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12.- IMPRESIONISMO: DEBUSSY, RAVEL Y FALLA.
Al llegar el siglo XX, la música cambia, a veces radicalmente. Los parámetros
en que se sustentaba la música clásica varían sustancialmente: la melodía, la
textura, el timbre y el ritmo, asumen nuevas formas, evolucionan como lo
hacen los rasgos estilísticos de las demás artes. No obstante, siglo ecléctico como pocos, el XX acoge, junto a las nuevas músicas rupturistas, tendencias conservadoras o de recuperación del pasado. Por eso, también se da
en ese siglo un Neoclasicismo practicado, entre otros, por el más ecléctico
de los compositores de la pasada centuria: Igor Stranvinsky.
La nueva física de Einstein, el descubrimiento del inconsciente
por Freud, la muerte de Dios que anuncia la filosofía de Nietzsche...
sumen al siglo XX en el inestable mundo de lo relativo. Muchas certezas
que parecían inamovibles se derrumban, y esto influye en al arte.
La primera ruptura, el primer cambio en los lenguajes musicales
del XX, surge con el Impresionismo, que originalmente fue un movimiento pictórico creado por pintores como Monet, Manet, Degas y Renoir. De
la misma forma que estos pintores cuestionan el concepto anterior de
línea para potenciar las texturas, los colores y la luz, los músicos impresionistas cuestionan el valor de la línea melódica para potenciar las
texturas armónicas, los timbres y las dinámicas.
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Claude Debussy (1862-1918), primero en poner en práctica estos
principios, aporta obras que han quedado como símbolos del Impresionismo Musical. Preludio a la siesta de un fauno (1894) es su primera
composición orquestal madura, escrita a los 32 años y basada en un
poema del escritor simbolista Stéphane Mallarmé. El músico fue un
lector de Charles Baudelaire, Paul Verlaine y otros; así, la música que
Debussy componía tenía una afinidad esencial con la obra de estos
maestros de la literatura. Su ópera Peleas y Melisenda, basada en la obra
teatral del mismo nombre del poeta belga Maurice de Maeterlinck, data de
1902 y le otorgó a Debussy el reconocimiento como músico de prestigio.
La forma en que la partitura realzó la cualidad abstracta y ensoñadora
de la obra original de Maeterlinck fue extraordinaria. Considerada como
una fusión perfecta entre la música y el drama, se ha llevado a escena
en numerosas ocasiones. Entre 1902 y 1920 Debussy compuso casi de
forma exclusiva obras para piano. De su producción de este periodo
destacan Estampas (1903), Imágenes (dos series, 1905 y 1907) y varios
preludios. Se alejó del tratamiento tradicional del piano como instrumento de percusión y le dio más importancia a sus cualidades expresivas.En
1909 le diagnosticaron un cáncer del que murió el 25 de marzo de 1918 durante los acontecimientos de la I Guerra Mundial. La mayoría de sus
composiciones de este periodo son para música de cámara. Entre ellas
tenemos el extraordinario grupo de sonatas (para violín y piano, violonchelo y piano, y flauta, viola y arpa), en las que la esencia de su música
se destila en estructuras más sencillas, próximas al estilo neoclásico.
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La música de Debussy, en su fase de plena madurez, fue la precursora de la mayor parte de la música moderna y lo convirtió en uno de los
compositores más importantes de finales del siglo XIX y comienzos del
XX. Sus innovaciones fueron, por encima de todo, armónicas. Su tratamiento de los acordes fue revolucionario en su tiempo; los utilizaba de
una manera colorista y efectista, sin recurrir a ellos como soporte de
ninguna tonalidad concreta ni progresión tradicional. Esta falta de tonalidad estricta producía un carácter vago y ensoñador que algunos críticos
contemporáneos calificaron de impresionismo musical, dada la semejanza
entre el efecto que producía esta clase de música y los cuadros de la
escuela impresionista. Entre otras obras importantes destacan la música
incidental para El martirio de San Sebastián, (1911) de Gabriele d'Annunzio,
la música para ballet Juegos (1912), el poema orquestal El mar (1905) y
las canciones Cinco poemas de Baudelaire (1889).
También Maurice Ravel (1875-1937) fue un músico impresionista.
Aunque no sólo cultivó ese estilo, por sus características de timbre,
armonías y asociaciones extramusicales, su música suele asociarse a
menudo a la de Debussy. El impresionismo de Ravel se aprecia especialmente en las suites para piano Espejos (1905) y Gaspar de la noche
(1908) y en la Rapsodia española para orquesta (1908). Su gran talento para evocar épocas pasadas se pone de manifiesto en obras como la Pavana
para una infanta difunta (1899), Valses nobles y sentimentales (1911) y La
tumba de Couperin (1917), composiciones todas ellas para piano que posteriormente fueron orquestadas. Su neoclasicismo se aprecia en la obra
para piano Juegos de agua (1902), con una estructura de sonata clásica y
una textura brillante y virtuosística, así como en el Cuarteto para cuerda (1903), la Sonatina para piano (1905) y obras de cámara posteriores
como la Sonata para violín y violonchelo (1922). Entre la obra escénica de
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Ravel cabe citar las óperas La hora española (1911) y El niño y los sortilegios (con libreto de la escritora francesa Colette, 1925), el famoso Bolero (1928), escrito en principio como acompañamiento para la interpretación solista de la bailarina Ida Rubinstein, y el ballet impresionista Dafnis y Cloe (1912), encargo del empresario ruso Sergei Diáguilev. Diáguilev
había ya escenificado arreglos de obras anteriores de Ravel como la suite Mi madre la oca (para dos pianos, 1910, y para orquesta, 1912). En los
años veinte la colaboración de Ravel con George Gershwin ejerció una
fuerte influencia en ambos compositores. La orquestación de las últimas obras de Gershwin es más pulida y en las dos últimas obras de Ravel se observa una sutil influencia jazzística: el Concierto para piano en
sol y el Concierto para piano en re para la mano izquierda (1931), mucho
mas sombrío y que fue escrito para el pianista vienés Paul Wittgenstein
que había perdido su mano derecha en la I Guerra Mundial.
En España hablar de impresionismo nos lleva al nacionalista Manuel de Falla (1876-1946). Aunque se dice a menudo que el impresionismo
es una fase evolutiva del autor gaditano (que evoluciona desde el nacionalismo hasta el neoclasicismo), lo cierto es que parece más bien una
constante en él desde La vida breve hasta su obra inacabada, La Atlántida,
pasando por Noches en los jardines de España (1915) o El concierto de
clave y cinco instrumentos (1926), obra que por cierto nos habla ya en
su título de otra característica impresionista: el gusto por los timbres
de las músicas antiguas. La admiración de Falla por el impresionista por
excelencia, es decir, por Debussy, se manifiesta en la única obra que el
gaditano escribió para guitarra: Le tombeau de Debussy.
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TÉRMINOS HISTÓRICOS.
TIMBRE
Además de una cualidad del sonido (la que nos permite distinguir unos instrumentos de
otros), el timbre es uno de los parámetros esenciales de la música. Su estudio en una obra nos
habla de los efectivos instrumentales y/o vocales que suenan y de la utilización que de ellos
hace el compositor en cada momento del discurso musical. El timbre como elemento compositivo cobra gran importancia a partir del Barroco, época en la que, por usar la expresión de
Francesc Bonastre, surge la "conciencia tímbrica".
DODECAFONISMO
Es la técnica musical fundamental de la estética expresionista. La estableció Schönberg
basándose en la atonalidad y consiste esencialmente en la consideración de las doce notas de
la escala cromática (las siete naturales y las cinco alteradas) como iguales desde el punto de
vista jerárquico. La composición prescinde de la tonalidad y se estructura utilizando como entidades orgánicas series de doce notas ordenadas de diversa manera. Las primeras obras consideradas dodecafónicas fueron los quince lieder El libro de los jardines colgantes (1909) y la
ópera breve Expectación (1909), todos ellos de Schönberg.
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ATONALIDAD
Este término se define lógicamente por su oposición a tonalidad, ya que alude a la tendencia musical moderna (mediados del siglo XX) basada en el abandono del respeto a un sistema
preciso de jerarquías entre los diversos grados de la escala, que ha sido base de la música occidental hasta el siglo XIX. Suele considerarse que fueron Arnold Schoenberg y sus discípulos
quienes rompieron con las leyes de la tonalidad clásica, si bien hay antecedentes (Wagner, por
ejemplo) desde mediados del XIX. Schönberg creó en la década de 1920 su sistema de doce
notas (dodecafonismo), que se fundamenta en la utilización de las doce notas de la escala (siete naturales y cinco alteradas) como si fueran jerárquicamente iguales.
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Comentario de Texto
"En el mundo europeo, hasta 1914, el gallo anunciaba el alba, el perro el
extranjero, el corno la caza, el carillón de la iglesia marcaba las horas, la
trompa la diligencia, el tañido fúnebre la muerte, el guirigay el segundo
matrimonio de las viudas, las flautas y el tambor el sacrificio de alguna
efigie carnavalesca. Los extraños violines de los músicos ambulantes
señalaban la fiesta anual y acompañaban tandas de juegos tan añejos como la prehistoria. Para escuchar música escrita había que esperar la
misa solemne del domingo [...] Lo que era una rareza es hoy más que
una frecuencia. Lo que era extraordinario ha trocado en un asedio que
asalta sin fin la ciudad y el campo [...] La música, no por el incremento
de su uso (su uso, por el contrario, se enrareció), sino por el de su
reproducción y audiencia, franqueó la frontera que la oponía al ruido
[...] Cuando la música era escasa, su convocación era tan perturbadora
como vertiginosa su seducción. Cuando la convocación es incesante, la
música se torna repulsiva: el silencio atrae y se vuelve solemne".
(Pascal Quignard, El odio a la música)
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1.a.- RITMO, MELODÍA, TEXTURA Y TIMBRE .
RITMO:
Tipo : ___________
Compás : __________________________________________________
Tempo : _____________________
Otras observaciones de interés : _____________________________________
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MELODÍA:
Tipo de melodía : _________________________________________________
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Otras observaciones de interés : ______________________________________
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TEXTURA:
Tipo de textura : _________________________________________________
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Otras observaciones de interés : ______________________________________
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TIMBRE:
Descripción general: ______________________________________________
Otras observaciones de interés : ______________________________________
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1.b.- FORMA MUSICAL Y OTROS DATOS
FORMA:
Forma : _________________________________________________
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Otras observaciones de interés: ______________________________________
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OTROS DATOS:
Género : ___________________
Período artístico : ____________________
Cronología : ________________________
Título : _________________________________________________________
Autor : _________________________________
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CUESTIONARIO DE AUDICIÓN .
1.a.- RITMO, MELODÍA, TEXTURA Y TIMBRE .
RITMO:
Tipo : ___________
Compás : __________________________________________________
Tempo : _____________________
Otras observaciones de interés : _____________________________________
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MELODÍA:
Tipo de melodía : _________________________________________________
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Otras observaciones de interés : ______________________________________
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TEXTURA:
Tipo de textura : _________________________________________________
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Otras observaciones de interés : ______________________________________
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TIMBRE:
Descripción general: ______________________________________________
Otras observaciones de interés : ______________________________________
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1.b.- FORMA MUSICAL Y OTROS DATOS
FORMA:
Forma : _________________________________________________
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Otras observaciones de interés: ______________________________________
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OTROS DATOS:
Género : ___________________
Período artístico : ____________________
Cronología : ________________________
Título : _________________________________________________________
Autor : _________________________________
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