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Transcript
INDICE:
Contenido
Música clásica .................................................................................................................................... 2
Bibliografía .......................................................................................................................................... 2
Transmisión por notación............................................................................................................. 3
Orígenes .......................................................................................................................................... 3
Formalización y contenido .............................................................................................................. 3
Interpretación ................................................................................................................................. 5
Influencias de la música popular ..................................................................................................... 6
Notación musical ............................................................................................................................ 7
Instrumentación .............................................................................................................................. 9
Música clásica
1
El término música clásica aparece por primera vez en el Oxford English
Dictionary en 1836 y señala las composiciones europeas más destacadas del
siglo anterior.1 Es el nombre habitual de la música culta, académica, docta y
otros. En la historia de la música y la musicología, es la música del
clasicismo o período clásico (1750-1820); pero en sentido popular y de
mucha aceptación en medio escrito, así lo recoge la RAE, es la música de
tradición culta; sus primeras luces en Europa se sitúan aproximadamente
en 1450. Existe una expresión que abarca casi todos los períodos para
definir su época de mayor esplendor: período de la práctica común.
Hacia 1950 la composición culta (cierta complejidad en notación e
instrumentación) comienza a situarse mayormente fuera de la tradición
anterior, mediante la composición radicalmente atonal y disonante y otras
tendencias opuestas.
Bibliografía

Marcello Sorce Keller, “Declassicizziamo la musica ‘classica’: alcune riflessioni sul
giardino botanico dell’arte musicale”, Musica/Realtà, LXXIX(2006), no. 1, pp. 2334.

1
Portal de Música Clásica Antigua, en castellano
Transmisión por notación
La música clásica es una tradición musical escrita, conservada a través de la
notación musical, distinto medio a la transmisión oral o por grabaciones. Si
bien hay diferencias entre las ejecuciones particulares una obra de música
clásica busca trascender cualquier interpretación musical de ella. El uso de
la notación musical es un método efectivo para transmitir la música
especialmente cultivada, dado que la música escrita contiene las
indicaciones técnicas para interpretar la obra. Sin embargo, la partitura
usualmente no contiene instrucciones explícitas sobre cómo interpretar la
obra, aparte de direcciones de dinámica y tiempo; esto queda a discreción
de los ejecutantes, quienes están y su educación musical, su conocimiento
del lenguaje de la obra y el cuerpo acumulado de práctica de ejecución
histórica.
Orígenes
La música clásica surgió tomando elementos de otras tradiciones musicales:
la música de la Antigua Grecia, la música de la Antigua Roma (sobre todo
por sus contribuciones teóricas) y la música de la Iglesia católica
(principalmente el canto gregoriano). Los hitos que definieron su rumbo, sin
embargo, fue el descubrimiento y posterior desarrollo de la polifonía, así
como el posterior desarrollo de la armonía, la revolución musical conocida
como el Ars nova y la evolución de la notación musical, además del estudio
de la estética musical. Con la era de los descubrimientos que comenzó en el
siglo XV y posterior colonialismo, la música clásica llegó a otros continentes
y sufrió una síntesis con las tradiciones musicales de los nuevos territorios.
Encontramos expresiones de la música clásica en Estados Unidos (p.ej.
Charles Ives), Latinoamérica (p.ej. Alberto Ginastera, Heitor Villa-Lobos,
José Ángel Montero), Asia (p.ej. Tōru Takemitsu, Tan Dun), África y
Oceanía, pero que están conectadas a la música clásica de tradición
europea.
Formalización y contenido
La música culta está hecha exclusivamente para ser oída, a diferencia de
otras músicas adjuntas a otras formas de entretenimiento (la música de
cine es ejecutada a veces en salas de concierto). Los conciertos de música
clásica suelen tener una atmósfera solemne, se espera que el público esté
en silencio para evitar distraer al músico y los oyentes. Los intérpretes de
ordinario visten de manera formal, una práctica vista como un gesto de
respeto para la música y el público; y tampoco interactúan directamente o
bromean con el público. Lecturas privadas de música de cámara pueden
tener lugar en ocasiones domésticas más informales.
Como en las bellas artes, la música clásica aspira a comunicar una cualidad
trascendental de la emoción, que expresa algo universal acerca de la
condición humana. Si bien la expresión emocional no es una propiedad
exclusiva de la música clásica, esta honda exploración en la emoción
permite que la mejor música clásica alcance lo que ha sido denominado lo
"sublime" en el arte. Muchos ejemplos pueden citarse para demostrar esto.
Por ejemplo, la musicalización del poema de Friedrich Schiller "Oda a la
Alegría" en la Novena sinfonía de Beethoven, que suele interpretarse en
actos de independencia nacional o de celebración, como aquella famosa
ocasión en que la dirigió Leonard Bernstein para celebrar la caída del Muro
de Berlín, y la tradición japonesa de tocarla para celebrar el Año Nuevo. Sin
embargo, otros compositores, como Iannis Xenakis, argumentan que el
efecto emocional de la música en los oyentes es arbitrario y que, por lo
tanto, la complejidad objetiva o el contenido de información de la pieza es
lo supremo.
A lo largo de la historia, los padres se aseguraron que sus hijos fuesen
instruidos en la música culta desde muy temprana edad. Un experiencia
musical temprana daba las bases para un estudio serio posterior. Para
aquellos que deseaban ser ejecutantes, cualquier instrumento es
prácticamente imposible de aprender a nivel profesional si, o al menos un
instrumento similar, no eran aprendidos desde la infancia. Algunos padres
buscaban la enseñanza musical por razones sociales o en un esfuerzo por
impartirles un útil sentido de la auto-disciplina; las lecciones parecen
mostrar también un incremento en el desempeño académico. Algunos
consideran que el conocimiento de las obras de la música clásica es parte
de una buena cultura general.
Interpretación
2
Los compositores clásicos aspiran imbuir a su música de una relación muy
profunda entre su contenido afectivo (emocional), y los medios con los que
lo logra. Muchas de las obras clásicas más elogiadas hacen uso del
desarrollo musical, el proceso por el que un germen, idea o motivo musical
es repetido en distintos contextos, o alterados de tal manera que la mente
del oyente, conscientemente o no, compara las diferentes versiones. Los
géneros clásicos de la forma sonata y la fuga emplean rigurosamente
formas de desarrollo musical. (Ver también Historia de la forma sonata).
Generalmente, las obras de música clásica muestran una gran complejidad
musical gracias al uso que hace el compositor del desarrollo, modulación
(cambios de tonalidad), variación antes que la exacta repetición, frases
musicales que no siempre tienen la misma longitud, contrapunto, polifonía
y una armonía sofisticada. Además, muchas obras clásicas bastante largas
(de 30 minutos a 3 horas) son construidas a partir de jerarquías de unidades
más pequeñas: las frases, los periodos, las secciones y los movimientos. El
análisis schenkeriano es una rama de la música que intenta distinguir estos
niveles estructurales.
Su transmisión escrita, junto con la veneración dada a ciertas obras clásicas,
ha llevado a la expectativa de que el ejecutante tocará la obra de tal modo
que realizará en detalle las intenciones originales del compositor. Por lo
tanto, las desviaciones de las instrucciones del compositor a veces son
condenadas como fallas completas éticas. Durante el siglo XIX, los detalles
que los compositores colocaban en sus partituras fueron incrementándose.
Así vemos un opuesto rechazo-admiración por los ejecutantes que ofrecen
nuevas "interpretaciones" de la obra de un compositor, y no es
desconocido que un compositor le pida al intérprete una mejor realización
de sus intenciones originales que la que él mismo pudo lograr. De este
modo, los ejecutantes de música clásica alcanzan a menudo reputaciones
muy altas por su musicalidad, aunque ellos mismos no compongan. Otra
consecuencia de la primacía de la partitura escrita del compositor es que la
improvisación juega una menor presencia, en marcado contraste con otras

2
Radio Clásica de Radio Nacional de España
tradiciones como el jazz, en donde la improvisación es básica. La
improvisación en la música clásica era mucho más frecuente en el Barroco
que en el siglo XIX y siglo XX, y recientemente la interpretación de aquella
música por músicos clásicos modernos ha sido enriquecida por el
resurgimiento de antiguas prácticas improvisatorias. Durante el periodo
clásico, Mozart y Beethoven improvisaban a veces las cadencias de sus
conciertos para piano (y animaban a otros a hacer lo mismo), pero también
tendían a dar cadenzas escritas para que otros solistas pudiesen usarlas.
Influencias de la música popular
3
La música culta siempre ha sido influida por, o ha tomado material, de la
música popular. Los ejemplos incluyen música ocasional, como el uso por
Brahms de canciones estudiantiles para la bebida en su Obertura para un
Festival Académico, géneros ejemplificados por la Ópera de los tres
centavos de Kurt Weill y la influencia del jazz en la música de compositores
de inicios y mediados del siglo XX, como Maurice Ravel. Ciertos
compositores clásicos posmodernos y postminimalistas reconocen su deuda
con la música popular. También hay muchos ejemplos de influencia en el
otro sentido, incluyendo canciones populares basadas en música clásica, el
uso que se hizo del Canon de Pachelbel desde los años 1970, el fenómeno
del musical crossover, en el que los músicos clásicos adquieren gran éxito
en el terreno de la música popular (un notable ejemplo es las series de
grabaciones "Hooked on Classics" hechas por la Orquestal Filarmónica Real
a inicios de los años 1980). De hecho, puede argumentarse que el género
completo de la música de cine puede ser considerada parte de esta
influencia, dado que brinda a la música orquestal a vastos públicos de
cinemeros que de otra manera no escucharían semejante música (no
obstante, la mayoría la escuchan inconscientemente). Compositores de
música clásica han hecho uso de la música folclórica (música creado por
músicos autodidactas, la mayoría de una pura tradición oral). Algunos lo
han hecho con una ideología nacionalista explícita, otros simplemente la
han explotado como parte de su material temático. Véase: Música clásica y
la música folclórica. Algunas fragmentos de música clásica son
frecuentemente usados comercialmente (es decir, en la publicidad o como
parte de las bandas sonoras de películas de entretenimiento). En la
publicidad televisiva, algunos pasajes orquestales poderosos o rítmicos se
han convertido en clichés, partiularmente el inicio "O Fortuna" de Carmina
Burana de Carl Orff (para efectos terroríficos). Otros ejemplos del mismo
género el "Dies Irae" del Réquiem de Verdi y selecciones Rodeo de
AaronCopland. Similarmente, en las películas a menudo se recurre a
pasajes clichés de música clásica para representar el refinamiento o la
opulencia: probablemente la obras más escuchada en esta categoría es Eine
Kleine Nachtmusik de Mozart.
Notación musical
La música académica occidental ha desarrollado un método de escritura
basado en dos ejes: el horizontal representa el transcurso del tiempo, y el
vertical la altura del sonido; la duración de cada sonido está dada por la
forma de las figuras musicales.
Desde la antigua Grecia (en lo que respecta a música occidental) existen
formas de notación musical. Sin embargo, es a partir de la música de la
edad media (principalmente canto gregoriano) que se comienza a emplear
el sistema de notación musical que evolucionaría al actual. En el
Renacimiento cristalizó con los rasgos más o menos definitivos con que lo
conocemos hoy, aunque -como todo lenguaje- ha ido variando según las
necesidades expresivas de los usuarios.
El sistema se basa en dos ejes: uno horizontal, que representa gráficamente
el transcurrir del tiempo, y otro vertical que representa gráficamente la
altura del sonido. Las alturas se leen en relación a un pentagrama (un
conjunto de cinco líneas horizontales) que al comienzo tiene una "clave"
que tiene la función de atribuir a una de las líneas del pentagrama una
determinada nota musical. En un pentagrama encabezado por la clave de
Sol en segunda línea nosotros leeremos como sol el sonido que se escribe
en la segunda línea (contando desde abajo), como la el sonido que se
escribe en el espacio entre la segunda y la tercera líneas, como si el sonido
en la tercera línea, etc. Para los sonidos que quedan fuera de la clave se
escriben líneas adicionales. Las claves más usadas son las de Do en tercera
línea (clave que toma como referencia al Do de 261,63 Hz, el Do central del
piano), la de Sol en segunda (que se refiere al Sol que está una quinta por
encima del Do central), y la de Fa en cuarta (referida al Fa que está una
quinta por debajo del Do central).
El discurso musical está dividido en unidades iguales de tiempo llamadas
compases: cada línea vertical que atraviesa el pentagrama marca el final de
un compás y el comienzo del siguiente. Al comienzo del pentagrama habrá
una fracción con dos números; el número de arriba indica la cantidad de
tiempos que tiene cada compás; el número de abajo nos indica cuál será la
unidad de tiempo.
Para escribir las duraciones se utiliza un sistema de figuras: la redonda
(representada como un círculo blanco), la blanca (un círculo blanco con un
palito vertical llamado plica), la negra (igual que la blanca pero con un
círculo negro), la corchea (igual que la negra pero con un palito horizontal
que comienza en la punta de la plica), la semicorchea (igual que la corchea
pero con dos palitos horizontales), etc.. Cada una vale la mitad de su
antecesora: la blanca vale la mitad que una redonda y el doble que una
negra, etc..
Las figuras son duraciones relativas; para saber qué figura es la unidad de
tiempo en determinada partitura, debemos fijarnos en el número inferior
de la indicación del compás: si es 1, cada redonda corresponderá a un
tiempo; si es 2, cada blanca corresponderá a un tiempo; si es 4, cada tiempo
será representado por una negra, etc.. Así, una partitura encabezada por un
3/4 estará dividida en compases en los que entren tres negras (o seis
corcheas, o una negra y cuatro corcheas, etc.); un compás de 4/8 tendrá
cuatro tiempos, cada uno de ellos representados por una corchea, etc..
Para representar los silencios, el sistema posee otros signos que
representan un silencio de redonda, de blanca, etc..
Como se ve, las duraciones están establecidas según una relación binaria
(doble o mitad), lo que no prevé la subdivisión por tres, que será indicada
con "tresillos". Cuando se desea que a una nota o silencio se le agregue la
mitad de su duración, se le coloca un punto a la derecha (puntillo). Cuando
se desea que la nota dure, además de su valor, otro determinado valor, se
escriben dos notas y se las une por medio de una línea arqueada llamada
ligadura de prolongación.
En general, las incapacidades del sistema son subsanadas apelando a
palabras escritas más o menos convencionales, generalmente en italiano.
Así, por ejemplo, las intensidades se indican mediante el uso de una f
(forte, fuerte) o una p (piano, suave), o varias efes y pes juntas. La velocidad
de los pulsos se indica con palabras al comienzo de la partitura que son, en
orden de velocidad: largo, lento, adagio, moderato, andante, allegro,
presto.
Instrumentación
4
La música clásica y la música popular también se distinguen por los
instrumentos que utilizan. Los instrumentos usados en la práctica común de
la música clásica fueron inventados antes de la mitad del siglo XIX (la
mayoría mucho antes), y codificados en los siglos XVIII y XIX. Consisten en
los instrumentos que encontramos en la orquesta sinfónica, junto a otros
pocos instrumentos solistas (como el piano, el clavicémbalo y el órgano).
Los instrumentos electrónicos, como la guitarra eléctrica y el violín
eléctrico, juegan un papel predominante en la música popular, pero de
hecho no tienen ninguno en la música clásica antes del siglo XX, y sólo
aparecen ocasionalmente en la música clásica del siglo XX y siglo XXI. Tanto
los músicos populares como los clásicos han experimentado en las últimas
décadas con instrumentos eléctricos, como el sintetizador, con técnicas
electrónicas y digitales, como el uso de sonidos sampleados o generados
por computador, y el sonido de instrumentos otras culturas, como el
gamelan. Es importante notar que todos los instrumentos bajos no existían
antes del Renacimiento. En la música medieval, los instrumentos estaban

4
Doce Notas - Revista de Música y Danza
divididos en dos categorías: instrumentos fuertes para usar en exteriores o
en la Iglesia, y instrumentos más suaves para uso en interiores. Muchos de
los instrumentos que son asociados hoy con la música popular tuvieron un
papel importante en la música clásica antigua, tales como la gaita, la
vilhuela, la zanfona y otros instrumentos de viento. Por otro lado, la
guitarra acústica, asociada a la música popular, ha empezado a ganar
preponderancia en la música clásica a lo largo de los siglos XIX y XX. La voz
humana es también un instrumento musical privilegiado de la música
clásica, aunque también es usado en la música popular. Diversos géneros
utilizan las voces, solas o bien con acompañamiento instrumental: la ópera,
la música coral y el lied.
Mientras que el temperamento igual fue gradualmente aceptado como el
sistema de afinación en el siglo XVIII, otros tipos de temperamento, de
origen histórico, se emplean a menudo en la música de períodos anteriores
al Barroco tardío; El clave bien temperado de Johann Sebastian Bach es
utilizado como referencia temporal para indicar el comienzo de ese cambio
de temperamento. Por ejemplo, la música del Renacimiento inglés se
acostumbra a ejecutar con el temperamento medio.