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Presentación. Octavio Arbeláez
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Teatro Colón. Manuel José Alvarez
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Minas gerais. Marcelo Bonés
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Un país desconocido. Fabio Rubiano
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Espectáculos
Sala Internacionales
21
Espectáculos
Sala Nacionales
57
Espectáculos
Calle Internacionales
83
Espectáculos
Calle Nacionales
95
Eventos Especiales
Palabras en Escena
113
Circulart
Eje Escena
137
Sexta
Feria del Libro de Manizales
145
Equipo
XXXVII FIT Manizales 2015
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Diseño y Diagramación:
Humberto Jurado Grisales / DV
Maria del Rosario Vallejo Gómez / DV
Edición de Textos:
Wilson Escobar Ramírez
Fotografías:
Grupo Invitados / 2015
Impresión:
Litoprisma
Teatro, cultura y política.
Los escenarios para el posconflicto
en Colombia
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La centralidad del foro político contemporáneo y la pertinencia
inmensa de la política como espacio de vida plena, se están
desplazando de las instituciones más decimonónicas de la
política como representación, a la política como movimiento,
emergencia, y nuevos protagonismos. Esta reconfiguración
de amplias consecuencias futuras, ha proyectado a la cultura
como espacio de nuevas ciudadanías y a la estética como
ámbito de definición de sentidos y de significaciones.
Por ello, cuando hablamos de la cultura como parte de un
proceso de diálogos no lo hacemos desde algún ángulo
fantasmagórico o metafísico sino desde relaciones sociales
que articulan procesos de intercambio muy amplios entre las
personas y las comunidades, cuyo resultado son modelos de
vida social y cultural.
La política cultural en Colombia cuenta con una consistente
institucionalidad en cuestiones relevantes y ha logrado
mantener una continuidad en la gestión que hoy se encuentra
por encima de otros países de América Latina. Se trata de
un enfoque que ha intentado relacionar la estructura con el
proceso o movimiento cultural.
Sin embargo, uno de los temas más sensibles de la realidad
socio-política de Colombia no es asumido con la fuerza que
urge como es la lucha contra el miedo y el terror. Un aspecto
que hay que resaltar en este déficit reto es el rol de la cultura
como espacio para la paz, el diálogo y la participación local.
Estamos frente a un país que cuenta con una larga tradición
de comunidades de base y una amplia red de casas de la
cultura y grupos creativos en el campo de las artes escénicas,
la música, la literatura, el cine, la poética, y la elaboración
intelectual, pero que al mismo tiempo vive una insuficiente
vinculación entre sus redes de conversación y acción, en un
contexto donde perviven niveles de exclusión en diferentes
esferas, acusándose profundamente en el mundo afro e
indígena.
El asunto de la lucha contra la cultura del miedo no es solo
una trama de la acción de las instituciones del gobierno,
sino que debe ser singularmente de los movimientos
sociales y creativos.
El miedo como relación social expropia la energía del
cuerpo y la capacidad de construir un mundo del habla,
la conversación y la imaginación. Si bien en este camino
se ha avanzado significativamente, la violencia continúa
siendo un campo sobre el cual se habla poco y al cual, en
muchos casos se le teme.
Es claro que en América Latina, particularmente en aquellos
países que han vivido periodos de aguda violencia, se sigue
generando cultura solidaria y se articulan acciones que se
sitúan frente a la violencia en todas sus formas y orígenes
como actos alternativos y alterativos de esta lacerante
realidad.
Pero no se trata solo de generar lo anterior, es imperativo
que el conjunto social asuma como centralidad las
relaciones de la lógica y el consenso como formas de
vivir juntos respetando la singularidad de cada cual. En
este escenario, el Festival se suma al proceso que vive el
país, construyendo escenarios de diálogos para pensar en
la Colombia del postconflicto, y dedica esta edición a estos
diálogos de nación, desde la más hermosa de las artes: el
Teatro, que es como la vida.
Octavio Arbeláez Tobón
Director
Festival Internacional de Teatro de Manizales
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Teatro Colón
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El Teatro Colón y el Festival Internacional de Teatro de
Manizales son aliados naturales, por eso recibimos con
satisfacción ser los invitados de honor a esta edición. El
Colón reabrió sus puertas hace poco más de un año y en
su nueva visión de teatro de producción, ha decidido salirse
de los espléndidos muros patrimoniales que lo acogen para
acercarse a las regiones.
En el marco del Festival, aprovechamos para invitarlos a
conocer este momento del Teatro con una programación
incluyente, diversa y plural que favorece a todas las disciplinas
de las artes escénicas y de la música. Un teatro que, gracias
a la iniciativa y a la visión de la Ministra de Cultura, Mariana
Garcés, se actualizó estructuralmente con una nueva caja
escénica y con tecnología de punta en: iluminación, audio,
video y una mecánica teatral totalmente robótica con 55
barras, controladas por una consola digital, lo cual facilitará
el trabajo de los creadores y hará más versátiles los montajes
escénicos de cualquier compañía nacional e internacional
que nos visite.
Le estamos apostando al talento colombiano, por eso
inauguramos la versión XXXVII del Festival Internacional de
Teatro de Manizales, con la coproducción Labio de liebre
junto al Teatro Petra, dirigida por Fabio Rubiano O. Una obra
que se está convirtiendo rápidamente en una pieza icónica
del teatro colombiano, por sus reflexiones sobre nuestra
sociedad y los hechos recientes que han marcado nuestra
memoria.
El estreno de Hoy envejecí diez años, coproducción de la
Fundación La Maldita Vanidad y el Teatro Colón, dirigida
por Jorge Hugo Marín, estamos seguros que nos generará
un sentimiento especial de la Medellín de los años 80, con
ritmo “chejoviano” y una adaptación muy libre de Las tres
hermanas.
Asimismo, el Teatro Colón tuvo el privilegio de
estrenar a finales de 2014 Flowers for Kazuo
Ohno (and Leonard Cohen), un poético y brillante
homenaje al fundador de la danza Butoh japonesa
con música de Leonard Cohen como banda sonora.
La obra fue concebida por Álvaro Restrepo, director
de El Colegio del Cuerpo, junto con Marie France
Delieuvin, codirectora, y Ricardo Bustamante,
subdirector artístico y pedagógico.
Estas tres obras que el Teatro Colón presenta en esta
edición, inician una larga vida por los escenarios del
país y del mundo.
Gracias al Festival Internacional de Teatro de
Manizales, a su director Octavio Arbeláez, a la junta
directiva y a su presidenta Elvira Escobar de Restrepo
por esta invitación y por permitirnos presentar al
Teatro Colón, el teatro de los colombianos.
Manuel José Álvarez Gaviria
Director Teatro Colón
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El Teatro de Grupo de Minas Gerais
Por Marcelo Bones*
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Belo Horizonte, en el estado de Minas Gerais, Brasil, es
una ciudad privilegiada por la tradición de su producción
teatral; una producción desarrollada durante años que se ha
cimentado en una forma muy particular de hacer teatro: el
grupo de teatro. Como consecuencia de ello, nuestra escena
a alcanzado un lugar destacado en el movimiento teatral
brasilero exactamente por ese modo de producción.
Creo que hemos desarrollado este fuerte expresión de teatro de
grupo no sólo por una visión política del mundo, sino también
por la necesidad de supervivencia de nuestra producción. No
tenemos la fuerza motriz de los grandes recursos como los
de la ciudad de São Paulo, ni la influencia de la producción
televisiva del llamado mercado teatral carioca, pero sí hemos
consolidado un modo muy peculiar de la producción, donde
el trabajo cooperativo fue necesario para la creación y la
circulación de nuestros espectáculos teatrales.
En este contexto de colaboración y acompañamientos surgió
PLATÓ, Plataforma de Internacionalización del Teatro.
Nacido a principios de 2014, este consorcio de cuatro grupos
de teatro de Belo Horizonte tiene como objetivo realizar
acciones para la circulación internacional de su producción
artística. Estos colectivos se destacan en la escena teatral
brasileña contemporánea por su dedicación a la investigación
escénica, con obras artísticas consistentes que le han
merecido premios importantes, así como por una circulación
constante en todo el país.
Esta iniciativa surge de la constatación de que la presencia
del teatro brasileño en el exterior es menor que el potencial
que tenemos, desde la observación de nuestra potente y
voluminosa producción y la receptividad de nuestro arte
escénico en otros países.
Por la importancia económica y política, por los grandes
eventos deportivos y también por la descubierta diversidad de
la cultura brasileña, el interés y la curiosidad de otros países
sobre lo que hacemos artísticamente ha crecido mucho y
nosotros tenemos todavía pocos canales para tornar este
flujo más operativo.
La Plataforma de Internacionalización del Teatro ya se
ha presentado en varios festivales en América Latina, a
través de sus grupos y de forma individual. Por acción de
PLATÓ, nos presentaremos en los festivales de Pirologias,
Puerto Monte, Bariloche, Caracas, entre otros. Pero fue la
invitación al Festival de Manizales que más nos entusiasmó
porque por primera vez presentaremos cuatro obras de los
cuatro grupos en un sólo festival. Y no cualquier festival,
sino en el emblemático Festival de Teatro de Manizales
en sus 37 años de historia. La participación de PLATÓ en
Manizales consolida el avance del trabajo colectivo y nos
permite mostrar la dinámica y la expresiva producción
teatral de Minas Gerais en el marco de uno de los festivales
de teatro más importantes de América Latina.
Otra acción muy importante que llevó a cabo la Plataforma
fue el encuentro DOBLE VIA, que tuvo lugar en Belo
Horizonte del 4 al 9 agosto de 2015, en virtud del cual
se produjo un intercambio cultural y artístico con CETA Consorcio Exportador del Teatro Argentino- organización
similar a los objetivos de nuestra plataforma. Fueron seis
días de presentación de espectáculos, intercambios y
debates. En esa misma dinámica, invitamos también a la
Sala de Teatro “El Mura”, de Montevideo.
De tal suerte que PLATÓ es ahora una herramienta
internacional importante de una potente producción
artística que busca intercambios con artistas e instituciones
internacionales.
Compañías presentes en esta edición del FIT de Manizales:
Luna Lunera
Fundada en 2001, la Compañía Luna Lunera busca formas
diversificadas de creación a través de la investigación
continua y el diálogo con otros creadores contemporáneos
de teatro, danza, música y artes visuales. En sus obras
busca combinar la investigación, el juego escénico, el
uso de la música como parte integrante de las propuestas
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dramatúrgicas y la inserción de los actores en
la creación de la dramaturgia. En trece años de
trayectoria, construyó seis obras, obteniendo amplia
repercusión nacional: Perdóname por traicionarme
(2000), Cumpleaños Feliz (2003), No desperdicie su
única vida o... (2005), Aquellos Dos (2007), Cortiços
(2008) y Placer (2012). www.cialunalunera.com.br
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Grupo Espanca!
El Espanca fue fundado en 2004 y cuenta hoy con
un repertorio de cuatro obras con textos originales
escritos por Grace Passô durante los procesos de
creación de estos trabajos y ya fue premiado por
todos los principales premios de teatro brasileros.
Todos proponen una reflexión sobre los códigos del
hecho teatral; la construcción de un género de arte
híbrido, con obras que no son solamente trágicas o
cómicas y sí trabajos que buscan representar al ser
humano sin reducciones simplificadoras de su propia
condición. En 2012, la compañía creó el espectáculo
“El líquido Táctil”, con dirección y dramaturgia de
Daniel Veronese. www.espanca.com
Grupo Teatro Andante
El Grupo Teatro Andante, fundado en 1990, tiene
actualmente cinco obras en su repertorio activo:
Olympia, Barbazul, La historia De Edipo (teatro
de calle), el Grande Cello y La Quinta Sinfonía de
Beethoven. El grupo se presenta por todo Brasil y
ha hecho giras internacionales en Italia, Alemana,
Portugal, España y Argentina. Busca siempre la
investigación del lenguaje como eje conductor de
sus producciones, innovando siempre en las técnicas
utilizadas y en los espacios de presentación (sala,
calle, espacios alternativos).
www.teatroandante.com.br
Grupo Teatro Invertido
El Grupo Teatro Invertido surgió en 2004 con el objetivo
principal de la investigación sobre el entrenamiento
del actor y la creación escénica iniciada en el curso
de teatro de la Universidad Federal de Minas Gerais.
A cada nuevo montaje reafirma su interés por la
investigación artística y la colaboración como principios
éticos del trabajo creativo. La función social del teatro
y su comunicación con el espectador común, son las
principales motivaciones del grupo. Actualmente tiene
seis obras en su repertorio: Nossa Pequena Mahagonny
[2003], Lugar Cativo [2004], Medeiazonamorta [2006],
Proibido Retornar [2009], Estado de Coma [2010] y Os
Ancestrais [2013]. www.teatroinvertido.com.br
* Marcelo Bones es actor y director. Miembro del Grupo
Teatro Andante de Belo Horizonte, Minas Gerais.
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Un país desconocido
Nuestro trabajo está sostenido en la ficción.
En hacer que cosas que no existen, existan.
O que creamos que existan.
Fabio Rubiano Orjuela*
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Decir que Colombia va a estar en paz parece una historia
fantástica, un mundo desconocido. La perspectiva de guerra
es tan predominante que un territorio de paz es un universo
misterioso instalado en el terreno de la ficción, de los sueños.
“¿En serio cree que podemos tener paz en este país?”, dicen
algunos con toda seguridad haciéndonos ver como ingenuos,
y en algunos casos obscenos o descarados por abrazar con
tanto fervor esa ilusión.
Pero así trabajamos.
Casi todos comenzamos a hacer teatro cuando nuestros
padres no estuvieron de acuerdo, cuando quienes nos
querían decían que “mejor hiciéramos otra cosa”, cuando la
mayoría de las miradas estaban cargadas de lástima por tanta
ingenuidad.
Estábamos emprendiendo una carrera que no servía para
nada, que sus productos no se concretaban en bienes
tangibles. Todos nos miraban como a aquellos que se retiran
de la realidad para caer en el abismo de la abstracto.
Y no. A pesar de la ficción estábamos muy cerca de la realidad.
Aunque esa realidad diera la sensación de que no lo era.
Hemos vivido realidades que parecen de mentira, atrocidades
que no soportan los límites del realismo, violencias que harían
gritar a los trágicos, tristezas a las que no ha llegado ningún
romántico, y héroes desconocidos salidos de los mismos
bandos de los verdugos.
Se ha hecho mucho teatro sobre la sangre y la guerra.
Y muy buen teatro.
Los griegos, Shakespeare, Brecht, los contemporáneos
alemanes, mexicanos, canadienses, libaneses. Todos
tienen sangre.
Hasta los cuentos de hadas son sangrientos.
Y uno llegó a ciertos límites en los que creyó que
para el arte se necesita de la destrucción. O que las
historias que no tuvieran que ver con el dolor estarían
destinadas al fracaso.
Y no.
El teatro es un encuentro de contrarios.
Y desde hace tiempos casi todos somos contrarios en
este país. Algunos gobernantes insisten en indicar que
el mejor camino es el odio hacia el otro, que quien
no está conmigo está contra mi, contra los míos y
contra todo lo que yo pienso.
Hay contrarios, pero no hay encuentros.
En el Teatro, sí.
El alma de nuestra profesión son los antagonismos,
las fuerzas que se oponen. Y ahí está el movimiento.
No siempre tenemos que hablar de villanos.
El teatro tiene la posibilidad de entrar en conflicto sin
matarnos, de insultarnos con toda confianza, de ser
memoria de nuestro tiempo.
De recuperar lo que pasó no para perpetuarlo, sino
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para tomarlo como referencia y construir un nueva forma
de relatar la historia; para seguir adelante, y como dice
Leonel Narváez no chapotear en la memoria coagulada.
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Así como no estamos condenados a 100 años de soledad,
tampoco a otros 60 de odio.
La vieja estructura nos hace seguir subrayando la maldad
que ha surcado nuestras tierras. A lo mejor una nueva
propuesta, un riesgo en la vanguardia nos puede dar
la posibilidad de narrar desde otro ángulo. Cuando la
víctima y el victimario estén frente a frente en nuestras
obras habrá conflicto, y memoria; pero su referente de
identidad tal vez no será el odio, ni la venganza será un
imperativo de honor. Nos arrodillaremos ante la sangre
derramada para limpiarla, no para restregarla en la cara
de quien la derramó.
Nuestro trabajo es simbólico, y en ese campo
reconstruimos, resignificamos.
El arte inventa. Es el momento de reconstruir los conflictos,
no para volver a una realidad que ya conocimos, sino
para ayudar a inventar un país que como nuestro trabajo
parece de ficción, un país que aun desconocemos.
* Dramaturgo y director del Teatro Petra.
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ESPECTÁCULOS
SALA
INTERNACIONALES
Othelo
Buendia Theatre
Argentina
Ficha artística
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Dirección: Gabriel Chamé
Elenco: Matias Bassi, Maria
Justina Grande, Hernán Franco,
Martín López
Escenografía:
Jorge Pastorino
Iluminación: Jorge Pastorino
Vestuario: Gisela Marchetti
Asistente escenografía:
Cecilia Stanovnik
Asistencia: Justina Grande
Producción Ejecutiva:
Micaela Fariña
Producción y distribución:
Leila Barenboim y Gabriela
Marsal (Mika Project)
Duración:100 minutos
La obra
Siempre Shakespeare. Lo cómico
es trágico y tan trágico que es
cómico, o lo que se es capaz de
hacer por odio y celos”.
Cuatro actores, especialistas en
el teatro físico, el clown y el
burlesco, interpretan la famosa
tragedia de William Shakespeare,
Othelo.
En una puesta totalmente
despojada de realismo cotidiano,
el juego físico y el verso blanco
del maestro inglés se enfrenta y
se complementa en un lenguaje
lúdico, hilarante y absurdo.
Respetando el texto de Othelo,
su poesía, y tensión dramática,
ahonda en las intenciones de
los personajes a través del gag
cómico, generando una ironía
siniestra en la tragedia. Investiga,
sin solemnidad, la relación
entre lo trágico y lo cómico,
como claves del teatro clásico y
contemporáneo.
Othelo es un espejismo maléfico
en el que acercándote no ves
más que arena. O tu propia
tragicomedia.
Sobre el espectáculo
“Siempre me ha fascinado
en el clown una libertad que
surge inesperadamente. Que
escapa a tu control, como si
no te perteneciera, una energía
liberada que no has buscado,
que aparece cuando menos
te lo esperas y te sorprende.
Como si la fuerza que sale de
tu cuerpo la empujara otro, otro
que no eres tú, a pesar que eres
quien lo ejecuta. Otro que crees
conocer y recuerdas, un ser
que duerme en ti y se despierta
de una sacudida. Alguien con
quien has convivido toda tu
vida, está en libertad con toda
la fuerza de la naturaleza, una
fuerza vertiginosa, e infantil,
que te embriaga de un estado de
profunda idiotez. Esta energía
desmesurada, puede ir tan lejos
que su acción toma formas
inéditas y de diferentes lecturas,
rompe estilos preconcebidos,
invade el inconsciente del
público saltando toda barrera
intelectual o conceptual. Esta
fuerza extraordinaria, le da a
tu cuerpo, libertad y placer, te
sientes integrado, fluido, preciso
y claro. El Clown, es un ser
extravagante, que supera toda
lógica y llena de una poesía
extraordinaria
cada
acto”.
(Gabriel Chamé Buendia)
El Director
Gabriel Chamé Buendía se
inició en la Compañía Argentina
de Mimo de Angel Elizondo, fue
discípulo de Etienne Decroux
en París, como Actor y asistente
de Dirección entre 1978-84
participó de siete espectáculos
censurados por la dictadura
militar en Argentina.
Fundador y actor de “El
Clu del Claun”, compañía
de clown teatral que hará
descubrir y deleitar al público
Iberoamericano con una nueva
visión estética.
Desde 1990 Gabriel Chamé
Buendia extiende su trabajo
por Europa desarrollando la
investigación teatral, como
actor, director y pedagogo. Ha
dirigido numerosos cursos en
España Francia y en Alemania.
Fue profesor del Instituto de
Teatro de Sevilla, del Estudio de
J.C.Corazza, Laboratorio Layton,
Estudio 3, Escuela Cristina Rota
en Madrid y En France de l’Ecole
Nationale du Cirque de Rosny
sous Bois , el Samovar en Paris y
a la Cascade.
Entre 1999 y 2004 hizo parte
del prestigioso Circo del Soleil,
donde fue clown del espectáculo
“Quidam”.
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Aqueles Dois
Compañía Luna Lunera
BRASIL
Minas Gerais (Invitado especial)
Género: Drama
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Ficha artística
Concepción: Cia. Luna Lunera
Texto: Caio Fernando Abreu
Directores/Creadores: Cláudio
Dias, Marcelo Souza e Silva,
Odilon Esteves, Rômulo Braga y
Zé Walter Albinati
Elenco: Cláudio Dias, Marcelo
Souza y Silva, Odilon Esteves y
Guilherme Théo
Actores stand-by: Fábio Dias,
Frederico Bottrel, Rômulo Braga
Relator del processo:
Zé Walter Albinati
Workshop de acciones vocales:
Odilon Esteves
Workshop de contacto de
improvisación: Cláudio Dias
Workshop de voz:
Zé Walter Albinati
Escenario: Núcleo de creadores
del espectáculo
Iluminación: Felipe Cosse e
Juliano Coelho
Creación gráfica:
Frederico Bottrel
Producción:
Compañía Luna Lunera
Duración: 95 minutos
La obra
De la rutina de una “asignación
de tareas” – metáfora para
cualquier ambiente inhóspito
y burocrático de trabajo, se
revelan lazos de complicidad
entre dos de sus nuevos
funcionarios, Raúl y Saúl.
Y que “en un” desierto de almas
también desiertas, un alma
especial reconoce de inmediato
a la otra. Sin embargo, esa
relación acaba incomodando a
los demás colegas de profesión.
El espectáculo “Aquellos dos”
fue creado a partir del cuento
homónimo del escritor Caio
Fernando Abreu (1948-1996).
El texto y el espectáculo
posibilitan una diversidad de
lecturas y percepciones del
universo “de Aquellos dos”. Los
actores se turnan los papeles
de Raúl y Saúl, narran algunos
pasajes y sugieren los otros
personajes de la “asignación de
tareas” y sugieren sus propias
referencias a la lectura del texto
de Ciao. Se ve en la escenografía,
en el vestuario, en la música y
en el texto, una simultaneidad
intencional que abarca varias
décadas.
El juego corporal entre los
actores, el trabajo con el
parlamento, la relación con el
espacio y los objetos, recibió
una importante influencia de
los temas más importantes y
relevantes del Observatorio de
Creación de la Compañía Luna
Lunera: el contacto improvisado
y el método de las acciones
vocales.
La compañía
Fundada en 2001, la compañía
Luna Lunera desarrolla formas
muy diversas en la creación
artística, a través de una
investigación continua y el
diálogo con otros creadores
contemporáneos
de
teatro,
danza, música y artes visuales.
Suele abrir sus espectáculos al
público estableciendo desde el
comienzo un espacio de diálogo
con los espectadores en lo que
llama Observatorio de Creación.
En mayo de 2007, Luna Lunera
propuso internamente un grupo
de estudios sobre contacto
improvisado (técnica corporal
creada por Steve Paxton, basada
en la comunicación entre dos
o más cuerpos en movimiento
que están en contacto físico
y su relación combinada con
las leyes físicas que rigen su
movimiento -La gravedad, el
impulso, la inercia. Es una
técnica de trabajo físico en el
que se puede experimentar con
las fuerzas de la naturaleza,
empujando los cuerpos al límite
de sus capacidades.
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Olympia
Teatro Andante
Brasil
Minas Gerais (Invitado especial)
Género: Teatro con máscaras
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Ficha Artística:
Concepción y Actuación:
Ângela Mourão
Dirección: Marcelo Bones
Texto: Guiomar de Grammont
Dramaturgia: Ângela y Marcelo
– Grupo Teatro Andante
Figurín y ejecución
escenográfica: Wesley Simões
Creación y confección de
máscara: Márcia Torquato
Música Original:
Chiquinho de Assis
Creación de luz: Chico Pelúcio
(Grupo Galpão), Felipe Cosse y
Juliano Coelho.
Producción:
Grupo Teatro Andante
Duración: 60 minutos
La obra
Olympia es una obra con gran
éxito de público y de crítica, con
trayectoria muy significativa en
todo Brasil y giras en Argentina,
Venezuela, España y Portugal.
Está basada en la historia de la
andariega que vivió en Ouro
Preto y se tornó muy famosa
en Brasil, recibiendo turistas
y artistas en las calles de la
ciudad histórica a quienes
encantaba contando historias de
Brasil de manera muy graciosa.
Descendiente
de
familia
burguesa, llamada la “primera
hippie de Brasil” y “abuela de
la contracultura”, Olympia se
decía novia del Emperador Don
Pedro II, amiga de la cantante
Rita Lee y del poeta Vinicius de
Morais. Retratada en periódicos
y revistas, incluso en la portada
de la revista Life, Olympia
fue fotografiada con Sartre y
Beauvoir y fue tema de la escuela
de samba de Mangueira, en Rio
de Janeiro.
La obra mezcla tradición y
contemporaneidad recurriendo
a diversas técnicas teatrales para
tratar de temas como la mujer,
la soledad, la locura, los límites
entre lo real y lo imaginario y
las fronteras del juego teatral,
transitando entre el personaje, la
narradora, la máscara y la propia
actriz, que se revela en escena.
Con
este
espectáculo,
el
Teatro
Andante
profundiza
sus
investigaciones:
técnicas
corporales para la representación,
el trabajo con máscaras y la
construcción de la dramaturgia,
para recrear esta reina mendigo,
alegoría de la exuberante identidad
brasileña.
El diretor Marcelo Bones
Uno de los más activos directores
de teatro de Minas Gerais, tiene
en su repertorio, entre otros,
los espectáculos “Olympia”, “A
Historia de Edipo”, “Musiclown”
y “Por um Triz”, con el Grupo
Teatro Andante que fundó, junto
con Angela Mourao, en 1990.
En 2004 y 2012 fue director del
FIT-BH, Festival Internacional
de Teatro – Palco e Rua. Fue
Director de Artes Escénicas de
la Funarte - Fundación Nacional
das Artes do Ministério de la
Cultura de Brasil.
Es consultor y programador
independiente
de
festivales
de artes escenicas. Partecipa
de festivales en todo el país,
América Latina y Europa.
Teatro Andante
El Grupo Teatro Andante trabaja
profesionalmente desde 1990,
con significativa actuación en
el escenario teatral de Belo
Horizonte, Minas Gerais y
Brasil y con algunas giras
internacionales,
donde
se
incluyen
Italia,
Alemania,
Portugal, España, Argentina y
Venezuela. Busca siempre en
su trabajo la investigación del
lenguaje como eje conductor
de sus producciones, innovando
siempre en las técnicas utilizadas
y en los espacios de presentación
(sala, calle, espacios alternativos).
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Os Ancestrais
Grupo Teatro Invertido
Brasil
Minas Gerais (Invitado especial)
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Ficha artística
Texto y dirección: Grace Passô
Actuación: Beatriz França,
Dimítrius Possidônio, Kelly
Crifer, Janaína Morse e Robson
Vieira
Investigación en movimiento:
Kenia Dias
Laboratório de voz y
movimento: Cristiano Peixoto e
Kenia Dias
Escenario: Fernando Marés
Asistente de escenografía
y escenotécnico: Mateus
Andreatta
Vestuario: Camila Morena da
Luz y el grupo
Investigación de objetos y
accesorios: Camila Morena da
Luz
Iluminación: Bruno Cerezoli
Instalación sonora:
Ricardo García
Muñeca: Eduardo Félix /
Pigmalião escultura que mexe
Producción: Maria Rita Fonseca
Asesoría de comunicación:
Canal C
Traducción a español: Jimena
Castiglioni
Realización: Grupo Teatro
Invertido
Duración: 80 minutos
La obra
Este, el sexto montaje del Grupo
Teatro Invertido, con texto y
dirección de Grace Passo, parte
de una situación fantástica para
abordar temas como los lazos
familiares y la noción de la
propiedad de la tierra en Brasil.
La
historia
trata
de
las
contradicciones de las relaciones
familiares y el abismo existente
entre los deseos individuales
que conducen esa convivencia
hacia una situación límite, de
construcción de un nuevo orden
después de una gran tragedia.
Sin embargo, a través del
microcosmos del hogar roto, la
casa se ​​
derrumba, ampliando
nuestra mirada a la construcción
de la identidad brasileña, un
país que lleva en su génesis
la invasión, el exilio y la
desigualdad. Es la superposición
de estas y varias otras capas y
aún más en la mezcla de todas
ellas, que surgen los desechos de
nuestra de la historia.
La directora
Directora, dramaturga y actriz
formada en el Centro de Formación
Artística de la Fundación Clovis
Salgado y fundadora del Grupo
Espanca. Trabajó en compañías
de teatro de Belo Horizonte
entre ellos Armatrux y Compañía
Clara. Con Espanca, firma la
dramaturgia de su repertorio:
“Marcha para Zenturo”, “Amores
Surdos”, “Para Elise” y “Congreso
Internacional de miedo”, siendo
directora de estos dos últimos
trabajos. También dirigió “El árbol
del olvido”, proyecto del Festival
Arte Negra de Belo Horizonte
2007, entre otras piezas. Ha sido
reconocida con el Shell Premio
SP y la Asociación Paulista de
Críticos de Arte Premio de APCA (Mejor Dramaturga 2005);
Premio SESC SATED 2005 y 2006
(Mejor Dramaturga); Premio
Usiminas Simparc (Mejor Actriz
y Autora Teatral 2006). También
fue nominada para SP Shell
(Dramaturga / 2009), entre otros.
Teatro Invertido
El Grupo de Teatro Invertido,
fundado en 2004 , es uno de los
colectivos de teatro más activo
de Minas Gerais / Brasil, con siete
espectáculos en su repertorio.
Sus obras circulan por las
principales ciudades provinciales
de Brasil y varias capitales del
país, habiendo participado en
importantes festivales nacionales
e internacionales.
En 2010 el grupo inauguró el
Esquyna
-espacio
colectivo
teatral- lugar para compartir la
investigación en las artes teatrales
y la difusión de espectáculos
fruto de la investigación de
colectivos artísticos. También
lanzó el libro “Escena Invertida
- Dramaturgias en proceso” que
reúne las dramaturgias originales
de sus espectáculos y artículos
de expertos de teatro sobre el
trabajo del grupo.
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Amores Surdos
Grupo Espanca
Brasil
Minas Gerais (Invitado Especial)
Género: Drama
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Ficha artística
Dirección: Rita Clemente
Dramaturgia: Grace Passô
Actores: Assis Benevenuto
(Joaquim), Grace Passô (Mãe),
Gustavo Bones (Pequeno),
Marcelo Castro (Samuel) y
Mariana Maioline (Graziele)
Actores de Primera formación:
Paulo Azevedo (Pequeno) y
Samira Ávila (Graziele)
Consultoría Dramatúrgica:
Adélia Nicolete
Asistente de Dirección:
Mariana Maioline
Escenografía: Bruna Christófaro
Iluminación: Cristiano Araújo y
Edimar Pinto
Vestuario: Paolo Mandatti
Banda Sonora: Daniel
Mendonça
Dirección vocal: Babaya
Preparación vocal:
Mariana Brant y Camila Jorge
Preparación corporal: Dudude
Herrmann e Izabel Stewart
Coreografía/Profesor de
zapateado, Escenotécnico:
Eurico Justino
Técnico y operador de luz:
Edimar Pinto
Esenotécnico: Joaquim Silva
Costureiras: Mércia Louzeiro e
Ireni Barcelos
Producción: Aline Vila Real
Realización: Grupo Espanca
Duración: 60 minutos
La obra
Un padre ausente y una madre
sobreprotectora crían sus hijos
con gran celo. El pequeño
tiene problemas respiratorios,
la adolescente se refugia en
sus auriculares, Samuel tiene
dificultades para salir de la casa,
el mayor es sonámbulo y va al
trabajo al amanecer, Junior vive
muy lejos y siempre llama para
revivir recuerdos. Una familia
normal que vive situaciones
ordinarias: toman café, discuten
entre sí, alguien se enferma
... en fin, viven sus problemas
cotidianos.
El espectáculo habla de la
capacidad del hombre que soñar
incluso mientras está despierto;
porque cuando está despierto,
los personajes no oyen, no se
ven a sí mismos, no se perciben
en los rituales cotidianos que
conducen a la alienación y la
incomunicación.
Todo va como se esperaba
hasta que todos están obligados
a reconocer y vivir con las
consecuencias de ese amor
alimentadas por todo el mundo,
todos los días.
Esta segunda obra del grupo
trata de un silencioso acuerdo
de amor que se llama intimidad.
Esa es la tensión que consolida
Espanca, y sitúa la historia en un
ámbito de normalidad.
Grupo Espanca
Considerado
una
de
las
principales
referencias
del
teatro contemporáneo brasilero,
el Espanca fue fundado en el
año 2004 y hoy cuenta con un
repertorio de obras con texto
original escritas por Grace Passo
y ha sido reconocido con los
principales premios de teatro
brasileros. Sus obras proponen
una reflexión sobre los códigos
del hecho teatral, la construcción
de un género de arte hibrido con
obras que no son solamente
trágicas o cómicas sino que
también buscan representar al
ser humano sin reducciones
simplificadoras de su propia
condición. Esta compañía teatral
es considerada por la crítica
teatral y por los medios de
comunicación como una de las
mayores innovaciones del teatro
brasilero en los últimos años.
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Otelo
Viajeinmóvil
Chile
Género: Teatro con muñecos
Ficha artística
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Adaptación y dirección:
Jaime Lorca, Teresita Iacobelli,
Christián Ortega
Actores:
Teresita Iacobelli y Jaime Lorca
Música: Juan Salinas
Vestuario: Loreto Monsalve
Asesoría artística:
Eduardo Jiménez
Iluminación: Tito Velásquez
Sonido: Gonzalo Aylwin
Producción: Viajeinmóvil
Asistente de producción:
Karla Sandoval
Duración: 75 minutos
Espectáculo
especialmente
creado para dos actores,
marionetas y objetos, todos
fusionados entre sí, en donde
los muñecos actúan lo que los
actores no pueden hacer, acción
que busca potenciar la puesta en
escena, haciéndola muy atractiva
y potente para el espectador.
Viajeinmóvil
presenta
el
verdadero tema de Otelo: el
femicidio, no los celos. El
asesinato de Desdémona no
puede suavizar el crimen a una
dimensión romántica: “Hablad
de mí como alguien que amó
demasiado, alguien que por
celos quedó preso de la locura”,
dirá Otelo al final de la pieza.
La misma disculpa que aparece
en diarios sensacionalistas de
nuestra época.
Intentando recobrar el carácter
popular que la obra tuvo en
sus orígenes (Teatro el globo
1604), la compañía chilena
nos sorprende con un montaje
delirante, que mezcla seres
humanos y marionetas, el humor
y la tragedia. Un espectáculo
que puede ser apreciado a partir
de los diez años.
Viajeinmóvil
Es un colectivo de actores,
músicos, escenógrafos, diseñadores,
productores y técnicos dedicados al
estudio y creación del teatro ligado
a la materia. En dos palabras, se
trata de Teatro Total, con el único
requisito de instalar la materia al
centro de la escena. Es un teatro
que se crea tanto en el escenario
como en el taller y que se nutre
de ambos.
Desde su nacimiento en 2005,
Viajeinmóvil ha creado siete
espectáculos
teatrales
con
un denominador común: la
utilización
de
marionetas,
la animación de objetos y la
presencia
de
escenografías
móviles.
La búsqueda artística de la compañía
se centra en la relación del actor con
las marionetas y los objetos, y en
las diversas e infinitas posibilidades
escénicas que esta combinación
ofrece.
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Distancia siete minutos
Titzina Teatro
España
Género: Teatro experimental
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Ficha artística
Dramaturgia y dirección:
Diego Lorca, Pako Merino
Reparto: Diego Lorca, Pako
Merino
Dirección Técnica:
Albert Anglada
Diseño de sonido:
Jonatan Bernabeu
Diseño de escenografía:
Jordi Soler i Prim
Diseño de iluminación:
Miguel Muñoz
Administración:
Ángela Rodríguez
Producción:
TITZINA TEATRE S.L.
Fotografía: Fernando Moleres
Diseño Gràfico: Jaume Llonch
Duración: 90 minutos
La obra
Coincidiendo cronológicamente
con el envío y aterrizaje del
robot espacial Curiosity, Félix,
un joven juez, se ve obligado a
abandonar su casa, afectada por
una plaga de termitas, e instalarse
durante unos días en lo que fue su
domicilio familiar. El entorno de los
juicios donde el juez desarrolla su
profesión, así como la convivencia
con su padre, sacarán a relucir
temas fundamentales como la
justicia, la felicidad o el destino.
Tiziana Teatro
Da nombre a una compañía fundada
por Diego Lorca y Pako Merino. Tras
encontrarse en 1999 en la Escuela
Internacional de Teatro Jacques
Lecoq en París, en 2001 comienzan
a trabajar juntos. Durante los doce
años siguientes producen tres
espectáculos con éxito de crítica
y público, Folie a deux | Sueños
de psiquiátrico (2002), Entrañas
(2005), Exitus (2009). Sus obras
están editadas y Folie a Deux |
Sueños de psiquiátrico adaptada al
cine.
A lo largo de todo este tiempo,
Titzina se ha consolidado como
una compañía de teatro de creación
con un marcado estilo propio,
que algunos definen como “Sello
Titzina”.
Me llamo Suleimán
Una Hora Menos Producciones
España
Género: Teatro y animación
Ficha artística
Autor: Antonio Lozano
Actriz: Marta Viera
Dirección: Mario Vega
Director de audiovisuales:
Juan Carlos Cruz
Diseñadores audiovisuales:
Marga Turnbull y
Mariano Romero
Animadores: María Dolores
Abujas y Elvis Pedro Nsue
Diseño de luces y coordinación
técnica: Tomás Charte
Dirección de arte: Elena Gonca
Música de Salif Keita
Producción ejecutiva:
Pedro Carballido
Social Media, Web y RRSS:
Héctor Muñoz
Comunicación y Prensa:
Paco Medina
Diseño Gráfico: unahoramenos
Fotografía: Tere Ruano
Asistencia en construcción de
escenografías: Raquel Santana y
Pepe Juan Medina
Producción: unahoramenos
producciones SL. Con la
coproducción del Ayuntamiento
de Agüimes
Duración: 70 minutos
La obra
Una hora menos presenta la
adaptación al teatro de la odisea
del joven Suleimán, un chico de
doce años de Mali que emprende
un viaje cargado de peripecias a
través del norte de África hasta
llegar a España. Envuelta en todo
un universo de dibujos animados
creados por el animador Juan
Carlos Cruz, la actriz Marta Viera
nos guía en un viaje épico por
todo el norte de África en busca
de un futuro mejor al otro lado
del mar.
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El espectáculo nos lleva desde
Bandiágara, en Mali, hasta la isla
de Gran Canaria, pasando por
el desierto del Sahara, la ciudad
de Ceuta, y los campamentos de
refugiados saharauis en Tinduf,
Argelia. En el viaje, Suleimán
tendrá que hacer uso de todo su
coraje para superar las terribles
dificultades que le separan de su
sueño: la posibilidad de una vida
mejor en España y poder ayudar
a su familia. En esta adaptación
de la novela de Antonio Lozano
dirigida
por
Mario Vega,
Suleimán encontrará la amistad,
la rabia, la resignación, la
muerte, la madurez y el amor.
El Director
Con casi 20 años de carrera a sus
espaldas, Mario Vega es uno de
los más importantes directores
y productores de teatro de las
Islas
Canarias,
cosechando
espectaculares éxitos de crítica
y público. Nacido en Ingenio
(Gran Canaria) en 1976, Vega
ha dedicado su vida al teatro
y las artes escénicas. En 1995,
con sólo 19 años, fundó Ekis
Teatro, a la que sigue en 1997
Producciones La Republica, con
la que estrenó Chatarra como
actor y director. En el año 1999
fundó Producciones del Mar, que
pasó a llamarse una hora menos
Producciones en 2009, empresa
de la que ha sido director durante
toda su andadura.
Vega ha sido uno de los directores
teatrales de mayor éxito de
Canarias, con espectáculos
como Longina, emigrante de
La Habana (Severiano García y
Mario Vega, 2.002), El crimen de
la perra Chona (Antonio Lozano
y Alexis Ravelo, 2014, con los
Gofiones y la Banda Municipal
de Música de Las Palmas de
Gran Canaria), Cuerdas en el
Aire (2014, del sexteto musical
Alegransa) y Ondas del Atlántico
(Pedro Carballido, 2014) entre
otros.
Nadia
La Conquesta del Pol Sud
España
Género: Teatro documental
Ficha artística
Una obra de Nadia Ghulam
Dramaturgia e interpretación: Nadia Ghulam, Carles F. Giua y
Eugenio Szwarcer
Dirección: Carles Fernández Giua
Duración: 80 minutos
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La obra
Nadia es una pieza de teatro
documental sobre la experiencia
de Nadia Ghulam, una joven
afgana que, después de sufrir
las consecuencias de la guerra
civil en su país, en 2006 llegó a
Barcelona. Ella es la protagonista
de esta obra, que expone una
historia que enlaza su pasado
en Kabul con su presente en
Barcelona, y proyecta una mirada
de esperanza hacia el futuro.
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Nadia Ghulam
Nadia nació en Kabul hace
28 años. Cuando tenía 8,
durante la guerra civil posterior
a la retirada soviética, sufrió
graves heridas a causa de un
bombardeo. La perseverancia
de su madre le salvó la vida.
Instaurado el régimen de los
talibanes y con graves secuelas
físicas, tuvo que hacerse pasar
por un chico, para mantener
a su familia. Esta increíble
representación duró casi diez
años. En 2006, gracias al trabajo
de una ONG, viaja a Barcelona,
ya como mujer. Actualmente,
estudia cooperación social,
ha recuperado su vida y está
implicada en todo tipo de
actividades dedicadas a divulgar
la cultura afgana y la situación
de las mujeres en su país: un
documental televisivo, varios
libros y, ahora, esta pieza teatral
en la que la propia Nadia,
utilizando imágenes reales y
material documental, transmite
su experiencia y mira hacia el
futuro. Nadia habla de Nadia,
pero también de nosotros,
de nuestras creencias, de la
información, la amistad, la
educación y la libertad. Nadia es
un diálogo entre culturas.
Blu
Colectivo Escénico Reversión
Uruguay
Género: Etodrama
Ficha artística
Elenco: Emanuel Sobré,
Andrés Reyes, Bruno Guerra
Darriulat,Fernando Nieto
Palladino.
Vestuario: Pablo Auliso.
Banda sonora:
Bruno Guerra Darriulat
Iluminación: Fabián Alfonso,
Escenografía:
Fernando Nieto Palladino
Gráfica y fotografía:
Mercedes Xavier
Producción:
Colectivo escénico REVERSIÓN
Dramaturgia y dirección:
Fernando Nieto Palladino
Duración: 70 minutos
La obra
Cuatro hermanos se reencuentran
después de nueve años por la
muerte de su abuela, el último
antecesor de su linaje. El menor
de ellos, un inválido intelectual
de nacimiento, depende de sus
cuidados para poder vivir. Solos
en el mundo y detenidos en la
casa materna, se verán forzados
a decidir entre los sueños propios
y el amor fraterno.
Tras nueve años en la ciudad,
Claudio retorna a la casa
materna para despedirse de su
abuela agonizante, pero la lluvia
corta los caminos y no le permite
llegar a tiempo. Lo esperan
Adelfo, el hermano mayor,
Domingo y Blu, los gemelos
menores de la familia. Mientras
resuenan los estallidos de una
guerra mundial, los hermanos se
39
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ocupan por primera vez de los
cuidados de Blu, quien nació
con una marcada discapacidad
intelectual. La fatal dependencia
del hermano menor hace que
cada decisión sea determinante
para el destino de todos. La
lluvia no dará tregua y pronto el
alimento y el fuego harán falta
para sobrevivir...
Fernando Nieto Palladino
El biólogo y director de teatro
Fernando Nieto Palladino es
el creador de la obra Blu,
nominada a cinco premios
Florencio, los más importantes
de Uruguay.
Considerado como una rara avis
de la escena uruguaya, Palladino
parte de la aplicación de la
etología –ciencia que estudia
el comportamiento animal– al
mundo teatral.
Su nombre comenzó a circular en
2008, cuando estrenó Quiroga
con la luz prendida. Luego vino
su puesta de Los siete locos, de
Roberto Arlt, en 2012. Su tercera
obra como director y actor,
también escrita por él a partir de
un trabajo de creación colectiva,
fue nominada en las categorías
de espectáculo, director, actor,
elenco y vestuario (de Pablo
Auliso).
Creador de un tipo de
aproximación escénica denominada
etodrama, Nieto Palladino reconoce
que no estudió teatro, que no
va a ver obras, que prefiere no
trabajar con actores (a excepción
de Emanuel Sobré). A su vez, su
técnica incluye un trabajo desde
lo personal y recomendaciones
sobre la dieta o la vida sexual de
sus actores.
Marx in Soho
Gustavo Moraes-Moraes_Susaeta
Uruguay
Género: Unipersonal
Ficha artística:
Calificación: Todo público
Autor: Howard Zinn
Dirección: Juan Tocci
Actúa: César Troncoso
Diseño de espacio escénico,
luces y vestuario: Laura Leifert.
Ambiente sonoro: latejapride
Diseño gráfico:
Barba / Sergio Rodríguez.
Fotografía: Darío Calvelo y
Martín Rodríguez.
Traducción: Juan Tocci.
Producción: Gustavo Moraes /
moraes_susaeta.
Duración: 65 minutos
La obra
Marx ha tenido la oportunidad
de regresar a la tierra, solamente
por una hora. Sorpresivamente
se encuentra con un público
y, sediento de hablar y de
reivindicar su nombre después
de tantas críticas que recibió a
lo largo de los últimos 30 años,
comienza a discurrir frente a
quienes decidieron escucharlo.
Así entonces entre el humor
irónico y la indignación Marx
nos cuenta sus pensamientos
más simples, los que nutrieron
sus teorías económicas más
complejas; y que no eran otra
cosa que la lucha contra las
injusticias que iban creciendo
con
la
modernidad,
las
desigualdades que se generaban
con el terrible desarrollo de la
primera industria. Pero a su vez
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42
habla de sí mismo, cuenta su
propia historia, la historia de
un amor único durante toda su
vida hacia su esposa Jenny, sus
padecimientos
económicos,
sus problemas de salud, la
incondicional dedicación hacia
sus hijos. No tuvo una vida fácil.
Explica sus enfrentamientos en
La Internacional Socialista, la
rivalidad con Bakunin y sobre
todo nos transmite su pasión por
la vida.
El autor
Howard Zinn (24 de agosto
de 1922 – 27 de enero de
2011) fue un historiador
social estadounidense. Sus
planteamientos
incorporaron
ideas procedentes del marxismo,
el anarquismo y el socialismo.
Desde la década de 1960, fue un
referente de los derechos civiles
y el movimiento antibélico en
los Estados Unidos.
El director
Licenciado en Letras de la
Universidad de Buenos Aires /
Director de Teatro / Escritor Juan
Tocci es profesor de literatura
e investigador de la Facultad
de Filosofía y Letras, de la
Universidad de Buenos Aires.
Fue Jefe de Trabajos Prácticos
de la cátedra de “Teoría y
Práctica del Hecho Teatral”
Facultad de Filosofía y letras de
la Universidad de Buenos Aires.
Realiza cursos de dirección
teatral con el regisseur David
Amitín y con el director Jaime
Kogan, reside en Barcelona
y colabora en el “Institut de
Teatre”.
En 2006 estrena “4:48 Psicosis”
de Sarah Kane, Premio Iris “El
País”, nominada al Florencio y
elegida para el Festival de Porto
Alegre. En 2009 estrena “La
Señora Macbeth”, de Griselda
Gambaro. En Agosto 2010
estrena ”Listening Shakespeare”,
en la Facultad de Filosofía y
Letras de la Universidad de
Buenos Aires. En 2013 estrena
“Marx in Soho” de Howard
Zinn en el marco del Primer
Encuentro Iberoamericano de
Teatro de Montevideo.
Arreola por Arreola, Bestias y Prodigios
José María Arreola
México
Género: Teatro experimental
Ficha artística
Textos: Juan José Arreola
Guión, dirección, y producción
artística: Alonso Arreola
Lectores: José María Arreola y
Fernando Rivera Calderón.
Músicos: Iraida Noriega y Alonso
Arreola
Cine a mano en vivo:
Arturo López “Pío”
Duración aproximada:
55 - 60 minutos
Basado en el texto El Bestiario, de
Juan José Arreola, se presenta este
espectáculo
interdisciplinario
a cargo del músico Alonso
Arreola, con cápsulas que en
términos textuales son en “buena
medida deliciosas, breves y muy
contundentes”, donde se orillará
al público a cuestionarse: ¿quién
es el encerrado?, ¿el observado?
y ¿quién es el animal?
Dos son las columnas vertebrales
del espectáculo, unos son los
textos del Bestiario y otra es un
homenaje a José Emilio Pacheco,
quien en su momento ayudó a
que este libro pudiera salir a la
luz y en torno a eso suceden
muchas cosas. Los textos tienen
un tratamiento estructural tipo
canción, acompañado por piezas
musicales pero que se entrelazan
de manera incluso científica.
El baterista y escritor José
María Arreola, la cantante
Iraida Noriega y el cineasta de
arena Arturo López “Pío” serán
quienes intervengan los textos
dedicados a animales, es decir,
se encargarán de crear estampas
con sentido del humor junto con
otros escritos añadidos al libro de
Arreola en ediciones posteriores.
El espectáculo es un homenaje al
55 aniversario de la publicación
del libro Bestiario, de Juan José
Arreola (originalmente titulado
Punta de Plata e ilustrado por el
artista plástico Héctor Xavier, en
1959) y es el hilo conductor de
este recital escénico
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Máxima seguridad
ID Studio de Nueva York - Compañía Nacional
de las Artes de Bogotá
USA
Género: Drama realista
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Ficha artística
Autora: Piedad Bonnett,
Traducción: Lucia della Paolera
Actuación: Víctor Hugo
Grajales, Wilmar Saldarriaga,
Leonardo González Ilovik y
César Morales.
Dirección: Nelson Celis
Coproducción: ID Studio
Duración: 70 minutos
La obra
Crónica realista de la vida en
prisión de tres internos y un
guardia, y las relaciones sádicas
y satíricas que se tejen entre los
cuatro personajes, en medio
de un laberinto de desespero y
violencia. Es una obra de humor
negro, audaz y provocativo,
que aborda las estrategias de
supervivencia y las batallas
psicológicas
que
enfrentan
quienes pasan sus días tras las
rejas.
En Máxima seguridad, los
prisioneros son víctimas de sus
errores, de su pasado turbulento,
pero también de un sistema
judicial y carcelario corrupto.
Los tres internos sufren de
enfermedades mentales, se les
ofrece comida descompuesta,
carecen de agua y son torturados
periódicamente.
La intención de Bonnett al
escribir Máxima seguridad era
claramente política. “Siempre
me ha preocupado el tema de
la atroz deshumanización de
las prisiones –afirma-”. Antes
de concebir la pieza, había
abordado el tema en algunas
columnas, donde hablaba de
la perpetuación del horror y la
imposibilidad de reformar a una
persona en una cárcel.
ID Studio
Es una compañía de Nueva York
que trabaja con una mezcla
de actores profesionales e
inmigrantes
indocumentados,
para crear piezas de impacto
social y comunitario. Su creador
y director es Germán Jaramillo,
destacado actor manizaleño que se
formó en el Teatro Libre de Bogotá.
Piedad Bonnett
Piedad
Bonnett
(Amalfi,
Antioquia, 1951) es licenciada
en Filosofía y Letras de la
Universidad de los Andes y
profesora de esta Universidad
desde 1981.
Piedad Bonnett es autora de
cuatro novelas, Después de
todo (2001) Para otros es
el cielo (2004) Siempre fue
invierno (2007) y El prestigio
de la belleza (2010), y de unas
memorias sobre la muerte
de su hijo, Lo que no tiene
nombre (2013) obras todas
ellas publicadas por Editorial
Alfaguara. También ha escrito
cinco obras de teatro, Gato
por liebre, Que muerde el
aire afuera, Sanseacabó, Se
arrienda pieza, y Algún día
nos iremos, montadas por el
Teatro Libre bajo la dirección
de Ricardo Camacho. Este grupo
utilizó también su versión en
verso de Noche de epifanía de
Shakespeare para uno de sus
montajes.
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Carmen
Fundación Circo Nacional de Venezuela
Venezuela
Género: Circo contemporáneo
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Ficha artística
Dirección artística:
Jericó Montilla
Dirección técnica:
Niky García
Elenco:
Ximena Zapata / Carmen
Armando Hernández / Soldado
Daniela Rojas / Tabacalera
Nadia Yanez / Frasquita
Alex Hernández / Don José
Megan Gonzales / Tabacalera
Marcos moreno / Soldado
Jonnata Marchan / Lilias pastias
Fernando Jiménez / Soldado
Mónica Naime / Tabacalera
Alfonzo Leongomez / Soldado
Estephany Gabriela Rojas / Soldado
Magdorys Porras / Tabacalera
Gaspar Trejo / Técnico
Música en vivo:
Orquesta Sinfónica de Caldas
Solistas:
Marco Castro / Toreador
Jenny moreno / Carmen
Monica Henao / Micaela
Duración: 75 minutos
La obra
Carmen, la opera escrita por el
francés Georges Bizet (18381875), cuestionada por la crítica
de la época por considerarla
muy “realista”, se convierte sin
embargo, luego de la muerte
de su compositor en una obra
maestra de la música universal.
En esta ocasión a través de la
expresión circense, se recrea la
famosa historia de una pasión
atormentada entre
Carmen,
una astuta y atractiva gitana y
Don José, un ingenuo soldado
enloquecido por los celos.
Carmen no tardará en volcar
su amor al torero Escamillo.
Don José, rechazado, toma la
peor decisión y desencadena un
trágico final .
La obra resume en dos actos
esta historia de amor y traición
contada
con acrobacias,
malabares, equilibrios y demás
números circenses, que al
ser
acompañados por una
música maravillosa, genera
un espectáculo de circo
contemporáneo o del llamado
nuevo circo, que al igual que
el circo tradicional envuelve al
espectador en un rito de riesgo y
fascinación.
Circo Nacional de Venezuela
La Fundación nace en el año
2010, desde sus inicios dedica a
la difusión y promoción del arte
circense como herramienta para
la transformación social, desde
los ámbitos de la recreación,
la formación, el intercambio de
saberes, el desarrollo cultural
comunitario y como herramienta
de motivación para niños niñas
y adolescentes. Actualmente
la fundación desarrolla dos
proyectos de carácter social: El
Semillero Circense, dedicado
a la formación permanente de
niñas, niños y adolescentes a
partir de seis años y el Circo
Social Itinerante, que consiste en
realizar temporadas de circo en
una carpa para 1000 personas
en comunidades organizadas
y comunas en construcción en
todo el territorio nacional.
En su repertorio cuenta con
cinco creaciones: Fingiendo
demencia
(2011),
Sueños
de Pandora (2013), Carmen
(2014) Funámbulo (2014) y
Éxodo…voces al compañero
(2015), todas enmarcadas en el
llamado Nuevo Circo o circo
contemporáneo,
fusionando
diversos géneros escénicos para
la creación de los espectáculos
dentro y fuera de la carpa
tradicional.
Directores
Niky García (Caracas 1973):
Artista de Circo, actor y
activador cultural, comienza sus
experiencia artística en 1987
como músico en la escena Punk
caraqueña, luego en 1989 da
sus primeros pasos en el teatro
de calle con las agrupación
Maroma y art-o de caracas, en
1994 se instala en Buenos aires
donde cursa estudios de circo y
teatro, a su regreso a Venezuela
trabaja como intérprete en
diversos grupos de teatro.
Desde el 2006 se desempeña
como gerente cultural siendo
el director fundador de la
Compañía Nacional de circo,
actividad que lo lleva a
establecer convenios con Rusia,
China y Cuba.
47
48
Jericó Montilla: (Zulia, 1981)
Premio Municipal de Teatro en
Mejor Dirección. Directora de
Teatro y Circo. Egresada del
Programa de formación actoral
de la Compañía Nacional de
teatro. Cursó estudios en el
Nordik
Teater Laboratorium
Odín Teatret en Holstebro/
Dinamarca y Ravena/Italia.
Ha participado en diferentes
Películas venezolanas como
actriz y se ha destacado en el
diseño y realización de vestuario
para cine, circo y teatro.
Orquesta Sinfónica de Caldas
Institución
sinfónica
del
departamento que desde el
segundo semestre de 2012 afronta
una nueva etapa en materia
artística y administrativa. Luego
de una inspirada y sobresaliente
temporada 2012 (países, músicos
y música) la OSC ha atraído a un
gran número de adeptos que le
reconocen como una orquesta de
todos y para todos. Dirigida desde
su fundación por el maestro Nelson
Monroy, su proyección y manejo
artístico lo encabeza actualmente
el maestro Gorka Sierra, quien con
la administración de la fundación
Batuta Caldas, el patrocinio y
respaldo de la Universidad de
Caldas y entes gubernamentales
municipales, departamentales y
nacionales, edifican en esta noble
empresa una próspera renovación
sinfónico- cultural para la región y
el país.
Como un bolero
Coproducción Casa de Teatro y
Ministerio de Cultura de República Dominicana
República Dominicana
Género: Cabaret teatro
Ficha Artística
Dirección: Raúl Martín
Actuación: Ernesto Báez, Cindy
Galán, Laura Lebrón, María del
Mar, y Diomary La Mala.
Arreglos musicales:
Raymond Jáquez
Música en vivo: Ray Morgana.
Duración: 70 minutos
La obra
“Como un bolero” abarca
el
quehacer
de
grandes
autores e intérpretes de la
música
dominicana. Temas
emblemáticos se escucharán en
las voces de actores y jóvenes
cantantes, enlazados por los
textos creados por Freddy
Ginebra y Rafael Morla.
Con el mismo sentimiento y la
misma pasión de un bolero se
cantarán también las bachatas,
los merengues y las salves
que han animado por décadas
a los dominicanos. La obra
tipo cabaret pretende mostrar,
con humor e histrionismo, las
relaciones humanas, amorosas y
sociales del dominicano de hoy.
Las canciones sugirieron de
textos y los textos trajeron
canciones, “Aquí está este ajiaco
de pasiones que cada intérprete
ha hecho suyo para, a la vez,
regalárselo al público cada
noche, como si fuera la única
noche”, destaca Raúl Martín,
director del espectáculo.
Casa de Teatro
Todo un referente cultural en
su país la Casa De Teatro está
ubicada en la ciudad colonial de
Santo Domingo de la República
Dominicana.
Inaugurado en 1974 por el
conocido escritor dominicano
Freddy Ginebra, en este centro
cultural han nacido muchos
49
50
nuevos
artistas
nacionales.
Cantantes, músicos, bailarines,
poetas,
narradores,
actores,
pintores, diseñadores, fotógrafos...
hicieron de la vieja casa colonial
su hogar.
La efervescencia creativa hizo
que un espacio pensado solo
para teatro, se transformara en
galería pictórica, sala de ensayos,
escuela para niños y adultos,
formación de grupos de teatro,
escuela de danza, grupos de
fotografía, noche de jazz, teatro
de títeres, reuniones de poetas,
centro de conferencistas... la casa
cobró vida y se convirtió en canal
para que los nuevos y jóvenes
artistas pudieran sin necesidad
de recursos económicos o
prestigio, expresaran su talento.
El canta, yo cuento
Casa de Teatro
República Dominicana
Género: café-teatro
Duración: 75 minutos
La obra
El canta yo cuento es un
divertimento
íntimo
entre
canciones y cuentos. José
Antonio Rodríguez, laureado
cantautor dominicano y Freddy
Ginebra, promotor cultural y
director de Casa de Teatro se
dan la mano, uno con sus más
bellas y reconocidas canciones,
el otro, narrando las historias
que durante más de diez años ha
estado publicando en la última
página del periódico de mayor
circulación del país.
En el espectáculo se mezclan
la risa, la nostalgia, alguna
lágrima, con boleros y canciones
desgarradas en la guitarra de su
autor.
“El Canta, yo cuento” es un abrazo
cálido de esa media isla que se
llama República Dominicana
a todos los colombianos y muy
especialmente a los manizaleños.
Freddy Ginebra
Considerado
uno
de
los
principales profesionales de las
Relaciones Públicas en República
Dominicana,
con
estudios
especializados de Publicidad,
Gestión Cultural y Servicios de
Relaciones Públicas Freddy
Ginebra ha sido productor
de importantes programas de
televisión y articulista del Listín
Diario y del Caribe. Actualmente
escribe en la revista Estilo, del
¨Diario Libre¨.
Es director de la Fundación Casa
de Teatro, el centro cultural
que fundó en 1974, donde han
nacido importantes nombres del
mundo artístico dominicano.
Ha escrito tres piezas teatrales
y siete
libros que recogen
anécdotas personales, titulados:
“Antes de que pierda la memoria
I y II” / “Secretos compartidos”
/
¨Viajar
sin
Memoria¨y
¨Celebrando la Vida I, II y III¨.
En preparación vienen dos
nuevos títulos.
51
52
José Antonio Rodríguez
Laureado cantautor dominicano,
que en sus inicios formó parte de
grupos de renombre en los años
70’s, tales como: ONDA 73, Los
Paymasí y el Grupo Módulo.
Desde entonces no ha dejado de
cosechar exitos, como el Primer
lugar en el Festival Internacional
de Viña del Mar en Chile, en
1986, con la canción “Para
Quererte”.
Ha editado en su país siete (7)
producciones discográficas al
lado de importantes arreglistas,
compositores y cantantes como
Manuel Tejada, Jochi Sánchez,
Juan Luís Guerra, Gonzalo
Rubalcaba, Silvio Rodríguez,
Carlos
Varela,
Maridalia
Hernández y Patricia Pereyra.
Ha compartido el escenario
con destacados artistas como:
Alberto
Cortez,
Mercedes
Sosa, Raphael, Carlos Varela,
Vicente Feliú, Sergio Vargas, Los
Van-Van, Joan Manuel Serrat,
Silvio
Rodríguez,
Caetano
Veloso, Pablo Milanés, Charles
Aznavour, entre otros.
53
ESPECTÁCULOS
SALA
NACIONALES
LABIO DE LIEBRE (Venganza o perdón)
Una coproducción del Teatro Colón de Bogotá
(invitado de Honor) y Teatro Petra
Colombia
Género: Drama
Ficha artística
Elenco:
Marcela Valencia
Alegría de Sosa (La madre de la
liebre)
Liliana Escobar Roxi Romero
(La periodista)
Jacques Toukhmanian Granado Sosa (La liebre)
Ana María Cuéllar Marinda Sosa
(Hermana de la liebre)
Biassini Segura Jerónimo Sosa
(Hermano de la liebre)
Fabio Rubiano Salvo Castello
(Hombre en arresto domiciliario
en Territorio Blanco)
Dirección de arte:
Laura Villegas
Composición musical y diseño
sonoro: Camilo Sanabria
Diseño de video: Carlos Pérez y
Diego Andrés Forero
Diseño de iluminación: Adelio Leiva y Leonardo Murcia
Diseño de maquillaje y peinados:
Alejandro Restrepo
Asistentes de dirección de arte: Santiago Orjuela y Laura Cuervo
Realización de vestuario y
accesorios: Servando Díaz y
William de Jesús Mejía
Asistente de vestuario, maquillaje
y peinados: Maddalena Zanardi
Realización de escenografía:
H y G Studios
Director de escenografía: Henry Alarcón Osorno
Director de decoración: Sebastián Jiménez Cortés
Director de decoración invitado:
Wilson Castro (Brasil)
59
60
Escenotécnicos: Mauricio Quintero Barón,
Alexander Quintero Barón y Jhon
Quintero Barón
Asistentes de decoración: Laura Forero, Yenni Sotelo,
Cristina Gaviria, Paula Cardoso,
Silvana Araoz
Decoradora invitada: Jamaira Pacheco (Brasil)
Asistente escenotécnico: Edwin Loaiza García
Prosthetics make up: Anfibio FX y Golpe de gracia
Realización de cabezas de
animales:
Jhon Alejandro Sánchez
Realización traje Fabio Rubiano: KOLT
Colaboradores del proceso:
creativo Juliana Barreto, Melanie
May, Angela Triviño
Director asistente y productor de
campo: Jonatán Cabrera
Escrita y dirigida por: Fabio Rubiano O.
Agradecimientos
Camilo Akl, Juan Pablo Akl,
Adriana Valencia, Mauricio
Santos.
Duración: 1 hora 15 minutos.
La obra
Labio de liebre es una obra sobre
una de las pasiones infalibles
en la narración dramática: la
venganza. Pero también sobre
una de las acciones más difíciles:
el perdón.
En esta historia contada con
elementos de humor negro, Salvo
Castello, un empleado eficiente,
ha colaborado con firmeza en
la ejecución de hechos atroces.
Ha obrado por convicción, por
rabia, por dolor; pero también
por venganza. Se arrepiente.
Pero queda en deuda. Para pagar
su deuda debe enfrentarse, en
su propia casa, con hechos del
pasado; fragmentos olvidados
por voluntad, por obligación, o
por inercia.
La familia Sosa, afectada años
atrás, renuncia a cobrarle a don
Salvo los daños del pasado. No
todos. Hay algunos que no se
pueden perder en la memoria,
ni sepultar en los terrenos del
perdón.
Renunciar a la venganza como
forma de justicia no significa
que los afectados no reclamen
otras cosas. Piden, exigen.
Tanto, que a veces la exigencia
es tan insistente e inalterable,
que parece cruel. Cercana a la
venganza.
Los territorios blancos de un
país lejano y frío, y los bosques
y campos cálidos de otro, se
encuentran de la misma manera
que dos tipos de personas
aparentemente irreconciliables
se acercan para entender por qué
pasó todo lo que pasó.
Teatro Petra
Fundado por Fabio Rubiano O. y
Marcela Valencia en 1985, es uno
de los grupos más representativos
del teatro contemporáneo de
Colombia. Su trabajo nace de
la investigación y la escritura
dramática desde el texto y el
escenario. Sus piezas han ganado
cuatro veces el Premio Nacional
de Dramaturgia, la Mejor Obra
2011 con Sara dice y el Premio
Nacional de Dirección 2013
con El vientre de la ballena, Sara
dice, y Pinocho y Frankenstein le
tienen miedo a Harrison Ford. En sus tres décadas de
existencia, el Teatro Petra se ha
hecho acreedor de múltiples
becas, premios de producción,
residencias y menciones en
el exterior. Sus obras han
sido invitadas a más de 35
festivales internacionales en
Europa, Suramérica, México y
Estados Unidos. Actualmente,
se encuentra celebrando este
aniversario con el estreno y gira
internacional de Labio de liebre,
coproducción con el Teatro
Colón, y con el lanzamiento del
libro de los 30 años del grupo.
El Teatro Petra se ha caracterizado
en sus montajes por tratar temas
polémicos y controversiales de
nuestra realidad, pero siempre,
aunque naveguen por el dolor y
la violencia, el humor aparece en
su nivel más irónico, generando
risas que duelen. Una manera
de ver el mundo sin evitar la
confrontación.
Fabio Rubiano Orjuela
Dramaturgo, director y actor.
Licenciado en Arte Dramático de
la Universidad del Valle.
Estudió dos años en la Escuela
Distrital de Teatro de Bogotá y
seis en el Taller de investigación
Teatral de Santiago García.
Recibió el Premio Nacional de
Dirección Teatral 2013.
Ha escrito más de 20 obras de
teatro, de las cuales cuatro han
recibido el Premio Nacional
de Dramaturgia: Gracias por
haber venido (1996), Cada vez
que ladran los perros (1997),
La penúltima cena (1999) y
El Natalicio de Schumann
(2009). Ha sido merecedor de
cinco becas de creación del
Ministerio de Cultura; cuatro de
sus obras han ganado premios
de coproducción y dos han sido
escritas gracias a residencias en
el exterior (España y México).
Sus obras han sido montadas
por compañías de Eslovenia,
Chile, México, Estados Unidos,
Perú, España y Francia. Ha sido
traducido al francés, inglés y
esloveno.
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Voz
Exilia2 Teatro en Coproduccion con
El Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá
Colombia
Género: Comedia Negra
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Ficha Artística
Dirección y dramaturgia:
Víctor Quesada
Asistente de dirección:
Julián Arango
Actrices:
Diana Ángel
Nathalia Franco
Consuelo Luzardo
Actores:
Javier Méndez
Fernando Bocanegra
Edwin Maya
Álvaro Bayona
Fernando Bocanegra
Edwin Maya
Álvaro Bayona
Matías Maldonado
Diseño de iluminación:
Humberto Hernández
Diseño escenográfico:
Juan Carlos Joseph
Diseño de vestuario:
Casandra Hernández
Duración: 60 minutos
La obra
El universo propuesto en Voz está
habitado por ocho personajes
contradictorios, divertidos, con
culpas irrefrenables y extraños
deseos que representan una
metáfora de la aceleración del
ritmo de las ciudades en el siglo
XXI. Los personajes presentan
irónicamente sus conflictos a
través de situaciones cómicas
que invocan temas espinosos
como el suicidio y la eutanasia.
En este montaje, una ferviente
devota que cuestiona su
sexualidad, una joven hermosa
que se habla a sí misma, una
madre elegante y despistada
que desprecia a su hijo, un hijo
víctima del matoneo que odia a
su madre, un médico delirante
con insomnio y un padre que
ha perdido su voz y sólo se
puede comunicar a través de
su parpadeo, viven universos
paralelos que se entrecruzan
por el anuncio de un presidente
sobre el derecho a morir de una
forma higiénica y estética.
La obra parte de premisas y
cuestionamientos fundamentales
sobre la vida, la muerte y la
existencia del ser humano a
través de la ironía, el drama y la
comedia.
Esta
coproducción
del
Iberoamericano reúne cuatro
generaciones
de
actores
colombianos guiados por el
joven director y dramaturgo
Víctor Quesada, quien obtuvo
el estímulo otorgado por
el Ministerio de Cultura de
Colombia a través de las Pasantías
Internacionales en 2012, lo
que le permitió viajar a Río de
Janeiro y escribir la obra bajo la
tutoría del exitoso y reconocido
dramaturgo brasilero Jô Bilac.
Víctor Hugo Quesada
Politólogo de la Pontificia
Universidad Javeriana de Bogotá,
maestro en Dirección Teatral de
la Universidad de Essex- East
15 Acting School de Inglaterra.
Se ha formado en actuación,
dirección y dramaturgia en el
GITIS de Moscú, Odin Teatret en
Dinamarca, Grupo Malayerba
en Ecuador y con el dramaturgo
Jô Bilac en Brasil. Ganó la
Beca Jóvenes Talentos 2010
del Icetex, ganó la beca para
jóvenes creadores del Ministerio
de Cultura de Colombia 2011
con Apesta obra que escribió y
dirigió en un espacio urgente en
abril del 2012. Ganó el impulso
Pasantías Internacionales del
Ministerio de Cultura en el 2012
escribiendo la obra “Voz” en Rio
de Janeiro. Es el director artístico
de la Compañía Exilia2 Teatro
desde el 2010.
Exilia2 Teatro
Nace en 2010 bajo la dirección
artística del director y dramaturgo
Víctor Quesada egresado del
curso de Dirección teatral de East
15 Acting School de Londres.
Integrada por un grupo nutrido
de actores y actrices con gran
experiencia y reconocimiento
en Teatro, Cine y Televisión.
En la actualidad tiene cuatro
montajes: Anónimos (2011) Beca
jóvenes talento Icetex, Apesta
(2012) Beca Jóvenes creadores
Ministerio de Cultura, Voz (2014)
Co-producción XIV FITB y El
Avaro (2015) parte del proyecto
pedagógico del Teatro Nacional.
63
Hoy Envejecí 10 Años
Coproducción del Teatro Colón de Bogotá y La Maldita Vanidad
Colombia
Género: Drama
64
Ficha Técnica:
Autor y Director:
Jorge Hugo Marín
Actores: Ella Becerra, Juana Arboleda,
Luna Baxter, Angélica Prieto, Juan
Manuel Lenis, Juan Pablo Acosta,
Fernando Arroyave, Cesar Álvarez,
Anton Tarasov
Asistente de dirección:
Daniel Díaza
Dirección de Arte:
El otro trapo, Manuela Pizarro,
Guadalupe Errazuriz
Escenografía: Mateo Rueda/por la
dinámica.
Musicalización: Rafael García
Iluminación:
Leonardo Murcia. Teatro Colón
Jefe técnico:
Andrés Camilo Duarte
Diseño Grafico:
Ernesto Herrera. Teatro Colón
Fotografía: Andrés Gómez,
Juan Carlos Mazo
Producción Ejecutiva:
Wilson L. García D.
Duración:75 minutos
La obra
Olga: Papá murió hace justamente
un año, es el primer dialogo en la
obra “Tres hermanas” de Antón
Chejov. Es a la vez el punto de
partida para crear esta nueva obra,
hecha para despedir a esos padres
que la violencia de los años
ochentas se llevó en Medellín.
Después de la muerte de un
padre que era visto como un
héroe por su oficio de militar,
sus hijos han quedado solos,
desprotegidos, temerosos. Tres
hermanas y un hermano en
una casa de campo intentan
sobrevivir; nunca les enseñaron
a estar solos.
Un “patrón” que atemorizaba al
país le arrebató la vida a él y así
sucesivamente a unos centenares
de hombres más. Un millón de
pesos pagaban por cada policía
muerto. Y luego de cada cadáver
en el suelo y de cada millón
repartido, una familia más con
miedo, un miedo normalizado
en una sociedad anestesiada.
Esta es una obra escrita y
dirigida por el maestro en Arte
Dramático Jorge Hugo Marín,
ambientada en la Medellín de
1989. Diez actores en escena de
la compañía teatral La Maldita
Vanidad, fundada en 2009 por
Marín y seis artistas más, serán
los encargados de dar vida a esta
historia que pone en escena uno
de los momentos más trágicos de
la reciente historia de Colombia.
Jorge Hugo Marín
Nació el 17 de enero de 1981
en Medellín- Colombia. Es
maestro en Arte Dramático de
la Universidad de Antioquia. Es
actor, director y dramaturgo. En
el año 2009 fundó junto con seis
artistas más “La Maldita Vanidad
Compañía Teatral” siendo autor
de la trilogía Sobre algunos
asuntos de familia compuestas
por las obras El autor intelectual,
Los autores materiales y Cómo
quieres que te quiera. Morir de
amor, Segundo acto inevitable:
morir, es su cuarta obra que
hace parte de la antología II de
teatro colombiano publicada
por el Ministerio de Cultura de
Colombia y la editorial Paso
de Gato. En el año 2013 fue
ganador de la Beca de Creación
del IDARTES a directores con
trayectoria con su nueva obra
Matando el Tiempo, primer acto
inevitable: nacer. En el año 2014
estrena “Paisaje Fracturado”.
La Maldita Vanidad
Es una fundación compuesta
por artistas colombianos, con
una trayectoria de 6 años.
Durante este tiempo se han
sumado a la compañía más de
30 artistas permanentes y 50
invitados profesionales que
han consolidado la fuerza del
colectivo y lo han posicionado
como un grupo de calidad
y con un lenguaje escénico
contundente en el oficio teatral
nacional e internacional.
Sus espectáculos han sido
el resultado y el encuentro
de un lenguaje específico
caracterizado por el uso de
espacios no convencionales, la
exposición de micro conflictos
de la realidad colombiana, la
utilización de una única unidad
de espacio y tiempo en un tono
naturalista, la búsqueda de
una narrativa que permanezca
en el público, el teatro de
autor y espectáculos donde
el espectador es un cómplice
de la escena. Este lenguaje
está cargado de hiperrealismo.
Hacen un tipo de teatro en
donde todo está vivo y latente,
y en donde los espectadores se
sienten como voyeurs al vivir
la realidad de cada una de las
situaciones en su más elocuente
expresión, al estar nuestros
montajes
abandonados
de
artificios y llenos de crudeza y
verdad.
65
Flowers For Kazuo Ohno (and Leonard Cohen)
El Colegio del Cuerpo
Invitado especial Teatro Colón de Bogotá
Colombia
Género: Danza Contemporánea
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Ficha artística
Dirección general y
Coreografía: Marie France
Delieuvin, Álvaro Restrepo &
Ricardo Bustamante
Intérpretes: Ana María
Bermúdez, Ricardo Bustamante,
Gina Carrasquilla, Johan
Gutiérrez, Jhorman Javier
Jiménez, Alexis Marimón, J
Elissa Marshall, Erick Pérez,
Mayerlis Romero, Carolina
Salinas.
Diseño de Vestuario:
El Colegio del Cuerpo
Música Original: Todas las
composiciones son de Leonard
Cohen, la mayoría cantadas
por él mismo o por otros
intérpretes.
Concepto de Espacio e Imagen:
El Colegio del Cuerpo
Diseño de Iluminación:
Alexander Gümbel
Asistente de Iluminación:
Anyinson Lujan
Fotografía: Fabián Álvarez
Productor Técnico: Alexander
Gümbel
Duración: 90 minutos
Obra
“Este ramo de flores es un
homenaje a ‘seis manos’ para
uno de los padres de la danza
Butoh (danza de las tinieblas
post Hiroshima): Kazuo Ohno
y su hijo Yoshito, a quienes
conocimos durante nuestra visita
al Japón en el año 2008 y es una
forma de devolver las flores que
ellos nos enviaron al camerino
del Teatro Rokko-Kai. El 29 de
octubre de ese año actuamos en
Tokyo para algunos miembros
de la familia imperial japonesa,
cuerpo diplomático e invitados
especiales para celebrar los 100
años de relaciones diplomáticas
entre Colombia y Japón. Las
tarjetas que acompañaban las
flores que inesperadamente
recibimos (para nuestra sorpresa
y honor) eran de Kazuo y Yoshito
Ohno.
Al día siguiente fuimos a visitarlos
a su casa en Yokohama, donde
pasamos unos de los momentos
más inolvidables de nuestras
vidas: el maestro de 102 años
yacía en su lecho, conectado
a la vida por un fino hilo de
seda... Luego de permanecer
unos minutos con él, Yoshito
nos condujo al estudio de
danza donde nacieron muchas
de sus obras emblemáticas:
“Admirando a La Argentina”,
“El Mar Muerto”, “Mi Madre”,
“Water Lilies”, entre muchas
otras.
Ese día nació en mi espíritu el
deseo de hacer una obra que
rindiera un homenaje a estos
inigualables
creadores.
Les
propuse a Marie France Delieuvin
(codirectora de eCdC) y a Ricardo
Bustamante, (subdirector artístico
y bailarín de la compañía) que
emprendiéramos la aventura de
crear colectivamente una pieza
que, sin utilizar
el lenguaje del Butoh, (ya que no
somos bailarines de Butoh) fuera
una ofrenda a partir de nuestro
universo coreográfico y poético.
Durante el proceso de creación
tuve otro reencuentro fantástico e
inesperado: la poesía y la música
del gran cantautor canadiense
Leonard Cohen, a quien había
leído y escuchado mucho en
mis años de juventud y cuyo
rastro había perdido. Su disco
OLD IDEAS de 2012 me puso
en contacto de nuevo con otro
creador que, al igual que Ohno,
supo hacer de su edad una obra
de arte: Cohen acaba de cumplir
80 años y los ha celebrado con
el lanzamiento de su último
disco POPULAR PROBLEMS.
Les propuse entonces a Marie
France y a Ricardo trabajar para
este homenaje con música de
Leonard Cohen, interpretada por
él y por otros grandes artistas:
Nina Simone, Antony Hegarty,
las Webb Sisters, Anjani, Silvia
Pérez Cruz.
El vínculo entre Ohno y Cohen
no es aparente y sencillo:
mágicamente la figura de
Federico García Lorca es la que
los une: Kazuo Ohno creó su
obra más conocida Admirando
a La Argentina en homenaje
a la gran Antonia Mercé,
llamada La Argentina, bailarina
de flamenco, gran amiga de
Federico y sobre la que el poeta
andaluz escribió un hermoso
elogio. Leonard Cohen es un
lorquiano consumado y así lo
declaró en su célebre discurso de
aceptación del Premio Príncipe
de Asturias (su única hija se
llama Lorca). García Lorca fue
también para mí, desde antes de
descubrir la danza, una figura
tutelar e inspiradora: mi primer
sólo, Rebis (1986), lo creé para
conmemorar el cincuentenario
de su asesinato.” (Alvaro Restrepo
Diector de El Colegio del Cuerpo).
67
68
Los coreógrafos
Alvaro Restrepo estudió filosofía
y letras y teatro antes de dedicarse
a la danza. En 1981 recibió una
beca del gobierno colombiano
para estudiar en Nueva York con
Jennifer Muller, Martha Graham,
Merce Cunningham y Cho KyooHyun, entre otros.
En 1986 fundó su propia
compañía Athanor Danza y
estrena en el Teatro La Mama
de la ciudad de Nueva York,
su primera creación Desde
la Huerta de los Mudos,
homenaje a García Lorca en el
cincuentenario de su asesinato.
A partir de ese momento se
inicia su carrera internacional
como coreógrafo e intérprete de
sus propias creaciones. Entre sus
obras destacan Rebis (1987), Sol
Níger (1989), Yo, Arbor Gonzalo
(1991), Raveliana (1992), La
enfermedad del ángel (1993),
Ordalía(1994), El país de los
ciegos (1996), La Noche de la
hormiga – Tetralogía (2001).
Su obra se caracteriza por una
preocupación constante por la
atmósfera ritual y el carácter
sagrado del hecho escénico.
Desde 1995 vive y trabaja en
Cartagena de Indias, donde
fundó en 1997 EL COLEGIO
DEL CUERPO, con la bailarina,
coreógrafa y pedagoga Marie
France Delieuvin.
Marie
France
Delieuvin
es bailarina, coreógrafa y
pedagoga francesa en Danza
Contemporánea. Se formó en
París con Françoise y Dominique
Dupuy, y con Jérôme Andrews.
Como solista en la compañía
Les Ballets Modernes de Paris
y continuó su formación como
bailarina en Estados Unidos
(Universidad de Harvard y
Nueva York).
Es nombrada por el Ministerio
de Cultura de Francia en 1991,
Directora de la Escuela Superior
de
Danza
Contemporánea
de Angers, primer Centro
Coreográfico Nacional del país.
Ricardo Bustamante, bailarín,
coreógrafo y maestro de danza
contemporánea con formación
en danza Afro contemporánea
y
danza
tradicional Afro
colombiana.
Empezó
su
formación con el maestro Wilfran
Barrios en el año 1997, en el
lenguaje de la danza tradicional
Afro colombiana.
El Mediumuerto
Teatro Matacandelas
Colombia
Género: Tragicomedia
milenarista
Ficha artística
Reparto:
El médium Reinel Robayo:
Diego Sánchez
Sara, su hija: Beatríz Prada
Ruth, su otra hija: María Isabel
García
Roger Vaughum y Omar Villa,
una pareja:
Juan David Correa - Jhon Ospina
John Estelívar Gámez, un
motociclista:
Sergio Dávila
Astor, otro médium: Edwin
Alcides García
Deyanira, ex amante de Reinel:
Ángela María Muñoz
Y Juan David Toro - Tatiana
López
Composición y dirección
musical:
Ángela María Muñoz
Luces: Cristóbal Peláez
Sonido: Jonathan Cadavid
Escenario, vestuario y utilería:
Matacandelas
Diseño gráfico:
José Domingo Garzón
Dibujos animaciones:
Sergio Dávila Forero
Animación: Revolver Santos Films
Producción: Cristóbal Peláez G.
Asistente de dirección:
Margarita Betancur
Dramaturgia y Dirección:
José Domingo Garzón
Coproducción: Teatro
Matacandelas - XII Festival
Iberoamericano de Teatro de
Bogotá 2010
Agradecimientos: Volantín y
Andrés Sánchez
Duración: 80 minutos
69
70
La obra
En El mediumuerto sucede casi
todo: se roza con los mitos,
las creencias fundamentales
de occidente, se pasea por
los estereotipos de la cultura
popular, se aproximan referentes
a los profanos ritos de invocación
a la prosperidad, representados
en la tríada: salud, dinero y
amor; se abordan así llamados
ahora asuntos de género, se
participa del fin del mundo…
pero termina no pasando nada.
Suma de artificios y de engaños.
Engatusar al otro. El principio
y el final de la ficción, de lo
ficcional. Probablemente no ha
cambiado mucho la actitud de
las sociedades con respecto al
placer, a la seducción del relato,
es decir de la ficción, de la
mentira.
Asombro, sorpresa: eso es el
engaño. Transacción oral que,
más que circular sabidurías en
torno a la revelación de una
verdad, amplifican la fascinación
por el relato mentiroso, ficticio y
externo, que ha propiciado buena
parte, la más significativa quizá,
de la historia de las expresiones
del arte. Muy seguramente
siempre existió la frontera entre
la “mentira” y la “verdad”.
Pero, como sucede ahora ante
un espectáculo teatral, una
obra cinematográfica y demás
representaciones de la ficción,
estamos dispuestos a aceptar que
aquello “no existe”, que es una
convención de entretenimiento.
Muy seguramente, también,
estamos dispuestos a reconocer
que estos ámbitos se asocian con
lo que hemos acordado cercano,
definitorio, a los territorios del
Arte: Se miente cuanto mejor,
cuanto más se fantasea y se
aparta un asunto de la realidad.
Realidad y verdad son fuentes de
distorsión, y son legítimas, más
allá de las moralidades.
José Domingo Garzón
Dramaturgo,
director
y
pedagogo teatral.
Miembro
de la planta de directores de
la Fundación Teatro Libre de
Bogotá desde 1988 hasta 1998.
Fundador y Director del Teatro
del Torreón de la Universidad
Pedagógica Nacional, de 1987
a 1995. Director General de la
Fundación Índice Teatro desde
1998, hasta 2002. Fundador y
Director del Proyecto Pirámide,
2003-2006. Más de 30 obras
dirigidas, de autores como
Aristófanes, Shakespeare, Gógol,
Gorky, Brecht, Canetti, Frisch,
García Lorca, Sartre, Valle Inclán,
Mishima, Barnes, Camus.
Teatro Matacandelas Creado en 1979 y elevado a la
categoría de Patrimonio Cultural
de la Ciudad de Medellín en
1991. En sus 36 años de
existencia ha producido más de
50 montajes, entre ellos unos
12 pertenecientes al teatro de
títeres.
El Teatro Matacandelas ha
ganado en los últimos años un
amplio reconocimiento en el
ámbito nacional e internacional
y ha sido imvitado a los Festivales
Internacionales de Teatro de
Cádiz, Bogotá y Manizales
así como la gira por algunos
países
europeos
(Portugal,
España, Francia y Bélgica), la
participación como invitado
especial al Festival de teatro de
la frontera con presentaciones
en las ciudades de Cúcuta
y San Cristóbal (Venezuela)
en 1995, la temporada en el
Teatro Olimpia de Madrid en
junio de 1997, la participación
en el Festival internacional de
Almada (Portugal), la Muestra
internacional de teatro de
Rivadavia (España) también en
1997, la invitación a Mayo teatral
2001, 2004 y 2010 en Cuba,
la participación en el Festival
internacional de teatro y la Feria
del libro de Santo Domingo,
República Dominicana en 2006
y 2007, el Festival internacional
de Lima, 2006, además de
participaciones
frecuentes
en el Festival internacional
de Manizales y el Festival
iberoamericano de Teatro de
Bogotá.
71
Si el Río Hablara
Teatro La Candelaria
Colombia
Género: Drama
72
Ficha artística
Creación Colectiva:
Nohra González Reyes, Alexandra Escobar Aillón, César
Badillo P. y César Amézquita.
Concepto Plástico y
Realización: Mónica Bastos
Música: Edson Velandia
Apoyo Musical:
Hernando Forero
Fotos: Carlos Lema
Asesoría Dramatúrgica:
Felipe Vergara y grupo La
Candelaria
Diseño y construcción de
muñecos:
Hombre del Sol Castro
Videos: Karen Roa
Entrenamiento corporal:
Diana Casas
Dirección General:
César A. Badillo Pérez
Duración: 75 minutos
La obra
Si el río hablara es una travesía sin
retorno de cuerpos trashumantes
que dejan sus huellas inscritas
en el agua, en la nada…cuerpos
suspendidos en un tiempo quebrado
e inconcluso.
El montaje de creación colectiva,
dirigido por Cesar “Coco” Badillo,
presenta la historia de tres
personajes quienes, a su manera,
quieren salir de esa zona gris que
es la pérdida del sentido de la
vida, ocasionado por una guerra
interminable de la cuál el Estado ha
sido partícipe: Mujer, interpretada
por Nora Gonzales, una madre que
emprende su errancia por arduos
caminos para encontrar algún rastro
de su hija; Poeta, Cesar Badillo,
un hombre al que se le revelará su
esencia durante el viaje de la obra,
y Devota -Alexandra Escobar- otra
mujer que se resiste al olvido y
busca en su vida la memoria de los
muertos del agua.
Si el rio hablara es resultado
de un trabajo “fractalizado”
en 3 equipos, que empezó en
marzo de 2012 en el Teatro
La Candelaria, con el objetivo
de crear metáforas sobre el
cuerpo y su relación con el
mundo. Con esta apuesta el
Teatro La Candelaria mantiene
un espíritu que privilegia un
arte crítico, poco complaciente,
con una propuesta estética
audaz, sorprendente pero ante
todo llena de misterio. Mujer,
Poeta y Devota, crearan las
circunstancias para que quizás el
río hable.
César Badillo
Cesar Badillo lleva alrededor
de 30 años vinculado al
Teatro La Candelaria, allí se
ha desempeñado como actor,
director y dramaturgo donde
participó en piezas teatrales
emblemáticas como: El Quijote,
De Caos y Deca Caos, Nayra,
Antígona y Guadalupe años Sin
Cuenta. Como actor de cine
participó en 10 cortos y 10
largometrajes, entre otros: La
Sombra del Caminante de Ciro
Guerra y Soplo de Vida de Luis
Ospina, en 1999.
Teatro La Candelaria
Uno de los mayores exponentes
del teatro emblemático de
América Latina. Creado en junio
de 1966 por un grupo de artistas
e intelectuales provenientes
de la Universidad Nacional, el
Teatro La Candelaria ha sabido
consolidar un trabajo de creación
escénica que ha trascendido por
casi medio siglo y ha impactado
la
escena
latinoamericana
desde el método de la creación
colectiva.
El Teatro La Candelaria ha
montado 88 obras y construido su
sede en la localidad de bogotana
La Candelaria. Se ha destacado
no solo por la creación de
obras colectivas e individuales
originales, sino también por
sus aportes teóricos fruto del
laboratorio de experimentación
permanente en el lenguaje y
la actuación. La Candelaria
ha
recibido
numerosos
premios y reconocimientos
internacionales, entre el Premio
Casa de las Américas, en dos
ocasiones, el Premio Celcit y el
Dionisio de Oro del Festival de
Los Ángeles.
73
El Ausente
Teatro R 101
Colombia
Género: Comedia negra
74
Ficha artística
Autor: Felipe Botero Restrepo
Dirección: Hernando Parra y
Ramses Ramos.
Actuación:
Alexandra Viteri, Cecilia
Ramírez y Mónica Giraldo.
Diseño de imagen, escenografía
y vestuario: Mateo Rueda
Producción escenográfica:
Carla Zamora y Mateo Rueda
Asistente de dirección:
Martha Sáenz
Diseño de Iluminación:
Maira Salamanca
Elaboración de vestuario:
Luzmila Ciro
Producción ejecutiva:
Andrea Beltrán
Duración: 90 minutos
La obra
Héctor
Muñoz
Valencia
desapareció hace 10 años en
extrañas circunstancias. Después
de muchas desventuras regresa a
casa para compartir con sus tres
hijas y sus amigos más cercanos
una gran celebración de reencuentro.
Escrita
por
Felipe
Botero
Restrepo, EL AUSENTE es un
espectáculo que nos sumerge
en una casa de una familia de
clase media para narrarnos, con
humor e ironía, una historia
estremecedora acerca de la
incertidumbre, la ansiedad y el
dolor de las familias que sufren
la desaparición forzada de un ser
querido.
Teatro R 101
El 11 de febrero de 1995 fue
fundado el Teatro R 101 con el
propósito de abrir un espacio
para que jóvenes artistas, con
inquietudes acerca del oficio
teatral, tuvieran la oportunidad
de consolidar su vocación en
un ambiente de compromiso y
autodisciplina
Su singular nombre, R101,
nace en honor a un viejo
y remodelado bloque de
edificaciones que actualmente
componen el campus de la
Universidad de los Andes,
un lugar que les dio alberge
durante los primeros tres años
de existencia y gracias al cual
el grupo pudo dar sus primeros
pasos como un colectivo con una
ética y una técnica de trabajo
que les permitiera consolidarse
como un Teatro Profesional
Independiente.
En junio del 2001, los miembros
del Teatro R101 encontraron
una casa de estilo inglés
republicano ubicada en el
tradicional barrio de Quinta
Camacho –declarado Sector de
Interés Cultural-, la cual tomaron
en alquiler y convirtieron
en
su
sede
permanente.
Allí encontraron un viejo y
rudimentario auditorio que se
había construido tiempo atrás
y sobre estas bases levantaron
el actual teatro de cámara que
cuenta con capacidad para 75
personas. La sala fue oficialmente
inaugurada en noviembre del
año 2003 con la temporada de
la obra La Historia del Zoológico
de Eduard Albee, dirigida por el
reconocido teatrista colombiano
Germán Moure.
Entre sus obras destacan ¿De
dónde vino este animal? (2004),
Juego para dos (2005), Mi lucha
– farsa (2006), A mi manera
(2007), La Bienvenida (2008),
Sin Mente (2009), Las Aventuras
del Quijiote (2009), Jappy Hauer
(2010), El Ausente (2012), Ositos
de goma (2014).
75
Donde se descomponen
las colas de los burros
Umbral Teatro
Colombia
Género: drama
76
Ficha artística
Autor: Carolina Vivas
Dirección: Ignacio Rodríguez
Actuación: Andrea Sánchez,
Daniel Maldonado, José Luis
Díaz, Carolina Beltrán, Alfredo
Aguilar, Miguel Ángel Rodríguez,
Julio Rodríguez, Fabián Mejía.
Mapping: Felipe Alvarado
Duración: 70 minutos
La obra
Es el afán de los personajes
por defender a sus familias
de un destino que parece
inexorable: jóvenes extraviados
en un presente que se les escapa,
enredados en la maraña de los
intereses de adultos sin rostro.
Personas del común a merced de
un estado ausente y autoritario a
su vez, en un mundo peligroso
de delaciones y recompensas,
acusaciones ambiguas de delitos
que tampoco resultan claros.
La esperanza de recuperar a los
seres queridos se desvanece, sin
que quede rastro de su historia,
registro de su nombre o su dolor.
Donde se descomponen las
colas de los burros es una
propuesta multidisciplinar de
carácter musical, plástico y
dancístico, que usa recursos
cinematográficos, intervenciones
audiovisuales e instalaciones
sonoras, que develan el sentido
profundo del texto teatral.
El grupo trabajó durante siete
meses hasta encontrar el lenguaje
pertinente al universo de la obra,
que hace énfasis en el uso de un
cuerpo no cotidiano; un montaje
de vocación fragmentaria que
guarda directa relación con
las necesidades del mundo
eclosionado de los personajes,
propuesto por la autora.
Umbral Teatro
Nace en febrero de 1.991,
conformado
por
teatristas
y
músicos
profesionales,
asociados bajo la modalidad
de Grupo de Teatro, la opción
más viable de ser un equipo de
investigación y creación, que
formule preguntas al oficio y al
país.
Umbral Teatro se ha propuesto
durante estos años de trabajo
la búsqueda de un teatro
pertinente.
Dentro de su producción
ininterrumpida se cuentan:
Segundos, Electra o la caída de las Máscaras de Margarite Yourcenar; Días felices de
Samuel Becket, La Suite de los
Espejos, creación colectiva
en homenaje a Federico
García Lorca; Gallina y el otro;
Cuando el zapatero remendón remienda sus zapatos…, escrita y dirigida por Carolina Vivas, una coproducción con el
77
IX Festival Iberoamericano de
Bogotá, ; Una Soberana calva; .
De plazas juglares y cadalsos en concertación con el IDCT, dirección de Ignacio Rodríguez y dramaturgia de Carolina
Vivas, a partir del Misterio
Bufo de Darío Fo y del texto
El culebrero del historiador
colombiano Jorge Villegas, entre
otras propuestas escénicas.
En el Escenario
Teatro Azul
Colombia
Género: Danza contemporánea
78
Ficha artística
Actuación: Ximena Escobar
Mejía, Claudia Milena Restrepo
Sierra, Maria Cristina Restrepo
Sierra
Dramaturgia y Dirección:
Leonardo Echeverri Botina
Diseño de iluminación:
Leonardo Echeverri Botina
Duración: 60 minutos
La obra
“En el Escenario” es un
documento escrito sobre el
escenario, en el cual la danza
de tres cuerpos femeninos, la
música y el video se entrelazan
y crean un discurso que genera
un espacio de reflexión frente a
una problemática que afecta a la
humanidad.
Partiendo
de
la
tragedia
“Antígona”, y teniendo como
referente el informe General
Grupo de Memoria Histórica
“BASTA YA” publicado en
2013, Teatro Azul hace una
comparación entre el fratricidio
que esta tragedia griega relata y
lo que ocurre en los conflictos
armados
que
actualmente
existen en Colombia y en el
mundo, y encuentra entre ellos
una increíble similitud.
Teatro azul
Es
un
grupo
de
teatro
contemporáneo que desarrolla
su trabajo en la ciudad de
Armenia, donde tiene su sede.
Desde sus inicios en 1998
ha adelantado un continuo
proceso de investigación teatral
realizando coproducciones con
Cuba, Argentina, Alemania,
México y España.
En Teatro Azul los procesos de
investigación teatral y puesta
en escena han arrojado obras
como: Madona y Víctor Hugo
(coproducción con Teatro Mío
de Cuba), Dolores Santos,
Nerudianas, Ciudad Fantasía,
Armando
Luceros,
Dos
Navegantes tras el Mascarón
de Proa (coproducción con
Teatro Llanura de Argentina),
Bolívar el Libertador Desnudo
(coproducción con Mutantheater
de Alemania), Una Ventana
al Infinito (coproducción con
Mutantheater de Alemania),
Libelos y Memorias, Sin Sentido,
¿De Qué Estamos Hablando?
(coproducción con Mexicali a
Secas de México, Iberescena
2012/2013)
79
Como Sos Te Quiero - Letra De Tango
Actores en Escena
Colombia
Género: Drama
Ficha Artística
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Dirección: Liliana Díaz Orozco.
Actuación: Liliana Díaz Orozco,
Carolina Guacaneme Mora,
Manuela santa Muñoz,
María Fernanda Giraldo Flórez,
Javier Mauricio Naranjo Vasco,
Juan Manuel Becerra Valencia,
Juan David Hernández Ramírez,
Alejandro Arias Díaz, Paulo
Cesar Arcila.
Técnicos de luces y sonido:
Manuel José Astaiza, Camilo
Vargas Peláez.
Productor:
Leonardo Arias Escobar.
Duración: 60 minutos.
La obra
La falta de comunicación, la lucha
de poderes, los celos, el engaño, la
seducción, cruzadas por el tango
como elemento dramático de
acción, para llegar a la inexorable
realidad que se vivencia en las
relaciones de pareja.
La directora
Liliana
Díaz
Orozco, Actriz
Licenciada en artes Representativas
de la Universidad de Antioquia.
Fundadora de Actores en Escena,
Manizales 1994, y directora de su
Escuela de Formación Actoral.
Actores en Escena
Es una fundación cultural que nace
en Manizales en 1994, Desde su
fundación cuenta con su escuela de
formación de actores. Desde hace 21
años ha desarrollado un reconocido
trabajo en el campo de la formación,
producción y programación teatral.
El Trota Calles
Teatro Punto de Partida
Colombia
Género: Drama
Ficha artística
Autor: versión libre de “El
Atravesado” de Andrés Caicedo
Dirección: Augusto Muñoz
Actuación: Jhon Mario
Sepúlveda
Luces y Sonido:
Jhon Edwin Valencia
Maquillaje: Gloria Nidia Giraldo
Duracion: 75 minutos
La obra
Versión libre del atravesado de
Andrés Caicedo, un joven que
desde pequeño ha estado dentro
del ambiente de la barra, de la
esquina, la pelea, entra por
una calle donde en cada parada
encuentra personas que marcan
su destino: la madre, Edgar, la
tropa brava, akira Nagazaka,
María del Mar; pero de los
que ya solo quedan recuerdos,
recuerdos que cada vez se
agudizan más con el tictac del
reloj que marca el tiempo de
su existencia, obligándolo a
refugiarse en una coraza de
rebeldía
donde no necesita
a nadie porque se tiene a sí
mismo. Lo que para los demás
es soledad para él es seguridad,
ya no quiere hablar más de sus
amigos idos, de sus amigos
muertos, andar con personas le
cansa a la larga, no sabe cuál
es el fin de su camino, seguirá
trotando hasta que sus puños y
sus pasos dejen una huella; pero
hasta que eso suceda seguirá
siendo el trota calles.
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Andrés Caicedo
Obra basada en “El Atravesado”
del escritor y cineasta caleño
Andrés Caicedo. Su pluma
recorrió los terrenos del cuento,
la poesía, los guiones y las
novelas, algunos de los cuales
fueron traducidos a otros
idiomas. Fue crítico de cine en
los periódicos Occidente, El
País, El Pueblo, y en las revistas
Ojo al cine (la cual fundó
con Carlos Mayolo, Ramiro
Arbeláez y Luis Ospina en
1974) y Hablemos de cine. Sus
críticos lo concibieron como un
desadaptado, desarraigo y un
ser trágico. Luego de su suicidio
se ha publicado gran parte
de su obra en distintos libros,
algunos de ellos: Angelitos
empantanados o Historia para
jovencitos, Destinos fatales,
Berenice, Calicalabozo, Noche
sin fortuna, Teatro, entre otras.
El director
Augusto Muñoz es actor, director
y Cofundador del grupo Teatral
TICH de la ciudad de Manizales,
donde laboró por espacio de 18
años. Actor Profesional invitado
en la Fundación Teatro Libre
de Bogotá de 1992 a 1996.
Fundador y director artístico de
la Fundación Teatro Punto de
Partida. Actualmente es profesor
en la Licenciatura en Artes
Escénicas de la Universidad de
Caldas.
Teatro Punto de Partida
Nace en 1996 en Manizales
con el objetivo de impartir
formación pedagógica a través
de la Academia de Teatro y
Títeres dirigida a niños, jóvenes
y adultos
Desde el 2004 es Sala
Concertada con el Ministerio de
Cultura, desde la cual fortalece
la actividad artística de la
ciudad, a través de plataformas
como el Festival Intercolegiado
de teatro “aulas de vida,
escenarios de creación”, que
dirige desde 2007, y la Red
Festival Iberoamericano de
teatro de Muñecos, Eje Cafetero,
creada en 2008.
En 2007 su director Augusto
Muñoz Sánchez fue destacado
por el Ministerio de Cultura,
el periódico EL TIEMPO, y el
canal CITY T.V. entre las “Diez
historias inéditas de la década
en Colombia ”.
ESPECTÁCULOS
CALLE
INTERNACIONALES
Rodafonio
Factoría Circular
Argentina / España / Colombia
Género: Pasacalle musical
Ficha artística
Dirección, idea y construcción:
César Alvarez Bayer
Asistente de dirección y
producción: Andrea Cerchiaro
Composición musical: Rodrigo
Spagnuolo “Pilu”
Arreglos musicales: Sebastián
Cabra, Miguel Ramón.
Músicos: Orlando Andrés
Cortés, saxo tenor, Yohan
Sebastian Gordon, guitarra;
Fernando Diaz, batería.
Actores: César Alvarez Bayer,
Andrea Cerchiaro.
Road manager y técnico: Juan Guillermo Quintero.
Producción: Factoría Circular
Duración: 40 minutos
La obra
Desde el mágico mundo de los
inventos llega Rodafonio. Una
gran rueda que recorre las
calles llevando en su vientre
metálico 5 bienaventurados
tripulantes, que se integran a ella
para darle movimiento a través
de la música.
Una puesta en escena arriesgada,
un ingenio mecánico, que,
entre fórmulas matemáticas y
partituras, cobra vida para jugar
con el alma carnavalesca y
festiva de la calle, convirtiéndola
en una evocación completa y
dinámica de la feria clásica,
invitándonos a formar parte de
un gran viaje onírico.
¿La música mueve la mecánica
o la mecánica mueve la música?
Un
espectáculo
itinerante
de calle, una geometría en
movimiento que apuesta por
la condensación de imagen y
sonido.
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César Álvarez Bayer, Director
César Álvarez es músico, inventor
y constructor. Ha trabajado con
diversas compañías de teatro
y/o música de Latinoamérica
y Europa, desempeñando sus
tareas como actor, músico,
escenógrafo,
constructor,
técnico, entre otros.
Residió en Barcelona más de 20
años, y es miembro-fundador de
la Asociación Cultural Palo q’
Sea (Colombia), que desarrolló
parte de sus creaciones teatrales
en Barcelona y giró por todo
el mundo con diferentes
espectáculos
Factoría Circular
Es una compañía de artes urbanas
creada en Europa en el 2010
por dos experimentados artistas
y creadores, César Álvarez y
Andrea Cerchiaro, en el ámbito
del teatro y música de calle.
El interés de los creadores es
realizar espectáculos a partir de
ingenios “imposibles”. Ir más
allá: un ingenio es un sueño
hecho realidad; una puesta
en escena sobre un ingenio es
sorprendente.
RODAFONIO es la primera
creación de Factoría Circular,
pero es una ópera prima que
nació con un gran bagaje de sus
creadores.
Para la compañía, el éxito
de RODAFONIO ha comportado
nuevos retos dentro de la
temática de la escenografía
urbana y la musical. Su objeto
es incorporar
diferentes
disciplinas artísticas, innovando
en la forma de presentarlas al
público, rompiendo esquemas,
con puestas en escena inéditas,
con este mensaje de que
“todo es posible”, incluso las
concepciones más arriesgadas. En 2014 sus creadores deciden
ampliar caminos, construyendo
un nuevo prototipo en América.
La propuesta es ir recorriendo
diferentes lugares invitando,
en cada sitio, músicos locales,
como intercambio cultural y
artistico, dándole al espectáculo
matices propios de cada lugar.
HS
La Chouing
Francia
Género: Clown
Ficha artística
Director: Alain Bourderon
Asistente de dirección: Caroline
Lemignard
Actores: Luc Costa, Julien LETT,
Caroline Lemignard, Alain
Bourderon.
La obra
Tres payasos, no han muerto
todavía, no logran abordar el
público.
Hacen
espacio
para
un
espectáculo con las sobras,
consejos,
viejos
recuerdos,
astillas música.
Son payasos olvidadizos que
pretenden salir por última
vez . Pero , ¿para qué? Tal vez
para Jugar. ¿Para jugar qué?
¿jugar para quién? ¿Cuál es el
propósito? Nada, pero nada es lo
suficientemente bueno .
Rodando en harina, transformado
en polvo, van a tratar de
recordar.¿Cuál es el gusto del
público ? y entonces, ¿cómo
hacer rollos ? y Tarzán , lo fuerte
que era ? ...
Entonces tocan canciones, lloran
como un lobo aullando a la luna,
interpretan un violín ... Luego la
muerte les espera .
Estos payasos intentarán retorcerle
el cuello a la muerte. Ellos
hacen su propia muerte, van a
jugar a su manera, llenos de
Chantilly y hemoglobina. Y van
a desaparecer bajo la lona negra,
como una pieza de una carpa
de circo, como una mortaja o
una hoja caliente, como un mar,
un naufragio, una capa de un
famoso caballero.
87
88
La Chouing
Esta compañía fue fundada en
2007 por Alain Bourderon, “H S”
es su cuarta creación, el primer
show de payasos después de
tres creaciones híbridas entre el
teatro y el clown, siempre con
una poética que se mueve entre
la tragedia y la comedia.
Sus espectáculos son invitados
permanentes en los principales
festivales de calle de Europa.
El equipo de artistas lo
conforman:
Alain Bourderon, autor director
y el actor cómico desde 1998.
Graduado por la Escuela de
Bellas Artes en 1991 , trabajó
con la compañía Cacahuate
desde 1998 hasta 2007. Luego
creó la compañía La Chouing
con el objetivo de llevar la
poesía oscura al escenario, y
mezclar sus experiencias con las
artes visuales y el teatro.
Luc Costa, Comediante desde
1985. Trabajó con más de 10
compañías de teatro de calle,
como Chantiel Mobil, Givrés
de Alama, Albedos, Cacahouet,
Archaos, La Toupine, la CIA ...
Caroline Lemignard, asistente de
dirección.
Es Actriz en algunos proyectos
de la compañía. Directora de
actores con otras compañías,
creó en 1998 un primer payaso
adulto; su más nueva creación
en 2014 esAbisal Cabaret / V
Encarnación.
Julien LETT, actor.
Después de su formación
musical en saxo, acordeón,
violonchelo, se preparó en el
teatro. En sus inicios hizo para
de La Toupine y luego se unió a
La Chouing en 2012 para crear
el trío “Que así sea ! “ . “HS “
es el segundo proyecto en el que
está implicado.
Irakurriz
Shakti Olaizola
España
Género: Circo-Teatro
Ficha artística
Idea original: Shakti Olaizola
Dirección: Lucio Baglivo
Intérprete: Shakti Olaizola
Coreografía: Lucio Baglivo,
Stefano Fabris
Colaboración artística: Maite
Guevara, Stefano Fabris
Diseño de iluminación: Naia
Muñoz
Producción: Shakti Olaizola
Colabora: Pirineos de
Circo, Area de Cultura del
Ayuntamiento de Bilbao
Escenografía: Shakti Olaizola
Vestuario: Mayari Reta
Fotografía: Bárbara Govan, Naia
Muñoz
Video:
Jesús Pueyo e Iván Izaguirre
Duración: 30 min
Nos sumergimos en el mundo,
un tanto peculiar, de una
chica. A través de su lectura,
nos lleva por los distintos
capítulos de una historia llena
de recuerdos, descubrimientos,
reflejos, sueños... A través de las
situaciones y los objetos que va
encontrando a su paso, ella se
va descubriendo y compartiendo
sus historias con nosotros. Una
silla, una mesa, una almohada,
un libro, cobran sentido junto
a ella y le acompañaran en su
recorrido. Nos hará soñar y
disfrutar con ella en ese mundo
en el que está inmersa.
Acciones y objetos cotidianos se
convertirán en juego, desafió y
deleite junto con el movimiento,
la voz, los equilibrios, la danza y
la contorsión. ¿Como terminará
este viaje?
89
90
La compañía
Skakti
Olaizola
nació
en
septiembre de 1987 en Gipuzkoa,
País Vasco. Es licenciada en
Bellas Artes. En 2006 comenzó a
formarse en distintas disciplinas
de circo, especialmente en
contorsión, acrobacia y verticales
con Ane Miren, Lucio Baglivo,
entre otros.
Ha sido integrante de la compañía
Disparate y ha participado en
proyectos con Neska Kabaret,
Plataforma Tirante y Zirkun Zirko.
En 2012 comienza su proyecto
individual y crea un número corto
llamado “Irakurtzen”, con el que
ha girado por distintas geografías
de España y Francia.
En 2013 creó “Irakurriz”,
espectáculo que estrenó en la
Feria de Artistas Callejeros Umore
Azoka 2014 de Leioa y con el que
ha recorrido varios festivales del
País Vasco y el resto de España.
Callings
The Carpetbag Brigade
USA
Género: teatro físico
Ficha artística
Dirección: Jay Ruby y creación
colectiva por The Carpetbag
Brigade Vestuario: Bad Unkl
Sista, Aurelia Cohen y Helen
Goodrum
Sonido: Arreglado y recopilado
por Isabelle Kirouac y
Christopher Mankowski
La obra
Un homenaje poético al mar
y las sirenas, tomando como
inspiración el reto del cambio
climático. Utilizando el arte
de la acrobacia en zancos y un
lenguaje metafórico el fantasma
de un capitán y la sirena se
enfrentan con los marineros
del comercio, seduciéndolos
hasta que se despierten en la
conciencia de que el mar es un
ser vivo.
¿Si el océano fuera enfermo, se
sentiría su llanto?
¿Si las nubes fueron adivinanzas,
las escucharíamos?
¿Si un marinero sobreviviera a
la canción de una sirena, las
palabras adornarían su lengua
salina?
“¿De quién son estas palabras
cuando no habla nadie?”
murmura el fantasma de un
capitán deambulando en el
suelo marino. La sirena le canta
una respuesta, “¿Qué puedes ver
cuando cierres los ojos?” Una
tregua inquieta se hace entre
lo eterno y lo olvidado, juntos
conspiran a un embrujo salado
de susurros, de advertencias, de
invocaciones, de llamados de
olas undulando incesantemente.
91
Una tempestad para dominar
a los que fabrican el mundo
con avaricia, ignorantes de la
tormenta que está formándose en
las mismas aguas donde flotan.
Algo nuevo está surgiendo desde
lo profundo ... ¡El mar vive!
Vive, ¿no ves? Vive como tú, vive
como....
92
The Carpetbag Brigade
Es un grupo multidisciplinario
que crea espectáculos con una
estética única que tiene como
base la fusión de técnicas
de acrobacia en zancos,
danza butoh, danza contact,
composición musical, y teatro
físico.
Como verdadero pioneros en el
arte de la acrobacia en zancos,
The Carpetbag Brigade domina
un lenguaje teatral original
donde coinciden el teatro, la
danza, y el circo. Se levantan
con belleza, se caen con gracia
y evocan una magia efímera con
el movimiento y acción de sus
poderosos cuerpos.
Un espectáculo de Carpetbag
Brigade emana y late con gran
elegancia y versatilidad en
escenarios teatrales o al aire
libre.
The Carpetbag Brigade es una
fuerza de integración cultural con
el objetivo de presentar su trabajo
en una variedad de escenarios y
ambientes. El grupo aumenta la
calidad, alcance e impacto de la
cultura de teatro en vivo a través
del entrenamiento de actores, el
alcance comunitario, actividades
pedagógicas, y la presentación
de un trabajo estéticamente
desarrollado.
Involucran a personas de
diferentes
culturas
para
compartir, crear, expresar y
reflexionar sobre experiencias en
común. The Carpetbag Brigade
utiliza el arte escénico como
herramienta para superar el
idioma, la clase social y ofrecer
un trasfondo ambiental a sus
piezas escénicas. Busca pues
evolucionar el rol de la cultura
teatral y la práctica de grupo
como un elemento fundamental
de una sociedad saludable.
Desfile Imperial de Kikiristan
Kikiristan
Francia
Género: espectáculo musical ambulante
La obra
“ Al reunir a los ex funcionarios
de la Corte Imperial de
Kigrad, el Servicio Público de
entretenimiento sirve cualquier
tipo de eventos ( despedidas de
soltera, aumento de impuestos,
despidos ... ) en una fórmula de
sonido con múltiples acentos.
Del Mediterráneo hasta las
montañas de los Andes, de la
Ruta de la Seda a la autopista
66, el Servicio de Espectáculos
Públicos se complace en dar
a conocer todos los estilos
musicales presentes en la Corte
Imperial de Kigrad”
El grupo
Con la ayuda de John McPellow,
productor, el carismático grupo
Imperial Kikiristan, creado en
2008, recorre el mundo con sus
pistas de baile electrizantes.
Una noche en Kikiristan es un
verdadero sonido portátil que
viaja constantemente renovado.
Su inspiración músical para
de sus recorridos improbables
desde el Asia Central al norte
de África: Cabarets en Orán,
salones de mercados en Tel Aviv,
avícolas en Kazajo y, por qué no,
las búsquedas más extravagantes
en YouTube, fiel espejo de la
cultura alternativa.
93
Rubbish Rabbit
Tony Clifton Circus
Italia
Género: Clown
94
Ficha artística
Músicos: Colin Bosio, Emeric
Chanton, Guillaume Cottin,
Jean-Romain Guyot, Nicolas
Mathieu, Benjamin Poulain,
Florian Vidgrain.
Duración: 90 minutos.
La obra
Rubbish Rabbit es un espectáculo
anarquista, nacido para desatar
la alegría de vivir y la infinita
libertad que el estar vivos nos
concede. Se trata de un juego
frenético en el que palabras y
acciones se persiguen en una
carrera sin fin, una sucesión
implacable de risas y tensión
para el espectador.
El deseo de todo payaso es encontrar
el niño que está dentro de cada uno
de nosotros y darle todo el espacio
posible... y con Rubbish Rabbit
Tony Clifton Circus lo consigue
rotundamente.
Pero los niños, cuando están libres,
son de lo más peligroso que puede
existir en el mundo, son capaces de
crear caos, ruido, destrucción total y
es justo esto lo que compone Rubbish
Rabbit: caos, ruido y destrucción total.
“En Rubbish Rabbit rompemos la
mayoría de las cosas que nos pasan
entre las manos, nos disparamos,
nos echamos al suelo, bailamos,
nos peleamos con nuestro peluche
gigante... simplemente porque es
la cosa que más nos divierte y podéis
contar con que vernos hacer eso no va a
ser para nada confortante”.
ESPECTÁCULOS
CALLE
NACIONALES
AAINJAA dice HOLA
AAINJAA
Colombia
La obra
AAINJAA es una compañía
de percusionistas y bailarinas
originaria de la ciudad de
Bogotá-Colombia, que trabaja
en el campo de la percusión,
la danza y los espectáculos de
calle.
AAINJAA dice HOLA, es un
espectáculo que tiene como
protagonista la Percusión y la
Danza. Un gran número de
artistas multidisciplinares salen
a deleitar al público con un
sinfín de ritmos Afro ColomboBrasileños de gran fuerza y
vitalidad logrando una excelente
fusión con el movimiento,
infinitas danzas y coreografías,
dando como resultado un
espectáculo innovador, atrevido,
lleno de carácter, espontaneidad,
magia y con el indudable factor
de la sorpresa.
El grupo
Dirigido por Homero Cortés,
artista reconocido de gran
trayectoria, componente de
la
prestigiosa
agrupación
Colombiana
CIMARRÓN
(Nominada a los Grammy 2005)
y ex componente de la compañía
española “La Banda Del Surdo”,
la cual ha participado con gran
éxito en los principales festivales
de música y teatro de calle que
se celebran en España, y con una
experiencia internacional que lo
ha llevado a realizar actuaciones
en Francia, Italia, Reino Unido,
Bélgica,
Suiza,
Alemania,
Rumania, Rusia, Irlanda, Países
Bajos, Noruega y Marruecos.
También ha colaborado en
producciones y espectáculos
de otras compañías, entre las
que destacan Cirque du Soleil,
Comediants, La Fura dels Baus o
Studio Festi.
97
Yaxché
Barrio Comparsa
Colombia
98
La obra
Yaxché nace de la necesidad de
recrear diversos imaginarios y
concepciones sobre la vida, de
la inspiración para reencontrarnos
con nuestros huesos y memoria
ancestral desnudando el alma
para volver a los orígenes de
nuestra
esencia primigenia, la
vida, la respiración y la conexión
con nuestros antepasados y nuestra
historia.
Es una creación colectiva que
recrea diversos imaginarios
de culturas milenarias
de
los pueblos de América, en la
que se integra danza, música,
teatro como puesta
para la
manifestación de la fuerza
creadora de las y los jóvenes
inmersos en la propuesta. Es un proceso en el que se reivindican
y valoran el conocimiento, la
sabiduría, las rices y la memoria
de nuestros antepasados. Es una
manifestación que dignifica la
vida y la conexión con la tierra y
el universo. En esta propuesta se articulan en
diversos imaginarios y personajes
para el desarrollo de las escenas.
Barrio Comparsa
Barrio Comparsa dotada de la
Metodología Lúdica MLAPT,
tuvo su aparición en Medellín
en 1990, como un escenario
para la convivencia y para las
expresiones artísticas, cuando
pensadores, artistas y gestores
culturales irrumpen en el
escenario social en procura de la
libertad de expresar y proponer
una alternativa de vida y de paz,
contribuir a reparar los daños
psico- sociales dejados por la
confrontación y ofrecer a la niñez
y la juventud nuevos referentes
simbólicos para su desarrollo,
en un hecho que marca la vida
cultural de la ciudad.
La tropa de payasos EL VIAJE
Caza Retasos
Colombia
Ficha artística:
Creación e interpretación:
Alexander Devia, Daniela
Narváez, Nacor Quintero, Pablo
Castro, Daniel Eduardo Álzate
Dirección: Daniel Eduardo
Álzate
Música:
Corporación Caza Retasos
Diseño de vestuario y
escenografía: Daniela Narváez
Construcción escenográfica:
Corporación Caza Retasos
Técnico de sonido: Edwin
Narváez
Duración de la obra: 50 minutos
La obra
Con música en vivo y un alto
contenido estético y visual esta
historia picaresca inicia con la
representación de una tropa
clown, quienes irrumpen los
espacios cotidianos de la ciudad
con música, juegos escénicos
y coreografías, ligadas a la
necesidad de transformar en un
mundo ficcional la historia de
diferentes individuos que tienen
como necesidad dejar su pasado
y buscar un futuro más próspero,
inspirados en la utopía de un
mundo mejor.
El mundo de los sueños es
el deseo de cada uno de los
personajes que pretenden viajar
en una estación de tren; el boleto
hacia este mundo se convierte en
la manzana de Adán, puesto que
en ella recae el mundo soñado
de cada uno de los personajes,
que harán hasta lo imposible
por obtenerlo sin pensar en las
consecuencias de sus acciones.
Es de esta forma cómo la
obra devela que el mundo de
los sueños no es más que un
imaginario colectivo creado por
la sociedad.
99
100
El director
Daniel Eduardo Álzate Palma es
licenciado en Artes Escénicas
de la Universidad de caldas;
entabló comunicación con el
teatro desde el año 2002 en la
agrupación Teatro y títeres la
Carpa (Ibagué), con la obra de
títeres: La calle de los fantasmas,
Javier Villafañe (2003). Como
actor ha estado en diferentes
procesos académicos tale como:
Cabaret Trágico, Alejandro
Jodorowsky (2011), La Mala
sangre,
Griselda
Gámbaro
(2013) e Invocation of fiction,
Proceso
de
investigación
y creación presentado en
Guadalajara (México) en el
marco del encuentro académico
DELTA IV (2012).
En 2013 se vinculó a la
Corporación Caza Retasos, en
la cual ha ejecutado y ejecuta
diferentes proyectos de creación
e investigación bajo la figura
de Director artístico, donde se
destacan: “De Paso”, Creación
colectiva, La tropa de payasos
“El viaje” Creación Colectiva,
“El cepillo de dientes” de Jorge
Díaz. “La puerta” de Sanchis
Sinisterra y como actor en
“Traición” de Harold Pinter.
Caza Retasos
En el año 2009 nació el
colectivo Circo teatro Manizales
con la intención de promover
propuestas escénicas basadas en
las técnicas Circenses y el teatro,
a partir del aprender haciendo.
En el año 2012 se generó
una pausa para replantear el
proyecto; fue allí donde nació
Caza Retasos, un colectivo
artístico interdisciplinar que
inauguró su primera sala de
teatro, la cual fortaleció los
procesos de formación y de
Creación Colectiva, y dio
inicio a una programación
constante de espectáculos de
las artes escénicas, brindándole
a la ciudad un nuevo lugar
para la divulgación de los
procesos artísticos locales de
carácter Académico, Amateur y
profesional.
Los cuatro elementos
La Burbuja Producciones
Colombia
La burbuja producciones es una
compañía artística multidisciplinar
que trabaja de la mano con la
naturaleza y el desarrollo del ser,
a través de un lenguaje en el que
confluyen las tecnologías digitales
y las artes experimentales
En 2014 realizaron el I Festival
de Circo el Globo en la ciudad
de Manizales, Caldas.
En el año 2014 realizamos en
Co-producción con la Fundación
Kuri Pukuska e I Festival de las
artes MINGA en la ciudad de
Florencia- Caquetá. Ese mismo
año fueron reconocidos con el
premio INCU*ARTE. Este año
hicieron parte del 14 Festival de
la Imagen, Mercado Circulart +
Diseño, Arte, Tecnología.
101
Abadón y la Caravana del Exterminio
Teatro Inverso
Colombia
102
Ficha artística
Creación colectiva
Autores-Creadores:
Carlos Julio Jaime, Alexandra
Vinasco Benavides, Bredy
Yeins Gallego Giraldo, Liliana
Hurtado Sáenz, Juan Camilo
Molina Cruz.
Dirección General:
Liliana Hurtado Sáenz
Musicalización e
Interpretación:
Juan Manuel Soto Gómez
Vestuario: Luis Felipe Millán
Laboratorio de Investigación
Teatral La Esfinge
Clínica de Intervención
dramatúrgica y teatral- Carlos
Alberto Sánchez Quintero-
La obra
Es el resultado de una indagación
escénica que el grupo se propuso
a partir de las diferentes formas
de exterminio que se han dado en
la historia de nuestro país como
otra manera más de violencia,
pasando por la conquista de
América , el genocidio de la
Unión Patriótica, la toma del
Palacio de Justica, los falsos
positivos, hasta el bombardeo
de población civil, entre otros
hechos que han transformado la
vida de los colombianos.
El colectivo encuentra en
“el exterminio” un tema que
reúne las características de los
acontecimientos para abordarlos
desde una perspectiva universal.
Teatro Inverso
Inicia actividades en el año
2010 y hace parte del Grupo de
Investigación del Departamento
de Artes escénicas de la
Universidad de Caldas.
Teatro Inverso se dedica a la
continua indagación de la
creación-investigación en el teatro
a través de métodos de creación
de estilo contemporáneo.
Teatro Inverso es un grupo de artistas
profesionales Investigadores del
oficio teatral quienes a partir
de inquietudes o situaciones de
orden sociopolítico del contexto
colombiano buscan alternativas
estéticas que logren invertir la
mirada del dolor cotidiano hacia
el encuentro de la poesía del
horror universal.
El grupo cuenta con dramaturgos,
directores, actores, bailarines,
diseñadores visuales y músicos
profesionales.
La
principal
herramienta que utiliza el
grupo para sus creaciones es la
Creación colectiva.
La Isla del Tesoro
Teatro Tierra
Colombia
Género: teatro infantil
104
Ficha artística
Dirección: Juan Carlos Moyano
Elenco: Daniel Maldonado,
Clara Ariza,
Sandra Silva,
Elkin Cubillos, Joan Jiménez,
Julia Marín, David Rosero,
Maryory Moreno, Ronald
Ramírez.
Asistente de Dirección:
Andrés Martínez
Composición Musical:
Daniel Maldonado
Vestuario: Jacqueline Rojas
Producción Teatro Tierra
La obra
Obra de la compañía colombiana
Teatro Tierra, basada en la novela
de Robert Louis Stevenson. Bajo
la dirección de Juan Carlos
Moyano,
este
espectáculo
comienza con la muerte del viejo
Billy Bones, poseedor del mapa
de la Isla del Tesoro.
El joven Jim Hawkins, narrador
del relato, se apodera del
documento, por el cual tendrá
que combatir al lado de otros
personajes, contra la banda del
Capitán Flint.
La puesta en escena, inspirada en
las islas de Providencia y Santa
Catalina, traslada al espectador
a un universo de piratas lleno
de barcos imaginarios, mares
y tempestades. Aborda valores
como el coraje, el ingenio y la
fuerza espiritual de los seres
humanos.
Sobre el proceso
Primero navegamos en las
páginas de la aventura y poco
a poco nos fuimos metiendo en
un juego donde comenzamos a
ser personajes de una historia
cercana, que conocimos en la
época juvenil, cuando soñamos
siendo piratas de barcos con aire
de leyenda.
Stevenson tiene el encantamiento
de las palabras y nos volvió
cercanos de personajes que nos
dejan ver aspectos inherentes
a la condición humana y que
alimentan la imaginación de una
manera vital. Después de viajar
por el libro sentimos el deseo de
jugar y comenzamos a crear una
manera de contar la historia que
tanto nos había gustado.
La isla del tesoro tiene acción
y suspenso y siempre despierta
curiosa fascinación. Tal vez
por eso nos emocionamos
pensando en el mar y en las
batallas ultramarinas que nos
acompañaron en la infancia,
cuando un palo era una espada
y bastaba cerrar un ojo para
tener un parche como cualquier
bucanero.
Teatro Tierra
El grupo Teatro Tierra, que
tiene sus orígenes en la
ciudad de Bogotá, ha tenido
un basto recorrido desde su
conformación en 1989, entre su
inspiraciones se encentran obras
de Dostoievski, Henry Miller,
García Márquez, José Saramago,
entre otros autores de renombre
en la literatura universal.
105
Edipo Rey en la Calle
Ensamblaje teatro
Colombia
Ficha artística
106
Autor: Sófocles
Versión y Dirección:
Misael Torres
Reparto:
Santiago Montaña Edipo
Ángela Maria Cano
Yocasta, Tísifone, Le Erinia
Gerardo Torres Tiresias, Coreuta
y anciano pastor de Layo
Diego Beltrán Creon, Alecto
La Erinia, Pastor mensajero de
Corinto
Misael Torres Trujaman de los
Caminos
Paola Día Corifeo, Megera, La
Erinia, Antígona niña
Diseño escenografía Misael
Torres
Realización escenografía El
Grupo
Diseño y realización de
vestuario Jackeline Cardozo
Diseño y realización de
máscaras Juan Pablo Ramírez
Banda Sonora Igor Stravisky,
Cantos y canciones populares
griegos
Técnico Sonido, Coordinación
Logística Chamenko Sánchez
Dirección General Misael Torres
Director: Misael Torres
Ensamblaje Teatro surge en una
Fiesta creativa que duro 24 horas
en el Festival Internacional de
Teatro de Manizales de 1984.
Desde entonces sus creaciones
se han nutrido de la cultura viva
de Colombia: El carnaval, la
fiesta, las ferias populares, las
tradiciones orales, los mitos y los
eventos sacros de celebración
masiva.
El “Teatro y Festividad” es la línea
investigativa y creativa que define
a este colectivo y lo particulariza
dentro del panorama teatral
de Colombia y Latinoamérica.
La festividad, entendida como
celebración ritual , que va
de lo sacro a lo profano , del
jolgorio carnavalesco al ritual
de muertos, de la comedia a la
tragedia, de lo colombiano a lo
universal. Entre sus fuentes de investigación
destaca La novela “Cien años
de soledad” de Gabriel García
Márquez, con la que han sostenido
una
permanente
relación
creativa. Ensamblaje ha creado 5
espectáculos en torno a la novela
Cien años de soledad, dos de
ellos en repertorio actual: “Los
Desplazados” (travesía y delirio
de la familia Buendía), para calle
y “Sobre-vivientes”(Un amor más
allá de la muerte)para sala.
Otro de sus referentes es el
teatro de feria: Siguiendo el
rastro al teatro medieval han
retomado el espacio escénico
del Tablado popular al aire libre
con espectáculos como “Fausto
nuestro que estás en los cielos “,
inspirado en el Fausto de Goethe,
para espacios no convencionales y
sala de amplio formato , realizado
con la herencia del teatro de farsa
y cómicos de la legua.
113
PALABRAS EN ESCENA
SEMINARIO CENTRAL
Escenarios para el post-conflicto: propuestas y
reflexiones desde la cultura y las artes
Duración: 2 días, 4 horas diarias
Horarios: lunes 7 y martes 8 de septiembre
8:00 am - 12:00 m
Lugar: Fondo Cultural del Café, Piso 5, Torre B. Alcaldía de
Manizales. Calle 19 # 21-44
Presentación
114
Uno de los temas más sensibles de la realidad socio-política
de Colombia no es asumido con la fuerza que urge: la lucha
contra el miedo y el terror, como sucede de manera análoga
en México y otras urbes latinoamericanas.
El asunto de la lucha contra la cultura del miedo no es solo
una trama de la acción de las instituciones del gobierno,
sino que debe ser singularmente de los movimientos sociales
y creativos.
El miedo como relación social expropia la energía del
cuerpo y la capacidad de construir un mundo del habla, la
conversación y la imaginación. Si bien en este camino se ha
avanzado significativamente, la violencia continúa siendo
un campo sobre el cual se habla poco y al cual, en muchos
casos se le teme.
Es claro que en América Latina, particularmente en aquellos
países que han vivido periodos de aguda violencia se sigue
generando cultura solidaria y se articulan acciones que se
sitúan frente a la violencia en todas sus formas y orígenes
como actos alternativos y alterativos de esta lacerante
realidad.
Pero no se trata solo de generar lo anterior, es imperativo
que el conjunto social asuma como centralidad las
relaciones de la lógica y el consenso como formas de vivir
juntos respetando la singularidad de cada cual. Por otra
parte, pero en relación al tema del miedo como asunto
cultural, la terrible situación por la que transitan México
y Centroamérica hoy no puede ser ajena a la articulación
de propuestas culturales nacionales y regionales, y nuestro
actual proceso debe informarse de situaciones contextuales
que sirvan de referencia.
Este proyecto está pensado para aportar un grano de arena
a la reflexión, al diálogo, al debate sobre el conflicto
colombiano y en especial sobre el post conflicto. Un aporte
al encuentro, el perdón y la convivencia.
En todo conflicto hay víctimas y victimarios. Pero hay un
antes y un después del conflicto, y nadie habla de esos roles
en el antes y el después.
Se puede aprender de otras experiencias, otros encuentros,
otros conflictos.
Y se puede abordar esa reflexión, ese diálogo, ese debate,
desde otras disciplinas que no sean las políticas y económicas.
Proponemos ejercicios pedagógicos, desde el teatro y las
artes escénicas, la divulgación de la ley 1448 a través de
los eventos artísticos y culturales, por medio de mensajes
directos al público y a los hacedores de la cultura,
comunicando la importancia de contextualizarnos en el
ámbito territorial del eje cafetero, como victimas y como un
territorio de confluencia de actores del conflicto.
115
La cultura ha sido siempre el verdadero espacio para la reflexión de
la sociedad. Literatura, teatro, música, artes plásticas o filosofía, han
dado más respuestas de contracultura o de cultura de estado que las
propias respuestas político-sociales.
Y el teatro es una de esas respuestas.
116
El encuentro sobre el conflicto y post conflicto y su reflexión a partir
de las artes escénicas es una manera importante y a la vez difícil de
abordar este delicado asunto.
La mirada de otras culturas, otros conflictos, otras causas, otras
realidades, otras consecuencias, nos dan una visión sobre la que
debatir y dialogar, sobre la que responder y reparar, sobre la que
pensar, decidir y solucionar.
Este es un proyecto con voluntad de mantenerse en el tiempo. De
convertirse en un punto de encuentro. En un encuentro de futuro.
Para esta reflexión planteamos la visión nacional e internacional, a
través de dos componentes: las propuestas escénicas relacionadas
con el conflicto; y las reflexiones que desde la cultura, las artes y las
artes de la representación hacen los gestores y artistas.
CONFERENCIAS
Umbral Teatro y la memoria histórica
Carolina Vivas
Un país como el nuestro, azolado por un conflicto tan prolongado
y complejo, ha dado origen a una variada producción teatral que
aborda este tema y lo hace desde distintas formas y lugares. Reflexión
en torno a cómo el grupo Umbral Teatro ha aportado con sus obras
a la construcción de la memoria histórica de nuestro país, desde la
guerra de los mil días, hasta las masacres paraestatales de fines del
siglo pasado, compartiendo con el auditorio, aristas de los procesos
de creación y algunos de los procedimientos creativos que usa el
colectivo para abordar realidades tan inaprensibles.
La intervención también dará cuenta del Cuerpo fiesta memoria y
sanación, proyecto de Umbral Teatro realizado en zonas de conflicto,
en pos de la restauración del tejido social, la reconciliación y la
construcción de un relato de la tragedia nacional, en el que tenga
cabida la versión de los afectados por el conflicto.
Inxilio: El sendero de lágrimas
Álvaro Restrepo
En el año 2010, Álvaro Restrepo bailarín, coreógrafo y pedagogo,
fundador de El Colegio del Cuerpo, concibe la ceremonia INXILIO:
El Sendero de Lágrimas para conmemorar el Bicentenario de la
Independencia.
La obra es un homenaje a las víctimas del conflicto armado de
Colombia, en la que participan 300 oficiantes:150 víctimas reales,
50 bailarines y actores y 100 músicos de una orquesta sinfónica. En
su versión integral, fue presentada en Bogotá, Medellín y Cartagena.
En su versión de cámara para 10 bailarines, ha sido presentada en
Sudáfrica, Venezuela, Francia, Perú, Colombia, entre otros...
Sobre esta obra y el papel del arte en los procesos de memoria y
de reparación simbólica con las víctimas de la violencia, versará la
intervención de Álvaro Restrepo.
117
“Creación colectiva y post conflicto”
César Badillo
¿Cómo evitar que este tema del posconflicto se convierta en una moda
que no deje ninguna reflexión ni solución profunda a los problemas
que originaron el conflicto en nuestra sociedad?
El teatro, que no sirve para mucho, en el sentido de no parar una
guerra ni quitar el hambre, ¿qué puede aportar a lo que se llama el
posconflicto?
¿Tiene el teatro y la creación colectiva, algo que aportar desde el
punto de vista de nuestras relaciones creativas e inventivas a nuestra
sociedad y la democracia?
¿Es en verdad democrática nuestra sociedad?
Estas son algunas de las preguntas que uno de los actores y directores
del Teatro la Candelaria, César Badillo, abordará dentro de la
ponencia, “Creación colectiva y post conflicto”.
Luchando Contra El Olvido,
Investigación Sobre las dramaturgias del conflicto
Hernando Parra
118
Durante décadas la sociedad colombiana, a través de su creación
teatral, ha podido ver y reconocer los rituales y los símbolos del dolor,
el miedo y el duelo de las víctimas. El conversatorio: Luchando contra
el olvido, investigación sobre las dramaturgias del conflicto, versa y
reflexiona sobre buena parte de las “poéticas” del conflicto armado
interno, las cuales se han construido para escenificar, recrear y no
olvidar los hechos ocurridos.
Por medio de una serie de obras que han sido declaraciones o
reclamos, ritos de comunidades o individuos que buscan expresar, y
así tratar de superar, el estremecimiento y el pavor, el padecimiento
y la tortura, una vasta y significativa producción teatral se gestó en
distintos espacios a lo largo del territorio nacional.
El conversatorio periodiza la creación encontrada de acuerdo con sus
cambios estéticos, señala sus principales características y, en especial,
explora su relación con los espectadores, pues son éstos los que
definitivamente han influido en las peculiaridades representativas de
esta “dramaturgia colombiana”. Esta recopilación y estudio de textos
dramáticos es, en consecuencia, sólo una muestra de la gran cantidad
de obras que se están escribiendo y escenificando en el país.
¿Post conflicto o post acuerdos?
Patricia Ariza
Cofundadora del Teatro La Candelaria, líder y
activista de distintas plataformas escénicas, Patricia
Ariza contará su amplia experiencia en estos terrenos
del compromiso social del artistas; recorrerá los
antecedentes de las acciones de artistas por la paz,
las propuestas para una cultura de paz, la Cumbre
de arte y cultura y la Cumbre de poetas
Teatro, política y creación: Una aproximación al
Teatro Justo Rufino Garay
Lucero Millán
La exposición presenta el libro: “Teatro, Política y
Creación” (Una aproximación al Teatro Justo Rufino
Garay)”, tesis con la que la autora obtuvo el título
de Socióloga recientemente. Es una investigación
que tiene como objeto de estudio al Teatro Justo
Rufino Garay y a tres obras de teatro que por sus
características nos dan cuenta de cómo a través de
ellas se pueden ver los diferentes, o al menos los y
más relevantes contextos, económicos, políticos y
sociales de la revolución y de Nicaragua durante
treinta años (1979-2010).
Se reflexiona cómo ha influido la sociedad
nicaragüense en ese período en la obra artística
del Teatro Justo Rufino Garay y a su vez como el
propio Teatro Justo Rufino Garay ha realizado una
propuesta estética y política de esa misma realidad,
proponiendo diferentes miradas, teniendo como eje
transversal la relación entre teatro y sociedad para
finalmente dar respuesta a la pregunta central de la
investigación que gira alrededor de responder si el
Teatro Justo Rufino Garay ha jugado un papel político
durante treinta años en la sociedad nicaragüense
(1979-2010) y si a través de su postulado estético
ha propuesto la construcción de “otra mirada de la
realidad”.
119
CONFERENCISTAS
120
ÁLVARO RESTREPO (Colombia)
Bailarín, coreógrafo, pedagogo.
Es uno de los pioneros de la
Danza
Contemporánea
en
Colombia. Su trabajo artístico,
desde 1986, ha sido presentado
en más de 40 países de Europa,
África, Asia y las Américas. Su
labor como conferencista y
maestro lo ha llevado también
a diferentes eventos y foros
nacionales e internacionales.
En 1994, siendo Director de
la Academia Superior de Artes
de Bogotá (ASAB), crea el
primer programa de Danza
Contemporánea
de
nivel
superior en el país.
En 1997 funda EL COLEGIO
DEL CUERPO (eCdC) con la
bailarina, coreógrafa y pedagoga
francesa Marie France Delieuvin.
Restrepo define a eCdC como
un animal cuadrúpedo que
trabaja y cabalga en cuatro
dimensiones, intentando dar
la misma importancia a cada
una de ellas : arte, educación,
sociedad y política. En el
año 2010, Restrepo concibe
la ceremonia INXILIO: El
Sendero de Lágrimas para
conmemorar el Bicentenario
de la Independencia. La obra
es un homenaje a las víctimas
del conflicto armado de
Colombia, en la que participan
300 oficiantes: 150 víctimas
reales 50 bailarines y actores
100 músicos de una orquesta
sinfónica.
Sobre esta obra y el papel del
arte en los procesos de memoria
y de reparación simbólica con
las víctimas de la violencia,
versará la participación de
Álvaro Restrepo y eCdC en el
Encuentro de Manizales.
CAROLINA VIVAS (Colombia)
Actriz, directora y dramaturga
colombiana, egresada de la
Escuela Nacional de Arte
Dramático,
co fundadora y
directora de Umbral Teatro,
grupo profesional que celebra
en 2016 veinticinco años de
producción dramatúrgica y
teatral ininterrumpida.
Fue por varios años, en la década
de los 80, actriz del Teatro La
Candelaria de Bogotá, donde
trabajó en montajes memorables
como El Paso (Parábola del
camino) y Maravilla Estar, bajo la
dirección del maestro Santiago
García, entre otros.
Ha escrito textos como Donde
se descomponen las colas de los
burros, Vocinglería (Volcanes
de sueño ligero), De peinetas
que hablan y otras rarezas y
dirigido con su grupo obras
como La opera de tres centavos,
de Bertold Brecht, Electra o
la caída de las máscaras de
Marguerite Yourcenar,
Días
felices de Samuel Beckett.
Autora y directora de obras
como Gallina y el otro, Cuando
el zapatero remendón remienda
sus zapatos, La que no fue,
Filialidades, entre otras.
CÉSAR BADILLO (Colombia)
Integrante
del
Teatro
La
Candelaria desde 1980. Ha
actuado también en el Teatro
Petra, Espacio Artístico ORG y
Barracuda Carmela. Ha dirigido
5 obras, la más reciente, Si El
Río Hablara.
Profesor invitado entre otras
universidades,
Academia
Superior de Artes de Bogotá,
Universidad del Valle, y la
Universidad Pablo Olavide,
Sevilla, España. Actor en 10
cortos, y en 10 largometrajes,
entre otros: La Sombra del
Caminante y Los
Niños
Invisibles.
Ha publicado tres libros, uno
de sus vivencias, El Actor y sus
Otros, cuya segunda edición
ampliada saldrá en octubre de
2015 y cinco textos para teatro:
La Aclaración, Amarillo y Cómo
regresa el humo al tabaco, una
tríptico, escrito junto con Felipe
Vergara.
CÉSAR LÓPEZ (Colombia)
Es un reconocido músico
colombiano perteneciente a la
nueva generación de jóvenes
compositores, que han asumido
la misión de reconstruir y recrear
un nuevo sonido marcando,
con ello, la tendencia musical
del siglo XXI en Colombia. Ha
creado una red de proyectos
artísticos que, provistos de
originales formas de expresión,
exploran un profundo sentido
humano e involucran, en
su propósito y temática, un
manifiesto compromiso social
con el planeta de hoy.
Ha sido Nombrado como
MENSAJERO DE LA NO
VIOLENCIA DE NACIONES
UNIDAS y EMISARIO DE
CONSCIENCIA DE AMNISTIA
INTERNACIONAL,
títulos
obtenidos por su aporte social
a la humanidad desde su
trayectoria artística.
La Escopetarra, idea por él, es un
símbolo social que representa la
posibilidad de transformación
de comportamientos negativos y
destructivos, en hechos positivos
que construyen, reconcilian y
sanan. Este nuevo instrumento
musical técnicamente es un fusil
AK47 inhabilitado, que proviene
de los grupos armados ilegales
del conflicto colombiano y
ha sido convertido, gracias a
las manos del experto luthier,
Luis Alberto Paredes, en una
guitarra eléctrica de excelentes
especificaciones.
121
122
FABIO RUBIANO (Colombia)
Dramaturgo, director y actor.
Junto a Marcela Valencia funda
en 1985 el Teatro Petra.
Ha dirigido y escrito más
de 20 obras de las cuales 4
han sido Premio Nacional de
Dramaturgia: Gracias por Haber
Venido (Instituto Distrital de
Cultura y Turismo 1996), Cada
Vez Que Ladran Los Perros
(Ministerio de Cultura 1997), La
Penúltima Cena (Universidad de
Antioquia 1999) y El Natalicio
de Schumann (Ministerio de
Cultura-Embajada y Alianza
Francesa 2009) 5 han sido becas
de creación, 5 han ganado
premios de coproducción, 2 han
sido escritas gracias a residencias
en el exterior (España y México)
y una recibe en 1994 la primera
mención del premio UNESCO
para las artes escénicas.
GONZALO CASTELLANOS
(Colombia)
Asesor
de
políticas
y
proyectos culturales en países
latinoamericanos en campos
del cine, industrias culturales,
lectura, bibliotecas, patrimonio
cultural y gestión comunitaria en
cultura, entre otros. Catedrático,
productor
cinematográfico,
escritor. Su más reciente libro es
“Cinematografía en Colombia,
tras las huellas de una
industria”. Ganador del premio
Julio González Gómez 2011 al
mejor libro en ciencias sociales
en países latinoamericanos con
el libro “Patrimonio Cultural,
integración y desarrollo en
América Latina” del Fondo de
Cultura Económica. Columnista
del diario El Tiempo.
HERNANDO PARRA
(Colombia)
Miembro fundador del Teatro R
101 y actual director artístico
de la agrupación. Literato de
la Universidad de Los Andes
con opción en Humanidades
Clásicas y Medievales y opción
en Estudios Teatrales. Profesor
de teatro, pedagogía teatral
y gestión cultural en varias
universidades de Bogotá. Desde
1995 ha dirigido obras clásicas
y contemporáneas tanto de
autores colombianos como
extranjeros. Ha participado en
múltiples festivales nacionales e
internacionales, al igual que ha
realizado numerosas giras a lo
largo del territorio nacional.
LUCÍA GONZÁLEZ (Colombia)
Directora Museo Casa de la
memoria y consejera para
la vida, la reconciliación y
la convivencia, Alcaldía de
Medellín; fue directora del
Museo de Antioquia entre 2005
y 2011; directora ejecutiva de la
Orquesta Filarmónica y Estudio
Polifónico de Medellín de 1988
a 1991; directora del Teatro
Pablo Tobón Uribe en 1987,
entre otros cargos en el sector
cultural.
MARIO HERNÁN LÓPEZ
(Colombia)
Profesor de la Universidad de
Caldas. Doctor en Paz, Conflictos
y Democracia. Entre sus trabajos
se encuentran diversos ensayos
sobre conflicto y paz publicados
en
revistas
nacionales
e
internacionales. “Yo me acuerdo
mal de usted” es el título de su
libro más reciente.
Ha sido directora de 6
Festivales Nacionales de Teatro
organizados por la Corporación
Colombiana de Teatro (C.C.T.),
miembro del Magdalena Project.
Cardiff, Wales, UK,
directora del Festival de Mujeres
en Escena por la Paz y del Festival
de Teatro Alternativo, entre
muchos otros emprendimientos
culturales y artísticos.
PATRICIA ARIZA (Colombia)
Cofundadora de la Casa de la
Cultura , hoy Teatro la Candelaria;
en 1.969 fundó la Corporación
Colombiana de Teatro (C.C.T.),
así como de varios grupos de
teatro, entre ellos el grupo
RAPSODA TEATRO.
Es coautora de las obras de
creación colectiva del grupo
La Candelaria 1.966 - 1.992:
Ciudad
Dorada
(Mención
Premio Casa de las Américas);
Guadalupe Años Sin Cuenta
(Premio Casa de las Américas);
Los diez días que Estremecieron
al Mundo” (Premio Casa de las
Américas); Golpe de Suerte;
El Paso,( Parábola del Camino;
En la Raya ; De Caos & Deca
Caos. Nayra, A Título Personal,
A Manteles, Soma Mnemosine,
Camilo.
PAULA GAVIRIA BETANCUR
(Colombia)
Desde principios del 2012
es directora de la Unidad de
Atención y Reparación Integral
a las Víctimas desde la cual
busca cumplir con el mandato
de coordinar la ejecución de la
política pública para las víctimas,
implícito en la Ley de Víctimas y
Restitución de Tierras.
En el pasado lideró iniciativas
privadas con la Fundación
Social, dirigiendo la Asesoría
de Derechos Humanos y Paz.
También ejerció como jefe de
comunicaciones de la Corte
Constitucional, como secretaria
privada del defensor del pueblo
y encargada de la Dirección
Nacional de Promoción y
Divulgación de los Derechos
Humanos de la misma entidad.
123
124
ANTONIO LOZANO (España)
Nace en Tánger (Marruecos)
en 1956. En 1984 se traslada a
Agüimes (Canarias) y en 1987 se
incorpora al equipo de gobierno
municipal como concejal de
Cultura y Desarrollo Local.
Como tal, puso en marcha el
Festival del Sur-Encuentro Teatral
Tres Continentes, un evento que
reúne a compañías de África,
América y Europa con el fin
de crear un espacio para el
encuentro y el diálogo entre las
culturas de los tres continentes
vinculados
al
archipiélago
canario y que dirigió hasta la
vigésimo
segunda
edición,
ocupándose actualmente de la
programación de actividades
paralelas. El Festival del Sur
cumplió este año sus primeros
25 años de vida.
Como novelista, es autor de
Harraga (Zoela, 2002) -premio
Novelpol a la mejor novela
negra publicada en España en
2002, Mención Especial en el
Memorial Silverio Cañada a
la primera novela negra y Prix
Marseillais du polar 2008- y de
Donde Mueren los ríos (Zoela,
2003), finalista del premio
Brigada 21.
Su tercera novela, Preludio para
una muerte, fue editada por
Ediciones b en junio de 2006. En
mayo de ese mismo año recibe el
Premio Internacional de Novela
Negra Ciudad de Carmona por
su obra El caso Sankara. Su
novela Las cenizas de Bagdad
ganó la XXIII edición del premio
de novela Benito Pérez Armas y
ha sido editada por Almuzara. Su
novela La sombra del Minotauro,
ha sido editada por Almuzara
en 2011. En Febrero de 2014,
la editorial ANAYA publicó su
novela Me llamo Suleimán.
En febrero de 2015, Almuzara
publica su novela Un largo
sueño en Tánger.
LUCERO MILLÁN (Nicaragua)
Directora de teatro, actriz,
profesora
de
actuación,
promotora cultural y Socióloga.
De origen mexicano, realiza sus
estudios de teatro en Culiacán
Sinaloa, donde forma parte de la
compañía del Estado de Sinaloa.
Posteriormente se traslada a
vivir a la ciudad de México
donde estudia en la Universidad
Nacional Autónoma de México
la
carrera
de
“Literatura
dramática y teatro”. En 1979,
dirige el departamento de teatro
de la Universidad Autónoma
de Guerrero. Ese mismo año se
traslada a vivir a Nicaragua a dos
meses después de La Revolución
Popular Sandinista. Tiene 35
años de vivir en Nicaragua.
Funda en noviembre de 1979 el
Teatro Justo Rufino Garay, uno
de los grupos más consolidados
y profesionales de Nicaragua y
Centroamérica.
Ha montado más de treinta
puestas en escena a lo largo
de éstos años a cargo del Justo
Rufino Garay.
NADIA GHULAM (Afganistán)
Nadia nació hace 28 años en
Kabul en el seno de una familia
de clase media. Sus padres, él
funcionario y ella ama de casa,
tuvieron cinco hijos: cuatro
chicas y un chico. Vivió su
infancia en un país que sufría
una guerra desde 1978. Tras la
retirada de las tropas soviéticas
estalló la Guerra Civil Afgana.
Las hostilidades se recrudecieron
en Kabul y llegó el día en que
una bomba cambió la vida de
Nadia Ghulam y su familia para
siempre.
En 1996, el Movimiento
Talibán tomó el poder del país
e impuso la interpretación
radical de las leyes religiosas
provocando una regresión de
siglos en el país. Nadia tenía 8
años cuando aquella bomba la
hirió gravemente. Pero resistió.
Gracias a la perseverancia de
su madre, pudo lidiar con el
sufrimiento, asumió las secuelas
y logró sobrevivir.
125
TALLERES
CRÍTICA TEATRAL
Tallerista: Carlos Gil (España)
Dirigido a: Comunicadores, escritores, periodistas, críticos culturales
y artísticos
Cupo: 30 personas
Duración: 3 días, 3 horas por día
Horarios: miércoles 9 a viernes 11 de septiembre
8:00 am -11:00
Lugar: Sala Cumanday 1 Centro Cultural y de Convenciones Teatro Los Fundadores
*La organización entrega certificación a los participantes
126
Contenidos
1) Descripción de los elementos que concurren en una puesta en
escena. Anatomía de un espectáculo teatral. Definición de lo qué
es teatro de una manera generalista y universal y de ahí ver con
detenimiento todos los elementos que concurren en una puesta en
escena
2) Análisis de cada uno de ellos dentro de un contexto (obra,
espectáculo, performance elegido). Paso a paso, de forma escalonada,
se analizarán cada uno de esos elementos que normalmente forman
cada uno de los significantes de un espectáculo, pero avanzando en
su contexto, para definir perfectamente el objeto de nuestro análisis
para procurar las herramientas que lo hagan posible.
3) Técnicas de narración fundamentada de las opiniones y los discursos.
Se trabajará a partir de los planteamientos teóricos diseccionados
sobre un ejemplo elegido para intentar hacer el relato analítico
y crítico, incorporando tanto las técnicas de narración, como de
posicionamiento ante el propio hecho de hacer la crítica, considerada
como una composición formal del pensamiento, inspirada a partir de
una obra de teatro.
CARLOS GIL
Nacido en Barcelona, 1950. Estudió interpretación
y dirección en la Escola D’Art Dramatic Adriá Gual
(1969/71), guión de cine en la Escola d’Estudis
Artistics de L’Hospitalet de Llobregat (1975/76). Ha
dirigido más de una veintena de espectáculos, con
obras de Dario Fo, Ignacio Amestoy, Joan Manuel
Gisbert, Juan Carlos Uviedo, Enrique Buenaventura,
Luis Matilla, Patxi Larrainzar, Jorge Díaz, Oswaldo
Dragún, Heinrich von Kleist, y de su propia autoría.
Ha actuado en numerosas obras, de autores como
O’Casey, José Zorrilla, Miguel Alcaraz, Dario Fo o
Elmer Rice, bajo la dirección de directores como
Ventura Pons, Josep Montanyés o Ricard Salvat.
Desde 1982 ejerce la crítica teatral en diversos
medios de comunicación del País Vasco y desde
1997 dirige la revista ARTEZ de las Artes Escénicas, y
la Editorial Artezblai, dedicada específicamente a los
libros sobre Artes Escénicas, con cinco colecciones:
“Textos Teatrales”, “Teoría y Práctica”, “Ambigú”,
“Zubiak” y “Biblioteca Teatro Laboratorio”, con más
de ciento cincuenta títulos publicados entre todas,
desde donde propicia el Premio Internacional
Artez Blai de Investigación de las Artes Escénicas,
y el Premio de Internacional de Ensayo Teatral en
colaboración con el INBA, Paso de Gato y CITRU.
Es socio fundador de la Librería Yorick fundada en
2001, que actualmente tiene su sede en Madrid y
está dedicada exclusivamente a las Artes Escénicas,
con un fondo editorial de más tres mil títulos.
127
LAS ESTRATEGIAS DEL ENSAYO
Tallerista: GUSTAVO SAFFORES (Uruguay)
Dirigido a: actores/actrices profesionales y estudiantes avanzados de
teatro
Cupo: 20 personas
Duración: 5 días, 4 horas por día
Horarios: lunes 7 a viernes 11 de septiembre 8:00 am - 12:00 m
Lugar: Biófilo 1 - Universidad de Caldas, sede central
El último día se realizará una muestra de trabajos.
*La organización entrega certificación a los participantes.
128
Contenidos
Trabajo para los actores y actrices en modalidad práctica sobre la
línea no representativa: el comportamiento y la opinión funcionando
como organizadora de la actuación. La relación con la mirada del
punto de vista y el espacio del público en el lenguaje de actuación.
Se trabajarán textos clásicos y el abordaje de las tragedias trabajado en
la dramaturgia de Mariana Percovich y los espectáculos de Complot
Teatro con un sistema de traducción de los y las participantes guiados
por Saffores.
Modalidad
Se enviará materiales a los participantes para que seleccionen un
personaje del repertorio de la Tragedia y elegir fragmentos de textos
vinculados al mismo para trabajar en el seminario. Se realizarán cinco
encuentros de cuatro horas.
En los encuentros se plantearán trabajos individuales y en duplas
con los textos y ejercicios de entrenamiento de actuación con
el objetivo de generar lenguaje propio y ampliar el imaginario
actoral. Se plantearán modalidades de improvisación con el
fin de establecer entradas a los textos planteados y caminos de
investigación para la actuación y traducción escénica de los
personajes seleccionados por los participantes. Saffores guiará
al grupo de actores. El seminario/estudio culminará con una
muestra de trabajos.
Requisitos: actores/actrices egresados de formación actoral
completa o estudiantes avanzados (segunda mitad de la
carrera), actores/actrices profesionales.
Se requiere enviar una carta explicando su interés en participar
del estudio
GUSTAVO SAFFORES
Egresado de la EMAD actor de teatro y cine, Premio a Mejor
Actor por la obra “Or” de Gabriel Calderón, nominado a
Mejor Actor por “Algo de Ricardo”, dirigido por Percovich, es
uno de los actores que más ha trabajado con la Compañía
Complot Teatro de Uruguay, desde la cual viene desarrollando
un estudio de entrenamiento actoral y creación escénica con
actores profesionales en Montevideo. Saffores y Percovich
dirigen el primer Estudio dedicado al entrenamiento actoral
en las modalidades de trabajo de los directores de COMPLOT.
129
BIODRAMA / TEATRO ENCONTRADO
Tallerista: VIVI TELLAS (Argentina)
Dirigido a: dramaturgos, actores y directores de teatro
Cupo: 15 personas
Duración: 5 días, 4 horas por día
Horarios: lunes 7 a viernes 11 de septiembre 8:00 am -12:00 m
El último día habrá una muestra de trabajos
130
Contenidos
Investigar de qué se trata la teatralidad en el escenario urbano.
Recorrer la ciudad con el grupo de participantes tratando de
reconocer los momentos teatrales. Llevar un diario de trabajo con
reflexiones acerca de la teatralidad. Elegir los escenarios para hacer
una intervención artística. Alguna de las formas para intervenir serían:
interrumpir, sumar elementos, camuflaje, formar parte, momentos
biográficos y todas las formas que puedan aparecer. El resultado será
una intervención urbana de sitio especifico.
VIVI TELLAS
“La intimidad es el centro de mi trabajo. Busco la teatralidad fuera del
teatro, en zonas inestables como el espacio íntimo, donde la inocencia
puede aparecer. La situación de trabajo es muy frágil. La intimidad es
un presente continuo donde no hay opiniones ni destrezas, una zona
torpe, capaz de generar momentos desconocidos que no controlamos
para nada”, confiesa Vivi Tellas, una de las directoras de teatro
experimental más influyentes y reconocidas de Argentina.
La artista trabaja poniendo al teatro en contacto con otros mundos,
rastreando elementos teatrales como la repetición, la presencia, la
situación, la audiencia, el texto, y el relato en la vida cotidiana. Su
teatro documental busca fuera del teatro todo lo que se parece al
teatro.
FANTÁSTICO BAILABLE. HISTORIA PERSONAL DEL BAILE
Tallerista: Paula Manaker (Argentina)
Dirigido a: adultos mayores de 60 años, bailarines de salón
profesionales y no profesionales
Cupo: 25 personas
Duración: 5 días, 3 horas por día
Horarios: lunes 7 a viernes 11 de septiembre
1:00 pm -4:00 pm
Lugar: Fonda Los Colonizadores Av. 12 de Octubre 10-15
(Chipre)
El último día se realizará una muestra de trabajos.
Contenidos
En el taller se abordará una experiencia teatral que hace parte
del universo del “Biodrama”. Estos encuentros emplazados en la
mismísima pista de baile serán la base de partida del laboratorio.
La experiencia teatral albergará todo lo que suceda a partir del
encuentro de estas personas y la particular manera de moverse
de cada uno, como las maneras de relacionarse entre los
integrantes del taller a partir del baile popular.
PAULA MANAKER
Desde 1993 forma parte de diferentes grupos de danza y danza
teatro. A partir del encuentro con diferentes artistas desarrolló
una plataforma de experimentación escénica conformando
equipos de trabajo en colaboración permanente. Trabaja en
la docencia de la danza desde 1996 con niños y adultos en
diferentes provincias de Argentina y diferentes países del mundo.
131
GESTIÓN DE LAS ARTES ESCÉNICAS
Talleristas: GUSTAVO ZIDÁN (URUGUAY), NORKA CHIAPUSO
(ESPEAÑA) Y MARCELINO MARTÍN (ESPAÑA).
Duración: 3 días, 3 horas por día
Horarios: Martes 8 a jueves 10 de de septiembre,
8.00 a 11:00 a.m.
Lugar: Sala Cumanday 2. CCC Fundadores.
GUSTAVO ZIDÁN
Es egresado de la Escuela Multidisciplinaria de Arte Dramático
Margarita Xirgu. Productor teatral independiente desde el año 1996.
Ha sido Productor General de la Comedia Nacional, elenco oficial
del Uruguay.
132
Fue Director Ejecutivo del Auditorio Nelly Goitiño del SODRE,
Coordinador Cultural de la Alianza Cultural Uruguay EEUU,
Coordinador de programación del Teatro EL GALPON. Actualmente
es Director de Sala Verdi, sala de espectáculos perteneciente
a la Intendencia de Montevideo. Integra REDELAE -Red
Eurolatinoamericana de Artes Escénicas.
NORKA CHIAPUSSO
Director del Centro Cultural Loiola, Patronato Municipal de Cultura
de Donostia-San Sebastián, 1987-1992. Director del Centro Cultural
Lugaritz. Patronato Municipal de Cultura de Donostia-San Sebastián.
1993-1999. Feria de Teatro de Donostia-San Sebastián. Miembro de
los comités organizador y artístico durante los años 1998 y 1999.
Director de la misma en el año 2000.
Director de la programación de artes escénicas del Patronato
Municipal de Cultura de Donostia San Sebastián desde octubre de
1999. Hoy día la entidad se denomina Donostia Kultura. Colaborador
de la Dirección Creación y Difusión Cultural del Departamento de
Cultura del Gobierno Vasco en su apartado de teatro desde 1.996
hasta 2008.
MARCELINO MARTÍN
Español residente en Tenerife, Islas Canarias. Su formación inicial está
relacionada con las Ciencias de la Educación en la que se gradúa en
el año 1991 por la Universidad de La Laguna , aunque su vocación
en temas de gestión cultural lo lleva a formarse en el campo de las
políticas culturales realizando un postgrado en Gestión y Políticas
Culturales en la Universidad de Barcelona en el año 1998.
Su trayectoria profesional se encuentra localizada preferentemente
en el Área de Cultura del Ayuntamiento de Puerto de la Cruz en
Tenerife, la cual dirige desde el año 1995. En ella coordina proyectos
de carácter internacional como el Festival internacional de Arte en
la Calle “Mueca”, el Festival Internacional de Literatura de Viajes
“Periplo” o Puerto Street Art una actividad vinculada al arte urbano
que tiene como objetivo principal la creación de un museo al aire
libre en la ciudad.
133
CONVERSATORIOS
30 AÑOS DE O-IlÉ
Invitados: Álvaro Restrepo – Liliana Villegas (Colombia)
Fecha: Jueves 10
Hora: 11:00 am
Lugar: Sala Cumanday 3 - CCC Los Fundadores
O-ilé es quizás el primer espectáculo multimedia que se hizo en
Colombia.
Liliana Villegas, tejedora y artista plástica, decidió en 1985 convocar
a casi 30 artistas de diferentes disciplinas para celebrar su oficio de
Penélope y construir una metáfora visual/escénica que utilizara el
hilo (materia prima de su oficio) como - valga el pleonasmo - hilo
conductor de un espectáculo único en la historia de las artes escénicas
colombianas.
134
Un equipo internacional de bailarines, pintores, actores, video artistas,
arquitectos, escenógrafos, compositores, músicos, iluminadores etc.
trabajaron durante varios meses en el ensamblaje de un complejo
dispositivo teatral que vio la luz en el Teatro Colón de Bogotá el 24 y
25 de Abril del año 1885.
Algunos de los artistas que participaron en O-ilé, como la maestra
Delia Zapata Olivella, ya no están en este mundo....otros viven
fuera de Colombia... El Festival de Teatro de Manizales ha querido
acoger este necesario ejercicio de memoria y de afecto para recordar/
reflexionar sobre lo que fue esta singular y efímera experiencia, que a pesar de su corta vida - marcó un hito en las artes escénicas/visuales
de nuestro país.
ARTES ESCÉNICAS DE MINAS GERAIS
Invitados: Marcelo Bones – Ángela Mourao (Brasil)
Fecha: Jueves 10
Hora: 11:00 am
Lugar: Sala Cumanday 3 - CCC Los Fundadores
Hoy en día el teatro hecho en el estado de Minas Gerais es uno de
los más vigorosos y potentes en Brasil. Su principal característica es
la forma de producción en grupo y, a partir de allí, su permanente
investigación en el lenguaje y una profundización de temas
contemporáneos.
ENCUENTROS
PREPARÁNDONOS PARA MICSUR 2016
Participan: Ángel Moreno - Octavio Arbeláez - Ricardo Gómez
(Colombia)
Fecha: Viernes 11 de septiembre
Hora: 9:00 am 1:00 pm
Lugar: Auditorio Olimpia - CCC Los Fundadores
De cara a la segunda edición del Mercado de Industrias Culturales
del Sur MICSUR a realizarse en Bogotá en agosto de 2016, Colombia
definió una estrategia para la vinculación de empresarios de las
industrias culturales y creativas de los seis subsectores del mercado,
con el fin de prepararlos para la participación de este encuentro.
Esta estrategia busca abarcar las principales ciudades del país y
convocar a pequeños y micro empresarios de la cultura para participar
en los talleres preparatorios de MICSUR. Es así como durante el 2015
el Grupo de Emprendimiento Cultural del Ministerio de Cultura y
REDLAT, Red Latinoamericana de Productores Culturales, realizan
mediante talleres y capacitaciones un programa a nivel nacional para
la preparación de los emprendedores culturales que estén interesados
en participar en la segunda edición del Mercado de Industrias
Culturales del Sur, MICSUR.
Esta vez el taller se desarrollará en el marco de Palabras en Escena
del 37 Festival Internacional de Teatro de Manizales. Estará dirigido
a micro y pequeños empresarios de los seis sectores del MICSUR:
Audiovisual, Artes Escénicas, Música, Editorial, Diseño y Videojuegos,
así como todos los participantes del Festival y los oferentes presentes
en el Mercado.
OCTAVIO ARBELÁEZ (Colombia)
Ha sido gerente de las empresas Oc Marketing Cultural y Vania Latina
Producciones Culturales (Colombia-España) y de los equipos de
gestión del Encuentro Internacional de Artes de Medellín, de “Bogotá
Capital Iberoamericana de la Cultura”, Director del Mercado del
Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá VIA 2012 y 2014, del
“Festival VivAmérica Bogotá” 2008 y 2009, del Foro Interamericano
Cultura es Desarrollo, Medellín 2009, Director Ejecutivo del Congreso
Iberoamericano de Cultura 2010. Director de los Mercados Culturales
135
de Medellín y de las Ruedas de Negocios de las Industrias
Culturales organizadas por la Cámara de Comercio de
Bogotá y de las ruedas de las Artes Escénicas y Altavoz en
Medellín, entre otras.
En 2014 fue ganador del Premio ISPA a la gestión cultural.
Actualmente es presidente de REDLAT Colombia, dirige
CIRCULART Mercado Cultural de Medellín, el Festival
Medellín Vive la Música y el Festival Internacional de Teatro
de Manizales.
136
ÁNGEL MORENO (Colombia)
Comunicador Social de la Pontificia Universidad Javeriana,
con formación de posgrado en ciencia política. Trabajó
en el Área de Cultura del Organismo Internacional
Convenio Andrés Bello desde el año 1996 hasta el 2009,
haciendo parte del equipo técnico que lideró proyectos
como Economía y Cultura, Legislación Cultural, Somos
Patrimonio, Somos Jóvenes, Culturas Urbanas, Cultura y
Desarrollo y Latinidades, entre otros.
Actualmente se desempeña como Asesor del Despacho
de la Ministra de Cultura de Colombia, y tiene como
responsabilidad la orientación y puesta en marcha de la
política en emprendimiento cultural e industrias culturales
en el país.
RICARDO GÓMEZ (Colombia)
Director General de ENVIVO, empresa de consultoría
enfocada en contribuir al desarrollo de habilidades,
competencias en coaching, comunicación asertiva,
empoderamiento y relacionamiento humano. Ha
diseñado metodologías para el desarrollo del aprendizaje
acelerado a través de la música y de la improvisación
teatral. Adicionalmente, es experto en programación
neurolingüística y coaching.
MERCADO CIRCULART EJE ESCENA
Horarios:
Septiembre 8 de 2:00 pm a 5:00 pm –
Septiembre 9 de 9:00 am a 12:00 m
Lugar: Auditorio Olimpia - CCC Los Fundadores
137
CIRCULART EJE ESCENA - Ideas, Negocios y Oportunidades para las
artes escénicas, es un mercado cultural que se realiza en el marco
del XXXVII Festival Internacional de Teatro de Manizales, el cual
cuenta con una Rueda de Negocios tipo Pitch, en la que participan
26 agrupaciones que se desempeñan en las distintas áreas de las artes
escénicas: Teatro, danza, títeres y muñecos, circo y teatro de calle.
Algunas agrupaciones residentes en el Eje Cafetero e importantes
agrupaciones nacionales e internacionales que hacen parte de la
programación oficial del Festival, presentan en Pitchs de siete minutos
su oferta artística, ante un grupo de más de 25 programadores
nacionales y extranjeros, como es el caso de nueve programadores de
la National Performing Network (NPN) de Estados Unidos, El Festival
Internacional de Teatro de Santodomingo, Festival de Arte en la Calle
MUECA, Festival Internacional de teatro, monólogos, diálogos y
más... de Nicaragua, así como otros directores de festivales, mercados
y ferias, miembros de la Red Eurolatinoamericana de Artes Escénicas
- REDELAE, y programadores de importantes salas y eventos del país.
Durante dos intensas jornadas los días 8 y 9 de septiembre, directores
de teatro, programadores, actores, productores, directores de festivales
y de salas, se dan cita en el marco del tradicional Festival Internacional
de Teatro de Manizales, para no solo hablar y apreciar las obras,
sino para entablar relaciones comerciales, generar intercambios y
dinamizar el sector de las artes escénicas latinoamericanas.
PROGRAMADORES
138
Elizabeth Boone - Miami Light Project, Miami, FL
Carlos Caballero - FUNDarte, Inc., Miami, FL
Ever Chavez - FUNDarte, Inc., Miami, FL
Elizabeth Doud - National Performance Network
Debra Gallegos - El Centro Su Teatro, Denver, Colorado
Edgar Miramontes - REDCAT, Los Angeles, CA
Carla Perlo - Dance Place, Washington, DC
Richard Pilkinton - Dance Place, Washington, DC
Yolanda Cursach - MCA, Chicago
Karina Noble - Festival Internacional de Teatro de Santo Domingo
(República Dominicana)
Marcelino Martin - Festival de Arte en la Calle MUECA (España)
Norka Chiapusso - dFERIA (España)
Lucero Millán - Festival Internacional de teatro, monólogos, diálogos
y más... (Nicaragua)
Freddy Ñáñez - Festival de Teatro de Caracas (Venezuela)
Maria Alejandra López - Teatro Guillermo León Valencia (Popayán)
Germán Carvajal - El Teatrico (Medellín)
Lina Castaño - CasaTeatro El Poblado (Medellín)
Jaiver Jurado - Fiesta de las Artes Escénicas (Medellín)
Juliana Arcos - Teatro Municipal Enrique Buenaventura (Cali)
Haya Lady Villada - Aleph Teatro (Pasto)
Alirio León Suárez - Confa (Manizales)
Uriel Giraldo - Sala de Teatro El Escondite (Manizales)
Henry Cardona - Universidad de Caldas - Extensión Cultural
(Manizales)
Ximena Escobar - Teatro Azul (Armenia)
IDARTES
Carolina Ramírez Muñoz - Corporación Colombiana de Teatro
(Bogotá)
Carol Aza - Fundación Gilberto Alzate Avendaño (Bogotá)
César Grande - Festival Invasión de Cultura Popular (Bogotá)
Olga Naranjo - Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá (Bogotá)
ARTISTAS
Teatro Petra (Bogotá)
La Maldita Vanidad (Bogotá)
Teatro R-101 (Bogotá)
Umbral Teatro (Bogotá)
Exilia2 Teatro (Bogotá)
Teatro Tierra (Bogotá)
Ensamblaje Teatro (Bogotá)
Barrio Comparsa (Medellín)
Matacandelas (Medellín)
El Colegio del Cuerpo (Cartagena)
Actores en Escena (Manizales)
Corporación Caza Retasos (Manizales)
Los Chicos del Jardín (Manizales)
Teatro Inverso (Manizales)
Colectivo Andrómeda 3.0 (Manizales)
Pasos Juntos (Manizales)
Punto de Partida (Manizales)
Maldita sea producciones (Manizales)
A Cántaros Danza (Manizales)
La Burbuja Producciones (Manizales)
Teatro Azul (Armenia)
A Toda Vela (España)
Artesa (España)
Platô Teatro (Brasil)
Teatro Espança (Brasil)
Teatro Andante (Brasil)
Luna Lunera (Brasil)
Teatro Invertido (Brasil)
139
146
SEXTA FERIA DEL LIBRO DE
MANIZALES
ENAMÓRATE DE LOS LIBROS
8 al 12 de septiembre
La Universidad de Caldas, desde la Oficina de Producción
Editorial, en alianza con el Festival Internacional de Teatro
de Manizales, Alianza por la lectura y el Ministerio de
Cultura, en su afán por fomentar la lectura en niños, jóvenes
y adultos, promoviendo la oferta cultural en la ciudad y la
región, viene realizando desde hace 6 años la Feria del Libro
de Manizales. Un evento de ingreso gratuito que presenta
al público local y de la región una variada oferta editorial,
académica y cultural.
INVITADOS
ANTONIO LOZANO
Nació en Tánger en 1956. Licenciado en Traducción
e Interpretación, reside en Agüimes (Gran Canaria),
municipio del que fue concejal de Cultura entre 1987 y
2003. Es director del Festival del Sur-Encuentro Teatral Tres
Continentes y del Festival Internacional de Narración Oral
«Cuenta con Agüimes». Su primera novela, Harraga (Zoela,
2002), fue elogiada por escritores como Manuel Vázquez
Montalbán, Dulce Chacón y Fernando Marías. Ganadora
del I Premio Novelpol a la mejor novela negra publicada
en España, obtuvo una mención especial del Jurado del
Premio Memorial Silverio Cañada 2003 a la mejor primera
novela negra, convocado por la Semana Negra de Gijón. Su
novela El caso Sankara (Almuzara, 2006), fue ganadora del I
Premio Internacional de Novela Negra Ciudad de Carmona.
También ha publicado Preludio para una muerte (Ediciones
B, 2006) y Donde mueren los ríos, fue finalista del I Premio
Brigada 21.
ALONSO ARREOLA
Nació en México, DF, 1974. Músico y periodista. Ex bajista
de La Barranca —grupo con el que grabó tres discos y dio
numerosos conciertos dentro y fuera de su país por seis
años—, ha colaborado en numerosas grabaciones de rock y
jazz y acaba de editar su primer álbum como solista para el
sello Intolerancia: Música Horizontal (un proyecto del cual
produjo 10 mil copias gratuitas en empaque de lujo, con
numerosos músicos destacados de México y el extranjero
como Trey Gunn, Michael Manring, David Fiuczynski y
Jaime López). Con este proyecto se ha presentado en la Feria
de San Marcos de Aguascalientes, en el Teatro Metropólitan
del DF, en el Teatro Diana de Guadalajara y en el Teatro de la
Ciudad de Monterrey, así como en diversos foros del resto de
la República. Viene a Manizales al Festival Internacional de
Teatro con el espectáculo “Arreola por Arreola. Por Bestias y
Prodigios”, así mismo participará en la Feria 6a del libro de
Manizales con una charla sobre el espectáculo.
147
ALBERTO JOSÉ BARRERA TYSZKA
148
Nacido en Caracas en 1960 es poeta y narrador. Es autor
de la novela También el corazón es un descuido y del libro
de cuentos Edición de lujo, así como de los poemarios
Coyote de ventanas y Tal vez el frío. En colaboración con
la periodista Cristina Marcano ha publicado la primera
biografía documentada del presidente de Venezuela: Hugo
Chávez sin uniforme. Una historia personal, de gran éxito
internacional. Es licenciado en la Escuela de Letras de la
Universidad Central de Venezuela, donde también ejerce
de profesor. Durante años ha trabajado como guionista de
televisión, escribiendo telenovelas en Venezuela, Argentina,
Colombia y México. Varios textos suyos han aparecido
en medios venezolanos y extranjeros como El País, Letras
Libres, Etiqueta Negra, Gatopardo, entre otros. Desde 1996
es columnista dominical del periódico El Nacional. Editorial
Anagrama ha publicado sus novelas La enfermedad (Premio
Herralde 2006) y Rating (2011).
FREDDY ÑÁÑEZ
Petare. Venezuela 1976.) Titiritero, poeta y editor. En 2000
funda la editorial Nadie Nos Edita y la Revista literaria
Sujeto Almado la cual dirige hasta el 2007. Ha publicado
entre otros cuadernos de poesía: Fuego donde dice paraíso
(2004. Ministerio de Cultura) Bajopalabra (2005. Dirección
de Cultura y Bellas Artes Táchira) y Sombra Bajo tierra
(Antología. Monteávila Editores) Con el poemario Postal de
Sequía gana, en 2009, la XVII Bienal José Antonio Ramos
Sucre. En la actualidad preside la Fundación para la Cultura
y las Artes de la Alcaldía de Caracas.
RODRIGO LA HOZ
Historietista nacido en Lima. Su trabajo en cómics e
ilustración ha sido incluido en diversas publicaciones
peruanas e internacionales - Beeswax Magazine (EEUU),
Etiqueta Negra (Perú), Carboncito, Revista Larva (Colombia),
Kovra (España), How Does It Make You Feel? (Canadá),
Faesthetic (EEUU), Dedo Medio (Perú), Buen Salvaje (Perú),
entre otras. Desde el 2009 imprime el zine “Borde”. En
2010 publicó la novela gráfica “Islas”, ganadora del primer
concurso de novela gráfica de la editorial Contracultura. El
trabajo de Rodrigo la Hoz es tal vez el más sólido que se ha
visto en el panorama del cómic peruano de los últimos años
y una de las voces indiscutibles del denominado “nuevo
cómic latinoamericano”. En el 2015 presentará oficialmente
su segunda novela gráfica “Estética Unisex” (Ediciones
Pictorama) en el marco del Festival Entreviñetas.
PIEDAD BONNETT
(Amalfi, Antioquia, 1951) Es licenciada en Filosofía y
Letras de la Universidad de los Andes y profesora de esta
Universidad desde 1981. Tiene una maestría en Teoría del
Arte, la Arquitectura y el Diseño en la Universidad Nacional
de Colombia. Ha publicado ocho libros de poemas: De
círculo y ceniza (Ediciones Uniandes, 1989, reedición de
1995) con el cual recibió mención de honor en el Concurso
Hispanoamericano de Poesía Octavio Paz, (Festival de Arte
de Cali, Cali, Colombia), Nadie en casa (Ediciones Simón y
Lola Gubereck, 1994), El hilo de los días (Premio Nacional
de Poesía, 1995), Ese animal triste (1996), Todos los amantes
son guerreros (1998) Tretas del débil (Alfaguara, 2004) Las
herencias (Visor, 2008), y Explicaciones no pedidas (Premio
Casa de América de Madrid de Poesía Americana, 2011). En
2012 recibió el Premio de Poesía Poetas del Mundo Latino
Víctor Sandoval en Aguascalientes, México, por el aporte de
su obra a la lengua española. Es autora de cuatro novelas,
Después de todo (2001) Para otros es el cielo (2004) Siempre
fue invierno (2007) y El prestigio de la belleza (2010), y de
unas memorias sobre la muerte de su hijo, Lo que no tiene
nombre (2013) obras todas ellas publicadas por Editorial
Alfaguara. También ha escrito cinco obras de teatro, Gato por
liebre, Que muerde el aire afuera, Sanseacabó, Se arrienda
pieza, y Algún día nos iremos, montadas por el Teatro Libre
149
150
bajo la dirección de Ricardo Camacho. Sus cuentos y ensayos
suyos han sido publicados en distintas revistas y periódicos
del país y del extranjero. Ha representado a Colombia
en numerosos encuentros de poesía (Granada (España),
Córdoba (España), Morelia (México) Rosario (Argentina) y
Medellín (Colombia), entre muchos otros, y en encuentros
literarios como el Festival de Literatura de Berlín y él Hay
Festival de Segovia. En 2008 fue la poeta homenajeada por
la Consejería para la equidad de la Mujer de la Presidencia
de la República, durante la Feria del libro de Bogotá. Sus
poemas han sido traducidos al italiano, al inglés, al francés,
al sueco, al griego y al portugués.
RIGOBERTO GIL MONTOYA
Narrador y ensayista, Doctor en Literatura de la Universidad
Nacional Autónoma de México y profesor de la Universidad
Tecnológica de Pereira. Ganador del premio Nacional de
Novela “Aniversario Ciudad de Pereira” con El laberinto
de las secretas angustias (1992), también ha publicado
los libros La urbanidad de las especies (1997), Nido de
cóndores: aspectos de la vida cotidiana de Pereira en los
años veinte (2002), Retazos de ciudad (2002), Pereira: visión
caleidoscópica (2002), Plop (2004), Guía del paseante (2005)
y Territorios (2010). En 2014 obtuvo el Premio Nacional de
Novela de la Universidad de Antioquia con Mi unicornio
azul y fue finalista del Concurso Nacional de Novela Corta
de la Pontificia Universidad Javeriana con El museo de la
calle Donceles, sus más recientes publicaciones.
MARIO HERNÁN LÓPEZ
Profesor de la Universidad de Caldas. Administrador de
Empresas de la Universidad Nacional, Magíster en Gestión
Ambiental de la Universidad Javeriana y Dr. en Paz,
Conflictos y Democracia de la Universidad de Granada,
España. Ha publicado relatos breves en revistas culturales
y en el blog La loca de la casa, creado en el año 2005. Su
última obra, Yo me acuerdo mal de usted, fue publicada por
la Editorial Universidad de Caldas en marzo de este año.
Entre sus trabajos académicos se encuentran diversos ensayos
sobre conflicto y paz publicados en revistas nacionales e
internacionales, así como investigaciones sobre cuestiones
ambientales y políticas públicas en el campo de la pobreza
y el desplazamiento forzado por la violencia. En 2009 ganó
el premio del concurso de literatura de Caldas con el libro
de cuentos Palabras en la puerta.
JAIME ECHEVERRI
Nació en Manizales. Narrador y psicoanalista, es docente
de la Maestría en Escrituras Creativas de la Universidad
Nacional de Colombia y de la Maestría en Creación Literaria
de la Universidad Central de Bogotá. Algunos autores de
renombre en Colombia y México se han beneficiado de su
tutoría en los últimos quince años, dentro y fuera del ámbito
académico. De su obra cuentística, los títulos más notables
son Historias reales de la vida falsa (1979), Las vueltas del
baile (1992), Versiones, perversiones y otras inversiones
(2009) y El mar llega a todas las playas (2010), También ha
publicado las novelas Reina de picas (1992) y Corte final
(2002). Varios premios nacionales de cuento, obtenidos
entre 1968 y 2004, dan fe de su calidad literaria.
151
ORLANDO MEJÍA RIVERA
152
Médico internista y tanatólogo, Magíster en filosofía, docente
e investigador de la Universidad de Caldas. Premio Nacional
de la Academia de Medicina en 1994, Premio Nacional de
Novela del Ministerio de Cultura en 1998, Premio Cámara
Colombiana del Libro al mejor libro científico-técnico en
1999 y Premio Nacional de Ensayo Ciudad de Bogotá del
mismo año, entre otras distinciones. Algunos de sus libros:
La muerte y sus símbolos (1999), De la prehistoria a la
medicina egipcia (1999), Pensamientos de guerra (2000),
De clones, ciborgs y sirenas (2000), El asunto García y otros
cuentos (2006), El enfermo de abisinia (2007), Recordando
a Bosé (2009), En el jardín de Mendel: bioética genética
humana y sociedad (2010), La biblioteca del dragón (2012).
En 2002 trazó un mapa de la narrativa colombiana actual
en su libro La Generación mutante. Textos suyos han sido
traducidos a alemán, italiano, francés y húngaro.
CLAUDIA PATRICIA LEGUIZAMÓN LONDOÑO
Creció en Cali, donde se desarrolló como bailarina en el
Instituto Colombiano de Ballet –Incolballet–, y realizó
estudios universitarios de Arte Dramático y Educación Física
en la Universidad del Valle y en la Universidad de Caldas. Ha
sido directora escénica y coreógrafa del Taller de Ópera de la
Universidad de Caldas por más de veinte años, al igual que
del Laboratorio de Danza de la misma institución. Pertenece
al grupo de investigación Teatro, Cultura y Sociedad en
donde apuesta por la investigación-creación desde todos
sus proyectos y procura experimentar desde la reflexión en
torno a la danza dramática.
HERNÁN VARGAS CARREÑO
(Zapatoca, Colombia, 1960). Poeta, traductor y editor.
Docente de literatura egresado de la Universidad Industrial
de Santander. Creó y dirigió en Santa Marta el programa
nacional Poesía Mar Abierto (1991-2008). Dirige la revista
de poesía Exilio. Actualmente se desempeña como docente
en el distrito de Bogotá y como tallerista en la Casa de Poesía
Silva. Premio Nacional de Poesía Antonio Llanos, sus Libros
publicados son: Plural (1993), País íntimo (2003, 2006 y
2007)) y sus traducciones al castellano de Edgar Lee Masters
Almenas del tiempo (2003) y Emily Dickinson ¿Quién mora
en estas oscuridades? (2007).
RODRIGO SOTO
Nació en San José de Costa Rica, en 1962. Estudió Filosofía
en la Universidad de Costa Rica, y guión cinematográfico
en la Universidad Autónoma de Madrid. En 1983 publicó su
primer libro de cuentos, Mitomanías, Premio Nacional de
Cuento de Costa Rica. Posteriormente ha publicado varias
colecciones de relatos y poemarios, y las novelas Mundicia
(1992), El nudo (2004), En la oscurana (2012) y Figuras en
el espejo (2001 y 2009), conjunto de novelas cortas del
que Editorial Periférica extrajo Gina (2006) y se tradujo al
francés Los Petroglifos. Es colaborador regular en la prensa
de su país. En el campo audiovisual, su trabajo se orienta
a la producción de documentales de carácter educativo e
institucional, relacionados con temáticas como los derechos
humanos, la juventud y el medio ambiente. Algunos de
ellos han recibido reconocimientos en la Muestra de Cine
y Video Costarricense y se han exhibidos en festivales
internacionales.
153
PHILIP POTDEVIN SEGURA
154
Philip Potdevin se formó en Cali donde leyó por primera vez
a Julio Cortázar, Carlos Fuentes, Gabriel García Márquez,
Guillermo Cabrera Infante, Mario Vargas Llosa, Lezama Lima,
Roa Bastos y José Donoso. Comienza a publicar notas sobre
cine y literatura en el suplemento dominical de El País de
Cali. En 1984 se gradúa como abogado de la Universidad de
San Buenaventura en Cali. En 1989 se traslada a Cartagena
de Indias, donde comienza su carrera literaria escribiendo
poesía y cuento, género en el que se reconoce su maestría
(Magister ludi de 1992 y Estragos de la lujuria de 1997). Es
allí colaborador de El Universal. En 1992 regresa a Bogotá
donde comienza a escribir su primera novela Metatrón,
que termina en 1994, gracias a una Beca del Ministerio de
Cultura, y con la que gana el Premio Nacional de Literatura.
Entre 2003 y 2004 cursa una maestría en historia en la
Universidad Javeriana de Bogotá y entre 2014 y 2015 una
maestría en Filosofía Contemporánea en la Universidad
de San Buenaventura. Entre 2000 y 2002 dirige la editorial
Ediciones Opus Magnum. En 2001 lidera un café filosófico
llamado El Rinoceronte Ilustrado. Este mismo nombre
reaparecerá en el 2013 en un blog literario a su cargo. Su
más reciente novela, En esta borrasca formidable (2014) ha
despertado el interés de la crítica y de los lectores por su
aproximación a relevantes hechos de la historia nacional,
ocurridos entre 1914 y 1920.
CARLOS ALBERTO CASTRILLÓN
Poeta y ensayista. Profesor del programa de Español y
Literatura de la Universidad del Quindío y de la Maestría
en Literatura de la Universidad Tecnológica de Pereira.
Ha publicado los siguientes libros de poesía: El rostro de
los objetos (1990), Diccionario de humana anatomía (en
coautoría con Juan Aurelio García, 1998), Compendio de
virtudes y alabanza (2003), El libro de las abluciones (2010)
y Noticias de Gaza (2014). Entre sus publicaciones recientes
se destacan: Dionisio Aymará: El asombro y la agonía (2014),
Palabras reincidentes (2014), Noel Estrada: Poesía completa
(2014), Baudilio Montoya: Obra poética (2012),Burlemas e
infortunios en la ironía de Les Luthiers (2011).
CIRO ALFONSO PÉREZ
(Pamplona 1950) Maestro de la Escuela Normal Superior de
la misma ciudad, Licenciado en Ciencias de la Educación,
especialidad Filosofía y Letras, de la Universidad Santo
Tomás (Bogotá) y Posgrado en Pedagogía de la Lengua
Escrita. Miembro de la Academia de Historia de Norte
de Santander, cofundador de la Sociedad Bolivariana de
Cúcuta, Presidente de la Asociación de Escritores de Norte
de Santander. Algunos de sus trabajos poéticos y narrativos
han sido publicados en periódicos y revistas nacionales,
también en la prensa del vecino Estado Táchira (Venezuela).
En 2003 publicó el poemario La necesidad del olvido. Es
el gestor de los Concursos Cote Lamus y Gaitán Durán de
Poesía y Cuento, respectivamente, y de los Encuentros de
Escritores Colombo-Venezolanos.
GUIDO TAMAYO
Escritor con estudios de Comunicación y con una larga
trayectoria en el ámbito del libro y la gestión cultural.
Recibió beca de creación literaria del Ministerio de Cultura
de 2007. Es autor de los libros: El retablo del reposo y otros
cuentos (1991), Porque soy un poeta. Conversaciones con
el poeta Mario Rivero (2000), 40 cuentistas ecuatorianos
– Estudio crítico (2006), El inquilino, con la que obtuvo el
Primer Premio de Novela Corta de la Pontificia Universidad
Javeriana (2010), El biombo y otros relatos (2012) y Voces
desde el centro de mundo (2013), un mapa del cuento
ecuatoriano de la actualidad. Ha seleccionado y prologado
antologías temáticas de cuento para varias editoriales.
155
BÁRBARA JACOBS
Nació en la Ciudad de México en 1947, en el seno de una
familia de inmigrantes libaneses. Es licenciada en psicología
por la Universidad Nacional Autónoma de México. A partir
de 1970 publicó cuentos y ensayos en revistas y suplementos
literarios. Fue esposa del escritor Augusto Monterroso,
fallecido en 2003. Entre sus cuentos se publicó: Doce
cuentos en contra (1982) y Antología del cuento triste, con
Augusto Monterroso (1992). Cuenta también con ensayos:
Escrito en el tiempo (1985) y Juego limpio (1997), que incluye
también apostillas. Entre sus novelas destaca Las hojas
muertas (1987) que ganó el Premio Xavier Villaurrutia y ha
sido traducida al inglés, al italiano y al portugués. Asimismo
fue seleccionada para el Correo del libro mexicano de la
Secretaría de Educación Pública, en edición de treinta mil
ejemplares fuera de comercio, destinada a bibliotecas de las
secundarias públicas del país.
156
ANA MARÍA MESA VILLEGAS
Es Twittera y bloguera. Canta y ama a los amigos y a los perros
casi con la misma intensidad. Esas dos cosas la determinan,
tiene muy pocas certezas más. Cuando le piden que se
defina procura no tomárselo muy en serio y para lograrlo
es que usa la tercera persona del singular. Coordinadora del
equipo descentralizado de la Radio Nacional de Colombia
en Manizales.
DIANA REY
Comunicadora social de la Pontificia Universidad Javeriana
y especialista en gerencia de proyectos culturales de la
Universidad del Rosario. Desde la Cámara Colombiana
del Libro, Dirigió la Feria Internacional del Libro de Bogotá
durante los últimos seis años en los cuales la feria se posicionó
como una de las más importantes de América latina y el
evento editorial más significativo del país. Anteriormente
trabajó con la Secretaría de Cultura como asesora de
literatura, acompañando el proyecto Bogotá Capital Mundial
del Libro en 2007 y en la coordinación editorial de “Libro
al Viento”.
CÉSAR VALENCIA SOLANILLA
Doctor en Literatura de la Universidad de La Sorbona, París,
Francia. Profesor Titular y Director de la Maestría en Literatura
de la Universidad Tecnológica de Pereira. Ensayista, crítico,
autor de los libros: La identidad cultural en Juan Rulfo (1993),
La escala invertida. Ensayos sobre literatura y modernidad
(1996). Ensayos suyos hacen parte de los libros: Germán
Espinosa: señas del amanuense (2008), Lectores del Quijote
(2005), Literatura y Cultura. Narrativa colombiana del siglo
XX. Diseminación, cambios, desplazamientos, Volumen
II, (2000), Pensamiento pedagógico latinoamericano.
Ponencias e investigaciones 1998-2000, (2000), La novela
colombiana ante la crítica, (1994), Manual de literatura
colombiana, Tomo II, (1988). Ha publicado artículos y
ensayos de literatura en revistas especializadas nacionales
e internacionales.
ÓSCAR PANTOJA
Autor de los guiones de las novelas gráficas Gabo, memoria
de una vida mágica, Juan Rulfo y Tumaco, fue Premio
Nacional de Novela Alejo Carpentier 2001 con El hijo, Beca
Nacional de Cinematografía en 1998 por el mediometraje
El último cuento de Edgar Allan Poe, del que fue guionista
y director. Beca en 2001 por el cortometraje Un mal sueño,
del que también fue guionista de director.
ALEJANDRO ARANGO
Alejandro Arango Agudelo, licenciado en Filosofía de la U de
Caldas, magíster en Literatura de la UTP, docente ocasional
de literaturas, motivador a la lectura como coordinador
académico del proyecto Palabra Kadabra de la U de Caldas.
157
ADRIANA DEL PILAR ARCILA RIVERA
158
Médica y cirujana de la Universidad de Caldas (1984),
Especialista en Educación Sexual (1995) en la misma
Universidad. Máster en Terapia sexual (2000) de la
Fundación Sexpol -Madrid; Magister en Filosofía (2010) de
la Universidad de Caldas. Directora de la Especialización en
Sexología Clínica y Docente adscrita al Departamento de
Salud Mental de la Universidad de Caldas. Magistrada del
Tribunal de Ética Médica de Caldas. Miembro de Número
de la Academia de Medicina de Caldas. Conferencista y
ponente en diversos congresos nacionales e internacionales
sobre Sexología Médica. Autora de diversos artículos
científicos y de los libros “Educación para la salud sexual”
y “Comportamiento sexual. Entre la biología, la moral y del
derecho” publicados por el sello Editorial Universidad de
Caldas.
URIEL GIRALDO ÁLVAREZ
(Salamina, Caldas, 1957). Ha escrito de poesía y cuento.
entre sus publicaciones están: Al borde de la vía, 1988;
Visiones, 1990; Carrera 13 Calle 13, 1991; Aquel amor
ya nostalgia, 1993; Todavía la vida -cuentos, 1995. A sido
ganador del Premio Popol Vuh en Manizales en 1975, los
concursos de cuento de los Juegos Florales de Manizales
en los años 1993 y 1994, de poesía en los mismos juegos
en 1996, de la misma modalidad en el Concurso Casa de
Poesía Fernando Mejía en 1997 y premio de novela en los
Concursos Literarios Fondo Editorial de Caldas en el año
2000. En la actualidad hace parte del departamento de
literatura y lingüística de la Universidad de Caldas.
CRISTIAN VALENCIA
Nació en Santa Marta, en 1963. Desde 1985 realiza
actividades periodísticas. Escribió la página de cine en
la desaparecida revista Mamola y publicó cuentos en el
magazín dominical del Diario del Caribe. De 1999 a 2002
tuvo a su cargo la página de libros de la revista Cromos. En
2000 obtuvo primera mención en el concurso de crónica
convocado en Latinoamérica por la revista Gatopardo,
cuyos jurados fueron Jon Lee Anderson, Juan José Millás
y Juan Villoro. En la actualidad trabaja como cronista
independiente para distintos medios de comunicación. En
2007 salió publicada una selección de crónicas, Hay días
en que amanezco muerto, bajo el sello Random House
Mondadori. Su obra narrativa, también muy destacada, fue
apoyada por una beca del Ministerio de Cultura e incluye
las novelas El rastro de Irene (2001) y Bitácora del dragón
(2003).
PABLO ROLANDO ARANGO GIRALDO
Magíster en Filosofía de la Universidad de Caldas. Su
principal interés dentro de la filosofía ha sido la ética y la
moral, y en especial la aplicación de estas a la vida práctica.
Actualmente es profesor de la Universidad de Caldas. Ha
publicado tres libros: Ética y significado: una defensa
del objetivismo moral; Introducción a la filosofía moral
(teórica y aplicada); y De la belleza y otros caprichos de
conservador. En el 2010 fue el ganador del premio Nacional
de Periodismo Simón Bolívar en la categoría Educación. Ha
publicado artículos de filosofía en revistas especializadas y
traducciones para diferentes medios.
159
CARLOS AUGUSTO JARAMILLO
160
Es profesional en Filosofía y Letras de la U. de Caldas, con
especialización en Gerencia Estratégica de Proyectos de
la Universidad Nacional de Colombia, sede Manizales.
También ha sido gestor y coordinador cultural en diferentes
instituciones de Caldas, ha hecho el acompañamiento
editorial para diferentes medios impresos y producción de
contenidos periodísticos de tipo cultural. También se ha
desempeñado como Director Editorial de la U. de Caldas,
editor del periódico Lúmina Spargo y coordinador de casas
de la Cultura de Manizales, entre otros. En la actualidad es
el Gerente de la Agencia Cultural del Banco de la República
en Manizales.
EDD MUÑOZ
Una de las jóvenes firmas del cómic nacional. Ha ido
posicionándose poco a poco como uno gracias a sus
fanzines y cómics en internet. Co-fundador del fanzine Dr.
Fausto, ha sido clave en la circulación de publicaciones
independientes en Manizales, su ciudad de origen. Hace
poco fue premiado con la Beca de circulación nacional del
Festival Entreviñetas 2014.
NICOLÁS DUQUE BUITRAGO
Profesional en Filosofía y Letras y magister en filosofía
de la Universidad de Caldas. fue joven investigador de
Colciencias durante dos periodos y se ha desempeñado
como profesor de la Universidad Autónoma de Manizales
y de la Universidad de Caldas. Actualmente es editor de
la Universidad Autónoma de Manizales. Coautor del libro
Obra en blanco: notas en torno a la filosofía de julio enrique
blanco. Sus investigaciones se refieren específicamente al
campo de la historia de la filosofía, filosofía de la cultura y la
edición en literatura y filosofía.
CANALÓN DE TIMBIQUÍ
Esta agrupación nace en 1974 dentro de las paredes del
centro docente Julio Arboleda de Timbiquí, despertando
la inquietud folclórica de los estudiantes. Este grupo hace
homenaje a las riquezas de su tierra y al trabajo de hombres
y mujeres aguerridos que se juegan la vida en las minas
buscando oro en Timbiquí. Este grupo es un fiel representante
de la música del pacífico sur colombiano. Sus integrantes,
todos oriundos de Timbiquí, Cauca decidieron agruparse en
el 2002 y dar a conocer su exótico talento. El grupo le hace
honor a sus ríos, a su oro, a sus pescadores, a sus mujeres y
a través de arrullos, bundes, currulaos y muchos otros ritmos
tradicionales dan a conocer la cotidianidad de su pueblo.
La dulzura exuberante y el encanto de cinco voces femeninas,
los cálidos tonos de la marimba, el repicar de los cununos,
bombos y guasás rodean la voz de Nidia Góngora. Canalón
de Timbiquí representa la riqueza musical que nace de la
mezcla de tradiciones Africanas y Latinoamericanas, únicas
en la costa pacífica Colombiana.
161
ALIADOS DE LA FERIA DEL LIBRO
FESTIVAL INTERNACIONAL
DE TEATRO DE MANIZALES
162
Creado en 1968 el Festival Internacional de Teatro de
Manizales es el evento escénico más antiguo del continente.
El Festival ha reunido a los más destacados grupos de teatro
universitario de América Latina y a los más connotados
intelectuales que marcaron la historia del evento: Pablo
Neruda, Miguel Ángel Asturias, Ernesto Sabato, Alfonso
Sastre, Mario Vargas Llosa, Jerzy Grotowsky, Jack Lang, entre
otros destacados escritores y dramaturgos.
A través de la dirección artística del evento, se hace una
selección de espectáculos nacionales e internacionales
presenciados en distintos lugares del mundo, para conformar
la parrilla de programación en los escenarios de sala y
espacios abiertos de la ciudad.
www.festivaldemanizales.com
REVISTA LARVA Y FESTIVAL ENTREVIÑETAS
La Revista Larva es una publicación colombiana que tiene
como eje central el cómic, un proyecto que se ha hecho a
un espacio en el escenario cultural colombiano. Apareció
en 2006 en la Universidad del Quindío como un proyecto
no académico de estudiantes y ahora lidera el Festival
Entreviñetas, el evento latinoamericano de mayor prestigio
en la escena del cómic global. Cuenta con una programación
en 5 ciudades del país.
En el 2015 la Revista nos acompañará en Manizales en
el marco de la 6ta Feria del Libro en donde veremos
conversatorios, talleres, sesiones de dibujo en vivo y
exposiciones.
www.revistalarva.com
www.entrevinetas.com​
BANCO DE LA REPÚBLICA
Poco después de su creación en 1923, el Banco de la
República asumió el rescate, preservación, análisis, estudio
y difusión de múltiples piezas precolombinas, piezas
numismáticas, libros y documentos, que conforman buena
parte del patrimonio cultural de la Nación. Con el fin de
fortalecer la identidad cultural del pueblo colombiano, se
dio origen al Museo del Oro y a la Biblioteca Luis Ángel
Arango. Los buenos resultados obtenidos en más de 80 años
de trabajo, han permitido que estas actividades culturales se
mantengan hasta hoy, bajo la dirección institucional de la
Subgerencia Cultural del Banco de la República.
www.banrepcultural.org
FIESTA DEL LIBRO Y LA CULTURA DE MEDELLÍN
Como momento estelar de los Eventos del libro está la Fiesta
del Libro y la Cultura, certamen que se posiciona como el
cuarto feriado del libro en Latinoamérica. A través de diversas
actividades lúdicas, pedagógicas y creativas promueve
la lectura y escritura en diferentes grupos poblacionales,
además de exhibir una amplia oferta comercial y actividades
académicas con reconocidos invitados nacionales e
internacionales.
www.fiestadellibroylacultura.com
ALIANZA POR LA LECTURA
La Alianza por la Lectura es una iniciativa coordinada por
cuatro instituciones de Manizales: el Banco de la República,
el Instituto de Cultura y turismo, Corporación cívica de
Caldas, Confa y Universidad de Caldas.
La Alianza tiene como misión incentivar el placer de leer
y promover hábitos de lectura que aporten al desarrollo
cultural y social con un radio de acción que aborde escuelas,
bibliotecas, espacios públicos etc.; tanto en áreas urbanas
como rurales, orientado a todos los grupos poblacionales.
En la 6ta Feria del libro de Manizales será la encargada de
realizar las actividades infantiles y juveniles.
163
PROGRAMACIÓN
TALLERES CERTIFICADOS
TALLER DE CRÓNICA:
Discutir sobre las posibilidades de una escritura de hechos
que se enfoque hacia la construcción de memoria. Se busca
que los talleristas puedan acercarse a las propuestas éticas y
a las inquietudes estéticas que se encuentran al momento de
construir relatos.
TALLER JÓVENES ESCRITORES:
164
Brindar herramientas teóricas y prácticas que fortalezcan
la labor individual en el ejercicio de la creación literaria.
El taller hace énfasis en la creación de textos breves, cuya
dinámica será desarrollada en tres momentos:
TALLER ILUSTRACIÓN DIGITAL:
Combinar y experimentar con diversas técnicas de
ilustración análoga y digital para desarrollar varias piezas
gráficas que cumplan con criterios de forma, composición,
color y estética visual. Los asistentes experimentarán con
variadas formas de producción de imagen y técnicas de
ilustración análogas y digitales, se incentivará la discusión
y la toma de decisiones creativas que afectarán el producto
final y se seguirá un proceso que iniciará desde la búsqueda
de referentes visuales, pasando por los bocetos hasta el arte
final de las piezas gráficas resultantes.
TALLER ESCRITURA CIENTÍFICA:
El artículo científico es la forma más efectiva para visibilizar
no solo los resultados de una investigación, sino la tendencia
investigativa de un grupo o una universidad.
EL PUBLICADERO
Feria nacional de auto publicación y fanzine. Conversatorios,
dibujo en vivo, cómic, ilustración y muchos fanzines.
Contaremos con:
La Ramona Proyectos: Espacio Auto gestionado para la
publicación, exposición y creación de las prácticas artísticas
contemporáneas donde las nociones de colaboración y
reflexión crítica sobre la cotidianidad configuran el cuerpo
de la investigación.
Dr. Fausto Publicaciones: Es un proyecto editorial auto
gestionado editado por Edd Muñoz y que se dedica a la
publicación de fanzines de cómic colaborativos. Desde
finales del 2011 viene produciendo publicaciones breves
basadas en la utilización eficaz de los recursos disponibles,
experimentando con varios formatos, papeles y formas de
reproducción de imagen.
La huerta ediciones: Libros, libretas, fanzines, revistas, libros
de artista, ediciones únicas, limitadas, independientes. Todo
el paisaje de la publicación.
Malacalaña: 2011, Medellín. Publicación independiente y
auto gestionada que empezó como un juego (y se mantiene
exactamente igual) con vocación hacia la ilustración y
presuntas influencias literarias. Lleva 8 números y espera
seguir editándose. Por ella han pasado ilustradores,
graffiteros, escritores, cuentistas sociales y poetas.
Invitados:
Daniela Prado
Reptil
Edd Muñoz
Maca Duque
M. A. Noreña
Santiago Rodas
Santiago Pérez
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STAND TRUEQUE DEL LIBRO
Esta actividad está pensada para todos aquellos que tengan
libros que ya no utilicen o que simplemente quieran
cambiarlos por otros que sean de su interés, y así permitir que
el flujo de lectura entre estudiantes y profesores sea mayor.
La invitación es para los interesados en el intercambio y al
regateo.
166
EXPOSICIÓN DISCURSOS ALTERNOS: EL
FANZINE DE LOS 80s, 90s Y COMIENZO DEL
NUEVO MILENIO EN COLOMBIA. Andrés Frix.
ANDRÉS FRIX
Su interés por la pintura, el “collage” y los impresos, le lleva
a producir instalaciones, en las que cuestiona las nociones
de orden, racionalidad y la idea de unidad. Su estrategia
consiste en crear obras perturbadoras que en ocasiones se
presentan como obras superficiales, pero que esconden
serias preguntas acerca de la responsabilidad moral del
artista con relación a los valores y creencias del mundo
occidental. Se sirve para ello de montajes paródicos de
imágenes cotidianas, en los que muchas veces incluye su
propia imagen, construcciones que plantean numerosas
referencias que reflejan su propio “yo”, contribuyendo esto
al cinismo de su trabajo; cinismo latente en sus “frixografias”
(grafías elaboradas por frixo)
OFERTA EDITORIAL
50 expositores entre librerías nacionales, locales, editoriales
universitarias, independientes e internacionales se dan cita
en la ciudad para traer los mejores títulos y novedades
literarias.
EQUIPO FERIA DEL LIBRO
FELIPE CÉSAR LONDOÑO
Rector Universidad de Caldas
ANDRÉS FELIPE BETANCOURTH
Vicerrector de Proyección Universitaria
OCTAVIO ESCOBAR
Asesor Académico
LUIS MIGUEL GALLEGO S.
Editor
CAROLINA GUACANEME
Productora General
167
JORGE IVÁN ESCOBAR
Asistente Editorial
ELIANA OSORIO
Jefe de Prensa
JUANITA MARTÍNEZ IDÁRRAGA
Coordinadora de Prensa
DANIELA OSORIO
Community manager
ARTURO GARCÍA
Fotógrafo
ÁNGELA PAULINA CRUZ
Asistente Administrativa
LUIS OSORIO
Diseñador
EQUIPO
FESTIVAL DE TEATRO DE MANIZALES
168
Junta Directiva
Elvira Escobar de Restrepo
Luz Maria Calderon Uribe
Jorge Alberto Gutierrez Jaramillo
Felipe Cesar Londoño López
Matilde Cuartas Villegas
Luz Adriana Trujillo Galvez
Ana María Mesa Villegas
Pedro José Delgado Gutierrez
Clara Lucia López de Estrada
Carlos Adolfo Escobar Holguin
Octavio Escobar Giraldo
Sandra Vandenenden Amador
Octavio Arbelaez Tobón
Natalia Marulanda Mejia
Catalina Rey López
Director General
Octavio Arbeláez Tobón
Directora Ejecutiva
Pamela Jaramillo Lombana
Producción General
Julian Arbeláez Tobón
Coordinador de Producción Sergio Arenas Guzmán
Coordinadora Montajes y
Escenografia
Paula Leguizamón Londoño
Prensa
Verónica Osorio Cardenas
Asistente de Prensa
Jenny Zuluaga Ospina
Coordinador Técnico
Jose Norberto Henao Caido
Coordinador de Calle
Bredy Yeins Gallego Giraldo
Coordinadora Comercial y de
Publicidad Marcela Jaramillo Escobar
Editor de contenidos/Director
Periódico TEXTOS
Wilson Escobar Ramírez
Diseño Visual
Maria del Rosario Vallejo G.
Humberto Jurado G.
Coord. de Hospedaje y
Alimentación Martha Cecilia Giraldo
Asistente Hospedaje
Laura Victoria Blanco
Asistente Alimentación
Juan David Chica
Coordinación Transporte
Rafael Valencia Montoya
Coordinación Utilería
Luis Ariel Pineda Uribe
Coordinación Bodega
Damián Carmona Bermúdez
Coordinación Eventos
Especiales
Angélica Castillo Mejía
Promoción y Difusión
Eventos Especiales
Andrés Giraldo Ramírez
Coordinación de Guías
Angela Maria Yauri Aristizábal
Asistente de Guías
Natalia Rios Ocampo
EQUIPO DE GESTIÓN
CIRCULART EJE ESCENA
Dirección Ejecutiva
Beatriz Quintero
Asistencia administrativa
Beatriz García
Coordinación General
Milena García
Coordinación Programadores
Angélica Castillo
Andrés González
Coordinación Artistas
Camila Zuluaga
Coordinación Logística
Olga Vásquez
Diseño Visual
Maria del Rosario Vallejo
Humberto Jurado
Plataforma Virtual
César Valencia
EQUIPO DE GESTIÓN
PALABRAS EN ESCENA
Coordinación
Angélica Castillo Mejía
Promoción y Difusión
Andrés Giraldo
Hospedaje y Alimentación
Laura María Ospina García
Acreditación
Ana María Bedoya
Espacios
Maria Fernanda Valencia
Transporte
Clara López
Transporte
Juliana Arias Chica
169
TEATRO
LOS FUNDADORES
Jefe Técnico de Sala
Alexander Tobón Garcia
Operario de Luces
Leonardo Soto Marín
Mauricio Soto Osorio
Rodrigo Rojas Delgado
Julián Mauricio Herrera
David Sánchez Gaviria
Tramoyista
Luis Gabriel Bedoya Rios
Rodolfo René Jerónimo Arango
Servicios generales
Luz Idalba Gómez Tobón
Mónica Ospina Alvarán
UNIVERSIDAD NACIONAL
170
GALPÓN
Jefe de sala
Pablo Andrés González
Tramoyista
Santiago Arias Gonzáles
Antonio Lopez Vallejo
Servicios generales
Marlin Marín Marín
8 DE JUNIO
Jefe de sala
Germán Camilo Diaz Fajardo
Tramoyista
Carlos Eduardo Giraldo Gómez
Andrés Sánchez Calle
Edwin Narváez Mejía
Servicios generales
Luz Adriana Gaviria Zuluaga
Jefe de Sala
Edgar Fernando Barona
Tramoyista
Richard Alonso Hernández Calvo
Leandro Romero Meneses
Servicios generales
Daniela Cruz Henao
ÉRASE UNA VEZ
AUDITORIO CONFA
OFICINA
Jefe de sala
Juliana Pineda Cardenas
Jefe Técnico de Sala
Ian Huertas Camargo
Operario de Luces
Jose Nicolás Osorio
Álvaro Andrés Castro López
Cristian David Huertas
Servicios generales
Francisco Javier Londoño
Jefe de sala
Diana María Buriticá Pineda
Tramoyista
Jairo Alonso Hernández Araque
Servicios generales
Leidy Bibiana Gonzáles Arboleda
Secretaria
Beatriz Herrera Salgado
Contratación
Isabel Gaviria Salazar
Revisora Fiscal
Gloria Inés Ospina Isaza
Contadora
Liliana Patricia Salazar Arenas
Auxiliar Contable
Alba Rocío Figueroa
Publicidad Marcela Jaramillo Escobar
Abonos
Silvana Rudas Bolívar
Servicios Generales
Claudia María Arango Soto
CALLE
Asistentes Calle
Manuela Giraldo Valencia
Elizabeth Castillo
Ivonne Cecilia Garavito Trejos
Sharon Rakel Naranjo Gonzáles
Luisa Mariela Velásquez
Estefanía Giraldo Ramírez
Jully Andrea Castillo Cadavid
Natalia Rivera Alvarado
Laura Marcela Menjura Acevedo
Jonny Fernando Carvajal Torres
Victor Alfonso Coronado Marín
Iban de Jesús Alarcón Marín
Daniel Eduardo Alzate Palma
Oscar Eduardo Duque Echeverri
Juan Camilo Gómez Palacio
Jorge Hernán Moreno Culma
Fernando Alberto Pérez Murcia
Luis Felipe Agudelo Quintero
Julian Andrés Sabogal Vanegas
Fernanda Alzate
Electricistas Henry Giraldo Valencia
Alfonso Higuita Arias
Asistentes de Utileria
Katterine Rocio Upegui
Carlos Eduardo Mejía
Juan de la Cruz Ospina
Ana María Valencia
Juan Camilo Ramírez
Asistentes de Bodega
Sebastián Quintero Rivera
Edison David Osorio Castro
Ricardo Rodríguez Moreno
Jeison Efraín Díaz Cardona
Luis Alfonso Serna Bedoya
Hernando Montes Ramírez
Jeison Alexander Márquez V.
José Fernando Hurtado G.
Jhon David Parra Osorio
Christian Maroto Aguilera
Escenógrafos
Diego Fernando Sánchez M.
Federico Cárdenas Uribe
Jorge Eduardo Cárdenas
Carpinteros
Giovanny Torres Muñoz
D´Angelo Echeverry Acosta
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