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33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
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33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
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EL CONSEJO NACIONAL
PARA LA CULTURA Y LAS ARTES,
EL INSTITUTO NACIONAL
DE BELLAS ARTES,
LA COORDINACIÓN
NACIONAL DE TEATRO,
EL GOBIERNO DEL ESTADO
DE SAN LUIS POTOSÍ
A TRAVÉS DE LA SECRETARÍA
DE CULTURA Y EL
INSTITUTO POTOSINO
DE BELLAS ARTES.
Consejo Nacional par a la Cultur a y las Ar tes
C o n s u e l o Sá i z a r / P r e s i d e n t a
Ins titut o Nacional de Bellas Ar tes
Te r e s a V i c e n c i o / D i r e c t o r a Ge n e r a l
Se r g i o R a m í re z / Sub d ir e c t or Ge ne r al
J u a n Me l i á / C o o r d i n a d o r N a c i o n a l d e Te a t r o
Jos é L u i s G u t i ér r ez Ra m í re z / D i r e c t o r d e D i fu si ó n y Re l a c i o n e s P ú b l i c a s
Gobierno del Es t ado de San L uis Pot osí
Dr. Fer n a n d o To r a n z o F e r n á n d e z / Gob e r nad or d e l Es t ad o
I n g . X av i e r To rre s Ar p i / Se c r e t a r i o d e C u l t u r a
L i c. L a u r a E l en a G on zá l e z / D i r e c t o r a d e l I n s t i t u t o Po t o si n o d e l a s A r t e s
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33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
ESTADOS PARTICIPANTES:
DISTRITO FEDERAL, GUANAJUATO, JALISCO,
NUEVO LEÓN, OAXACA, PUEBLA, SAN LUIS POTOSÍ,
SONORA, TAMAULIPAS, VERACRUZ, YUCATÁN
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33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
El movimiento teatral de México está
de plácemes, al celebrase por tercera
ocasión la Muestra Nacional de Teatro
en San Luis Potosí, lo que obedece
además de nuestra excelente ubicación
geográfica, a la amplia infraestructura
cultural con la cual contamos para el
desarrollo de las más de 70 actividades, entre exposiciones, talleres, mesas
de análisis, presentaciones editoriales,
seminarios, y la exposición de 32 obras
teatrales seleccionadas y 3 invitadas,
que brindarán más de 100 funciones de
teatro para casi 20 mil espectadores.
Entre esas instalaciones, que serán testigos de los trabajos de nuestros 500
invitados provenientes de diversas regiones del país, podemos mencionar al
majestuoso Teatro de la Paz; las diversas
Para el Instituto Nacional de Bellas Artes, la Muestra Nacional de Teatro es
cada vez más un espacio de encuentro,
de confrontación, de intercambio enriquecedor y de aprendizaje, tanto para
los profesionales del quehacer teatral
como para los públicos de todo el país.
La Dirección Artística de la XXXIII Muestra –integrada por los dramaturgos Jaime Chabaud, Cutberto López y Maribel
Carrasco, el actor y dramaturgo Antonio
Zúñiga, y la productora y promotora cultural Martha Aguilar- y el Comité Organizador –conformado por el Gobierno del
Estado de San Luis Potosí y el Instituto
Nacional de Bellas Artes- se trazaron
una serie de objetivos que se han enriquecido por aportaciones y demandas
de la comunidad teatral de la región.
La programación -acción toral de la
Muestra- incluye un total de 35 obras, la
mayor parte de ellas de autores nacionales. Las líneas de reflexión y encuentro
por las que aquí se ha apostado son: la
necesidad imperiosa de ampliar nuestro
esquema de presentación de obras, con
el fortalecimiento de las salas independientes, la debida atención a la realidad
de las diferentes asociaciones y el acer-
áreas con las que cuenta el Centro de
las Artes de San Luis Potosí, Centenario;
el Centro Cultural Bicentenario de la Universidad Autónoma de San Luis Potosí,
que en su teatro y aulas cuenta con tecnología de última generación; o el Teatro de Difusión Cultural “Raúl Gamboa”
del Instituto Potosino de Bellas Artes.
También contamos con hermosas plazas
públicas y foros alternativos, como los de
las compañías teatrales El Rinoceronte
Enamorado y La Carrilla, donde también
podremos disfrutar de puestas en escena del teatro nacional de vanguardia.
Así, durante 9 días, del 9 al 17 de
noviembre, San Luis Potosí será el
epicentro del movimiento teatral de
México, y dará muestra de su voca-
camiento de las compañías con programadores nacionales e internacionales.
Esta estrategia la hemos venido probando exitosamente, en el ámbito nacional,
con el programa Bellas Artes a todas
partes; en tanto que, en lo internacional,
hemos conseguido una movilidad histórica para nuestro teatro hacia diferentes regiones de Iberoamérica y Europa.
Por otra parte se han abierto -mediante
convocatoria pública nacional- mesas
de reflexión orientadas a un diálogo
cuyo objeto sea mejorar el estado de
las artes escénicas en nuestro país. Los
once talleres que este año se desarrollarán serán impartidos, por especialistas con una experiencia cimentada en
una larga historia de trabajo con grupos.
Recibiremos también al ganador del
Premio Internacional de Ensayo Teatral, el académico e investigador peruano Jorge Luis Yangali, autor de
El teatro de la sierra central peruana o resucitar para re-territorializar.
Dentro de las exposiciones que podrán
ver los asistentes a la Muestra, destaca
la relativa a los creadores nacionales
que en la Quadrienal de Praga 2011
ción artístico-cultural, que le distingue, tanto por su calidad como por
su diversidad, en disciplinas como la
literatura, danza, las artes pláticas,
la música, y por supuesto el teatro.
Con estas palabras, a nombre del Gobierno del Estado de San Luis Potosí
quiero expresar a todos los participantes de esta fiesta el mayor de los éxitos, al tiempo de brindar la más cálida
bienvenida a quienes nos visitan de
otras latitudes, con el deseo de que
su estancia en nuestra ciudad además
de agradable, sea pródiga en resultados para bien de teatro mexicano.
ING. XAVIER TORRES ARPI
Secretario de Cultura del Gobierno
del Estado de San Luis Potosí
obtuvieron medalla de oro por la Mejor Exhibición de Arquitectura Teatral.
Por su parte, la artista plástica Rosa
María Robles presentará su muestra
Navajas, en la que recrea simbólicamente la violencia que nos aqueja hoy
en día. Además, Expocarteles compendiará más de treinta años de historia
gráfica del Teatro de la Paz, uno de los
espacios potosinos de mayor tradición.
El que se haya elegido a San Luis Potosí como sede de la XXXIII Muestra
Nacional de Teatro significa un reconocimiento al esfuerzo que, desde hace
varios años, se ha realizado por dotar
a la ciudad con una de las mejores
infraestructuras culturales del país, así
como en seguir impulsando la labor de
los creadores escénicos de la región.
Disfrutemos, pues, de esta gran fiesta
de la comunidad teatral mexicana, a
la vez que de los múltiples atractivos
del muy rico patrimonio artístico y cultural del Estado de San Luis Potosí.
LIC. TERESA VICENCIO ÁLVAREZ
Directora General del
Instituto Nacional de Bella Artes
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“Ninguno de nosotros puede hoy decir : he aquí la verdad absoluta. Lo mejor que podemos
hacer es analizar y confrontar nuestra verdad personal con las experiencias que hemos hecho,
con los problemas que nos rodean, con los acontecimientos y las impresiones
que sufrimos cada día.”
EUGENIO BARBA
“MÁS ALLÁ DE LAS ISLAS FLOTANTES”
Se recibieron 293 proyectos, el mayor número en la historia de la Muestra Nacional de Teatro
(esto sin contar las obras que se seleccionaron de la sede). 293 montajes de diversos formatos y calidades que reflejan en gran medida, el desarrollo de nuestro teatro, su desarrollo, sus
debilidades y también sus logros, como lo son la imperiosa búsqueda de nuevos lenguajes y
la utilización de nuevos recursos escénicos, así como la experimentación en espacios no convencionales, el desarrollo de las nuevas estructuras por las que transita la dramaturgia actual,
las propuestas de jóvenes directores e intérpretes, los procesos creativos y el riesgo artístico
que varios creadores plasman en sus propuestas y que se agradece tanto. Más del 70 % de
los proyectos inscritos partían de un texto de autoría mexicana, por ejemplo, lo cual habla de
una tendencia. Los formatos presentados a selección transitan desde lo más convencional
(dicho sin el prejuicio que suele acompañar el término) a lo más limítrofe o fronterizo.
Una sobre abundancia de proyectos nos habla de la imperiosa necesidad que los artistas
tenemos por expresar nuestras inquietudes y puntos de vista acerca de la realidad social y
política por la que atravesamos como país, y sabemos bien que el arte escénico es una vía
muy importante para ello.
Con la experiencia de evaluar 293 montajes quisiéramos hacer preguntas:
¿Cuáles siguen siendo las posibilidades de la escena?
¿Cuál es la relación que sostenemos con los públicos, es decir, la sociedad?
¿Cuáles son esas necesidades que como trabajadores de la cultura debemos atender de
manera inmediata?
¿Cuál es la importancia y la relación entre espacio independiente y producción?
¿Cuál es la importancia del arte teatral inserto en el cambio social?
¿Cuáles son las experiencias particulares que nutren procesos de cambio en el quehacer
teatral?
¿Qué es aquello que la soberbia no nos deja mirar para construir juntos una verdadera
comunidad?
¿Qué y cómo puede una muestra seguir siendo un referente nacional, de un teatro nacional?
¿Cómo crecer, como creer?
¿Cómo hacer de la experiencia un espacio libre y total, donde lo que prive sea la convicción
de que el teatro es un territorio basto, en el cual pastan ahora, muchas especies en peligro de
extinción que debemos preservar?
¿Estamos artísticamente a la altura de las circunstancias y las necesidades que vive el país?
Esperemos pues, que los proyectos seleccionados den muestra de esta realidad, pero que
además nos refleje cuál es la situación en que se encuentra el teatro en México, pues esto
seguramente contribuirá a ubicarnos de manera crítica, en nuestro quehacer como artistas.
DIRECCIÓN ARTÍSTICA
33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO
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33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
Dirección
artística
ANTONIO ZÚÑIGA
CUTBERTO LÓPEZ
Nacido en 1965 en Parral, Chihuahua.
Miembro del Sistema Nacional de Creadores. Obtuvo en 2008 el Premio Nacional
de Dramaturgia de la Universidad de Nuevo
León, Premio Internacional de Guiones de
Cortometraje de la Universidad de la Laguna,
Tenerife, España, en 2006.
Entre sus obras se encuentran: Sol Blanco,
Gol de oro, La zona del silencio, Estrellas
enterradas por la cual obtuvo Mención Honorífica de Premio Nacional de Dramaturgia “Manuel Herrera” de Querétaro, Coctel
Margarita, El tiradito, Crónica de un santo
pecador por la cual obtuvo Premio nacional
de Dramaturgia de Nuevo León en 2002. Así
como Panóptico con la que obtuvo Mención
Honorifica en el Premio Nacional de Dramaturgia de Nuevo León en 2005, entre muchas
otras que han montado Sandra Félix, Rodolfo
Guerrero, Richard Viqueira, Rocío Belmont,
Juan Carrillo, Abraham Jurado, Rafael Covarrubias, entre otros.
Algunas de sus obras montadas son Pancho
Villa y los niños de la Bola con la antigua
compañía Alborde Teatro de Ciudad Juárez,
en 2008-2009, Mara o de la Noche sin
sueño en 2009, Mamá Corazón de Acero
en 2010, Historias Comunes de Anónimos
Viajantes en 2010, El Enigma del Serengueti de 2011, Por favor no mande riñones por
correspondencia en 2010-2011, Huellas de
personajes ficticios a la luz de la luna realista
en 2012, Enigma 3D en 2012, De hombres
Reyes y Gorilas en 2012.
Tiene 15 libros publicados, entre antologías y
de su autoría, editados por Libros de Godot,
y ediciones El Milagro, además de otras editoriales importantes en el país. Como actor
forma parte del proyecto Los Asesinos de
David Olguín, obra de gran trascendencia en
su vida artística.
Originario de Benjamín Hill, Sonora, nació en
1964, proveniente de un pueblo ferrocarrilero. Incursionó en el teatro en 1981, como
actor, mimo, técnico e instructor.
El dramaturgo y director, algunas de sus
obras han sido estrenadas, sobre todo por
universitarios de la República Mexicana. Algunos de sus textos han sido publicados por
la Revista Tramoya, por el Gobierno del Estado de Sonora, por la Universidad de Sonora,
Editorial Tierra Adentro, por la Revista Espacio escénico, la Revista PasoDeGato, Conaculta, Ediciones El Milagro, y por la Sociedad
de Medios y Teatro para América Latina de
Alemania.
Sus obras Durmientes y Desierto han sido
traducidas y publicadas en francés y escenificadas en París. Mujer lagartija ha sido
traducida al alemán.
Tiene entre sus obras: Píntame un sueño, Toque de queda, Calle del oro 1555, De noche,
Rosa, Ahí viene la mano peluda, Casa pa´los
pastores, Terapia intensiva, Helada Madrina,
Una noche de perros y gatos, Yamaha 300,
Una mujer en el baño, Muerte cerebral, Durmientes, Mujer Lagartija, La esperanza, Matar
al sol.
Actualmente es Miembro del Sistema Nacional de Creadores Artísticos del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.
Actualmente lidera la compañía Carretera
45 Teatro A.C., próxima a estrenar su propio
espacio en la colonia Obrera de la ciudad
de México.
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JAIME CHABAUD
MARIBEL CARRASCO
MARTHA AGUILAR
Dramaturgo, guionista, pedagogo, periodista
e investigador teatral, nacido en 1966 en el
Distrito Federal. Estudió Letras Hispánicas y
Literatura Dramática y Teatro en la Facultad
de Filosofía y Letras de la UNAM.
Entre sus obras destacan: Tempranito y en
ayunas de 1989, ¡Baje la voz! de 1981, El
ajedrecista de 1993, En la boca de fuego de
1993, Perder la cabeza de 1995, Y los ojos al
revés de 1999, Sin pies ni cabeza de 2005,
Pipí de 2000, Otelo sobre la mesa de 2006
y Divino Pastor Góngora de 2001, Lágrimas
de agua dulce en 2009 y Érase una vez en
2010.
Sus obras han sido traducidas al francés,
alemán, inglés, búlgaro, portugués y checo.
Entre las distinciones que ha recibido por su
trabajo dramatúrgico, destacan: el Premio
Nacional de Dramaturgia “Fernando Calderón” otorgado por el gobierno de Jalisco en
1990, por su obra ¡Que viva Cristo Rey!; el
Premio Nacional Obra de Teatro otorgada por
el INBA en 1999 por su obra Talk Show; el
Premio FILIJ de Dramaturgia como Mejor Teatro para Niños en 1999 por la obra Sin pies
ni cabeza; y el Premio Nacional de Nacional
de Dramaturgia “Víctor Hugo Rascón Banda”
en 2006, por su obra Rashid 9/11.
Como investigador teatral ha publicado
cuatro libros recuperando la dramaturgia
mexicana del siglo XIX. Ha colaborado con
ensayos y artículos en diarios y revistas especializadas como Latin America Theatre
Review, Art Teatral, Conjunto, Revista Galega
de Teatro, Theater der Zeit, y Máscara, entre
otras.
Para televisión coordinó al equipo de escritores de Momento de decisión para ARGOS,
TVGlobo y TVAzteca. Como escritor en televisión y editor literario trabajó en El amor de mi
vida, Bellezas indomables, y A corazón abierto, entre otras. Guionista de Ópera Prima de
Canal 22 y coordinador del Diplomado de
Escritores de TVAzteca. Es productor asociado, junto con José Sefami, del programa
Paso de Gato que se transmite por Canal 22.
Fue coordinador del Área de Investigación
del Centro de Investigación Teatral “Rodolfo
Usigli” (CITRU-INBA); jefe del Teatro Casa
de la Paz de la UAM. El también director de
PasoDeGato, Revista Mexicana de Teatro, publicación trimestral especializada que obtuvo
el Premio Nacional de Periodismo “José Pagés Llergo” como Mejor Publicación Cultural
del Año, en 2005, es becario del Sistema
Nacional de Creadores del Artes del FONCA
(2011-2013) y Jefe del Departamento de
Artes Escénicas de la Universidad Autónoma
Metropolitana.
Su trabajo se ha especializado en la creación
escénica para niños y jóvenes. La dramaturga, actriz y diseñadora de vestuario, ha participado en diversos festivales nacionales e
internacionales.
Además ha participado como ponente en
distintos foros y conferencias sobre el quehacer teatral para niños y jóvenes, tanto en
México como en el extranjero. También imparte talleres de Dramaturgia para Creadores Artísticos especializados en la escena del
público joven.
Entre sus obras que han viajado al extranjero
se encuentran: El pozo de los mil demonios,
Morritz y El pequeño Mons, La legión de los
enanos, Lacandona o cuando las estrellas
caen, Kásperle o las Fantasmagorías del
Doctor Fasto.
Algunas de sus obras han sido publicadas
por la Dirección general de Publicaciones de
Conaculta, Revista CITRU, Ediciones El Milagro y en la Revista PasoDeGato, entre otras.
Por su ardua trabajo ha sido merecedora al
Premio Nacional de la Juventud, CREA en
1987; el Premio al Mejor Teatro Para Niños
en la FILIJ en 1997; el Premio Nacional de
Dramaturgia en la categoría Teatro Para Niños en 2009; a la Mención Honorífica del
Premio Nacional de Dramaturgia como Obra
de Teatro para Niños en 2007.
Entre los apoyos que ha recibido se encuentra el Apoyo a la Creación Dramatúrgica IBERESCENA 2009-2010. Ha sido becaria del
Fondo Nacional para la Cultura y las Artes y
actualmente forma parte del Sistema Nacional de Creadores de Artes.
Actriz, directora, productora, promotora y fundadora de la Asociación Teatral “La Carrilla”,
A.C. Ha tomado diferentes cursos relacionados con la investigación actoral y la dirección
escénica. Recién egresada de la Licenciatura
en Educación Artística por la Escuela Superior de Artes de Yucatán.
Entre sus trabajos más reconocidos como
directora escénica, se encuentran: Todos
tenemos la misma historia de Darío Fo, que
se presentó durante la Muestra Nacional de
Teatro en 1993; La noche de los asesinos de
José Triana, presentada en la Muestra Regional de Teatro en 2002, Niñas de la guerra de
Berta Hiriart, puesta en escena presentada
dentro del Programa de Teatro Escolar en
2005; Hotel Juárez de Víctor Hugo Rascón
Banda, que se presentó en la Muestra Alternativa de la XXVI Muestra Nacional de Teatro,
y en 2010 estrenó la obra Pateando Lunas
de Roy Berocay para el Festival de San Luis.
Además, destaca su trabajo como productora ejecutiva en puestas en escena para el público infantil, entre las cuales se encuentran:
El rey Mono contra el demonio del hueso
blanco dirigida por Jesús Coronado en 1998;
Las tripas gruñonas, un espectáculo de creación colectiva en 2003; El ogrito de Suzanne
Lebeau en 2006.
Asimismo, al lado de Alejandra Mendoza ha
realizado como promotora las 7 ediciones
del Encuentro de Creadoras Potosinas.
4Actualmente participa en la puesta en escena Nosotros, un documento escénico dirigido por Eleno Guzmán. Es coordinadora del
Área de Teatro en el Centro de las Artes de
San Luis Potosí.
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Entrega de
Medallas
Xavier
Villaurrutia
S Á B A D O 10 21 : 0 0 H O R A S G A L E R Í A T E AT R O D E L A PA Z
Edgar Ceballos, por su labor de más de
30 años al frente de Escenología.
Nace en Mérida, Yucatán, el año de 1949. Investigador teatral, dramaturgo, director y editor, estudió en México dirección teatral con
Héctor Azar y creación dramática con Vicente
Leñero. Ha tomado cursos en el extranjero de
Dirección escénica y Trazo escénico con Oscar Fessler, académico de la escuela Alexis
Granovski en Berlín y Actuación con Andrew
O’Neill en Inglaterra.
En 1975 escribió y dirigió El traje. Un año
después estrenaría Vieja crónica contada de
nuevo. Otros montajes estrenados profesionalmente son La puerta (1999) y Mírame…
soy actriz (2001). A partir de 1976 participa
en el ámbito teatral mexicano e internacional con actividades de dirección, docencia,
conferencista, mesas redondas, ponencias,
coloquios y encuentros.
Años más tarde, en 1986 fundó Escenología
A. C., Centro de documentación e investigación teatral no gubernamental. A partir de
entonces, dirige la colección Escenología:
serie de publicaciones sobre técnica y teoría teatral, dramaturgia, historiografía, danza,
ópera y artes circenses. Con un catálogo de
más de trscientos títulos, esta institución
trasciende como una de las más importantes en Iberoamérica, especializadas en este
género.
En 1989 funda y dirige la revista Máscara.
Cuaderno de reflexión sobre escenología.
Tres años después, llevarían su obra Colón
al Teatro de la Universidad de Bolonia, Italia.
Su fascinación por las letras lo llevó a adentrarse en la investigación y docencia. Como
parte de sus estudios es autor entre otros de
Las técnicas de actuación en México, Principios de dirección escénica, Principios de
construcción dramática, Diccionario enciclopédico básico de teatro mexicano, Enrique
Ruelas y el teatro y Teatro de autor, este último en coautoría con José Solé. Es también
redactor y editor de Historia del arte escénico
de Enrique Ruelas Espinosa.
Entre las obras que ha escrito y permanecen sin estrenar se encuentran Edipo Reyes
(1976), Los muchachos terribles (1993),
Balada para buitres sentimentales (1994), A
la vuelta de la esquina (1995), Doce obras
cómicas (2009) y Como Edith (2010).
En la colección La historia de México a través
del teatro. Un siglo de contrastes, documenta
el arte escénico en sus diversas modalidades: ópera, género dramático, género chico,
zarzuela y diversiones públicas. En el primer
volumen editado reseña la ópera representada en México entre 1901 y 1925.
Por su trabajo relevante en la disciplina teatral, Edgar Ceballos ha obtenido el premio
Cuauhtémoc de Artes 1987 en el área de
Investigación teatral; el Premio Ollantay en
1990 otorgado por el Centro Latinoamericano de Creación e Investigación Teatral de
Venezuela; el premio Antonio Mediz Bolio en
1998, otorgado por el Instituto de Cultura de
Yucatán, el Premio Nacional de Dramaturgia
Manuel Herrera Castañeda por el Consejo
Estatal para la Cultura y las Artes del Estado
de Querétaro en 1999 y la medalla Una vida
en el teatro en 2006.
Ha promovido diversos encuentros teatrales,
talleres nacionales y ha participado en un
sinnúmero de simposios internacionales.
Actualmente trabaja en la creación del Museo de las Artes Escénicas de México, proyecto orientado a la preservación y difusión
del patrimonio histórico documental de la
memoria de las artes escénicas (teatro,
danza, ópera y circo) del siglo XX en nuestro
país. También en la redacción del Diccionario
mexicano de teatro. Siglo XX.
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Ángel Norzagaray, por su trabajo como
dramaturgo y director escénico.
Nació el 17 de agosto de 1961 en La Trinidad, Sinaloa. Egresado de la Facultad de
la Universidad Veracruzana en 1983. Ese
mismo año acudió al Festival Internacional
del Siglo de Oro en Texas, E.U., como actor.
Además, fue director del Taller Universitario
de Teatro de la universidad Autónoma de
Baja California desde 1985.
En 1990 dirigió la puesta en escena El viaje de los Cantores de Hugo Salcedo, para la
Compañía Nacional de Teatro, misma que
se presentó en el Festival Internacional de
Teatro en Cádiz, España. También participó
activamente durante la Muestra Nacional de
Teatro de 1990, 1991, 1993, 1995 y 1998.
Un año después escribió, dirigió y actuó en
la obra El Álamo Santo, misma que participó
como coproducción de la UABC y el Festival Internacional Cervantino. Ese mismo año
recibió el Premio al Mérito Académico en el
rubro de Artes por la UABC.
Para 1992, fue acreedor también al Premio
Estatal de Literatura en la categoría Teatro,
con su obra El velorio de los mangos. Un año
después viajaría al Festival of American Folklife organizado por el Instituto Smithsonian
en Washington, D.C.
En 1999 dirigió ¿Tu también Macbeth? que
se presentó en la III Bienal Internacional de
Teatro Universitario en Valencia, España.
Posteriormente, en 2002, presentaría la obra
Cartas al pie de un árbol, escrita y dirigida
por él mismo, en el marco del Festival Latinoamericano de Teatro de Teatro de Manizales,
Colombia. Al año siguiente, en Francia se
presentó la edición francesa de este texto.
Además, Norzagaray fue conductor de televisión para el programa Culturas en Movimiento, y para el programa de televisión Asaltos.
En 2002 condujo el programa radiofónico de
humor político Entre calvos y chimuelos. También fue director invitado y creador del espectáculo de danza contemporánea Obsesos
en la pancita de la luna con el grupo Paralelo
32. Y ha sido actor de múltiples puestas en
escena, cortometrajes y largometrajes.
Entre sus puestas en escena destacan: La
Madrugada de Juan Tovar, Desierto de Cutberto López, Gracias Querida de Carlos Pons,
A buen fin de Héctor Mendoza, Los milagros
del desprecio de Lope de Vega, Ayax de Sófocles, Frankenstein de Gabriel Contreras y
Chisguete contra los monstruos interplanetarios de su autoría.
Ángel Norzagaray ha sido acreedor a múltiples premios, entre los que sobresalen: el
Premio Estatal de Literatura en la categoría
Teatro por El velorio de los mangos, en 1992;
el Premio Estatal de Periodismo Cultural, por
el Gobierno de Baja California en 1997; el
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Premio de la Asociación Mexicana de Críticos de Teatro por la obra Cartas al pie de un
árbol, en 2001; y el Premio estatal de Literatura por la obra Choques, en 2004.
El dramaturgo y actor es director del grupo
teatral Mexicali a Secas.
Roberto Villarreal, por su labor
como Gestor Cultural
Nació en Monterrey, N.L., en 1951. Estudió
la Licenciatura en Química Industrial en la
Universidad Autónoma de Nuevo León y posteriormente la Maestría en Letras Españolas
por la misma universidad.
Gran impulsor y promotor cultural, en 1980
fue nombrado director de Difusión Cultural
en la Universidad de Monterrey (UDEM), institución privada, donde se encargó, aparte
de las actividades estudiantiles, de promover
todas las variadas disciplinas con miembros
de las comunidades artísticas.
Durante 17 años inició varias publicaciones,
organizó exposiciones, dirigió teatro, fundó
cineclubes, entre múltiples actividades. De
1990-1991 fue Presidente del Consejo Cultural de Nuevo León, A.C., organismo conformado por diversas instituciones públicas y
privadas que realizaron un esfuerzo independiente por unir voluntades y lograr sinergias
para la difusión y promoción de la cultura.
En 1997 ocupó brevemente el puesto de
director de Cultura del Municipio de San Pedro Garza García, además de ser presidente
fundador del Consejo Consultivo de Cineteca
Nuevo León, dentro del Consejo para la Cultura y las Artes de Nuevo León (CONARTE).
En 1998 inició su labor como director del
Teatro de la Ciudad, en Monterrey, donde inició el Festival de Teatro Nuevo León a partir
de 1999, y continua fomentando otros eventos, programas y proyectos institucionales
dentro de las áreas de danza y teatro, actividades que realiza hasta el momento.
Gran impulsor de festivales al norte del país
como el I Ciclo de Jóvenes Directores, Teatro
a una Sola Voz, Festival Escénico Noreste,
así como el Premio Nacional de Dramaturgia
Víctor Hugo Rascón Banda a partir de 2005,
programa anual de apoyo a producción
teatral Puestas en Escena CONARTE, entre
muchos otros que han abierto pautas y espacios a las disciplinas artísticas.
33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
Entrega
de Premio
Internacional
de Ensayo
Teatral
El Conaculta, el Instituto Nacional de
Bellas Artes a través del Centro de
Investigación Teatral “Rodolfo Usigli” y
la Coordinación Nacional de Teatro en
colaboración con ARTEZ: Revista de las
Artes Escénicas y Paso de Gato Revista
Mexicana de Teatro convocaron.
Homenaje
a Ricardo
Blume
GA NA DOR : Jorge Luis Yangali (Perú)
por su trabajo El teatro de la sierra
central peruana o resucitar para reterritorializar
Nació en 1974 en la provincia de Huancayo,
Perú. Estudió Pedagogía y Humanidades en
la Universidad Nacional del Centro de Perú
(UNCP).
Ha trabajado como profesor de literatura,
profesor auxiliar en la UNCP. Con maestría en
Literatura Hispanoamericana en la Pontificia
Universidad Católica del Perú, titulándose
con una tesis que aborda el trabajo poético
de José Gamarra Ramos, integrante del grupo Para cantar o morir, poeta que hasta la
fecha tiene el estatus de desaparecido.
Investigador adscrito al Instituto de Investigación de la Facultad de Pedagogía y Humanidades desde 2002. Autor de la tesis Poesía y
libertad en tiempos de violencia: una aproximación a la poesía de José Manuel Gamarra
Ramos.
Entre sus publicaciones se encuentra el Reporte bibliográfico de la literatura de Junín,
Poesía Nuestra. Escritores del Valle del Mantaro de los ochenta y noventa y Nuestra dramaturgia de la misma colección.
Durante la VI Muestra de Teatro Universitario
Peruano participó como actor. De 1992 a
1993 fue coordinador del Teatro de la Universidad Nacional del Centro de Perú. Desarrolló
el Taller de Teatro durante periodos vacacionales de 1992 a 1996.
Actualmente, merecedor de una beca otorgada por la Secretaría de Relaciones Exteriores
de México, realiza el doctorado en Letras Modernas en la Universidad Iberoamericana de
la ciudad de México.
El texto ganador será publicado por ARTEZ:
Revista de las Artes Escénicas de España y
Paso de Gato: Revista Mexicana de Teatro,
bajo el título: “Teatro con genes resurrectos”.
S Á B A D O 17 21 : 0 0 H O R A S T E AT R O D E L A PA Z
Al finalizar la función de la obra Ilusiones la Compañía Nacional de Teatro le entregará un
reconocimiento al reconocido actor Ricardo Blume, por su gran trayectoria artística.
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33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
SAN LUIS POTOSÍ / DISTRITO FEDERAL
VIERNES 9 21:00 HORAS TEATRO DE LA PAZ DURACIÓN: 90 MINUTOS
Oscuro
DE EDGAR CHÍAS
DIRECTOR: MARCO VIEYRA
COMPAÑÍA DE TEATRO DEL
INSTITUTO POTOSINO DE
BELLAS ARTES
REPARTO:
Otter: Ricardo Esquerra
Jako: Plutarco Haza
Des: Luciana Silveyra
Hombre: Víctor Ortiz
Jinete: Claudia Florescano
Rejoneador: Enrique Fraga
Diseño de escenografía e iluminación: Philippe Amand
Diseño Sonoro: Juan Pablo Villa
Diseño de vestuario: Adriana Olivera y Débora Rambal
Entrenamiento físico: Jaciel Neri
Promoción: Araceli Alvarado e Irma Hermoso Luna
Asistencia de producción: Irma Hermoso Luna
Fotografía: Aldo Dowerman
Diseño gráfico: Felipe Lara
Realización de escenografía: Macedonio Cervantes
Pintura escénica: Passo de gato
Realización de vestuario: Carmita Soria y LN Ecuestre
Producción: Instituto Nacional de Bellas Artes – Instituto Potosino de Bellas Artes
C O N TAC T O :
LAURA ELEN A GONZÁLEZ SÁNCHEZ
d i re c c i o n . i p b a @ g m a i l . c o m
444 8 22 12 06
444 8 22 01 66
Oscuro no es Otelo, pero se le parece. Es una versión enana, sin poesía y sin sentido.
Basada en el Otelo de William Shakespeare, el autor de Nacido de un muslo y Ternura
Suite, por mencionar sólo sus obras participantes en esta muestra, Edgar Chías se da
a la tarea de proponernos una escritura que
aborda la parte más oscura de la personalidad humana. En este ejercicio, Chías va a
mostrarnos en la escena algo que nos habla
en la misma medida de una realidad isabelina, que de nuestro entorno nacional cotidiano. Oscuro, se presenta como un espacio de
juego, arena circense en donde el galope de
un caballo empolvará las sofisticadas estrategias de supervivencia de los tres personajes implicados en esta tragedia.
Llevada a un terreno en donde los personajes nos demostrarán un panorama que, desde la entraña de un sistema va a impactar
a todo nuestro país, esta obra –en palabras
de Marco Viera, director de esta propuesta–
es: “una sombra, un espectáculo austero en
medio del circo de sangre que es la realidad
nacional”. Así, la obra de Chías, nos mostrará
paisajes de poder en los que la idea de progreso nacional se verá afectada por “errores
humanos”.
La obra de Shakespeare sirve al dramaturgo
para jugar con lo que Vieyra llama “el telón
de fondo” ya que la obra es “un eco de Ote-
lo –una lectura social sobre el negro y su
función de objeto– y una alusión al sistema
económico más poderoso del país.”
En esta historia se muestra, como en el escenario de un circo, a “un puñado de bestias, y
un caballo” que circunda el desierto desolador rodeado por la violencia en la que, “de a
poco”, nos hemos ido acostumbrando.
En esta propuesta escénica, el también director de otras obras de Chías como Telefonemas y Circo para bobos, nos habla de
algo que en sus propias palabras: “No es una
metáfora, porque pesa y porque duele como
una piedra en la cara.”
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DISTRITO FEDERAL
SÁBADO 10 12:00 HORAS CINE TEATRO C ARLOS AMADOR DURACIÓN: 55 MINUT OS
La palmera,
cuentos y mentiras
para todos
DE OLIVIER DAUTAIS Y
ARNAUD CHARPENTIER
DIRECCIÓN:
ARNAUD CHARPENTIER
COMPAÑÍA:
TEATRO ENTRE 2
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REPARTO:
Mercader, Narrador, Viejo, Señor y
Seguin: Arnaud Charpentier
Demonio, Viejo, Narrador y Blanquette:
Francia Castañeda
Viejo, Músico:
Axel Tamayo / Omar Medina
Viejo, Pintor: Olivier Dautais
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Pintor y creador:
Olivier Dautais
Dirección y creador:
Arnaud Charpentier
Dirección musical y música original:
Axel Tamayo
Asesoría dramatúrgica:
Francia Castañeda
…seguir los trazos del pintor y poder observar cómo el dibujo
toma forma poco a poco, nos sorprende: ya es, en sí mismo,
un gesto fuertemente teatral.
Fundado en 2009 “Teatro entre 2” nace con la intención de crear espectáculos
íntimos que permitan un acercamiento con el espectador. Bajo la dirección del
creador francés Arnaud Charpentier, la compañía ha logrado presentar obras como
J’ai tant rêvé de toi... Tanto soñé de ti..., Nueva York versus el zapotito, y actualmente
desarrollan el ciclo “Teâtro Cocktail” dentro de la Alianza Francesa de México–San
Ángel, donde cada dos semanas se presentan espectáculos y se plantean debates
que abordan problemáticas del ámbito teatral.
En esta ocasión “Teatro entre 2”, nos presenta una original propuesta escénica
que toma como punto de partida un extracto de Las mil y una noches y otros
cuentos populares. Lo importante en este espectáculo es la narración, como afirma
el director: “Debajo de una palmera en pleno desierto, tres ancianos evocarán sus
montañas lejanas frente a un demonio enfurecido, con el único propósito de salvarle la vida a un pobre marchante. Me gusta esta urgencia de narrar para no morir”.
Charpentier, quien dirigió de 2003 a 2009 la compañía “La Biznaga Teatro en México”, y participó en la Muestra Nacional de Teatro de 2008 con la obra Moliere el
Hipocondriaco, nos presenta un espectáculo multimedia integrado por un pintor,
dos actores y un músico. En este espectáculo, que cuenta con la participación de
la talentosa Francia Castañeda, “Los espectadores serán testigos de un cine que se
va haciendo lentamente frente a sus ojos: una historia que se va narrando desde la
sala, la música que sale de un rincón para inundar los oídos de cada espectador e
imágenes que se proyectan en la pantalla al mismo tiempo que se están creando”.
De esta forma, esta obra dirigida principalmente a los jóvenes espectadores logra fabricar una especie de cine en estado naciente que debido a su artesanal
construcción es eminentemente teatral. En este juego de sombras y proyecciones
chinescas, el actor se hace esencial y secundario al mismo tiempo y logra crear una
voz que guía al espectador por un mundo de fantasía. Así, la evocación de “cuentos
y mentiras para todos” la obra se va develando ante la mirada atenta de los espectadores y va narrando historias provenientes de distintas culturas y tradiciones
orales que mezclan la palabra y la música como un medio para envolvernos en una
atmósfera de ensueño y literatura.
C O N TAC T O :
ARN AUD CHARPENT IER
ar [email protected]
teatroentredos @gmail.com
044 55 27 09 13 28
01 55 46 66 65 89
www.teatroentre2.com
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JALISCO
SÁBADO 10 12:00 Y 14:00 HORAS
AULA C AJA NE GRA DE LA U NIVERSIDAD AU TÓNOMA DE S AN LUIS PO T OSÍ (UASLP)
DURACIÓN: 55 MINUT OS
No Tocar
DE ENRIQUE OLMOS DE ITA
DIRECCIÓN:
LUIS MANUEL AGUILAR
“MOSCO”
COMPAÑÍA:
NO TOCAR JALISCO
REPARTO:
María, Liz, Abuelo:
Mario Montaño*
María, Liz, Mamá, Prima:
Claudia Recinos**
* Becario del programa de Estímulos a la Creación y al
Desarrollo Artístico Jalisco 2008-2009
** Becaria Creadores Escénicos del
FONCA categoría A 2011
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Diseño del espacio escénico y
Diseño de iluminación:
Luis Manuel Aguilar “Mosco”
Asistencia técnica:
Gustavo Espinosa García
Vestuario: Mireya Contreras
Diseño gráfico: Omar V. Delgado
Diseño sonoro: Nueve cuartos
Realización de espacio escénico:
José Reyes Montaño
¿Las caricias duelen?
Liz se pregunta a cada momento ¿Qué hacer? ¿Cómo ayudar? ¿A quién acudir?
No Tocar, es una denuncia en contra de aquello que atente a la integridad
de cualquier niño o niña.
Debido al contexto nacional de México
en el que el abuso infantil constituye un
serio problema de salud pública, el grupo “No tocar Jalisco” se dio a la seria
tarea de mostrar al espectador elementos para reconocer este problema y así
poder confrontarlo. Originarios de Jalisco, estado que posee el primer lugar en
abuso infantil a escala nacional y en
donde, de cada caso denunciado, existen al menos otros diez casos ocultos y
por tanto sin ser denunciados.
Bajo esta circunstancia específica, Enrique Olmos de Ita nos propone un ejercicio de dramaturgia con la vocación de
prevenir el abuso sexual infantil. “Escribí
No tocar porque quería hacer teatro
para niños. Pero hacer un teatro distinto,
un teatro con la aspiración de dejar una
huella emocional en los espectadores”.
De esta forma, la propuesta estética del
grupo “No tocar Jalisco”, está enfocada
en dar elementos a los niños para que
conozcan –de manera clara– de qué se
trata el abuso sexual y mostrarles que
no se encuentran solos y que es posible
dejar de sufrir hablando de lo que les
sucede.
Para Olmos de Ita, la pregunta de
¿cómo innovar? frente a un público
tan complejo, como es el infantil, fue el
punto de partida de esta propuesta. Por
ello, el lenguaje de la obra es directo,
para que los niños lo puedan entender
y asimilar de manera familiar. Debido al
objetivo de concientizar a los menores
sobre el problema del abuso sexual, la
forma de exponer el tema se basa en
un juego en el que los actores asumen
roles diversos. Durante la representación se hace uso de cuerpos geométricos tridimensionales que, a partir de
una forma, dimensión, textura y color
definidos, crearán la identidad de cada
uno de los personajes. De manera paulatina estas figuras geométricas se irán
transformando hasta ser representadas
por el cuerpo de los propios actores. En
esta dinámica de juego teatral: “El uso
de objetos de carácter universal en la
construcción de los personajes sobre
la escena (esferas, cubos, prismas) y la
utilización del objeto resignificado sobre
la escena, son utilizados con la finalidad de que las situaciones agresivas de
la obra no se desdibujen”.
No tocar. Relato escénico para pequeños confidentes está pensada para
desarrollarse en espacios no necesariamente escénicos, ya que su vocación es
pedagógica y por ello puede ser presentada en cualquier aula de clases. Este
obra nos muestra un intento serio por
responder a una problemática social
que desde la escena teatral puede ser
abordado de manera lúdica e incidir en
los niños dándoles herramientas para
combatir este enorme problema de salud pública.
CONTACT O:
CLAUDIA MARÍA RODRÍGUEZ
[email protected]
045 33 39 54 20 98
01 33 36 33 92 56
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JALISCO
S Á B A D O 1 0 17 : 0 0 Y 1 9 : 0 0 H O R A S A S O C I A C I Ó N T E A T R A L “ L A C A R R I L L A ” , A . C .
DURACIÓN:75 MINUTOS CUPO LIMITADO
Todas las Julias
del Mundo
Intervención actoral al texto Señorita Julia
DRAMATURGIA DE
FAUSTO RAMÍREZ AL
TEXTO DE STRINDBERG
DIRECCIÓN:
FAUSTO RAMÍREZ *
COMPAÑÍA:
A LA DERIVA TEATRO
REPARTO:
Alejandro Rodríguez
Adrián Gaitán
Edith Castillo
Mely Ortega
Viridiana Gómez (Piña)
*Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte FONCA
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Asistente de dirección / Bitácora
de ensayos: Copatzin Borbón
Entrenamiento actoral: Susana Romo
Entrenamiento corporal: Gabriela Cuevas
Concepto de vestuario: Mireya Contreras
Asesoría a la intervención espacial:
Carlos Maldonado
Espacio e iluminación / Producción
ejecutiva: Javier Rodríguez
Producción: A la deriva Teatro SC,
Coordinación Nacional de Teatro INBA,
Cultura UDG
Hacer un teatro para
niños y jóvenes
desde una perspectiva
contemporánea.
Con más de nueve producciones dirigidas al publico infantil, de entre ellas
Adiós querido Cuco de Berta Hiriart y
Pipí, una obra para niños con complejo de meones de Jaime Chabaud (ambas participantes de las dos anteriores
emisiones de la Muestra Nacional de
Teatro), “A la deriva Teatro” un grupo
conformado en 2002 por creadores de
amplia trayectoria y preocupados por la
actualización de lenguajes escénicos,
así como por ofrecer teatro contemporáneo a nuevos públicos presenta Todas
la Julias del mundo.
Dirigida por Fausto Ramírez, quien
cuenta con una amplia labor teatral en
dirección artística, espacio escénico,
diseño de producción, etc. y quien es
miembro del Sistema Nacional de Creadores, “Todas la Julias del mundo”, es
el resultado de un taller realizado en
2010 por Ramírez con profesionales
de la Carrera de Artes Escénicas de la
Universidad de Guadalajara. Esta iniciativa que buscaba explorar la teatralidad
básica del actor, tuvo como resultado
la intervención al texto de A. Strindberg
Señorita Julia. La propuesta escénica de
Ramírez está diseñada para realizarse
en espacios alternativos que también
puede adaptarse a cajas negras o a espacios experimentales. Lo que se busca
en esta producción es “una apuesta por
el trabajo del actor como creador de las
imágenes que llegan al espectador, una
búsqueda de la destreza de la atención
del actor en relación con la ficción y su
entorno”.
El grupo “A la deriva teatro” ha participado en diversos encuentros internacionales, de entre los que destacan el
Shakespeare Festival en Los Ángeles
California y el Gran Consejo Mundial
de Clown en Francia. La obra Hazme un
hijo, falso documental de un suceso imbécil y hormonal es su proyecto teatral
más reciente, el cual va dirigido a adolescentes y que conforma actualmente
“A la deriva Teatro contemporáneo para
niños y jóvenes” cuyo director artístico
es el mismo Fausto Ramírez.
En esta ocasión, “A la deriva teatro” nos
brinda una historia en la que Julia y
Juan van a confrontarse dentro de una
relación de poder y seducción en un
contexto social en el que se muestra “la
decadencia moral de un mundo imposibilitado al encuentro amoroso”.
CONTACT O:
FAUS T O RAMÍREZ
faus [email protected]
01 33 38 54 55 16
01 33 38 26 06 76
01 33 13 38 95 39
Facebook: a la deriva teatro
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SAN LUIS POTOSÍ
D O M I N G O 11 11 : 0 0 H O R A S C I N E T E AT R O C A R L O S A M A D O R D U R A C I Ó N : 5 0 M I N U T O S
Mía
DE AMARANTA LEYVA
DRECCIÓN:
LIZANDRO CISNEROS
COMPAÑÍA:
MADRIGA ESCENIK
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REPARTO:
Mía: Elizabeth Herrera
Sinforoso: Diego Zapata Esquivel
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Dirección: Lizandro Cisneros
Productora: Blanca Cervantes
Diseño gráfico: Ricardo Anaya
Fotografía: Karina Meza
Musicalización: Sergio Juárez Torres
Vestuario: Liliana Blanco
Títere Sinforoso: Mario Rocha
Diseño de escenografía: Mario Rocha y
Lisandro Cisneros
Producción general: Compañía Madriga
Escenik y Blanca Cervantes
Mía
encuentra a Sinforoso, su
muñeco favorito de cuando era pequeña, de
cuando su papá no tomaba, de
cuando su mamá no temía por ella
Con el objetivo de llevar a la comunidad postosina el arte teatral, “Madriga Escenik”, es una empresa que fomenta el arte y la cultura en los diversos lugares a los
que llega y a los diversos tipos de público del estado de San Luis Potosí. En esta
ocasión, y bajo la dirección de Lizandro Raymundo Cisneros, “Madriga Escenik” nos
presenta su trabajo Mía, obra de Amaranta Leyva estrenada en 2011 y presentada
en varios espacios del estado como El faro del desierto, el Foro luna negra y el
teatro del IMSS.
En esta obra para jóvenes, que aborda el problema del alcoholismo, encontraremos
a Mía, una niña de ocho años, quien en compañía de su muñeco favorito Sinforoso,
enfrentará una complicada situación familiar provocada por el alcoholismo de su
padre.
En este montaje, Cisneros, también actor y docente, nos muestra el mundo de
esta niña en el que, de manera rutinaria, los conflictos familiares han ido ganando
terreno, logrando situarla en un entorno de soledad y abandono. De esta manera,
Amaranta Leyva, autora de la obra, nos comparte la idea de que: “la vida por momentos nos sitúa en la oscuridad, siempre hay un rayo de luz que nos guía… que
ese rayo, a veces, lo llevamos dentro”.
CONTACT O:
BLANC A ALICIA CER VANT ES
Madriges [email protected] / facebook: madriga es cenik
044 44 42 89 08 51
444 12 98 116
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OAXACA
DOMINGO 11 13:30 HORAS CENTRO DE DIFUSIÓN CULTURAL “RAÚL G AMBOA” DEL I.P.B.A .
DURACIÓN: 70 MINUT OS
Adictos
anónimos
(o ¿De cuál fuma usted?)
DE LUIS MARIO MONCADA
DIRECCIÓN: OMAR C. LEMUS
GRUPO DE TEATRO CRISOL
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REPARTO:
Fumadora: Marycarmen Olivares
Alcohólico: Rafael Alfonso
Cafeinómana: Rosario Sampablo
Farmacodependiente: Ángeles Olivares
Fanática: Gabriela González
Teleadicto: Joel Bulnes
Oradora: Luz de la Rosa
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Escenografía e iluminación:
Jorge Luis Castellanos
Asistente de dirección:
Octavio Lara
Con el fin de generar un espacio de experimentación escénica nace en 1993
el “Grupo de Teatro Crisol.” Este grupo
de la ciudad de Oaxaca desarrolla propuestas en espacios convencionales y
alternos como departamentos o instalaciones deportivas para mostrar sus
trabajos en Comunidades del propio
estado –y de muchos otros, como Guerrero y Michoacán. Dentro de los estilos
que aborda, se encuentran el realismo y
el Clown. Apoyado en varias ocasiones
por fondos nacionales y estatales para
la cultura y las artes (Fonca, Foesca), el
grupo ha formado parte del Programa
Nacional de Teatro Escolar. Una de sus
metas, es la de combinar la creación
teatral con una participación en el ámbito social. Por ello, las temáticas que
abordan en sus propuestas van desde
la equidad de género, el fenómeno migratorio y la drogadicción hasta temas
como la caza ilegal y la prevención de
incendios forestales. De esta manera,
el grupo ha logrado una vinculación y
colaboración con dependencias gubernamentales como la Secretaría del
Medio Ambiente y Recursos Naturales
(Semarnat), entre muchas otras.
de la obra, se muestra la aceptación o
permisibilidad que se establece socialmente en torno a ellas y que termina
por afectar tanto al organismo individual, como al resto de la sociedad.
Bajo la dirección de Omar C. Lemus
(dramaturgo, actor, clown, diseñador de
vestuario y estudioso de las letras hispánicas), esta propuesta reúne a una
diversidad de personajes que sufren
de una u otra forma de distintas adicciones, desde el alcoholismo y la farmacodependencia, hasta el fanatismo
religioso y la cada vez más común TVadicción. Así, el espectador encontrará
personajes que dan pié a una discusión
sobre la despenalización de las drogas,
un debate muy actual y necesario en
nuestro contexto nacional.
La propuesta teatral Adictos anónimos,
además de adecuarse a un tipo de
trabajo austero, apoyado en el trabajo
actoral, reúne a varios creadores escénicos de la ciudad que, con sus diversas
miradas, lograron conformar un espectáculo que confronta “sin velo” a los
espectadores. La propuesta nos invita a
reflexionar sobre las “buenas” y “malas”
adicciones en la población de nuestro
país en un contexto de “guerra contra el
narcotráfico”.
Iniciada en junio de 2011 y beneficiada
por el Programa para el Fortalecimiento Artístico y Cultural de los Emprendimientos Ciudadanos 2012, Adictos
Anónimos o ¿De cuál fuma usted?, de
Luis Mario Moncada, aborda problemáticas provocadas por las conductas
adictivas y, más aún, sobre las relaciones que se establecen entre quienes las
padecen (aceptándolas, sufriéndolas o
rechazándolas). En la representación
CONTACT O:
OMAR C. LEMUS
044 95 11 18 00 03
01 95 15 13 24 82
gr [email protected]
ht t p://w w w.gr upodet eatrocris ol.mex.tl/
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SAN LUIS POTOSÍ
D O M I N G O 11 17: 0 0 Y 1 9 : 0 0 H O R A S T E A T R O E L R I N O C E R O N T E E N A M O R A D O
DURACIÓN: 60 MINUTOS CUPO LIMITADO
Salvaje Idilio
AUTOR Y DIRECTOR:
JESÚS CORONADO
COMPAÑÍA:
EL RINOCERONTE ENAMORADO
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REPARTO:
Esther: Gabriela Betancourt
Manuel: Edén Coronado
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Escenografía e iluminación:
Fernando Flores
Vestuario: Angustias Lucio
Música original y escenofonía:
Joaquín López “Chaz”
Diseño de imagen: Ricardo Anaya
Montaje técnico: Gerardo Pardo
Producción ejecutiva: Caín Coronado
La búsqueda de un Teatro que abreva de la
tradición y está de cara al tiempo que nos ha
tocado vivir, es la apuesta con que plantamos
los pies en el mundo del
arte
En esta XXXIII emisión de la Muestra
Nacional de Teatro, no podía faltar el
trabajo de la compañía “El Rinoceronte
Enamorado”, la emblemática compañía
potosina que, gracias a su constante labor escénica y al apoyo de varias
instituciones, ha logrado consolidar un
espacio de creación teatral en la capital potosina. Fundada y dirigida por el
maestro Jesús Coronado, y bajo la idea
de que: “los teatros son de quienes los
trabajan”, la compañía ha pasado por
diversas etapas creativas y de gestión
cultural, logrando ser en los últimos
años comodataria del teatro del IMSS/
SLP (2000-2008), a través de la tercera
y quinta convocatoria del Programa Teatros para la Comunidad Teatral IMSSFonca y, posteriormente, a través de la
Secretaría de Cultura del Gobierno del
Estado y del Programa de Apoyo a la
Infraestructura Cultural en los Estados
(PAICE), el grupo obtiene en 2010 su
propia sede: la “Sala Teatral El Rinoceronte Enamorado”.
En esta ocasión, el maestro Coronado
nos presenta un trabajo basado en la
muy conocida obra de Tennessee Williams, Háblame como la lluvia y déjame escuchar, dándole un carácter
de “juguete teatral” y acercándola a la
vida del poeta potosino de fin del siglo
XIX, Manuel José Othón y de quien su
emblemático poema Salvaje idilio da
título a esta obra. Es así, como la vida
de Othón va a dar pie “a un encuentro
cruel y recurrente: el de dos almas solas
que aún se aman pese al extravío; que
viajan en los recuerdos de los que la
ausencia es la única presencia que los
sobrevive y los habita”.
En esta propuesta, el director de Consumatum Oxxo y Miembro del Sistema
Nacional de Creadores Artísticos nos
muestra un teatro que “tiene su dimensión en la figura humana” y que
transita por un desértico paisaje de las
relaciones amorosas. De esta forma, el
maestro Coronado reivindica la idea de
tradición, ya que, en sus propias palabras: “Somos, en la medida, un cordón
que nos acerca con algo que ya no está
o que está lejos o que no se ve. Eso es
la tradición.”
Para este creador potosino y hombre de
teatro, el último poeta de la escena es
el espectador, que es quien devela los
significados y misterios de su propia
experiencia, a través de un teatro en el
que “la palabra es reina”.
CONTACT O:
EDÉN CORON ADO
[email protected]
444 23 42 452
444 81 46 434
www.elrino.mx
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YUCATÁN
D O M I N G O 11 18 : 0 0 Y 2 0 : 3 0 H O R A S T E AT R O D E L A PA Z D U R A C I Ó N : 6 0 M I N U T O S
CUPO LIMITADO
Manual de cacería
DRAMATURGIA:
NOÉ MORALES MUÑOZ *
DIRECCIÓN:
JUAN DE DIOS RATH
GRUPO:
MURMURANTE TEATRO A.C.
Creación de: Ariadna Medina,
Juan de Dios Rath, María José Pool
y Josué Abraham.
Sobre textos de Murmurante Teatro
Producción ejecutiva: Ariadna Medina **
Concepto de dispositivo escénico:
Jesús Hernández
Diseño de Multimedia: Josué Abraham
Diseño sonoro: Manuel Estrella
Asesoría escénica: Jorge Vargas
Asesoría psicopedagógica:
Paulino Dzib y Psicjurid
Asistente de dirección: Ariadna Medina
Asistente de producción: María José Pool
Jefe de foro: Iván Pacheco
Asesoría manejo escorpión: Yamel Correa
Fotografía: Josué Abraham
Diseño gráfico: Ariadna Medina y
Josué Abraham
Agradecimientos a Carlos Martín Briceño,
Hernán Medina y Roberto Azcorra
* Becario del programa jóvenes creadores Fonca 2011-2012
** Beneficiaria del programa de Fomento a proyectos y coinversiones culturales del Fonca 2011-2012
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El manual de cacería remite a un
encuentro con uno mismo y a la posibilidad de
habitar el umbral, esa zona liminal que nos
descoloca y nos obliga a decidir para
sobrevivir.
A partir de 2009 nace el “Colectivo
Murmurante Teatro”. Este grupo, coordinado por Ariadna Medina y Juan de Dios
Rath, ha presentado trabajos como Tu
ternura Molotov propuesta ganador del
programa Prácticas de vuelo 2010 y El
viaje inmóvil, estudio en espiral sobre
el suicidio en codirección con Jorge
A. Vargas y con la que participaron en
la pasada XXXII Muestra Nacional de
Teatro en la ciudad de Campeche. En
esta ocasión, el colectivo nos presenta, bajo la dramaturgia del joven autor
Noé Morales, Manual de cacería, obra
que surge a partir de una serie de materiales documentales que registran
una extensa serie de sucesos en torno
a la violencia. Partiendo de la realidad
nacional en la que el 47% de la población infantil sufre de algún tipo de violencia y en donde el país, en general,
se encuentra inmerso en una espiral de
violencia promovida por un sistema que
dice combatirla, el grupo intenta formular preguntas para que cada uno logre
crear su manual personal en el que es
“a veces presa y a veces cazador”.
De manera particular, este manual que
nos presenta “Murmurante Teatro”, nos
muestra un estado de cosas profundamente arraigado en Mérida, ciudad en
la que trabajan, ya que –de acuerdo con
el director: “dentro de nuestros entornos más íntimos, la violencia se va incubando en nuestra experiencia como una
condición a la que nos acostumbramos
tanto, que parece ser necesaria para
sobrevivir”. El espacio en el que se desarrolla este Manual de cacería es blanco, aludiendo a un espacio que puede
ser cualquiera, un no lugar, pero también remite a una ciudad blanca en la
que, en palabras del director, “las aguas
corren subterráneas, donde la blancura
de sus muros ha sido metáfora histórica
de la exclusión hacia los de piel oscura,
donde la voz interior se ahoga en una
exhalación final que tensa la soga de
donde penden las últimas esperanzas o
en el amargo y frío líquido dorado que
apaga de momento una sed ancestral...
eso también, es la blanca Mérida”.
Así, “Murmurante Teatro” nos invita a
conocer un manual trazado por la violencia, desde el ejercicio de violencia
extrema por el que transita nuestro país,
hasta aquella muy sutil que se desarrolla de manera imperceptible en nuestra
vida de manera cotidiana. Violencia “de
la que poco se llega a saber y de la que
muchos de nosotros somos meros sobrevivientes”.
CONTACT O:
ARIADN A MEDIN A
[email protected]
01 99 92 32 82 32
www.mur murante.org
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OAXACA
D O M I N G O 11 2 2 : 3 0 H O R A S E S PAC I O A LT E R N AT I VO D U R AC I Ó N : 8 0 M I N U T O S
CUPO LIMITADO
Los instantes
de luz
REPARTO:
Luz Divina: Bibaani Betanzos
Padre: Antonio Lópeztorres
Madre: Gabriela Martínez
Luz Divina niña: Sabina Petriz
Martínez, Isis Contreras Gutiérrez,
Nancy Orduña Cabrera
Voz en off (Noticiero): Erick Jiménez
Villalobos
Escenografía e iluminación: Jorge Lemus
Vestuario y utilería: Sergio Ruiz
Entrenamiento físico: Antonio Lópeztorres
Asesoría coreográfica:
Lisandro Díaz Cabrera
Edición sonora:
Erick Jiménez Villalobos / Jorge Lemus
Fotografía: Marco Petriz
Realización de escenografía: Jorge Lemus
Leopoldo Reyes García
Guillermina Lemus
Realización de vestuario:
Yolanda V. González B. y Sandra Ríos Peto
* Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte.
30
33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
AUTOR Y DIRECTOR:
MARCO PETRIZ *
COMPAÑÍA:
EL GRUPO TEATRAL
TEHUANTEPEC
Técnico de iluminación:
Estela Guadalupe González
Apoyo técnico: Alina Mecott, Reyna Mirón,
Sabina Petriz, Isis Contreras, Nancy
Orduña, Damián Jiménez
Asistente de dirección:
Alicia Morales Sánchez
Producción ejecutiva:
Alma Rosa Reyna González
Producción: Gabriela Martínez
Agradecimientos a Carlos Martín Briceño,
Hernán Medina y Roberto Azcorra
Instituciones participantes:
CONACULTA-FONCA / INBA / Secretaría de
las Culturas y Artes del Edo. de Oaxaca.
Proyecto realizado con el apoyo del programa
de estímulo a la creación y desarrollo artístico
del Fondo Estatal para la Cultura y las Artes
de Oaxaca.
MÚSICA UTILIZADA:
Apatride - Win Mertens
Minuette - Dominio público
Luto por derecho - Atilano Morales
CANCIONES UTILIZADAS:
Nos llevamos tan bien - Mariel Mariel
Luna, lunita, sol - Jaime Luna
(La trova serrana)
Agradecimientos especiales: Israel Franco,
Mario Espinosa Ricalde y al Dr. Martín
Vásquez Villanueva
…siento que nunca, nunca te voy alcanzar, y justo cuando
siento que estoy a punto de tocarte los dedos, todo se rompe, todo
estalla, y el río te traga,
te hundes…
Sin lugar a dudas, el trabajo del “Grupo
teatral Tehuantepec”, representa hoy en
día uno de los más claros ejemplos del
poder de comunicación del teatro con
su entorno social. De esta manera, el
grupo es conformado desde 1987 con
personas de diversos oficios que comparten un mismo interés, el de concientizar sobre las posibilidades del arte
teatral y su adaptación a un contexto de
la comunidad en la que se desarrolla.
Es en 2004, después de varios montajes de tipo formal, que la compañía propone un “teatro a partir del entorno” con
montajes como La casa de enfrente, La
familia, y En el cuarto del fondo, todas
de la autoría de Marco Petriz, director
del grupo y miembro del Sistema Nacional de Creadores.
A lo largo de las últimas muestras nacionales de teatro, el público ha tenido
la oportunidad de conocer este trabajo
que dialoga siempre con su entorno social, cultural y político. En esta ocasión,
el grupo nos presenta Los instantes de
luz, una propuesta que aborda la violen-
cia de género, problemática recurrente
en la región istmeña. De esta manera,
la obra se desarrolla, como es habitual,
en un espacio de representación no
convencional (casa típica tehuana), con
la idea de propiciar un vínculo directo
con el espectador, y se compone de
varios cuadros que se van entrelazando
de manera acrónica y que exigen, en el
ejercicio actoral, una serie de cambios
de estado de ánimo casi inmediatos.
El trabajo del “Grupo Teatral Tehuantepec”, es una propuesta escénica que
nos muestra la capacidad que tiene el
arte teatral de dialogar con su entorno
y de proponer nuevas formas de relación social para contrarrestar el estado
de las cosas que, en la mayoría de los
casos, se encuentran incrustadas en
las prácticas sociales cotidianas. Es ahí
en donde el trabajo de Marco Petriz se
vuelve necesario para probarnos que la
creación artística es también una herramienta con la que podemos proponer
nuevas maneras de construir nuestra
realidad social.
CONTACT O:
MARCO PET RIZ
[email protected]
971 715 09 28
045 971 140 99 57
www.elgrupoteatraltehuantepec.com.mx
33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
31
DISTRITO FEDERAL
L U N E S 1 2 17: 0 0 H O R A S T E A T R O D E L I M S S D U R A C I Ó N : 110 M I N U T O S
Tom en la
Granja
DE MICHEL MARC BOUCHARD
DIRECCIÓN:
BORIS SCHOEMANN*
COMPAÑÍA LOS ENDEBLES
REPARTO:
Agathe: Verónica Langer
Tom: Pedro de Tavira Egurrola
Francis: Leonardo Ortizgris**
Sara: Alaciel Molas
*Miembros del Sistema Nacional de Creadores de Arte, FONCA.
**Creadores Escénicos Categoría B, 2011-2012
32
33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
Escenógrafo: Jorge Ballina*
Iluminador: Fernando Flores
Musicalización: Rodrigo Espinosa
Vestuario: Cordelia Dvórak
Asistente de escenografía: Laura Frieyro
Productora ejecutiva: Anabel Caballero
Asistente de dirección y Coreografía:
Julio Bautista
Diseño de imagen gráfica:
Francisco Zeledón
Fotografía: Andrea López
Traducción: Boris Schoemann
Producción: Dirección de Teatro UNAM
la mentira
…esta es una obra que habla sobre
,
sobre la necesidad que los homosexuales pueden llegar a tener de
mentir, para ser aceptados dentro de ciertos núcleos de
convivencia, tan inmediatos, como la familia…
Dirigida por el actor y director Boris
Schoemann y creada en el año 2000,
“Los endebles A.C.” es una compañía
que tiene como sede el “Teatro la Capilla” y cuyo objetivo principal es tocar las
fibras más sensibles del ser humano, a
través de la puesta en escena de dramaturgias contemporáneas nacionales
e internacionales.
A lo largo de los años, la compañía ha
realizado un trabajo contante en la traducción de textos de autores franceses
y canadienses. Dentro de su repertorio
encontramos veintidós creaciones, entre las cuales se encuentran Los endebles o la repetición de un drama romántico, de Michel Marc Bouchard y que
dio nombre a la compañía, El regreso
al desierto de B. M. Koltes, El camino de
los pasos peligrosos, El canto del dimedime, Un campo, entre otras. El trabajo
y administración del “Teatro la capilla”
le han permitido a este grupo un espacio de creación e investigación en
torno a la dramaturgia contemporánea
que actualmente cuenta con su propio Taller de dramaturgia, Laboratorio
de dramaturgia en escena y su propia
editorial “Los textos de la capilla” que
en los últimos años ha logrado una muy
destacada difusión de obras de autores
como las del Líbano-canadiense Wajdi
Mouawad.
En esta ocasión, Boris Schoeman, co-titular de la dirección artística de la Compañía Titular de Teatro de la Universidad
Veracruzana, toma una obra que Michel
Marc Bouchard, uno de sus autores predilectos escribiera en el año 2010, para
estrenarla en nuestro país. En este trabajo, el director apela al trabajo actoral
y a la fuerza y concreción del texto. El
montaje es apoyado por una escenografía que más que mostrar contundentemente los lugares evocados por el autor,
logra sugerirlos con ligeros cambios.
Así, el espectador conocerá la historia
de Guillaume, a partir de la cual se desarrolla toda la trama. “Tom en la granja
habla también del amor, del dolor y de
la situación de duelo que enfrenta un
hombre al verse despojado del ser al
que más ama en el mundo”.
CONTACT O:
BOR I S SC HOEMA NN
[email protected]
044 55 13 99 35 31
01 55 56 58 62 85
www.teatrolacapilla.com
33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
33
DISTRITO FEDERAL
LUNES 12 20:00 HORAS CENTRO DE LAS ARTES SAN LUIS POTOSÍ CENTENARIO
PLAZA CENTENARIO DURACIÓN: 70 MINUTOS
La máquina
de Esquilo
REPARTO:
José Cremayer
Marissa Saavedra
Olivia Lagunas
Sonia Franco
Ricardo Rodríguez
Alejandro Morales
Guillermo Villegas
34
Producción ejecutiva y asistencia de
dirección: Aura Gómez Arreola
Diseño de escenografía: Alberto Lomnitz
y Aura Gómez Arreola
Diseño de vestuario y utilería: El Pavo
Producciones / Rodrigo Sosa
Musicalización: Leo Soqui
Coreografía: Andrea Seidel
33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
DE
LUIS ENRIQUE GUTIÉRREZ
ORTIZ MONASTERIO
DIRECCIÓN:
ALBERTO LOMNITZ
Construcción de escenografía:
Macedonio Cervantes
Escultura y pintura escénica: Passo de Gato
Realización de vestuario:
Israel Ayala y Gabriela Ayala
Realización de utilería y atrezzo:
Quy Lan Lachino Lachino
Realización de peletería y coturnos:
Francisco Piña
Realización de sombreros: Mariana Villegas
Texturización de vestuario:
Talya González Buenrostro
Producción: Programa de Teatro
Escolar en el DF, INBA-CNT
La Máquina de Esquilo
lleva un texto tan lúdico como lo es didáctico
al terreno del teatro de calle.
En esta ocasión el director Alberto Lomnitz se da a la tarea de llevar a la calle
algunas versiones “abreviadas” de Esquilo. De esta manera, Los siete contra
Tebas, Las suplicantes, Prometeo encadenado y Los persas serán presentadas
bajo la pluma de Luis Enrique Gutiérrez
Ortiz Monasterio, LEGOM. En este proyecto, Lomnitz apuesta por una versión
abreviada de estas obras, que logre interesar a los jóvenes espectadores en
el arte teatral. De esta manera, el tono
fársico que marca la mayor parte de la
obra se centra más en la trama y la mitología que en el contenido profundo de
la obra de Esquilo.
En esta corta pero potente versión, LEGOM intenta mostrarnos el sentido y los
orígenes del arte dramático y el papel
de la obra de Esquilo en dicho desarrollo. Si bien, las primera tres obras
son presentadas en un tono de farsa,
la cuarta Los persas se presenta “en
serio”, con la intención de compartirle al espectador parte del poder de la
tragedia griega. Así, “la obra concluye
como un homenaje no sólo al genio de
Esquilo, sino al teatro mismo”.
El trabajo del también dramaturgo Alberto Lomnitz, actualmente codirector
artístico de la “Compañía Titular de Teatro de la Universidad Veracruzana” en
Xalapa, se ha destacado por su fuerte
incidencia en actividades educativas y
trabajos interesados en la integración
de audiencias con capacidades diferentes, montajes como El rey que no oía,
pero escuchaba de P. Szuchmacher y
¡¿Quién te entiende?! de autoría propia, realizado con la “Compañía Seña y
Verbo: teatro de sordos”, le han permitido la realización de varias giras nacionales e internacionales.
La Máquina de Esquilo muestra un
trabajo de teatro de calle que es musicalizado en vivo por los propios actores y actrices, quienes a lo largo de la
narración-representación van a evocar
un sinfín de personajes, para mostrar un
recorrido por la historia del teatro griego, guiando al espectador por laberintos
que lo llevarán desde los orígenes de la
tragedia hasta su consolidación en la
obra de Esquilo, contextualizados en el
aquí y ahora.
CONTACT O:
AURA GÓMEZ ARREOLA
aura.gar [email protected]
044 55 14 86 86 51
4427 8558
33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
35
SAN LUIS POTOSÍ
LUNES 12 19:00 Y 21:30 HORAS CENTRO DE DIFUSIÓN CULTURAL
“ R A Ú L G A M B O A ” D E L I . P. B . A . D U R A C I Ó N : 6 0 M I N U T O S
Fuenteovejuna
ACCIÓN COLECTIVA
A PARTIR DEL TEXTO
DE LOPE DE VEGA
DIRECCIÓN: JULIANA FAESLER
COMPAÑÍA DE TEATRO DEL
INSTITUTO POTOSINO DE
BELLAS ARTES
36
ACTORES:
Arely Delgado
Víctor Ortiz
Antonio Retana
BAILARINES:
Juan José Parra
Ismael Infante
33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
Dirección: Juliana Faesler
Entrenamiento corporal y
Movimiento escénico:
Tania Solomonoff
Director general de
la compañía: Marco Vieyra
proyecto escénico
Se trata de un
que intenta rescatar,
a partir de una serie de acciones colectivas
e individuales, nuestro espacio-cuerpo,
que es ahora: propiedad de la violencia
territorio
Fuente ovejuna - Acción colectiva a partir de un texto de Lope de vega es el
segundo trabajo escénico de la “Compañía de teatro del Instituto Potosino de
Bellas Artes”, la cual fue creada con la
intención de acuñar una expresión actual de creación vanguardista cercana
al espectador. “Somos una compañía
que genera su propia estética a partir de un lenguaje original que revela
nuestros más profundos sentimientos
y ambiciones escénicas.” Después de
Puta estación Dinamarca, estrenada en
2010, la compañía se aventura en un
proyecto dirigido por la destacada creadora escénica Juliana Faesler.
Como su nombre lo indica, esta propuesta está basada en la obra de Lope
de Vega Fuenteovejuna y tiene como objetivo la restauración del cuerpo social y
su regreso a los espacios públicos que,
debido a la guerra contra el narcotráfico que vive nuestro país, ha quedado
secuestrada.
En ese intento por recuperar el espacio
y la memoria, Juliana Faesler plantea
una serie de interrogantes sobre lo que
es vivir en paz. Una pregunta que dentro del contexto de ciudades como San
Luis Potosí se vislumbra cada vez más
lejana. En palabras de la creadora en
esta propuesta, existe “un impulso de
referir el abuso, el miedo, la impunidad
y la violencia; aunque también lo hay de
reconstruir los vínculos sociales y el valor de la vida misma. Porque nos mueve
el deseo de pensar el cuerpo-ser-nosotros íntegro, no mutilado, ni decapitado
o degradado”.
En este juego de resistencia social, la
creadora de la reciente Trilogía mexicana, logra imaginar estrategias para
entender y recuperar la presencia social
ante la invisibilidad y el anonimato que
un contexto de violencia termina por cifrar en datos y estadísticas. “Se trata de
activar la provocación de cada uno consigo mismo, para ver, para estar, para
escuchar a manera de eco, de juego,
de confesión, de contacto.” En esta propuesta, la anécdota narrada en la obra
de Lope de Vega sirve como punto de
partida para conformar un contexto en
el que las acciones testimoniales de los
actores darán cuenta de la situación en
la que nos encontramos inmersos como
sociedad y en la que el hartazgo frente
al estado de los acontecimientos sociales de México hace eco ferozmente en
las palabra del pueblo de Fuenteovejuna, que resuenan en cada uno de nosotros: “¡Ya basta, queremos vivir, vivir
libres!”
CONTACT O:
MARCO VIEYRA
[email protected]
045 55 58 26 53 33
01 55 46 20 38 16
33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
37
DISTRITO FEDERAL
L U N E S 1 2 19 : 0 0 Y 2 3 : 0 0 H O R A S A U L A C A J A N E G R A D E L A U N I V E R S I D A D
A U T Ó N O M A D E S A N L U I S P O T O S Í ( U A S L P ) D U R A C I Ó N : 10 0 M I N U T O S C U P O L I M I TA D O
Ensayo sobre
débiles
AUTOR Y DIRECTOR:
ALBERTO VILLARREAL
COMPAÑÍA:
ARTILLERÍA
PRODUCCIONES
38
REPARTO:
Mario Balandra
Soraya Barraza
Rubén Cristiany
Regina Flores
Rodolfo Blanco / Raúl Villegas
33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
Diseño de iluminación:
Julia Reyes Retana
Asistente de dirección:
David Jiménez Sánchez
Nuevo y antiguo son linealidades de la crítica y no
acto escénico
de este proceder que sabe que el
transcurre en la simultaneidad.
Fundada en 1999 bajo la dirección de
Alberto Villarreal “Artillería Producciones
A.C.”, ha logrado el reconocimiento por
un tipo de trabajo de experimentación
(en el profundo sentido de la palabra)
escénico. Sus numerosos montajes y
radicales estructuras, han procurado a
Villarreal una enorme serie de proyectos que han logrado ser financiados por
apoyos como México en Escena (2007
y 2008), Fomento a Proyectos y Coinversiones culturales (2005) y le han dado
una enorme visibilidad dentro de eventos internacionales como Puerta de la
Américas desde 2004.
En esta ocasión, “Artillería Producciones A.C.”, nos muestra el resultado de
un proceso de montaje que a lo largo
de dieciocho meses de desarrollo en
su sede “La Madriguera Teatro”, tuvo
varias exposiciones al público. Ensayo
sobre Débiles es otro de los ensayos
sobre los que ha venido trabajando Villarreal, bajo la idea de que “su forma
dramática tiene más que ver con las estructuras del ensayo literario que con la
dramaturgia clásica”. De esta manera,
el ahora miembro del Sistema Nacional
de Creadores nos comparte un ensayo
compuesto de cuatro elementos: disolución de inicio, en el que los actores
son presentados realmente; disolución
de final, en la que se solicita al público
confesiones personales que serán guardadas por todos aquellos convidados
al evento y no serán reveladas; interferencia en una ruptura con las unidades
poéticas, comúnmente utilizadas en
la representación teatral; y, finalmente, una osada y real dirección de los
acontecimientos por parte del público,
que hará que la estructura de la obra
se modifique cada vez. Este ensayo se
basa en un dispositivo de convivencia
no convencional con los espectadores y,
en el que, en palabras de Villarreal: “La
poética se basa en el enfrentamiento
de ‘aporías de cuerda’ o el trabajo sobre las paradojas fundamentales de las
convenciones del teatro”.
La amplia trayectoria de este joven pensador del teatro consta de más de cuarenta montajes de su autoría que le han
permitido obtener varias residencias de
especialización en instituciones como
las del teatro Royal Court de Londres,
la Fundación Carolina de Madrid, o con
el Lark Center de Nueva York, además
de brindarle una enorme movilidad a
escala internacional en el cuadro de
festivales, de entre los que destacamos
el festival Transamerique de Montreal,
el Festival Iberoamericano de Teatro
de Cádiz, o el NTH8 en Lyon. Varios de
los trabajos de este autor –que en la
construcción de su poética recurre a
“pequeñas forma de supervivencia casera”– han sido publicados por editoriales como Nick Hern Books (Londres),
Cierto Pez (Santiago de Chile) y El Milagro (México).
CONTACT O:
ALBER T O VILLARREAL
alber tov.ar [email protected]
044 55 54 35 53 63
www.alber tovillar real.mx
33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
39
SONORA
M A R T E S 1 3 17 : 0 0 H O R A S T E A T R O D E L I M S S D U R A C I Ó N : 1 2 0 M I N U T O S
Alonso
del Saguaral
REPARTO:
AUTOR Y DIRECTOR:
Pánfilo: Francisco Veru
SERGIO GALINDO SÁNCHEZ *
COMPAÑÍA: TEATRAL DEL NORTE Dorotea y Luscinda: Elizabeth Vargas
Cardenio: Osvaldo Sánchez
Fernando: Mariano Sosa
Martín del Chiltepín: Alejo Saavedra
Juana: Lorenia Ojeda
Alonso del Saguaral: Sergio Galindo
Voz Narrador: Jesús Ochoa
Voz Saguaral: Raúl Ortiz
*Miembro del sistema nacional de creadores
40
33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
Escenografía y Vestuario: Roberto Méndez,
Paula Martins y Osvaldo Sánchez
Fotografía: Argentina Santa Cruz
Iluminación y Sonido: Hugo Sosa
Realización escenográfica:
Édgar Zendejas y Christian Pou
Realización de vestuario: Alejandro Huerta
Música original: Gerardo Peña
Asistente de dirección: Beatriz Salas
El alma busca su armonía
en el sonido de la
palabra dicha
Fundada y dirigida desde hace más de
diecisiete años por Sergio Galindo Sánchez (ganador del Premio Nacional de
Literatura, Carlos Monsivais, 2012), la
“Compañía Teatral del Norte” ha realizado diversos montajes de entre los
cuales destacan Última llamada, Más
encima…el cielo y Güevos rancheros,
esta última con más de 2000 representaciones.
En esta ocasión, la compañía presenta
la primera parte de un trabajo basado
en El Quijote de Don Miguel de Cervantes Saavedra. En esta propuesta la obra
de Cervantes va a encontrar un eco importante en el personaje central, quien
nos irá develando las sorprendentes
similitudes que existen entre los paisajes y serranías que enmarcan las aventuras del caballero de la triste figura y
la sierra de Sonora. “En este contexto,
se puede decir que la puesta privilegia
el decir del verso y las imágenes que
éste evoca. Significa el intento de amalgamar formas del teatro clásico con el
espíritu y [la forma de] ser de los pueblos de la sierra de Sonora.”
En esta obra, el dos veces miembro del
Sistema Nacional de Creadores, y figura emblemática del teatro sonorense, a
quien la revista Paso de Gato dedica su
última edición, busca la preservación
de la fonética original, intentando resguardar los significados que ésta agrega
a la hora de nombrar las cosas. De esta
manera, tanto el sonido, como los giros
lingüísticos y el matiz propio del habla
de la región de la sierra sonorense, pretenden llevar a la recuperación del verso
en lengua romance. Así, en la propuesta
de Sergio Galindo Sánchez, Alonso del
Saguaral va a recorrer la sierra sonorense acompañado de Pánfilo (su caporal)
compartiendo con los espectadores
sueño y realidad sobre la escena y
mostrando cómo en las nuevas circunstancias, la lengua romance sigue viva en
los pueblos de la sierra.
CONTACT O:
BEAT RIZ ELEN A S ALAS
[email protected]
01 66 21 67 97 88
01 66 22 67 11 06
33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
41
DISTRITO FEDERAL
M A R T E S 1 3 19 : 0 0 H O R A S C E N T R O D E D I F U S I Ó N C U LT U R A L “ R A Ú L G A M B O A” D E L I . P. B . A
110 M I N U T O S C O N D O S I N T E R M E D I O S D E 5 M I N U T O S
Casa con dos puertas,
mala es de guardar
DE DON PEDRO
CALDERÓN DE LA BARCA
DIRECCIÓN:
GILBERTO GUERRERO
COMPAÑÍA: PERRO TEATRO
REPARTO:
Lisardo: Antonio Rojas
Félix: Ortos Soyuz
Laura: Sonia Franco
Marcela: Alhelí Abrego
Fabio: Fermín Zúñiga
Calabazas: Martín Becerra
Silvia: Isabel Almeida
Celia / Lelio: Saandra Cobián
*Miembro del sistema nacional de creadores
42
33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
Iluminación: Michel Cuvellier
Asistente de dirección: Suriday Hugalde
Escenografía: Carolina Jiménez
Vestuario: Carolina Jiménez y
Ana Luisa Alfaro
Producción: Ana Luisa Alfaro
Hemos decidido bajar a los clásicos de los
pedestales donde aparecen inalcanzables y,
al hacerlos nuestros, compartirlos
con el público
Fundada en 1985 y con más de veintiocho puesta en escena, como La Ronda,
Aristofánica, Antonio y Cleopatra, Sin
memoria, Triciclo, Apenas ayer, Señor
Quijote mío, Los amantes suicidas de
Amijima y El diablo con tetas, entre
muchas otras, la compañía “Perro Teatro
A.C.”, ha realizado diversas giras internacionales en teatros como el Theater
an der Ruhr (Alemania 2001), Muestra Iberoamericana de teatro (España,
2005) y el Festival Iberoamericano
en el IV Centenario de El Quijote. Esta
compañía, dirigida por el escritor, director, pedagogo y hombre de teatro Gilberto Guerrero, desarrolló un comodato
auspiciado por el IMSS y el Fonca en el
Teatro Santa Fe durante ocho años. “Perro Teatro, A.C.”, inicialmente llamada
“Punto y Raya A.C.”, trabaja en formatos
diversos como escuelas, localidades,
calles, etc., siempre bajo la idea de
volver a empezar ya que “cada nuevo
trabajo es una nueva promesa.”
Casa con dos puertas, mala es de guardar, de Pedro Calderón de la Barca, fue
estrenada por la compañía en el 35ª
Festival del Siglo de Oro en el Chamizal
Texas y se considera una de las obras
más representativas de la comedia
barroca y una de las más festivas de
este autor. Esta obra, que trata sobre
los celos provocados por el mal de
amores, logra alcanzar una comicidad
que llega a los límites de lo permitido
en la época de su estreno y es considerada por algunos como un “Vodevil
de capa y espada.” Para la compañía
es importante encontrar un lenguaje
escénico que respete la esencia de la
obra y que rompa con lo acartonado al
mismo tiempo, para poder acercar al
espectador con los textos clásicos de la
dramaturgia universal “que nos siguen
diciendo cosas que necesitamos escuchar… y decir.”
Para este montaje, el también autor
de las novelas La sonrisa vertical y El
taimado partió de dos premisas definidas: la cabal comprensión del texto,
basada en la correcta expresión del verso y apoyada en una acción dramática
directa y bien desarrollada, y el divertimento. De esta forma, el espacio parte
de una economía de medios dejando
primacía al trabajo actoral y al verso,
“hay un contraste pues, entre modernidad en una concepción muy económica
en acción y espacio, con un barroco
apuntalado en el lenguaje y vestuario.”
CONTACT O:
AN A LUIS A ALFARO
per [email protected]
044 55 32 20 28 49
01 55 56 04 73 49
www.per roteatro.org
33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
43
DISTRITO FEDERAL
LUNES 12 18:00 HORAS MAR TES 13 21:30 HORAS
TEATRO EL RINOCERONTE ENAMORADO CUPO LIMITADO
La tragedia
de Macbeth
DE WILLIAM SHAKESPEARE
DIRECCIÓN: LAURA ALMELA Y
DANIEL GIMÉNEZ CACHO
COMPAÑÍA: EL MILAGRO
REPARTO:
Laura Almela
Iluminación: Gabriel Pascal
Daniel Giménez Cacho
Sonido: Rodrigo Espinosa
Agradecimientos:
Marisela Criollo Minero, Emilia, Lucía,
Lucio, David Juan y María
44
33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
Creo que nuestra patria sucumbe
bajo el yugo; llora, sangra y cada día
añade una llaga a sus heridas.
Bajo la idea de conformar un espacio
en el que prevalezca el sentido de comunidad, identidad y pertenencia, surge “Teatro el Milagro”, intento conjunto
que a lo largo de los últimos años se
ha consolidado como uno de los espacios generadores de nuevos diálogos
escénicos. Dicho lo anterior, el grupo
de creadores que conforman esta Asociación Cultural Independiente, ha compartido su aspiración por discutir con el
espectador, conmoverlo y moverlo a la
reflexión política, en el sentido de Polis/Ciudad, ciudadanía y todo lo que el
ejercicio de ser espectador crítico implica. Así, actualmente y después de más
de 20 años de haberse fundado como
asociación, el “Teatro El milagro” es, sin
duda, uno de los espacios indispensables para la creación de propuestas
diversas y divergentes, que mantienen
un diálogo constante con los discursos
escénicos actuales.
En esta ocasión, toca el turno a La tragedia de Macbeth, un trabajo escénico
desarrollado por los estupendos actores
Laura Almela y Daniel Giménez Cacho,
para ser presentado en el marco de
esta XXXIII Muestra Nacional de Teatro.
En esta propuesta, realizada por este
dúo de actores/creadores escénicos, no
existen decorados, ni vestuarios pomposos, el entorno austero hace que todo el
peso de la trama caiga de lleno sobre
los dos ejecutantes, quienes a lo largo
de la representación irán dando vida a
los múltiples personajes. En este juego
escénico, nos dice María Teresa Adalid:
“se mantiene la naturaleza siniestra
de la obra con escenas que se llevan
a cabo en la oscuridad del teatro, apenas alumbrado por unas cuantas velas,
donde se perciben crujidos, vibraciones
de los cuerpos cercanos y susurros que
generan pensamientos, imágenes, sentimientos y el placer de coexistir con
esos seres imaginarios y sobrenaturales
como las brujas”.
En esta propuesta, encarnada por estos
dos estupendos intérpretes, podremos
constatar cómo una tragedia descrita
y escrita hace ya tantos siglos, sigue
siendo la misma con la que nos enfrentamos todos los días como país. En
este juego de ambición por el poder La
tragedia de Macbeth es idéntica a la
tragedia que persigue a muchos de los
hombres de poder que sueñan con dominar sus imperios personales.
CONTACT O:
G AB RI EL PAS C AL
pas [email protected]
55 92 00 31 / 55 92 03 38
www.elmilagro.org .mx
33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
45
NUEVO LEÓN
MAR TES 13 21:30 / 23:00 HORAS AULA C AJA NEGRA DE LA UNIVERSIDAD
AUTÓNOMA DE SAN LUIS POTOSÍ (UASLP) DURACIÓN: 60 MINUTOS
CUPO LIMITADO
Nacido
de un muslo
DE ÉDGAR CHÍAS
DIRECCIÓN:
IVÁN DOMÍNGUEZ-AZDAR
GRUPO: AL SON DE TEATRO
REPARTO:
Dave: Juan Luna
Sonja: Tere Medellín
Lorenza: Liliana Cruz
Weson: Luis Escalante
Mica: Aglaé Lingow
Dave: Eduardo Martínez
46
33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
Diseño de iluminación: Jorge Sánchez
Espacio escénico: Jeany J. Carrizales
Diseño de vestuario: Carlos Guzmán
Diseño gráfico: Gracia Zanuttini
dioses
Esto es cosa de
, habla de la estatura a
la cual el hombre quiere ponerse, negando la
muerte como un gesto afirmativo de la vida,
errático y desmesurado, pero irónico y jocoso.
Interesados en generar redes de trabajo
a nivel de gestoría, producción y difusión entre latitudes, “Al son de Teatro”
es un grupo de creadores escénicos que
colaboran en proyectos que logren establecer un vínculo de trabajo y un intercambio de metodologías alrededor de
la República Mexicana. De esta manera
buscan que, debido a una relevancia
temática, dramatúrgica o de formato,
las obras elegidas puedan acceder a
distintos espacios como sucede en los
festivales.
En esta ocasión toca el turno a Nacido de un muslo de Edgar Chías, tercer
montaje de Iván Domínguez-Azdar y tercer obra del dramaturgo que participa
en esta Muestra Nacional de Teatro. Presentada por vez primera en el marco de
la 9ª Semana Internacional de la Nueva
Dramaturgia en la ciudad de Querétaro,
este montaje ha tenido la oportunidad
de mostrarse al público en el Distrito
Federal y de Nuevo León.
Nacido de un muslo aborda el tema
de la clonación, como forma de reproducción serial e idéntica. La propuesta
hace un cruce con el mito de Dionisios,
quien al ser injertado en el muslo de su
padre logra renacer idéntico a quien fue
anteriormente. Así, la transgresión del
hombre contra el orden divino queda
implícito en este intento por alcanzar la
infinitud.
En este montaje teatral, el ejercicio escénico busca la contradicción y el desajuste para lograr una especie de caos
que intentará captar la atención del
espectador y su interés por reconfigurar y dar forma a la historia. “Buscamos
generar un impacto, planteando la simultaneidad, la velocidad, la narración
de los pensamientos y el contacto con
el espectador. Es un desafío en el que
los actores tensan con estos elementos
de manera lúdica, evidenciando los mecanismos y el carácter representacional
de la puesta en escena, sin que se diluya el dramatismo de la misma.”
En esta obra del prolífico dramaturgo
Édgar Chías, el director DomínguezAzdar intenta llevar parte de la temática
de la transgresión a elementos de la
composición escénica, rompiendo con
aspectos tradicionales de la puesta en
escena y abordando la ficción “con irreverencia”. De esta forma, el personaje
de Dave, nos invitará a reflexionar sobre
nuestra condición como humanos al
confrontarnos con ese ineludible final
que es la muerte. Aspectos relevantes
en nuestro contexto nacional, ya que
como afirma el director, el tema “implica un tema trascendental debido a la
realidad que atraviesa el país, en donde
vida y muerte reconfiguran su proporción como hechos y conceptos”.
CONTACT O:
IVÁN DOMÍNGUEZ
ivan_dominguez [email protected]
83715701
045 818 253 41 86
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TAMAULIPAS
M I É R C O L E S 14 17: 0 0 H O R A S T E A T R O D E L A P A Z D U R A C I Ó N : 8 0 M I N U T O S
Medea.
Antes del viaje
AUTOR Y DIRECTOR:
MEDARDO TREVIÑO
GRUPO: TEQUIO
48
REPARTO:
Autor y Director: Medardo Treviño
Grupo: Tequio
33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
Musicalización: Antonio Rotuno
Escenografía e Iluminación: Sonia Flores
Adaptación de vehículo: Dante Flores
Producción: Grupo Tequio
Sonorización y Tramoya: Ernesto Ibarra
Imagen de cartel y Programa
de mano: Onésimo Gallardo
Diseño de cartel y Programa
de mano: Omar Lustrial
Fotografía y Video: Lisa Gil
La atmósfera en nuestro país
remite a las imágenes oscuras y a la vez
esclarecedoras de los mitos;… Ahora,
en tierras fronterizas, el mito se funde con el
horror cotidiano…
Integrada por mujeres y hombres comprometidos con su entorno y con la
búsqueda de la verdad a través del
teatro, la compañía teatral “Tequio” ha
difundido los pensamientos y deseos
de los habitantes de su región. Originaria del estado de Tamaulipas, actualmente tomado por la violencia, esta
compañía busca en la creación teatral
un “ejercicio de libertad en renovación
constante”.
A lo largo de veinticinco años y bajo la
dirección del reconocido teatrista Medardo Treviño, la compañía ha estado
conformada por más de seiscientos
actores, dramaturgos y directores. En el
contexto de extrema inseguridad en que
se encuentra nuestro país y particularmente el estado de Tamaulipas, “Tequio”
reafirma su compromiso con un teatro
no evasivo ni enajenante, “un teatro verdadero”.
Medea. Antes del viaje retoma la tragedia clásica de Eurípides, adaptándola
al contexto cotidiano de nuestras ciudades. En este escenario, la pasión, la
sangre, el odio y la venganza se muestran como resultado de una absurda
lucha por el poder. “En ese escenario de
violencia: ¿por qué no imaginar a una
Medea contemporánea caminando entre fuegos cruzados? entre balaceras e
incertidumbres, entre el cruce fronterizo
de sangre y fuego.”
En esta propuesta, Medardo Treviño,
miembro del Sistema Nacional de Creadores y creador emérito de Tamaulipas,
nos comparte las pesadillas recurrentes
que confunden el sueño –o más bien la
pesadilla– y la realidad de los pobladores de ese estado en el que el asesinato
masivo de migrantes y las fosas clandestinas se han vuelto la realidad de
todos los días. De acuerdo con Treviño,
en el contexto de desmesura que vive la
frontera norte de México, los ciudadanos: “vemos impotentes la pérdida de
ser libres en los actos más cotidianos
y dormimos en ciudades fantasma que
guardan nuestras cíclicas pesadillas”.
De esta manera, el autor y director de la
obra, incansable generador de proyectos teatrales, nos invita a reflexionar sobre la vulnerabilidad y el miedo provocados por el desamparo y el horror que
invaden todos nuestros viajes, también
los de Medea.
CONTACT O:
MEDARDO TREVIÑO
[email protected]
01 83 43 11 15 00
01 83 43 06 72 31
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DISTRITO FEDERAL
M I É R C O L E S 14 17: 0 0 H O R A S T E A T R O D E L A P A Z D U R A C I Ó N : 8 0 M I N U T O S
Litoral
AUTOR: WAJDI MOUWAD
TRADUCCIÓN:
BORIS SCHOEMANN
DIRECTOR:
HUGO ARREVILLAGA *
COMPAÑÍA: TAPIOCA INN
REPARTO:
Wilfrid: Guillermo Villegas
Director / Caballero Guiromelan: Pedro Mira
Simone / Vendedora / Tía María / Script: Rebeca Trejo
Ismail: Tomás Rojas
Sonidista / Encargada / Tía Francisca / Julia / Mujer del pueblo / esposa de Hakim / Josephine: Alejandra Chacón
Camarógrafo / Hombre en terminal / Tío Miguel / Wazzan / Jamil / Sabbé: Miguel Romero
Iluminador / Carlos / Forense / Tío Emilio / Doctor / Joseph / Padre de Said / Hakim / Amé: Adrián Vázquez
Maquillista / Agente funeraria / Tía Lucía / Mujer del pueblo / Issam / Massí: Sonia Franco **
50
33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
Diseño de escenografía y Utilería: Auda Caraza*** y Atenea Chávez
Diseño de Iluminación: Roberto Paredes
Diseño de vestuario: Lisette Barrios
Música original: Ariel Cavalieri
Musicalización: Hugo Arrevillaga y Ariel Cavalieri
Ilustración: Manuel Monroy
Diseño gráfico: Miguel Durán
Utilería: Auda Caraza y Atenea Chávez
Construcción: Jesús Hernández y Elías Cortés
Realización de vestuario: Carmita Soria y
Uniformes La Naval
Fotografía: Alma Curiel
Producción ejecutiva: Tapioca Inn
Gestión Derechos de autor:
Humberto Pérez Mortera
Asistencia de dirección: Anabel Caballero
Agencia literaria: Simard Denoncourt
Litoral nació de ese deseo, de esa
necesidad de volver a nombrar juntos nuestros
miedos y de volver a encontrar el más pequeño
denominador común de nuestra humanidad…
A partir de 2003, “Tapioca Inn” se inicia como compañía estable integrada
por miembros del Centro Universitario
de Teatro de la UNAM. Bajo la idea de
gestar proyectos y desarrollar una voz
propia como generación, este grupo
iniciará una serie de montajes teatrales –doce hasta la fecha–, los cuales les
han permitido “fortalecer su discurso
artístico a través de lenguajes escénicos contemporáneos y estéticamente
poderosos” todos ellos dirigidos por
Hugo Arrevillaga. Canción para un cumpleaños, Sentido y la tetralogía de Wadji
Mouawad compuesta por Incendios,
Bosques, Cielos y Litoral les han dado la
oportunidad de mostrar un trabajo “que
reflexione en torno a la necesidad del
ser humano por reconstruir su memoria,
replantear su lugar en el mundo, encontrar sus raíces y fortalecer su presente”.
En esta ocasión toca el turno a Litoral
la tercer obra de la tetralogía de Mouawad, representada por “Tapioca Inn”,
una tarea que ha ocupado durante ya
varios años a la compañía. Litoral. Se
trata de una obra que retoma la voz de
las víctimas y los victimarios desde el
interior de la guerra. En esta ocasión,
y siguiendo la temática de Incendios,
el rescate de la memoria, el uso de la
imaginación, y el conocimiento serán
las herramientas para salir de la miseria
y la devastación. En este escenario, la
obra es: “una posibilidad para prenderle fuego a mi propia conciencia y entender mi existencia como un incendio
permanente”.
El trabajo de Mouawad ha cautivado a
esta compañía y a su talentoso director, quien además de la tetralogía ha
trabajo con otros textos de este autor
“libanes de infancia, francés de forma
de pensar y quebequá en su teatro”. De
entre sus trabajos más representativos
se encuentran: Pacamambo, Willy portágoras encerrado en el baño, Ni el sol
ni la muerte pueden mirarse de frente
(como director residente en el montaje de “Mapa-Teatro”) y la más reciente
Sedientos. Es en la dramaturgia de este
multipremiado dramaturgo, que la compañía reconoce “un teatro que nos confronta, que nos emociona y que nos alimenta”. De acuerdo con Arrevillaga, la
dramaturgia de Mouawad: “ha recuperado de la tragedia griega la necesidad
del ser humano por entender su existencia, al confrontarla con su destino, y
ha tomado de Shakespeare su pasión
por la palabra y por la indagación en las
emociones más oscuras del ser humano, creando historias poderosas y necesarias en un mundo contemporáneo”.
Así, en este Litoral encontraremos la
búsqueda de un hombre por encontrar en el pueblo natal de su padre, un
pedazo de tierra en donde sepultarlo.
Una recorrido que lo obligará a vivir la
realidad de otros, “Todo lo demás, en el
fondo, no es más que teatro.”
CONTACT O:
REBEC A ALEJANDRA TREJO
[email protected]
044 55 37 07 31 35
01 55 63 04 09 10
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VERACRUZ
MIÉRCOLES 14 19:00/ 22:00 HORAS TEATRO EL RINOCERONTE EN AMORADO
DURACIÓN: 100 MINUTOS
El siniestro plan
de Vintila Radulezcu
AUTOR Y DIRECTOR:
MARTÍN ZAPATA *
REPARTO:
Mujer: Adriana Duch
Hombre: Manuel Domínguez
*Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte
52
Diseño de iluminación:
Eduardo Mier Hughes
Asistente de iluminación: Niza Rendón
Diseño sonoro: Joaquín López “Chas”
Música: Sleppy lagoon de Harry James;
Tonite, Me i lost you y ZHP de Illy Bleeding
y los robotes trucosos
Entrenamiento corporal: Ernesto Habichayn
Diseño gráfico: Sebastian Kunold,
Manuel Salgado
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Fotografías: Sebastian Kunold, Miguel
Femat, Martín Tadeo Zapata
Producción: Área de Artes de la Universidad
Veracruzana- CONACULTA
Diseño de producción: Blanca Forzán
Asistencia de producción:
Bawixtabay Torres
Jefe de foro: José Sánchez
Promoción: Marta Flores, Daniel Acevedo
Asistencia de dirección: Marisol Osegueda
Una investigación acerca de ciertos hechos
coincidentes que forman un curioso paralelismo
en las vidas de Samuel Beckett y de
Eugene Ionesco.
Basada en una serie de hechos reales
expuestos en el libro El caos y la nada,
de Jonathan MacLean y publicados por
la editorial francesa Gauthier-Dunot,
El caso de Vintila Radulezcu es una
comedia negra que nos adentra en el
mundo de las extrañas y sorprendentes
coincidencias. En esta serie de anécdotas, también integradas por elementos
del teatro del absurdo, conoceremos
el resultado de una intrigante historia
que dio pie al trabajo de investigación
de MacLean realizada bajo el auspicio
de la Universidad de Michigan a partir
de 1997.
La puesta en escena de esta obra
propuesta por el ahora director de la
Facultad de Teatro de la Universidad
Veracruzana, Martín Zapata, se basa
principalmente en la creación del espacio escénico y en el trabajo actoral y
cuenta una historia policiaca, de amor,
suspenso y crimen. Para Martín Zapata,
“los actores son el elemento único en
el verdadero desarrollo de la trama”.
Dentro de esta historia que narra algunos aspectos de la infancia de Eugéne
Ionesco y Samuel Beckett “el realismo
minimalista escénico crea un contrapeso con la ficción fantástica de la obra”.
De esta manera, atraído por la curiosidad entre las coincidencias de los dos
autores del teatro del absurdo, el doctor
MacLean va a develar algunos aspectos
coincidentes que harán de Vintila Redulezcu un personaje enigmático para los
espectadores.
El siniestro plan de Vintila Radulezcu, es
una obra de Zapata, quien a lo largo de
su vasta trayectoria ha recibido premios
y reconocimientos y ha logrado ser publicado en varias editoriales. Dentro de
sus obras, en las que ha sido dramaturgo y director, se cuentan Orquídeas para
un segundo funeral, Los caprichos de la
carne, El dolor debajo del sombrero, El
insólito caso del señor Morton, El misterio de Abel Brockenhaus, Ik dietrick fon,
La cita y Para nosotros el día es eterno,
mismas que le han permitido participar
en festivales, giras y temporadas en
México, Estados Unidos, Guatemala y
Canadá.
De acuerdo con el director, actualmente
miembro del Sistema Nacional de Creadores, en esta propuesta: “Los giros de
la obra atrapan al espectador y lo colocan en situaciones inesperadas que son
soportadas por las actuaciones de los
dos actores”. La inclusión musical de
Illy Bleeding y los Robototes Trucosos
hacen que este ícono de la cultura punk
mexicana de los años 80, logre formar
parte de los personajes de la trama.
CONTACT O:
MAR TÍN ZAPATA
mar tinz apataquiroz @yahoo.com.mx
045 22 81 32 61 83
01 22 88 17 21 34
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DISTRITO FEDERAL
Lo único que necesita
una gran actriz,
es una gran obra
y las ganas de triunfar
(Creación teatral colectiva a partir de
Las Buenas de Genet )
DRAMATURGIA
ORIGINAL Y COLECTIVA:
VACA 35 TEATRO EN GRUPO
DIRECCIÓN:
DAMIÁN CERVANTES *
VACA 35 TEATRO EN GRUPO
REPARTO:
Diana Magallón
Mari Carmen Ruiz
Productor Ejecutivo: José Rafael Flores
*Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte
54
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MARTES 13, 21:00 HORAS
MIÉRCOLES 14, 23:45 HORAS
JUEVES 15, 22:30 HORAS
VIERNES 16, 22:00 HORAS
SÁBADO 17, 19:00 HORAS
ESPACIO ALTERNATIVO
DURACIÓN: 55 MINUTOS
CUPO LIMITADO
Se vincula la teatralidad con la plástica, con la
fonética, con los sonidos; la musicalidad,
en un espacio aprisionado en donde el oxígeno es
escaso, así como el campo emocional y la cortísima distancia nos involucra con el hecho teatral hasta
sus últimas consecuencias.
Tras cinco años de iniciado el proyecto
teatral de “Grupo Vaca 35” y después
de montajes como El loco amor viene
y Casualmente…, el grupo nos presenta
Lo único que necesita una gran actriz,
es una gran obra y las ganas de triunfar.
Esta audaz representación, propuesta
por Damián Cervantes a partir de Las
criadas de Jean Genet, es el resultado
de un laboratorio de creación y un largo
proceso colectivo en la búsqueda de
una dramaturgia que se relaciona de
manera directa con el espectador. De
esta manera, el grupo logra un trabajo
basado en una fuerte convicción en el
desarrollo de los métodos de creación,
dirección y escenificación, como un
proceso inherente al desarrollo de la
persona, encontrando así un compromiso con el quehacer teatral que pueda
llegar a proponer una visión liberadora y
un contacto con la gente.
“El teatro hoy en día tiene como constante la de vivir en el exilio, la de ser
una de esas artes que se mantiene, no
por su vigencia, sino por sus glorias pasadas; es como si se le diera un lugar
por lo que fue y no por lo que llega a
ser”. Bajo esta premisa, “Grupo Vaca
35” propone una muy auténtica versión
de la conocida obra de Genet. Esta vez,
la concepción del espacio, en íntimo
diálogo con las actrices, va a detonar
una relación en la que el espectador
estará inmerso a lo largo de la representación. Aquí se da más importancia
a la construcción de personajes –más
por sus pensamientos y emociones que
por sus palabras y acciones. Presentada inicialmente en un cuarto de servicio
de un edificio en la colonia San Pedro
de los pinos y posteriormente llevada a
un reducido espacio dentro del Teatro
El milagro, esta versión de La criadas,
busca una fundamental cercanía con el
espectador en el donde éste se vuelve
parte del entorno de la ficción. En palabras de Damián Cervantes, director y
actor formado en “Casa del teatro”, la
propuesta: “compacta un espacio y lo
vuelve caótico, funcional y agresivamente íntimo con base en la expresión, lleno
de detalles para que el lenguaje teatral
salga a explorar sus signos”.
Para “Grupo Vaca 35”, esta propuesta
tiene la intención de acercarse a los espectadores, con el fin de experimentar
la escena desde formatos y espacios
alternativos; procurar la interacción con
el público en un espacio que reavive la
experiencia del ritual teatral y en donde
suceda el que “las palabras conviven
con su origen fonético y el imaginario,
por unos instantes, se vuelve realidad,
se vuelve carne, tangible y sucede el
arte del teatro”.
CONTACT O:
DAM IÁN CERVANTES
damiancer [email protected]
044 55 20 05 20 92
01 55 56 43 76 29
www.vaca35teatro.com
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55
VERACRUZ
J U E V E S 1 5 17: 0 0 H O R A S T E A T R O D E L A P A Z D U R A C I Ó N : 9 5 M I N U T O S
El Atentado
DE JORGE IBARGÜENGOITIA
DIRECCIÓN: ENRIQUE SINGER
COMPAÑÍA TITULAR DE
TEATRO DE LA UNIVERSIDAD
VERACRUZANA
56
REPARTO:
Borges: Héctor Moraz
Vidal Sánchez: Félix Lozano
El General Suárez: Carlos Ortega
Su Ayudante /Bolero / Voceador:
Juana María Garza
Un Juez: Rosalinda Ulloa
El Padre Ramírez /Obispo: Hosmé
Israel
La Abadesa: Alba Domínguez
Juan Valdivia: Freddy Palomec
Pepe: Marcos Celis
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Cautela: Karina Meneses
Balgañon / Gabaldón: Raúl Santamaría
Malagón: Jorge Castillo
Agente Secreto: Raúl Pozos
Abogado Defensor: Miriam Cházaro
Abogado acusador: Rogerio Baruch
Bailarina / Mesero: Valeria España
Orador: Luz María Ordiales
Estenógrafa: Faride J. Beyruti
Periodistas / Diputados / Plañideras /
Asistentes al Juicio: El Grupo
Dirección adjunta: Daniela Parra
Asistente de dirección:
Cariño Selene y Marco Rojas
Escenografía: Atenea Chávez y Auda Caraza
Iluminación: Juliana Faesler
Musicalización: Joaquín López “Chas”
Música: Silvestre Revueltas
Vestuario: Estela Fagoaga*
Diseño gráfico: Trigo Verde
Promoción: Laura Andrade
Producción ejecutiva: Yoruba Romero
Asistentes de vestuario: Adriana Pérez
Solís, Gloria Cervantes y Zeneth Domínguez
Sastre: Jesús Lobato
Realizador de vestuario: Israel Ayala
Realización de rotafolio: Carlos Somonte
y Pedro Heredia
Construcción de escenografía: Florentino
Santiago Córdova, Héctor Santiago, Sergio
Córdova Martínez e Irving Josed Zamora
Ochoa, Jorge Alberto Lara Ledezma
Construcción de mobiliario:
Juan Carlos Macías, Aramed Hernández
Herrera y Gregorio Dorantes López
Forrado de butaquería: Ángela Eguía
Apoyo logístico: Pedro Heredia
* Becaria del FONCA Compañía Nacional de Teatro
Después de todo,
montar una obra es la mejor manera de
conocer a un autor.
La “Compañía Titular de Teatro de la
Universidad Veracruzana” es la compañía estable más antigua de nuestro
país. A lo largo de los años, muchas de
las obras canónicas de nuestro teatro
han sido dirigidas en esta institución.
Así, trabajos de directores como Julio
Castillo, Ludwik Margules, Raúl Zermeño, Manuel Montoro, Alberto Lomnitz,
Boris Schoemann, entre muchos otros,
han dado cuenta de la constante y rigurosa labor teatral de esta compañía
afincada en la ciudad de Xalapa.
En esta ocasión, la compañía extendió
una invitación al director y también actor Enrique Singer, quien se propuso llevar a escena El atentado del destacado
literato Jorge Ibargüengoitia. Esta ocasión representó para Singer la oportunidad de montar una obra emblemática
del siglo XX, la cual significó “una doble
transición: por un lado es el momento
en el que México se convierte en el país
que somos (de rural y decimonónico, al
México urbano e institucional) y por otro
lado, coincide con la transición artística
del propio Ibargüengoitia, que a despecho nuestro abandona el teatro y se
convierte en uno de los más importantes prosistas del México de la segunda
parte del siglo pasado”.
La época de oro del cine mexicano sirvió para darle una estética definida a
esta producción de gran formato. Para
ello, la creación de la iluminación a cargo de la destacada Juliana Faesler y la
musicalización de José López Chas, basada en la música que compusiera Silvestre Revueltas para el cine, se unieron
a la propuesta de ausencia de color de
las escenógrafas Atenea Chávez y Auda
Caraza.
La propuesta y adaptación de Enrique
Singer aborda el clásico contemporáneo de Ibargüengoitia desde la ironía,
la cual parte del juicio que se hace a
Pepe (León Tora) y la Abadesa (la madre
Conchita) para recapitular el asesinato
del general Borges (Álvaro Obregón).
Esta aproximación es el resultado de
un análisis histórico sobre una de las
obras de mayor madurez creativa del
autor. Esta puesta en escena de la obra
recurre a un marcaje y estilo de actuación con una buena dosis de humor
para narrar la evolución de la sociedad
mexicana del siglo XX. En esta obra, nos
advierte Singer: “Cualquier semejanza
con la realidad, no es mera casualidad,
sino una vergüenza nacional.”
CONTACT O:
YORUBA ROMERO
producció[email protected]
044 22 89 88 41 46
01 22 88 18 38 16
www.organiz acionteatral.com.mx
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DISTRITO FEDERAL
JUEVES 15 19:00 HORAS CENTRO CULTURAL UNIVERSITARIO BICENTENARIO
DURACIÓN: 90 MINUTOS
El rumor
del incendio
CREACIÓN DE COMPAÑÍA
LAGARTIJAS TIRADAS AL SOL
REPARTO:
Luisa Pardo
Francisco Barreiro
Gabino Rodríguez
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Diseño e investigación: Juan Leduc
Video: Yulene Olaizola
Iluminación: Marcela Flores y
Juan Pablo Avendaño
Dirección técnica: Marcela Flores
Asistente general: Mariana Villegas
Video en giras: Carlos Gamboa
Maquetas: Francisco Barreiro
Actores en video: Harold Torres,
César Ríos y Mariana Villegas
Asesoría técnica en video: Emiliano Leyva
Coordinación general de texto:
Luisa Pardo y Gabino Rodríguez
Producción: Dirección de Teatro de la Universidad Nacional Autónoma de México en
colaboración con Lagartijas tiradas al sol.
La ficción no es una sustancia,
es un contexto, un marco de
interpretación.
Para entender el presente hay que recurrir a la Historia. Los grupos armados
que se conformaron en nuestro país a lo
largo de las décadas de los años 60 y
70 se pueden contar por decenas. Dentro de esa gran diversidad de grupos
subversivos, se distinguen los rurales
de los urbanos. Los primeros respondieron a situaciones graves dentro de su
contexto de origen, mientras que los segundos buscaban una transformación
general del estado de cosas en un país
lleno de desigualdad e injusticia social.
Las muertes violentas, las desapariciones forzadas que se dieron por miles,
marcaron el escenario en el que la disidencia era el único camino para lograr
un cambio.
Es sobre ese momento histórico que
el colectivo “Lagartijas Tiradas al Sol”
llama nuestra atención. Su propuesta
escénica ofrece una mirada crítica, analítica y sobre todo bien documentada,
sobre los acontecimientos guerrilleros
de aquellos años, episodios de nuestra
historia contemporánea que no dejan
de lastimarnos como sociedad y como
nación. En esta ocasión, Luisa Pardo y
Gabino Rodríguez se han dado a la tarea de desarrollar La rebeldía, proyecto
de largo aliento que desde su título nos
invita a formar parte de la reflexión y a
preguntarnos sobre la pertinencia de
hacer memoria y cuestionarnos sobre
el contexto nacional actual. Dividido en
tres partes, este proyecto se conforma
de El rumor del oleaje, blog que contiene la investigación documental de los
movimientos armados en México durante la segunda mitad del siglo pasado, El
rumor del momento, libro que reúne las
voces de 35 personas implicadas con
esta temática y, finalmente, El rumor del
incendio (2010), documental escénico
que expone los resultados de la investigación elaborada centrada en la vida
de Margarita Urías.
El rumor del incendio nos muestra la
capacidad que tiene la realidad de rebasar a la ficción, al hacer visible una
narración sobre acontecimientos de
personas que conformaron algunos de
los grupos disidentes de la época, una
serie de acontecimientos que en lugar
de ser literarios son literales. De esta
manera, la distinción que se da comúnmente entre ficción y documental
es rebasada y tomada como insustancial y falsa. Para los integrantes de la
compañía: “El documental es un relato,
una construcción narrativa que cumple
(en su inmensa mayoría) con todas las
características de la ficción: invención,
parcialidad, fábula, narrador, personajes, tiempo, espacio, etc.”
Así, esta muy pertinente propuesta escénica plantea una serie de preguntas
que intentan encontrar un eco en los
espectadores y cumplir con la necesaria tarea de reflexión, al posar la mirada
sobre nuestra época en el contexto de
las anteriores, ya que: “Nos sentimos
inmersos en una profunda desazón. Enfermos. En un país en el que nos hemos
vuelto insensibles a la desigualdad y a
nuestro parecer incapaces de configurar proyectos políticos portadores de
esperanza.” En consecuencia, El rumor
del incendio pretende ser una invitación
al espectador para aventurar algunas
ideas sobre nuestro futuro cercano.
CONTACT O:
G AB I NO RODRÍ GU EZ
lagar tijastiradasals [email protected]
044 55 16 91 73 51
01 55 54 21 70 15
lagartijastiradasalsol.blogspot.mx
33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
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VERACRUZ
JUEVES 15 19:00 HORAS CENTRO CULTURAL UNIVERSITARIO BICENTENARIO
DURACIÓN: 90 MINUTOS
Fractales
DE ALEJANDRO RICAÑO
DIRECCIÓN: ADRIÁN VÁZQUEZ
COMPAÑÍA:
LOS TRISTES TIGRES Y LOS
GUGGENHEIM COLECTIVO
TEATRAL
REPARTO:
Ana: Ana Lucía Ramírez
Ana II, Cecilia, Mamá de Ana,
Jesús el gordo, Chica del Casting:
Guiedana López
Ana III, Yesica, Mama de Cecilia, Papá
de Ana, Jesús el contador, El tipo del
Casting, Campos: Esther “Tete” Espinoza / Estefanía Ahumada
60
Diseño de vestuario: Lisette Barrios
Diseño de escenografía e Iluminación:
Adrián Vázquez
Realización de escenografía:
Hojalatería Vago
Diseño gráfico:
COPO Diseño / Nancy Angulo
Fotografía: Amayrani López
Asistente de dirección: Álvaro Zúñiga
Producción:
INBA, Coordinación Nacional de Teatro,
Los Tristes Tigres y Los Guggenheim
33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
CANCIONES:
Flume - Bon Iver
Langdans Efter - David Lamb/The Kronos Quartet
Crazy - Aerosmith
My first, my last, my everything - Barry White
Beach Baby - Bon Iver
Skinny Love - Bon Iver
Where were you - Parachutes
Sweet Disposition - The temper trap
Zingaro - Rene Aubry
El teatro ha sido para mí
un lugar menos brutal
para expresar mis
emociones.
A partir del año 2005, la compañía de
teatro “Los Tristes Tigres”, se ha dado a
la tarea de crear espectáculos en los
que se utilizan los talentos del actor con
un mínimo de recursos escenotécnicos.
Años más tarde (2009), este grupo se
unió a la compañía de teatro “La talacha” y a la “Compañía Teatro Joven” con
el fin de conformar el colectivo teatral
“Los Guggenheim”, nombre que nace
de la creación de la obra Más pequeños
que el Guggenheim del mismo autor.
En esta ocasión, “Los Tristes Tigres” y
“Los Guggenheim colectivo teatral”, nos
presentan Fractales, obra de Alejandro
Ricaño ganadora del Premio Nacional
de Dramaturgia Víctor Hugo Rascón
Banda 2012. El concepto de la puesta
en escena está basado en una “estética de la pulcritud” que apuesta a una
iluminación depurada y a una limpieza
escénica que se conforma, de acuerdo
con el colectivo, por una “limpieza de
trazo, limpieza de gestualidad actoral
y limpieza en los recursos escenotécnicos”. A esto, se une la sutileza estilística en el diseño del vestuario, para
lograr una propuesta equilibrada entre
forma y contenido. Debido a que el tipo
de actuación tiene un fuerte énfasis en
técnicas del “Teatro del cuerpo”, se ha
integrado a personas con un entrenamiento de este tipo. Así, las tres actrices
del elenco nos transportan con pocos
recursos escenográficos a un sin fin de
lugares propuestos por el autor.
Partiendo de una trama sencilla y utilizando los medios inherentes del actor:
como son la voz, el cuerpo y la imaginación, Fractales nos dará cuenta de
la historia de una mujer que sueña con
aparecer en una película de Alejandro
González Iñárritu, y quien nos advierte
que “Cualquier parecido de esta historia
con la realidad, es mera coincidencia.
Especialmente con mis ex novios. Hijos
de puta”.
Fractales se suma a una larga lista de
obras dirigidas por Adrián Vázquez, de
entre las cuales mencionamos El hijo de
mi padre, Los emperadores, Fragmentos
del llano, Juegos de la psique y Los últimos días de Cesar Rubio. En esta obra,
nos advierte Alejandro Ricaño, “uno
puede hacer como que no es uno” pero
si miramos más de cerca nos daremos
cuenta que esta es la historia de todos
los que forman parte de ella. “Porque
todos somos fractales, repitiéndonos y
repitiéndonos. Y el teatro es ese lugar
donde uno puede expresar lo que siente, exactamente como lo siente, con la
esperanza de que la gente no descubra
que se trata de nosotros.”
CONTACT O:
ADRIÁN VÁZQUEZ
[email protected]
045 22 81 50 66 45
33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
61
DISTRITO FEDERAL
J U E V E S 15 , 2 2 : 3 0 H O R A S V I E R N E S 16 , 2 2 : 0 0 H O R A S S Á B A D O 17 , 19 : 0 0 H O R A S
CENTRO DE LAS ARTES DE SAN LUIS POTOSÍ CENTENARIO
D U R A C I Ó N : 6 0 M I N U T O S C U P O L I M I TA D O
Ternura suite
DE ÉDGAR CHÍAS
DIRECCIÓN:
RICHARD VIQUEIRA
GRUPO: DRAMATURGOS
MEXICANOS Y KRAKEN TEATRO
62
REPARTO:
Anfitrión: Beatriz Luna
Visitante: Emmanuel Morales
33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
Adecuación de espacio escénico
e Iluminación: Jesús Hernández
Producción ejecutiva: Beatriz Luna
Asistencia de producción: Mónica Perea
Asistencia de iluminación: Ismael Carrasco
Dame una esquina y yo te daré un suceso,
un casi teatro. Dame una esquina para
que podemos tejer drama como lo haría
la araña.
En esta ocasión “Dramaturgos mexicanos” y “Kraken Teatro” se unen para
representar el texto de Édgar Chías Ternura Suite, bajo la dirección y visión de
Richard Viqueira. En esta historia se necesitan dos sobre la escena y un tercero
que observe la acción que se desarrolla
en una esquina, en un rincón, ya que “es
en los rincones en donde se apila la basura”, de esta manera, la acción de tejer
la trama, se desarrolla poco a poco.
Ternura Suite es, según sus creadores,
una historia triste, como todas las historias de amor entre extraños, en donde
“todo acaba –ya se sabe–, cuando se
trata de amor, en soledad y violencia
–con un poco de pornografía.” En palabras del dramaturgo y actor Antonio
Zúñiga: “sólo se necesitan dos para
armar una fiesta; aquí tenemos un Anfitrión y su Visitante que nos esperan
para que, a través de su mirada convergente y divergente, disfrutemos su
distante cercanía, su poderosa podredumbre amorosa y su fatal condición
humana, para que podamos observar,
en ese mirador teatral, la contundencia
de lo viejo nuevo y tocar de nuevo lo
intocable”.
En esta obra de Édgar Chías, el espectador podrá constatar –como afirma Zúñiga– que, como si se tratara de un imperativo categórico: en este mundo bastan
dos viviendo juntos, para hacerse la
vida imposible. Después de una polémica temporada en el sótano del teatro
Julio Castillo de la ciudad de México, la
propuesta, de Viqueira se presenta en
esta XXXIII Muestra Nacional de Teatro
y será el espectador quien tendrá la última palabra sobre esta: “historia triste,
de corazones rotos y cuerpos despedazados. Es pornografía dura, casi tierna,
casi real”.
CONTACT O:
BEAT RIZ DOL ORES LUN A T ORRES
maraz [email protected]
57 71 59 39
044 55 20 36 66 80
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DISTRITO FEDERAL
V I E R N E S 16 , 2 2 : 0 0 H O R A S A U L A C A J A N E G R A D E L A U N I V E R S I D A D A U T Ó N O M A D E S A N
L U I S P O T O S Í ( U A S L P ) D U R A C I Ó N : 10 0 M I N U T O S C U P O L I M I TA D O
La pequeña habitación
al final de la escalera
DE CAROLE FRÉCHETTE
DIRECCIÓN:
MAURICIO GARCÍA LOZANO *
COMPAÑÍA:
TEATRO DEL FARFULLERO
* Miembro del Sistema Nacional de Creadores
** Creador Escénico con trayectoria 2010 -2013
64
REPARTO:
Gracia: Karina Gidi **
Jocelyne: Verónica Langer
Enrique: Carlos Corona*
Jenny: Gabriela Pérez Negrete
Ana: Aileen Hurtado
Guitarra en vivo: Carlos Larrauri
o Raúl Zambrano
Diseño de escenografía: Jorge Ballina *
Diseño de iluminación: Víctor Zapatero*
Diseño de vestuario: Jerildy Bosch
Música original: Raúl Zambrano
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Producción ejecutiva y
Asistente de dirección: Vania Sauer
Asistente de producción: Ilitia Sauer
Peinados y Maquillaje: Mario Zarazua y
Maricela Estrada
Realización de escenografía: Alberto
Orozco, Román Güitrón González, José
Rubio, Omar Figueroa, Miguel Ángel Solís,
Juan Solís
Instalación eléctrica plataforma:
Tomás Cabello, Raúl Mendoza Noriega,
René Vargas Lecona
Realización de vestuario:
Israel Ayala y Jorge Lobato
Calzado: Francisco Piña
Se trata de una puesta en escena muy esencial,
minimalista y basada, como ya es costumbre en
nuestra compañía, en el poder interpretativo
del actor y en la potencia del texto…
A partir de 1998 y hasta la fecha, la
compañía de creación “Teatro del Farfullero” ha logrado realizar trece montajes,
de entre los cuales mencionamos Unos
cuantos piquetitos, Touché o la erótica
del combate, La Ilusión y Las relaciones
sexuales de Shakespeare y Marlowe.
Bajo la dirección de Mauricio García Lozano, quien ha realizado un destacado
trabajo sobre la dramaturgia contemporánea, la compañía ha logrado presentarse en los principales festivales de
nuestro país y Europa.
La pequeña habitación al final de la
escalera de Carole Fréchette, es el décimo tercer montaje de la compañía. Fue
estrenada en el XXXIV FIC en octubre
del 2011 y coproducida por el INBA,
FIC, Centro Cultural Helénico (programa
México en Escena, Cenart, Fonca), el
Consejo de Artes de Canadá y Teatro del
Farfullero. Para García Lozano quien ha
realizado varias traducciones del inglés,
italiano y francés, llevar a la escena a
una de las voces francófonas contemporáneas más influyentes, nos arroja
a una reflexión profunda y necesaria:
“¿porqué nos duele el mundo?”.
Para el director, actor, traductor, diseñador sonoro y docente teatral, la autora
quebequá, nos pone frente a esa puerta
y nos abre un viaje hacia lo inexplicable en el que se plantean varias preguntas como saber si...: “¿Es posible
que la pregunta sea, en sí misma, una
respuesta?” En esta obra, el personaje
de Gracia, es encarnado por la magnífica actriz Karina Gidi, quien –como nos
cuenta García Lozano–, al leer y tratar
de explicar la obra, surgía: “una cascada de frases llenas de emoción y de
belleza, pero carentes por completo de
sentido. Al darse cuenta de su imposibilidad para explicarse, rompió en llanto.
En ese momento supe exactamente de
qué trataba la obra”.
Inspirada en el cuento de Barba Azul de
Charles Perrault, Fréchette nos dice que
al final de un pasillo estrecho, frente a
una habitación cerrada, encontraremos
a Gracia, personaje con el que la autora
quisiera permanecer por toda la eternidad “en un momento de suspensión”.
¿Qué es eso que habita en la oscuridad
de la habitación? Una pregunta que
García Lozano, el brillante joven director
de teatro (reconocido así por la revista
inglesa Ópera Now) y el teatro del Farfullero nos invitan a descubrir.
CONTACT O:
[email protected]
044 55 43 71 99 93
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SAN LUIS POTOSÍ
V I E R N E S 16 , 17: 0 0 Y 19 : 3 0 H O R A S A S O C I A C I Ó N T E AT R A L “ L A C A R R I L L A” , A . C .
D U R A C I Ó N : 5 0 M I N U T O S C U P O L I M I TA D O
Karkinos
DE XÉSAR TENA
CODIRECCIÓN:
MARCEL MARDEL E
ILIANA ANAÍS
GRUPO: PROYECTO KARKINOS
REPARTO:
María: Blanca Cervantes
Roberto: Francisco Morán
Ana: Sandra Aguilar
Aldo: Antonio Winder
66
Producción ejecutiva y Gestión:
Eloísa Zapata
Asistente de producción y Gestión:
Fernando Cárdenas Herrera
Diseño escenográfico:
Arnoldo Picasso
Escenografía: Ram Aranda
Diseño y Comunicación Gráfica:
Cynthia Vélez
Diseño de vestuario:
Mariana G. Aguirre “Almendrha”
Confección de vestuario: Eva Rodríguez
Música: Noé Castro “Monini”
Iluminación: Mariana G. Aguirre
“Almendrha”
Voz en Off: Iliana Anaís / Eloísa Zapata
33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
EXPOSICIÓN:
(IN) certidumbres del cáncer
Impartieron taller: Sofía Córdova,
Aarón Cadena
Sede y Colaboración:
Centro Cultural el Faro
Expositoras: Elizabeth Alfaro, Berenice Carranco, Yadira de la Torre, Julieta González, Norma Juárez, María del
Carmen Navarro y Liliana Rodríguez.
Registro Audiovisual:
Lumen Flujo Cultural:
Rebeca Colunga, Jesús Compean,
Juan José Campos
Karkinos surge de la necesidad de contar
sobre una realidad latente en miles de
personas: el cáncer, abordándolo no sólo
como enfermedad, sino como una forma
de vida que puede palparse sentirse,
coexistirse…
La obra teatral Karkinos, producto del
trabajo de Marcel MarDel e Iliana Anaís
y apoyado por el FECA 2012, es un proyecto que se desarrolla a partir del deseo por mostrar en escena una problemática vital como lo es el padecimiento
del cáncer. De esta manera, todos los
implicados en este valioso esfuerzo
se dan a la tarea de hacerle frente a
una enfermedad que representa la primera causa de muerte en nuestro país
(principalmente el cáncer de mama, el
cervicouterino y la Leucemia), misma
que de ser detectada a tiempo, puede
ser combatida y disminuida en un alto
porcentaje.
Nos cuenta la mitología griega que durante la lucha de Heracles contra Hidra,
la diosa Hera mandó a Carcinos (o Cáncer, un cangrejo gigante que habitaba
en la laguna de Lerna), para ayudar a
exterminar a Heracles (Hércules en la
versión romana), hijo bastardo de su esposo Zeus. Sin embargo, en esta tarea
que formó parte de los trabajos realizados por el héroe y después de haberlo
picado en el pie, Heracles eliminó al
monstruo sin problemas. Hera, en recompensa por los servicio del crustáceo
Carcinos, a través de un acto denominado catasterismo (colocar entre las estrellas), lo convirtió en una constelación
que ahora conocemos como Cáncer y
que forma parte del Zodiaco.
Inspirada en esta narración mitológica
y enfocada en la problemática causada por esa enfermedad, la obra teatral
Karkinos configura una propuesta escénica que: “es la suma de todos los que
orbitan este proyecto, que está ahí para
ser desafiada, para ganarle la lucha, e
incluso, hasta para compartirse; pero
en el peor de los casos para padecerse”. De esta manera, el joven creador
recientemente fallecido Marcel Martínez
Delgado y la codirectora de la puesta en
escena de la obra Iliana Anaís, apuestan por el lenguaje del arte para dar voz
a una discriminación “provocada por la
poca comprensión de una sociedad sin
empatía”.
En esta puesta en escena conoceremos, a manera de legado, el trabajo
de Marcel MarDel, a quien le fuera dedicado el pasado Encuentro Estatal de
Teatro, originado desde una auténtica
preocupación por dar a conocer la problemática del cáncer. Un intento que,
desde la creación escénica y el esfuerzo
compartido, nos muestra una forma de
enfrentar la realidad de un mal que se
desarrolla en: “una órbita llamada Karkinos”, iluminada por “cuatro latentes y
titilantes formas de deseo” que le otorgan un brillo propio, a este ya ausente
joven creador.
CONTACT O:
ELOIS A ZAPATA
[email protected]
044 40 00 46 15
81 76 103
83 35 061
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67
Muestra en
cuatro
actos
M4A
68
33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
Este programa se compone de los cuatro espectáculos
que a continuación se enlistan y que compartirán el mismo espacio,
con un breve intermedio entre uno y otro.
La duración total del programa se encuentra alrededor de las seis horas.
El cupo es limitado y el público podrá presenciar las 4 propuestas
si así lo desea; cuando un espectador decida abandonar la sala,
podrá entonces ceder su lugar a otro.
V I E R N E S 16
21 H O R A S
C E N T R O D E D I F U S I Ó N C U LT U R A L
“ R A Ú L G A M B O A” D E L I . P. B . A .
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DISTRITO FEDERAL
DURACIÓN: 90 MINUTOS
Fragmentos de un
discurso express
(BASADA EN EL FILM CHUNGKING EXPRESS DE WONG KAR WAI)
DRAMATURGIA Y DIRECCIÓN: LAURA URIBE
COMPAÑÍA: TEATRO EN CÓDIGO
REPARTO:
May aeromoza, May california,
Rubia: Marianella Villa *
He-Quiwu: Juan Carrillo **
Asistente de dirección: Myrna Moguel
Iluminación: Martha Benítez
Espacio escénico: Tenzing Ortega
Asesoría en vestuario: Mario Marín
Asistente de iluminación y
Espacio escénico: Daniel Pichardo
Diseño Musical: Laura Uribe
Escenofonía: Xicoténcatl Reyes
Diseño Gráfico: Giancarlo Tinoco
Producción ejecutiva: Adela Luna
Producción general: Teatro en Código
* Becaria del programa creadores escénicos FONCA 2011-2012
** Becario del programa jóvenes creadores FONCA 2011-2012
70
33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
¿Existe algo en el
mundo que no caduque?
Formada en 2007, la compañía “Teatro
en código” es un espacio de creación,
investigación y formación; compañía
residente en México y conformada por
las artistas escénicas: Laura Uribe, Marianella Villa y Myrna Moguel. El proyecto de esta compañía forma parte de
la “Entidad La Casa Amarilla”, la cual
tiene como objetivo consolidar un punto de encuentro para la resignificación
escénica, buscando nuevos códigos de
acción.
Bajo la dirección de Laura Uribe y basada en la película Chungking Express de
Wong Kar Wai, Fragmentos de un discurso express encuentra una fuerte influencia en los Fragmentos de un discurso
amoroso, escritos por Roland Barthes.
De esta manera, la obra presentada por
“Teatro en código” explora las relaciones entre dos “sujetos amorosos”, cuyos tránsitos y las múltiples situaciones
en las que son colocados los amantes,
irán estructurando los fragmentos de
un discurso que en este caso se vuelve
Express.
Esta obra ganadora del primer lugar a la mejor obra dentro del Festival Nacional e
Internacional de Teatro Universitario de la UNAM en el 2011, muestra la complejidad de relacionarse con el otro. Así, el espectador será testigo de cómo He-Quiwu,
“un ser que está enamorado del amor, se refugia en la evasión de su soledad
intentando encontrar a ese amor perdido en el rostro de cualquier otra mujer, una
y otra vez”.
De acuerdo con Adela Luna, esta propuesta nos hace “recordar el descubrimiento
del amor primero, del “Sí”, que nos cegó, ese que seguimos lánguidamente sin
cuestionar, el devenir de nuestras manías en este territorio sentimental, el fracaso
del lenguaje al querer nombrar el deseo que se encuentra, la más de las veces,
accidentalmente, en la rara forma hereditaria de su oreja, en sus dientes pronunciados, en su cabello rizado que se recarga en el hombro… Nos hace cuestionar
la idea de unión total que nos empeñamos en buscar o siquiera seguir soñando.”
En esta ocasión, la talentosa creadora Laura Uribe, quien ha podido abordar la
técnica de teatro físico con Eugenio Barba, Julia Varley y Roberta Carreri miembros
del “Odin Teatret” (Dinamarca), nos comparte una obra en la que los fragmentos de
un discurso amoroso se muestran de manera express.
CONTACT O:
LAURA URIBE
l auenat@hotmai l .com
0 4 4 55 20 66 59 6 4
01 55 49 76 57
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71
DISTRITO FEDERAL
DURACIÓN: 70 MINUTOS
Taladro
AUTOR Y DIRECTOR: JOSÉ ALBERTO GALLARDO*
GRUPO: TEATRO DE LA BREVEDAD
REPARTO:
Él: Damián Cordero
Dion: Dionisia Fandiño
Coreografía: Dionisia Fandiño
Diseño de Iluminación: Margarita Garrido
Espacio: José Alberto Gallardo*
Producción: Alejandra Lemus
*Becario FONCA, Jóvenes Creadores 2011-2012
72
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Taladro es una experiencia tremendamente
viva, donde
las sensaciones encerradas en la
realidad, son amplificadas mediante la
yuxtaposición de acciones y lenguajes sobre
el escenario.
Tras cinco años de trabajo como “La
peste teatro”, el grupo “Teatro de la brevedad” se funda en 2007 con la puesta
en escena Breve silbido desde el exilio.
Con más de seis puestas en escena,
el grupo de profesionales de las artes
escénicas que se congregan en esta
compañía, logran conjuntar temáticas y
fines estéticos comunes.
Las líneas temáticas que desarrollan
son: La dramaturgia de fragmentación,
El actor desprovisto de artificios, La
noción de que los actores y espectadores comparten el mismo espacio y
tiempo, La búsqueda del instante por
sobre el gran relato, La búsqueda en la
conjunción de lenguajes diversos y la
Potencialización de la relación con los
espectadores.
La obra Taladro es un montaje escrito y
dirigido por José Alberto Gallardo (Becario por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes en el programa Jóvenes
Creadores 2011-2012), quien a lo largo
de su carrera ha escrito alrededor de trece obras, de entre las cuales ha llevado
a escena No Othello, Los últimos días y Peste de Circo para un Payaso. En este
trabajo, Gallardo nos ofrece un espectáculo que se vive “a través de, al menos, tres
lenguajes: el radiofónico –un radioshow en vivo, transmitido en vivo a través de la
web–, el coreográfico –metáforas de movimiento irrumpen la realidad– y el teatral
–compuesto de acciones concatenadas dispuestas a potenciar los instantes.”
Es así como a partir de estos lenguajes, el espectador conocerá la historia de un
hombre que refugiado en un bunker transmite un radio show por Internet, un programa de radio que dará cuenta de una despedida no consumada. Así, Gallardo
nos adentra a un espacio en el que “se materializan entonces, fragmentos, escombros de lo que un día lo fue todo en su vida, lo que un día fue su vida, la vida de
ellos, quienes se han amado: instantes que van desde esa felicidad que se previó
duradera…”
CONTACT O:
JOSÉ ALB ER T O G ALLARDO
t e a t r o d e lh o m b r e b r e v e @gmail.com
0 4 4 5 5 27 2 8 6 3 17
01 55 50 51 74
ww w.elt eat r odelabr e vedad.bl ogs pot.mx
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DISTRITO FEDERAL
DURACIÓN: 76 MINUTOS
Esto no es
Romeo y Julieta
CREACIÓN: LUNA AVANTE
COMPAÑÍA: LUNA AVANTE
REPARTO:
Antonio Salinas
Diana Fidelia
Marianella Villa
Micaela Gramajo
Bernardo Gamboa
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Productora:
Isis García
Documentalista y Fotografía:
Getsemaní Barajas
Diseño gráfico:
Sergio Santiago Madariaga
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Julieta está muerta, pero si respiras lo
suficientemente fuerte podrías sentir su olor.
Romeo también está muerto y esto
no es Verona. Es aquí. Y aquí el enamoramiento y
la ficción se parecen.
Fundado en 2001, y con el objetivo de
realizar proyectos que integren la teoría
y la práctica escénica, “Luna Avante” es
una de las compañías que discurren sobre el trabajo y la dramaturgia del actor
concretando sus investigaciones en la
producción y presentación de un espectáculo. A lo largo de estos ya once años,
“Luna Avante” ha logrado presentar
trabajos como El mercader de Venecia,
Zootanos, Cero p. m. y Camino. Con estos trabajos, y gracias a diversos apoyos
institucionales, el grupo ha logrado presentar una serie de propuestas “tangenciales a las tendencias teatrales hegemónicas o de moda”. Conformada por
destacados intérpretes, investigadores
escénicos, directores y dramaturgos, el
grupo se ha mantenido siempre atento
a diversas temáticas que han sido exploradas a lo largo de cada una de sus
aproximaciones escénicas.
En esta ocasión, el grupo nos presenta
un trabajo en el que el espíritu de W.
Shakespeare flota en el aire y condicio-
na parte de la estructura del juego escénico. En este escenario, Julieta y Romeo
están muertos y sólo queda el turno a cinco personas de accionar y diseccionar,
con voluntad confesional, el sentido del enamoramiento. En este juego enmarcado
por un círculo de tiza, la ficción se irá confundiendo con la realidad para encontrar un hilo que nos remite al conflicto de los enamorados de Verona. Si esto no
es Romeo y Julieta, entonces ¿qué es? En palabras de los creadores, “esto es la
representación de la deconstrucción de conceptos alrededor del amor y la ficción”.
¿Cuánto dura una mentira bien hecha? ¿Cuánto dura un dibujo de gis en el piso?
Preguntas recurrentes en esta propuesta en la que el espectador, como en una
fiesta, forma parte de las complicidades que en el desarrollo de la obra se van
entretejiendo y de las cuales, debido a la cercanía espacial, no podrá permanecer
anónimo e indiferente. En este juego que se juega en presente, los amantes de
Verona darán paso a otras posibilidades que las cinco personas- jugadores, dentro
y fuera del círculo, tienen que relacionarse con sus pasiones amorosas. Ya que: “Es
aquí donde la condición del actor y del amante se simbiotizan construyendo paradojas ingeniosas que confundirán a los jugadores –actores -amantes.”
CONTACT O:
BERN ARDO G AMBOA
ber nar dogasu@ yahoo.com.mx
0 4 4 5 5 51 9 5 8 0 0 6
01 55 5 4 40 39 26
ht t p: //lunaavant e.blogspot.mx /
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PUEBLA
DURACIÓN: 55 MINUTOS
¿Encontró
lo que buscaba?
(PARTITURA COTIDIANA A UNA SOLA NO VOZ)
AUTOR Y DIRECTOR: DANIEL HILARIO CAMACHO
COMPAÑÍA: SOLILOQUIOS A ESCENA
REPARTO:
Ella: Edith Pérez Soto
76
Dirección, Diseño de espacio escénico
e Iluminación: Daniel Hilario Camacho
33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
Renunciamos a la palabra hablada. La partitura
transcurre casi en el silencio; y es justamente a
través de este silencio que puede surgir una
oportunidad. Una oportunidad de descolocar
la mirada, de descontextualizar “nuestra percepción”
momentáneamente.
Desarrollado en la ciudad de Puebla,
el proyecto Soliloquios A ESCENA, promueve el diálogo e intercambio entre
jóvenes creadores escénicos. A partir
de la convergencia de estos creadores
con actividad autónoma, se integran a
la experiencia que gracias a la continuidad logran formular planteamientos
eficaces para los procesos creativos. En
este proyecto, la idea de Taller se entiende como una metodología en constante
re-construcción. De esta forma, los integrantes de este proyecto posibilitan un
espacio de análisis crítico que les permite reflexionar en torno a sus prácticas
teatrales.
Bajo la premisa de re-construcción, el
trabajo de Daniel Hilario Camacho busca que el espectador tenga un proceso de re-construcción paralelo al de la
actriz-persona que interpreta una partitura en la que la repetición es parte
del juego escénico y a partir de la cual,
el espectador podrá intuir las posibles
evoluciones de la acción. La ausencia
de la palabra es parte fundamental de esta propuesta, ya que es en el silencio que
el espectador podrá construir sus diálogos.
Becario del programa Prácticas de vuelo 2011, desarrollado en la ciudad de Oaxaca, Camacho nos presenta una propuesta que ha venido desarrollando en colaboración con la actriz desde hace un par de años. Ha sido en este periodo en el
que el joven director ha podido formular preguntas en torno a su quehacer teatral.
“Preguntas que intentamos responder en la praxis: durante el encuentro cuerpo a
cuerpo (entre los que asisten, la actriz y los espectadores) mismo que se consuma
y se consume en tiempo presente.”
En esta partitura repetitiva el espectador podrá configurar su propio diálogo y saber
si ¿Encontró lo que buscaba? ante un juego escénico en el que la actriz-persona
transita: “entre el despertar y el desayuno; entre el desayuno y el espejo; entre
el espejo y la indecisión, entre la indecisión y la fantasía; entre la fantasía y la
televisión; entre la televisión y el sueño; entre el sueño y lo real; entre lo real y la
búsqueda; entre la búsqueda y la repetición; entre la repetición y el sueño, entre
el sueño y la vigilia…”
CONTACT O:
Daniel Hilar io Cam ac ho
0 4 4 2 2 2 3 71 6 4 01
01 22 22 35 17 56
daniloquio7.0@hot m ail.com
33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
77
DISTRITO FEDERAL / CANADÁ
S Á B A D O 17, 1 2 : 0 0 H O R A S C I N E T E A T R O C A R L O S A M A D O R D U R A C I Ó N : 5 0 M I N U T O S
Berrinche
AUTORA Y DIRECTORA:
HÈLÉNE DUCHARME
COMPAÑÍA:
FIGURAT / TEATRO MOTUS
REPARTO:
La Mamá: Lizeth Rondero
Ami: Sergio Bátiz
Música original: Omar Guzmán
Productor ejecutivo: Felipe de J. Huerta Z.
Asistente de dirección: Felipe Rodríguez
Traductor: Humberto Pérez Mortera
Realización de títeres: Claude Rodríguez
Asistente de realización:
Mar y Sol Rodríguez / Astillero Teatro
Realización de escenografía
y Utilería: Astillero Teatro
Diseño de escenografía:
Marc-André Coulombe
Pintura escénica: Cenobia Cervantes
Iluminación: Michelsaint-Amand
Sami: Paola Huitrón
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33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
Diseño de vestuario: Mar y Sol Rodríguez
Títeres de sombra: Jean Cummings
Adaptación literaria de la canción final:
Ramón De La Cruz
Construcción del teatrino de sombras:
Arsenio Cruz Bobadilla
En el teatro, la necesidad por encontrar
un lenguaje artístico personal,
un código para comunicarnos,
nos conduce irremediablemente
por el camino de la experimentación
y el riesgo.
Dedicada a la producción de espectáculos teatrales de diversos estilos
(como marionetas, teatro de sombras,
cabaret y teatro de calle) y a producir
festivales, libros y música, FiguraT S.
C. es una empresa que ofrece información artística inicial y especializada
de alto nivel. Esta empresa dirigida por
Emmanuel Márquez se une en 2001 a
Théâtre Motus, compañía quebequense
fundada por Hélène Ducharme, presidente de la Asociación Quebequense de
Marionetistas (AQM) y Sylvain Massé,
para producir Berrinche. Théâtre Motus
se concentra principalmente en la creación de espectáculos para público joven
que unen el arte titeril con la actuación,
el teatro de sombras y la música. Esta
compañía ha logrado presentarse en
distintos países como Francia, España,
Grecia, Mali y ha desarrollado proyectos bajo la modalidad de Residencia de
creación en colaboración constante con
importantes teatros como el Théâtre de
la Ville en París.
Berrinche es el resultado de una colaboración entre creativos y actores
México-canadienses y se presenta en
dos versiones: español e inglés (Tiger
by the tail), ambas dirigidas por Hélène Ducharme y actuadas por el mismo
elenco mexicano.
zarse de su enojo; el berrinche es una
fuerza que él no cree que venga de su
interior.” Es éste un tema muy rico para
el teatro de sombras y de títeres, porque
permite: “poner en imágenes todas las
transformaciones físicas y psicológicas
que sufren los personajes”.
Titulada originalmente La crise, y escrita
por la misma Ducharme en 2004, Berrinche aborda el tema de la ira dentro
de la relación entre madre e hijo y está
dirigida principalmente a un espectador de entre 5 y 11 años. La versión en
español estuvo a cargo del destacado
traductor Humberto Pérez Mortera (Incendios de Wajdi Mouawad y Desorden
Público de Evelyne de la Chenelière,
entre muchas otras). Los títeres fueron
diseñados por Claude Rodríguez y realizados por “Astillero producciones”. En
palabras de sus creadores: “El berrinche
es un suceso corto e intenso. Muy presente en el niño pequeño, quien debe
aprender a controlarse y responsabili-
Berrinche es el resultado de una necesidad de comunicación, experimentación
y de riesgo para su creadores, quienes
comparten la idea de que la poética y el
lenguaje del teatro para niños debe ser
aun más comprometida que en el teatro
para adultos y que debe buscar un lenguaje visual y metafórico que los haga
partícipes del evento teatral. Esta obra
pretende reconocerse en el otro y que el
joven espectador, al imaginar la historia
mitológica de “una diosa de las cóleras
y de un cazador de tigres, pueda descubrir un nuevo espacio de armonía”.
CONTACT O:
EMMANUEL MÁRQUEZ
0 4 4 55 43 45 06 77
01 55 55 8 3 18 03
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TAMAULIPAS
S Á B A D O 17, 17: 0 0 / 2 0 : 0 0 H O R A S C E N T R O C U L T U R A L U N I V E R S I T A R I O B I C E N T E N A R I O
DUR ACIÓN: 88 MINUTOS
Woyzeck
DE GEORG BÜCHNER
DIRECCIÓN: SANDRA MUÑOZ
COMPAÑÍA DE TEATRO
DEL ECM
REPARTO:
Woyzeck: Orlando Villanueva
Andrés: Édgar Zapata
María y Abuela ( Alternantes):
Carolina Bringas / Iccen García
Capitán: Víctor Zavala Vargas
Tambor Mayor: Isaac Martínez
Doctor: Sergio Aguirre
Idiota: Carlos del Castillo
80
Dueño de Barraca (Alternantes):
Guillermo Sosa / Dora Pérez
Niñas: Enheide Tovar, Dora Pérez,
Carmina Villanueva y Judith Camacho
Músicos: David Pesina y Efraín Pérez
Soldados: Todos
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Asesoría coreológica: Miriam Huberman
Música y montaje de canciones:
Marcial Salinas
Diseño de escenografía y vestuario:
Víctor Zavala Vargas
Realización de vestuario: Amador Méndez
Guzmán e Iccen García
Fotografía: Miguel Ángel Camero
Diseño de iluminación: José Guadalupe
Herrera “Chore”
Cuando las compañías permanecen juntas por periodos prolongados de tiempo,
su injerencia dentro de las sociedades
que las acogen es notoria.
Bajo la idea de que el arte teatral fortalece el crecimiento espiritual e intelectual en las personas que lo experimentan y con la misión de brindar al público
una experiencia estética se conforma la
“Compañía de Teatro del Espacio Cultural Metropolitano, ECM” de Tamaulipas.
Este espacio abierto para la cultura da
cabida y oportunidad de crecimiento a
diversas manifestaciones artísticas de
la localidad. De esta manera, a partir
del año 2005, el ECM ha permitido el
desarrollo de esta compañía teatral.
Dirigida y fundada por Sandra Muñoz,
licenciada en arte dramático por la
UNAM, la compañía desarrolla proyectos de investigación escénica, a través
de montajes en donde el manejo extra
cotidiano del cuerpo del actor es el elemento más importante.
De esta forma, la promoción del arte
teatral como una de las formas esenciales en el desarrollo cultural de
nuestro país se vuelve indispensable
para la compañía. En esta tarea artística de analizar y entender la realidad,
la constancia y el seguimiento de los
procesos teatrales es fundamental, ya
que en palabras de Muñoz: “Las compañías han resultado ser el medio por el
que un grupo de personas, idealmente
comprometidas con el quehacer teatral, proponen, investigan, desarrollan,
comprueban y muestran los resultados
obtenidos, casi como dentro de un laboratorio”.
En esta ocasión, Muñoz se interesa por
la emblemática obra de Georg Büchner
en la que el soldado fusilero Woyzeck,
quien “no es un hombre pobre, sino un
pobre hombre” se deja arrastrar por su
naturaleza y termina por destruir lo que
más ama. Esta es una obra que gira
en torno a la opresión y al abandono
dentro de una atmósfera fatalista que
forma parte de la naturaleza humana y
que, según la directora “no acabamos
de comprender”.
En esta puesta en escena que formó
parte del Festival Internacional Tamaulipas 2011, los personajes serán puestos
sobre un tablero de juego en la que ese
“hombre sin virtud”, que nació para la
libertad y la belleza, se deja arrastrar
hacia su fatal destino.
CONTACT O:
S ANDRA MUÑOZ
renat aedi thf@hotmai l .com
01 83 33 0 2 88 79
01 83 31 26 0 8 8 8
01 83 32 15 97 05
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GUANAJUATO
S Á B A D O 17, 16 : 0 0 / 1 9 : 0 0 H O R A S T E A T R O E L R I N O C E R O N T E E N A M O R A D O
DUR ACIÓN: 60 MINU TOS CUPO L IMI TADO
Paso de Dos
DE EDUARDO PAVLOVSKY
DIRECCIÓN:
DANIEL GARCÍA BELARDINELLI
COMPAÑÍA: LUNA NEGRA
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REPARTO:
Ella: María Eugenia Jones
El: Francisco Márquez
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Producción, Escenografía e Iluminación:
Ludwing Van Gallardo Huape
Plástica y Pintura: Ángel Ortiz
Realización y montaje: Héctor Campos
Paso de dos es un cuerpo a cuerpo,
un abrazo de dos cuerpos con matices desde el
hasta la muerte.
amor
En esta obra del dramaturgo, actor y
médico psiquiatra argentino Eduardo
Pavlovsky, el grupo “Luna Negra” aborda
un teatro que va en búsqueda de estados de ánimo, diálogos interiores y de
preguntas incontestables que incursionan en la complejidad humana de “el
represor”. Aquí, dos personajes se enfrentan en un diálogo que desvela los
juegos de lucha y amor, en su intento
por descubrir las pasiones del otro.
Paso de dos, bajo la dirección de Daniel
García Belardinelli, director del Teatro el
Tablón en la Patagonia argentina y participante de la EITALC, ha tenido una importante temporada en el foro que lleva
el mismo nombre del grupo y en “La
casa suspendida” del grupo “La nada
teatro” de la ciudad de Guadalajara, así
como en otros espacio del estado de
Guanajuato.
Para García Belardinelli, quien ha trabajado en talleres con el grupo “Luna
Negra” como director de obras como La
muerte y la doncella, Extraño Juguete y
El cruce sobre el Niágara, entre otras, la
búsqueda de los personajes por descubrir las pasiones del otro se convierte en
el principal eje de interacción y con ello
logran abrir todo un abanico de multiplicidades.
CONTACT O:
LUDWING VAN G ALLARDO
l udwi ngvanm@gmai l .com
0 45 47 71 60 78 98
71 12 876
71 10 0 8 0
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DISTRITO FEDERAL
S Á B A D O 17, 21 : 0 0 H O R A S T E A T R O D E L A P A Z D U R A C I Ó N : 11 0 M I N U T O S
Ilusiones
REPARTO:
Primera Mujer: Adriana Roel
Segunda Mujer: Ana Ofelia Murguía
Primer Hombre: Farnesio de Bernal
Segundo Hombre: Ricardo Blume
DE IVÁN VIRIPAIEV
VERSIÓN AL ESPAÑOL: STEFANIE WEISS Y
MAURICIO GARCÍA LOZANO
DIRECCIÓN: MAURICIO GARCÍA LOZANO
COMPAÑÍA NACIONAL DE TEATRO
Violoncelo: Pilar Gadea
Escenografía e Iluminación: Fernando Feres
Música original: Jacobo Lieberman
Vestuario: Estela Fagoaga
Asistente de dirección: Paula Watson
Asistente de producción: Jaqueline Ramírez
Torillo
Realización de escenografía: Macedonio
Cervantes, Eusebio Cervantes, Jaime Lule,
Leonardo Ramírez, Roberto Águila y Tomás
Herrera
*Todos los actores de la Compañía Nacional de Teatro son
becarios del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes
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Realización de telones: Vicente Arriaga
Pintura escénica: Arturo Durán Ramos, Javier Rodríguez Dionisio y Taller de la ENAP
Realización de vestuario: Israel Ayala y
Emigdio Fernández
Producción ejecutiva: Mariel Ramírez
Castillo
Compañía Nacional de Teatro
Director artístico: Luis de Tavira
El maquillaje de los actores para esta obra
ha sido posible gracias a la colaboración de
MAC Cosmetics.
Llegas al mundo siendo una cosa
y te vas totalmente transformado.
Esto quiere decir que realmente
has vivido, que verdaderamente
has vivido.
Con un texto contemporáneo del ruso
Iván Viripaiev, y la experimentada trayectoria de los actores de número de
su elenco estable, la Compañía Nacional de Teatro presenta su montaje
número 28, Ilusiones. En esta ocasión, y bajo la dirección de Mauricio
García Lozano, esta obra del joven
dramaturgo reúne a los primeros actores Ana Ofelia Murguía, Adriana Roel,
Farnesio de Bernal y Ricardo Blume.
En esta propuesta, el peso escénico
está centrado en el poder narrativo de
los intérpretes, quienes apoyados en
su vasta experiencia nos comparten
un historia, en la que “dos parejas
de octogenarios se dan cuenta de
su metamorfosis e inician un viaje a
través de sus deseos y concepciones
del amor para descubrir, al final de su
vida, que no todo es como parece”.
En este segundo trabajo de Mauricio García Lozano presentado en esta
Muestra Nacional de Teatro, los experimentados actores y actrices son apoyados sólo por una escenografía y un
vestuario sobrios, básicamente azul y
gris, y la música de chelo interpretada
por el también muy talentoso Jacobo
Lieberman. En esta versión que nos presenta la Compañía Nacional de Teatro,
y a diferencia de la propuesta del autor
porque los personajes fuesen interpretados por actores jóvenes, tendremos
la oportunidad de apreciar un trabajo
actoral remarcable que potencializa el
impacto del texto.
En esta historia, seremos testigos de las
complejas relaciones de dos parejas,
interpretadas por experimentados actores del teatro mexicano. De acuerdo con
Anaraceli Alvarado: “Los actores exponen al público la crítica de la conducta
humana y llevan a cabo el desarrollo de
la acción que convierte al espectador
en participante activo del fenómeno de
comunicación, esta relación produce el
fenómeno estético.”
De esta manera, el montaje número
veintiocho de la Compañía Nacional de
Teatro estrenado en la sede de la misma y presentado ahora en el marco de
esta XXXIII Muestra Nacional de Teatro,
nos muestra un excelente resultado del
trabajo entre los actores que conforman
su elenco estable y la dramaturgia de
un joven autor ruso, quien nos propone
que “nada existe sino lo que miramos
en el momento en que se mira, porque
un segundo después, aquello dejará de
existir”.
CONTACT O:
ALEGRÍA MAR TÍNEZ
al egri amtz@gmai l .com
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Año con año, la Muestra Nacional de
Teatro logra convocar una gran parte de
las propuestas teatrales desarrollas en
años recientes por creadores de toda
la República Mexicana. Este acontecimiento teatral, representa la ocasión de
conocer algunas de las propuestas que
pueblan la escena nacional y fomentar
el intercambio de miradas y perspectivas sobre el arte del teatro. En cada
emisión, preparamos un catálogo con
el objetivo de presentar cada una de la
obras y generar así un documento que
dé testimonio y memoria para nuestro
teatro. Para esta ocasión XXXIII hemos
intentado hacer énfasis en los aspectos
creativos de los creadores escénicos y
los grupos, colectivos o compañías teatrales.
En este documento que hoy presentamos, nos interesa recuperar la perspectiva de los creadores escénicos que
conforman una parte del amplio espectro teatral de nuestro país y que gracias
a una serie de interrogantes tuvieron
a bien dialogar y formar parte de estas páginas. Debido a la pluralidad de
perspectivas, la sensibilidad variable,
y la destreza de cada una de sus plumas, hemos decidido incluir de manera
íntegra sus reflexiones a lo largo de este
catálogo.
De esta forma, el diálogo que entablamos con dichos creadores, se basa en
las influencias artísticas que han tenido en su tarea artística, las relaciones
con otras disciplinas y en particular con
disciplinas comúnmente alejadas de la
creación artística, los preceptos creativos que conforman su universo de creación y los fundamentos teóricos en los
que basan sus intuiciones. De igual forma, se basan también en las metodologías que emplean en sus propuestas
y la cercanía e intercambios con otros
creadores artísticos. Finalmente, hemos
querido conocer su postura crítica sobre el arte teatral en la escena artística
actual.
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33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
Como el lector podrá constatar, los textos recogidos y presentados a lo largo
de estas páginas, dan cuenta de las
inquietudes y certezas de cada uno de
los creadores. Así, en algunas ocasiones
sus pensamientos van enfocados hacia
la creación escénica desde una perspectiva general o desde un posicionamiento que hace de su trabajo escénico
un desafío constante. En otros casos, se
parte del trabajo específico de las obras
que los representan este año dentro de
la Muestra Nacional.
Con este catálogo, celebramos la inclusión de ideas diversas en torno al arte
teatral. Nuestra intención es presentarlo a modo de apuntes para la escena
que dialogan entre sí, respondiéndose
algunas veces y contradiciéndose en
algunas otras, pero siempre enfocados
en el quehacer del teatro. Un ejercicio
vital para mantener el diálogo sobre la
creación teatral en nuestro país.
Gabriel Yépez
Cómo se hizo
La Palmera
Arnaud
Charpentier
La elaboración de La Palmera se hizo a
partir de la experiencia de un primer espectáculo realizado juntos: Tanto soñé
de ti (2010), el encuentro de una actriz
con un pintor. Teníamos un fuerte deseo
de vivir aventuras creativas y de llevar lo
más lejos posible nuestras proyecciones
hechas en vivo.
En un principio, pensábamos en un espectáculo dónde el actor iba a contar
historias desde la sala, en la oscuridad,
en medio de los espectadores, mientras
el pintor, instalado también en medio
de la sala, proyectaría las imágenes en
la pantalla. No teníamos texto. Lo único que sabíamos con certeza era que
íbamos a trabajar sobre unos cuentos
de libras y zorros de África Occidental.
Como suele suceder, no quedó nada de
la idea inicial.
Lo más difícil de solucionar en la creación de imágenes en vivo es el ritmo de
elaboración de dichas imágenes. Tener
buen ojo y mucha práctica del dibujo
y de todo tipo de técnicas, es oficio del
pintor. Pero hacer las cosas en ritmo
con un texto que a veces dice mucho
en pocas palabras, y otras veces dice
poco en muchas, lograr efectos que
caen perfectamente a tiempo con la
voz del actor, es algo totalmente desconocido para un artista plástico, y eso
nos llevó a inventar todas la soluciones.
Durante los ensayos, sentado en la oscuridad en medio de un indescriptible
desorden de pinturas, trapos, papelitos,
filtros, cartones, micas, solventes, etc.,
manchado de pintura de los pies a la
cabeza, el pintor retomaba una y otra
vez cada secuencia de gestos, tal cómo
un actor o un bailarín. El director vigilaba los resultados en la pantalla, primero seleccionando las imágenes hechas
por el pintor, y luego coreografiando la
mano de éste, vuelta actriz principal del
montaje.
Probamos una gran cantidad de textos, y de los que se quedaron, hay una
gran variedad de registros literarios. Del
cuento de la Cabrita del Sr. Seguin, que
es una obra maestra de la literatura
francesa, se han podido respetar hasta
las comas. El primer cuento de Shahrazad, que es una obra de la que existen
varias versiones originales y muchas
traducciones, fue ligeramente adaptado
para nuestro propósito. El cuento Lis-
sou, del que se conoce sólo una transcripción de lo que es una tradición oral,
fue ampliamente rescrito. La historia
de la Caguama Macho fue totalmente
escrita por Olivier Dautais a partir de
un antiguo mito de creación y de una
mentira contemporánea (los peces que
se roban elotes), ambos de tradición
oral y de cultura Yaqui. Si en un principio las imágenes ilustran los relatos,
con el avance del espectáculo se van
enriqueciendo y cobrando cada vez más
autonomía, hasta representar aspectos
ignorados por el relato en está última
narración. Las imágenes se conciben
más como comentarios visuales de un
relato que como su ilustración. Las últimas soluciones fueron encontradas en
un ensayo donde la actriz improvisó con
el pintor.
Así fue como todo nació del experimento. Muy lógicamente, la dinámica del
espectáculo nos llevó a solucionar todo
en vivo y artesanalmente: se incorporó
a un músico (Axel Tamayo) y a una actriz
(Francia Castañeda). Con el tiempo y a
lo largo de las funciones, todos nos hicimos músicos: el pintor aprendió la flauta, el actor el mosquito y el acordeón,
la actriz percusiones, jarana, canto. Y
de no ser por la posición aislada de los
proyectores en medio de la sala, todos
hubieran terminado colaborando en la
elaboración de las imágenes.
Hoy en día, estamos acostumbrados
a ver espectáculos en dónde se lanza
video, tracks de música, efectos multimedia. Sin embargo, pensamos en
Teatro Entre2, que el único riesgo real
es el riesgo poético: es el de hacer las
cosas en vivo, lealmente, con su talento
propio. La decisión de teatralizar la luz y
el sonido como se hace en La Palmera
responde a una alta exigencia artística.
En este cine artesanal, efímero y cálido
que estamos reinventando, apantallar
no significa valerse impropia y vanidosamente de algo: lo que en La Palmera
se apantalla es talento propio, compromiso real, tiempo vivo.
33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
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Mía
Blanca y
Amaranta
Leyva
La puesta en escena de la obra Mía de
Amaranta Leyva, responde a la inquietud de un equipo que, sin haber trabajado de manera colectiva anteriormente,
coinciden en un punto de necesidad de
exploración en un terreno difícil: el teatro para niños. Difícil, porque se esperaría un texto y una propuesta con colorido, música y personajes simpáticos… y
al presentar este trabajo, la respuesta
de los asistentes resulta contrastante:
mientras a algunos les incomoda, incluso les aturde el texto y su resolución,
a otros les resulta gratamente recibido.
La actitud desde la dirección fue firme:
no cambiar o suavizar escenas. De hecho, las observaciones hechas por los
jurados en la Muestra Estatal de Teatro
de San Luis Potosí, no pedían que suavizara, sino que enfatizara la violencia
ocurrida fuera de la habitación en que
ocurre la acción. Personalmente, con
esos comentarios sí estoy de acuerdo.
Egresado de la “Escuela Estatal de
Teatro” de San Luis Potosí, fui alumno
durante tres años en la materia de actuación del maestro Jesús Coronado y
posteriormente trabajé otros 3 o 4 años
más con él, de manera consecutiva –ya
que intermitentemente he seguido trabajando con la compañía que él dirige:
“El Rinoceronte Enamorado”. Durante
ese lapso, tuve la fortuna de asistir a
cursos con el maestro Francisco Beverido Duhalt, además de recibir asesorías
para el programa de “Teatro Escolar”
con el cuerpo docente de “Casa del teatro”, encabezada por el maestro Luis de
Tavira, mismos que reforzaron, tanto mi
actitud frente a los alumnos y actores,
como las consignas del trabajo a seguir.
Principalmente, la apuesta como director se basa en el rigor y la disciplina
con el actor –y con uno mismo–, las
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33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
imágenes mentales, ir hasta las últimas consecuencias y en que “todo está
en el texto”, de esta manera busco el
respeto y respondo a lo aprendido por
los maestros antes citados de manera
directa e indirecta. Y sé que me quedo
corto… ¡por supuesto que les aprehendí
mucho más!
En los procesos, amén de los elementos técnicos a aplicar para una puesta en escena (análisis de texto, tono,
comprensión de la situación, análisis
de personaje, relación con los personajes, contexto histórico, lecturas afines,
música, etc.) me interesa, o más bien
me preocupa mucho, el contacto entre
los participantes. Considero que el encuentro en este espacio tan privilegiado
es una oportunidad para conocerse,
compartir y, de esa manera, crecer (sin
pretenderlo) como personas y como
equipo creativo.
Murmurante
Teatro Juan de
Dios Rath
1. Influencias artísticas (directas e indirectas)
Han sido varias las influencias artísticas que hemos tenido. Las más directas, desde mi formación con Marcela Ruiz Lugo y luego con Héctor Mendoza y Rodolfo Valencia en la Facultad de
Filosofía y Letras de la UNAM, hasta los cursos de formación y perfeccionamiento con Luis de
Tavira, Larry Silberman y Patrice Pavis. Más adelante, vino el trabajo con Raquel Araujo y Óscar
Urrutia, Óscar López y el Mosco; pero más recientemente, la influencia que hemos recibido ha
sido el trabajo con Jorge Vargas a partir del proceso de puesta en escena de El viaje inmóvil y
con Noé Morales Muñoz en Manual de cacería.
Por otra parte, las influencias indirectas, pues son muchas, y corresponden en gran parte a lo
que hemos leído o visto de teatro. “Teatro Línea de Sombra”, Yuyachkani, “Malayerba”, Martín
Acosta y Luis Mario Moncada, Édgar Chías, Richard Viqueira, Noé Morales, Luis Martín Solís,
“Akhe Group”, “Rimini Protokoll”, Lola Arias y “Lagartijas tiradas al sol”.
2. Influencias y relaciones con otras disciplinas del conocimiento
(ciencias sociales, humanas, del lenguaje, etc.)
Debido a nuestro reciente interés con temas como el suicidio, hemos trabajado con el psiquiatra y antropólogo Gaspar Baquedano, quien nos ha mostrado su práctica de terapia de
grupo en el Hospital Psiquiátrico de Yucatán con el Programa Integral de Atención al Suicidio.
Por otra parte, la práctica de buceo en cenotes, así como la espeleología han jugado también
un papel importante en El viaje inmóvil, donde además uno de nuestros actores es también
psicólogo.
Asimismo, en Manual de cacería contamos con el apoyo y asesoría del colectivo de investigadores de Psicjurid, que dirige el criminólogo Paulino Dzib, quien es investigador y docente en
la Universidad Autónoma de Yucatán y junto con sus colegas nos han asesorado respecto a
casos que ellos han documentado e investigado sobre conducta criminal.
3. Preceptos creativos y/o fundamentos teóricos
Debido a la influencia del trabajo con Jorge Vargas, hemos adoptado la idea de que el artista
no puede ignorar el contexto social en el que se desenvuelve y que lo pone en contacto con
una realidad compleja. Trabajar con materiales de la realidad, buscar en el arte escénico
mecanismos para que lo real irrumpa en la escena, buscar una actoralidad que construya y
muestre imágenes más que una que “ficcionalice” y represente, son objetivos que intentamos
materializar en el proceso de laboratorio para trasladarlos a la escena y compartirlos con el
público. En cuanto a la teoría, aparte de releer a los grandes maestros de la teoría escénica,
hemos estado explorando filósofos contemporáneos como Walter Benjamín, Michael Foucault
y Gilles Deleuze, que mucha influencia tienen en las artes escénicas contemporáneas.
4. Metodologías de creación
Venimos de procesos de trabajo con textos y adaptaciones textuales. Trabajo de mesa previo,
etc. Sin embargo, últimamente hemos pasado a trabajar procesos de laboratorio con objetos
y elementos multimedia en los que el texto se convierte en una consecuencia de improvisaciones y acciones escénicas que se van acotando en el laboratorio. Igualmente tratamos de
investigar más, de acceder a otras áreas y disciplinas del conocimiento.
33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
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5. Diálogos e intercambios con otros creadores artísticos
El trabajo con Jorge Vargas y Noé Morales Muñoz ha sido enriquecedor, así como los intercambios que hacen posibles los festivales (como el más reciente festival de “La Rendija” en
Mérida, que reunió a creadores que trabajan con objetos y con los cuales hemos compartido
puntos de vista en mesas de reflexión sobre nuestro trabajo con personalidades como Shaday
Larios, Xavi Bobés, Manuel Parra, por mencionar algunos.
6. Perspectiva crítica sobre el arte teatral en la escena artística actual
En general, el trabajo escénico y los festivales que realizan grupos como “Teatro Línea de
Sombra”, es un ejemplo de cómo un colectivo puede crecer y encontrar sus espacios de
producción. El teatro independiente y el trabajo de grupo, son caminos que hemos querido
transitar aquí en Mérida. La intención es captar o crear un público que aprecie nuestro trabajo
y siga nuestras actividades. La necesidad de contar con espacios para crear y producir es una
constante en los procesos de laboratorio y es también una lucha que los grupos independientes libran en cada región. Las políticas culturales del Estado generan algunos recursos a los
que es posible aspirar (como los apoyos del FONCA), pero su instrumentación en el interior
del país se enfrenta a serias dificultades porque en los estados las instituciones homólogas
no siempre funcionan en concordancia o existen proyectos oficiales que promueven condiciones adversas a la autogestión, tales como la gratuidad en los festivales y la muy escasa
visión para programarlos.
En Mérida, la pertinencia de un teatro que aborde temáticas sociales y que busque una
calidad artística, todavía no es justamente valorada en un medio en el que otras propuestas
de teatro de entretenimiento suelen ser mejor apoyadas con los recursos oficiales. Por otra
parte, creemos que el teatro independiente genera una mayor libertad de discurso y promueve
una más enfocada interlocución con los públicos a los que llega. Es un trabajo de resistencia
y de perseverancia que se da en muchas regiones del país y que –considero– tiene un valor
también como fenómeno social, en el que los colectivos artísticos, tanto de teatro como de
danza y performance, generan discursos críticos, así como posibilidades de reflexión acerca
de la realidad que les ha tocado vivir.
El trabajo artístico de grupos como “Lagartijas tiradas al sol”, “Carretera 45”, “Inverso Teatro”,
“Tumáka’t, danza contemporánea”, “Mákina de turing”, “Murmurante teatro”, “La Rendija”,
“Teatro ojo”, “Grupo teatral Tehuantepec”, “Microscopía teatro”, entre muchos otros grupos de
las distintas regiones del país, propone discursos escénicos que bordean los límites de las
distintas disciplinas escénicas tales como la danza, el performance, el documental, el teatro,
la multimedia y la investigación social. También han logrado interesar a nuevos públicos con
sus propuestas y son una respuesta al anquilosamiento que ha caracterizado a la mayor parte
de los proyectos que absorben los grandes presupuestos oficiales.
En cada edición de la Muestra Nacional de Teatro vemos una gran diversidad de propuestas,
tanto de grupos emergentes como de teatristas consolidados, y es –además– una muestra de
la visión crítica de quienes la organizan al programar espectáculos escénicos representativos
a nivel nacional. Las actividades académicas y las mesas de reflexión son también un foro
en el que artistas de muy diversas regiones se reúnen para intercambiar ideas y entramar las
redes que vinculan los núcleos teatrales de todo el país.
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33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
“Pasos”
a la MNT Alberto
Villarreal
El escenario es una válvula de compresión donde las materias son puestas a guillotina de mirada. Su trabajo es artesanal, crudo y violento. Martilleo y horno, urdimbre
y telar. Nada debe quedar de los intereses de sus participantes; es cuando ellos
han desaparecido, que la maquinaria escénica se mueve por sí misma. Trabajo de
pelar, de hacer hueso, que los que lo presencien ensamblen sus cabezas y piernas;
que cada cual obtenga sus monstruos y animalarios. Así que se está al servicio de
lo informe, del permitir que suceda. Es la humildad de saber que pasaremos y que
sólo dejamos rastros, la huella de la que se derivan los pasos de un provocador.
Es la soberbia de mantener esto corrupto, en sus buenos y malos sentidos, para
no caer en tironeos de buenas conciencias, en las sublimaciones “museísticas” y
“festivaleras”; operar al nivel del gesto, de la mueca, del que va llegando y es aún
sombrío.
Camino esta confesión desde la imaginación. Una sin la otra son vanidades de los
que vociferan que quieren salvar a este mundo y sus manías. El contrato es que
proponemos otra realidad, pero no la ponemos en ningún lado. Sarcasmo, ironía
y tragedia. Así el mundo reinserta sus misterios. Vagabundeo estas notas desde el
cuerpo, creo más en él que en intelectualizadas lonjas de las que en el teatro se
saca poco drama y mucha paja. Prefiero, profeso, esta orfebrería del cuerpo que se
sabe que pesa, que está metido de polizón en este mundo de animales y vegetales. Llevo la teatralidad como un órgano exterior, de transfusión reiterada, donado
–presentación a presentación– por sus vasos comunicantes de actores, bailarines,
escritores y todos los metidos en esto, sin necesidad de “calificativos” y nomenclaturas de programa de mano. Aquí hay que repercutir en lo contrario a un molde, lo
adverso al ripio civilizatorio, lo otro que no es lo que se acostumbra, la usanza, la
dictadura de nuestros tiempos. Lo explico en términos negativos, porque este es
el oficio de la pérdida, por algún lado debe oficiarse el vaciamiento, de lo que las
cosas y los seres están llenos de definiciones y habladurías poco relevantes. Pero
sobre todo, sacar del cuerpo ese nervio nervioso y panfletario que es considerarse
una arte. También ese concepto es un corral y pide sus vestuarios de oveja.
Algo así, como lo sujetado párrafos
arriba, creo haberlo oído de Ludwik
Margules, de Rodolfo Valencia, de Arturo Ripstein, hartazgo del ornamento
pretencioso en erigirse como salvador
y consuelo de una existencia humana
que para muchos es fraudulenta y reiterativa. Lo he visto en los que vieron a los
que yo no vi, los que pasaron días con
Grotowsky, con Pina Baush, con Kantor.
O a los que he leído y de los que acepto
sus iluminaciones como propias, como
Witkiewicz, Castellucci o Bergman. O
aquellos teatreros lúcidos puestos
en ediciones de viejo con el rótulo de
“presocráticos”, que han facturado manifiestos teatrales tan exactos que ni
siquiera requirieron nombrarlos como
tal. Quizá en la médula de todas estas
manifestaciones, de estos no nombramientos, leo un desprecio por la idea de
innovación, hay más un temperamento
que pretende recobrar la lucidez perdida, un oficio que no se deja engañar
por la línea del tiempo; porque nuevo
y antiguo son linealidades de la crítica
y no de este proceder que sabe que el
acto escénico transcurre en la simultaneidad, en pedacerías de intentos por
encarnar a lo que en este mundo, no se
le ha dado forma.
Así que aquí se desmiente todo, se hace caminar a todos de manos y se les ponen orejas de burro en el rabo. Se le da vuelta al calcetín y se pone la piel como
órgano íntimo de contracciones involuntarias. El mismo oficio tiene que ser puesto
a patíbulo de escarnio. Cuando vuelve a nuestro rostro un poco de vergüenza, un
poco de escrúpulos ante cómo nos rizamos las mentiras, ahí nace este arte del
hacer sin repercusión, tan desinteresado por sus consecuencias de lo no pensable,
lo no traducible.
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Una
práctica
celebrada desde
la angustia Edgar
Chías
La mía es una práctica celebrada desde la angustia: la de las influencias. Confieso
que cierta literatura, la filosofía y las artes plásticas, al igual que algunos procesos
escénicos recientes, me han dado pretexto para dialogar, para recuperar y apropiarme de estrategias expresivas. No hay fuentes únicas, ni los momentos permanecen,
con lo que quiero decir que constantemente encuentro en procesos y materiales
que conozco y reconozco, la posibilidad de la contaminación y la influencia.
El doble de Dostoievski, y las versiones escénicas de Pedro Páramo (Germán Castillo), Las mil noches y una noche (Rodolfo Obregón), y Carta al artista adolescente
(Luis Mario Moncada y Martín Acosta) fueron decisivos para la producción de mi
pieza Telefonemas (2001). Tratar de proponer una textualidad menos afincada en la
literatura, confeccionada desde el dominio de técnicas circenses específicas (Circo
para bobos, 2001) o desde la danza, atravesadas por el material narrativo de Paul
Auster (La mirada del sordo, 2002), me llevó a concebir el proceso de escritura de
una forma más activa y menos distante de los escenarios. El trabajo escénico de
la performer brasileña Denise Stoklos (Vozes Dissonantes), el del director francés
Adel Hakim (Executor 14) y algunas notas periodísticas (el caso Chevron –2003– y
la creciente ola de asesinatos de mujeres), y una perspectiva poco edificante de
mi país, misma que no podía compartir con entusiasmo a estudiantes franceses
de nivel bachillerato, me animaron a proponer El cielo en la piel (2004). La lectura
del libro Rizoma (Deleuze, Guattari, 1972), algunas proposiciones técnicas en torno a la adaptación de textos literarios por parte de José Sanchis Sinisterra y mis
lecturas de Thomas Bernhard me llevaron a la escritura de De insomnio y media
noche (2005). La lectura del libro de ensayos La ilusión vital (Baudrillard, 2002) me
inquietó al punto de querer escribir Nacido de un muslo (2009).
Suelo partir de proposiciones conjuntas: un eje temático definido (o más o menos
definido) y una proposición formal concreta derivada de preguntas vinculadas a las
prácticas escénicas en la ciudad de México –que es donde vivo y desde donde produzco. La finalidad quizá sea decepcionantemente simple: responder a la pregunta:
¿cómo puede ser la teatralidad hoy, aquí, y qué podría decir para decir otra cosa?
El diálogo con otros creadores ha sido nutritivo y contaminante. Me parece –incluso– que fue determinante para un grupo de autores de mi franja generacional haber
confluido en el colectivo “Telón de Aquiles” (2002) y en la Muestra Nacional de la
Joven Dramaturgia (2003). Nos hemos leído, hemos charlado, producido intercambios y fricciones, de modo que las influencias –evidentes y no tanto– se produjeron
y se siguen desarrollando hoy en día.
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33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
Respecto a la escena, siempre que he
tenido oportunidad de acompañar los
procesos, lo hago. La escritura del texto
siempre varía y se replantea a partir de
la co-escritura, es decir, de la producción del texto del director –escrito en y
soportado por la escena–, la del actor
–proceso similar al del director– y al de
los otros creadores participantes.
Para mí, mi propuesta textual no está
cerrada nunca. Siempre es posible alterarla, se cuelan modificaciones mínimas
de versión en versión, cada revisión que
se propone posibilita añadidos y transformaciones.
El teatro es un campo en expansión (tal
como lo sugiere José Antonio Sánchez),
por lo que desde hace unos años me
he propuesto, al comienzo, no necesariamente al abrigo del pensamiento de
los investigadores y teóricos, señalar
ese desplazamiento, los procesos contaminantes, la des teatralización de la
escena y la re teatralización de ciertos
procesos sociales para mejor entenderlos y exponerlos. Me parece que el
teatro es un espacio de privilegio para
la producción de pensamiento en colectivo, y para desmontar algunos de nuestros gestus sociales más inconscientes
y más asumidos. Al mismo tiempo, creo
que la teatralidad, en su expansión
imprevista, puede recuperar la vida y
el mundo como asuntos, y plantearse
otras estrategias de construcción, que
no sólo las del simulacro y el transe.
Ante una era de farsa política, de actuaciones lamentables por parte de
nuestras figuras públicas, de simulacro
y explotación del lugar común y de las
llamadas al sentimiento, de espectacularización –asunción e indiferencia– de
la miseria y la violencia, la teatralidad
puede construir otros discursos menos
estables, menos densos, incluso menos congruentes –respecto al eje de
congruencia incongruente del discurso
oficial.
asumidos de discriminación, esos que
son epidérmicos, que no son del todo
explícitos y que se ocultan muy bien en
las formulaciones lingüísticas corrientes, y de la invención de la verdad periodística: una mirada parcial e inducida
a partir de la exposición en masa y en
soportes que concretan el discurso (la
construcción de una imagen o de un
video). Es un experimento textual, una
especie de conferencia chocarrera, de
exposición abierta de una hipótesis que
parte de la pregunta: ¿Qué pasaría si en
el teatro, hoy, no contáramos la historia
de siempre, sino una historia bastarda,
apurada, negativa y personal? ¿Qué
pasaría si nosotros contásemos una
historia sobre la Historia, o sobre sus
mecanismos?
En Crack (2003) y en Ternura suite
(2009) me propuse en general hablar
de que la escalada de violencia no es
un problema achacable al individuo o
a la familia, sino una consecuencia del
desgarramiento del tejido social producido por intereses ajenos a ciertas capas en las que recae la responsabilidad
de la mano de obra. En el caso de la primera, el sistema de exposición renunció
al código realista. Hay una deformación
–creo yo– esperpéntica a partir de la
elaboración del lenguaje. La intención
era –es– que no se produzcan vínculos
personales ni procesos de identificación
psicológica, porque no se trata de compadecer esas conductas, sino de preguntarnos, ¿qué o quién las produce?
En la segunda, el sistema de exposición
buscaba señalar la naturaleza construida de la violencia: como una conducta
sistémica en la que los responsables no
aparecen de forma evidente. Y luego,
exhibir la violencia, dentro del espectáculo, como una construcción, como un
montaje capaz de plantearle preguntas
a los procedimientos de la teatralidad.
En Una merienda de negros (2008, estrenada solamente en Buenos Aires),
me propuse hablar de los mecanismos
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Tiradas al Sol
Lagartijas
Luisa Pardo y
Gabino Rodríguez
En el siglo 1 d.C., Séneca empezó su libro De Vita Beata con la siguiente frase:
“Todos quieren vivir felices”.
Bastante actual parece esta idea, en una sociedad en la que la búsqueda de la felicidad se ha constituido como un derecho desde la declaración de independencia
americana en 1776.
¿Qué es la felicidad? ¿Qué entendemos por esta palabra? ¿Para qué la buscamos?
Según Wilhelm Schmid, y ésta es la acepción que nos interesa de entre muchas
otras, la búsqueda de la felicidad no es otra cosa que la búsqueda de sentido. Se
dice que algo tiene sentido cuando se pueden reconocer conexiones, cuando las
cosas, las experiencias o los sucesos concretos no se presentan aislados, sino que
de alguna manera están relacionados unos con otros. Es conexión, coherencia.
La narrativa produce conexiones mentales, es decir, sentido. No importa si son
reales o ficticias: en ambos casos nos protegen de la experiencia inescrutable de
la falta de sentido.
Nuestro trabajo trata de generar maneras de relatarnos la vida. Nuevas formas que
den cabida a los contenidos, que den espacio a nuevas ideas. Se trata de generar
marcos de percepción y de multiplicar puntos de vista sobre la vida. De abrir-nos
el abanico de sentidos.
Porque cuando ya conocemos unas conexiones, ¿qué ganamos volviendo a mostrarlas? ¿Qué sentido tiene? ¿El sentido reiterado sigue produciendo felicidad o es
simplemente una forma de acomodarse en la realidad?
La historia nos atrae como relato. Nos gusta contarnos cuentos de nuestro pasado
y del pasado de nuestra sociedad. Porque creemos que en la medida en que nos
contemos distintos cuentos, o los mismos de distintas maneras, podremos imaginarnos nuestras vidas de maneras más felices. Abrir posibilidades. Diría Silva
Herzog: “La historia se hace con fragmentos del pasado, la angustia del presente y
anhelos colectivos de superación.”
Para nosotros, el teatro es una actividad que tiene que producir y dislocar sentidos,
activar el pensamiento y generar una pulsión vital.
El trabajo puede ser presentado de muchas distintas formas. De manera gratuita o
con costo, en una institución o un lugar especializado independiente, en un lugar
alternativo. En el espacio público o en el privado. De manera formal o informal. Pero
siempre pensando que el arte no debe ser presentado de manera que se dé importancia a sí mismo. No debe hacer sentir menos al espectador que lo contempla.
Estamos todos a nivel de cancha.
En principio hacemos el trabajo para nosotros. No aceptamos comisiones, no hacemos proyectos en los que no estemos profundamente interesados. Y como consecuencia, imaginamos –sólo imaginamos– que a los demás les puede interesar.
No nos sentimos excepcionales, al contrario, hacemos cosas para personas como
nosotros: comunes y corrientes, con énfasis en lo segundo.
El trabajo es para cualquier persona que tenga interés en reflexionar con nosotros.
Desde aquí, sólo proponemos.
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Es difícil decir de dónde provienen las
ideas. Estamos influenciados por todo
lo que nos rodea: artistas, familiares,
comerciantes, científicos. Todo lo incorporamos a nuestra práctica, todo
cabe en las obras, todo forma parte del
proyecto. A la vez hay muchos artistas
que nos han influenciado, mexicanos y
extranjeros. De alguna manera, el teatro
para nosotros es el espacio donde conectamos todo lo que nos sucede y lo
analizamos y lo expresamos y lo cuestionamos y lo transformamos. El teatro,
para nosotros, se volvió el lugar que da
sentido a nuestras experiencias.
En última instancia el arte debería
abonar a nuestra aspiración para ser
felices. Ver a otros viviendo nos ayuda
a vivir.
Hoy, desde aquí, queremos inventar a
unas personas y a un país para vivir en
él.
Nos interesa la práctica artística, como
marco de desarrollo personal.
Nos interesa la práctica artística, como
forma de conocimiento de un tema.
Nos interesa la práctica artística, como
forma de conocimiento del arte mismo. Nos interesa la práctica artística,
como mecanismo de relación con las
personas: es a través de la ejecución
o el planteamiento de un proyecto en
común, como podemos dar y recibir lo
mejor.
Nos interesa como memoria y como residuo de la vida.
Es a través de los proyectos realizados, como podemos trazar un mapa de
nuestros intereses y de nuestras ideas.
Nos interesa el arte, como territorio impune desde donde experimentar.
Nos interesa que las cosas cambien.
Nos interesa el estado mediante el cual
afrontamos nuestras vidas, un estado
de expectación íntimamente ligado a la
producción.
No nos interesa el arte como mercancía.
No nos interesa el arte como oficio.
No nos interesa el arte como mecanismo para conservar o perpetuar una serie de estados de cosas.
No nos interesan muchas cosas más.
¿Cuánto tiempo vamos a trabajar en
esto? Normalmente pensamos que no
demasiado. Es muy importante reformular todo el tiempo los puertos desde
los que parte la práctica. Es fácil aburrirse al trabajar en procesos y escalas
parecidas. Trabajar a diferentes escalas
nos permite seguir encontrando intereses. No nos imaginamos haciendo las
cosas de la misma manera que hace
uno o dos años. Uno no se baña dos
veces en el mismo río –y qué bueno,
porque si sí, significaría que ya se estancó el agua.
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Ternura
Suite
Richard
Viqueira
En zoología, hay ciertos depredadores
que gustan de re-presentar el momento
de la caza. Los felinos continúan jugando con el cadáver de su presa, como
dotándola de vida por unos instantes
para re-crear el momento de su captura. De igual modo las orcas, que aun
habiendo matado ya a la foca, la siguen
lanzando por encima de la marea para
revivir el evento.
En estos ejemplos están contenidos
los principios dramáticos elementales:
representación, conflicto y personajes
(asumidos como cazador y presa en estos casos). Uno de ellos se convierte en
involuntario títere y el otro, en titiritero.
Alimentarse parece volverse algo secundario, es más importante la acción
y, todavía más que ésta, su cualidad
exponencial. El hambre no es fisiológica, sino chamánica. Se revive lo que se
mata y se repite lo que ya en sí se ha
vuelto invariable.
¿Contiene la teatralidad la recóndita
fe de que los actos se vuelvan así más
significativos? Si el eco es un sonido
que se rehusa a desaparecer, el drama
es una acción que requiere perpetuarse para encontrar su sentido último, o
mejor dicho: su Sinsentido final. Que
todo lo que ocurre es innecesario. Y
por ello, y principalmente, es siempre
intransferible. Ahí funda su mayúscula
importancia.
El Teatro es la Atlántida. Una ciudad
mítica, que Existe y No. Cimentada más
en la memoria que en la geografía. El
Teatro –como la Atlántida– es un evento
sumergido. Acallado.
Arquitectura del desastre.
Y los actores pertenecen a una rama
menospreciada de la biología: la criptozoología. Aquella que pregona que
aún existen especies por descubrir en
este mundo natural. Que no todo lo que
percibimos es todo lo que hay. Que existen seres microscópicos u ocultos que
aún no se han revelado. Y que habitan.
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Y cumplen un ciclo de vida, semejante
al nuestro, pero imposible. Que hay vida
contrapuesta a la nuestra. Más salvaje y
más intrigante.
Los actores son esos críptidos necesarios. Criaturas insospechadas. Bestias
infinitas.
Algunos creerán en ellos, otros creerán
que sólo son leyendas rurales o urbanas. Y estas leyendas constituyen un
núcleo de la memoria; confirman lo humano en el tiempo.
¿QUÉ HACER EN CASO DE TEATRO?
¿El mejor manual para aprender a
escribir drama?
Los letreros de emergencia.
¿Qué hacer en caso de sismo, tornado
o maremoto? En esos básicos dibujitos
y precisas órdenes están las instrucciones necesarias para mantener la vida
en el peor de los escenarios. Cuando
uno los mira, se mira uno dentro del
siniestro.
Son ensayos para experimentar la cercanía de tu muerte. La vulnerabilidad
de tus intentos. Por ello su lenguaje es
urgente e inmediato. Rupestre. El drama
es esencial porque conserva su condición primitiva en medio de tanto progreso ilusorio. Sujeto y acción lo es todo en
esos letreros. No hay tiempo que perder,
porque ya todo el tiempo se consumió.
“No grito, no empujo, no corro.” De ello
dependió la preservación mínima de lo
social. Después de eso sólo queda el
Caos y el Origen. Y el drama es siempre
hacer pensar que todo está fuera de
control, porque quizá, siempre lo estuvo
y fingimos que no. Y así se ve el teatro desde donde estamos hoy. Uno va
a dejar en el escenario, no la vida, sino
su propia muerte. Y eso es todavía más
irrenunciable. Un acto trasparente.
Teatro en Código
Laura Uribe
Pienso que México es, hoy en día, un lugar absolutamente rico en oferta de productos artísticos de calidad. Al regreso de una gira por Europa, y después de ver
algunos espectáculos por allá, reafirmo que la escena mexicana adquiere cada vez
mayor fuerza en el terreno de la escena contemporánea.
Los jóvenes creadores mexicanos vamos empoderándonos de nuestra obra; se nos
ha quitado el miedo, hemos arrebatado la palabra, nos hemos tropezado, sí, pero
también nos hemos levantado. Lo que ha direccionado nuestra creación es la necesidad de decir algo; buscar un teatro esencial. Es fundamental el peso que ha
adquirido el contenido en nuestras creaciones, las formas han sido el resultado de
esa necesidad de decir, de preguntarnos, de inventar y convocar a la reflexión de
un tema o situación determinada. Esas formas no se han mostrado como primer
arribo, y pienso entonces que esa es la diferencia sustancial con respecto a otros
países, en donde se pondera la forma sobre el contenido, no estoy en contra de
ello, sólo que sí creo que el orden de los factores sí altera el producto. Si nos academizamos recordaremos: forma es contenido y viceversa, pero creo que el desde
dónde se abordan las cosas –inicialmente– sí altera el producto.
En este sentido, creo que este enfoque –llamémosle– del decir, ha favorecido el
impacto de las puestas en escena en el espectador actual. Este enfoque es característico, principalmente, de grupos independientes que versan su trabajo en
la investigación y experimentación de diversos lenguajes para la escena, no hablo
del teatro que apela por las producciones costosísimas, en donde pareciera que
el contenido y la esencia se esfuma a través de los grandes muros de sus escenografías, en donde es infinito el sonido del vacío, en las grandes salas en donde se
presentan esas producciones, correspondiente al vacío del hueco de las butacas
¡¡¡ya nadie quiere ver ese teatro!!!
Este nuevo aire creativo ha tomado su poder desde diversos ángulos de la escena;
la dramaturgia, la dirección, la actuación y la gestión. Dentro del terreno de la
dramaturgia encontramos a diversos jóvenes creadores entre los que destaco a
Alejandro Ricaño, Noé Morales, Enrique Olmos de Ita, Gibrán Portela, David Gaitán
y Xavier Villanova, sólo por mencionar a algunos que nacieron en los años 80 (y los
nombro a ellos, porque yo también soy ochentera y este escrito habla principalmente de esta generación) y son quienes que han expandido sus obras en todos los
sentidos; sus metáforas nos han exaltado los sentidos, nos seduce su concreción y
nos atrapan con su irreverencia.
Por otro lado, también quiero resaltar algo que llama mi atención: que cada vez
más creadores nos atrevemos a escribir sin la necesidad de ser acreditados como
dramaturgos, lo hemos hecho sin temer al fracaso estructural; y cuando lo hemos
hecho con temor, lo hemos hecho; y aunque, si bien algunas veces son fallidos
estos ensayos, por otro lado pienso, que si el impulso es el deseo de decir algo,
muy posiblemente esos intentos puedan resultar seductores.
Esta necesidad se ha dado, por lo menos en mí, porque no encuentro una vía para
tomar un texto y escenificarlo, ya que mi método de creación desde hace ya varios
años se ha basado en el texto performativo, el cual es inseparable de su representación escénica y no existe más que en, y por, la representación. Parto siempre del
conocimiento de la capacidad de los actores para crear mundos y organizarlos. Es
por ello que juntos vamos creando nuestras estructuras, por lo que la horizontalidad
entre director-actor-escenógrafo-iluminador-espacio-texto-movimiento escénicopublicidad y mercadotecnia, adquieren el mismo peso (bueno, siendo sincera los
últimos dos: publicidad y mercadotecnia menos).
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Por otra parte, la dirección de escena
mexicana también ha dado frutos con
propuestas bastante interesantes, sobre todo –nuevamente lo resalto– en el
teatro de grupo, que aun teniendo o no
a un director, han sabido plantear sus
propuestas con una estética fundamentada y con convenciones que llaman la
atención por el planteamiento de sistemas que invitan a una nueva percepción para un nuevo espectador. Aunque
si bien nada es nuevo se apuesta por
la originalidad: provenir del origen; y
esas propuestas escénicas son las que
refuerzan la escena mexicana (por lo
menos esas son las obras que a mis colegas y a mí nos gusta hacer. Esto lo he
visto reflejado en los diálogos creativos
(tan en boga hoy en día) que tenemos
entre grupos, entre colegas, con el fin
de abrir los procesos y no sólo mostrar
los resultados. De esta manera, evolucionamos como creadores escénicos, el
diálogo crece y los muros se difuminan.
En el campo de la actuación, cada vez
más actores tomamos las riendas de
nuestra creatividad escénica, ya no nos
conformamos con que nos dirijan, tomamos la opción del dialogo y la creación en conjunto (de nuevo apelo por la
horizontalidad para el enriquecimiento
de las propuestas). Son cada vez más
los actores que no se conforman con
la interpretación, que si bien eso también es creación, cito a Daniel Giménez
Cacho en una entrevista que le hicieron
con motivo del Homenaje que le brindó
el Festival Internacional de Cine Guanajuato 2012: “…un actor, ¿es autor o
es intérprete? Si eres un actor-creador,
¿cobras como autor? En México se nos
considera intérpretes salvo que hayas
escrito la historia y la actúes tú mismo…”
Existen diversos grupos formados por
creadores actores-autores, como “Luna
Avante”, “Lagartijas Tiradas al Sol”, “Festinatio”, “Teatro en Código” o creadores
actores-directores, como Laura Almela y Giménez Cacho en su Macbeth y
también solistas como Antonio Salinas,
Marianella Villa, Mariana Villegas y yo
misma, que nos hemos adentrado en
la creación y estructuración de nuestras
propias obras, por mencionar sólo a algunos que conozco muy de cerca.
1
100
En cuanto a la gestión, cabe destacar la
capacidad organizativa de ciertos grupos independientes, que han generado
festivales, encuentros y espacios para la
reflexión del arte escénico, por ejemplo,
el Encuentro de Creadores Teatrales Independientes (ECTI) el cual se inició el
año 2007 y se celebró hasta el 2011,
dirigido por Miguel Ortiz y Anick Pérez
(La Comuna); así como el Encuentro del
Teatro y sus Autores, que se desarrolló
en León, Guanajuato, este 2012 a cargo
del “Colectivo Alebrije” dirigido por Sara
Pinedo y Nacho Ponce.
Para concluir sobre este asunto de perspectiva sobre el arte teatral en la escena artística actual, pienso que son los
modos de producción los que nos han
arrojado a ser todólogos, pero, sobre
todo, es la necesidad de decir desde
distintos lugares. Los jóvenes creadores
actuales, buscamos otros medios de expresión, por lo que poco a poco vamos
tendiendo puentes cada vez más sólidos con artistas de diversas áreas, así
como con especialistas de otras disciplinas del conocimiento, porque nuestra
necesidad de comprendernos es cada
vez más amplia y compleja.
Persistirán los gustos personales por
unas propuestas u otras, pero la indagación y el cuestionamiento hacia la resignificación de la escena se potenciará
e intensificará cada vez más. Los paradigmas se han roto, somos nosotros
los que tenemos que trazar las nuevas
rutas.
Me refiero con “desde donde” a la perspectiva con que se aborda algo.
33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
Esto no es Romeo y
Julieta
Luna
Avante
Esta puesta en escena no es más que la representación de una presentación, que
habla del enamoramiento y la deconstrucción de la ficción. También puede verse
como la presentación de una representación. Jugamos con esa contradicción. Un
juego donde los roles de los enamorados, que cinco jugadores están dispuestos a
representar, pueden o no existir plenamente. Es una trampa. Al desnudar la incapacidad del encuentro 100% verosímil, pretendemos desnudar la fragilidad del actor
que ejecuta y desnudar una convención de continuidad. Con ello queremos mostrar
la vida “real de ese ejecutor de acciones”. No por eso subrayamos con artificialidad
acciones de un personaje. Así sería fácil de entender el juego. No. Los actores
realmente están dispuestos a dar todo de sí por enamorarse del otro en un mínimo
umbral de ficción. Paradojas desquiciantes. Por ello, la obra se ubica en un puente
de influencias entre desarrollos artísticos del trabajo actoral en el siglo 20 y corrientes propias del arte contemporáneo. Al desnudar las convenciones del actor y
convertirlo en hombre o mujer que ejecuta acciones, nos descubrimos influidos por
artistas como Vivi Tellas, y damos una respuesta al biodrama, pero sin dejar de ser
actores. Jugamos con una paradoja que permite la apariencia de la deconstrucción
de la ficción. Por otro lado, procurando lograr esto nos damos cuenta de que debemos estirar la liga del trabajo stanislavskiano hasta sus últimas consecuencias.
Esto nos invita a crear ligaduras lo más cercanas posibles, entre nuestra vida real y
las situaciones de Romeo y Julieta. Adaptamos el texto para que tuviera tintes muy
realistas. Descubrimos en ficciones cerradas de Veronese, un trabajo actoral que
se acercaba a los procesos de pensamiento que permitían una sensación en el espectador, de que aquello que ves es casi idéntico a la realidad. Buscamos distintas
vías para lograrlo: 1- Que el pensamiento realmente precediera a la acción aunque
casi sucedan al mismo tiempo. 2- Documentar en video discusiones reales sobre el
enamoramiento y luego reproducir tanto esos procesos mentales como esas palabras. Escribirlas y actuarlas. 3- Utilizar los conflictos de nuestras relaciones reales
para abordar las adaptaciones shakespearianas sin ser literales. Se trabajó mucho
en la apertura semántica del texto para que esto fuera posible in situ. Esto se volvió
un juego peligroso que ha herido más o menos a los actores. Surge a través de la
representación, la pregunta de ¿dónde está el drama? ¿Afuera o adentro? Hasta
sus últimas consecuencias. ¿Performance o representación? Un juego al fin.
Por otro lado debimos usar el concepto de distanciamiento y tuvimos que hacerlo
literal a través de un círculo de gis pintado en el piso, donde los actores se comprometen adentro o se distancian narrando cierta situación afuera. En este caso
Brecht jugó para decirnos que había una diferencia importante entre ser y parecer.
La apariencia sin embargo la buscamos desde el trabajo actoral muy natural. Aparentar no aparentar. Y luego decir que somos conscientes de aparentar no aparentar. Un juego. Por otro lado el trabajo debería lograr una reunión con el espectador,
la comunión tan buscada en el teatro.
Trabajamos con el concepto de “sitio específico”, popular hoy en día, y con un
espectador que habita la ficción desde adentro; la ficción que envuelve otra ficción. Esto se logra sin forzar su participación, pero lo coloca en un lugar en donde
se involucra como sujeto en relación con todos los que habitamos la sala y no
sólo como lector anónimo de un espectáculo. También le ablanda los procesos
de percepción tradicional de identificación con el protagónico, para empezar a
sentir una relación real con el ejecutor. Si por ejemplo, en una puesta tradicional
admiramos a un antipático Macbeth y gozamos de ese proceso estético de doblaje,
podemos decir que se nos dobla la percepción misma. En esta puesta en cambio,
el mínimo umbral de ficción provocará
que el marco referencial sobre el actor
mismo influya como signo importante.
Su simpatía o antipatía afectarán realmente al espectador, incluso con riesgo
de “perder” el espectáculo. Así bien, la
propuesta estética nos ubica cerca de
lo performático sin evadir nunca las
implicaciones dramáticas del tema.
Puentea tendencias. La actuación de
tintes hiperrealistas, acerca tanto a
los actores como a los espectadores,
logrando que todos los presentes se
hagan responsables de su vinculación
con el tema del amor y del sentido de
la ficción. El tema del enamoramiento
fue influido por teorías neurológicas,
en donde todo se reduce a la química
interior. También trabajamos con los
preceptos de Jung, donde el ánima y el
ánimus como componentes de la psique arquetípica son los responsables
del dichoso enamoramiento por efecto
de proyección. Traducimos esta condición del ego proyectivo en la posibilidad
de romear o julietear con distintos cuerpos, cuestionando así, la exclusividad
de la pasión amorosa. Si está dentro
de ti entonces tú decides a dónde lo
proyectas cada vez. Influidos estamos
también por las teorías de actuación del
maestro Héctor Mendoza. Hay guiños en
la obra. El espectáculo funciona como
un cúmulo de preguntas para jugadores activos e invitados, que pretenden
desarmar o incitar a la reflexión sobre
preconcepciones relacionadas con la
temática; un foro donde la pasión y la
reflexión se encuentran mezcladas. Con
la intención de huir del lugar común o
del onanismo hablamos de amor y ficción. Consideramos que el primer tema
es un grito agresivo y político en contra
de la violencia, pero nuestro espíritu autocrítico nos obliga a cuestionar desde
la ficción misma el sentido o el poder
de ese grito. ¿Cuánto dura una mentira
bien hecha? ¿Cuánto dura un dibujo de
gis en el piso? juega a decir uno de los
personajes. Cada precepto teórico aquí
descrito no es para mostrarse, sino para
sostener una experiencia viva.
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101
¿Encontró lo
que buscaba?
Daniel
Hilario Camacho
¿Encontró lo que buscaba? (Partitura
escénica a una sola NO VOZ).
Como su nombre lo sugiere, esta obra
de teatro es una interrogación que intenta provocar otra interrogación; no sobre algún tema en particular; más bien,
aquel tipo de interrogación que puede
provocar el teatro; una interrogación
que intenta responderse en la praxis:
durante el encuentro cuerpo a cuerpo
(de actores y/o espectadores) que se
consuma y se consume en tiempo presente.
Este ejercicio teatral aventura un principio de trabajo: re-construir. Siempre
re-construir. Así es como construye y
re-construye (en cada función y ensayo)
una partitura de acciones. Esto me ha
permitido pensar que es posible construir a través de ese tejido de signos que
es la puesta en escena, algo más. Hacer
de la puesta en escena, algo así como
un puente. Para ello, me parece necesario problematizar la puesta en escena.
Problematizar la puesta en escena implica producir interrogaciones apelando
a la producción de presencia durante el
encuentro teatral. Entonces es necesario buscar y producir presencia. Buscar
(y producir) presencia es producir (y
buscar) espacios de contemplación;
espacios alternativos desde donde mirar este mundo; espacios que permitan
imaginar otros mundos.
Articulada como una partitura escénica, ¿Encontró lo que buscaba? intenta
producir un espacio de contemplación;
producir una oportunidad de diálogo. Una oportunidad de descolocar la
mirada, de descontextualizar nuestra
percepción momentáneamente. Renunciamos a la palabra hablada. La partitura transcurre casi en el silencio; y es
justamente a través de este silencio que
102
33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
puede surgir un diálogo. Y es que, paradójicamente, una de las posibilidades
de diálogo contemporáneo está en el
terreno de lo indecible; de lo indecible
que surge y se mueve a partir de ese
choque de alteridades irreductibles que
somos cada uno; de lo indecible que
aparece (parafraseando a Brook) mientras una(s) persona(s) contempla(n) a
otra(s) a través de un espacio – representacional o no.
La puesta en escena, se vuelve así productora de diálogo. Entendiendo diálogo, como una relación abierta y multidimensional; una relación que sucede
a partir y más allá de los cuerpos. Un
diálogo que devenga en dramaturgia.
Dramaturgia que se construye durante
el encuentro teatral. Dramaturgia que
es inasible e inconmensurable porque
no es textual; y que a diferencia del
discurso (que ostenta la puesta en escena) no puede capitalizarse porque se
da en el encuentro físico y efímero de
los cuerpos. De allí su valor. Tejer esa
dramaturgia, es uno de los objetivos
de este ejercicio teatral. En este sentido, este proyecto apela a lo que para
Octavio Paz es uno de los desenlaces
del arte contemporáneo: el arte de la
contemplación.
“… El arte de la contemplación produce objetos pero no los considera cosas
sino signos: puntos de partida hacia el
descubrimiento de otra realidad, sea
esta la presencia o la vacuidad. Escribo
hacia el descubrimiento porque en una
sociedad como la nuestra el arte no nos
ofrece significados ni representaciones:
es un arte en busca del significado.
Un arte en busca de la presencia o la
vacuidad donde se disuelven los significados. Este arte de la contemplación
rescataría la noción de obra sólo que en
lugar de ver en ella un objeto, una cosa,
le devolvería su verdadera función: la de
ser un puente entre el espectador y esa
presencia a la que el arte alude siempre sin jamás nombrar del todo.” (1991,
1994: 54. Subrayado mío).
De allí la idea de hacer de la puesta
en escena, algo así como un puente.
Llegado a este punto me parece pertinente anotar que hay una tendencia a
pensar en la contemplación como un
ejercicio pasivo, retrogrado, reaccionario e incluso indeseable para una
actividad (el teatro) que tiene como
principio el movimiento (la acción). Sin
embargo, según Alcántara: “Hacer teatro, contemplar, teorizar son todos parte
del mismo proceso...” (2002: 41). Una
anotación más: conviene evitar la tendencia a relegar la teoría al ámbito de la
razón, o reducir la actividad de teorizar
a un ejercicio meramente intelectual. El
mismo Alcántara hace una interesante
re-visión del concepto de teoría y demuestra que: “… La palabra teatro está
relacionada con la palabra teoría, la
cual a su vez significa contemplar con
todo el ser para percibir el significado
[…] de aquello que se contempla…”
(2002: 23.). Al respecto, argumenta:
“… El teatro, por definición, es teoría en
el sentido más amplio de la palabra. No
sólo es un hecho que la palabra teatro
viene de la misma raíz que la palabra
teoría, sino que, siendo contemplación
el significado de la palabra teoría, teorizar en teatro sólo puede ser, entonces,
primariamente, contemplar el despliegue de acciones humanas que se crean
en el espacio…”
Para los fines de esta reflexión, me refiero al diálogo, no
como ese recurso textual de la literatura dramática o a esa
forma de expresión característica de la comunicación oral;
sino como un fenómeno inherente al pensamiento, que está
más allá de cualquier objetivo estético.
3
Apelo a la definición que José A. Sánchez hace de dramaturgia como “Una interrogación que se resuelve momentáneamente en una composición efímera, que no se puede
fijar en un texto: la dramaturgia está más allá o más acá
del texto, se resuelve siempre en el encuentro inestable
de los elementos que componen la experiencia escénica”.
(2010: 19-20)
2
33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
103
Luego entonces, contemplar es “…ver
con el intelecto, ver con los sentimientos y emociones, ver con el cuerpo mismo…” (2002: 31. El subrayado es mío)
Desde esta perspectiva, se puede afirmar que la contemplación es un fenómeno corporal, activo, complejo; y por
supuesto, inherente al teatro. Olvidar
esto equivale a mutilar el sentido del fenómeno teatral; equivale a hacer de la
puesta en escena el objetivo último de
la actividad llamada teatro; equivale a
olvidar el sentido de teatro como actividad que construye un lugar desde donde se mira el mundo. Como un hacer,
desde donde se puede crear contexto,
desarticulando (aunque sea de manera efímera) el discurso dominante que
–cotidianamente– sustenta la mirada.
Quizá, en ¿Encontró lo que buscaba?,
no hay una concepción redonda y acabada de puesta en escena. Me gusta
pensar que se trata, más bien, de una
puesta en escena a la deriva. Hemos
intentado producir, a partir de este ejercicio escénico, un dispositivo teatral
eficaz. No sé si lo hemos conseguido;
pero hemos privilegiado el proceso antes que la pretensión de una obra terminada. Nuestro proceso ha sido un taller.
Entendemos el taller como metodología
en constante re-construcción. La producción de este trabajo escénico me ha
permitido entender de a poco los límites del teatro en tanto ejercicio de representación. Replantearme la noción
y la vigencia del personaje; la noción y
la pertinencia de construir una ficción;
el papel de las emociones (a partir de
Sartre) en el actor contemporáneo.
BIBLIOGRAFÍA
- Alcántara Mejía, José Ramón. Teatralidad y cultura: hacia
una estética de la representación. México: Universidad Iberoamericana, 2002.
- Paz, Octavio. “Presencia y presente: Baudelaire crítico de
arte” (pp. 43-55) en Los privilegios de la vista I (en obras
completas). México: Fondo de Cultura Económica, 1994.
- Sánchez, José A. “Dramaturgia en el campo expandido”
(pp. 19-37) en Repensar la dramaturgia. Murcia: Centro
Párraga, 2010.
104
33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
Reconociéndose
en
el
otro
Lizeth Rondero
5
y Felipe Huerta 6
En el teatro, la necesidad por encontrar
un lenguaje artístico personal, un código para comunicarnos, nos conduce
irremediablemente por el camino de la
experimentación y el riesgo. Arriesgamos desde lo más contable en términos
de producción, hasta aquello íntimo y
sutil como lo es nuestra forma de ver el
mundo. Es deseable no ser los mismos
después de cada creación.
En cada puesta en escena, emprendemos en compañía –cofradía, complicidad con los otros– un viaje para comunicarnos todos juntos con otros más,
¡qué afán de encontrar en los demás la
razón de nuestro quehacer! Supongo
que en los otros nos reconocemos a nosotros mismos y en ese primitivo acto
antropológico surge la razón más pura
de nuestro arte.
La puesta en escena que es pretexto para esta reflexión surge como esa
necesidad de comunicación y riesgo de
dos compañías de distintos países. BerrRRinche fue el proyecto que unió las
formas de hacer teatro de la compañía
mexicana FiguraT S. C. de Emmanuel
Márquez y la compañía quebecquá
Théâtre Motus de Hélène Ducharme.
Ambas compañías son reconocidas por
su trabajo en la construcción de un teatro sólido para jóvenes audiencias, sin
embargo, más allá de sus respectivas
trayectorias y cartas de presentación,
hubo determinados parámetros artísticos, ideas y nociones de cómo hacer
teatro para niños que nos hicieron reconocernos en el otro y decidir así emprender este proyecto en coproducción.
La primera coincidencia es que tanto
Héléne como Emmanuel comparten la
idea de que la poética y el lenguaje del
teatro para niños deben ser tan iguales
y comprometidos como el teatro para
adultos –incluso más. En lugar de escribir muchas palabras, ellos se tomaron
el tiempo para buscar la parte visual y
metafórica, con el fin de comunicarnos
en un lenguaje más cercano al de los
niños, para que no encuentren nuestros
temas demasiados adultos y aburridos
“Con las imágenes que construimos,
ellos van a ver cosas que incluso nosotros los creativos no podemos ver.”
Por lo tanto, Hélène Ducharme nos propuso un reto: remontar su obra tanto en
español como en inglés y con un mismo elenco mexicano para estrenarla en
Austin, Texas, y acceder de este modo
a ese mercado, para luego hacer temporada en México. BerrRRinche y Tiger
by the Tail fueron los nombres que se
decidieron para las dos nuevas versiones dirigidas por Hélène, sumándose a
la versión en francés La Crise, que ya se
había presentado con éxito en Montreal.
El tema que se trata en BerrRRinche,
nos pareció no sólo pertinente sino necesario para los escenarios mexicanos,
y el reto de montar la obra en dos idiomas con la infraestructura de FiguraT S.
C., un riesgo que no podíamos dejar de
tomar.
Recrear la puesta en escena de una
obra que se ha presentado con éxito
es una gran responsabilidad, porque el
resultado final de la plástica escénica
siempre será medido en función de la
propuesta original y su éxito.
Ver: Bosquejo de una Teoría de Las Emociones
de Jean Paul Sartre.
5
Lizeth Rondero. Actriz de la puesta en escena
BerrRRinche y de la compañía FiguraT S. C.
6
Felipe de Jesús Huerta Zavala. Productor ejectivo de
BerrRRinche y productor general de la compañía
FiguraT S. C.
4
33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
105
Para nuestra versión de La Crise, el
primer acierto fue plantearla desde el
punto de vista de nuestra cultura, de tal
manera que el lenguaje y los elementos
plásticos buscaban acercar al espectador a situaciones muy parecidas a las
de la obra original, pero inmersas en
nuestro contexto social. Detalles como
colores y formas de la utilería, mobiliario y vestuario fueron conjuntados con
gran cuidado para lograr un ambiente
“mexicano”, sin caer en excesos y extremos cliché.
Dentro de otros elementos que ayudaron al éxito de nuestra recreación,
destaca el importante trabajo de composición musical que la obra tiene. La
música original de Omar Guzmán otorga
la pincelada final para que BerrRRinche
y Tiger by the Tail sean una propuesta
nueva, pero sin dejar de ser La Crise,
que originalmente escribió Hélène Ducharme.
106
La realización de los títeres se llevó a
cabo en México por “Astillero Teatro” con
la guía y diseño de Claude Rodríguez.
Aprovechamos la oportunidad para generar un taller de realización de títeres
que nos permitiera a los realizadores
mexicanos, no solamente aportar nuestros conocimientos en la construcción
de los títeres, sino también aprender
nuevas técnicas de diseño y de manejo
de materiales. Fue tremendamente enriquecedor para ambos.
Hélène profundizó en el trabajo con los
actores, conduciéndolos para ir más
allá del manejo depurado de los objetos y los títeres en escena. Fue un arduo trabajo para ellos, pues dentro del
proceso de montaje, realizaron un taller
de manipulación de teatro de sombras,
además del coaching de idioma para
presentar la obra en inglés. Para ello
buscamos actores que hablaran ambos idiomas, además de que tuvieran
33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
la sensibilidad y técnica necesarias en
el manejo de objetos, con las cuales
pudieran desarrollar una profunda interpretación, que era lo que básicamente
buscaba Hélène en ellos.
De esta forma, tanto actores como
creativos y el equipo de producción de
ambos países, emprendimos este reconocimiento en el otro, aprendiendo
aquello que nos faltaba y aportando
todo aquello que sí sabíamos. Fue una
amalgama creativa indispensable en la
trayectoria individual de cada compañía, pues nos permitió no sólo experimentar y arriesgar, sino concretar una
obra de arte hecha de multiplicidades.
Fue, como Hélène dice: “Amor a primera
vista”.
Compañía de teatro del Espacio
Cultural Metropolitano
Sandra Muñoz
I. La Compañía:
“Según las leyes naturales, la vida
creativa de una Compañía no dura
mucho tiempo. Diez o catorce años nomás. Después la Compañía se deseca
a menos que se introduzcan nuevas
fuerzas; de otra manera, morirá”
JERZY GROTOWSKI
La compañía de teatro del Espacio
Cultural Metropolitano fue fundada en
febrero del 2005. Sólo 7 de los 14 integrantes originales permanecen en la
compañía. En estos casi ocho años,
hemos tratado de construir, mediante
un trabajo sistemático y sólido sobre el
oficio con base en la disciplina, la experimentación y el riesgo, la construcción
de “un cuerpo emocionalmente vivo de
personaje” que habite la escena; lograr
la organicidad dentro de una forma específica; y cuando digo “organicidad”,
me refiero al cuerpo que posee propiedades vitales, a todo aquello que tiene
aptitud y disposición para vivir y cuando digo “forma específica” me refiero a
que, si bien es cierto que los actores
construimos formas externas tratando
de amoldarnos a un personaje determinado, a veces esta forma no está del
todo equilibrada entre la forma propia
personal y la forma propia del personaje y de la estilística planteada. Últimamente, cuando voy al teatro, me quedo
con la sensación de que éste, en el mejor de los casos, está plagado de formas
específicas impresionantes, pero inanimadas, muertas, y nuestro trabajo como
constructores de realidades debería ser
dotar de pulso vital a esas formas presentadas. Para mí, el actor debe estar
SIEMPRE en riesgo, tanto sobre el escenario, como en el salón de ensayo. Riesgo es una palabra que me gusta mucho,
no entendida como peligro, sino como
situaciones que involucran incertidumbre, porque dentro de la incertidumbre,
el rango de posibles resultados para
una determinada acción es inagotable.
Por otro lado, cuando se ha optado por
una posible opción, el actor debe ser
capaz de encontrar una composición
espacial satisfactoria en la cual sus
impulsos internos puedan hallar una
forma visible, conveniente y justa. Pero
una acción visible y comprensible implica, casi siempre, una acción coreográfica. Parece paradójico, y en realidad,
lo es. En el teatro que hacemos en la
compañía del METRO, perseguimos
procedimientos físicos que en primera
instancia aparecen fundamentados en
la realidad que conocemos, pero que
encaminados en el riesgo, estos procedimientos físicos adoptan una lógica
que no es inmediatamente reconocible
(nuestra propia reinterpretación de Barba, Grotowski y Meyerhold nos guían);
buscamos con necedad, y a veces con
violencia que se manifiesta en rasgos
insospechados durante los ensayos, ver
los cambios importantes e invisibles
que se producen en el interior de los
cuerpos, ver emerger los milagros que a
veces son capaces de crear los actores.
En las compañías existe la posibilidad
de renovar los descubrimientos artísticos, y eso tratamos de hacer con la
Compañía del METRO: provocar contar
con el tiempo y con las condiciones
necesarias para seguir arriesgándonos;
hemos aprendido que el desarrollo de
los ensayos es un proceso en crecimiento… el peligro es siempre que la Compañía se convierta en un lugar seguro,
porque entonces la zona de confort provoca estancamiento.
33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
107
II. Mi contexto:
“¿Por qué se pone una obra en escena?... Para reunir a nuestros contemporáneos. En ese sentido, el teatro es
un acto de fe. La gente va a al teatro
por razones que no puede formular. El
teatro abre en su espíritu una fuente
de disensión, de debate personal consigo mismo que cada cual interpreta
diferentemente.”
LOUIS JOUVET
LA PROFESIÓN DEL DIRECTOR
Hace 15 meses –¿cómo olvidarlo?– tiraron afuera de mi casa, en mi propia
banqueta, en mi propia calle, invadiendo con impunidad y descerrajo el espacio que habito, dos cuerpos mutilados.
El paquete era de mediano tamaño –yo
aún no entiendo cómo pudo ocurrir la
disgregación de cuerpos ¿en qué tamaños en cuántos pedazos? para hacerlos
caber en ese espacio. El paquete era
de mediano tamaño, decía, y estaba
envuelto en una camisa de cuadros rojos amarrada por las mangas con dos
nudos tenues. Tiraron el paquete justo
en la línea que divide mi casa y la del
vecino, debajo del árbol de piñones,
que por la lluvia de julio estaba radiante de verde; aún sin saber –se presentía,
pero no se sabía– lo que había dentro,
era una imagen poderosa y las imágenes poderosas alteran los universos
emocionales de quien las contempla.
¿Cómo se construye una imagen poética? Ese paquete, en ese espacio,
era una imagen reconstruida, puesta
en escena. El realismo trae a escena
segmentos separados del mundo. Realidades percibidas por los sentidos, que
la mente humana normalmente evoca
sólo en la imaginación. El teatro percibe
la realidad circundante y la filtra, siempre la filtra, simboliza territorios semánticos. Construye imaginarios poéticos.
Yo no quiero que mi imaginario poético esté lleno de cuerpos mutilados, yo
quiero contar la historia de la soledad
del hombre, de los amantes que en el
verano se buscan y se desencuentran,
de las mujeres que en mi infancia
ahuyentaban coreográficamente los
moscos sentadas en una mecedora
en medio de la banqueta y de la lluvia
que provoca risa y del agua que libe108
ra las tentaciones del cuerpo y de los
hombres que saben amar y tocar a las
mujeres. ¿Cómo construir mi espacio
ficcional cuando el espacio de mi realidad y la de mis contemporáneos está
inmersa en este escenario de cuerpos
fragmentados que ocurre como una
puesta en escena violenta e irremediable, obligando a la ficción a reconstruirse, a poetizarse de otra manera?
En este último año la charla constante
con creadores a los que admiro y respeto como Fausto Ramírez, Raquel Araujo,
More Barret o Richard Viqueira, me ha
permitido reencaminar mis preguntas
y contrastar mi voz con otras voces. Si
se lanza la voz en el desierto, no hay
respuesta y el eco siempre termina por
complacer.
Hacer teatro, y no sólo en Tamaulipas,
es un acto de resistencia en muchas dimensiones: por la permanencia, por no
permitirnos el autosecuestro en nuestras propias ciudades, por el reto que
significa construir ficciones tanto o más
contundentes que la realidad misma.
Dice André Villiers que la obra espera
la escena para hallar su verdadera significación, su esencia dramática, y en
este sentido no podemos permitirnos
separar el texto del contexto, por más
doloroso que sea. No quiero decir con
esto que haya obligación ética de realizar un teatro donde la violencia permee
literalmente, pero sí tratar de habitar
espacios ficcionales más conscientes
de nuestra realidad y tomar actos resolutivos; tal vez no solucionemos nada,
pero seguiremos con ello construyendo
actos de resistencia para conspirar con
nuestros espectadores, para –como
Jouvet– ser capaces de reunir a nuestros contemporáneos. Eso quisiera.
33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
El
grupo
Luna Negra
El teatro en “Luna Negra” nace del grupo. A través de los años, la experiencia y la
convivencia que se crea con los integrantes, hace de éste una familia, donde el
principio y fin de cualquier dialogo, discusión o confrontación tienen lugar en el
escenario. Lo que nos evoca es la creación, y en este punto, las opiniones de los
integrantes se ponen en la mesa con el objetivo de escenificar la vida misma, en
cualquier expresión humana, en todo lo que observamos en la gente y los movimientos sociales, el aprendizaje escénico y de vida, provoca la evolución lógica de
nuestro lenguaje grupal, la creación a partir de nuestra experiencia. Ponemos todo
el material de vida personal, cultural, familiar y ancestral, no somos ajenos al estudio de nuestra historia y es con base en esa historia que la creación se convierte en
un hecho escénico único e irrepetible que sucede en tiempo presente.
Las herramientas de trabajo siempre abren el abanico de posibilidades creativas, y
las principales herramientas en el teatro somos nosotros. En este punto, cada artista, de cualquier parte del mundo, trae consigo un bagaje cultural que lo significa en
el escenario. Nosotros, como grupo, hemos trabajado con Daniel García Belardinelli
de Argentina, hemos dialogado y compartido distintas formas de ver y concebir el
teatro, coincidiendo en la formación y estructura metodológica y de lenguaje que
genera un grupo. Hace 8 años fuimos a Perú y tomamos un taller con el grupo
“Yuyachkany” con Rebeca Rally, la experiencia de la necesidad de lo grupal se hizo
presente en los compañeros que seguimos adelante con el proyecto de vida que
llamamos “Luna Negra”; también en los talleres con Casa del Teatro y con el “Grupo
55”. En estos tiempos, las influencias artísticas de otros países nos enriquecen y no
somos ajenos a sus enseñanzas; el artista tiene que convertirse en un ser universal
sin olvidar sus orígenes, pero siempre con la convicción de aprender de la belleza
de otras culturas, retribuyendo el intercambio con la nuestra.
El grupo ha generado en nosotros una necesidad de encontrar nuestras propias formas de hacer teatro. Creamos nuestra metodología a partir del autoconocimiento y
del entrenamiento constante, pues creemos que el trabajo de todos los días hace
la diferencia en el escenario y que el entrenamiento es una herramienta de trabajo
que se tiene que usar; la observación, la autocrítica, el autoconocimiento y una
conciencia cada vez más clara de lo que queremos mostrar. La formula real es el
trabajo sobre el error dentro del entrenamiento y en los ensayos, perder totalmente
el miedo a equivocarse.
Hay mucho por hacer, el trabajo es inagotable y la creación requiere de 24 horas
al día, el teatro siempre nos provoca y nos motiva al reto de lo no vivido, y en
este punto, el escenario siempre nos posibilita a ser otro del que somos, no dejamos de ser nosotros para ser otro, porque al final siempre somos. En nuestros
últimos montajes, hemos utilizado todo
nuestro material al servicio de la escena; la metodología se modifica según
las personas que se involucran en cada
proyecto. No queremos inventar el hilo
negro, pero nos gusta caminar sobre él,
vernos siempre en el riesgo de la caída,
buscar el equilibrio a cada paso de lo
que queremos y lo que de verdad es.
El movimiento artístico nacional se está
convirtiendo en algo necesario para la
sociedad; vemos en todo el país una
gran cantidad de personas que quieren
involucrarse en las artes escénicas. Para
nosotros es muy importante dignificar el
arte y que el artista pueda vivir de su
labor, estamos en el camino y sabemos
que es para toda la vida, así es que
seguiremos andando en este camino
aprendiendo a cada paso.
Creemos que la multidisciplina es fundamental en el entrenamiento del actor,
pero como grupo somos respetuosos de
todas las disciplinas artísticas. Nosotros
integramos la danza, el canto y la música dentro de nuestro entrenamiento;
esto también hace que el grupo tome
el trabajo desde diferentes lugares, el
del actor, escenógrafo o director, lo cual
nos enriquece al evaluar los resultados,
ya que buscamos el crecimiento integral
de cada miembro del grupo.
33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
109
Actividades
especiales
ENCUENTRO DE ASOCIACIONES
DE ARTES ESCÉNICAS MEXICANAS.*
C E N TRO DE LA S A R T ES S A N L UI S P O T OS Í CE NT E N A RI O
* Sólo para involucrados en la actividad
** Previa inscripción
110
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El mundo del teatro en México
Reuniones de trabajo para
consolidar a la Embajada del Teatro con los
representantes de las asociaciones
internacionales que confirman al Centro
Mexicano de Teatro A.C. representante legal de
cada una de ellas.
PARTICIPAN:
Marisa Giménez Cacho – ASSITEJ
Medardo Treviño – VICEPRESIDENTE DEL CEMEX
Lorena Salazar-PRESIDENTA DE SOGEM – COMITÉ
DE DRAMATURGOS ITI UNESCO
Arturo Nava – OISTAT
Gilberto Guerrero – DIRECTOR ENAT – CHAIR ITI UNESCO
Althair Naholy – EDUCACIÓN ITI UNESCO
Raymundo Nolasco y Adriana Reséndiz – COMITÉ JÓVENES
CREADORES- COMITÉ NEW PROJECT
Rodolfo Obregón- AICT
Alejandro Ortiz Bulle Goyri – PRESIDENTE AMIT
Alonso Hernández – SRIO. GRAL. DELEGACIÓN
EDO. DE MÉXICO ITI UNESCO
Germán Espíritu – COORDINADOR UNIMA
Arq. Francisco Peredo – PRESIDENTE AITA /IATA
Tito Dreinhuffer – PRESIDENTE ASOCIACIÓN
PRODUCTORES DE MÉXICO
Belelm Liceaga – COMITÉ DE TEATRO MUSICAL
Y COMITÉ DE DANZA
Moisés Miranda – PRESIDENTE
ASOCIACIÓN A CIELO ABIERTO
Mariano Jano – AICT Y PÁGINA WEB ITI UNESCO
33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
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Encuentro de salas independientes*
Se convoca al 1er. Encuentro de las Salas Independientes
con programación estable con el objetivo de generar un
análisis del estado actual de las salas independientes en
el país, generar procesos de reflexión de manera conjunta
impulsando modelos de cooperación y relación entre salas
independientes, y su relación con instituciones, así como
potenciar el papel de las Salas Independientes en el
desarrollo profesional del Teatro Nacional.
* Sólo para involucrados en la actividad
** Previa inscripción
112
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Encuentro de Programadores
Nacionales e Internacionales*
En el marco de la 33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO, se invita
a participar en las SESIONES DE ASESORÍAS Y SESIONES DE
PRESENTACIÓN Y PROMOCIÓN, las cuales buscan fomentar una
interacción más dinámica y relajada entre la comunidad teatral
(especialistas, programadores nacionales e internacionales y
compañías con repertorio).
Sesión de Asesoría
Estas sesiones buscan facilitar la comunicación e interacción
entre especialistas, programadores y compañías, a través de
conversaciones directas de máximo 15 minutos, previa cita,
en las cuales se plantean consultas a los especialistas y
programadores nacionales e internacionales sobre cuestiones
concretas en el ámbito de acción profesional, con el fin de
obtener consejos, asesorías y/o estrategias para alcanzar
objetivos o líneas de acción específicas.
Sesión de Presentación y Promoción
Estas sesiones consisten en realizar una presentación verbal
y visual en máximo 10 minutos del repertorio o un montaje
en particular, con el objetivo de brindar a los programadores
nacionales e internacionales las características claves en una
forma concisa y general sobre lo que se busca promocionar,
con la idea de encontrar una oportunidad de mercado.
33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
113
MESAS,
CONFERENCIAS
Y PRESENTACIONES
DE LIBROS.
CENTRO DE LAS ARTES
SAN LUIS POTOSÍ CENTENARIO
* Sólo para involucrados en la actividad
** Previa inscripción
114
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SÁBADO 10
MARTES 13
9:00 HORAS
11:30 HORAS
ENCUENTRO DE SALAS INDEPENDIENTES *
Teatro El Rinoceronte Enamorado
10:00 Y 16:00 HORAS
ENCUENTRO DE ASOCIACIONES *
Sala de Cronistas del Centro Cultural Municipal
DOMINGO 11
LAS PRÁCTICAS TEATRALES Y SU INCIDENCIA SOCIAL
Coordinador: Gabriel Yépez
En los últimos años, el arte teatral ha tenido un fuerte desarrollo en la vinculación con aspectos sociales. Con la intención de mostrar un trabajo que va más allá de la creación
artística, en esta ocasión revisaremos algunas de las prácticas teatrales que inciden en aspectos específicos para el
desarrollo de nuestra sociedad.
Participan:
ENCUENTRO DE ASOCIACIONES *
Sala de Cronistas del Centro Cultural Municipal
Edgar Maldonado Colis - Procesos teatrales en acompañamientos
de reinserción social para menores delincuentes.
Sonia Enríquez - Dramaturgias comunitarias; tradición oral,
identidad y preservación de la memoria.
Ireli Vázquez- El teatro sin memoria. Teatroterapia aplicada
en adultos mayores con Alzheimer.
Carmen Ramos - Procesos teatrales en reclusorios femenil
y varonil de Santa Martha Acatitla.
Sala de Música del Centro de las Artes San Luis Potosí Centenario
LUNES 12
13:00 HORAS
9:00 HORAS
ENCUENTRO DE SALAS INDEPENDIENTES *
Asociación Teatral “La Carrilla”, A.C.
10:00 Y 16:00 HORAS
10:00 HORAS
EVALUACIÓN DEL ENCUENTRO DE SALAS
INDEPENDIENTES
Sala de Música del Centro de las Artes
San Luis Potosí Centenario
11:30 HORAS
RESULTADOS DEL ENCUENTRO DE ASOCIACIONES
Sala de Música del Centro de las Artes
San Luis Potosí Centenario
13:00 horas
SESIÓN DE ASESORÍA **
Biblioteca del Centro de las Artes
San Luis Potosí Centenario
13:00 horas
PRESENTACIÓN DEL DOCUMENTAL LOS TRABAJOS
Y LOS DÍAS DE ÁNGEL NORZAGARAY
Por Felipe Parra
Documental en referencia al entorno de su niñez, que definió su
destino de vida y artístico, la vida del Norza se presenta como una
gesta del adolescente que va de Sinaloa hacia el norte (Baja California) llevando consigo su cultura, tradiciones y lengua que somete
a la batalla cotidiana de la frontera para articular un habla dura con
ecos poéticos. Describe su formación académica y literaria, que va
configurando su estilo rabioso y de profundos toques dramáticos
que da el leer y re leer a Shakespeare y Cervantes, en puestas en
escena de gran impacto visual.
La figura de Norzagaray en el contexto nacional a través de la mirada
de Jaime Chabaud, Armando Partida, Jesús Ochoa, Sergio Galindo,
Mario Bojórquez, Rodolfo Arriaga y los actores de Mexicali a secas.
SESIÓN DE ASESORÍA **
Biblioteca del Centro de las Artes San Luis Potosí Centenario
MIÉRCOLES 14
10:00 HORAS
CONFERENCIA
MODELO SECS – SP
Danilo Santos de Miranda (Brasil)
Licenciado en Filosofía y Ciencias Sociales. Ha realizado estudios
complementarios en diferentes universidades brasileñas y en el Management Development Institute de Lausanne (Suiza). Experto en
políticas culturales, es director del SESC (Servico Social do Comercio) del Estado de São Paulo desde 1984. Fue presidente del Fórum
cultural Mundial de São Paulo en el año 2004; presidente del comité
brasileño del Año de Francia en Brasil – Franca.Br2009 en 2008 y
2009. Desde el año 2008 y hasta finales de 2010 es presidente del
ICSW (International Council of Social Welfare). También es consultor de varias instituciones culturales brasileñas como: Itau Cultura,
Museu de Arte de São Paulo (MASP) y Movimento Nossa São Paulo.
Miembro del Comité Art for the World (Suiza), vice-presidente de FEPADET (Federación Panamericana de deporte), presidente regional
del International Council of Social Welfare y miembro de ISPA (International Society for Performing Arts) de Estados Unidos. Ponente en
innumerables conferencias nacionales e internacionales cada año,
ha sido reconocido y premiado en todo el país por su labor en la
cultura.
Sala de Música del Centro de las Artes
San Luis Potosí Centenario
Sala de Música del Centro de las Artes
San Luis Potosí Centenario
33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
115
11:30 horas
CENTRO DE INVESTIGACIÓN, DOCUMENTACIÓN
E INFORMACIÓN TEATRAL RODOLFO USIGLI CITRU
MESA 1
INICIATIVAS DE GESTIÓN DE LA
COMUNIDAD TEATRAL
PONENTES
Édgar Álvarez Estrada - Distrito Federal
Todos los foros, el foro. Hacia la gestión de
espacios independientes.
Propuesta del Instituto Nacional del Teatro, indagando
en la experiencia del teatro en Argentina Derechos y
obligaciones Red de espacios alternativos
Jenny González - Chiapas
El teatro en Chiapas a la reforma educativa y la
descentralización de las políticas culturales.
Reforma educativa y descentralización de las políticas
culturales.
Margarita Marín - Jalisco
Y cuando miramos a otros países?
Exposición de tres ejemplos de organización del campo
artístico en Bélgica.
Ejemplo Cities on Stage Circo contemporáneo y SMART,
institución mediadora entre cliente y artista.
Teatro sin dependencias. En busca de un modelo mexicano
basados en los modelos sudamericanos.
Propuesta basada en el modelo argentino.
Sala de Música del Centro de las Artes San Luis Potosí
Centenario.
13:00 horas
SESIÓN DE ASESORÍA **
Biblioteca del Centro de las Artes San Luis Potosí
Centenario
JUEVES 15
PRESENTACIONES EDITORIALES:
10:00 horas
SIETE AÑOS EN ENSAYOS Y 3 AÑOS EN DES-APRENDIZAJES
De Alberto Villarreal
Editorial TeatroSinParedes
Presentadores: David Olguín, Luis Mario Moncada, Alberto
Villarreal y David Psalmon.
Casa Rosa del Centro de las Artes San Luis Potosí Centenario
11:00 horas
CENTRO DE INVESTIGACIÓN, DOCUMENTACIÓN E INFORMACIÓN TEATRAL RODOLFO USIGLI CITRU
TEATRO Y PERFORMATIVIDAD EN TIEMPOS DE DESMESURA. LAS ARTES ESCÉNICAS Y SU INCIDENCIA EN EL CONTEXTO EN QUE SE DESARROLLAN.
Compilación de Gabriel Yépez
Libros de Godot
Presentan: Gabriel Yépez y Maricela de la Torre
Casa Rosa del Centro de las Artes San Luis Potosí
Centenario
MESA 2
11:30 horas
Sala de Música del Centro de las Artes San Luis Potosí
Centenario.
13:00 horas
ORGANIZACIÓN INSTITUCIONAL
Anthar Santos - Distrito Federal
Empresas culturales como modelo de producción escénica.
El desconocimiento sobre la aplicación de las áreas económico-administrativas dificulta el entendimiento del arte
como sector productivo y de su relación con el ciclo de consumo público.
Enrique Olmos de Ita - Hidalgo
La necesidad de un circuito nacional de artes escénicas.
Indagar la posibilidad de crear un fondo tripartita que involucre a los tres niveles de gobierno y que sirva para la creación
de un circuito nacional de artes escénicas en el país.
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Édgar Castelán - Distrito Federal
33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
ARTE Y CULTURA EN LAS SOCIEDADES LATINOAMERICANAS CONTEMPORÁNEAS.
Compilación de Patricia Chavero
Libros de Godot / Contigo América / CITRU
Presenta: Fernando de Ita
Casa Rosa del Centro de las Artes San Luis Potosí
Centenario.
12:00 horas
EDICIONES CITRU
TEATRALIDAD Y PODER EN EL MÉXICO ANTIGUO.
LA FIESTA DE TÓXCATL CELEBRADA POR LOS MEXICAS.
Martha Toriz
Presentan: Guillermina Fuentes, Socorro Merlín y Ricardo
García
RODOLFO USIGLI.
ITINERARIO DEL INTELECTUAL Y ARTISTA DRAMÁTICO.
De Ramón Layera
Presentan: Guillermina Fuentes, Socorro Merlín y Ricardo
García Arteaga
12:00 HORAS
ACTORES Y COMPAÑÍAS EN
LA NUEVA ESPAÑA: SIGLOS XVI Y XVII.
De Maya Ramos Smith
Presentan: Guillermina Fuentes, Socorro Merlín y Ricardo
García Arteaga
BALA POR MÍ EL CORDERO QUE ME OLVIDA.
SEGUIDO DE LAS MUJERES DE LA BRISA.
De Joaquín Cosío
Edición Poesía. Taberna Librería Editores / Nod Editores.
Presentan: David Ojeda y Juan José Macías
Casa Rosa del Centro de las Artes
San Luis Potosí Centenario
UNA PIEZA A TIENTAS “4 CHEMIS 4” DE RODOLFO USIGLI.
De Ramón Layera y Octavio Rivera
Presentan: Guillermina Fuentes, Socorro Merlín y Ricardo
García Arteaga
SESIÓN DE PRESENTACIÓN Y PROMOCIÓN **
Sala de Música del Centro de las Artes
San Luis Potosí Centenario
12:30 HORAS
13:30 HORAS
EL TEATRO DE AHORA: UN PRIMER ENSAYO
DE TEATRO POLÍTICO EN MÉXICO.
De Antonio Escobar e Israel Franco
Presentan: Guillermina Fuentes, Socorro
Merlín y Ricardo García Arteaga
EL AMOR DE LAS LUCIÉRNAGAS / MÁS
PEQUEÑOS QUE EL GUGGENHEIM
De Alejandro Ricaño
LIBROS DE GODOT/ INBA.
Presentan: Alejandro Ricaño y LIBROS DE GODOT
TEATRO Y POLÍTICA EN EL TEATRO DE
MARCELINO DÁVALOS.
De Socorro Merlín
Presentan: Guillermina Fuentes, Socorro
Merlín y Ricardo García Arteaga
TIMBOCTOU
De Alejandro Ricaño
Fondo Editorial Tierra Adentro
Casa Rosa del Centro de las Artes
San Luis Potosí Centenario
COLECCIÓN DE LIBROS ELECTRÓNICOS
Presentan: Guillermina Fuentes,
Socorro Merlín y Ricardo García Arteaga
14:00 HORAS
CAMBIOS PARADIGMÁTICOS
DEL TEATRO MEXICANO SIGLO XX Y XXI.
De Arturo Díaz y Gabriel Yépez
HISTORIA Y TEATRO EN EL CONCURSO
XAVIER ROJAS.
De Socorro Merlín
BRUJAS, APARECIDOS Y LEYENDAS.
ANTOLOGÍA DE OBRAS DE DRAMATURGOS
COMUNITARIOS.
Compilación de Sonia Enríquez
LIBROS DE GODOT
Presenta: Maricela de la Torre
Casa Rosa del Centro de las Artes
San Luis Potosí Centenario
REVISIÓN DEL GASTO PÚBLICO
De Patricia Chavero
RESEÑA HISTÓRICA DEL TEATRO
EN MÉXICO 2.0 – 2.1.
De Israel Franco y Sergio Honey
Casa Rosa del Centro de las Artes San Luis Potosí Centenario
33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
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VIERNES 16
PRESENTACIONES EDITORIALES:
11:00 HORAS
TEATRO PARA EL FIN DEL MUNDO;
LA ESCENA EN ESTADO DE EMERGENCIA.
Presentación del documental Teatro para
el fin del mundo; la escena del estado
de emergencia.
Presenta: Ángel Hernández
Proyecto apoyado por el programa IBERESCENA, festival que
presentó compañías de Costa Rica, Chila, El Salvador, España, Uruguay y México, interviniendo quince espacios en
condiciones de ruina y ofreciendo además de conferencias,
talleres, mesa de discusión, un laboratorio iberoamericano
de creación colectiva.
Casa Rosa del Centro de las Artes San Luis Potosí Centenario
12:00 HORAS
TEATRO PARA PÚBLICOS JÓVENES.
PERSPECTIVAS INTERNACIONALES.
De Manon Van Water
INBA-El Milagro.
Presentan: Otto Minera y Marisa Giménez Cacho
Las ponencias reunidas en este libro son ilustrativas del amplio campo de investigación que ofrece el teatro para públicos jóvenes. Abarcan cinco continentes; incluyen métodos
evaluativos, etnográficos e historiográficos , así como teoría
crítica, reflexión filosófica, análisis de textos dramáticos y
otros enfoques; tratan una amplia gama de asuntos: representaciones escénicas, contextos culturales, temas de identidad, raza, clases sociales, teorías de género, nociones de
niño y niñez, estética, así como la influencia de los medios
y las ideologías dominantes. Son tiempos de entusiasmo:
estamos trabajando en el terreno del teatro para públicos jóvenes, ya sea como practicantes o como estudiosos, o como
ambos. Los invitamos a compartir todo esto.
Casa Rosa del Centro de las Artes San Luis Potosí Centenario
12:00 HORAS
SESIÓN DE PRESENTACIÓN Y PROMOCIÓN **
Sala de Música del Centro de las Artes
San Luis Potosí Centenario
12:30 HORAS
LOS TÍTERES DE ROSETE ARANDA / ESPINAL
COLECCIÓN DEL INSTITUTO NACIONAL DE
BELLAS ARTES - INBA
Presenta: Marisa Giménez Cacho.
La historia de estas compañías es rica y fascinante, abarca muchos años y en ella intervienen una gran cantidad de
personas; todo se ve reflejado en los títeres —protagonistas
de este libro— que hablan por sí mismos. La selección busca mostrar, por un lado; su fascinante belleza, producto del
trabajo de maestros de la escultura en madera que supieron
imprimirles una sensible expresión, y por otro; los espectáculos más significativos de los que formaron parte. La mayoría están agrupados por repartos en obras en las que se
distinguen dos grupos: las que dan continuidad al repertorio
de los hermanos Rosete Aranda y las originales de Carlos V.
Espinal que culminan con la Ópera en Miniatura. En ciertos
casos tuvimos información precisa que nos dio certeza sobre
los personajes que intervienen en el reparto, en otros, nos
tomamos la libertad de agruparlos buscando un conjunto
coherente.
Casa Rosa del Centro de las Artes San Luis Potosí
Centenario.
13:00 HORAS
REVISTA TRAMOYA, CUADERNO DE TEATRO
Universidad Veracruzana
Presentan: Francisco Beverido, Laura Jayme y
Carolina Marín
Casa Rosa del Centro de las Artes
San Luis Potosí
Centenario.
14:00 HORAS
NOVEDADES EDITORIALES DE PASO DE GATO.
Editorial Paso de Gato
Casa Rosa del Centro de las Artes San Luis Potosí
Centenario.
EXHIBICIÓN Y VENTA DE EDICIONES
ESPECIALIZADAS EN ARTES ESCÉNICAS
Participan:
Editorial Paso de Gato Libros de GODOT - TeatroSinParedes Escenología – Tramoya
Lobby del Teatro de la Paz /
Centro de Difusión Raúl Gamboa.
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33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
EXPOSICIONES
QUADRIENAL DE PRAGA
Inauguración Viernes 9, 17:00 horas
Retrata la participación de México en la Cuadrienal de
Praga 2011, por la cual se hizo merecedor a una medalla de oro por la mejor exhibición de arquitectura teatral.
Se exhibirá el trabajo de los creadores mexicanos que
desarrollaron sus propuestas pensando en la mirada
cambiante y dinámica del espectador y la manera en
que las nuevas tecnologías electrónicas han alterado
nuestro entendimiento del espacio, el detalle y su imagen. Curador Sergio Villegas.
Galerías del Centro Cultural Palacio Municipal
NAVAJAS I, II
De Rosa María Robles
Inauguración Viernes 9, 18:00 horas
Las piezas que conforman la exposición Navajas no son
un documento de la violencia social actual, son una
interpretación de ésa violencia y pretendo que sean
consideradas simples piezas de arte, las cuales no alcanzan a reproducir el sentido de podredumbre y decadencia que caracterizan a nuestra realidad.
Galería Centro de Difusión Cultural
“Raúl Gamboa” del I. P. B. A.
EXPO CARTELES
Inauguración Viernes 9, 19:00 horas
Más de 30 años de historia gráfica serán expuestos durante la 33 Muestra Nacional de Teatro.
Esta exposición pretende exhibir las imágenes gráficas
de las puestas en escena que han tenido lugar en uno
de los espacios más representativos de la ciudad potosina: Teatro de la Paz
Vestíbulo del Teatro de la Paz
33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
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La
Muestra
interviene la
Ciudad
120
33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
El teatro se encuentra de fiesta. El evento más grande dentro de esta industria está a
punto de iniciar. En esta ocasión, la Muestra Nacional de Teatro, espacio en el cual año
tras año, actores, directores y creadores convergen para reunirse a apreciar lo que está
sucediendo en el panorama teatral actual se realizará en la ciudad de San Luis Potosí.
Si bien la Muestra Nacional de Teatro es el más importante escaparate del que
hacer teatral, esto no implica que no exista un espacio para unirse con otras expresiones artísticas. Se ha buscado fortalecer e incorporar nuevas formas de acercar a la
sociedad mediante el aprovechamiento de las nuevas tecnologías, las redes sociales y
los movimientos urbanos emergentes que tanta fuerza han cobrado en los últimos años.
La promoción de la 33MNT ha sido planeada para romper con ideas y
esquemas tradicionales. Como primer paso se buscó involucrar al nuevo talento
potosino, que no necesariamente está relacionado con el teatro, cuyas
propuestas artísticas ofrecen nuevas y dinámicas formas de acercar al público al arte escénico.
Una de estas propuestas fue realizar intervenciones, es decir, una serie de performances en lugares públicos en los que se realizarían montajes escénicos de manera
espontánea, en los cuales se mostraría de el número 33 con el fin de crear incertidumbre en el
público y, a la vez, dar a conocer la MNT conjuntándola con otro tipo de arte, como la danza.
Con el apoyo de varios artistas gráficos, se realizaron diseños de imágenes
alusivas al teatro, las cuales posteriormente fueron plasmados en forma de stickers,
banderillas o cubre bocas para utilizar en los performances o pegar en lugares
específicos. Inclusive, se ha buscado el apoyo de los graffiteros para realizar murales
para que llamen la atención y transmitan la festividad que esta actividad trae consigo.
Otra forma con la cual también se busca dar a conocer el evento fue por medio de la
Rodada Urbana Nocturna, del colectivo Vida Sobre Ruedas, un grupo de jóvenes potosinos
preocupados por la ecología y movilidad urbana. Dicho colectivo ha ganado un importante
número de seguidores desde su creación. Accedieron a realizar una “Rodada por el Teatro”.
Las estrategias de comunicación tradicionales no se quedarán de lado. Se ha
recurrido a spots, carteles o espectaculares. Todo lo anterior persigue un único fin:
acercar al mayor número de personas a este gran festejo teatral, al cual todos están invitados.
33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
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E S P A C I O S
SEDES
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33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.
TEATRO DE LA PAZ
VILLERÍAS #105, CENTRO HISTÓRICO, C.P. 78000
CENTRO CULTURAL UNIVERSITARIO BICENTENARIO
SIERRA LEONA #550 LOMAS SEGUNDA (ZONA DE POSGRADOS)
CENTRO DE DIFUSIÓN CULTURAL “RAÚL GAMBOA” DEL I. P. B. A.
UNIVERSIDAD ESQ. NEGRETE, ZONA CENTRO
TEATRO DEL IMSS
TOMASA ESTÉVEZ #800, ESQ. CUAUHTÉMOC.
CINE TEATRO CARLOS AMADOR
AV. DE LOS POTOSINOS ILUSTRES S/N INTERIOR PARQUE TANGAMANGA I
ASOCIACIÓN TEATRAL “LA CARRILLA”, A.C.
HIMNO NACIONAL #4000-A COL. INDEPENDENCIA
TEATRO EL RINOCERONTE ENAMORADO
CARLOS TOVAR #315 ZONA CENTRO
AULA CAJA NEGRA DE LA UNIVERSIDAD
AUTÓNOMA DE SAN LUIS POTOSÍ (UASLP)
DOCTOR MANUEL NAVA #8, ZONA UNIVERSITARIA
CENTRO DE LAS ARTES SAN LUIS POTOSÍ CENTENARIO
CALZADA DE GUADALUPE 705, COL. JULIÁN CARRILLO
CENTRO CULTURAL DEL PALACIO MUNICIPAL
JARDÍN GUERRERO #5 CENTRO
ESPACIO ALTERNATIVO
AVENIDA VENUSTIANO CARRANZA #774, BARRIO DE TEQUISQUIAPAN
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EQUIPO
DE TRABAJO
COORDINACIÓN GENERAL
Juan Meliá - Laura Elena González
COORDINACIÓN OPERATIVA
César Tapia
COORDINACIÓN LOGÍSTICA
Alma Rosa Castillo - Cecilia Padrón
COORDINACIÓN DE DIFUSIÓN
Alicia Martínez - Araceli Alvarado
COORDINACIÓN GENERAL TÉCNICA
Mario Eduardo de León
COORDINACIÓN DE PRODUCCIÓN
Patricia Bear
COORDINACIÓN ACADÉMICA
Cedric Barba - Irma Hermoso “Luna”
COORDINACIÓN EDITORIAL CATÁLOGO ESPECIAL
Gabriel Yépez
COORDINACIÓN ADMINISTRATIVA
Eloísa Sáenz - José de Jesús García
COORDINACIÓN DE CARGAS
Ernesto Acosta - David Reyna
COORDINACIÓN ENCUENTRO DE PROGRAMADORES
Haydé Zavala
REDES SOCIALES
Pedro Alfonso González Ramírez
REVISIÓN DE TEXTOS
Mariana Alatorre
COORDINACIÓN DE EXPOSICIONES
David Reyna
FOTOGRAFÍA
Fernando Moguel – José Jorge Carreón –
Raúl Ramírez “Kigra” – Enrique Gorostieta
DISEÑO GRÁFICO
Angélica Sánchez
MEMORIA EN VIDEO
Félix Barbosa
PÁGINA WEB Y FOTOGRAFÍA WEB
Transeúnte – La Mirada no Solicitada
Sara Pinedo – Nacho Ponce – Daniel Padrón
PATROCINIOS
Carolina Jayme Foyo – Adriana Camarena
PRODUCCIÓN ENCUENTRO DE PROGRAMADORES
David Bear Macías
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COLABORACIÓN EN DIFUSIÓN
Angélica Moyfa García
OPERACIÓN ENCUENTRO PROGRAMADORES
Emma Mosqueira, Irma Hermoso,
Iraís Avilés, Julie Hernández
TRANSPORTACIÓN
Susana Pérez García
DIARIO DE LA MUESTRA
Deborah Chenillo Alazraki
COORDINACIÓN DE ALIMENTACIÓN
Y APOYO LOGÍSTICO
Rosa María Gallegos
COORDINACIÓN DE LAS MESAS:
INICIATIVAS DE GESTIÓN DE LA COMUNIDAD
TEATRAL Y ORGANIZACIÓN INSTITUCIONAL
Centro de Investigación, Documentación
e Información Teatral Rodolfo Usigli CITRU
COORDINADORES DE ESPACIOS
Luis Esquivel, Raúl Pedro Torres, Jair Gómez,
Pueblo Pineda, Gustavo Betancourt, Oscar Sánchez,
Caín Coronado, Ángel Portilla, David Grimaldy,
Mario Rocha
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PERSONAL TÉCNICO
Alejandro Carrasco, Ramón Aceves,
Marco Antonio Cervantes, Sergio Galarza Salazar,
Valente Ibarra, Jorge Ernesto Rivera Jaramillo,
José Luis Chávez Juárez, Jorge Nesme Martínez,
Víctor Ramírez Cuellar, Jorge Silva, Severiano Martínez,
Jair Gómez Rodríguez, Gustavo Chávez, Gilberto Galarza,
Antonio Chávez, Juan Pedro Huerta Rangel,
Erick Daniel Díaz de León Torres, Daniel Gustavo
Chávez, Gerardo Pardo, Caín Coronado,
Alberto Villaseñor, Alberto Ybarra, Henoc Grimaldy,
Odeb Hiram García
APOYO LOGÍSTICO
María de la Luz Chávez Torres - David Gallegos González
AGRADECIMIENTOS ESPECIALES
Cynthia Valle Meade, Deborah Chenillo Alazraki,
Gerardo García Hurtado, Víctor Hugo Cabrera,
Ximena Ocejo Mendizábal, Bethsabé Guzmán,
Marisa Giménez Cacho, Mónica Juárez, José Luis Ortiz,
Paloma Caballero, Eleno Guzmán, Montserrat Morales,
Javier López Estrada, Ismael Vargas, Paola Muñoz,
Félix Barbosa, Jessica González Fuentes,
Martin Dávalos, Omar Méndez, Ángel Regil Rocha,
Rodrigo Meneses, Antonio Tercero, Cesar Domínguez,
Jaime Godoy, Antonio Retana / Colapso - Intervenciones
Urbanas, Roberto Méndez, Noemí Torres,
Lucía Andrade, UPAV / SECUL, Instituto Mexicano
del Seguro Social IMSS, Asociación Teatral
“La Carrilla”, A.C., Rinoceronte Enamorado
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