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DEPARTAMENTO DE MÚSICA
L.P.M. CURSO 14/15
TEMA 6. OTROS PARÁMETROS DE LA MÚSICA
LA DINÁMICA
Dinámica musical.
Grado de intensidad o suavidad con que se interpreta un fragmento musical.
Concepto
La dinámica musical es el conjunto de los matices relacionados con el grado de
intensidad con que se ejecuta una determinada pieza.
Es una técnica de instrumentación que señala en la partitura el compositor para indicar a
lo largo de la ejecución la intensidad de cada uno de los instrumentos y lograr así el
efecto sonoro deseado.
La intensidad del sonido, como una de las cualidades del mismo, depende de:
1- La amplitud de las vibraciones del cuerpo sonoro, la cual a su vez depende de
la fuerza de la acción que las produce, que se manifiesta en la curva de sonido
por el grado de elevación y de depresión de su máximo y mínimo.
2- De la densidad del medio transmisor. A mayor densidad, mayor intensidad.
3- De la distancia que existe entre el cuerpo sonoro y el oyente. La intensidad
disminuye en razón inversa del cuadrado de tal distancia.
4- Del grado en que la tabla armónica, caja de resonancia, etc. -cuando existe en
el instrumento-, refuerza, al vibrar por influencia, las vibraciones del cuerpo
sonoro sobre el cual se actúa.
5- De las condiciones que con respecto a la reflexión sonora reúne el lugar en
que se emite el sonido.
La intensidad resulta graduable en aquellos casos en que la acción que origina las
vibraciones pueda persistir, aumentar o disminuir en fuerza. Cuando no es así, al cesar
la acción, cesa el movimiento vibratorio del aire, pero no el de los cuerpos sólidos cuerdas, membranas, placas metálicas, etc.-, que persiste en sentido decreciente de
amplitud hasta extinguirse, más o menos rápidamente, según la naturaleza del cuerpo
sonoro
Para escribir en la partitura las indicaciones dinámicas se utilizan palabras
(normalmente en italiano), abreviaturas y símbolos que indican grados de intensidad.
Tenemos símbolos que nos indican una dinámica constante y otros que nos indican una
dinámica variable
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TERMINOS DE DINÁMICA CONSTANTE:
las principales, ordenadas de menor a mayor intensidad, son las siguientes:
Las abreviaturas "p" y "f" pueden combinarse con otras indicaciones:
"poco p" (un poco piano),
"più f" (más fuerte);
"sempre pp" (siempre pianissimo);
"p subito" (pasar sin transición al matiz que indica); o
"fp" (forte piano, ataque fuerte e inmediatamente "p", sin transición).
“pf”
El cambio continuo de un grado de intensidad a otro puede especificarse por medio de
los términos crescendo (cada vez más fuerte) y diminuendo o decrescendo (cada vez
más suave), o por medio de los símbolos respectivos.
Se emplean también algunos términos para designar disminución gradual de la
intensidad del sonido simultáneamente con la retardación del movimiento, como:
calando, "cal." (calando); perdendosi, "perd." (perdiéndose); smorzando, "smor."
(desvaneciéndose); stinguendo, "sting." (extinguiéndose).
.
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Historia
Los cambios dinámicos constituían una parte de la interpretación anterior al barroco
pero, al igual que los de tempo, sólo comenzaron a escribirse con cierta regularidad a
partir del siglo XVII; sin embargo, este tipo de notaciones distaban mucho de estar
generalizadas.
Por eso, en cuanto a la interpretación de obras antiguas, habrá que distinguir entre las
indicaciones del autor, las cuales deben seguirse con fidelidad, y las añadidas por los
comentadores y editores posteriores.
La dinámica en esta época se basaba en el claroscuro, sin reguladores, es decir, por
planos. A veces el efecto se indica expresamente y a veces es provocado por la
instrumentación (por ejemplo, al repetir un mismo motivo con menos instrumentos en lo
que se llaman "imitaciones en forma de eco").
Pueden encontrarse ejemplos aislados del siglo XVI en el repertorio para laúd solo. Las
Sacrae symphoniae (Venecia, 1597), de Giovanni Gabrieli, contienen una Sonata pian e
forte.
En las Vísperas de Monteverdi, de 1610, se encuentra la indicación “Eco”.
En 1619, Michael Praetorius señalaba que las indicaciones tutti, forte, piano, presto,
lento y adagio “se utilizan habitualmente en Italia”.
Las gradaciones dinámicas se utilizaron profusamente como recursos expresivos y se
examinan en detalle en Le nuove musiche (Florencia, 1601/2), de Giulio Caccini, en la
que algunas de tales gradaciones se denominan esclamazioni.
Los madrigales de Mazzocchi (Roma, 1638) contienen los primeros ejemplos de
símbolos de gradación dinámica: "C" para crescendo, que él denomina messa di voce, y
"V" para un crescendo-diminuendo sobre una sola nota.
Giovanni Antonio Piani, en sus sonatas para violín y bajo continuo (París, 1712), fue el
primero en indicar la gradación dinámica con cuñas negras, las antecesoras de los
símbolos de horquilla que siguen utilizándose en la actualidad.
El empleo en Francia de fort y doux (fuerte y suave) se convirtió en habitual a mediados
del siglo XVII.
A partir del siglo XVIII, y hasta nuestros días, se generalizó la escritura de indicaciones
dinámicas hasta llegarse a dividir según las voces instrumentales, de tal forma que
mientras un grupo de instrumentos tocan en una intensidad suave, otro grupo puede
hacerlo en un fortissimo.
Algunas obras musicales del siglo XX han requerido la creación de numerosos símbolos
notacionales nuevos, aunque sólo se han consolidado en un grado muy limitado. Las
notaciones gráficas pueden no llegar a utilizar en absoluto los símbolos convencionales.
La interpretación de este tipo de obras suele permitir un gran margen de libertad al
intérprete, aunque la notación puede acompañarse también de instrucciones escritas.
EXPRESION Y ARTICULACION MUSICAL
La articulación en música alude a la forma en que se produce la transición de un sonido
a otro o bien sobre la misma nota.
Se trata del conjunto de elementos que definen las diferentes posibilidades en las que se
pueden conectar entre sí las notas que conforman una melodía o por extensión los
acordes que conforman una sucesión de acordes en un pasaje o composición
homofónico.
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Estas posibilidades se diferencian básicamente en función de tres elementos:



El ataque de cada nota,
La caída de cada nota y
El grado de interrupción o de continuidad del sonido existente entre las distintas
notas.
En su conjunto la articulación tiene uno de los efectos más importantes sobre la
expresión de la música.
Tipos
Todos los matices y las gradaciones de la articulación se mueven entre dos extremos
que responden a las denominaciones de legato y staccato.


El legato, que significa ligado en italiano, expresa no sólo una continuidad
absoluta del sonido entre nota y nota, sino también que esta continuidad no se ve
turbada ni por un aumento de la intensidad en el ataque de cada nota, ni por una
disminución de ésta en la caída.
Por su parte, el staccato, que también suele denominarse picado, sí representa
una interrupción total del sonido entre nota y nota, sin que ello suponga una
incidencia específica ni sobre el ataque ni sobre la caída.
Los principales tipos de articulación son: legato, staccato (o picado), staccatissimo,
portato (o picado-ligado), tenuto, acento, marcato y martellato (o también según la
denominación francesa martelé). Cada uno de estos tipos viene representado en
notación musical con un símbolo específico que se sitúa inmediatamente por encima o
por debajo (según la plica de la nota esté orientada respectivamente hacia abajo o hacia
arriba) de cada nota afectada por esta articulación.
Signo
Nombre
Abreviatura Significado
Legato
Leg.
Ligado (sin interrupción del sonido)
Non Legato
Non Leg.
No Ligado
Legatissimo
Leg.
Extremadamente ligado
Staccato
Stacc.
Destacar el sonido (con una pequeña
interrupción del sonido)
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Staccatissimo Staccatiss.
Destacar con más ímpetu el sonido
(con una gran interrupción del sonido)
Portato
Port.
Ligadura de expresión destacando el
sonido de las notas
Non Portato
Non Port.
Sin ligadura de expresión destacando
el sonido de las notas
Tenuto
Ten.
Leve tensión sobre la nota
Acento
La nota se ejecuta más fuerte que
cualquier nota sin acentuar.
Marcato
La nota se ejecuta mucho más fuerte
que cualquier nota sin acentuar.
Calderón
Nota que se prolonga a voluntad del
intérprete deteniendo el pulso
observado hasta entonces3
Como en tantos otros aspectos, la nomenclatura con que se expresa la articulación
musical está compuesta de términos mayoritariamente italianos. En líneas generales se
puede decir que para movimientos lentos se utilizan articulaciones más suaves como
legato o portato y para movimientos rápidos articulaciones más marcadas como
staccato o bien combinaciones de ligaduras con staccato. Si bien, en la escritura
contemporánea esto ya varía enormemente
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Articulaciones de duración
Hay tres articulaciones que afectan a la duración de una nota musical o acorde. Son el
staccatissimo, el staccato y el tenuto.
En la siguiente figura se muestran estos signos de articulación junto con una nota que no
lleva signo alguno ordenados de menor a mayor duración. De tal manera que el
staccatissimo es el valor más corto, le sigue el staccato, a continuación aparece la nota
sin articulaciones y el tenuto. Estas dos últimas indicaciones también pueden
representar duraciones idénticas.
Ejemplo. Articulaciones de duración:
1. Staccatissimo 2. Staccato 3. Nota sin articulaciones 4. Tenuto.
Articulaciones de intensidad
Hay tres articulaciones que afectan a la intensidad con la que se ataca una nota musical
o acorde. Son el tenuto, el acento y el marcato. El signo de tenuto puede funcionar
como una articulación de duración o bien de intensidad.
En el ejemplo siguiente se representan estos signos de articulación junto con una nota
que no lleva signo alguno ordenados de menor a mayor intensidad. Empieza con la nota
sin articulaciones que es el valor que se ataca con menor intensidad, le sigue el tenuto, a
continuación aparecen el acento y el marcato.
Ejemplo . Articulaciones de intensidad:1. Nota sin articulaciones 2. Tenuto 3. Acento 4.
Marcato.
Articulaciones combinadas
En ocasiones, las articulaciones se pueden combinar para crear sonidos exactos
estilística o técnicamente. Por ejemplo, cuando los signos de staccato se combinan con
ligaduras de expresión el resultado se conoce como portato o legato articulado. Los
signos de tenuto bajo una ligadura de expresión se llaman "ganchos de arco" para
cuerda frotada. Esta denominación también se aplica aunque con menos frecuencia a los
signos de staccato o martellato.
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Apagados
Los apagados hacen referencia a las notas que se tocan "apagadas" o "silenciadas", sin
sostener. El término se escribe por encima o por debajo de las notas con una línea
punteada o discontinua dibujada hasta el final del grupo de notas que debe interpretarse
"apagado". Esta técnica es empleada principalmente para instrumentos de cuerda
frotada o pulsada. Los compositores modernistas se refieren al apagado como "palm
mute". En la guitarra el músico amortigua las cuerdas con la palma de la mano y puntea
con el pulgar.
Pueden encontrarse muestras de apagados en la obra del compositor para guitarra
española, Gerardo de Altona.
Representación gráfica
La mayor parte de las articulaciones suelen ofrecer tres modalidades en las que pueden
aparecer representadas en las partituras o partichelas:
1. Mediante una palabra, como puede ser legato, tenuto, staccato, etc., escrita
sobre el pasaje que se tocará conforme a dicha articulación. Esta opción se suele
emplear cuando la indicación afecta a un pasaje muy largo o bien a todo un
movimiento de una pieza, añadiendo el término correspondiente al inicio del
pasaje o movimiento.
2. Mediante abreviaturas, tales como leg., ten., stacc., etc., escritas encima de la
nota o pasaje que se tocará conforme a tal indicación.
3. Mediante un signo gráfico determinado (ver Tabla de articulaciones) que
generalmente se coloca por encima de las notas si las plicas apuntan hacia abajo
y por debajo si las plicas apuntan hacia arriba. En el caso de las redondas que
carecen de plicas, se actúa como si la tuviesen; de tal forma que el signo se
colocará por encima o por debajo de la nota en función de su ubicación en el
pentagrama. Por último, cuando las direcciones de las plicas son distintas el
signo de articulación se dibuja siempre por encima.
 El legato se expresa habitualmente mediante una ligadura que abarca todas las
notas que deben permanecer unidas por esta indicación.
 El staccato se representa a través de un pequeño punto.
 El staccatissimo utiliza unas pequeñas líneas verticales o cuñas en lugar de
puntos para indicar un staccato más marcado.
Figura 4. Articulaciones desde legato hasta staccatissimo.
Técnicas interpretativas
La articulación es un elemento importante tanto en el proceso de creación, ya sea de
composición o de improvisación, como en el de la interpretación, ya sea por parte de un
instrumentista, cantante o director. Desde este punto de vista hay que tener en cuenta
que, al igual que sucede con otros elementos que afectan a ambos procesos - tempo,
agógica... -, en los estilos en los que el ejecutante 'interpreta' la voluntad del compositor
a través de una notación que no expresa con exactitud absoluta los parámetros que
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regulan la articulación, puede haber diferencias importantes de articulación entre lo
imaginado por el autor y lo interpretado; y por tanto también entre versiones diversas de
una misma obra.
Varios elementos circunstanciales que confluyen en la interpretación o, mejor, en una
interpretación concreta, pueden condicionar la articulación requerida. Entre estos
destaca la acústica del local donde ésta tiene lugar.
En general, una mayor reverberación exige una articulación con un mayor grado
de separación entre las notas.
La correcta ejecución de las diferentes articulaciones y su adecuada inserción dentro del
discurso musical suelen ser una parte importante en el proceso de aprendizaje de todos
los instrumentos. La ejecución de cada articulación no puede ser medida ni determinada
de manera matemática, sin embargo se han elaborado tablas con posibles
aproximaciones a las interrupciones que representan algunas de las articulaciones
habituales entre un sonido y el siguiente.
La articulación en la interpretación está muy directamente vinculada a la técnica
de cada instrumento: la lengua en el caso de los instrumentos de viento, las
articulaciones en especial del brazo y antebrazo en los instrumentos de cuerda frotada y
en los de tecla, las articulaciones de los dedos en los instrumentos de cuerda pulsada y
de tecla, etc.
Los instrumentos de viento generalmente articulan con la lengua o bien con el
diafragma para ejecutar las separaciones que requieren articulaciones como el
staccato. Suelen proporcionarse algunas pautas, por ejemplo con la ayuda de ciertas
sílabas, a los estudiantes de música para que traten de ejecutar correctamente las
articulaciones. Existen diversas técnicas aplicables:(AMPLIACIÓN)
 La técnica conocida como tonguing consiste en el uso de la lengua para
interrumpir el flujo de aire en el instrumento.2 La sílaba "dah", por ejemplo, se
suele emplear para mostrar la correcta colocación de la lengua para articular. En
la mayoría de los casos la articulación preferida consiste en utilizar la punta de la
lengua, como en la sílaba "dah". Sin embargo, los diversos tipos de articulación
requieren diferente colocación de la lengua. Los pasajes suaves y ligados pueden
requerir una articulación más cercana a la sílaba "la", mientras que las notas
fuertes y agudas pueden ser atacadas mediante una articulación similar a "tah".
 La aplicación del double-tonguing o doble tonguing puede ser necesaria cuando
se requiere un gran número de articulaciones que se suceden rápidamente. La
técnica del doble tonguing puede ser simulada mediante la repetición de las
sílabas "dig" y "guh" en rápida sucesión. Otras sílabas para ejecutar doble
tonguing son "tuh" y "kuh" o bien "tih" y "kuh", así como cualquier otra
combinación de sílabas que utilizan la punta de la lengua detrás de los dientes y
luego la parte posterior de la lengua contra la parte posterior de la boca. El doble
tonguing es una articulación empleada principalmente por instrumentistas de
viento metal, aunque su uso por intérpretes de viento madera es cada vez más
común.
 El "doodle tonguing" es una tercera forma poco común de articulación para
instrumentistas de viento. El nombre de esta articulación viene del sonido,
doodle, que uno haría si fuera a sonar su voz al interpretar la articulación. Esta
técnica se obtiene moviendo la punta de la lengua arriba y abajo con rapidez
para bloquear el flujo de aire momentáneamente al ascender y de nuevo en el
camino hacia abajo.
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Las opciones anteriores son útiles para realizar interrupciones en el flujo del aire, sin
embargo para interpretar un legato se requiere todo lo contrario ya que prohíbe la
respiración entre las notas ligadas. Para evitar esa limitación en algunos instrumentos de
viento se aplica la técnica de la respiración circular.
En instrumentos de cuerda frotada
Los instrumentos de cuerda frotada aplican una serie de técnicas con el arco para
ejecutar las diferentes articulaciones. En este tipo de instrumentos cuando en cada
nota se cambia la dirección del arco, las notas suenan separadas y por tanto se habla de
notas separadas.
Por su parte, el legato consiste en que las notas sean tocadas en un solo movimiento del
arco de tal forma que suenen unidas. En realidad se interpretan con un silencio
brevísimo entre las notas, pero a menudo es casi imperceptible. Tal resultado puede
obtenerse mediante movimientos de muñeca controlados en la mano del arco, a menudo
enmascarados o mejorados con el vibrato. Este estilo de tocar legato también puede
estar asociado con el uso del portamento.
Fraseo musical
El fraseo hace referencia a una organización expresiva de la música y se relaciona con
la conformación de las notas en el tiempo.
El fraseo alude a la forma de tocar las notas individuales pertenecientes a un
determinado grupo de notas consecutivas; y a la manera en que éstas se presentan con
un determinado peso y forma que marca las relaciones entre ellas.
No se refiere a las duraciones idealizadas de las figuras musicales tal como se
representan en la partitura, sino a la multitud de desviaciones que el artista puede hacer
a partir de la partitura, para lograr que una actuación sea expresiva, conforme a un
determinado estilo y conciencia cultural. Un ejemplo puede ser una aceleración de un
grupo de notas, pero hay muchos más.
Esta organización de notas es interpretada de forma creativa por el músico con el
objetivo de expresar sentimientos y puede ser identificada por el oyente, no sólo
objetivamente sino en la música, como expresión emocional.
Frase y fraseo, en música y en teoría de la música, son conceptos y prácticas
relacionadas con la agrupación consecutiva de notas musicales, tanto en su composición
como en su interpretación. Una pieza generalmente se compone de una melodía que, a
su vez, consta de numerosas frases consecutivas.
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El fraseo es la estructura en que se organiza una melodía. Si bien el término se
puede usar para expresividad, en sí, un fraseo musical es la estructura melódica de una
pieza.
 Generalmente el fraseo se divide en dos sub estructuras: la pregunta y la
respuesta.
 Se dice q una frase musical es tal si está completa por si sola.
 Cuando se habla de el fraseo de un tema, se refiere a como se podría fragmentar
el tema en partes que por si solas tengan una coherencia melódica. Es también
muy similar a la literatura: una frase melódica es como una oración. Y un texto
está compuesto por varias oraciones.
Al tratarse de una actividad expresiva de los músicos creativos, la pregunta de cómo dar
forma a un grupo de notas en el tiempo, no puede ser (y no es) especificada
exactamente.
Giuseppe Cambini escribió acerca de la interpretación musical con el violín:
El arco puede expresar los afectos del alma, pero además no existiendo signos que los
indiquen, tales signos, incluso si se inventasen, llegarían a ser tan numerosos que la
música, ya demasiado llena de indicaciones, se convertiría en una masa informe para
los ojos, casi imposible de descifrar. Me consideraría afortunado si pudiera conseguir
que un estudiante escuchase, a través de unos pocos ejemplos, la diferencia entre lo
malo y lo mediocre, lo mediocre y lo bueno, y lo bueno y lo excelente, en la diversidad
de expresiones que se pueden dar para un mismo pasaje.10
«Nouvelle Méthode théorique et pratique pour le violon». París, Naderman (c. 1803) de
Giuseppe Cambini
La configuración de las notas en el tiempo, en general se puede decir que es tal, que se
expresa el significado ("afectos del alma").
En general, los pensamientos musicales particulares aparecen en un grupo de notas que
se siguen entre sí, formando una frase, una parte específica de una melodía.
Estas notas van unidas y entonces se le da forma expresiva a la frase melódica.
La tensión se puede generar mediante la aceleración; determinados puntos de giro
expresivo o énfasis que pueden formarse alargando las notas (calderón); la
desaceleración puede utilizarse para poner fin a las frases; el rubato, etc.
En ocasiones se considera que el fraseo también incluye otros aspectos de la
organización de la música, aparte del ritmo de las melodías, como por ejemplo la
articulación y la dinámica, etc.
El fraseo también puede estar influenciado por la letra de la canción en relación con el
fragmento de frase musical en la partitura.
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ATAQUE DE LOS SONIDOS
ATAQUE VOCAL : concepto de la escuela Voice-Craft- se efectúa en el sistema
fonador y se relaciona a la forma en que se emite el sonido; el ataque tiene lugar
mediante el mecanismo glótico que precede a la emisión del sonido laríngeo. Es decir,
con el concepto de ataque vocal no estamos hablando de un sonido emitido, sino de la
forma en que ese sonido se produce.
Tipos de Ataque vocal: (Ampliación)
- Ataque vocal blando: El sonido se inicia con suavidad. La pérdida del aire antes de la
emisión es mínima. El sonido comienza en el instante en que se inicia nuestra
espiración. Mientras se canta, el aire debe fluir en delgada columna y hacer vibrar
nuestras cuerdas vocales, de este modo, todo el aire espirado se transforma en sonido.
- Ataque vocal soplado: El sonido de la voz se mezcla con ruido de aire. El
acercamiento de las cuerdas vocales es lento y por lo tanto el sonido comienza cuando
la glotis no está todavía cerrada y deja escapar aire junto con el sonido.
- Ataque vocal duro: El sonido es brusco, con golpe de garganta o glotis. El cierre de las
cuerdas vocales o aducción es enérgico. Debe realizarse con cuidado ya que su mala
ejecución afecta a las cuerdas.
Función del sistema articulador en el Ataque Vocal:
Al emitir los sonidos diferenciados, la boca, es decir, el sistema articulador, altera su
forma.
- Ejemplo de ataque blando: Probemos de reprimir un bostezo con los labios se
cerrados. El fondo de la garganta se abrirá, el paladar va a elevarse y la boca se abrirá
interiormente al máximo. Si en esta posición emitimos un sonido MMMMM
prolongado, el aire llegará a los resonadores faciales provocando un leve cosquilleo. Si
abrimos la boca emitiendo una vocal cómoda, habremos provocado un ataque suave.
- Ejemplo de ataque soplado: Haciendo lo mismo que en el ejemplo de ataque blando,
soltemos esta vez el aire en cantidad insuficiente. Las cuerdas vocales se verán
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insuficientemente aproximadas, por lo que habrá una pérdida de aire.
- Ejemplo de ataque duro: Este ejemplo será a modo de ilustración, en abstracto, ya que
su práctica, sin los suficientes conocimientos, puede lesionarnos. Imaginemos una
cantidad demasiado grande de aire sobre una glotis contraída y cerrada. El efecto es de
golpe de glotis. Se trata de un ataque brusco. El sonido saldrá duro. Esa emisión forzada
es desastrosa para las cuerdas vocales y es una de las causas principales de la fatiga
vocal.
Ejercicios
-Trabajaremos en las notas fáciles, cómodas, aquellas que ya poseemos naturalmente.
-El ejercicio consiste en aprender a atacar el sonido, investigar el timbre vocal, la
firmeza y la homogeneidad de la voz.
-Inicialmente emitiremos sonidos sobre la vocal que nos sea más fácil. Empezando con
esta, iremos pasando poco a poco a trabajar con las demás, hasta conseguir el equilibrio
sonoro con todas ellas.
-En esta etapa es muy importante poder sentir la posición de la lengua y los labios y la
forma de la boca.
- Emitimos el sonido M hasta lograr su cómoda colocación.
-Abrimos la boca emitiendo una vocal (siempre la más cómoda)
- Comenzamos a ascender por semitonos siempre y cuando el ataque sea cómodo (sin
forzar) y el timbre sea homogéneo. También, se puede pasar sucesivamente por todas
las vocales.
Para tener en cuenta:
-Es importante cuidar tanto la afinación, como que el timbre sea homogéneo y el sonido
limpio. Las vocales deben ser perfectamente reconocibles.
-La velocidad de realización de los ejercicios debe ser equilibrada. Ni demasiado lenta,
para que el ejercicio no pese y lleguemos con el aire; ni demasiado rápida, para que
tengamos tiempo de colocar bien los articuladores.
Ataque del sonido instrumental:
http://www.march.es/musica/jovenes/melodias_simultaneas/instrumental.asp
Se puede ver los ataques de los instrumentos de viento
Otros ataques: http://youtu.be/Wb6zncIITA4
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NUEVAS GRAFÍAS
A medida que la notación musical ha ido evolucionando, ha ido volviéndose más
compleja, ya que cada vez precisaba con mayor eficacia la idea musical del compositor.
Sin embargo, al ser una evolución lenta, no había problemas para su difusión por los
distintos países y su aceptación por todos los músicos. Con la aparición a comienzos del
Siglo XX de nuevas formas de crear música, y de nuevos instrumentos (sobre todo
electrónicos), cada compositor comienza a usar nuevos símbolos y nuevas formas de
escritura, que van desde dibujos a fórmulas matemáticas. Algunos ejemplos de notación
contemporánea son:
Sylvano Bussotti: Siciliano (1962)
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Esta es otra partitura de Bussotti
Otra Partitura de John Cage
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Partitura de John Cage
Ejemplo de notación empleada por Luis Arias
Partitura de Henryk Gorecki
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