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Irene Sánchez Jiménez
Laboratorio Audiovisual
Curso 2010-2011
Grupo B5
Índice
El cine; la prehistoria de la animación………………………………………………………….……….… Pág.1
Estilos y escuelas del cine…………………………………………………………………….…………… Pág.1
El cine de animación………………………………………………………………………………….…… Pág.1
Video, videoarte y videoclip……………………………………………………………………….……. Pág.1-2
Diversos tipos de animación………………………………………………………………………...……Pág.2-3
Los pioneros de la animación
cinematográfica…………………………………………………………………………………...……….. Pág.3
La consolidación del cine de animación en todo el mundo…………………………………..…………. Pág.3-5
El cine de animación tras la Segunda Guerra Mundial……………………………………………….… Pág.5-7
El cine de animación en occidente en las últimas décadas…………………………………………..….… Pág.7
La animación japonesa en los últimos tiempos…………………………………………………………… Pág.7
El camino del cine digital actual de animación………………………………………………………….… Pág.7
La industria española del dibujo animado………………………………………………..……..……….… Pág.8
Tipos de cámaras……………………………………………………………………………………..… Pág.8-9
Internet, videojuegos y formatos…………………………………………………………………..…….… Pág.9
Análisis de una obra propia……………………………………………………………………...…….. Pág.9-10
Conclusión……………………………………………………………………………………...……...… Pág.10
Bibliografía……………………………………………………………………………………………Pág. 11-12
El cine; la prehistoria de la animación
Los cuatro fenómenos que hacen posible la aparición del cine son: Estroboscopia, Fotografía, proyección y
exhibición y su producción masiva.
La persistencia retiniana también es fundamental para entender en cine: Peter Mark Roget presentó la tesis
defendiendo que con una fracción de segundo el estímulo luminoso es grabado en la retina y esto proporciona
la visión del movimiento y sensación de continuidad.
Desde la antigüedad el ser humano ha intentado representar el movimiento de diversas formas (a partir de la
luz y la sombra en China, Índia, Japón; la cámara oscura; la linterna mágica de Athanasius Kircher;
fantasmagorías d’Éttienne Robertson…)
Gracias a Niepce y Daguerre, con la cámara oscura y materiales sensibles, se inventó la fotografía. Y la
cronofotografía la iniciaron Marey y Muybridge.
Los primeros juguetes ópticos fueron: El Traumátropo, el Fenaquistoscopio, el Zootropo, el Crotoscopio y el
Praxinoscopio.
En 1893 T.A. Edison patenta la banda de celuloide perforada de 35 mm y en 1889 inventa el Kinetoskopio sin
esperanza alguna. Por ello, son los hermanos Lumièré los que patentan el Cinematógrafo.
El 1927 llega el cine sonoro. La primera película fue “The jazz singer”.
La televisión buscó nuevos procedimientos y creó, entre otros, Cinerama y Cinemascope de la Fox.
En el ámbito tridimensional se inventó: Imax (3D), Omnimax, Imágenes estereoscópicas, holografía,
proyección con laser y realidad virtual.
Estilos y escuelas del cine
La clasificación por géneros agrupa las películas según sus temas y dependen de la realidad social, la
predisposición del público y las fluctuaciones del mercado. Los principales son: documental, western,
policíaco, musical, comedia, terror, fantástico y ciencia ficción. También están los subgéneros como el
histórico, el literario, de aventuras, el dramático, el filosófico, el catastrofista y el erótico.
Las escuelas o estilos del cine dependen de las características o cualidades lingüísticas-expresivas y de los
periodos históricos.
Las más importantes son: La nouvelle vague, el free cinema, la Escuela de Nueva York y la neue deustches
Kino que buscaban la liberación de la industria, y el cine francés, soviético, el neorrealismo italiano, las
nuevas ondas francesas, checas, el free cine inglés y el new american cinema fueron corrientes propiamente
cinematográficas.
Video, videoarte y videoclip
El video apareció el año 1957 y se diferencia del cine por ser un medio audiovisual químico.
El videoarte se originó en los años 60 y se desarrolló en los 70. Nam June Paik, Yagob Agam, Wolf Vostell,
Ed Ershmwiller, Gary Hill, Bill Viola y Antoni Muntadas son los más importantes de esta categoría.
Los videoclips aparecieron a finales de los 70 y Michael Gondry, Cris Cunningham y Spike Jones son
referentes básicos.
El cine de animación
Según el animador norteamericano Gene Deitch, «animación cinemática es el registro de fases de una acción
imaginaria creadas individualmente, de tal forma que se produzca ilusión de movimiento cuando son
proyectadas a una tasa constante y predeterminada, superior a la de la persistencia de la visión en la persona.»
El cine de imagen real descompone un movimiento real (24 imágenes por segundo) y el cine de animación
crea un movimiento de la nada (desde 24 hasta 8 imágenes por segundo).
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Con la invención del paso de manivela, Chomón estableció los principios fundamentales de la animación,
Cohl los aplicó al campo gráfico y McCay dio al dibujo animado la técnica básica.
En el caso del ordenador el animador tiene el control total tanto del espacio como del tiempo.
Diversos tipos de animación
Dibujo animado
Se crean dibujando cada fotograma. Al principio se pintaba cada fotograma y luego era filmado, después la
animación era por celdas o papel de acetato inventada por Bray y Hurd en la década de 1910 y más tarde los
dibujos eran realizados en computador.
Stop motion
Se le da vida a objetos de todo tipo (maquetas, objetos a escala, muñecos…) mediante fotografía o filmación.
Para ello se utiliza la grabación «fotograma a fotograma» o «cuadro a cuadro», cuyo iniciador fue segundo de
Chomón con su llamado «paso de manivela». Si lo que se animan son recortes, cartón, papel o fotografías, se
llama Animación de recortes (cutout animation).
En la animación con plastilina se hace paso a paso y por tanto es muy laborioso.
Recambio de piezas
El sistema de captura es básicamente el mismo que el del stop-motion, pero los muñecos poseen piezas
intercambiables. Consiste en crear tantas piezas como movimientos o expresiones vaya a necesitar el
personaje.
Puppertoons
El termino Puppertoons (“marioneta-dibujos animados”) fue acuñado por Geor Pal y su socio Dave Bader. En
cada fotograma la posición del personaje es diferente.
Film directo
Se dibuja, raya, se pinta o se compone sobre el mismo celuloide. Len Lye, neozelandés, fue un pionero.
Pixilación
Se animan personas u objetos cotidianos. Norman McLaren fue pionero de esta técnica (utilizada con
anterioridad por Emile Cohl). En su cortometraje Vecinos, Neighbours (1952) dos personas realizan
movimientos muy complicados.
Rotoscopía
Trata de grabar movimientos reales de personas y trasladarlos al ordenador. En Blancanieves, por ejemplo, se
utilizó en una bajada de escaleras o bailes (ya que son acciones complejas).
Animación limitada
En vez de realizar la animación de 24 imágenes por segundo, muchos de esos cuadros son duplicados por lo
que el dibujo se hace más imperfecto, pero abarata mucho los costes. Un ejemplo son los Picapiedra.
Animación flash
Son trabajos de animación en 2-D para páginas web y sitios web multimedia.
Animación en 3D
Simula las tres dimensiones mediante un proceso denominado renderización, que generar una imagen de 2D
desde un modelo de 3D.
Foto-realidad
Traslada al mundo virtual de la forma más realista posible el mundo real. Final Fantasy, en 2002, de
Hironobu Sakaguchi es un ejemplo claro.
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Animación motion capture y performance capture
La «Performance Capture» se podría traducir como captura de la interpretación (captura de algunos
movimientos del cuerpo mediante sensores que son interpretados por un ordenador).
Los pioneros de la animación cinematográfica
El año oficial del nacimiento del cine es el 1895, pero el nacimiento del cine de animación se en 1905. El
honor del primer film de animación se lo disputan los cineastas Stuart Blackton, norteamericano, Segundo de
Chomón, español, y Emile Cohl, francés.
James Stuart Blackton (1875-1941), ilustrador y periodista, rodó en 1900 The enchanted drawing, en 1906
realizó Humorous Phases of Funny Faces, el cortometraje Haunted Hotel en 1907 y The Magic Fountain Pen
en 1909.
Segundo de Chomón (1871-1929). A parte de crear la manivela, desarrolló la «cámara 16», que filmaba
imagen por imagen. Hizo El hotel eléctrico, producida en 1908 por la Pathé, La poule aux oeufs d'or (1905),
basado en la fábula de La Fontaine, La maison hantee (1906) y Le Theatre du Bob (1906).
Emile Cohl. Fue dibujante de cómics. Desde 1908 realizó los primeros cortometrajes de dibujos animados.
Realizó Fantasmagorie, que se considera la primera película de dibujos animados y el primer personaje al
cual se le consagraría más de un filme.
Billy Bitzer, (1874-1944), utilizaba el stop motion para hacer que bustos y estatuas aparezcan riéndose y hasta
fumando, en The Sculptor’s Nightmare. Es considerado el primer director de fotografía de la historia del cine
y se deben numerosos inventos técnicos y procedimientos de filmación que hicieron avanzar el lenguaje
cinematográfico.
George Méliès (1861-1938). Fue un famoso Mago a fines del XIX y llevó a la pantalla alguno de los trucos
que le hicieron popular en los escenarios.
Cecil Hopworth (1874-1953), dirigió The Electricity Cure, The Electrical Goose (1905), The Electric Hotel
(1906), The Electric Belt (1907) entre otros.
Winsor McCay fue pionero indiscutible de los dibujos animados, caricaturista y autor de cómics en el New
York. Realizó todos los dibujos del film Little Nemo (1911) y Gertie the dinosaur (1914), cartón por cartón,
por citar algunos.
John Randolph Bray (1879-1978), en 1903 creó la serie Little Johnny and His Teddy Bears. Fundó unos
estudios y produjo varias películas, entre las que destaca Colonel Heeza liar's african hunt (1914). El cel
systems es atribuido a Bray y también a Earl Hurd.
Arnaldo Ginna, 1890-1982, pintor, escultor y director de cine italiano, creó la técnica de pintar directamente
sobre celuloide, que luego adoptarán Len Lye y Norman McLaren.
Wladislaw Starewicz realizó La venganza del camarógrafo (1912), una obra maestra del stop motion con
figuras en tercera dimensión.
Raoul Barre desarrolló una técnica de animación basada en el rasgado y recortado para lograr diversos niveles
en la imagen. Charles Bowers, llevó a la pantalla las historietas creadas por Harry Fisher para diversos
periódicos, en Mutt and Jeff .
La primera película animada en España fue El Toro Fenómeno, de diez minutos de duración, realizada en
1919 por Fernando Marco.
La consolidación del cine de animación en todo el mundo
La Guerra Mundial abatió las escuelas de animación y preparó el predominio norteamericano, una situación
que se confirmó luego de la II Guerra Mundial.
Lotte Reiniger, fue una pionera que realizó dibujos animados en Alemania a partir del teatro de sombras,
personajes opacos sobre fondos blancos, como Las aventuras del príncipe Ahmed (1926), el primer
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largometraje de dibujos animados que se conserva.
Windsor McCay, en 1918, realizó el primer documental animado, The Sinking of the Lusitania, con 25 000
cuadros, en un estilo muy realista.
En las primeras décadas del siglo XX se hicieron películas como Symphonie diagonale (1921-24), de Vicking
Eggeling, mediante relaciones rítmicas entre formas y líneas geométricas simples. Emak Bakin (1926) es de
Man Ray, un dadaísta y más tarde uno de los fundadores del surrealismo.
En Japón tenemos a Oten Shimokawa, quién realizó el primer corto animado de 5 minutos titulado Imokawa
Mukuzou (El Portero). Junichi Kouchi realizó un corto titulado Hanahekonai Meitou no Kani (El sable nuevo
y flamante), y Seitarou Kitayama, realizó Sarukani Gassen (La guerra de monos y cangrejos). Kitayama,
logró el primer éxito mundial de la animación japonesa con Momotarou (El Chico Durazno). Noburu Ofuji,
en 1927, realizó Kujira, La ballena en papel semitransparente. Yasuji Murata empleó acetatos en El hueso del
pulpo en 1927. En 1931 Kenzo Masaoka realizó sonora, Chikara to onna no yo no naka, El mundo del poder y
de las mujeres, primer animado sonoro .En 1935, Mitsuyo Seo realizó varias películas propagandísticas en
torno al conflicto chino-japonés.
Mickey Mouse fue un punto de inflexión importante en la historia del cine de animación, a partir del cual se
desarrolló una de las mejores épocas del cine de animación. Walt Disney y Ub.
Con Alice in Wonderland (1923) se nota la progresiva evolución sobre todo al inventar la cámara multiplano,
que sirvió para aumentar el realismo con el efecto de profundidad de campo. Fue Blancanieves y los siete
enanitos (1937) una de las primeras películas de dibujos animados de metraje largo.
Los hermanos Dave y Max Fleischer, competían en las pantallas con Disney, con personajes tan populares del
comic norteamericano como Betty Boop y Popeye. En largometraje hicieron Los viajes de Gulliver, Gulliver's
Travels (1939), en el que utilizaron el rotoscopio.
Los Fleischer realizaron animaciones educativas: The Einstein Theory of Relativity (1923) y Darwin’s Theory
of Evolution (1925), películas didácticas. En 1930 presentaron el personaje de Betty Boop en Dizzy Dishes,
creado por Grim Natwick. En 1939 realizaron su primer largometraje, Los viajes de Gulliver y más tarde Mr.
Bug goes to Town (1941). La serie de superman también se la debemos a ellos.
Paul Terry, pionero en casi todas las técnicas de animación desde 1915, realizó su serie más famosa: Aesop’s
Film Fables.
Walter Lantz creó una compañía para el desarrollo de dibujos animados, primero para el cine y más adelante
destinados a la televisión. Uno de los personajes más conocidos de Walter Lantz es el Pájaro Loco.
En 1925, Willis O’Brien realizó los efectos especiales da varias películas importantes, la más famosa de ellas
el gorila a animado de King Kong (simulando mucha más altura que la real).
El neozelandés Len Lye pintaba directamente sobre el celuloide en The color box (1935), una técnica retomó
Norman McLaren.
Ub Iwerks adaptó el cuento The Brave Tin Soldier, de Hans Christian Andersen, para sus Comicolor Cartoons.
Fue el creador de Jack and the Beanstalk (1933), Don Quixote (1934), Aladdin and the Wonderful Lamp
(1934), Humpty Dumpty (1935), The Three Bears (1935), Ali Baba (1936), The Frog Pond (1938) y otros.
1930 nacieron los Warner Brothers Cartoons con el corto Sinking in the Bathtub. Harman, Ising y Freleng,
crearon los Looney Tunes.
En 1932, el checo Berthold Bartosch realizó L'Idée, La idea, un corto eminentemente político, radical y
revolucionario. Utiliza técnicamente el principio de la animación por sustracción de fotogramas.
Oskar Fischinger realizó en 1930 dos primeras partes de la serie Studie (hasta 1932donde combina la
geometría con la música. Colaboró en la realización de Fantasía, de Disney.
En Francia, Alexandre Alexeieff, grabador y decorador ruso, realizó junto a Claire Parker, en 1932, Une nuit
sur le Mont Chavre, donde se animaban una serie de alfileres, fotografiados cuadro a cuadro.
En Rusia, en 1934, Iván Ivanov-Vanó fue uno de los pioneros de la animación soviética. El zar Durandai
(1934), La cigarra y la hormiga (1936) y Los tres mosqueteros (1938) son algunas obras conocidas.
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Alexander Ptushko realizó en 1935 El nuevo Gulliver, que combina figuras reales y animadas en tercera
dimensión.
En 1935, Len Lye, neozelandés, realizó Color Box, una de las primeras obras maestras de la animación.
En 1936, Tex Avery dibujó para la Warner el personaje de Porky y Robert Clampett creó al canario Tweety,
Piolín en español. Chuck Jones debutó con The Night Watchman en 1938. En 1940 definió el personaje de
Bugs Bunny.
En España se produjeron intentos de producir animación, como los del caricaturista Ricardo García López,
entre los cuales destaca Francisca, la mujer fatal de 1933, y los de Joaquín Xauradó: Un drama en la costa y
El Rata primero.
En 1943, los hermanos Whitney, John y James, con su “cine puro” realizaron el film Five Abstract Film
Exercises y en 1957 consiguieron los primeros gráficos analógicos por ordenador.
George Pal, húngaro, fue el precursor de las películas realizadas por Steven Spielberg y George Lucas. En
1940 con la serie de los Puppetoons, revolucionó la animación tridimensional por el uso de la técnica del
recambio de piezas.
En 1945, en Estados Unidos, un grupo de dibujantes constituyeron la UPA (United Productions of America)
decididos a diferenciarse del resto. Estrenaron Brotherhood of Man, de Bobe Cannon, y Robin Hoodlum. Mr
Magoo, creado por Peter Burns.
El cine de animación tras la Segunda Guerra Mundial
Tras la segunda Guerra Mundial se dio el gran desarrollo del cine de animación, que consolidó totalmente con
los largometrajes de Disney y los cortometrajes de la Warner Bros.
Estados Unidos
Wal Disney, aparte de los dibujos animados que siguió creando, realizó documentales y películas de aventuras
con actores reales. The Reluctant Dragon (1941), Dumbo (1941), Saludos, amigos (1943), Los tres caballeros
(1945), Canción del Sur (1946), La Cenicienta (1950), Alicia en el país de las maravillas (1951), Peter Pan
(1953), La dama y el vagabundo (1955) y La bella durmiente (1959) . A diferencia de las anteriores, hechas a
mano, ahora citaré las que se hicieron a través del Xeroxed: 101 dálmatas (1961), Merlín el encantador
(1963), Mary Poppins (1964 y El libro de la selva (1967).
United Productions of America (UPA). Walt Disney soportó en 1941 una huelga de animadores que supuso la
huida de varios de sus mejores dibujantes, entre ellos Stephen Bosustow, uno de los creadores de la UPA, que
funcionó desde 1943, y John Hubley, en desacuerdo con el estilo ultrarealista de Disney. La Columbia
Pictures contrató a la UPA como estudio de animación y se comenzaron a realizar cartoons para el público
general. Su personaje de lanzamiento fue Mr. Magoo, un anciano al que su miopía le hace pasar por las
peripecias más complicadas. Los miembros de la UPA deseaban diferenciarse del resto de los estudios, sobre
todo de Disney, la Warner y MGM.
Chuck Jones y Friz Freleng crearon Looney Tunes y Merrie Melodies del estudio de animación de Warner
Brothers. Chuck Jones fue uno de los primeros en incorporar la técnica de animación limitada (estilo UPA).
Friz Freleng introdujo varias estrellas como Porky Pig, Piolín, El gato Silvestre, Sam Bigotes, Speedy
Gonzales y La pantera rosa.
Tex Avery, en 1948, en la MGM, trabajando junto a Hanna y Barbera, creó personajes Chilly-Willy The
Penguin y Droopy The Dog. Influenciados por la UPA, siguieron la técnica de animación limitada y crearon
The Flintstones, Yogi Bear, Huckleberry Hound, Pixie y Dixie, Top Cat…
Charles M. Schulz, en 1969 comenzó la secuela Charlie Brown y sus amigos.
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James Whitney, en 1955 realizó Yantra. Catalog (1961) de John Whitney o Lapis (1963-66) de James
Whitney, son pioneras en la aplicación del ordenador elaborando las imágenes fotograma a fotograma.
Canadá
El National Film Board of Canada promovió todo tipo de experimentos vanguardistas. Destaca el trabajo de
Norman McLaren.
Francia
En 1947, el cortometraje Petit Soldat, de Paul Grimault, consagra internacionalmente a la animación francesa.
Jean Image, hace Jeannot l’intrepide (1949), Las fabulosas aventuras del barón Fantástico (1979), Aladino y
la lámpara maravillosa (1985), y famosas series como Joë chez les abeilles (1960). El más interesante
largometraje animado lo produjo en 1950 Paul Grimault, La pastora y el deshollinador.
Checoslovaquia
En los países del bloque soviético, el Estado promovió intensamente la animación. Jiri Trnka trabajó con la
animación con marionetas. Bretislav Pojar hizo La cabaña de mazapán, y en 1953, Un vaso de más,
animación de títeres contra el abuso del alcohol. Karel Zeman, realizó Inspiración (1947), El rey Lavra
(1951), El tesoro de la isla de los pájaros (1953), Viaje a la prehistoria (1955), etc. y en 1958 hizo La
invención diabólica. Jan Svankmajer hizo La última broma (1964), Jardín (1968), Dimensiones del diálogo
(1982) y Diario de Leonardo (1988).
Rusia
Iván Ivanov-Vanó, llamado el Walt Disney soviético, hizo el primer largometraje animado soviético, El
caballito jorobadito, una de las obras maestras de la animación. La más poderosa y mejor diseñada de sus
películas es The Battle of Kerzhenets (Secha pri Kerzhentse) del 1971.
Yugoslavia
La escuela de Zagreb presumía de utilizar la imaginación y plasmarla a la perfección. En 1956, El robot
juguetón, de Dusan Vukotic, inicia la producción del Estudio de Zagreb.
Polonia
Antes de Jan Lenica y de Walerian Borowczyk el cine de animación era un género poco valioso en Polonia
considerado únicamente como diversión para niños. Los dos crean Érase una vez (1957). Lenica hace La casa
(1958) y Laberinto y Los rinocerontes .
Witold Giersz es una de las grandes figuras del cine animado polaco, sobre todo de miniaturas e incluso de
pintura al óleo, con El secreto del viejo castillo (1956), Epigrama de neón (1959), El pequeño oeste (1960)…
Italia
Francesco Guido creó el primer corto de animación italiano de la postguerra (L’ultimo sciuscia). Se estrena I
paladini di Francia, de Giulio Gianini y Emanuele Luzzati, los principales animadores de títeres y marionetas
en Italia. En el Festival de Venecia se presentaron los dos primeros largometrajes italianos de animación: I
fratelli Dinamite (de Nino Pagot) y La rosa di Bagdad, de Antón Domeneghini.
Japón
En 1947, Kon Ichikawa realizó Una muchacha en el templo de Dojo, con títeres. En 1959, Osamu Tezuka
trabajó en el largometraje Diario del oeste, modernizó el manga y consiguió convertirlo en un fenómeno de
masas, fue el pionero de la animación televisiva. Realizó Astro Boy , Kimba, el león blanco, Jungle Taitei,
Blackjack, Memory, Broken Down Film, etc. En 1963, se impuso la animación surrealista y experimental del
japonés Yoji Kuri: The Samurai (1965), The Eggs (1966), Flower (1967), Imagination (1969) y Midnight
Parasite (1977)…
España
En 1945, se hizo Garbancito de la Mancha, dirigida por Arturo Moreno, el primer largometraje de animación
netamente español de manera artesanal. Y en 1948 creó Alegres Vacaciones.
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La familia Telerín, de Juan Luis Moro, quien realizaría en el 1972 La calabaza Ruperta.
El cine de animación en occidente en las últimas décadas
Disney continuó en EEUU con sus momentos de esplendor, con películas como La Sirenita, (The little
mermaid, 1989, de John Musker y Ron Clements y La bella y la bestia (Beauty and the Beast, 1991) , de
Trousdale y Wise. Pixar, de John Lasseter pasó a ser la más importante productora de animación del mundo,
con películas tan bien acogidas como Toy Story, Bichos, Monstruos S.A., etc. En 1991 Pixar y Disney unieron
fuerzas e hicieron varios largometrajes en común. En 2004 Pixar y los estudios Disney rompieron sus
relaciones, hasta que en enero de 2006 Disney adquirió Pixar Animation Studios y cedió el control de su
estudio de animación a los directores creativos de Pixar.
Los ejemplos que más se deben recalcar son:
Frederic Back ( L´Homme qui plantait des arbres,1988) , Brad Bird (El gigante de hierro,1999), Henry
Selick (Pesadilla antes de Navidad , 1993; La novia cadáver, 2005), Bill Plympton (Me casé con un
extraño,1997 ; Mutant aliens, 2001), Michel Ocelot (Los tres inventores (1980); Kirikú la Bruja, 1998; Azur
& Asmar 2004), Sylvain Chomet (Las Trillizas de Belleville, La Vieille Dame et les Pigeons, 1995; Leon La
Came, 2002), Pascal Morelli (The busy world of Richard Scarry, Arsene Lupin, Calamity Jane), Nick Park
(Wallace y Gromit: la maldición de las verduras, 2005; Evasión en la granja, Chicken Run, 2000), Jan
Werich (Fimfárum, 2002), Juan Padrón (Elpidio Valdés, Vampiros en La Habana, 1985).
La animación japonesa en los últimos tiempos
Tras Osamu Tezuka, el anime japonés se ha convertido en la industria más prolífica del planeta,
popularizándose en todo el mundo. La fuerz llegó de la mano de Nausicaa del valle del viento de Hayao
Miyazaki y Akira (1998) de Katsuhiro Otomo, sin olvidar al animador independiente Koji Yamamura, ni a
Akira Toriyama con la producción Dragonball (1986-1989).
El anime se caracteriza en general por la sencillez por ello los productos son baratos en los mercados
internacionales. Se han dado así coproducciones importantes para televisión con los países occidentales, como
Heidi (1974), Vickie el vikingo (1974-1975) y Las aventuras de la abeja Maya (1975-1976), Ulises 31 (1988)
y Las aventuras de Sherlock Holmes (1984-1985).
El camino del cine digital actual de animación
Desde la última década del siglo XX,el cine de animación ha sufrido un gran cambio debido a introducción
del ordenador en el proceso técnico y creativo de las películas. Fue en 1991, en el baile de La bella y la bestia,
donde la cámara se movía en todas direcciones.
Toy Story, la primera película realizada totalmente por ordenador, en 1995, tuvo un rotundo éxito comercial.
Hormigaz, Antz, (1998) compitió con el predominio de Disney y creó las bases para unos nuevos contenidos
en el cine de animación.
Los dibujos animados, compiten en las últimas décadas por una parte Disney-Pixar (que se unen y se
desunen), con películas como Toy Story 2, Bichos, Monstruos S.A. o Buscando a Nemo, que ganó el Oscar a la
mejor película de animación en marzo de este año y Dreamworks, con grandes éxitos de taquilla como Shrek y
Shrek 2, la más taquillera de la historia.
Mientras tanto otros como Fox, con La edad del hielo, Columbia, con Final Fantasy, Paramount con Jimmy
Neutron y Warner, con The Polar Express, de Robert Zemeckis compiten por la categoría de dibujos
animados.
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La industria española del dibujo animado
El resumen de autores y sus respectivas obras sería:
José Luis Moro (Garbancito de La Mancha, 1945; La familia Telerín), Cruz Delgado (El gato con botas,
1963; Mágica aventura, 1973; El desván de la Fantasía,1978; Don Quijote de La Mancha,1978) Ángel
García (Peraustrinia 2004,1989), Jordi Amorós (Despertaferro, el grito del fuego, 1990), Carlos Varela y
Maite Ruiz de Austri (La leyenda del viento del norte ,1992), Maite Ruiz de Austri (El regreso del viento
del norte, 1993).
Los de mejor calidad:
Ángel Cruz y Manolo Gómez (El bosque animado, 2001), Juan Pablo Buscarini (Pérez, el ratoncito de tus
sueños, 2006), Adrià García (Nocturna, 2007), José Pozo (El Cid, la leyenda, 2003; Donkey Xote, 2007).
Dygra Films El bosque animado, 2001; El sueño de una noche de San Juan, 2005; Espíritu del bosque,2008;
Noche de paz, 2009; El asno de oro, para 2011 y En busca de Oniria, estimada para 2012).
Dibujos animados con personajes para niños que se difunden por todo el mundo son Pocoyó (Zinkia), Bernard
y Sally McKay. Un éxito en todo el mundo ha sido Planet 51, 2009, de Jorge Blanco, en coproducción con
RU, un éxito internacional que puede competir con Pixar. Tiene como protagonista a un astronauta
estadounidense que aterriza en un planeta plagado de alienígenas con un estilo de vida semejante al de la
década de los años cincuenta del siglo pasado.
Tipos de cámaras
Las cámaras de Sony CineAlta (descendientes de las Betacam) son de alta definición. Los estándares NTSC y
PAL, pueden reproducir 29.97 y 25 imágenes por segundo respectivamente, estas pueden grabar las mismas
24 imágenes por segundo. Sus sensores CCD tienen una resolución de 1920x1080 píxeles.
Las cámaras Mini-DV se usan desde hace ya bastantes años para películas independientes o de bajo
presupuesto. Steven Soderbergh usó el popular modelo Canon XL en la grabación de Full Frontal.
La cámara Thompson Viper FilmStream tiene la misma resolución y fotogramas por segundo que una cámara
de alta definición como la CineAlta. Captura las imágenes sin compresión, pero pueden ser comprimidas al
pasar a una cinta o disco.
IMAX se usa para la proyección de películas en tres dimensiones 70mm horizontal.
Panavisión lanzó en 2004 las cámaras Panavisión Génesis para competir con las CineAlta de Sony. Algunas
películas recientes rodadas con cámaras Génesis son Superman Returns, Flyboys o Scary Movie 4( se le
criticó la calidad de las imágenes, lo que se atribuyó a la alternancia de la cámara digital y una tradicional de
35 mm).
Las Arriflex D-20 apareció a finales del 2005. La única novedad de esta cámara es su tamaño y tipo de sensor:
en lugar de un CCD convencional, utiliza un sensor CMOS con la misma medida que el de una cámara
analógica de 35 mm. La Arriflex alcanza una resolución de 1920x1080 pixeles.
La Red One es una cámara desarrollada por parte de la RED Digital Camera Company. Graba en 2K y 4K
4520 X 2540, Tiene Un Sensor cmos De (12 megapixeles), a hasta 60 cuadros por segundo (progresivos en
todos los casos, y programable por el usuario - por ejemplo puedes obtener 24fps como en el cine, o los
8
cuadros por segundo que desees), mediante un sensor lo bastante grande como para adaptar la lente de una
cámara analógica de 35mm. El vídeo es grabado en formato RAW con 12 bits por color (36 bits) para un
rango dinámico como al que estamos acostumbrados a ver en películas de cine.
Internet, videojuegos y formatos
Internet es uno de los medios de comunicación más completo que existe hoy día. A parte es un medio de
información, de memorización, de producción, de intercambio, de ocio y de interacción.
El famoso término de videojuego viene desde los años 77, un software creado para el entretenimiento general
y la interacción entre personas.
Con el tiempo su reputación ha ido mejorando. Por una parte se dice que el niño de hace 20 años atrás no
desarrollaba habilidades mentales ni capacidad de razonamiento de manera tan activa. Por otra parte, el niño
tiene falta de socialización y desarrollo motriz.
Para los adultos está bastante generalizada la idea de que el videojuego ha sido un liberador de estrés.
Los formatos más usados en la red son: Gif y Jpg (imágenes), Gif (webs), quick time virtual reality (enlaces
hipertextuales sobre imágenes), *.aiff, *.midi, *.au., *wav (sonidos), Quick Time (plugin), .rm, .ram, *.vnd
(Real Audio), *.mov, *.avi entre otros (Quicktime y Windows Media player), MP3 apartir *.wav (audio
comprimido), Mpeg (video comprimido), ShockWave (mezcla video, sonido, animaciones, hipertexto…),
*.wrl, *.wrz (Virtual Reality Modeling Language) y el último formato universal es el de 24P.
Análisis de una obra propia
Después de digerir tantos conceptos relacionados con la animación creo que sería muy útil para mí analizar el
corto de animación “Hazte un hueco” hecho íntegramente por mí.
Sobre los planos puedo decir que los utilizo casi todos los existentes (gran plano general (artista en el avión),
plano de conjunto (artista en el interior de la casa), plano medio (al mirar la brújula), plano corto (en los
créditos del final), primer plano (cabeza artista en la última escena), plan de detalle (llave “de la suerte”)).
La duración de cada plano depende de la aceleración de la música. En la primera escena por ejemplo el giro de
la bolsa (“gestación”) acelera al hacerlo también la música y en la última de todas la velocidad de la acción
disminuye al igual que lo hace la música.
Hay 7 secuencias (creación especial del artista, aprendizaje artístico, elección para vivir en este mundo,
conocer mundo, tener suerte y conseguir los objetivos ya sea en fotografía, escultura, pintura, etc, divulgar un
mensaje positivo y de apoyo a todos los artistas) y 9 escenas (bolsa “útero”, libros, interior casa artista,
simulación mar, tierra y aire, casa artista, galería obras artista, exposición artistas famosos).
Los ángulos empleados también son diversos (normal, contrapicado, picado y en ángulo inclinado).
La iluminación se mantiene regular por el núcleo de la acción. En el inicio del corto la luz aumente
progresivamente, en la última en cambio disminuye hasta fundirse en negro.
Sobre los movimientos de la cámara puedo decir que no hay panorámicas pero sí trávelings; hay lateral (artista
se sube en el coche), vertical ascendente (casa del árbol) y descendente (en la última escena que va desde los
artistas famosos hacia el protagonista), de profundidad de avance (jirafa que se funde con el color amarillo del
color del artista) y de retroceso (llave).
Sobre zooms hay dos: uno cuando el protagonista lee el libro de diseño y el otro al mirar la brújula.
El montaje es discontinuo porque utiliza elipsis (el crecimiento y aprendizaje del artista, la obtención de la
casa, los éxitos conseguidos…) y de síntesis porque comprime en pocos planos un largo periodo de tiempo
(sobre todo cuando el artista viaja por tierra, mar y aire).
En el título hay el efecto de gotas de pintura. En escenas como la vista de las obras del artista (cuadro,
fotografía) y la visualización del título final (Nueva generación de artistas) la velocidad está reducida a la
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mitad. En la última escena hay una atenuación a negro. Entre los créditos hay un efecto de máquina de escribir
(donde pone mi nombre) y otro de ondas y velocidad (para el título y autor de la música).
Conclusión
Las animaciones permiten la integración de lenguajes: visual, escrito, sonoro, oral y gestual (se animan las
imágenes junto a un texto añadiendo la voz en off y una música).
Contribuyen cada día más en conformar nuestro imaginario visual; nos aportan toda clase de información y
generan representaciones y discursos sobre lo que es real.
Los conceptos más importantes sobre la animación son: el ritmo y los cambios de ritmo, la velocidad, las
trayectorias y las líneas de acción, la forma como se desarrolla la acción, las rotaciones, las pausas, las
interacciones, la manera de fraccionar y calcular el tiempo, los pasos y tipos de movimientos…
En una animación hay que tener en cuenta dos tipos de movimiento: el desplazamiento del personaje en el
espacio y los movimientos del propio personaje.
Lo que más me impacta al hablar de la animación es que hace posible lo que es imposible naturalmente.
En cualquier actividad creativa se empieza, generalmente, con story boards que ayudan en la planificación del
personaje, el guión de la historia, el ritmo, los planos…
La tecnología digital facilita la manipulación de las imágenes (que ya no son el medio de referencia en la
iconoesfera contemporánea) dando lugar a un material gráfico inestable, frágil, indefinido, extremadamente
adaptable y transformable.
La era de la información ha potenciado el proceso de transformación en los modelos de creación, producción,
distribución, difusión, exhibición y consumo de los objetos comunicativos que la era electrónica indagó en el
último tercio del siglo XX.
El “arte multimedia” se centra en la intencionalidad de la acción comunicativa y no en la base tecnológica
alejándose así de términos tan genéricos como “arte digital” y “arte electrónico”.
Para acabar, he de decir que he comprobado que la animación requiere mucho tiempo, esfuerzo y paciencia.
De todas formas si sale bien, el trabajo se compensa con la satisfacción de ver que tu solo has creado un
mundo que no existe. Tengo muy claro que repetiré de nuevo estos tipos de trabajos para poder así mejorar
paulatinamente uno de los mejores inventos desde principios del siglo XX.
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Bibliografía
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