatro 2010 O incerto señor Don Hamlet, Príncipe de Dinamarca de Álvaro Cunqueiro. Dir: Ánxeles Cuña. Konrad, de Christine Nöstlinger. Dir: Ánxeles Cuña 2009 A esmorga de Eduardo Blanco Amor. Dir: Ánxeles Cuña. 2008 O Asombro da auga de Fina Calleja. Dir: Sabela Gago. Dame veleno de Ánxeles Cuña. Dir: Ánxeles Cuña Cósima, de Chris Baldwin. Dir: Ánxeles Cuña. 2007Margar no pazo do tempo de Ánxeles Cuña. Dir: Ánxeles Cuña. Cristovo e o libro das marabillas de Fina Calleja. Dir: Fina Calleja. 2006 Macbeth de William Shakespeare. Dir: Helena Pimenta. 2005 O Heroe de Manuel Rivas. Dir: Ánxeles Cuña. 2004 A Gata con botas de Ánxeles Cuña. Dir: Ánxeles Cuña Rolda de caricias de Sergi Belbel. Dir: Ánxeles Cuña. 2003 Así que pasen cinco años de Federico G. Lorca. Dir: Ánxeles Cuña. 2002 A Conxura dos necios de John Kennedy Toole. Dir: Ánxeles Cuña 2001 Sexismunda, adaptación de “La Vida es Sueño”, de Pedro Calderón de la Barca. Dir: Ánxeles Cuña. A illa amárela de Paloma Pedrero. Dir: Ánxeles Cuña. 2000O lapis do carpinteiro de Manuel Rivas. Dir: Ánxeles Cuña. A Ponte dos tempos de Begoña Muñoz. Dir: Fernando Dacosta y Suso Díaz Trivesía Máxica de Begoña Muñoz. Dir: Fernando Dacosta y Suso Díaz. 1999 Tres pontes, tres tempos de B Anabel Maurín Lady Macduff / Enfermera Teatro 2010. “El Tren de los Heridos”. Algarabía Teatro. DIr: Borja Rodriguez “El Invierno bajo la mesa”.Cia, Cordoba El Mercado. Dir: Paco Piñero. 2009. “La Hija del Aire. Parte I”. Alma Viva Teatro. Dir:César Barló.(Semíramis) 2008. “Los Enredos de Scapin”. Algarabía Teatro. Dir: Isidro Rodríguez. Estreno: XXXI Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro“ El médico de su honra”. Algarabía Teatro. Dir: Isidro Rodríguez “El Misántropo”. Algarabía Teatro. Dir: Isidro Rodríguez. 2007. “Mujeres de ácidas secreciones” Cia. Giro Po‐ético. Dir: Cecilia Perez 2006‐07. “Yerma”. Cia. Titular Karpas. Dir: Manuel Carcedo. (Yerma) “Los Trotacuentos y los lagartos de Federico”.Cia. Chiquikarpas. “Lughnasa”. Cia. Encina Teatro. Dir: Paco Saenz. ( Agnes. Secundario) 2005. “La Celestina”. Cia. Titular Karpas. Dir: Manuel Carcedo. (Lucrecia) 2005‐07. “La casa de Bernarda Alba”. Cia.Teatro Joven Karpas. Dir: J. Manuel Pardo. 2003‐04. “¡Qué ruina de familia!”. Cia de Comedias. Dir: Paco Piñero (Comedia del Arte) 2002. “Usted tiene ojos de mujer fatal” . Dir: Ángel Baena.(Adelaida) 2001. “El Embrujado” de Valle Inclán. Dir: Rosa Martín.(La Galana) 2000. Monólogo “Historia con Berta”. Dir: Paco Piñero .(Berta) 1997. “Cuentos para despertar” de Miguel Cobaleda. Cia. Alquimia Teatro 1996. “Faraudas”.Cia. Alquimia Teatro. Dir:Roberto Martín.(Farauda ciega) 1995. “Las Troyanas” Cia. Alquimia Teatro. Dir: Roberto Martín (Corifeo) Belén de Santiago Malcolm Teatro 2010 El cumpleaños del abuelo – dirección Björn Lesse 2010 Bon appétit (Set menu) ‐ dirección Milagro Lalli 2010 La cuenta, por favor – dirección Fernando J Molina –Cía. Chiscón Teatro 2009 Sueño de una noche de verano dirección Alejandro Hernández – Cía Zaragata 2009 Los clowns de Chao do Prao – dirección Paco González 2009 La cocina de Arnold Wesker – dirección Gustavo del Río 2008 Menú del día – dramaturgia Alejandro Hernández; dirección Gustavo del Río 2008 Pinter Party – dirección Alfredo Sanzol 2007 Bastardo ‐ dirección Griselda Ramos 2006‐07 Poesidacción y Grita: Tengo Sida – acción teatral ‐ dirección Adolfo Simón 2006 Otros entremeses de Cervantes – dirección Domingo Ortega 2005 Er DeQu, versión a partir de El Quijote ‐ dirección Domingo Ortega 2004 La Cabeza del Dragón de Valle‐Inclán ‐ dirección Domingo Ortega 2003 Si yo fuera pianista ‐ dirección Domingo Ortega 2003 Unos entremeses de Cervantes ‐ dirección Domingo Ortega 2003 El maestro de danzar – dirección Domingo Ortega 2002 Don Juan Tenorio de J. Zorrilla. Fragmento ‐ dirección Domingo Ortega Música callada, la vida rima Viernes 15 de julio de 2011 La música callada, la soledad sonora… Un espacio sonoro, no escénico, no visual. Combinaciones de notas, armonías, silencios y también rumores, murmullos, susurros y ecos y sobre todo ideas, imágenes sugeridas, palabras, la palabra…. lo constituirían. Las manos de Rosa, las teclas del piano, el propio piano y la cara y boca de Ana, su cuerpo, su voz. Lo palpable. Un intento de crear un mundo impalpable que trate de alcanzar el interior menos manipulable del espectador. Sorprender, provocar extrañamiento, inquietud y sosiego, evocación, abstracción… en def initiva sensaciones que exijan un esfuerzo de nuestra imaginación y la necesidad de que nosotros espectadores seamos los creadores de nuestras propias imágenes y particulares escenografías. Creadores de emociones y hacedores de su análisis posterior. Mozart, Juan de la Cruz, Mompou, Cernuda, Alberti o Chopin entre otros muchos otros, penetran nuestros oídos placidamente, sin presiones y sin tiempo… Engranados en un hilo invisible y poético, como no podía ser menos, de Luis García Montero. Interpretado por Rosa Torres‐Pardo y Ana Belén. Sin calif icativos. José Carlos Plaza Ana Belén, voz Rosa Torres‐Pardo, piano Luís García Montero, guión José Carlos Plaza, dirección escénica Luis Cernuda, Reflexiones sobre la música Fantasía en Do menor ‐ W. A. Mozart San Juan de la Cruz, Cántico, La noche oscura Música Callada ‐ F. Mompou (vol 1, nº 1 y 9) Rafael Alberti, La Paloma ¿Se equivocó la Paloma? ‐ C. Guastavino R.Alberti, Retornos de Chopin a través de unas manos ya idas Nocturno en Fa menor ‐ F. Chopin Nana ‐ Federico Garcia Lorca / Nana‐ Antón García Abril Tango‐ I. Stravinsky / Tango ‐ Youkali ‐ K.Weill Luis García Montero, El Sur Tango ‐ Isaac Albéniz L. García Montero, Lavapiés Lavapiés ‐ I. Albéniz Jaime Gil de Biedma, Elegía y recuerdo de la canción francesa Gershwin‐preludio nº 2 Les Feuilles Mortes ‐ Ives Montand Tristesse ‐ Gabriel Fauré Fantasía op 80 en Do menor ‐ L. V. Beethoven José Hierro, Beethoven ante el televisor Romeo y Julieta ‐ Prokovieff / Petruchka‐Stravinsky (extractos) Danza rumana y Allegro Bárbaro ‐ Bela Bartok (Adaptaciones musicales por Rosa Torres‐Pardo) El BRUJO presenta Mujeres de Shakespeare (Recomendado para el fomento de la igualdad de género) Con Rafael Álvarez como actor solista Viernes 22 de julio De Shakespeare se ha dicho todo. Pero como ya se sabe, Shakespeare se sale. Reserva siempre algún descubrimiento nuevo para el oído atento y curioso de sutilezas. En la exploración del sentido y el juego de su sonido, esta es mi primera comunión. He seguido el rastro de un pontífice de la “bardolatría”, tal vez uno de los pocos vivos todavía hoy. Un sabio que dedicó su vida al estudio de la obra de Shakespeare; el crítico norteamericano Harold Bloom, autor de un libro imprescindible sobre el universo Shakespeare: “La invención de lo humano”. Yo quería hacer un espectáculo diferente, pero estando de vacaciones en el Caribe me salieron al paso las mujeres de Shakespeare. Me prendé de Rosalinda (Como gustéis) de su ingenio triunfante, de su luz y de sus respuestas. De Catalina (La fiera domada), de Beatriz (Mucho ruido y pocas nueces) y de Julieta, tan sublime que te hace sentir culpable de albergar cualquier sentimiento de ironía (por la edad, se entiende) o de escepticismo frente a la inocente plenitud absoluta del amor romántico. En fin, las amo. Y pienso que no es difícil amarlas si se las conoce. También amó Shakespeare la belleza oscura de su enigmática Dama de los sonetos. ¿Quién era? Desde el Caribe se agrandan los ecos de ese viejo misterio que, parece ser, convirtió a Shakespeare en una autoridad mundial en temas de cuernos. Pero el genio no tiene sexo. Shakespeare exploró la conciencia femenina a sabiendas de su mayor sabiduría, perspicacia y sentido de la realidad, frente al instinto elemental, básico y simplón del macho narcisista. En esta era de cambio de paradigma ‐y a ver si ya viene de verdad de una vez el cambio‐ esta reflexión es interesante. Patriarcal, ambivalente, homosexual, bisexual, feminista o femenino, Shakespeare no es fácil de atrapar. Con todas ellas ‐de las mujeres víctimas de tragedia, sólo Julieta las representa‐ espero jugar, gozar y reír en las fauces del fin de una época. Saludos a la que viene: Ellas. Ya se levanta…..¡El Telón! Rafael Álvarez Cuadro Artístico Fotografía Pilar Gallar Diseño Gráfico Trébol Propuesta Gráfica Regidor Juan Bastida Realización de Atrezzo Alicia Lozano Realización de Vestuario Talleres Moustellier Director Musical Javier Alejano Música original compuesta por Javier Alejano Realización Escenográfica Antigüedades Burgebrach Diseño de Iluminación Miguel Ángel Camacho Escenografía Roberto García Asesoría Literaria Richard Michael Dirección Rafael Álvarez Equipo Directora de Producción Herminia Pascual Jefe Técnico Oskar Adiego Distribución Gestión y Producción Bakty, S.L.
Cambio de Tercio Coreografía, Dirección Artística e Idea Original: Rojas & Rodríguez Miércoles 27 de julio EL ESPECTÁCULO Cambio de Tercio es el nuevo espectáculo creado por los coreógrafos y directores Rojas y Rodríguez que construye desde su inicio, una escalera de energía en la que el elenco de cuatro bailarinas junto con los directores de la compañía se van desarrollando y madurando a lo largo de tres piezas diferenciadas. Un mundo coreográfico que nace de dentro de las almas de las bailarinas y de las de sus creadores Rojas y Rodríguez con la intención de sincerarse y mostrarse ante el público con toda la pureza e intensidad que sólo puede provocar la magia del flamenco en el escenario. Con Cambio de Tercio, Rojas y Rodríguez recuperan esa forma de coreografiar tan suya y especial con la que han conquistado al público, tanto dentro como fuera de nuestras fronteras, haciendo disfrutar al espectador de un estilo clásico español y flamenco mucho más innovador y maduro de lo que se pueda esperar. Se trata de un viaje a través de la tradición y la renovación constante de un estilo aplaudido y alabado en los cinco continentes. El espectáculo consta de diez cuadros escénicos de diferente duración en los que se nos presenta la figura del bailarín como materia que se transforma y se viste para cada baile y cada pieza. Los coreógrafos nos invitan así a un juego de variedad y cambios de tercio, cambios de estilo, cambios de vestuario y de palos de flamenco, dándole así poder escénico y visual a cada representación. En Cambio de Tercio se bailarán: CANTIÑAS, SEVILLANAS, FANDANGOS, RUMBAS, BAMBERAS, BULERIAS, TANGUILLOS y SEGUIDILLAS (bailadas con 4 espectaculares batas de cola y mantones). Rojas y Rodríguez y sus 4 bailarinas junto con 6 músicos en directo, regresan con el que ellos consideran su mejor espectáculo juntos. A nivel coreográfico no faltarán los habituales solos, dúos y números de grupo trepidantes y característicos de Rojas y Rodríguez. Uno de los grandes aspectos innovadores de esta producción será la participación activa de los músicos, que interactuarán en escena con el elenco de bailarines durante las coreografías. La vistosidad en este espectáculo está garantizada y la selección cuidada de un vestuario y una iluminación diseñados exclusivamente para esta ocasión. Cambio de Tercio es la oportunidad que las bailarinas más talentosas de la compañía fundada por Rojas y Rodríguez han esperado durante años, es el descubrimiento de cuatro nuevas bailarinas solistas. En el espectáculo podrán nutrir su foco transmisor de sentimientos, dándoles así la posibilidad de abarcar nuevas dimensiones en el estilo dancístico propio de cada uno ya que Cambio de Tercio nos regala la posibilidad de disfrutar de un elenco arriesgado y maduro, entregado al espectáculo desde su primera pieza hasta el último compás. El diseño de iluminación correrá a cargo de David Pérez, mientras que el vestuario será diseñado por Vicente Soler y Carlos Rodríguez. FICHA ARTÍSTICA Coreografía, Dirección Artística e Idea Original: Rojas & Rodríguez Artistas Principales: Rojas y Rodríguez Bailarinas: María López Pilar González Cristina de Vega Raquel Tamarit Músicos: Daniel Jurado (Guitarra) Gaspar Rodríguez (Guitarra) Thomas Potiron (Violín) Enrique Terrón (Percusión) Caridad Jaén (Cante) Sandra Carrasco (Cante) Composición Musical: Gaspar Rodríguez Daniel Jurado Thomas Potiron Enrique Terrón MEMORIA La compañía Nuevo Ballet Español nace en 1995 a partir del encuentro de dos jóvenes bailarines madrileños con larga experiencia sobre los escenarios: Ángel Rojas & Carlos Rodríguez. Ambos debutan como profesionales tras formarse con maestros de excepción como José Granero, Luisillo y Rafael Aguilar. Coinciden sus destinos cuando en 1994, reciben el Premio al Mejor Bailarín Sobresaliente del Certamen Nacional de Coreografía, entrando a formar parte, como solistas, de la compañía de José Antonio Ruiz, los Ballets Españoles. Rojas & Rodríguez desarrollan su pasión e inmenso talento, experimentando nuevas formas del flamenco en la creación e interpretación de los espectáculos que la Compañía Nuevo Ballet Español estrena. El espaldarazo internacional les llega gracias a Flamenco Directo en 1998, una original propuesta que recorre el flamenco tradicional bajo una concepción moderna. Ambos producen, dirigen y coreografían con éxito y amplia repercusión internacional, un espectáculo anual, logrando el equilibrado punto de encuentro que consigue fusionar sus distintas formas de bailar. A lo largo de 12 años de trayectoria han llevado a escena lo clásico y lo contemporáneo, farrucas, fandangos, alegrías, músicos en directo, vaqueros y batas de cola, sin permitir nunca que el flamenco se diluya: han creado originales espectáculos como Gallo de Pelea, NBE x 5 y Furia en el año 2000, año en que la compañía es galardonada con el Premio UP de la Danza, a la Mejor Compañía de Danza Española y Flamenco. En el año 2001, la compañía realiza un programa para la televisión pública norteamericana (PBS‐Public Broadcasting Station) con una selección de sus mejores coreografías, aumentando la compañía hasta 24 bailarines y 13 músicos. El programa fue emitido durante los meses de febrero y marzo de 2002, bajo el nombre de “FURY”, en más de 18 ciudades americanas, entre ellas Nueva York, Miami, Boston, Chicago y Filadelfia. Ese mismo año son finalistas en el Festival de Televisión de Montecarlo. Romeo y Julieta destaca a nivel nacional e internacional en el año 2003, una obra de danza‐teatro que conjuga varios estilos y afianza a ambos creadores en su particular manera de entender el flamenco y la danza española. La compañía Nuevo Ballet Español recorre medio mundo, hasta que en el 2004, Rojas & Rodríguez coreografían el musical Don Juan, de producción franco‐canadiense, recibiendo el Premio al Mejor Espectáculo Musical de Año. Posteriormente hunden sus apasionadas raíces en Tierra, un espectáculo que reivindica la necesidad imperiosa de conseguir un mundo mejor. La creatividad de estos dos excepcionales coreógrafos crece en sus personales interpretaciones, brindadas con entrega y elegancia. En el 2006 se estrena el espectáculo El Alma, un compendio de algunas de sus mejores producciones, donde se funden estilos en su deslumbrante manera de interpretar el flamenco Durante el 2007 reciben el encargo de realizar su primera coreografía para el Ballet Nacional de España, Dualia con música original de José Nieto y estrenada en el Teatro de la Zarzuela durante el mes de marzo, donde Rojas & Rodríguez intervienen como artistas invitados en los papeles principales. Una vez más esta coreografía recibe una gran acogida por parte de la crítica y del público, demostrando de nuevo lacalidad, belleza y sintonía de Rojas & Rodríguez a la hora de coreografiar. En 2006 se les otorgó el Premio de Cultura 2006 de la Comunidad de Madrid, en la categoría de Danza, lo que supone un gran reconocimiento al esfuerzo mantenido desde el inicio de sus carreras hasta la actualidad. Desde finales de 2006, la compañía Rojas & Rodríguez, Nuevo Ballet Español es Compañía Residente de la ciudad de Móstoles. En el año 2007, se les otorga el Premio Ciudad de Móstoles 2007 a la Difusión del Municipio. En Mayo de 2008, la Comunidad de Madrid encarga a la compañía un espectáculo para conmemorar el Bicentenario de la Guerra de Independencia llamado Baile de Máscaras, una mezcla de danza‐flamenco y teatro, con variedad de músicos en directo y un elenco de 12 bailarines. El estreno de su último espectáculo Sangre, se realizó en Madrid en Febrero de 2008 y desde entonces ha visitado países como Holanda, Bélgica, Portugal, Chipre, Inglaterra (3 semanas en Londres), Macao (China), Alemania (Dusseldorf, Berlin), Francia, Portugal, Grecia, Rusia, Letonia, Polonia, República Checa, Italia, Finlandia y Méjico entre otros… La compañía Rojas & Rodríguez, Nuevo Ballet Español tiene una gran vocación internacional y ello lo demuestra la trayectoria de todos sus espectáculos durante todos estos años. En Octubre de 2009 estrenaron su última producción llamada Cambio de Tercio De Fuente Ovejuna a Ciudad Juárez a partir de Fuente Ovejuna de Lope de Vega 1. THE CROSS BORDER PROJECT, NUEVA YORK 2. Martes 19 de julio The Cross Border Project es una compañía que nace en Nueva York que emplea el teatro como herramienta educativa y de cambio social. Tiene como objetivos de configuración que sus miembros: ‐ sean de distintas nacionalidades, ‐ hablen distintas lenguas. Como objetivos de creación pretende: ‐ tratar a través de sus espectáculos temas de relevancia social y política; ‐ crear sus espectáculos como base de un proyecto pedagógico vinculado a una comunidad; ‐ desarrollar la interrelación entre el espectáculo teatral y otras disciplinas como las artes plásticasy la fotografía; y ‐ fomentar proyectos bilingües. El nombre The Cross Border Project (El Proyecto que Cruza Fronteras) engloba el objetivo del equipo que nace con la vocación de cruzar países y lenguas. De Fuente Ovejuna a Ciudad Juárez es el primer montaje que realiza donde se ha hecho posible la idea de cruzar fronteras, culturas y tiempos históricos. El espectáculo se estrenó el 3 de diciembre de 2010 en el Thalia SpanisTheater de Nueva York, y cuenta con el apoyo del Consulado de España en Nueva York. El proyecto de The Cross Border Project se sitúa a medio camino entre el teatro social, elteatro comunitario y la investigación de nuevos lenguajes escénicos. La compañía cuenta con miembros de doce nacionalidades distintas. Jóvenes profesionales de Argentina, Bélgica, Chipre, Colombia, Ecuador, España, Estados Unidos, Francia, México, Perú, Puerto Rico y República Dominicana. EL ESPECTÁCULO: DE FUENTE OVEJUNA A CIUDAD JUÁREZ “Some boys take a beautiful girl and hide her away from the rest of the world. I wanna be the one who walk in the sun” Girls just wanna have fun. Cindy Lauper « Ciudad Juárez, en México está considerada en la actualidad la ciudad más peligrosa del mundo. Enfrente, está El Paso, la ciudad más segura de Estados Unidos. Las separa una frontera, un border fundamental para las políticas económicas de ambos países, un border por el que lo mexicanos traspasan de manos de los coyotes a los Estados Unidos y un border que es la puerta de la droga. Desde 1993 han desaparecido más de 3000 mujeres en Ciudad Juárez, fenómeno conocido como feminicidio. La mayoría son trabajadoras de maquiladora, las fábricas que pueblan el estado de Chihuahua. Llegan allí de todo México en busca de trabajo. En este contexto se pone en escena nuestro Fuente Ovejuna. Me preguntaba por Laurencia, dónde la situaría si existiera ahora, adónde mi voz de mujer del XXI tendría que ir a levantar a las mujeres y hombres de la villa y hacer justicia a la contemporaneidad de Lope. Y la respuesta fue clara: a Ciudad Juárez. Su peligrosidad, las maquilas, la desaparición de mujeres y las actuales huidas de sus ciudadanos hacen de Ciudad Juárez una escandalosa Fuente Ovejuna. FuenteOvejuna simboliza para mí no sólo el reconocimiento de la voz femenina frente a la opresión, sino la asimilación de la culpa colectiva, del drama social que es saber y callar. Por eso en nuestra versión las labradoras lopescas se convierten en maquiladoras, los músicos son tres mariachis con los que el público bebe tequila durante la boda de Frondoso y Laurencia y el Comendador es un narco sin escrúpulos. La figura de los monarcas se sustituye por la voz atronadora de Felipe Calderón, presidente de México, que actúa como deux ex machina que todo lo ve y también todo lo calla. El origen racial, el lenguaje y la representación del cuerpo de la mujer son elementos que no hubieran sido tan valorados si el montaje se hubiera realizado originalmente en España, pero el contexto de Nueva York y especialmente la influencia de la Pedagogía Crítica y los estudios de género en la que se enmarcan mis estudios teatrales en Estados Unidos me han hecho prestarle especial atención. No es sólo un montaje teatral, es la representación de una comunidad real, la mexicana y la chicana, cuya voz hay que respetar. He tomado conciencia de mi blancura y europeización siendo fundamentales las reflexiones de artistas de Juárez y El Paso. Como “girls just wanna have fun”, he trabajado también con un equipo de mujeres de Europa y las Américas que me han ayudado a que el dolor de Juárez se convirtiera en el dolor de todas. De Fuente Ovejuna a Ciudad Juárez es mi primer montaje profesional y he querido para ello contar con un equipo de profesionales tan jóvenes como yo. Pretendiendo crear un proyecto donde lo pedagógico vaya de la mano de lo teatral. Porque no sólo los niños aprenden. No he pisado Juárez. No sé cuál es la solución para el problema de la violencia en México; no puedo resolverlo con una obra de teatro, y no digo que las mujeres de Juárez deban levantarse enarmas. Pero puedo, a través de la ficción, transformar una realidad que no me gusta, hacervisible una guerra que omitimos. Dar a conocer una realidad desconocida. Para que un día puedavisitar Juárez y pasear sin miedo. Para que un día podamos pasear por Ciudad Juárez sin miedo.» Lucía Rodríguez Miranda, directora 3. SOBRE LA ADAPTACIÓN DEL TEXTO « De los conflictos que plantea Lope en Fuente Ovejuna, el que más nos interesa hoy es la rebelión del pueblo ante los abusos del tirano. El ímpetu de Frondoso, la cobardía de Esteban y la indignación de Laurencia son atemporales, pero no sucede lo mismo con la trama secundaria que pone en escena la lucha de poder entre la monarquía y las órdenes militares en la Castilla del sigloXV. Por eso Lorca prescindió de los Reyes Católicos en su versión para La Barraca, y nosotros, siguiendo a Federico, también, pero en su lugar hemos querido ceder la palabra a nuestros “monarcas” actuales, responsables y cómplices de las injusticias de los tiranos contemporáneos, estableciendo un nuevo marco histórico para la acción principal a través de técnicas del Teatro del Oprimido, como el Teatro Periódico. Porque por desgracia aún hoy siguen existiendo muchas Fuente Ovejunas, y el caso de Ciudad Juárez es quizá el ejemplo más claro. Respetando escrupulosamente la métrica, en esta versión hemos minimizado el sabor rural y el localismo del drama con el fin de ganar en universalidad. La ambientación mexicana aparece de manera sutil en el libreto que manejamos, porque hemos preferido dejar que sea la puesta en escena la que nos traslade a ese territorio de frontera. En el viaje de Andalucía a Chihuahua las encinas se han transformado en sábilas y los estoques en revólveres, y por el camino la nómina de personajes se ha reducido a ocho. Los textos se han redistribuido para crear un drama coral, más de acuerdo con el espíritu de la obra que con la estructura jerárquica de las compañías de título del Siglo de Oro. Finalmente, en esta relocalización Mengo, el gracioso, se ha convertido en un niño. En sintonía con el equipo de dirección, con esta dramaturgia buscamos devolverle al mensaje de la obra de Lope todo su poder de comunicación con un público que ya no es el de los corrales del Madrid barroco, sino el ciudadano del mundo globalizado del siglo XXI.» Sergio Adillo, adaptador del texto CONCEPCIÓN ARTÍSTICA Nuestro espectáculo está concebido a partir de la técnica de Teatro del Oprimido de Augusto Boal, siguiendo de cerca los pasos que trazó el propio Boal al montar su Hamlet para la Royal Shakespeare Company. Partimos, pues, de la contraposición entre oprimido y opresor, y durante el proceso de ensayo hemos usado sus juegos para el análisis y la construcción de lospersonajes y los signos escénicos. El espacio se construye bajo un cielo de zapatos, los de la maquila zapatera imaginaria en la que trabajan los personajes de nuestro pueblo, los mismos zapatos de las fotografías de los cuerpo de las mujeres asesinadas en Juárez, y tres bancos de madera que se irán colocando en distintas posiciones a fin de recrear los distintos lugares en que transcurre la acción. Para el vestuario presentamos a los personajes con una indumentaria del México contemporáneo. Laurencia, Pascuala y Jacinta van ataviadas con el peto de trabajo, pero en la tercera jornada preparan su venganza vistiéndose como las adelitas de la revolución, en su papel de amazonas del siglo XXI. Para la música contamos con tres mariachis, Flor de Toloache, la única formación de mariachi femenino de Nueva York, que aprovechan los intermedios musicales de la obra de Lope para trasladarnos a México con narcocorridos como Está de parranda el jefe, boleros como Historia de 8 un amor, rancheras como El rey o El aventurero y sones istmeños como La Llorona. También versionarán un tema de hip hop contemporáneo compuesto por las juarenses Batallones femeninos que sonará durante la escena del levantamiento del pueblo contra el tirano. 6. EQUIPO es una coproducción del Thalia Spanish Theatre y The Cross Border Project con el apoyo del Consulado de España en Nueva York dirigida por Lucía Rodríguez Miranda producida por Ángel Gil Orrios y Lucía Rodríguez Miranda en una adaptación de Sergio Adillo a partir de Fuente Ovejuna de Lope de Vega Reparto Maria Parra Peyramaure como Jacinta, Melinna Bobadilla y Victoria Tapias Guzmán como Pascuala, Maria‐Itzel Siegrist como Laurencia, Anthony Cotto como Frondoso, Laura Santos Álvarez como Mengo, Andrés Martínez como Flores, Sergio Adillo como Comendador y la colaboración especial de Franco Galecio como Esteban Música en directo: Mariachi Flor de Toloache Dirección musical, voz y violín: Mireya Ramos Guitarra y voz: Shae Fiol Trompeta: Julie Acosta Equipo artístico Fabricio Saquicela: Diseño de luces Déborah Gros: Espacio sonoro Lucía Cuba: Diseño de vestuario Ronald J.Hoffman: Realización de vestuario Mario Bermúdez Gil: Coreografía Valentina Riccardi y Eva Filgueira: Fotografías Pedro Ultreras: Fotografías y vídeo Abraham Velázquez: Diseño gráfico Equipo pedagógico Álex Santiago‐Jirau: Profesor de Teatro del Oprimido Amos Marguiles: Profesor de lucha escénica Lucía Rodríguez Miranda, directora (España) Lucía Rodríguez Miranda es gestora y educadora. Acaba de graduarse del Máster en Teatro y Educación en la New Cork University gracias a una Beca Fulbright del Ministerio de Cultura y se incorpora como gestora a la UNESCO, París, dentro del equipo de la Delegación de España del Ministerio de Asuntos Exteriores. Ha realizado su Licenciatura en la Universidad Carlos III (Madrid) y en La Sorbonne (París) y ha cursado un Máster en Gestión de Artes Escénicas en el ICCMU‐Universidad Complutense. Como gestora ha trabajado cuatro años en la producción y comunicación del Festival de Teatro Clásico de Almagro. También ha colaborado en la creación de Unitínere, festival de teatro itinerante de la Universidad Carlos III que recupera la idea de La Barraca lorquiana, organizando talleres y representaciones en pequeñas poblaciones. Como educadora ha coordinado talleres teatrales con niños y discapacitados en colegios de Madrid, Nueva York y San Francisco y ha dirigido La cabeza del dragón de Valle‐Inclán y La doncella, el marinero y el estudiante de García Lorca concebidos como proyectos para aprender español a través del teatro en las universidades de Vassar College y New York University. En el último año ha sido voluntaria del programa Rehabilitation Through the Arts en el centro penitenciario de Woodburne, Nueva York, donde ha enseñado teatro para cambio social, ha presentado tres conferencias sobre la relación entre la educación y el teatro en Austin, San Francisco y Nueva York, habiendo sido también ayudante de producción de la histórica compañía de Luis Valdez, Teatro Campesino, en California. De Fuente Ovejuna a Ciudad Juárez es el primer proyecto que firma como directora profesional Sergio Adillo, adaptador y actor (España) Sergio Adillo combina su carrera como actor con su trabajo como investigador en el ámbito de la literatura y las artes escénicas. A lo largo de su trayectoria ha alternado su formación de Arte Dramático en el Laboratorio Teatral William Layton de Madrid, la Accademia Teatrale de Venecia y el Michael Chekhov Acting Studio de Nueva York con los estudios de Licenciatura, Máster y Doctorado en Filología Hispánica en las universidades de Extremadura, Barcelona y Montpellier (Francia), y actualmente trabaja como investigador para el Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC), donde realiza su tesis doctoral sobre la puesta en escena contemporánea del teatro barroco español bajo la dirección de Luciano García Lorenzo. Ha difundido parte de los resultados de su trabajo en simposios y congresos organizados por las universidades de Salamanca, Alcalá, Barcelona y Nueva York, y en las jornadas celebradas en torno a los festivales de Olmedo y El Paso (Texas). Por sus conocimientos de métrica, historia de la lengua y literatura del Siglo de Oro ha realizado versiones de obras como El burlador de Sevilla y La vida es sueño para programas pedagógicos, a las que se viene a añadir la dramaturgia De Fuente Ovejuna a Ciudad Juárez basada en la obra de Lope para este espectáculo.