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EL PAÍS, jueves 10 de junio de 2010
| talentos | diseño | moda | estilos | gastronomía |
Fecha:
10/06/2010
vida & artes 43
Sección: TENDENCIAS
Páginas: 43
tendencias
Así veremos cine
(de forma legal)
Las webs de películas de pago
por Internet aumentan su oferta
JORDI MINGUELL
Madrid
Aviso a navegantes. Si quiere ver
cine en Internet, no hace falta descargárselo de forma ilegal y gratuita. NetFlix, Hulu o Mubi tal vez
suenen a chino a los usuarios acostumbrados a la descarga de películas vía Torrent, pero desde hace
unos años estos portales confían
en que el futuro del cine pasa por
caja y por Internet. En España, Filmin.es acaba de rediseñar tanto su
forma como su contenido con la
intención de posicionarse en un
mercado cada vez más competitivo. Filmotech.com o Adnstream.
com, por ejemplo, ofrecen también a sus usuarios la posibilidad
de ver cine cuando quieran, previo
pago, y donde quieran, ya sea a través de portátiles o telefonía móvil.
Promocionada como “el Spotify del cine independiente”, Filmin
fue creada hace dos años con la
intención de mostrar su catálogo
de cine independiente en streaming, es decir, con un reproductor que permite su visionado pero
no su descarga. Entre sus hitos
figuran ofrecer en España la pri-
mera película en streaming de alta definición (Anticristo, de Lars
von Trier) y realizar en nuestro
país el primer estreno en Internet
antes que en salas (Estigmas, de
Adán Aliaga). En su reciente
rediseño, el portal ofrece la posibilidad de buscar películas por género, pero también por estado de
ánimo. O pagar una tarifa plana y
disfrutar de su catálogo de 300
películas a voluntad y en alta definición. “Ante el fenómeno de las
descargas ilegales solo podemos
ofrecer calidad y valor añadido”,
comenta Jaume Ripoll, responsable de la web.
Una posición compartida por
Raúl Sánchez, director de Negocio de Filmotech.com, que ve también cómo la cultura de la gratuidad y la falta de un marco legal
eficiente hacen que su plataforma vea limitado su impacto en la
cinefilia española. Aunque con
matices. Gonzalo Martín, consultor de nuevos medios y responsable de uno de los blogs referencia
del sector, habla de otros factores.
“Lo ideal sería tener una plataforma en la que se pueda ver la última de Tom Cruise con una pelícu-
Fotograma de la película Estigmas, que se estrenó en Filmin antes que en salas.
Portada del portal de distribución de películas Filmin.
la de autor y una serie de televisión. Pero eso no existe. Y después está el tema del mercado potencial. No es lo mismo vender a
la cinefilia americana que a la española. Ya sea solo por número
de clientes potenciales”.
Mientras tanto, Mubi.com,
antes conocida como TheAuteurs.com, ha anunciado en el
Festival de Cannes su asociación con la PlayStation 3 de
Sony para ver su extenso catálogo de cine independiente a través de la consola. También en
Cannes, Jean Luc Godard cuelga su última película en FILMOTV.fr. Y el portal NetFlix, que empezó como videoclub a domicilio para reconvertirse en plataforma de contenidos en streaming, llega a cotizar en Bolsa.
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Sección: TEATRO
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T E A T R O
LA CARTELERA HA VIVIDO UN CAMBIO SUSTANCIAL. HAN TRIUNFADO LOS MUSICALES, AUMENTARON LOS ESPECTADORES, LLEGARON NUEVOS NOMBRES Y SE HAN MULTIPLICADO LAS SALAS ALTERNATIVAS
LO MEJOR DE 20 AÑOS
La escena madrileña de los últimos 20
años tiene muchas caras. La cartelera teatral, muy diversa, ha dado un salto considerable respecto a la de 1990 gracias al empeño de quienes han persistido en su trabajo pese a las dificultades o se han incorporado al gremio y mantienen su compromiso en unos tiempos duros, difíciles, con
sombras pero también con luces.
En la zona iluminada podemos ver nuevos e interesantes dramaturgos. Junto a los
que ya estaban (Alonso de Santos, Amestoy, Joglars, Tricicle…) conviven ahora los
que han nacido en este periodo: Mayorga, Galcerán, Fernández y Desola... De todas formas, basta echar un vistazo a la cartelera para advertir la ausencia de autores
nacionales, un gran problema teniendo en
cuenta que ha aumentado considerablemente el número de espectadores.
Como fenómenos de este periodo, hay
que destacar los musicales y tres obras comerciales: Arte, El método Gröholm y Hoy:
el diario de Adán y Eva. Arrasaron donde estuvieron, pero otros montajes, sin llegar
a estar en cartel varias temporadas, tuvieron un buen recorrido, desde Las bicicletas
son para el verano hasta La cabra, El verdugo o Plataforma.
Los musicales, además, han conseguido
acercar a las salas a mucha gente que no pisaba un teatro. Existen trampas. La principal es que una gran parte de ellos son copias literales de los que se hacen fuera, en
vez de poner en marcha creaciones nacionales. Pero eso, que no invalida la importancia del género, no ha ocurrido siempre,
pues el boom en la Gran Vía –convertida en
un Broadway madrileño– comenzó con El
hombre de la Mancha, producido por Luis
Ramírez, aunque tal vez el mejor no se
haya visto en la centenaria avenida madrileña, sino en la calle de Alcalá: Cabaret.
El teatro público tiene claroscuros. El
Centro Dramático Nacional no establece
una línea clara. Combina buenas cosas con
regulares, como es natural, pero lo malo es
que no se le reconoce un rumbo más o menos fijo. No parece ser lo que mandan sus
estatutos, el faro que alumbre a los nuevos
dramaturgos de la escena nacional, y
apuesta por shakespeares y molieres. En cambio, el Teatro Español ha mejorado sustancialmente en los últimos años y, entre lo
público y lo privado, ha surgido con fuerza el teatro de La Abadía.
Los clásicos gozan de mejor salud. A ese
estado se ha llegado merced a la recuperación de la compañía dirigida por Eduardo Vasco que cumple con lo que debe ser
una formación dedicada al tesoro que es
ese teatro. Ha surgido también una nueva
generación de directores que se han sumado a la recuperación y renovación de los clásicos. Ahí están los Aladro, Zamora y los
de Rakatá, que lo mismo recuperan tex-
tos olvidados, bucean en siglos anteriores
al de Oro o se traen a figuras de la escena
internacional para levantar un El perro del
hortelano que cuelga el cartel de no hay billetes en un teatro con 1.000 localidades.
Muy agradecida ha sido la escena alternativa, con el nacimiento y la proliferación
de la cantera teatral. Habría que matizar
que no son iguales las salas alternativas
propiamente dichas que las independientes. Por las históricas Pradillo, Triángulo,
Cuarta Pared, la desaparecida El Canto de
la Cabra, Cámara, Guindalera, Mirador,
también Alfil, ha pasado gran parte de los
autores, directores y actores que ahora juegan en la división superior.
Hay que recordar montajes como Sueño de una noche de verano y Las manos, que
fue la primera parte de la Trilogía de la Juventud, y la colaboración entre Yllana e Imprebís, que volverá en septiembre. Y, por
supuesto, Rodrigo García, que el año próximo debutará en el CDN, y Angélica
Liddell. También de ahí salió Animalario,
uno de los fenómenos de los últimos tiempos que dio el salto después de mostrar, sin
conocer a los gürtelianos, el lado oscuro de
la boda de Ana y Alejandro.
¿Y la danza? Un apunte tan sólo. Cuando nació METRÓPOLI hubo dos sucesos importantes. Uno malo: la desaparición de
la Compañía Nacional de Clásico. Y uno
bueno: la creación de la Compañía Nacional de Danza, que sigue siendo, 20
años después, una buena noticia por la
calidad alcanzada de la mano de Nacho
Duato. Lo peor es que sigue sin haber
compañía de clásico a pesar de la nómina de excelentes bailarines españoles,
muchos formados por Víctor Ullate. Y no
hay que olvidar el cambio generacional
en el flamenco, que ha convertido este
arte en omnipresente.
TEXTO: RAFAEL ESTEBAN
LOS 20 OBRAS
MÁS DESTACADAS
1990 Columbi lapsus
1991 Comedias bárbaras
1992 Los miserables
1993 Torero
2000 Carmen
2001 El verdugo
2002 Las manos
2003 Carta de amor
(como un suplicio chino)
2004 El diario de Adán y Eva
1994 MTM
1995 Fuenteovejuna
1996 Entremeses
1997 666
1998 Alegría
1999 Arte
111
1
2005 El método Grönholm
2006 Hoy no me puedo
levantar
2007 La cabra
2008 La desobediencia
2009 Urtain
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COLUMBI LAPSUS
La religión es uno de los asuntos por los
que Els Joglars siempre ha tenido predilección. La obra que mejor muestra la afición
de este grupo, en el que hay ex alumnos de
colegios de curas y monaguillos rebotados,
es Teledeum. Hicieron otros montajes que,
sin provocar la polémica que causó éste,
con visitas a los tribunales y escándalo en
las salas por supuesta ofensa a los católicos, se acercaron de otra manera a la religión, como Columbi lapsus. Bueno, más
que a la religión en sí, a la Iglesia. El título
ya lo dice todo. El error de la paloma hace
referencia a una frase del oscuro cardenal
Marcinkus cuando Albino Luciani resultó
elegido Papa y tomó el nombre de Juan Pablo I. Después, se le adjudicó el sobrenombre de El Breve, porque murió a los 33 días
de su elección. La obra de Els Joglars se
ciñe a ese papado. Siguiendo el argumento
de Il barbiere di Siviglia, de Rossini, muestra un Vaticano dominado por la intriga en
el que la mafia está por encima de todo. En
el montaje destacó Ramón Fontseré, en su
doble papel del blanco Luciani y el negro
Marcinkus. RAFAEL ESTEBAN
Uno de los tópicos del teatro español del
siglo XX es que las obras de Valle-Inclán
eran irrepresentables. Los argumentos variaban, pero siempre aparecía esa excusa
que el propio escritor gustó de cultivar. Y
así pasaron muchos años, con varias de
sus obras, incluidas las más importantes,
sin subir a los escenarios. Con el tiempo
la situación varió y uno de los que contribuyó al cambio fue José Carlos Plaza con
Comedias bárbaras. Y lo hizo sin complejos, montando la trilogía compuesta por
Cara de plata, Águila de blasón y Romance
de lobos en el María Guerrero que dirigía
como responsable del CDN. Plaza levantó
una producción monumental sobre la violenta familia de los Montenegro que duraba cerca de siete horas. Para ello reunió
un reparto impresionante por la cantidad
–más de 40 actores– y la calidad, ya que
repasar sus nombres es recorrer una nómina de grandes actores. Pero lo más importante fue mostrar que incluso el ValleInclán complicado era representable. Y
que ese lenguaje es una gloria oírlo
cuando se dice como debe ser. R.E.
DIRECTOR ALBERT BOADELLA INTÉRPRETES
RAMÓN FONTSERÉ, JESUS AGELET...
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COMEDIAS
BÁRBARAS
DIRECTOR JOSÉ C. PLAZA INTÉRPRETES
JOSÉ P. CARRIÓN, TONI CANTÓ, PILAR BAYONA...
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LOS MISERABLES
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TORERO
2
Los musicales cumplen este año su mayoría de edad: el 16 de septiembre de 1992
el Teatro Nuevo Apolo estrenó un espectáculo enorme que fue el germen de los
shows de hoy. José Tamayo y Plácido Domingo estaban detrás de un montaje inmenso que emocionó a todo aquél que
pudo escuchar la partitura compuesta por
David White a partir del drama de Víctor
Hugo. Entonces, el género musical no
contaba con demasiados adeptos. Sin embargo, este montaje protagonizado por Pedro Ruy Blas, Joan Crosas y Luis Amando
lograba levantar al personal cada actua-
ción. Tras Jesucristo Superstar o El diluvio
que viene, Los miserables marcó un antes y
un después del género. No sólo la música
y el elenco eran espectaculares, la escenografía también: una parte del escenario giraba sobre su propio eje dando movimiento a los personajes y los objetos dispuestos en escena igual formaban parte
del atrezzo de un campo de batalla como
de la estancia de una casa. A ello está acostumbrado el espectador de hoy, pero aquéllos eran otros tiempos... MARÍA TAPIA
Cuando estrenó Torero, su primer espectáculo con compañía propia, Antonio Canales decía que el flamenco no interesaba
a mandamases, haciéndose eco de su venerado Camarón. Dos décadas después,
el flamenco se aferra al trono, aunque
con menos figuras reales de las que se
venden vía marketing. Cuando el bailaor
sevillano se enfundó el traje de luces de
esta coreografía que hizo toro a Juan de
Juan, Joaquín Cortés ya estaba planeando
por el firmamento con Cibayí y la rivalidad estaba servida. Habían bailado juntos
en el Ballet Nacional y en las madrugadas
de tablao, pero sus recias personalidades
necesitaban caminar por alfombras rojas
separadas. A Joaquín Cortés le respaldó
Ricardo Cué, con quien inició éxitos en el
Champs Élysées de París; a Canales, Lucho Ferruzzo, dos décadas a su lado a
golpe de tacón y mil vivencias. «Con el
flamenco de verdad no se cuentan historias», afirmaba tras el éxtasis que Torero
supuso en Canadá. Después crearía Gitano (1995), ballet con el que descubrió a
Sara Baras. CRISTINA MARINERO
DIRECTOR JOSÉ TAMAYO INTÉRPRETES
FERNANDO CARMONA, FLORINDA CHICO...
COREÓGRAFO ANTONIO CANALES
INTÉRPRETES COMPAÑÍA ANTONIO CANALES
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MTM
Lo que tiene La Fura dels Baus es que
sus obras llevan el sello inconfundible de
la casa. Desde su aparición oficial con
Actions (1984) hasta la adaptación que hicieron en 2009 de El Anillo del Nibelungo
de Wagner, pasando por MTM (1994),
todas sus propuestas creativas comparten el mismo idioma escénico: interacción con el público, utilización de espacios insólitos, adaptación del espectáculo
al lugar físico elegido, fusión de diferentes expresiones artísticas... Sus sorprendentes espectáculos convirtieron pronto
a esta compañía catalana, que había ini-
ciado su andadura con la animación de
calle por los pueblos y ciudades de Cataluña, en un grupo de culto de la escena
teatral internacional. La puesta en escena
de MTM –quizá el espectáculo más político de La Fura dels Baus– combinaba el
lenguaje furero con el vídeo y un transgresor juego de espejos que modificaba la
lectura que los espectadores recibían
como cierta y ajustada a lo real. Y es que
el argumento de este arriesgado montaje
era la manipulación. PILAR ORTEGA
Para trasladar a la danza el grito solidario
del pueblo cordobés contra su comendador, Antonio Gades contó con la sabiduría
en danzas tradicionales del recientemente
desaparecido Juanjo Linares y con el gran
conocimiento musicológico de Faustino
Núñez. José Manuel Caballero Bonald escribió el guión junto a él y Pedro Moreno
diseñó el vestuario. En Fuenteovejuna hay
jota, fandango y bolero asidos a la narración
con el respeto de quien veneraba la riqueza
de las danzas de nuestro país. «España es
un crisol de culturas –declaraba el maestro
en su estreno–. Cada 20 kilómetros cam-
bian las costumbres, los trajes, la música, la
manera de enterrar a los muertos; mi idea
era hacer algo más con ese folclore, coger la
esencia y contar una historia con el movimiento». Estrenada en diciembre de 1994
en Génova, se presentó en el Teatro Lope
de Vega en 1995. Gades fue su protagonista durante tres temporadas, junto a
Marina Claudio. Continúa en escena gracias a la compañía de la Fundación Antonio Gades, dirigida por quien fuera su primera bailarina, Stella Arauzo. C.M.
El teatro español que va desde la muerte
de Franco hasta hoy no se entiende sin
José Luis Gómez. Actor y director formado en España y, algo inusual en su
época, Alemania y Francia, también ha
sido un importante gestor de la escena
nacional desde puestos como el de director del CDN. Abandonado ese cargo y
otros, Gómez tenía en la cabeza en los
años 90 crear un centro diferente en Madrid a los que ya había. No debía ser un
teatro privado ni uno público. Tampoco
un mero espacio de exhibición y producción, ni sólo de enseñanza o investiga-
ción. Uniendo todos esos conceptos, surgió La Abadía. Desde entonces (1995) se
ha convertido en un referente de la escena madrileña, nacional y hasta europea. Una de sus primeras producciones
–la tercera, pero la segunda con los actores que allí estudiaban– fue Entremeses.
El montaje reunía tres pequeños textos
de Cervantes que desvelaban un escritor
divertido y apto para todos, que contaba
grandes engaños e historias de labriegos
cornudos y viejos celosos. R.E.
Hoy en día el Teatro Alfil es un lugar seguro al que ir si se busca humor inteligente. Una reputación ganada gracias a
montajes como este 666 que, hoy en día,
sigue representándose con éxito en la sala
madrileña y se ha convertido en un clásico de nuestra cartelera. Desde su formación a principios de los 90, Yllana apuntaba alto con imaginativos espectáculos
de humor gestual pero con esta obra sobre tres peligrosos convictos condenados
a la pena capital y confinados en el corredor de la muerte dieron un salto cualitativo: seguían logrando que el espectador
se tronchara de la risa en su butaca pero,
además (y aquí está su mérito), eran capaces de mostrar el lado más siniestro y
oscuro del ser humano sin decir ni una
palabra. Una virtud que ha sido reconocida incluso en Broadway, donde hace
unos meses que se representó esta comedia con excelentes críticas por parte de
medios como The New York Times o The
New York Post. Sin embargo, eso no importa a sus creadores, que se conforman
con algo tan difícil como arrancar carcajadas al público. JOSÉ LUIS ROMO
DIRECCIÓN E INTERPRETACIÓN LA FURA
DELS BAUS
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FUENTEOVEJUNA
COREOGRAFÍA ANTONIO GADES
INTÉRPRETES A. GADES, MARINA CLAUDIO...
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ENTREMESES
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DIRECTOR JOSÉ LUIS GÓMEZ Y ROSARIO RUIZ
INTÉRPRETES ESCUELA DE LA ABADÍA
COMPAÑÍA YLLANA
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ALEGRÍA
A pesar de los espectáculos que estrenaron después –Quidam, Dralion, Varekai...–
y de sus trabajos anteriores, el gran público
asocia el Circo del Sol con Alegría, un montaje que aterrizó en Madrid en 1998 y volvió a reponerse ocho años después. El eje
que vertebra esta insólita propuesta de la
compañía canadiense es el derecho del
hombre a soñar frente a los desmanes de
quienes ejercen el poder. Este mensaje legitimador inauguró una nueva vía en la actividad creadora de Guy Laliberté y Daniel
Gauthier desde que 10 años antes fundaran la compañía, tras su experiencia como
artistas callejeros en Montreal. Ellos defienden las posibilidades del medio circense en la transmisión no sólo de un canon estético sino también ético. Sus detractores persisten en reprocharles haber
desposeído al circo de su carácter popular.
Sin embargo, Alegría gozó de gran reconocimiento, en especial sus canciones, cuyas
grabaciones siguen hoy vendiéndose a un
ritmo frenético. El éxito del montaje fue
tan desmesurado que incluso conoció una
adaptación al cine. JAIME IGLESIAS
Puede que fuera la brillantez de sus diálogos o la profundidad que se escondía
bajo su apariencia de comedia de salón
lo que conquistó a los madrileños, pero
desde que esta función de Yasmina Reza
se estrenara en el Teatro Marquina, apenas ha salido de la cartelera. Eso sí, los
sucesivos montajes de esta pieza, ya sea
la versión argentina comandada por el
inmenso Ricardo Darín o la que actualmente representa Quique San Francisco,
no han hecho olvidar aquel primer montaje que reunió a tres grandes de nuestra
escena: José María Flotats, José María
Pou y Carlos Hipólito. Un trío de ases
que encarnaban a unos amigos enfrentados por un cuadro en blanco y descubrían el abismo que existía entre ellos en
medio de las carcajadas del público.
Desde entonces, no hemos podido volver
a ver juntos a estos monstruos de la interpretación que, lejos de divismos,
transmitían buen rollo y daban una clase
magistral de actuación. Ojalá vuelvan a
reunirse. J.L.R.
El Teatro de la Zarzuela acogió el estreno
de esta nueva versión de la novela de Mérimée y la música de Bizet que antes realizaran Antonio Gades (1983) y Rafael Aguilar
(1992), coreógrafo a tener más presente.
Fue un encargo de la entonces directora
del Ballet Nacional, Aída Gómez, a José
Antonio. Él dirigía la Compañía Andaluza
de Danza con un acertado diseño coreográfico hoy tristemente perdido y había encabezado la Nacional de 1986 a 1992. Con
su posición como responsable del Ballet,
Gómez culminaba una carrera forjada en
él desde su inauguración. Su arte es el de
la bailarina española por excelencia, con
un dominio extraordinario del clásico y la
escuela bolera, un conocimiento profundo
de las danzas tradicionales –estudiadas
con Juanjo Linares– y el flamenco, sabiduría que permite interpretar todas las formas estilizadas del baile español. Carmen
también contó con los primeros bailarines
Antonio Najarro y Luis Ortega y compartió
programa con el paso a dos A ciegas,
creado por Antonio Canales en homenaje
a Frida Kahlo, bailado junto a Gómez. C.M.
En 1964 Luis García Berlanga consiguió
sortear de nuevo la censura franquista. Lo
hacía con su compañero Rafael Azcona,
con quien escribió el guión de El verdugo.
El proyecto de la pareja les debió parecer a
los guardianes de la moral pública una
simple comedieta protagonizada por un
pobre hombre que lucha por no perder el
piso de su suegro, un funcionario cercano
a la jubilación que trabaja, y poco, como
verdugo. Casi 40 años después, un grupo
encabezado por Luis Olmos y Juan Echanove se animó a trasladar la obra al teatro.
El reto era enorme. No sólo estaba la difi-
cultad del cambio de lenguaje artístico,
sino la de enfrentarse a quienes tenían grabadas en su cabeza las imágenes de Berlanga con el gran Pepe Isbert interpretando al verdugo. El desafío lo superaron
con éxito, tanto de público como de crítica,
y cosecharon un sinfín de galardones,
ocho Max incluidos. Con una adaptación
magnífica de Bernardo Sánchez, lograron
hacer un montaje teatral, propio y autónomo, sobre la miseria moral y política de
la España de la época. R.E.
DIRECTOR FRANCO DRAGONE
COMPAÑIA CIRQUE DU SOLEIL
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ARTE
DIRECTOR JOSÉ MARÍA FLOTATS
INTÉRPRETES JOSÉ MARÍA FLOTATS, JOSÉ
MARÍA POU Y CARLOS HIPÓLITO
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CARMEN
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EL VERDUGO
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COREÓGRAFO JOSÉ ANTONIO
COMPAÑIA BALLET NACIONAL DE ESPAÑA
DIRECTOR LUIS OLMOS INTÉRPRETES JUAN
ECHANOVE, LUISA MARTÍN Y ALFRED LUCCHETTI
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LAS MANOS
Cuando Javier García Yagüe, director de
la sala Cuarta Pared, escribió Las manos
junto a Yolanda Pallín y José Ramón Fernández, no imaginó la que se le venía encima. Su obra se hizo con el Max al Mejor Texto en Castellano en 2002, viajó
por 50 ciudades y fue vista por más de
100.000 espectadores. Todo un logro
para un montaje off que a priori podría
ser no apto para todo tipo de público. La
primera parte de la Trilogía de la Juventud se vio por primera vez sobre un escenario el 23 de febrero de 1999. Y fue tan
sólo el comienzo de un gran proyecto, ca-
lificado por el crítico Javier Villán como
«documento imprescindible en la crítica
de la España del último siglo». La trilogía
quería reflexionar sobre una gran preocupación de los jóvenes: cómo ganarse la
vida. A través de tres títulos, García Yagüe y sus secuaces analizaron la sociedad
española desde la posguerra hasta el siglo XXI. En 2004, la trilogía al completo
–Las manos, Imagina y 24/7– inició una
gira que se despidió en Madrid tras celebrar 550 funciones. M.T.
«Es hora de contar la verdad: levantar este
montaje no fue nada fácil. Mucha gente no
se portó bien. Yo era director del Centro
Dramático Nacional y no tenía teatro. En
el María Guerrero había termitas y donde
estaba el Olimpia construíamos un edificio nuevo. Además, María Jesús Valdés
odiaba los monólogos». Así recuerda
ahora Juan Carlos Pérez de la Fuente los
problemas que tuvo para poner en pie este
montaje que marcó época. Como ahora sabemos, el director acabó encontrando un
escenario perfecto para esta delicada y desesperada pieza: una pequeña sala del Mu-
seo Reina Sofía que le confería el carácter
íntimo y casi litúrgico requerido por la función. Por ella vagaba una inmensa y conmovedora María Jesús Valdés (ganó el Premio Max y el Mayte) poniendo sentimiento a las palabras escritas por Fernando Arrabal. El montaje superó las 400
representaciones, salió de gira por Europa
y cautivó a crítica y público. Normal que
Pérez de la Fuente lo recuerde como «una
de las cosas más bonitas» que ha hecho.
«Espero volver a montar un Arrabal». J.L.R.
Teatro de sentimientos, que no sentimentaloide ni cursi. Teatro que emocione, que
haga reír y arranque lágrimas. Sin complejos y sin poses intelectuales. Ése es el tipo
de teatro que ha practicado, y le ha encumbrado, el tándem formado por el gran Miguel Ángel Solá y Blanca Oteyza, pareja
dentro y fuera del escenario. Aunque recientemente hayan triunfado con Por el placer de volver a verla, el hito por el que se les
recordará será esta tierna obra que narraba
una historia de amor contada en dos tiempos. Por una parte, la retransmisión de un
descacharrante programa de radio de los
años 50 (impagable el momento en el que
el argentino interpretaba a una especie de
neandertal) y, por otra, la visita de una reportera al antiguo presentador radiofónico
para indagar en la relación que mantenía
con su compañera. La función tuvo una
vida de más de una década a ambos lados
del Atlántico y, tras su estreno en el Teatro
Bellas Artes, volvería a hacer temporada y
a colgar el cartel de no hay localidades en
el Teatro Reina Victoria. J.L.R.
A mediados de 2000, España aún crecía a
velocidad de crucero, la crisis ni se mentaba y el paro no estaba entre las mayores
preocupaciones de los ciudadanos. Sin
embargo, ya entonces un autor tan comprometido con la calidad como con entretener al espectador, Jordi Galcerán, advertía de cómo la necesidad de lograr un
puesto de trabajo puede llegar a terminar
con la dignidad humana. Los protagonistas de El método Grönholm eran cuatro aspirantes a un empleo, encarnados brillantemente por Jorge Bosch, Jorge Roelas,
Cristina Marcos y Carlos Hipólito, a los
que sometían a un maquiavélico proceso
de selección laboral. Atraído por una sorpresa final digna de las novelas de Agatha
Christie, el público acudió en masa para
ver esta obra que se mantuvo tres temporadas consecutivas en el Teatro Marquina
superando las 700 representaciones (además, ganó el Pemio Mayte y el Ercilla).
Desde entonces, es nomal que se conozca
a su directora, Tamzin Towsend, como la
reina Midas del teatro privado. J.L.R.
DIRECTOR JAVIER G. YAGÜE INTÉRPRETES
AUDREY AMIGO, JESÚS ASENSI, ESPERANZA ELIPE...
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CARTA DE AMOR
(COMO UN
SUPLICIO CHINO)
DIRECTOR JUAN CARLOS PÉREZ DE LA
FUENTE INTÉRPRETE MARÍA JESÚS VALDÉS
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HOY: EL DIARIO
DE ADÁN Y EVA
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EL MÉTODO
GRÖNHOLM
5
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DIRECTOR MANUEL GONZÁLEZ GIL
INTÉRPRETES MIGUEL ÁNGEL SOLÁ
Y BLANCA OTEYZA
DIRECTOR TAMZIN TOWSEND INTÉRPRETES
CARLOS HIPÓLITO, CRISTINA MARCOS, JORGE
ROELAS Y JORGE BOSCH
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HOY NO ME
PUEDO LEVANTAR
El intento de convertir la Gran Vía en una
especie de pequeño Broadway trayendo
célebres musicales que hayan triunfado
en Londres o Nueva York ha sido una de
las constantes de estas dos últimas décadas, pero pocos eran los que apostaban
por un musical netamente español hasta
el éxito de Hoy no me puedo levantar. Si en
el extranjero habían logrado crear espectáculos de éxito hilando argumentos y canciones de bandas de pop como Queen (We
Will Rock You) o Abba (Mamma Mia!),
¿por qué no hacer lo mismo con un grupo
de nuestro país? Mecano era ideal para tal
empresa y el propio Nacho Cano se involucró en el proyecto como director. La nostalgia por temas como Hijo de la luna o
Cruz de navajas, un divertido libreto de
David Serrano (que había reventado las taquillas con El otro lado de la cama) y una
espectacular puesta en escena lograron
abarrotar el escenario del Teatro Compac
Gran Vía casi a diario hasta lograr reunir
más de dos millones de espectadores, contando sus giras. J.L.R
José María Pou ya era grande antes de La
cabra o ¿Quién es Silvia? Pero por este trabajo no sólo fue alabado por su maestría
interpretativa, sino también por su gran labor en la dirección y traducción. De hecho,
en 2007 ganó el Max al Mejor Director y a
la Mejor Adaptación y el montaje recibió el
galardón al Mejor Espectáculo Teatral. El
olfato de Pou no falló cuando vio esta obra
de Edward Albee, autor de ¿Quién teme a
Virginia Woolf?, en Nueva York. Y es que
el montaje era como un sopapo en la cara.
Al principio, todo parecía divertido: un
hombre felizmente casado confesaba a su
mejor amigo que se había enamorado de
una cabra, un amor que no era precisamente platónico, ya que admitía haber
mantenido relaciones sexuales con ella.
Pero, según transcurría la acción, el espectador empezaba a retorcerse en su cómodo
asiento. Normal que Pou quisiera exportar
esta pieza hasta nuestro Broadway particular. Con una puesta en escena diáfana, que
recordaba en ocasiones la de Arte (también
protagonizada por Pou), La cabra se convirtió en un imán para el público. M.T.
DIRECTOR NACHO CANO
INTÉRPRETES ADRIÁN LASTRA Y MIQUEL
FERNÁNDEZ, ENTRE OTROS
2 0 0 7
LA CABRA O
¿QUIÉN ES SILVIA?
DIRECTOR JOSÉ MARÍA POU INTÉRPRETES
J.M. POU, MERCÈ ARÀNEGA, JUANMA LARA...
2 0 0 8
LA
DESOBEDIENCIA
2 0 0 9
URTAIN
Los habituales de las salas alternativas
son los primeros en enterarse de que
algo nuevo se cuece. Son testigos del nacimiento y crecimiento de tal autor o director que en el futuro dará que hablar.
El momento de Angélica Liddell llegó en
el último trimestre de 2007. Su debut en
el Centro Dramático Nacional con dos
montajes sucesivos –uno de los cuales,
El año de Ricardo, ya lo había estrenado
en el circuito alternativo– acercó su teatro a un público más amplio. Los nuevos
espectadores se asombraron con el teatro visceral, lleno de fuerza y rabia que
Liddell ofrece desde que empezó su recorrido escénico por los años 90. Con esa
palabra dura, provocativa, que no se esconde ni disimula. Esa dramaturgia le
supuso a Liddell reconocimiento. Y también la posibilidad de recuperar textos
antiguos, como pasó, ya en 2008, con La
desobediencia. La autora, directora e intérprete de sus montajes reunió ahí Lesiones
incompatibles con la vida, Brokens blossoms
y Yo no soy bonita, tres acciones muy duras y personales. R.E.
Formada a mediados de los 90 con la intención de recuperar el espíritu de las
compañías independientes de los años
70 y 80, Animalario se ha convertido en
una de las compañías teatrales más reconocidas y premiadas de nuestro país.
Transgresoras y arriesgadas, las propuestas escénicas de este grupo formado por
los actores Alberto San Juan, Willy Toledo, Javier Gutiérrez o Roberto Álamo,
entre otros, nunca dejan indiferente.
Todo el talento que prometían con montajes como La boda de Alejandro y Ana o
Hamelin lo han confirmado con la que
hasta el momento es su última propuesta:Urtain. Premiado con la friolera
de nueve premios Max (incluyendo el de
Mejor Espectáculo Teatral, Autor, Director y Actor Protagonista), este fresco de
la España negra del franquismo con la figura del púgil vasco como hilo conductor ha conquistado a crítica y público gracias a una puesta en escena en la que el
espectador se sumerge literalmente en
un ring de boxeo y una actuación antológica de Álamo. J.L.R
116
6
DIRECTORA ANGÉLICA LIDDELL
INTÉRPRETES COMPAÑÍA ATRA BILIS
DIRECTOR ANDRÉS LIMA
COMPAÑIA ANIMALARIO
recibió ayer el premio MillenO.J.D.: por65886
nium de Tecnología
su creación de células
solares238000
de bajo
E.G.M.:
coste y alto rendimiento.
reciben los combustibles fósiles,
las emisiones de gases de efecto
invernadero se reducirán un 10%
para 2050, según un informe de
gía. Según el documento, esta
Fecha:
10/06/2010
puede ser una estrategia de bajo
coste para lograr los objetivosSección:
de
CIENCIA
reducción de emisiones.
Páginas: 36
sa
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un
la
Las gafas 3D universales
llegarán a las tiendas en agosto
las nuevas lentes se podrán utilizar con cualquier marca de televisor 3d, en el cine y con videojuegos
dad, no es necesariamente el
componente más importante”, dijo Costeira. De hecho,
su compañía ya fabrica tanto
las gafas para televisores Philips o Panasonic como para
casi 3.000 salas de cine.
Las gafas activas con obturador LCD, como las que lanzará XPand, se sincronizan
con la pantalla (de cine, televisión u ordenador) a través
de infrarrojos. Con esa comunicación, realizan un escáner
de las frecuencias y, mediante software, se adaptan a la
frecuencia correcta, que está
preconfigurada.
¿Televisores sin gafas?
Las gafas que comercializa cada fabricante junto a sus televisores 3D sólo sirven para su marca. AFP
blaNca salvatierra
madrid
3
Los fabricantes estiman
que más del 25% de los televisores mayores de 40 pulgadas que se venderán este año
incorporarán tecnología 3D.
Además de un televisor, los
usuarios que desean disfrutar
del 3D en su salón deben adquirir un lector Blu-ray especial y unas gafas. La mayoría
de los fabricantes ha optado
por incluir en el precio del televisor (a partir de 1.000 euros)
dos pares de gafas.
Una familia de más de dos
miembros tendría que comprar más unidades, pero ahí
no acaba el gasto. Si alguno de
ellos va a ver una película 3D
a casa de un amigo, por ejemplo, deberá llevar sus gafas, pero sólo le servirán si el televisor
es de la misma marca, ya que
este accesorio no es universal.
Su adquisición tampoco le servirá para ver una película en el
cine o jugar a un videojuego
en un monitor 3D, ya que cada uno de estos segmentos requiere de una programación
específica en las gafas.
La compañía Xpand será la
primera en lanzar en España
unas lentes 3D universales. Ya
pueden comprarse a través de
Internet, y a finales de agosto
empezarán a distribuirse en
tiendas, una vez que se produzca el lanzamiento de las
nuevas pantallas de Sony, Panasonic, Philips y Toshiba (las
dos primeras, junto a Samsung, ya tienen algunos modelos en el mercado).
La dificultad en el lanzamiento de gafas 3D universales se basa, en parte, en que no
existe un protocolo estándar
de comunicación y cada fabricante de televisores ha opta-
do por lanzar su propia solución. “Tratan de optimizar las
funciones de su televisor y no
tienen, en principio, razones
para invertir en solucionar un
problema que no es suyo”, explicó esta semana a Público la
directora general de Xpand,
Maria Costeira.
La creación de unas gafas
3D universales no implica sólo que se puedan utilizar con
cualquier televisor. La compatibilidad, según Costeira, tiene que producirse entre el televisor, el ordenador y la pantalla de cine, buscando que cada usuario tenga su par de gafas que pueda utilizar en cualquier situación. Cada uno de
estos sistemas tiene peculiaridades como la rapidez a la que
debe descodificarse la imagen. “Se tiende a pensar sólo
en unas gafas universales para el televisor cuando, en reali-
consolas
planes a corto plazo
en videojuegos
> coNsola portátil
Nintendo presentará en la feria de
videojuegos E3 (que comienza el
próximo lunes en Los Ángeles) la
consola portátil 3DS, que cuenta
con efectos en tres dimensiones.
No será auténtico 3D (no necesita
gafas), pero apunta las intenciones
del la compañía para el futuro.
Su lanzamiento no está previsto
antes de marzo del año que viene.
> eN el hogar
Está previsto que en la misma feria
Sony muestre cómo se verán los
videojuegos en 3D con su consola
PlayStation 3 y qué títulos planea
lanzar. A partir de este verano,
una actualización del software
de la máquina permitirá la
reproducción de estos títulos.
La renovación o adaptación
de los consumidores a la TDT
en España se plantea como
uno de los escollos para la
explosión a corto plazo del
3D en el hogar. Además, los
usuarios se plantean si esperar al lanzamiento de televisores 3D que no necesiten gafas. Los fabricantes coinciden
en que, a medio plazo, el uso
de accesorios es la única opción doméstica posible. “Hablamos de diez años siendo
muy positivos, y aún así habrá que ver qué sucede con
pantallas de cine de 20 metros”, apuntó Costeira.
Los expertos consideran
que uno de los mayores revulsivos para la venta de dispositivos 3D vendrá de los videojuegos. En 2009, esta industria alcanzó en España el
53% del mercado de entretenimiento audiovisual, superando la suma de cine, DVD
y música. Fabricantes de consolas como Sony y Nintendo
ya han adelantado su intención de actualizar sus máquinas con tecnología 3D. D
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la televisióN 3D
aterriza eN españa
www.publico.es/302787
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