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Música clásica
El término música clásica aparece por primera vez en el Oxford English
Dictionary en 1836 y señala las composiciones europeas más destacadas del siglo
anterior. [1] . Es el nombre habitual de la música culta, académica, docta y otros.
En la historia de la música y la musicología, es la música del clasicismo o período
clásico (1750-1820); pero en sentido popular y de mucha aceptación en medio
escrito, así lo recoge la RAE, es la música de tradición culta; sus primeras luces en
Europa se sitúan aproximadamente en 1450. Existe una expresión que abarca casi
todos los períodos para definir su época de mayor esplendor: período de la
práctica común.
Hacia 1950 la composición culta (cierta complejidad en notación e
instrumentación) comienza a situarse mayormente fuera de la tradición anterior,
mediante la composición radicalmente atonal y disonante y otras tendencias
opuestas.
Transmisión por notación
La música clásica es una tradición musical escrita, conservada a través de la
notación musical, distinto medio a la transmisión oral o por grabaciones. Si bien
hay diferencias entre las ejecuciones particulares una obra de música clásica busca
trascender cualquier interpretación musical de ella. El uso de la notación musical
es un método efectivo para transmitir la música especialmente cultivada, dado que
la música escrita contiene las indicaciones técnicas para interpretar la obra. Sin
embargo, la partitura usualmente no contiene instrucciones explícitas sobre cómo
interpretar la obra, aparte de direcciones de dinámica y tiempo; esto queda a
discreción de los ejecutantes, quienes están guiados por su experiencia personal y
su educación musical, su conocimiento del lenguaje de la obra y el cuerpo
acumulado de práctica de ejecución histórica.
Orígenes
La música clasica surgió tomando elementos de otras tradiciones musicales: la
música de la Antigua Grecia, la música de la Antigua Roma (sobre todo por sus
contribuciones teóricas) y la música de la Iglesia católica (principalmente el canto
gregoriano). Los hitos que definieron su rumbo, sin embargo, fue el
descubrimiento y posterior desarrollo de la polifonía, así como el posterior
desarrollo de la armonía, la revolución musical conocida como el Ars nova y la
evolución de la notación musical, además del estudio de la estética musical. Con la
era de los descubrimientos que comenzó en el siglo XV y posterior colonialismo, la
música clásica llegó a otros continentes y sufrió una síntesis con las tradiciones
musicales de los nuevos territorios. Encontramos expresiones de la música clásica
en Estados Unidos (p.ej. Charles Ives), Latinoamérica (p.ej. Alberto Ginastera,
Heitor Villa-Lobos, José Ángel Montero), Asia (p.ej. Tōru Takemitsu, Tan Dun),
África y Oceanía, pero que están conectadas a la música clásica de tradición
europea.
Formalización y contenido
La música culta está hecha exclusivamente para ser oída, a diferencia de otras
músicas adjuntas a otras formas de entretenimiento (la música de cine es ejecutada
a veces en salas de concierto). Los conciertos de música clásica suelen tener una
atmósfera solemne, se espera que el público esté en silencio para evitar distraer al
músico y los oyentes. Los intérpretes de ordinario visten de manera formal, una
práctica vista como un gesto de respeto para la música y el público; y tampoco
interactúan directamente o bromean con el público. Lecturas privadas de música
de cámara pueden tener lugar en ocasiones domésticas más informales.
Como en las bellas artes, la música clásica aspira a comunicar una cualidad
trascendental de la emoción, que expresa algo universal acerca de la condición
humana. Si bien la expresión emocional no es una propiedad exclusiva de la
música clásica, esta honda exploración en la emoción permite que la mejor música
clásica alcance lo que ha sido denominado lo "sublime" en el arte. Muchos
ejemplos pueden citarse para demostrar esto. Por ejemplo, la musicalización del
poema de Friedrich Schiller "Oda a la Alegría" en la Novena sinfonía de
Beethoven, que suele interpretarse en actos de independencia nacional o de
celebración, como aquella famosa ocasión en que la dirigió Leonard Bernstein
para celebrar la caída del Muro de Berlín, y la tradición japonesa de tocarla para
celebrar el Año Nuevo. Sin embargo, otros compositores, como Iannis Xenakis,
argumentan que el efecto emocional de la música en los oyentes es arbitrario y que,
por lo tanto, la complejidad objetiva o el contenido de información de la pieza es lo
supremo.
A lo largo de la historia, los padres se aseguraron que sus hijos fuesen instruidos
en la música culta desde muy temprana edad. Un experiencia musical temprana
daba las bases para un estudio serio posterior. Para aquellos que deseaban ser
ejecutantes, cualquier instrumento es prácticamente imposible de aprender a nivel
profesional si, o al menos un instrumento similar, no eran aprendidos desde la
infancia. Algunos padres buscaban la enseñanza musical por razones sociales o en
un esfuerzo por impartirles un útil sentido de la auto-disciplina; las lecciones
parecen mostrar también un incremento en el desempeño académico. Algunos
consideran que el conocimiento de las obras de la música clásica es parte de una
buena cultura general.
Influencias de la música popular
La música culta siempre ha sido influida por, o ha tomado material, de la música
popular. Los ejemplos incluyen música ocasional, como el uso por Brahms de
canciones estudiantiles para la bebida en su Obertura para un Festival Académico,
géneros ejemplificados por la Ópera de los tres centavos de Kurt Weill y la
influencia del jazz en la música de compositores de inicios y mediados del siglo XX,
como Maurice Ravel. Ciertos compositores clásicos posmodernos y
postminimalistas reconocen su deuda con la música popular. También hay muchos
ejemplos de influencia en el otro sentido, incluyendo canciones populares basadas
en música clásica, el uso que se hizo del Canon de Pachelbel desde los años 1970, el
fenómeno del musical crossover, en el que los músicos clásicos adquieren gran
éxito en el terreno de la música popular (un notable ejemplo es las series de
grabaciones "Hooked on Classics" hechas por la Orquestal Filarmónica Real a
inicios de los años 1980). De hecho, puede argumentarse que el género completo de
la música de cine puede ser considerada parte de esta influencia, dado que brinda
a la música orquestal a vastos públicos de cinemeros que de otra manera no
escucharían semejante música (no obstante, la mayoría la escuchan
inconscientemente). Compositores de música clásica han hecho uso de la música
folclórica (música creado por músicos autodidactas, la mayoría de una pura
tradición oral). Algunos lo han hecho con una ideología nacionalista explícita, otros
simplemente la han explotado como parte de su material temático. Véase: Música
clásica y la música folclórica. Algunas fragmentos de música clásica son
frecuentemente usados comercialmente (es decir, en la publicidad o como parte de
las bandas sonoras de películas de entretenimiento). En la publicidad televisiva,
algunos pasajes orquestales poderosos o rítmicos se han convertido en clichés,
partiularmente el inicio "O Fortuna" de Carmina Burana de Carl Orff (para
efectos terroríficos). Otros ejemplos del mismo género el "Dies Irae" del Réquiem
de Verdi y selecciones Rodeo de AaronCopland. Similarmente, en las películas a
menudo se recurre a pasajes clichés de música clásica para representar el
refinamiento o la opulencia: probablemente la obras más escuchada en esta
categoría es Eine Kleine Nachtmusik de Mozart.
Notación musical
La música académica occidental ha desarrollado un método de escritura basado en
dos ejes: el horizontal representa el transcurso del tiempo, y el vertical la altura del
sonido; la duración de cada sonido está dada por la forma de las figuras musicales.
Desde la antigua Grecia (en lo que respecta a música occidental) existen formas de
notación musical. Sin embargo, es a partir de la música de la edad media
(principalmente canto gregoriano) que se comienza a emplear el sistema de
notación musical que evolucionaría al actual. En el Renacimiento cristalizó con los
rasgos más o menos definitivos con que lo conocemos hoy, aunque -como todo
lenguaje- ha ido variando según las necesidades expresivas de los usuarios.
El sistema se basa en dos ejes: uno horizontal, que representa gráficamente el
transcurrir del tiempo, y otro vertical que representa gráficamente la altura del
sonido. Las alturas se leen en relación a un pentagrama (un conjunto de cinco
líneas horizontales) que al comienzo tiene una "clave" que tiene la función de
atribuir a una de las líneas del pentagrama una determinada nota musical. En un
pentagrama encabezado por la clave de Sol en segunda línea nosotros leeremos
como sol el sonido que se escribe en la segunda línea (contando desde abajo), como
la el sonido que se escribe en el espacio entre la segunda y la tercera líneas, como si
el sonido en la tercera línea, etc. Para los sonidos que quedan fuera de la clave se
escriben líneas adicionales. Las claves más usadas son las de Do en tercera línea
(clave que toma como referencia al Do de 261,63 Hz, el Do central del piano), la de
Sol en segunda (que se refiere al Sol que está una quinta por encima del Do
central), y la de Fa en cuarta (referida al Fa que está una quinta por debajo del Do
central).
El discurso musical está dividido en unidades iguales de tiempo llamadas
compases: cada línea vertical que atraviesa el pentagrama marca el final de un
compás y el comienzo del siguiente. Al comienzo del pentagrama habrá una
fracción con dos números; el número de arriba indica la cantidad de tiempos que
tiene cada compás; el número de abajo nos indica cuál será la unidad de tiempo.
Para escribir las duraciones se utiliza un sistema de figuras: la redonda
(representada como un círculo blanco), la blanca (un círculo blanco con un palito
vertical llamado plica), la negra (igual que la blanca pero con un círculo negro), la
corchea (igual que la negra pero con un palito horizontal que comienza en la punta
de la plica), la semicorchea (igual que la corchea pero con dos palitos horizontales),
etc.. Cada una vale la mitad de su antecesora: la blanca vale la mitad que una
redonda y el doble que una negra, etc..
Las figuras son duraciones relativas; para saber qué figura es la unidad de tiempo
en determinada partitura, debemos fijarnos en el número inferior de la indicación
del compás: si es 1, cada redonda corresponderá a un tiempo; si es 2, cada blanca
corresponderá a un tiempo; si es 4, cada tiempo será representado por una negra,
etc.. Así, una partitura encabezada por un 3/4 estará dividida en compases en los
que entren tres negras (o seis corcheas, o una negra y cuatro corcheas, etc.); un
compás de 4/8 tendrá cuatro tiempos, cada uno de ellos representados por una
corchea, etc..
Para representar los silencios, el sistema posee otros signos que representan un
silencio de redonda, de blanca, etc..
Como se ve, las duraciones están establecidas según una relación binaria (doble o
mitad), lo que no prevé la subdivisión por tres, que será indicada con "tresillos".
Cuando se desea que a una nota o silencio se le agregue la mitad de su duración, se
le coloca un punto a la derecha (puntillo). Cuando se desea que la nota dure,
además de su valor, otro determinado valor, se escriben dos notas y se las une por
medio de una línea arqueada llamada ligadura de prolongación.
En general, las incapacidades del sistema son subsanadas apelando a palabras
escritas más o menos convencionales, generalmente en italiano. Así, por ejemplo,
las intensidades se indican mediante el uso de una f (forte, fuerte) o una p (piano,
suave), o varias efes y pes juntas. La velocidad de los pulsos se indica con palabras
al comienzo de la partitura que son, en orden de velocidad: largo, lento, adagio,
moderato, andante, allegro, presto.
Instrumentación
La música clásica y la música popular también se distinguen por los instrumentos
que utilizan. Los instrumentos usados en la práctica común de la música clásica
fueron inventados antes de la mitad del siglo XIX (la mayoría mucho antes), y
codificados en los siglos XVIII y XIX. Consisten en los instrumentos que
encontramos en la orquesta sinfónica, junto a otros pocos instrumentos solistas
(como el piano, el clavicémbalo y el órgano). Los instrumentos electrónicos, como
la guitarra eléctrica y el violín eléctrico, juegan un papel predominante en la
música popular, pero de hecho no tienen ninguno en la música clásica antes del
siglo XX, y sólo aparecen ocasionalmente en la música clásica del siglo XX y siglo
XXI. Tanto los músicos populares como los clásicos han experimentado en las
últimas décadas con instrumentos eléctricos, como el sintetizador, con técnicas
electrónicas y digitales, como el uso de sonidos sampleados o generados por
computador, y el sonido de instrumentos otras culturas, como el gamelan. Es
importante notar que todos los instrumentos bajos no existían antes del
Renacimiento. En la música medieval, los instrumentos estaban divididos en dos
categorías: instrumentos fuertes para usar en exteriores o en la Iglesia, y
instrumentos más suaves para uso en interiores. Muchos de los instrumentos que
son asociados hoy con la música popular tuvieron un papel importante en la
música clásica antigua, tales como la gaita, la vilhuela, la zanfona y otros
instrumentos de viento. Por otro lado, la guitarra acústica, asociada a la música
popular, ha empezado a ganar preponderancia en la música clásica a lo largo de
los siglos XIX y XX. La voz humana es también un instrumento musical
privilegiado de la música clásica, aunque tambien es usado en la musica popular.
Diversos géneros utilizan las voces, solas o bien con acompañamiento instrumental:
la ópera, la música coral y el lied.
Mientras que el temperamento igual fue gradualmente aceptado como el sistema
de afinación en el siglo XVIII, otros tipos de temperamento, de origen histórico, se
emplean a menudo en la música de períodos anteriores al Barroco tardío; El clave
bien temperado de Johann Sebastian Bach es utilizado como referencia temporal
para indicar el comienzo de ese cambio de temperamento. Por ejemplo, la música
del Renacimiento inglés se acostumbra a ejecutar con el temperamento medio.
Períodos históricos
Existe un sistema de división de la historia de la composición de la música clásica
en distintos períodos que es ampliamente aceptado. Las fechas son
generalizaciones, ya que los períodos se sobreponen unos a otros. Algunas voces
autorizadas subdividen los periodos, la fecha o el género. Sin embargo, debe
notarse que estas categorías son arbitrarias; por ejemplo, el uso del contrapunto y
la fuga, que es considerada una característica del Barroco, fue continuado por
Mozart, a quien se considera un compositor clásico, y por Beethoven, a quien
normalmente se le describe como en medio del periodo clásico y romántico; y
también por Brahms, quien es clasificado como romántico. De acuerdo a este
sistema, las principales divisiones son:

Música renacentista: Entre 1450 y 1600, hallamos un mayor uso de
instrumentos, múltiples líneas melódicas y el uso de los primeros
instrumentos graves o bajos.

Música barroca: Entre 1600 y 1750. Surge el uso de tonalidades más
complejas, en lugar de la modalidad y el contrapunto. Se popularizan los
instrumentos de teclado (el clavicémbalo y el órgano).

Música clásica: Entre 1730 y 1820, fue una era importante que estableció
varias de las normas de composición y estructura. El período clásico
también está marcado por la desaparición del clavicémbalo y el clavicordio
en favor del nuevo piano, que a partir de ese momento se convirtió en el
instrumento predominante para la interpretación en teclado y la
composición.

Música romántica: Entre 1815 y 1910. Período en que se codificó la
práctica, se expandió el papel de la música en la vida cultural y se crearon
instituciones para la enseñanza, ejecución y conservación de las obras
musicales.

Música moderna: Entre 1905 y 1985. Representó una crisis en los valores de
la música clásica y su rol dentro de la vida intelectual, y la extensión de la
teoría y la técnica. Algunos teóricos, como Arnold Schoenberg en su ensayo
Brahms, el progresivo, insisten en que el Modernismo representa una
progresión lógica de las tendencias en la composición del siglo XIX. Otros
sostienen un punto de vista opuesto, que indica que el modernismo
representa el rechazo o la negación del método de composición clásica.

Música del siglo XX: Usado normalmente para describir la amplia variedad
de subgéneros posteriores al Romanticismo empleados hasta el año 2000,
incluyendo a los post-romántico, moderno y post-moderno.

Música clásica contemporánea: El término es utilizado a veces para
describir la música compuesta en los últimos años del siglo XX hasta el
presente.

El prefijo neo suele emplearse para describir a una composición del siglo
XX o contemporánea escrita en un género perteneciente a un periodo
anterior, como el clásico, romántico o moderno, pero con un lenguaje
moderno. Por ejemplo, la Sinfonía Clásica de Prokofiev - que acude a los
modelos de la sinfonía del clasicismo de Haydn - es considerada una
composición neo-clásica.