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CURSO TEMATICO MUSICA
UNIDAD I - CONCEPTOS GENERALES DE LA MÚSICA
Lección 1. La Música Reseña y Concepto.
Lección 2. Tipos de música y su relación en la sociedad.
Lección 3. La música y la danza folklórica en Colombia.
Lección 4. Elementos fundamentales de la música.
UNIDAD I
CONCEPTOS GENERALES DE LA MUSICA
Lección 1.
La Música Reseña y Concepto.
La Música
La música se sustrae (del griego: μουσική [τέχνη] - mousikē [téchnē], "el arte de
las musas") es, según la definición tradicional del término, es el arte de organizar
sensible y lógicamente una combinación coherente de sonidos y silencios
utilizando los principios fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo,
mediante la intervención de complejos procesos psico-anímicos.
El concepto de música viene evolucionando desde su origen en la antigua Grecia,
en que se reunía sin distinción a la poesía, la música y la danza como arte
unitario. Desde hace varias décadas se ha vuelto más compleja la definición de
qué es y qué no es la música, ya que destacados compositores, en el marco de
diversas experiencias artísticas fronterizas, han realizado obras que, si bien
podrían considerarse musicales, expanden los límites de la definición de este arte.
La música, como toda manifestación artística, es un producto cultural. El fin de
este arte es suscitar una experiencia estética en el oyente, y expresar
sentimientos, circunstancias, pensamientos o ideas. La música es un estímulo que
afecta el campo perceptivo del individuo; así, el flujo sonoro puede cumplir con
variadas funciones (entretenimiento, comunicación, ambientación, entre otras.

La música académica occidental ha desarrollado un método de escritura basado
en dos ejes: el horizontal representa el transcurso del tiempo, y el vertical la altura
del sonido; la duración de cada sonido está dada por la forma de las figuras
musicales.
Las definiciones parten desde el seno de las culturas, y así, el sentido de las
expresiones musicales se ve afectado por cuestiones psicológicas, sociales,
culturales e históricas. De esta forma, surgen múltiples y diversas definiciones que
pueden ser válidas en el momento de expresar qué se entienden por música.
Ninguna, sin embargo, puede ser considerada como perfecta o absoluta.
Una definición bastante amplia determina que música es sonoridad organizada
(según una formulación perceptible, coherente y significativa). Esta definición parte
de que en aquello a lo que consensualmente se puede denominar "música" se
pueden percibir ciertos patrones del "flujo sonoro" en función de cómo las
propiedades del sonido son aprendidas y procesadas por los humanos (hay
incluso quienes consideran que también por los animales).
Hoy en día es frecuente trabajar con un concepto de música basado en tres
atributos esenciales: que utiliza sonidos, que es un producto humano (y en este
sentido, artificial) y que predomina la función estética. Si tomáramos en cuenta
solo los dos primeros elementos de la definición, nada diferenciaría a la música del
lenguaje. En cuanto a la función "estética", se trata de un punto bastante
discutible; así, por ejemplo, un "jingle" publicitario no deja de ser música por
cumplir una función no estética (tratar de vender una mercancía). Por otra parte,
hablar de una función "estética" presupone una idea de la música (y del arte en
general) que funciona en forma autónoma, ajena al funcionamiento de la sociedad,
tal como la vemos en la teoría del arte del filósofo Emmanuel Kant.
Según el compositor Claude Debussy, la música es "un total de fuerzas dispersas
expresadas en un proceso sonoro que incluye: el instrumento, el instrumentista, el
creador y su obra, un medio propagador y un sistema receptor".
La definición más habitual en los manuales de música se parece bastante a esta:
"la música es el arte del bien combinar los sonidos en el tiempo". Esta definición
no se detiene a explicar lo que es el arte, y presupone que hay combinaciones
"bien hechas" y otras que no lo son, lo que es por lo menos discutible.
Algunos eruditos han definido y estudiado a la música como un conjunto de tonos
ordenados de manera horizontal (melodía) y vertical (armonía). Este orden o
estructura que debe tener un grupo de sonidos para ser llamados música está, por
ejemplo, presente en las aseveraciones del filósofo Alemán Goethe cuando la
comparaba con la arquitectura, definiendo metafóricamente a la arquitectura como
"música congelada". La mayoría de los estudiosos coincide en el aspecto de la
estructura, es decir, en el hecho de que la música implica una organización; pero
algunos teóricos modernos difieren en que el resultado deba ser placentero o
agradable.
Lección 2.
Tipos de Música y su Relación en la Sociedad
El jazz:
El jazz aparece en Estados Unidos, más concretamente en Nueva Orleáns, estado
de lousiana en 1803,fecha en la que los estados Unidos compran a los franceses
el estado de Lousiana.Nueva Orleáns esta situada en la desembocadura del rió
Misisipi junto al océano atlántico, lo que convierte a Nueva Orleáns en un centro
de comercio marítimo y fluvial. La población siempre esta preparada para la
diversión, el crimen, la droga y la prostitución están al alcance de cualquiera y por
este motivo proliferan los burdeles y bares donde no puede faltar la música,
J.Story obliga a todos los prostíbulos y bares en una zona que se llama Storyville,
zona que solo era visitada por gente de color y los criollos del lugar. Dentro del
barrio habrá dos zonas, Uptown donde vive la gente de color y Downtown los
criollos de lengua francesa, en ambas zonas, proliferan las bandas siendo
instrumentos más solicitados, los de viento por su potente sonoridad. En 1917 las
autoridades clausuran Storyville perdiéndose uno de los grandes centros del jazz
situándose en Chicago estableciéndose otro centro posteriormente en el barrio
negro de New York llamado Harlem.
*Elementos o cualidades que definen el jazz:
a) Uno de sus elementos más importantes es la improvisación que se realiza
durante los breaks.
b) Hay dos tipos de instrumentos. Los melódicos que son el saxo, el clarinete, la
trompeta y la corneta. Los instrumentos rítmicos son el piano, el banjo, el
contrabajo y la batería. Toda la banda de jazz tiene que tener un mínimo de tres
instrumentos y un máximo de toda la orquesta.
*Partes que integran el jazz:
a) Espirituales negros: son cantos litúrgicos creados por los esclavos y sus
descendientes como expresión del dolor de aquellos que perdieron su patria y la
esperanza de volver a encontrarla. Musicalmente tiene forma responsorial, es
decir, dialogo entre un solista y un coro.
b) Blues: son canciones de carácter melancólico en las que se narra las
dificultades sociales y económicas por las que atraviesa la vida de los negros.
Consta de doce compases, utilizando la escala de blues que está formada por:
Eran canciones interpretadas por mujeres acompañadas por un banjo o una
guitarra. La primera cantante de blues fue Ma Rayne, casi siempre era
acompañada por Louis Amstrong, esta mujer la sustituyo Bessie Smith cuya obra
más famosa es “El blues de San Louis” a esta la sustituyo Billie Holliday.
C) Cantos de plantación: son los entonados por los esclavos para hacer más
llevadero su trabajo, suelen ser improvisaciones que toman como modelo el canto
de los blancos y cuya característica más destacada es su fuerza rítmica que la
hacen coincidir con los movimientos de trabajo.
D) Ragtime: música que tuvo su origen en el interés de los pianistas negros, de
clase media y con ciertos conocimientos de música clásica para copiar a las
bandas de música. Se basa en un ritmo muy vivo teniendo todas las canciones
una estructura de cuatro temas musicales de dieciséis compases en total que se
repiten tres veces y terminan con una cada cuatro compases. La mayoría está
escrito en un compás de 2/4.El principal compositor es Scott Joplin.A pesar de ser
una música popular, los músicos de ragtime consideran que están al mismo nivel
que cualquier compositor de música clásica.
*Principales intérpretes de jazz:
a) Louis Amstrong: nació en Nueva Orleáns en 1900 y murió en New York en
1971.Empezó tocando una corneta y término tocando la trompeta, cuando se
claustro Storyville, Louis Amstrong se empleo en una banda funeraria (cuando
llevaban al muerto a enterrar tocaban canciones religiosas y de carácter
lacrimógeno, y cuando le habían enterrado canciones alegres). Después ingreso
en la banda de King Crede y se llamaba Cróele Jazz Band, donde tenía el papel
de 2º corneta. Ha pasado a la posteridad como uno de los más grandes
trompetistas del jazz.
b) Duque Ellington: nació en Washington en 1899 y murió en New York en 1974,
ha sido junto a Amstrong la figura más destacada del jazz, gran pianista, trabajo
principalmente como compositor y como director de orquesta.
c)Ella fiztgerald: nació y murió en New York, cuando era pequeña canto en los
coros eclesiales hasta los 18 años, edad en la que empezó a cantar en una banda
de jazz junto a Amstrong y posteriormente también trabajo con Duque Ellington.
d)Otros compositores: B.B.King (blues), Miles Davis (trompetista), Benny
Goodman (clarinetista).
*Músicas que derivan del jazz:
En la segunda mitad del s. XX aparecen nuevos estilos:
a)Swing: se crea en el 1939-1945 se caracteriza por ritmos bailables, por el
empleo de la batería como instrumento solista y por la sustitución de temas
folclóricos por otros más elaborados, nació en Kansas City y el principal
compositor es Benny Goodman.
b)Bip: aparecen en la segunda guerra mundial y se caracteriza por la libertad que
tienen los solistas que tienen ritmos complicados llevados siempre por el bajo con
la colaboración de timbales y tambores, aparece también en Kansas y el principal
compositor es Gillespie.
c)Cool: aparece como una reacción al estilo violento anterior con melodías y
ritmos muy sencillos, el principal intérprete es Miles Davis (trompetista).
d)Progresivo: considerado como la última derivación del jazz, busca el desarrollo
hasta el límite de los efectos de sonido con grandes orquestas, destaca Charlie
Parker.
A partir de los 60 los gustos del público se decantan hacia el rock, los artistas de
jazz se buscan orquestas más comerciales. El jazz ha influido en compositores
clásicos como Gershwin en su obra “Rapsodia in blue” y “Un americano en Paris”.
Rock and roll:
El rock and roll es la mezcla de dos tipos de música: música negra apartada por el
ritmo del blues y la música blanca aportada por las melodías campesinas del
country.
Aparece a mediados de los 50 en EEUU y al igual que en el jazz es creada por los
negros pero son los blancos quienes se apoderan del invento y apoyados por una
estructura económica, industrial y comercial se convierte en abanderados del
nuevo estilo. Supone la primera cultura musical estrictamente juvenil.
*Características del rock:
-Se basa en el ritmo del blues y de la música country.
-El músico de rock tiene ya una información de conservatorio.
-Hay una intención explícita de romper con la manera tradicional de hacer música.
-Este tipo de música se vale de todos los medios técnicos aportados por la
electrónica como la guitarra eléctrica, el órgano eléctrico y la batería.
*Principales compositores:
-Chuck Berry
-Ray Charle
-Elvis Presley
*Frases y estilos del rock:
-1930-1950: Blues.
-1950-1960: Rock and roll.
-1960-1970: Pop ingles, Folk rock, Jazz rock, Country, Soul.
-1970-1980:Heavy metal, Rock duro,Reage,Musica disco,Funk,Punk.
-1980-1990:Tecno pop, New wawe,New age,Bacalao,Musica house, rap.
*Década de los 60:
-POP: el término pop es un término ambiguo que designa a toda la música
comercial de amplia difusión entre la juventud. Surge en Europa y combina una
melodía de calidad, con unos arreglos cuidados, unas voces impecables, una
estética rebelde y el sonido del rock que imperaba esos años. Beatles
(Lennon,Star,Mcartney y Harrison) surgen en 1962 en Liverpool y los Rolling
Stones (Mick Jagger) con sonido más violento siendo sus actuaciones una
continua provocación.
-FOLK: está muy influenciada por la época hippy, se caracteriza por su carácter
reivindicativo contrario a la guerra de Vietnam y a la sociedad americana de la
época que influye en los músicos que dan más importancia al mensaje de la
canción que a otro tipo de consideraciones musicales. Cuando el folk se mezcla
con el rock da lugar al folk-rock el mensaje de las canciones es paz y no violencia.
Aparecen los macro conciertos, el más importante es el Woodstod que dura tres
días. Bod Dylan, Joan Báez.
-MOD: quiere decir modernista, nace en Inglaterra. Los mods son jóvenes obreros
muchos de ellos en el paro y que viven en los suburbios de las ciudades inglesas,
la música es estruendosa, las guitarras eléctricas se amplifican al máximo, las
baterías adquieren gran importancia y en la melodía destacan los “riff” que son
motivos melódicos que se repiten constantemente. El texto refleja desesperanza
hacia el futuro. Es música poco comercial y violenta. The Who fueron los primeros
que rompían los instrumentos después de una actuación.
-SOUL: surge como protesta de los negros ante la sociedad racista americana,
tiene una técnica vocal heredada del Gospel, con una voz vigorosa y expresiva
acompañada a base de “riff”. Steve Wander y Aretha Franklin son los máximos
intérpretes. Esta música ha perdurado por su calidad vocal, sus cuidadas melodías
y sus arreglos acertados y sin estridencias.
*Década de los 70:se caracteriza por la protesta contra los estilos anteriores.
-ROCK DURO: sigue la estela de la música mod inglesa como lo extravagante, lo
estruendoso, la distorsión de las guitarras, los riff constantes, son las
características de estas músicas. Destacan Deep Purple, Lez Zepellin, Iron
Maiden y AC/DC.
-ROCK PROGRESIVO: la base del sonido se construye a partir de teclados
electrónicos, buscan siempre la máxima calidad en la interpretación. Destaca Pink
Floyd.
-PUNK: duro pocos años pero su estética a perdurado hasta nuestros días, se
caracteriza por la falta de melodía, la exaltación del grito y cuanto más agudo
mejor, la critica a la sociedad, el sonido duro y la importancia de los instrumentos
amplificadores al máximo y que apenas dejan escuchar la voz del cantante.
Destacan los Sex Pistols.
-REGGAE: surge en Jamaica y está relacionado con la religión rastafari, esta
música está marcada por la importancia del bajo que toca un único motivo
melódico llamado riff, está escrito en un compás de 4/4 que acentúa la segunda
parte y la cuarta, utiliza abundantes polirritmias, el tempo es lento y monótono.
Destaca Bob Marley.
-GLAM ROCK: combina la buena música con la teatralidad en el escenario.
Destaca Elton John, Queen con Freddy Mercury, David Bowie, y Rod Stwart.
*Década de los 80:
-NEW WAWE: se caracteriza por el regreso al espíritu de los 60,a la sencillez
compositiva pero con nuevas propuestas sonoras, líneas melódicas muy definidas,
las guitarras se escuchan de forma muy clara y aparecen reforzadas por los
sintetizadores. Se utilizan percusiones de nuevas cajas de ritmos programadas.
Destacan U2 y Police con Sting.
-MUSICA DISCO: música bailable que lleno las discotecas durante toda la década.
Esta reforzada por películas como “Fiebre del sábado noche”(John Travolta).En
esta música cabe todo lo que tenga un compás binario y se dedican muchos
artistas porque es algo que genera muchos beneficios. Destacan Diana Ross, y
Abba.
-FUNK: música de baile, utiliza sintetizadores y cajas de ritmos, tiene un ritmo
constante realizado por el bajo y las guitarras a modo de riff astinado. Cantantes
de raza negra y destacan Michael Jackson y Prince.
-RAP: nace en el Bronx y en Harlem, se caracteriza por frases habladas, ritmo
trepidante y una entonación peculiar. Se imponen la moda de gorras de béisbol y
la ropa ancha. Destaca Eminem.
-HOUSE: es una evolución del rap que consiste en un trabajo técnico más que
musical. Los ordenadores y sintetizadores muestrean todo tipo de música y la
mezclan con una buena dosis de ritmo constante. El hecho de poder crearla en tu
propia casa le dio ese nombre.
*Década de los 90:
-Bacalao: música maquina, tiene sus raíces en la música tecno y la disco. Su
destino es la discoteca. Destacan los DJ`.
-Folclore: es la ciencia que estudia la música, la danza y las tradiciones populares
transmitidas oralmente. Es a finales del s. XIX o principios del s. XX aparece la
figura del folclorista, que es la persona encargada de ir por los pueblos recogiendo
las canciones tradicionales.
*Elementos que definen la música popular:
-Es fruto del pueblo o de la colectividad.
-Es anónima.
-Se transmite oralmente ignorando la escritura.
-A lo largo de su transmisión va sufriendo modificaciones.
-Se diferencia de la música culta en que da más importancia a los elementos
rítmicos que a los melódicos.
-El folclore se expresa siempre a través del canto o de la danza.
-Las canciones folclóricas describen los acontecimientos o las diversas
ocupaciones de la gente del pueblo.
España es un país rico en folclore debido a que en ella han convivido culturas muy
diversas: árabes, judíos... Cada una de las cuales ha dejado sus canciones, sus
músicas, que han sido asimiladas por el pueblo.
*Galicia: aparece su folclore en las cantigas Martín Codas.Viene condicionado por
el uso de un instrumento típico llamado gaita. La gaita es un instrumento que
produce sonido por el aire almacenado en un saco o fuelle, que al pasar a través
de un tubo de caña. Del saco o fuelle sale otro tubo con seis agujeros que es el
que ejecuta la melodía y con embocadura de lengüeta, de este saco o fuelle salen
además otros dos o tres tubos llamados bordones, sin agujeros y que producen
sonidos graves. Las dos formas más importantes son:
-La muñeira: es una danza de seis por ocho, donde predomina el sentimiento.
-Alborada: canción de ronda o canciones amatorias donde los galanes expresan
su pasión o sentimiento a la amada. Se interpretan en los almacenes de los días
de fiesta. Generalmente es de ritmo vivo y compás ternario.
*La rioja: El baile más común es la jota, de ritmo ternario, se ejecuta por parejas,
está estructurado en copla y estribillo, y se suele acompañar con el tamboril. La
copla suele estar formada con cuatro o cinco frases.
*Castilla y León: el folclore castellano se caracteriza por la sobriedad y el
recogimiento propio de esas tierras. Revaluado a partir de falla, tiene una gran
riqueza y variedad. Se pueden distinguir dos tipos:
Cantos de romero:
a)Siega: su función es regularizar los movimientos del trabajador durante el trabajo
para aminorar la fatiga corporal y procurar un mayor rendimiento. De ritmo libre
suele estar formado por dos o tres frases y sin estribillo.
b)De cuna: cantos con los que se arrullan y duermen a los niños pequeños, se
entonan a media voz, y suelen estar formado por cuatro frases sin estribillo. El
ámbito melódico es muy pequeño generalmente un intervalo de 2º, aunque en
alguna excepción puede llegar a un intervalo de 8º, su ritmo es binario.
c)De ronda: con este nombre se designa tanto a los mozos cantadores como a los
cantos mismos. Se ejecuta siempre en las noches que preceden a los días de
fiesta. Generalmente es una canción de carácter amoroso aunque en algunas
ocasiones exteriorizan odio y celos.
Musicalmente las melodías están formadas por estrofas y estribillos de cuatro
frases cada uno, la amplitud melódica es muy amplia, puede ser interpretado por
un solista o por un coro o todas a la vez. La entonación es enérgica.
-Tonadas y villancicos: aparecen en el s. XV con sentido profano, siendo su
significado primordial el de canciones villanescas interpretadas por el pueblo.
Formadas por estrofas y estribillo, se solían acompañar de instrumentos de
percusión. Su carácter religioso aparecerá dos siglos más tarde. Los instrumentos
del folclore castellano son la gaita, chirimía, tambor, tamboril, pito, castañuelas y
dulzaina, siendo Agapito Mazaruela el que revitalizo el uso de la dulzaina. El baile
típico es la jota, con las mismas características que en la rioja.
*Extremadura: el folclore típico de Extremadura son las canciones de ronda,
canciones de trabajo y las jotas (compás ternario y ritmo vivo).Los instrumentos
típicos son la dulzaina, el tamboril y las castañuelas.
*Andalucía: el instrumento típico de Andalucía es la guitarra (instrumento de
cuerda pulsada, seis cuerdas, caja de madera estrechada en el centro con una
boca, y un mástil con trastes, en la parte de arriba esta el clavijero con seis
clavijas, estas cuerdas están unidas por el puente).El folclore de esta región es el
flamenco, aparece a finales de s. XVII y principios del s. XVIII aunque su edad de
oro es en el s. XX.
-Características del flamenco:
1-Baile individual, aunque para escenificarlo se realiza por parejas.
2-No tiene grandes desplazamientos, bailándose en un espacio muy reducido.
3-Se improvisa mucho guiándose por el sentimiento del intérprete.
4-Se acompaña por la guitarra, que marca el compás.
5-Es sereno, elegante y concentrado en sus posturas.
6-El movimiento de los pies es fundamental. Se distinguen tres tipos: zapateado,
punteado y golpes fuertes de pie contra el piso.
7-Esta muy influenciada por los gitanos.
-Tipos de bailes flamencos:
1-Fandango: danza de ritmo ternario y movimiento vivo que se acompaña de
guitarras y castañuelas, es típico de Granada y Málaga.
2-Bulerías: danza de compás ¾ típico de Jerez, Cádiz y Sevilla.
3-Sevillana: es la más popular, típico de sevillana, con ritmo ternario y muy vivo.
4-Soleares: danza flamenca con una introducción guitarristica. Típico de todos los
lugares.
5-Saetas: canción espontánea y a capella, generalmente ante la virgen.
*Aragón: la gran forma musical de esta región es la jota, su nombre deriva del
verbo castellano soltar que quiere decir saltar y bailar. Musicalmente está
constituida por una parte instrumental denominada variaciones, que están
formadas por frases de ocho compases a los que anteceden cuatro acordes. Los
danzantes marcan el ritmo con castañuelas y pitos, a estas variaciones les sigue
una copla cantada a solo y a la que acompañan los instrumentos muy
suavemente, la copla está formada por frases de cuatro o cinco compases cada
una. Los instrumentos típicos de Aragón son las guitarras o guitarrillos,
guitarrones, bandurrias, triángulos, castañuelas y panderetas. La jota aunque es
propia de Aragón se ha extendido ya por toda España y la letra puede expresar
todos los sentimientos y estados de ánimo.
*Asturias: la danza típica se denomina danza prima, es un baile que tiene forma de
romance y narra los amores de una infanta mora y un galán cristiano, y que
intercala exclamaciones religiosas, Jovellanos describe la manera de bailarla en el
s. XVIII, se baila en dos círculos concéntricos pudiendo existir otro de niños que
están trabados por el dedo meñique, y se reúnen para bailarlo los días de fiesta
alrededor de la iglesia, el hombre y la mujer más viejos guían el canto intercalando
cada dos versos invocaciones religiosas, se acompañan por la gaita. Otra danza
típica es el corrí-corrí que se baila el día de San Juan o el día de San Pedro y lo
baila solo un hombre al que se le llama bailin, rodeado por mujeres, se acompaña
la melodía por tambor y panderetas.
Cultura y música
Buena parte de las culturas humanas tienen manifestaciones musicales. Algunas
especies animales también son capaces de producir sonidos en forma organizada;
lo que define a la música de los hombres, pues, no es tanto el ser una
combinación "correcta" (o "armoniosa" o "bella") de sonidos en el tiempo como el
ser una práctica de los seres humanos dentro de un grupo social determinado.
Independientemente de lo que las diversas prácticas musicales de diversos
pueblos y culturas tengan en común, es importante no perder de vista la
diversidad en cuanto a los instrumentos utilizados para producir s, en cuanto a las
formas de emitir la voz, en cuanto a las formas de tratar el ritmo y la melodía y sobre todo- en cuanto a la función que desempeña la música en las diferentes
sociedades: no es lo mismo la música que se escucha en una celebración
religiosa que la música que se escucha en un anuncio publicitario, ni que la
música que se baila en una discoteca. Tomando en consideración las funciones
que una música determinada desempeña en un contexto social determinado
podemos ser más precisos a la hora de definir las características comunes de la
música, y más respetuosos a la hora de acercarnos a las músicas que no son las
de nuestra sociedad.
La mayoría de las definiciones de música solo toman en cuenta algunas músicas
producidas durante determinado lapso en Occidente, creyendo que sus
características son "universales", es decir, comunes a todos los seres humanos de
todas las culturas y de todos los tiempos. Muchos piensan que la música es un
lenguaje "universal", puesto que varios de sus elementos, como la melodía, el
ritmo, y especialmente la armonía (relación entre las frecuencias de las diversas
notas de un acorde) son plausibles de explicaciones más o menos matemáticas, y
que los humanos en mayor o menor medida, estamos naturalmente capacitados
para percibir como bello. Quienes creen esto ignoran o soslayan la complejidad de
los fenómenos culturales humanos. Así, por ejemplo, se ha creído que la armonía
es un hecho musical universal cuando en realidad es exclusivo de la música de
Occidente de los últimos siglos; o, peor aún, se ha creído que la armonía es
privativa de la cultura occidental porque representa un estadio más "avanzado" o
"superior" de la "evolución" de la música.
Otro de los fenómenos más singulares de las sociedades occidentales (u
occidentalizadas) es la compleja división del trabajo de la que es objeto la práctica
musical. Así, por ejemplo, muchas veces es uno quien compone la música, otro
quien la ejecuta, y otro tercero quien cobra las regalías. La idea de que quien crea
la música es otra persona distinta de quien la ejecuta, así como la idea de que
quien escucha la música no está presente en el mismo espacio físico en donde se
produce es solamente posible en la sociedad occidental de hace algunos siglos; lo
más común (es decir, lo más "universal") es que creador e intérprete sean la
misma persona.
Música y religión
Música Cristiana es la definición que recibe la música dedicada a Cristo. Es la
música que se ha escrito durante los últimos dos mil años para expresar de
manera, ya sea personal o comunitaria las creencias con respecto a la vida
cristiana y la fe. Temas comunes de la música cristiana incluyen alabanza,
adoración, penitencia y lamento, y sus formas varían ampliamente en todo el
mundo.
Bajo el título de música cristiana se engloba la gran diversidad de movimientos
musicales cuyo contenido o motivación es principalmente cristiana.
Al igual que otras formas de música su creación, funcionamiento, importancia, e
incluso la definición de música cristiana varía en función de la cultura y el contexto
social. La música cristiana está compuesta e interpretada para muchos fines, que
van desde el placer estético, religioso o ceremonial, o como un producto para el
mercado del entretenimiento.
Lección 3.
La música y la danza folclórica en Colombia.
Definición de Folclor
Folclor viene del vocablo inglés folklore, el cual está dividido en dos raíces, Folk:
pueblo y lore: saber. "Para los folclorologos, el pueblo es aquel que posee
supervivencias muchos siglos de duración, ya sean auténticas, sin mezcla alguna;
o aculturadas, con diversidad de elementos en su conformación".
El interés del pueblo es expresar supervivencias de hechos antiguas, sin importar
la clase social o estamento. "El concepto loredel folclor ha sido definido como el
saber popular. Se trata de la erudición del pueblo, representadas en las
supervivencias de hechos antiguos que han penetrado profundamente y son
vigentes en la mentalidad popular".
Identidad histórico-cultural del pueblo colombiano
Está conformado por:
El indígena, el español y el africano. Su mezcla racial y cultural le asigna a
Colombia un lugar especial entre las naciones tri-hibridas, de conformación
especialmente mestiza.
La primera sociedad histórico-cultural es la indígena o aborigen la cual tuvo
vigencia durante varios milenios de años. Son pueblos asiáticos y oceánicos que
desarrollaron su propia cultura.
En el siglo XVI penetró la sociedad española con un sistema de vigencias,
creencias, usos, tradiciones y formas de vida de la cultura occidental cristiana.
Este dominio colonial tuvo vigencia durante los siglos XVI, XVII y XVIII. Durante
los años del coloniaje otro elemento penetró en la cultura social de la etnia
colombiana: el negro africano, traído en esclavitud. Este hombre se localizó en las
costas atlántica y pacífica, valles del Magdalena y el cauca y regiones diversas de
las minas y las haciendas.
En el contacto de los tres elementos etno-culturales de Colombia encontramos dos
etapas claramente diferenciadas:
Etapa de deculturación: Con choque violento que llevó a la destrucción de gran
parte de la cultura dominada y a la disminución de los pueblos avasallados.
Etapa de aculturación: Se fusionan elementos étnicos y culturales, la sociedad
española producto de la civilización occidental cristiana con profundas raíces en
las civilizaciones griega y romana, hace contacto con las culturas aborígenes y
posteriormente con los restos culturales negros absorbiendo algunos valores, e
implantando un sistema de creencias y vigencias de gran dimensión.
En el estudio del folclor colombiano se tiene en cuenta un factor surgido en el
proceso de aculturación: el desajuste entre sociedad y cultura que acompañó el
establecimiento de los españoles en el Nuevo Reino de Granada. La sociedad
colonial se desarrolló en un nuevo ambiente geográfico, experimentando una
adaptación a un medio social diferente, y siendo a la vez dependiente cultural de
la península.
Dichas etapas nunca llegaron a los niveles superiores de la sociedad, pues en
ellos prevaleció la dependencia directa de España.
De acuerdo con las regiones sociales el hibridismo presenta las siguientes
diversidades:
Cultura mestiza: localizada en los andes cordillerano producto de la fusión
hispano-aborigen.
Cultura mulata: localizada en las costa atlántica y pacífica y valles interandinos de
ardiente clima tropical conformada por supervivencias negras, españolas e
indígenas.
Cultura mestiza e indígena: localizada en los llanos orientales.
Cultura indígena: característica de la Amazonía colombiana; pueblos Tukano,
Makú, Ticuna, Huitoto, Carijona, Kofán, Coreguaje y otros.
Música en el folclor colombiano
Las supervivencias musicales son aquellos valores tradicionales que han
penetrado en el alma popular, la música folclórica es el patrimonio de las culturas
populares dentro de las sociedades civilizadas.
En las zonas costeras y en los valles interandinos se profundiza con las
supervivencias de la música negra africana, y sus adaptaciones y mezclas con
otros elementos en el espacio vital colombiano.
La música folclórica se perpetúa por medio de la tradición oral; es colectiva, no
existe en ella una distinción formal entre quien la compone, ejecuta y escucha; es
vernácula es decir, nativa; es autóctona y tradicional, manifestándose continua y
permanentemente.
Ese espíritu de autenticidad popular se percibe en las fiestas campesinas, en los
bailes de casorios, fiestas veredales, romerías, carnavales, fiestas tribales y otras
manifestaciones de alegría popular. Melodía, ritmo y danza se han transmitido de
generación en generación y hacen parte del saber popular colombiano.
La música folclórica es de origen anónimo. Estos aires vernáculos son producto de
la música trasculturada de diversos matices, adaptada por los sectores bajos del
población que durante la colonia conoció los instrumentos, canciones y danzas de
los salones aristocráticos españoles y criollos. Estos aires y danzas fueron
adaptados por el pueblo a sus propios sentimientos, dándoles un ritmo propio
mezclado en algunos casos con la tristeza aborigen y en otros con la alegría
bullanguera de los negros.
El anonimato de la música folclórica no se refiere a la obra particular sino al
conjunto de sistema tonal, rítmico y armónico en que se articula; se considera en
ella el movimiento en el tono, en el tiempo y la influencia recíproca entre las
secciones individuales de la composición (forma); además se consideran otros
aspectos como la dinámica, el color, etc.
En la aculturación, la música española se difundió con fuerza y absorbió casi por
completo a la música indígena. La música negra sobrevivió al unísono con la
española, dejando las supervivencias y el carácter alegre y festivo, manifiesto en
nuestro folclor costeño del atlántico y el pacifico. La música indígena sobrevivió
aislada sólo en aquellas áreas donde los aborígenes no recibieron el impacto de la
aculturación, son estos los indígenas diseminados en las selvas del amazonas,
llanos orientales, litorales colombianos y diversas áreas de oriente y occidente.
Supervivencias españolas en el folclor musical colombiano
En su proceso de colonización y difusión cultural los españoles transmitieron sus
cantos, danzas, aires musicales e instrumentos en todas sus colonias de ultramar.
En las tertulias y fiestas de la aristocracia colonial en las veladas de las huestes
conquistadoras, en las fiestas de diversión popular, en las haciendas y en las
nacientes urbes coloniales, se conocieron los aires españoles. Una música con
mezcla de alegría flamenca y andaluza, con la melancolía y cadencia castellanas y
el misterio sonoro de la arábiga.
En la época de los reyes católicos perduraban aún las canciones populares del
Medioevo: romances, canciones dramáticas, canciones de danza, pastorela,
canciones de alba, canciones piadosas, villancicos, etc.
En el siglo XVI se caracterizó la canción acompañada en la vihuela y en la
guitarra. En el siglo XVII fue popular la danza del ballo (aparece como
supervivencia en el baile del tres del altiplano cundiboyasense). En el Chocó
aparece como supervivencia la jota, donde se ejecuta con flauta, conunos, bombo
y guasá. A principios del siglo XIX se habla del bambuco como baile criollo
nacional.
Instrumentos musicales: los españoles introdujeron la guitarra la bandola, el
requinto, el tiple y demás variantes instrumentales de cuerda. También
introdujeron la chirimía, especie tosca de oboe. En la época colonial y el siglo XIX
las chirimías acompañaron las procesiones y coros de los templos. Los chirimeros
eran a manera de heraldos que encabezaban los cortejos procesionales en las
ceremonias religiosas y fiestas pueblerinas. Supervivencias de las chirimías se
encuentran en Chocó especialmente en las procesiones y desfiles, así mismo en
las plazas o en los cruces de las calles haciendo despertar espontáneamente el
baile popular. La revolución musical que trajo los instrumentos de viento y caña en
los siglos XVIII y XIX, cambio casi por completo las formas de música popular de
los pueblos, los cuales fueron cambiando las chirimías y conjuntos por pequeñas
bandas de música. En Colombia se da este movimiento a finales del siglo XIX y
principios del XX, entre las más famosas bandas fueron conocidas las de
Guatavita, Tunja, Girardot, Espinal , Aguadas, Sonsón, Medellín, Manizales y
otras.
Supervivencias indígenas en el folclor musical colombiano
La cultura más desarrollada fue la chibcha o muisca del altiplano cundiboyacense.
La mayor parte de esta música aborigen desapareció como consecuencia de la
destrucción de los valores indígenas en la conquista española. La música aborigen
colombiana y en general de la mayor parte de los indígenas americanos posee un
carácter mágico-religioso ligado a danzas ceremoniales.
En la Guajira encontramos la danza de la cabrita y de la chicha maya, en el
Caquetá esta la danza del pono y en el Guainía los bailes de máscaras.
Instrumentos musicales
La maraca: instrumento y símbolo mágico en todas las ceremonias, cuyo poder se
encuentra principalmente en las manos del chamán.
Entre los aerófonos: trompetas, ocarinas y flautas. Los taironas hacían flautas con
huesos humanos.
Tambores, atabales, cajas: Los liles del valle del cauca utilizaron piel humana
como membrana para sus tambores. Como supervivencia en la elaboración de
tambores aborígenes encontramos algunos de las tribus indígenas del alto Chocó,
la mayoría hechos en cuero de mico.
La música une a los indígenas con el sol y la luna y demás divinidades, en sus
esperanzas de triunfo guerrero y consuelo de la muerte. El estilo lento y
melancólico y danzas chibchas parece que se reflejó en los aires folclóricos del
altiplano andino y en especial en las guabinas, torbellinos y bambucos
cundiboyacenses.
Las supervivencias africanas en el folclor musical colombiano
El negro africano apareció en la etnia y cultura colombiana a partir de la segunda
mitad del siglo XVI. Procedentes de Sudán Occidental, Costa de Guinea y el
Congo, los negros africanos portadores de las culturas Yoruba y Bantú, las más
generalizadas en el Nuevo Reino de Granada, poblaron las costas Atlántica y
Pacífica, el Chocó, los valles del Cauca, Magdalena, Patía y sus afluentes, las
zonas aledañas a las minas de Antioquia, gobernación de Popayán y otras áreas
de explotación minera y agrícola.
Su presencia en estas regiones influyó en la conformación étnica de la población,
costumbres, magia, religión música y folclor en general.
Algunas culturas africanas se conservaron en estado puro, transmitiendo
supervivencias africanas a los pueblos contemporáneos; otras se mezclaron con
los indígenas y españoles, conformando nuevos elementos aculturados como se
observa en el Alto y Bajo Chocó. En otros casos hubo resistencia a la imposición
socio cultural española, es cuando surgen los denominados palenques, con
ancestrales supervivencias negras africanas.
La música negra es el elemento tradicional de ésta cultura que más se conservó a
través del tiempo. Su carácter mágico-religioso facilitó su ajuste al nuevo entorno
natural al cual fue sometido.
Su mayor aporte al folclor colombiano, sin duda es el ritmo y la polirítmia,
señalados hasta en el mismo gesto que hace el tamborero antes de dar un golpe
en el parche.
Los cantos negros se caracterizan por cierto juego de intervalos típicos, en los
cuales a veces la melodía toma un giro hacia el agudo como esfuerzo inicial, y
pasa al sonido grave, como reposo; en la misma forma se caracterizan por una
forma modal escolástica, con una sucesión regular en los sonidos.
El microtonalismo se hace presente en los giros ornamentales, como glisandos,
repeticiones adornadas y otra gran variedad de ornamentos. Otras características
en los cantos negros son entre otras: la forma diversa de expresar los gritos, a
veces agudos y prolongados, con numerosas ondulaciones en la melodía, la forma
de manifestar las cadencias y movimientos frenéticos, donde parece manifestarse
el frenesí de la selva.
Argeliers León en su estudio sobre " la música popular de origen africano en
América Latina", considera que generalmente los cantos negros se presentan
tanto para la colectivización, como para individualización, pues es un solista quien
lleva inicialmente la melodía y es un coro monofónico o polifónico, el que hace las
respuestas correspondientes.
La danza es otro aspecto relevante de ascendencia africana, ésta se manifiesta
como factor social donde la gente expresa sus sentimientos y exhibe su habilidad
ante el grupo.
Instrumentos musicales
El tambor ocupa un lugar especial, ya que se conoció en estos territorios con un
carácter esencialmente ritual. Los más importantes y reconocidos son:
El conuno: registrado en el Chocó
El Lumbalú: del palenque de San Basilio
La Tambora: de Tamalameque
También encontramos el sonajero de índole mágico-religiosa, y la marimba la cual
es una variación de la existente en el Congo y el Níger.
La música negra africana ha aportado numerosas supervivencias en el folclor de
los litorales Atlántico y Pacífico de Colombia, siendo la más influyente en las
fiestas y carnavales de la sociedad colombiana contemporánea.
REGIÓN ANDINA
Característica Social
Como mencionamos antes la región del altiplano cundiboyacense alberga fuerte
presencia indígena aculturada tras la conquista española. Siempre se distingue un
aire de melancolía en la música de esta región, según parece consecuencia de la
tristeza del indígena por causa de la conquista y colonia.
Aires de la región Andina
El Bambuco
Es, sin duda alguna, la máxima expresión del folclore andino colombiano. Son muy
variadas las versiones en cuanto a su origen, siendo quizás la más generalizada la
de su origen africano, sostenida inicialmente por el escritor Jorge Isaacs en su
libro "La María" y luego compartida por un importante número de investigadores,
folclorólogos e historiadores sobre nuestra música.
Tal versión dice que el nombre de "bambuco" fué tomado de la palabra "bambuk",
nombre de un río de la región occidental africana, donde se bailaba un ritmo
similar, pero de ninguna manera coincidente con el baile del bambuco colombiano
que todos hemos conocido.
Existen varias hipótesis acerca de la proveniencia del bambuco. La hipótesis
indígena defiende la proyección de la música chibcha, por esencia triste en el
ritmo lento de los aires folclóricos del altiplano andino.
La hipótesis africana surge del maestro Guillermo Abadía que ha expuesto la tesis
hoy muy aceptada sobre el nombre de la palabra "bambuco" con la cual se
designa un instrumento de los negros antillanos; ellos llamaban "bambucos" a sus
instrumentos caránganos, hechos en tubos de bambú.
La hipótesis española: habla sobre la posible ascendencia vasca en el ritmo del
bambuco; entre ellos El Zortzico que presenta ritmos ágiles, sueltos y alegres, que
sirven de soporte a una melodía de acentos quejumbrosos que forman un
contraste.
Se encuentra la relación del bambuco con aires populares españoles, con
adaptaciones muy propias a nuestro medio colombiano; de allí lo de folclórico. En
las primeras décadas del siglo XIX ya se menciona el "bambuco" como un aire
criollo de especial autenticidad nacional.
Para el autor el bambuco viene del Currulao, deduciendo esto por la coincidencia
que tienen los acentos en los distintos instrumentos, siendo la relación así:
a. La melodía del bambuco suele empezar y terminar en el mismo sitio donde la
tambora marca el golpe de aro o palito, además el bambuco exige ahí mismo el
acento en sus frases.
b. El golpe apagado del rasgueo en las cuerdas marca el mismo acento que los
platos o el guasá en el Currulao.
c. La guitarra o el Bajo en el Bambuco, evocan los mismos golpes del parche de la
tambora en el Currulao.
La conclusión del autor es que el Bambuco debiera ser escrito en compás de 6/8
de la siguiente manera: Si un tema que está escrito en 3/4 empieza la melodía en
el primer tiempo, entonces en 6/8 ha de escribirse empezando desde la 5ª
corchea. La cuestión es que ésta corchea siempre debe ser acentuada en la
melodía y no la primer corchea del 6/8 como se puede suponer.
Para otros investigadores su origen es chibcha y para otros es español. Y es
desde Colombia que llega el bambuco a Centro América, las Antillas y México,
debido principalmente a las giras de Pelón Santamarta por esas tierras con su
dueto "Pelón y Marín".
Después de varios años de residencia en Yucatán, Pelón Santamarta sembró en
los músicos de la península mexicana el interés por nuestro bambuco, y fue así
como surgieron una serie de conocidos bambucos mexicanos con la misma forma
exacta del nuestro.
En sus inicios el bambuco se interpretó con bandola, tiple y guitarra. Su canto es
preferentemente para ser interpretado a dueto de voces, de los cuales han dejado
profunda huella por su gran calidad instrumental y vocal. Poco a poco los
compositores de cada nueva generación le fueron introduciendo orquestaciones
más amplias y complejas, siendo así que en la actualidad se interpreta en todo
tipo de conformaciones instrumentales y vocales. Desde un solista hasta una
orquesta sinfónica y coro.
Pereira, "la capital mundial del bambuco", realiza anualmente su "Festival Nacional
del Bambuco" en homenaje al poeta de esa tierra, Luis Carlos González, quien es
considerado como el más importante autor de poemas folclóricos que con música
de los más destacados compositores colombianos se han vuelto bambucos.
El Pasillo
El pasillo es el aire y la danza de la libertad, pues se gestó como expresión de
alegría en el trance mismo en que lográbamos la independencia de España. Es el
encuentro entre dos ritmos y danzas de muy opuesto origen: el torbellino de
nuestros indígenas y el vals europeo. Son diversas las versiones sobre el origen
del nombre de "pasillo", pero las más repetidas coincidencias de concepto a este
respecto son las que hablan de su derivación de la manera de dar pequeños
pasos, o "pasillos", sus bailadores.
El pasillo es uno de los ritmos más profundamente colombianos y un símbolo de
mestizaje indo-europeo que nace en el instante en que se afirmaba jubilosamente
el alma nacional con las gestas de independencia.
Es un ritmo que se encuentra en casi todas las zonas geográficas del país: Desde
San Andrés y Providencia, Chocó, Mómpox y toda la Zona Andina, con una gran
autenticidad folclórica en cada una de ellas, lo cual se refleja en el uso de su
propia organología y en sus figuras y peculiares estilos al danzarse.
Es así como el pasillo isleño se interpreta con mandolina, tináfono y carrasca de
burro, el del pacífico con una típica chirimía chocoana y el andino con los
diferentes instrumentos típicos de la región. En el departamento de Caldas,
encontramos las siguientes modalidades de pasillo: toriao, arriao, boliao,
arrebatao, a lo desconfiao, sarandiao, a lo acostado y marcado. En el pacífico
encontramos el pasillo Fiestero, Clásico, Parche y parche, Cajoneado, Barresala,
Rebolao etc.
Diferencias entre el Pasillo y el Bambuco
Melodía:
El bambuco posee un fuerte carácter lírico, está sujeto a frases cadenciosas y al
ritardando. Típicamente es diatonal. Casi siempre sus melodías son muy
melancólicas, remembrando el aire indígena de donde nacen. El bambuco y la
poesía van de la mano.
Los duetos vocales adoptaron al bambuco como su preferido. Suele empezar cada
frase en el primer tiempo del compás 3/4 según la forma que lo escriben los
tradicionalistas; por eso debe acentuarse ese pulso en todo momento. También es
punto de llegada el mismo pulso del compás.
También se agrupan figuras que coinciden con 6/8, generando hemiolas. La
melodía del bambuco instrumental depende más de la armonía casi siempre
delineando cada acorde, es decir moviéndose sobre los arpegios
correspondientes.
El pasillo es de carácter fiestero, las cadencias apenas se muestran en las
introducciones o al final. El pasillo se hizo fuerte en formatos instrumentales, no
vocales. Al ser instrumental sus melodías presentan fuerte uso del cromatismo.
También delinea la armonía sobre todo en las cadencias de sección.
Forma- Armonía:
El pasillo presenta formas tripartitas, también puede tener una corta introducción.
Su tratamiento armónico es más avanzado que el del bambuco (típicamente),
debido a su carácter instrumental: sustituciones, préstamo modal.
El bambuco es más típico en su forma de canción: introducción-Estrofas-coros- y
algunas veces interludios instrumentales. Su tratamiento armónico es menos
osado que el del pasillo (típicamente), presenta dominantes secundarias. Tanto el
pasillo como el bambuco modulan de una tonalidad menor a su paralela como una
constante típica de la música de la región andina.
Acompañamiento:
El pasillo está basado en una fórmula de acompañamiento compuesta de tres
notas de distinta acentuación en este orden: larga, corta, acentuada. Admite gran
variedad de ritmos: El instrumento rítmico-armónico no suele tocar en el primer
tiempo, mientras el bajo casi siempre debe marcar el primer tiempo.
Por su parte el bambuco presenta un acompañamiento de carácter más
polirítmico: el instrumento rítmico-armónico marca negras con puntillo, acentuando
la segunda, mientras el bajo toca en 3 y 1, según la escritura convencional de los
tradicionalistas, siendo la del 3 stacatto. También hay bambucos que presentan
una armonía sincopada, o donde unos acordes duran más que otros, generando
un ritmo armónico irregular. Ver anexo: Bacatá de Francisco Cristancho.
REGIÓN LLANERA
Característica Social
El hombre de los llanos expresa su identidad según las vivencias que
experimenta. El llano en su historia ha pasado por distintos periodos en los cuales
la violencia ha sido uno de los más ha marcado al llanero. En un comienzo los
llanos eran territorios puramente indígenas donde se encontraban los Jirayas,
Beyotes, Tunebos, Guayupe, Sae, Churoya, Mitúa, Tama, Camonigua, Piapocos,
Sáliba, Otamaco y Chiricoa. Territorios como el Casanare fueron colonizados por
jesuitas.
Para 1850 llegan hacendados del oriente de Cundinamarca en respuesta del auge
económico y fundan allí haciendas ganaderas. En ésta región también
incursionaron venezolanos en busca de territorios propios.
Poco se habla de la influencia de la raza negra traída por los colonizadores. El
llanero se considera muy trabajador y empeñado en su labor de campo. La música
tiene un marco festivo para las llaneros, de hecho la palabra joropo designa fiesta.
En 1850 se reseña la presencia de instrumentos como el bandolín, el tiple, las
maracas. Los conjuntos de cuerdas andinas eran el formato tradicional, para 1962
llegaría el arpa de la mano de Miguel Ángel Martín.
Los golpes más conocidos del llano son: Gabán, Seis por Derecho, San Rafael,
Pajarillo, Quirpa, Seis Corrío, Merecure, Periquera, Zumba que zumba, Juana
Guerrero, Chipola y Joropo
Joropo
Tiene dos formas: por derecho y por corrío o corrido, según sea el acento que se
otorgue dentro de los compases de la estructura rítmica. El joropo define las
condiciones y formas cotidianas de existir y de entender el mundo desde el Llano.
Su ritmo es ternario, compás de 3/4.
Acompañamiento del Joropo
El Bajo en el Joropo acompaña de la siguiente manera: si es por Corrido, usa
blanca y negra como patrón básico. Si es por Derecho, usa silencio de negra
seguido de dos negras. Las frases siempre se marcan cada cuatro compases, ya
sea haciendo tres negras en ese último compás, o usando corcheas adicionales.
Instrumentos
El arpa llanera se conserva intacta tal cual el arpa feudal. El cuatro tiene su
antecesor en la vihuela, pero ya no en función melódica sino armónica. La bandola
llanera evolucionó de la badurria y del bandolín españoles e italianos. Los
capachos eran las maracas indígenas más grandes. Antes era raro ver a mujeres
cantando, hoy en día hay grandes exponentes femeninas del género. Actualmente
se usa Bajo el cual hace lo mismo que el bordón del Arpa.
REGIÓN DE LA COSTA ATLÁNTICA
Ritmos:
La Cumbia
El nombre cumbia es apócope de la cumbiamba, término que tiene relación con la
voz antillana "cumbancha", que en Cubasignifica jolgorio o parranda. Se derivan
de la voz negra "cumbe", danza, es la más importante por ser una tonada de la
región es la cumbia, aire zambo formado por melodía indígena y ritmo de
tambores negros. La cumbia clásica nunca se canta y es solo danza y toque
instrumental
Es el resultado de la mezcla entre los ritmos indígenas, la gracia y picardía del
negro.
La cumbia es un ritmo lento y cadencioso, su melodía se ejecuta originalmente
con flauta de millo y con gaitas. En el Atlántico para tocar la cumbia se usa la
flauta de millo; que casi no es usada por los grupos que se dedican a este folclor
la mayoría usan el pito atravesado llamado carrizo el cual tiene las mismas
características de la flauta de millo pero es más fuerte en intensidad.
La cumbia es el ritmo y danza que por haber tenido más repercusión internacional,
identifica musicalmente a Colombia.
El carácter africano de esta palabra se confirma en la confluencia de dos
vertientes etimológicas: de una parte tenemos que la voz " kumba" fue un gentilicio
y un toponímico muy extendido en África Occidental, desde el Congo hasta el
norte de Guinea: y es así como Cumba fue un Reino del Congo. A su vez la raíz "
kumba" está muy difundida en esta zona de África, al punto que entre los congos "
kumba" significa gritar, hacer ruido, rugir; "kumbú" es escándalo, gritería " kemba "
es irse de fiesta , y " kembala" es festejar, siendo "nkumbi" un tambor, y por su
parte la palabra "nkumba" (que significa ombligo) está relacionada con la acción
de la " ombligada" (o vacunado) de ciertos bailes como el de la "yuca" y cuyo
significado es también "golpear" , aludiendo quizá al "golpe" reciproco de los
ombligos contrapuestos en cierto momento del baile y de donde se deriva el
"vacunado" del guaguancó, según ya vimos. Así como en Cuba de " ´cumbé"
(baile de negros, o son al que se baila éste) se derivan los afrocubanísimos
cumbancha, cumbanchear, cumbanchar y cumbanchero, de nuestra cumbia
colombiana, a su vez, se desprenden cumbiamba y cambambero.
Instrumentos de la Cumbia
De Percusión Membranófonos: Tambora o Bombo, Tambor Llamador (Tambor
Macho), Tambor Alegre (Tambor Hembra).
Ideofonos: Las Maracas, El Guache.
Aerófonos: El Pito Atravesado (Flauta de Millo, Carrizo, Lata o Carrucha). Gaitas
(Hembra y Macho), Gaita Corta (Requinto o Machinbriao).
Gaita hembra y macho
Se fabrican de corazón de cardón llamado guamacho, un cactus típico de las
zonas áridas al que se le coloca en el extremo superior un fotuto de cera de abeja
provisto de una plumilla de pavo o guacharaca para insuflar el aire.
Este Instrumento tiene los tres reinos (Reino vegetal, animal y mineral).
El Reino Vegetal: Es el corazón del cardón.
El Reino Animal: La pluma de pato o pavo.
El Reino Mineral: El carbón que ligan con la cera en la cabeza de la gaita.
La Tambora
La Tambora es el ritmo representativo de la cultura de las regiones ubicadas en la
Depresión Momposina y el Sur del Departamento de bolívar, extendiéndose a la
parte sur de Magdalena y Cesar. Organológicamente el Conjunto Tambora, está
integrado por la Tambora o Bombo, un currulao o tambor alegre, una cantadora
solista, coro mixto que la acompaña con palmas o tablitas (gallitos) y
modernamente los ideófonos, Maracas y guache. Rítmicamente comprende varios
sones entre los que se destacan, la Tambora -Tambora, el Berroche, la
Guacherna y el Pajarito o Chandé.
El Porro
Otro de los aires folclóricos de la Costa Atlántica colombiana es el porro un baile
originalmente danzado por los negros esclavos en torno de los tambores de forma
truncada y de una sola membrana llamados "porros". El porro antiguo parece que
se tocaba en la Costa Atlántica con instrumentos indígenas complementados con
el ritmo que hacia un coro a usando las palmas de las manos y repitiendo
estribillos convencionales.
El porro moderno recibió el aporte foráneo del instrumental de vientos, que es el
que actualmente se baila principalmente en los departamentos de Córdoba y
Bolívar.
Existen dos variedades de porro que han sido estudiadas por los folclorólogos de
la música costeña: El porro palitiao o gaita con ritmo lento, en cuya interpretación
el bombo hace una pausa en los estribillos y en algunos momentos se golpea en
el aro con dos palitos que llevan el ritmo a manera de cencerro, por lo cual
algunos lo llaman "palitiao". La otra variedad del porro es "el tapao", llamado
también "puya", en cuya interpretación jamás deja de sonar el bombo y a cada
golpe se va tapando el parche opuesto con la mano, esto es, se oprime este
parche opuesto para que no vibre más; y, a esta presión de la mano se le llama
regionalmente tapar de allí el nombre de porro tapao que antiguamente se bailaba
en forma suelta.
El Fandango
El Compa'e Goyo, compositor y poeta cordobés, explicó por qué se impuso la
banda en la fiesta de corraleja, así: ... no hay pueblo en esta región que no tenga
un día especial en el calendario del año donde festeje sus santos patronales, la re
colección de la cosecha o su fundación.
Siempre lo festejan con fiestas de corraleja y con fandango por la noche, como
estas fiestas se hacen a la intemperie en una corraleja que tiene prácticamente
una hectárea donde no hay acústica, vemos que el acordeón no suena como
tampoco los pitos y tambores de los cañamilleros y gaiteros, entonces lo único que
sirve es la banda, una banda conformada por quince músicos que llene toda la
plaza, bandas que están tocando los porros nuestros, los fandangos, las puyas,
los bullerengues, mapalés, cumbias gaitas; por la noche viene lo que se llama
propiamente "fandango".
El fandango es un ritmo rápido de compás binario 6/8. Presenta dos secciones en
la melodía. Es de carácter instrumental y fiestero.
Acompañamiento
Para este ritmo me base en el tema Tres Clarinetes versión de Concurs Fanfares
San Pelayo. La función de bajo está determinada por la tambora, por esto
determiné las frases de dicho instrumento, definiendo tres frases claras, que se
aplican para cada sección de la melodía. Se determinó usar un registro sonoro
grave para dar efecto de tambora, usando varias notas en staccatto para que
tenga un sentido más percusivo. Ver anexo Tres Clarinetes.
REGIÓN PACIFICA
Se divide en dos zonas: Pacífico Centro Norte, que va de las bocas del río San
Juan hacía el norte hasta la frontera con Panamá, abarcando todo el
departamento del Chocó, y Zona Centro Sur, de bocas del río San Juan hasta la
frontera con Ecuador abarcando los departamentos de Valle del Cauca, Cauca y
Nariño.
Instrumentos
Instrumentos autóctonos (de origen africano):





Guasá (Pacífico Sur)
Marimba (Pacífico Sur)
Cununo (Sur y Norte)
Flauta de Carrizo (Pacífico Norte)
Tambora (Norte y Sur)
Instrumentos influenciados (de origen europeo):




Redoblante o Requinto (Norte)
Platillos (Norte)
Clarinete (Norte)
Fliscornio, Bombardino o cobre (Norte)
Pacifico centro norte - Chocó
Origen Del Folclor Chocoano
El origen del folclor chocoano en su mayoría es africano, con una mezcla
española, puesto que casi la totalidad de sus componentes son de raza negra. El
aspecto español lo heredó de los esclavos quienes después de las fiestas de sus
amos empezaban a burlarse imitando sus danzas y bailes. El hombre chocoano es
muy espontáneo en su folclor, lo vive, baila y danza con el alma, con el cuerpo,
con el espíritu. El folclor chocoano es muy variado y abundante.
El folclor musical en el Chocó se remonta a la época en que los negros se reunían
en momentos de alegría, en los denominados "Bailes de Pellejos" porque eran las
pieles de animales las que componían los tambores, el alma de la fiesta. Como el
Chocó es un pueblo alegre, la música hace parte de uno de los aspectos más
importantes de su vida.
Existe en el Chocó un formato musical llamado Chirimía, compuesto por flauta,
tambora, bombos macho y hembra, clarinete, bombardino y requinta o redoblante.
Este formato se presta para las fiestas, ceremonias o procesiones callejeras ya
que los ejecutantes pueden interpretar sus instrumentos mientras caminan. Sin
embargo existe hoy día una variante en el redoblante, el cual es fijado sobre una
base trípode llamada "pat'e gallina" a su vez en el borde del redoblante se instalan
dos pequeños tambores -uno hembra y uno macho- un plato, una cajita china y un
cencerro.
Instrumentos
Clarinete
Instrumento musical aerófono de llaves con boquilla, de origen europeo, que en el
Chocó remplaza a la flauta o corneta encargada de llevar la melodía.
En la Costa Pacifica se usa sólo en el Chocó específicamente en las orillas del
Atrato y San Juan.
Bombardino
Aerófono de metal, acompaña al clarinete o conjunto en el que lleva la melodía.
Bombo o Tambora
Membranófono, es un tambor mediano de dos parches de piel de animal con
llaves de cabuya o bejuco de procedencia indígena (noanamá) cuyo cuerpo
cilíndrico se saco de un árbol llamado balso.
Requinta
Es un redoblante más pequeño, a veces fabricado en forma globular utilizando una
calabaza cortada, pero dotada de la cuerda vibrátil. En el Chocó se hace un tronco
cilíndrico con dos parches, y sirve como acompañamiento en el conjunto de la
chirimía; se toca con dos palitos semejantes a los que usan las bandas de música
de origen europeo.
Los platillos
Instrumento de percusión de origen europeo. Los platillos son del grupo de los
idiófonos, son de forma circular y se construyen en hierro.
El guasa
Es un instrumento idiófono típico del litoral o Costa Pacífica, se construye con
guadua de 40 a 60 cms de largo aproximadamente por 6 u 8 cms a 10 cms de
diámetro. Va sellado o cerrado, esto una característica de la nudosidad propia de
la guadua, por el otro lado va sellado por una tapa de la misma caña o guadua,
contiene adentro piedras, semillas, etc., su ejecución es en una forma diagonal
moviendo arriba y abajo batiendo brazos.
Marimba de Chonta
También es de la Costa Pacífica. Se construye con tarros de guadua cortados de
mayor a menor, se cuelgan en forma vertical y cubiertos por tablillas de chonta,
que se golpean con palos protegidos con bolsas de caucho. Es un instrumento de
percusión del grupo de los determinados ya que produce alturas sonoras, se utiliza
para
tocar
melodías
con
un
revés
de
acompañamiento.
El Cununo
Es un tambor de forma cónica originario de la Costa del Pacifico, posee cuero o
membrana y está cercado en el fondo. El fondo del cununo de la Costa Atlántica
esta abierto, esta es su diferencia, se construye cununo hembra y macho; el
cununo hembra pequeño y el cununo macho más grande. Es un instrumento de
percusión
y
pertenece
al
orden
de
los
indefinidos.
Flauta de Carrizo
Es una flauta transversal, se construye del tallo seco de una caña de la región
parecida al bambú , tiene como característica ser fibrosa por dentro y de fina
textura
por
fuera.
Existen ejemplares de diferentes dimensiones según la apreciación de quien lo
construye y quien lo ejecuta. Su patrón es variado y el ideal es de 65 cms. 3 de
diámetro y en cada dos perforaciones una distancia de 5 cms, aproximadamente.
Expresiones Musicales del Choco
El departamento del Chocó es rico en expresiones culturales y folclóricas que
permanecen intactas debido a la preocupación de los nativos por conservar sus
tradiciones. La mayor influencia viene de la cultura africana y, con el devenir del
tiempo, se ha ido mezclando con la cultura indígena y a su vez con todos los
aportes del mestizaje.
En el Chocó los grupos humanos se forman en las riberas de los ríos, en
pequeños poblados que viven de la minería del aluvión y de la agricultura del
autoabastecimiento, como formas de trabajo independientes. El sistema de vida
depende
de
la
economía
fluvial,
principalmente.
Aires Musicales
Los aires musicales autóctonos, llamados "música negra", poseen una estructura
rítmica sincopada y casi todos son Bimembres, lo que equivale a decir que
presentan dos períodos. También se clasifican en la fórmula responsorial, propia
de la música africana, en donde se escucha la Antífona, que lleva la estructura de
preguntas con una melodía que normalmente hace un solista, y una respuesta de
la que se encarga el coro. En esta forma cantaron y siguen cantando a los santos,
a los patronos de sus veredas o municipios, a vivos y a muertos ya adultos o
niños; a las tareas diarias y a un sinnúmero de acontecimientos.
El canto es, en el negro, el ingrediente primordial para vivir; por ello posee
condiciones naturales para hacerlo en forma primorosa, con un estilo único y muy
peculiar.
Currulao
Este es el ritmo más destacado y conocido del litoral pacífico. Posee canto y
danza con el instrumental típico (cununo, guasá y marimba). En la actualidad y en
algunos casos se toca en el formato de chirimía. Es un ritmo binario y su compás
más utilizado es el 6/8. La letra del Currulao hace referencia casi siempre a un
lamento o a un suceso de la vida campesina del hombre chocoano. El patrón del
Currulao al variar en su recorrido geográfico da origen a otros subgéneros aunque
se denominan independientemente como "aire o golpe de "...
Las voces utilizadas en el canto del Currulao se integran espontáneamente sin
ningún esquema predeterminado. De este aire se derivan ritmos como el
Bullerengue, el Bunde, la Juga, el Berejú, el Patacoré, el Abosao, arrullos y
romances entre otros.
El baile se desarrolla por lo general en la playa o a orillas de los ríos, donde
hombre y mujer desarrollan un ambiente de flirteo sin rozarse. Se dice que es la
danza que mejor sintetiza la herencia africana.
La percusión del Currulao siempre posee carácter de diálogo entre cada
instrumento. Dos tamboras interactúan así: Mientras una lleva una base más
cerrada, marcando siempre los acentos propios del género, la otra realiza
contragolpes a partir de la base, dando posibilidad de improvisar. Igual sucede con
los cununos: uno es el marchante y otro el cantante o variador.
La marimba de Chonta, su ejecución percusia y melódica modal se divide en dos
segmentos, siendo el primero de "bordoneo" o base rítmico armónica y el segundo
de "prima, repique o repicado" en el registro superior del instrumento. Por su
afinación obliga la forma del canto, factor determinante para entender tanto la
afinación como la internalice melódica del Currulao.
Acompañamiento
El bajo tiene varias posibilidades para funcione en el Currulao. Puede desempeñar
una función rítmico armónica al igual que el bordoneo de la marimba. Por ende
puede tomar estos patrones de acompañamiento. También puede tomar los
patrones percusios de la tambora golpeadora o la de base, y al tiempo marcar la
armonía. Al fusionarlo con la ambigüedad tonal de la marimba no presenta mucho
complique. Ver anexo Patrones de Tambora para el Currulao.
El Arrullo
Se llama arrullo a las canciones de cuna, aunque en las veredas también las
acostumbran a cantar en los guarí o velorios de niños y en las celebraciones de
navidad. En estos casos pueden ser una o varias voces, siendo muy común el
estribillo cuando hay coro.
Es común encontrar a una madre o abuela cantando estos arrullos para hacer
dormir a su pequeño; aquí le demuestran la ternura, el amor, y el deseo de suplir
las comodidades materiales ofreciéndole un calor humano irreemplazable.
Alabado
El Alabado es el canto fúnebre en donde se emplea el diálogo, y se utiliza como
alabanza a Dios Todopoderoso, a la Virgen, y a los santos patronos. Ha dejado de
ser netamente religioso para formar parte de los festejos profanos, siendo muy
difundido entre las comunidades de la costa del Pacífico colombiano. El término
también se emplea para denominar oraciones cantadas propias de ritual funerario
en los velorios, en los novenarios y en las fiestas de los santos católicos. Los hay
de dos categorías: Mayores y menores.
Los Mayores son para Dios y los Menores para la Virgen y los santos.
Normalmente es interpretado por un grupo de Cantadoras y otro grupo de
Respondedoras, y en algunos casos se emplea el solista, haciendo narraciones.
Algunos lo asemejan y le dan el nombre de canto gregoriano negro. En el Chocó y
en la costa pacífica en las velaciones a los santos patronos se usan los alabaos y
en este caso se les llama Alumbramientos, los cuales sirven para dar gracias a los
santos que han intercedido para que se den las buenas cosechas. Los hay
cantados, rezados y bailados; éste último es el que se realiza en la fiesta patronal.
El término alabado es genérico, de él provienen Las Salves, los Responsorios, El
Santo y los Trisagios. Otra manifestación que se deriva del Alabao es el Gualí, y
corresponde al canto utilizado en el velorio de los niños hasta los 7 años, de esta
edad en adelante se canta Alabao.
Lección 4. Elementos fundamentales de la música.
Géneros y tipos de baile
El baile se aplica a muchos géneros de música para que puedan ser bailables. Así
mismo existen muchos tipos de bailes, así como variaciones de los mismos y
creaciones nuevas, pero entre los más conocidos y populares cabe destacar los
siguientes, pueden clasificarse en Clásicos y Modernos.
Clásicos:
Son aquellos bailes que se pueden apreciar por la mayoría del público, y que
pertenecen a la cultura popular. Generalmente llevan movimientos y elementos
armoniosos, suaves y coordinados. Estos bailes también se practican desde
tiempos anteriores:
Danzantes de Ballet
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Bailes de salón
Bailes Folclóricos
Danza Medieval, Barroca, Renacentista
Patinaje artístico sobre hielo
Ballet
Modernos:
Son bailes más actuales que los clásicos y que generalmente pueden ser
apreciados casi por todo el público; pues la apreciación dependerá de muchos
factores, como gustos musicales, calidad de vida y la cultura popular. Aunque esto
también ocurre con los bailes clásicos.
Bailarines de Danza contemporánea
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Rock and roll
Pop
Rock
Salsa
Tango
Hip Hop
Breakdance
Danza contemporánea
De éstos bailes, tanto modernos como clásicos, existen variantes con
movimientos, características y elementos nuevos que hacen más diversos los
géneros y así, todo tipo de personas pueda disfrutar y bailar lo que más le agrade.
Elementos fundamentales de la danza
La danza pues, es movimiento en sí y que se compone de diversos elementos
fundamentales, los cuales se interrelacionan para así, lograr transmitir emociones
al público y también para el mismo bailarín.
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Ritmo
Expresión corporal
Movimiento
Espacio
Color
Una pareja bailando Rock and roll
El uso predominante de uno u otro de los elementos del movimiento no es siempre
parejo. En ciertos bailes predomina el ritmo, en otros el uso del espacio, etc.
También es importante destacar que de acuerdo al tipo y género de baile, se
acentuará el uso de uno u otro elemento.
Cuando la danza se manifiesta con una intención determinada, diferente a lo que
es el puro bailar o como el equilibrio estético que es el ballet clásico, se puede
complementar con lo que se puede denominar "adicionales no danzantes". Éstos
son cuatro: mímica, gesto simbólico, canto y palabra. La danza sirve para
desarrollar los sentidos, la percepción, la motricidad y la integración de lo físico y
psíquico de la persona.
Coreografía
Los elementos (movimientos) y características específicas de una danza, se
utilizan para elaborar una coreografía, pero también pueden inventarse nuevos
movimientos para crear una nueva coreografía y de igual forma pueden ser
combinadas 2 o más coreografías. También se utiliza la coreográfica en ciertas
situaciones, cómo, eventos o presentaciones artísticas las famosas coreografías
en la cinematografía o el teatro.
Baile urbano
Baile Urbano
La expresión “baile urbano” o "danza urbana", se refiere a ciertos eventos,
performances y creaciones coreográficas, donde los bailarines bailan en pleno
espacio público, como lo puede ser, en la calle, en una plaza, centro comercial,
etc. Un claro ejemplo del baile urbano es el llamado breakdance, el robot-dance o
el skateboard. Dentro de esta corriente se pueden enmarcar las experiencias de
investigación de los 70, como las de Trisha Brown y Joan Jonas. También se
practican otros géneros de baile, no necesariamente breakdance y parecidos.
El sonido
El sonido es la sensación que percibimos por medio del oído cuando éste es
impresionado por medio del oído cuando es impresionado por la vibración sonora
en cantidad y potencia proporcionada.
El silencio es un equilibrio natural de importancia en la música, con los juegos de
los niños se realizan juegos que pasan de situaciones de silencio al ruido.
Cualidades del Sonido
Los sonidos se caracterizan y se diferencian entre si, por sus cualidades.
Altura
La altura o tono es el elemento más característico del sonido y depende del mayor
o menor número de vibraciones por segundo de un cuerpo, pueden ser Graves, si
las vibraciones por segundo son reducidas y Agudos si las vibraciones por
segundo son en gran cantidad.
Intensidad
La intensidad es la cualidad del sonido que depende de la amplitud de las
vibraciones y oscila entre el fuerte y el suave.
Timbre
El timbre depende la cantidad y la calidad de vibraciones que componen un sonido
determinado.
Duración
La duración es el espacio de tiempo dado a un sonido, en la música se indica
mediante signos, llamados figuras musicales, tema de la siguiente unidad.