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TEMA 7. EL TEATRO ESPAÑOL ANTERIOR A 1939. LA OBRA DRAMÁTICA DE VALLE-INCLÁN.
En las primeras décadas del siglo XX se produjeron diversos intentos de renovación del
panorama teatral, dominado al final de la centuria anterior por el drama realista y las obras de
José Echegaray. Este autor llevó a los escenarios una exacerbación del romanticismo con
situaciones y conflictos extremos y gran apasionamiento verbal y gestual. Así, se abren dos
vertientes dramáticas:
a) Teatro comercial, cuyo objetivo era entretener al público.
Las tendencias teatrales de la época que gozaron del favor de los espectadores fueron:
-El drama y la comedia burguesa de Jacinto Benavente: obras ambientadas en
escenarios de la alta sociedad de la que se critican vicios y costumbres. Por ejemplo,
Los intereses creados o la malquerida.
-Teatro cómico: fue uno de los preferidos por el público. Incluía música, canto y
baile y reunió una importante variedad de especies dramáticas. En este línea
destacaron los hermanos Álvarez Quintero con piezas que tratan de reflejar la vida
de forma amable y superficial (El patio), el astracán, disparate cómico basado en el
retruécano, de Pedro Muñoz Seca (La venganza de don Mendo) y la tragedia grotesca
de Carlos Arniches, que juega con la comicidad externa y con una profunda
gravedad de contenido (La señorita de Trevélez).
-Teatro en verso: siguió la efímera moda del teatro francés, con el modelo de
Cyrano de Rostand. Abordó temas históricos o fantásticos y empleó metros
modernistas. Sus principales cultivadores fueron Eduardo Marquina (En Flandes se
ha puesto el sol), Francisco Villaespesa (Aben-Humeya) y los hermanos Machado (Las
Adelfas).
b) Intentos de renovación y dramaturgos de ruptura:
Los primeros intentos de renovación teatral fueron llevados a cabo, entre otros autores,
por Jacinto Grau, que ensayó un teatro “distinto”, inspirado en temas literarios y grandes mitos –
que sólo triunfó fuera de nuestras fronteras-; por Unamuno, con su teatro desnudo –reducción de
los personajes al mínimo, de las pasiones a su núcleo y esquematismo en la acción-, y por Azorín,
con su pretendido antirrealismo –en un arte teatral que incluyera lo subconsciente y lo
maravilloso-; así como por dos autores que desarrollaron buena parte de su producción en el
exilio: Rafael Alberti y Max Aub.
Sin embargo, el teatro español de las primeras décadas del siglo XX solo alcanzó la cima con
la obra de Valle-Inclán y de Lorca, los únicos que lograron una calidad indudable en la renovación
teatral que muchos habían pretendido. Sus obras, además de influir decisivamente en el teatro
posterior, siguen representándose aún hoy, y cada vez más, en todo el mundo.
Estos cambios llevaron aparejado un creciente interés por la escenografía. Los teóricos insistían
en la necesidad de armonizar todos los componentes escénicos, haciendo especial hincapié en la
iluminación para crear situaciones y ambientes y concentrar la atención en la acción. Los debates
de la crítica especializada destacaban sobre todo la figura del director de escena, hasta entonces
confundida con la del primer actor o la del empresario.
Federico García Lorca y el espectáculo total
1.-Biografía (1989-1936)
Nació en Fuentevaqueros (Granada). Estudió Derecho, Filosofía y Letras y Música. En 1919 se
instala en Madrid (Residencia de Estudiantes) y traba entrañables relaciones con escritores
consagrados y artistas del momento. En 1932 funda La Barraca, compañía universitaria que se
propone llevar el teatro clásico y actual por los pueblos de España. Murió fusilado al inicio de la
guerra civil.
2.- Producción teatral
Federico García Lorca creó el verdadero teatro poético. En él, además de la palabra, cobran
importancia otros componentes, como la música, la danza y la escenografía, configurando así un
espectáculo total.
La producción dramática de Lorca expresa, de manera profunda, los problemas de la vida y de la
historia, a través de un lenguaje cargado de connotaciones. En la dramaturgia lorquiana es
frecuente el empleo de símbolos que, además de al lenguaje, afectan a la escenografía:
-AGUA: cuando fluye, representa la fecundidad, la fuerza y la libertad; cuando está
estancada, la esterilidad y la muerte.
-LUNA: puede ser la muerte, pero también la fecundidad o la esterilidad
-CABALLO: simboliza la vida, la fuerza erótica. También es portador de anuncios funestos.
-SANGRE: puede ser vida, pero también sufrimiento.
En el teatro lorquiano se perciben influencias del teatro modernista, del teatro clásico español y
del teatro de títeres, así como la impronta de Shakespeare y de Valle-Inclán.
2.1.-Primeros dramas (influencia modernista)
-Mariana Pineda conecta con el drama histórico en verso y plasma de manera
idealista y melodramática la vida de la heroína granadina ajusticiada por bordar una
bandera liberal durante el reinado de Fernando VII.
2.2.-Farsas (conflicto derivado del matrimonio de conveniencia entre el viejo y la joven)
-Farsas para guiñol: Lorca pretendió luchar contra el teatro comercial por medio de las formas
populares del teatro de títeres. En la Tragicomedia de don Cristóbal y la señá Rosita lo hace por la
vía de lo lírico; en el Retablillo de don Cristóbal, por lo grotesco, influido por Valle-Inclán.
-Farsas para personas: en La zapatera prodigiosa, la protagonista encarna la ilusión
insatisfecha, y en Amor de don Perlimplín con Belisa en el jardín, Perlimplín pretende imponer su
visión sobre la realidad por medio de la imaginación.
2.3.-Comedias “imposibles” (influencia surrealista).
-Así que pasen cinco años presenta un complejo simbolismo que ha originado diversas
interpretaciones. Subtitulada “Leyenda del tiempo”, la obra se centra en el drama existencial
del Joven, que lleva cinco años esperando para casarse, durante los cuales no atiende al amor de
la Mecanógrafa. Cuando expira el plazo, la Novia prefiere al Jugador de rugby, y le impone al
Joven otros cinco años de espera.
-El público, obra de corte vanguardista, dramatiza de forma alegórica y simbólica los temas de
la personalidad, la posibilidad del amor y la consideración acerca del teatro, abogando por la
destrucción del teatro convencional.
-Comedia sin título, vinculada con El público en cuanto al tratamiento de las convenciones
teatrales y de las relaciones entre drama y realidad, presenta además preocupaciones sociales y
políticas. De esta obra conocemos –por el momento- sólo el primer acto.
2.4.-Tragedias y dramas
Las tragedias lorquianas se desarrollan en un ambiente rural en el que las fuerzas naturales
imponen un destino trágico. En estos dramas, el argumento tiene escasa importancia, hay
pocos personajes principales e intervienen coros.
-En Bodas de sangre, Lorca dramatiza el poder de la pasión, del sexo, de la tierra.
Parte de un suceso real, la huida de una Novia con su antiguo Novio el día de su boda, y
enfatiza la fuerza imparable de los instintos.
-En Yerma, la esterilidad se presenta como una maldición para la protagonista.
-La casa de Bernarda Alba está inspirada también en un suceso real. Desarrolla la
lucha entre el principio de autoridad, encarnardo en Bernarda, y el principio de
libertad, representado por Adela, la hija menor que mantiene relaciones con Pepe el
Romano, el prometido de su hermana Angustias. Descubierta la relación, Bernarda
dispara contra Pepe, y al creerlo muerto, Adela se suicida.
Valle-Inclán y el teatro en libertad
1.- Biografía (1866-1935)
Ramón María del Valle-Inclán (que se llamaba en realidad Ramón Valle Peña) nace en Villanueva de
Arosa (Pontevedra). Comienza Derecho pero, antes de acabar, su inquietud aventurera le impulsa a
marcharse a Méjico. De regreso, lleva en Madrid una vida bohemia. Su fama va creciendo, tanto por
su arte como por su vida excéntrica. Le ofrecen una cátedra de Estética en la Escuela de Bellas Artes
de Madrid, pero Valle se aburre y la deja. Su dedicación a la literatura es absoluta y no le detienen
las privaciones que sufre con su familia. Se separa de su mujer. Escombrado director de la
Academia Española de Roma. En 1935, aquejado de cáncer, regresa a Santiago de Compostela
donde muere.
2.- Ideología
Su aversión a la civilización burguesa y su repulsa del liberalismo, le llevaron a ensalzar los viejos
valores de la sociedad rural arcaizante en la que se había formado. Así, hacia 1910 se declaraba
“carlista por estética”. A partir de 1915 dio un giro radical: se opone a lo mismo pero desde
posiciones revolucionarias.
3.- Producción teatral
En la trayectoria dramática de Valle-Inclán se observa una constante voluntad de renovación
formal y temática y una pretensión de romper con el teatro de su época. Progresivamente, Valle
evolucionó hacia su creación máxima, el esperpento, cuyos elementos se observan ya de manera
incipiente en sus primeras obras.
3.1.- Inicios dramáticos: dramas decadentistas
En estas obras, Valle aplicó el modernismo al drama, que la estética simbolista había cristalizado en
el denominado teatro poético. Sin embargo, Valle se alejó del teatro simbolista con la
incorporación de personajes con lenguaje y actitudes realistas, tratados de forma irónica y
hasta caricaturesca.
En sus primeras obras (El marqués de Bradomín –donde ensaya ya los procedimientos
ridiculizadores que empleará luego en las Comedias bárbaras- y El yermo de las almas –exaltación
de los sentimientos e hipersensibilidad-, Valle dramatiza el tema decimonónico del adulterio,
libre de la carga ética de la alta comedia e inmerso en la literatura de fin de siglo. La dama, enferma,
presenta los rasgos de la heroína decadente finisecular.
3.2.- Los dramas de ambiente galaico
Bajo la denominación de ciclo mítico suelen agruparse las Comedias bárbaras (trilogía que
dramatiza la tragedia de los Montenegro), El embrujado (la que presenta menor complejidad
escenográfica de las tres) y Divinas palabras (en donde contrasta el mundo distorsionado de los
esperpentos y la estilización decadentista); obras todas ellas relacionadas por sus temas,
personajes, atmósferas y significado y que se localizan en una Galicia mítica, intemporal. En estas
obras se representa la sociedad arcaica, elegida para ofrecer la visión de un mundo en el que la
existencia humana se rige por fuerzas primarias. Los conflictos se centran en la lujuria, la soberbia,
la crueldad, el despotismo, el pecado, el sacrilegio, la superstición y la magia.
3.3.- Farsas
Valle-Inclán escribió cuatro farsas: La marquesa Rosalinda (considerada la más modernista, es
una crítica abierta de las instituciones y costumbres españolas), Farsa infantil de la cabeza de
dragón (es una parodia de la literatura modernista de carácter evasivo), Farsa italiana de la
enamorada del Rey (destaca el contraste entre lo sentimental y lo grotesco) y Farsa y licencia de
la Reina castiza (sátira del reinado de Isabel II). Todas ellas están compuestas en verso salvo la
segunda. En sus farsas, Valle introduce personajes de la farándula, el uso de disfraces y el teatro
dentro del teatro, buscando la ruptura del efecto de realidad escénica.
3.4.- El esperpento
La producción dramática de Valle culminó en el esperpento. Él mismo denominó así a Luces de
bohemia (1920) y a Martes de carnaval (1930), que comprende Los cuernos de don Friolera, Las
galas del difunto y La hija del capitán y donde el ejército español es el centro de crítica.
El esperpento, definido en Luces de bohemia, constituye una estética que se refiere a una visión
particular del mundo, resultado de una posición crítica. La realidad es destruida de forma
sistemática, transformando por completo su imagen aparente y revelándola tal y como es. El
esperpento funciona, así, como un instrumento de desenmascaramiento que deforma
determinados aspectos del personaje y de las situaciones, produciendo una visión
caricaturizada, alternativamente cómica y macabra.
Valle explicó en una entrevista (1928) sus tres modos de ver el mundo estéticamente: “de rodillas,
en pie o levantado en el aire”. Cuando un autor mira desde abajo, la realidad le parece enaltecida y
los personajes se ven como héroes (epopeya o tragedia clásica); si mira al mismo nivel, los
personajes son como “nuestros hermanos” (Shakespeare); si los mira desde arriba, resultan como
muñecos o peleles. Esta última es la manera de mirar que usa Valle-Inclán en sus esperpentos.
Los principales rasgos que caracterizan el esperpento son:
a) La deformación, la distorsión de la realidad es la base del esperpento.
b) La degradación de los personajes manifestada en la animalización, la
cosificación o muñequización.
c) El empleo de contraste, especialmente entre lo doloroso y lo grotesco (máximo
exponente es el velatorio de Max Estrella)
d) El humor, la mordacidad, la risa agria que, para Valle, es más bien una forma de
ataque crítico demoledor.
E ) La riqueza y variedad de registros empleados (coloquial, administrativo, literario,
vulgar, habla madrileña castiza...) para caracterizar a los personajes con intención
paródica o crítica.
f) El diálogo, con réplicas ágiles y exactas y con variedad de tonos
g) El carácter literario de las acotaciones (empleo deslumbrante de la frase
nominal)
Valle se valió de esta nueva estética para centrarse, por primera vez, en su momento histórico,
ante el cual manifestó un profundo desprecio.
Luces de bohemia: cuenta el dantesco viaje de Max Estrella, poeta ciego, guiado por
Latino de Hispalis por diversos lugares madrileños, hasta que muere en la puerta de su propia
casa. A partir del protagonista, Luces de bohemia cobra unas dimensiones que trascienden
ampliamente la anécdota del fracaso y la muerte de un escritor mediocre. La obra se convierte en
una parábola trágica y grotesca de la imposibilidad de vivir en una España deforme, injusta,
opresiva, absurda; una España donde, según el autor, no encuentran sitio la pureza, la honestidad
ni el arte noble.
Jardiel Poncela. (1901-1952).
Su objetivo fue renovar el desgastado y caduco panorama teatral español aportando nuevas formas
para entretener al público. Su estilo se caracteriza por planteamientos inverosímiles, la inteligencia
de sus diálogos y equívocos absurdos. La influencia vanguardista se aprecia en la excentricidad de
los planteamientos y en el comportamiento de algunos personajes. Entre sus obras destacan:

Cuatro corazones con freno y marcha atrás, cuyos protagonistas beben una poción de la
vida eterna para intentar solucionar todos sus problemas.

Eloísa está debajo de un almendro, comedia de enredo que juega con el parecido físico de
dos mujeres.
Alejandro Casona (1903-1965).
Su mejor obra es La dama del alba, en la que mezcla elementos realistas con otros fantásticos. El
argumento sitúa en la Asturias rural a una familia destrozada por la muerte en el río de su hija,
cuyo cadáver no había sido encontrado.