Download invitados - Festival internacional de teatro de manizales

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Transcript

EdiciónWilson Escobar Ramírez
Concepto, Diagramación y Diseño de portada
KikiriMiau: Maria del Rosario Vallejo DV / Humberto Jurado DV
Fotografías
Compañías invitadas, archivos FIT
Impresión
La Patria, Manizales, Agosto 2014
PRESENTACIÓN, EL USO DESGASTA LAS PALABRAS 6
LA LUPITA, IMAGEN DEL FIT 20149
EL GRAN TEATRO DEL MUNDO, UN TEMA EN LA OBRA DE SHAKESPEARE
13
LA ESCENA MEXICANA ACTUAL15
ESPECTÁCULOS SALA NACIONALES 19
ESPECTÁCULOS SALA INTERNACIONALES35
MÉXICO, PAÍS INVITADO57
ESPECTÁCULOS CALLE79
ESPECTÁCULOS CARPA CIRCO106
EVENTOS ESPECIALES, PALABRAS EN ESCENA121
2DO ENCUENTRO RED EURO-LATINOAMERICANA DE FESTIVALES
132
FERIA DEL LIBRO150
EQUIPO DE TRABAJO XXXVI FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO
174
PRESENTACIÓN
EL USO DESGASTA LAS PALABRAS
¿Cómo está la paz?
Shh… respondemos, hablemos
bajito, la pobre esta muy enferma.
Y es que un asunto tan serio
como la paz de un país no debería
estar en manos de cualquiera, debería
pertenecer al imaginario de un pueblo
que hurga en su memoria atávica
alguna cosa que se asemeje a lo que
dicen que es eso.
Ahora, por ejemplo, nos rige la
esperanza, en el sentido en que la
construye Ernst Bloch, el filósofo
alemán del “Principio esperanza”,
un libro referencial que remite al ser
humano a su dimensión utópica,
y decidimos apostar a un proceso
construido sobre las bases de diálogos
que esperamos tengan como fin el
comienzo de algo, aun que suene
contradictorio, que se asemeje a un
camino por el que podamos transitar
todos.
Es entonces que aparecen en la
memoria, los creadores escénicos
colombianos que hablaron de la
vida, de la paz, de Colombia como
sinónimo de utopía, transformándola
en gestos, imágenes, palabras que
quieren significar, o simplemente
en unas miradas que se cruzan y
reconocen al otro como interlocutor,
construyendo quizás alternativas
frente al irracionalismo, queriendo
6
Para el colombiano promedio la
paz es sólo una palabra inserta en
los discursos de los políticos, a veces
incluso preguntamos por ella:
decirle al mundo que aun estamos
aquí, y eso es lo que hace el teatro en
este panorama, hacer un inventario de
utopías posibles, sumarse al momento
que vive el país y apostar nuevamente
por que, al fin, “cese la horrible noche”
como dice nuestro retórico himno
nacional.
7
Sólo nos restan las palabras, y a
ellas nos aferramos como la última
esperanza, para que de los monólogos
de siempre pasemos a los diálogos, y
que cada vez sean mas los incluidos en
la construcción de los discursos de paz.
DIRECTOR GENERAL
Ante la cuestión planteada de
una relación entre teatro y paz, las
respuestas que se vislumbran no
provienen de la diosa razón, mas bien
de la intuición de quienes aun creemos
que las artes de la representación
realmente nos re-presentan, tal y como
somos, queriendo construir la memoria
futura, en que el acto heroico sea el
cotidiano, en que los grandes gestos
provengan de permitirnos hacer lo que
sabemos hacer diariamente: teatro,
que es como la vida misma.
OCTAVIO ARBELÁEZ TOBÓN
La generación de espacios de
encuentro como nuestros festivales
de teatro, apuntan en esa dirección:
gestos y palabras puente entre las
ciudades y la vida, que tal vez esté
en otra parte. Pero, en todo caso,
búsqueda incesante de permanecer
aquí como testigos de nuestro tiempo,
para que no sea el tiempo del silencio.
La Lupita, imagen del FIT 2014
José Manuel Morelos*
9
He tenido la oportunidad de
presenciar las últimas tres ediciones
del Festival Internacional de Teatro
de Manizales: como público y como
diseñador de carteles avocado a la
cultura, léase teatro, danza, música,
artes plásticas, literatura. Desde hace
más de 15 años, adscrito al Instituto de
Investigaciones en Artes Plásticas de
la Universidad Veracruzana, he tenido la
buena fortuna de trabajar con múltiples
compañías de teatro mexicanas y
canadienses, conocer e interactuar
con directores y dramaturgos, en
ambos países. Cuando el director
cultural del Festival Internacional
de Teatro de Manizales, Octavio
Arbeláez, me invitó a realizar el cartel
de tan prestigioso evento, me sentí
distinguido, sobre todo al saber que el
país invitado, este año, sería el mío: mi
tierra, mi sangre, mi gente, mi cultura:
México. En principio, la directriz fue no
crear un concepto general en torno al
teatro, sino poner un énfasis especial
en el país invitado, en su identidad. Y
esta fue la acción a comunicar. ¿Cómo
sintetizar en una imagen a México?,
¿Qué ícono usar?, ¿Qué símbolo podría
ser capaz de proyectar y contener su
intimidad, emociones, idiosincrasia y
sincretismo -cultural y religioso- su
pasado prehispánico, la riqueza de
su gente y su gastronomía, por citar
algunos ejemplos?
Aparece la Virgen México posee una infinidad de
arquetipos reconocidos en todo el
mundo: el charro, el chile (ají), la
tortilla, la música ranchera, el macho (el
cabrón), el tequila y otros tantos que sin
tener una connotación necesariamente
banal, son estereotipos mundanos
que no alcanzan a reunir y representar
la grandeza de la diversidad cultural
de mi pueblo. También podríamos
mencionar la Fiesta de Día de Muertos.
Y aún así quería encontrar algo más
poderoso. Consecuentemente, busqué
un símbolo más profundo, que unifique
el sentir y que habite en el corazón
de cada mexicano. Ese símbolo es
sin lugar a dudas la Tonantzin, la
Virgen de Guadalupe madre de todos
los mexicanos, “La Morenita”, “La
Lupita”. Y si la tuteamos no es por
falta de respeto, por el contrario, le
hablamos de tú y en diminutivo con la
misma confianza y cariño con la que
que arriesgan su vida buscando llegar
a Estados Unidos pasando la frontera,
encomendarse a “La Lupita” les ayuda
a cumplir su cometido permitiéndoles
burlar a “La migra” y no morir en
el intento. La Virgen de Guadalupe
siempre ha estado allí para los más
desprotegidos. La interacción con
“La Morenita” va de lo íntimo a lo
colectivo, de lo profano a lo religioso,
de lo humilde a lo ostentoso. “La
Guadalupana” puede ser, en nuestro
contexto, una tienda de abarrotes,
así como un bar; “La Lupita” una
coctelería, sin que ello represente un
agravio para la Virgen. Ella es generosa,
comprensiva y tolerante. El mexicano
no se adjudica la custodia unipotencial
de sus facultades, ni la franquicia de
sus favores y consejos, más bien juega
con ella, se sirve de ella, de su poder
auxiliador para sus fines. En México
(y los Chicanos) son innumerables las
expresiones artísticas -teatro, danza,
literatura, música y artes plásticas,
entre otras- que recurren al ícono de la
Virgen de Guadalupe en sus discursos,
ya sea como apología o como vehículo
de crítica al poder, la manipulan, la
intervienen, la descontextualizan:
la hacen suya. La aparición de la
Virgen de Guadalupe en el cerro
del Tepeyac fue signo de identidad,
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se le habla a una madre. En México,
el mito de “La Guadalupana” no solo
se inscribe en el ámbito religioso. Es
un fenómeno social, cultural y político,
hecho que lo hace más complejo y rico.
Hay compatriotas que no se consideran
católicos y no por ello renuncian a la
identidad y fe guadalupana: ellos son
“Guadalupanos”. Ser Guadalupano es
una vocación que se manifiesta en su
cotidianidad, ha sido una rica fuente de
inspiración para una estética popular
y artística, plasmada en las calles
de los barrios, así como en recintos
artísticos. Recuerdo en los años 90
cuando en las esquinas de algunos
sectores populares de Ciudad de
México las personas tiraban su basura
esperando la recolección de la limpia,
esto generaba focos de insalubridad;
cuando algunas calles, por ausencia
de alumbrado, se hicieron peligrosas;
cuando las madres preocupadas por
sus hijos y las tentaciones que los
rodeaban no sabían qué hacer…
Aparece la Virgen. La comunidad tuvo
ideas, ideas creativas, pintar a “La
Lupita” en la barda, crear altares con
“foquitos” de colores que iluminaran su
imagen y espiritualmente al transeúnte,
escribir mensajes con su rostro: “Yo,
tu Madre amable te pido que no te
drogues, no te alcoholices, no seas
violento, Se amoroso y cariñoso”. Fin
del problema de la basuras, fin del
problema de inseguridad, fin del temor
de las madres.
Diversidad cultural “La Morenita” traspasa fronteras.
Para los “Chicanos” es una forma de
sentirse mexicanos, para los migrantes,
justicia, resistencia y unificación entre
mulatos, indígenas, criollos, mestizos
y gachupines (Chapetón en Colombia
y Perú).
11
A través de la historia En 1810, el cura Miguel Hidalgo
y Costilla se sirvió de ella como
estandarte, como símbolo de la lucha
independentista contra la Corona
Española. El también sacerdote y
estratega militar José María Morelos
y Pavón recurría a la imagen de la
Virgen para congregar al pueblo y
hacer un llamado a continuar en esa
misma lucha. Así mismo fue usada
en la revolución de 1910 (se dice
que hasta los más revolucionarios
ateos la veneraban) y en el 1994
hizo su aparición de nuevo con el
rostro cubierto por un pasamontañas
o con un rifle durante la irrupción
zapatista. Para Rodolfo Usigli (padre del
teatro mexicano moderno), “la Virgen
de Guadalupe en México no es un
adorno: es destino”. La consideraba un
elemento de “respiración”, porque “no
se piensa en ella objetivamente, como
no se piensa en la sangre que circula
por nuestro cuerpo: sencillamente se
sabe que está allí”. Leía hace unos
días en un diario de México que la
selección de fútbol había enviado ya su
equipamiento al mundial y aclaraba el
jefe de utileros del tricolor: “La Virgen
va, claro, la mandamos antes en avión
con la utilería”. Debido a la fuerza
del símbolo, sus connotaciones y las
consideraciones expuestas, la estética
del cartel que nos atañe, su tratamiento
formal y conceptual, es un collage con
reminiscencias al pop-art -entendiendo
al ícono como un elemento de la
cultura popular mexicana- y la máscara
veneciana como un elemento festivo
y metonímico del teatro. Sé que a la
Virgen de Guadalupe le gusta el teatro,
el buen teatro, y es por eso que viene
a este XXXVI Festival Internacional de
Teatro de Manizales, una vez terminado
su compromiso en Brasil. Solo espero
que las condiciones climáticas le
permitan aterrizar aquí en Manizales
y no la manden a Pereira y de ahí en
buseta hasta acá.
* Licenciado en Artes Plásticas
con
especialidad
en
Diseño
Gráfico. Maestrías en Publicidad,
Comunicación Política y Diseño
Tipográfico. Investigador del Instituto
de Artes Plásticas y académico
de la Facultad de Artes Plásticas
(UV). Doctorando en Diseño y Creación
en la Universidad de Caldas y, durante
los últimos 3 años, Becario del Fondo
Nacional para la Cultural y las Artes. Se
ha desempeñado principalmente
como realizador de carteles culturales
y sociales para compañías en
México y Canadá de teatro, danza
contemporánea, artes plásticas,
literatura y música.
EL GRAN TEATRO DEL MUNDO,
UN TEMA EN LA OBRA DE
SHAKESPEARE
El teatro es un tema central,
recurrente, en los textos de los dramas
de Shakespeare. En efecto, este
dramaturgo incluye en sus libretos
y pone en boca de sus personajes
constantes referencias al teatro, a
su modo de ser, a su relación con el
público y los escenarios de su época.
Así, encontramos el motivo teatral en
la mayoría de sus obras y en diferentes
niveles:
Sus personajes hablan de teatro,
de géneros dramáticos, del arte del
actor, de la recepción del público, los
elementos que componen un escenario,
y en términos técnicos propios
del vocabulario de la dramaturgia.
Imágenes de teatralidad alimentan
la lengua poética de Shakespeare, y
es más: muchos de sus personajes
expresan una gran familiaridad con el
teatro y algunos son especialmente
histriónicos –lo saben y lo dicen-; son
capaces de elaborar montajes, de
dirigir a otros para que representen un
papel y de usar el teatro para sus fines
específicos.
13
De este hecho podríamos deducir
que para Shakespeare el teatro es
un referente para entender y dar a
entender el mundo, desde hechos y
episodios muy particulares, como los
gestos, comportamientos, situaciones
y proyectos de cada personaje, hasta
la vida humana misma.
Este rasgo tan peculiar y tan destacado
de la obra del isabelino no sólo guía y
enriquece nuestro conocimiento del
teatro en la Inglaterra de su época,
sino de la naturaleza misma del teatro,
lo que ha hecho de Shakespeare un
maestro, un guía ineludible para la
actividad escénica desde hace más
de siglo y medio. Podría decirse,
incluso, que el teatro contemporáneo,
nuestro teatro, se ha formado
siguiendo y rehaciendo algunas de
las pautas que marcó Shakespeare,
como lo son el conocimiento de las
virtudes del escenario neutro, el
libre desplazamiento por tiempos y
espacios, de un tono solemne a uno
festivo y prosaico, y la complicidad con
el público.
Además, este constante hablar del
teatro, pensar el teatro, hacer teatro
dentro del teatro anticipa lo que será un
hecho crucial en la modernidad, cuando
desde la obra literaria y artística misma
se tematizan el arte y la literatura. Pero
también esta característica apunta a
Un texto de Shakespeare es, ante
todo, un libreto destinado al escenario
y hay que abordarlo como tal, en
busca de su naturaleza escénica, de
lo peculiar de un lenguaje pensado,
ante todo, para la representación.
Además, los recursos empleados en
la construcción de sus personajes
y situaciones están en tan estrecha
relación con las condiciones de los
escenarios a su alcance, que permiten
deducir de los textos dramáticos
mucho del funcionamiento de la vida
teatral de la época.
Para ilustrar lo anterior podemos
detenernos en 4 de sus obras -Sueño
de una noche de Verano, Ricardo III,
Hamlet y La vida del rey Enrique V- en las
que la reflexión sobre el teatro es muy
evidente y abarcante. Sin embargo,
habría que examinar la totalidad del
corpus dramático del isabelino, porque
su visión del hombre como actor
en el escenario del mundo o la de la
acción humana como representación
de un papel teatral salta a la vista en
cualquier escena.
Como todo gran poeta, más
que inventar metáforas y símiles,
Shakespeare los toma, los rehace
y los llena de nuevos sentidos. En
numerosas ocasiones Borges ha
insistido en que “sólo hay unas pocas
metáforas esenciales”, que son
metáforas “modelo o patrón”, como la
vida es sueño, o río que va a dar en la
mar. Pero esos pocos modelos admiten
un número infinito de variaciones
(Borges, Arte poética, “La metáfora”,
Barcelona: Crítica, 2001, 37-59). A
ellas se podría añadir la que afirma que
el mundo entero es un teatro
Y todos los hombres y mujeres
simplemente actores.
Ellos tienen sus entradas y salidas,
Y un hombre en su vida representa
muchos papeles (A vuestro gusto, II,
7).
Esta formulación, puesta por
Shakespeare en boca del melancólico
Jacques, está en la base de todas las
imágenes que relacionan el teatro y el
mundo. Estos versos se podrían asumir
como la fuente de miles de variantes,
reelaboraciones, recreaciones; expresan
un sentir que encontramos en la
reflexión filosófica desde Platón. En
el texto dramático la imagen del
gran teatro del mundo aparece a
finales del XVI, pero con insistencia y
extraordinaria complejidad florece es en
el drama isabelino y en un dramaturgo
tan de la entraña del mundo escénico
como lo es Shakespeare. En sus textos,
esta imagen se llena de sentidos, de
connotaciones que solo podría darse
en ese gran poeta que es Shakespeare,
este hombre de teatro.
AMALIA IRIARTE
DOCENTE
UNIVERSIDAD DE LOS ANDES. COLOMBIA
14
una, en su época novedosa, relación
entre ficción y realidad: no apelamos
al mundo real para entender el arte,
sino que el arte nos ayuda a entender
lo real, como lo declara Oscar Wilde
en su ensayo “La decadencia de la
mentira”: “la Vida imita al Arte mucho
más que el Arte imita a la Vida”.
LA ESCENA
MEXICANA ACTUAL
Decir que el teatro siempre está
en movimiento parecería una verdad
de Perogrullo pero esto no siempre
ocurre con una velocidad constante. La
escena mexicana actual se distingue
hoy por la enorme diversidad de puntos
De José Ramón Enriquez, Sergio
Galindo, Sabina Berman, Ángel
Norzagaray, David Olguín, Estela
Leñero, Luis Mario Moncada, Cutberto
López y, entre otros, un servidor; hasta
los más jóvenes como David Gaytán,
Diego Álvarez Robledo, Hugo Wirth
o Fernanda del Monte, existe una
nómina enorme de escritores como
Luis Enrique Gutiérrez Ortiz Monasterio,
Edgar Chías, Alberto Villarreal, Antonio
Zúñiga, Alejandro Ricaño, Martín López
Brie, Noé Morales o Bárbara Colio,
cuyos textos se han traducido a otras
lenguas y presentado en decenas de
festivales y escenarios del mundo.
15
Esto es un fenómeno del que no
gozaron nuestros mayores, aquellos
aglutinados bajo el membrete de
Nueva Dramaturgia Mexicana que se
acuñó en principios de los años 80 del
siglo pasado. La primera década de
la presente centuria ha sido la de la
internacionalización de la dramaturgia
mexicana aunque todavía sigamos
siendo relativamente desconocidos
en países como Colombia. Pasa algo
similar con los escritores colombianos.
Somos grandes desconocidos a pesar
de estrenos, giras e intercambios.
En los años 60 y 70 del siglo XX
los directores de escena tomaron por
asalto los escenarios y los puestos de
poder en las instituciones de cultura.
Esto relegó a la dramaturgia y favoreció
que el concepto de puesta en escena
se impusiera al igual que estilos de
actuación y de dirección que aún
hoy siguen siendo vigentes a pesar
de que parecen a ratos un viejo traje
victoriano.
Digamos que un ala del quehacer
teatral se aferra a esas formas, a veces
con una eficacia artística innegable,
mientras lo que se llama hoy “la escena
expandida” o liminal o fronteriza, busca
romper con las formas anteriores.
Esta otra ala del quehacer ya no
necesita abrirse espacios porque los
ha conquistado palmo a palmo con
propuestas renovadoras, muchas de
ellas que se podrían aglutinar -quizá
arbitrariamente- bajo el concepto de
posdramático. A veces los dramaturgos
coinciden con los directores de escena
en estas nuevas búsquedas y a veces
los roles se asumen indistintamente.
Así, de los grandes maestros como
Luis de Tavira, José Caballero o Raúl
Entre estas dos grandes polos o
tendencias de la escena mexicana
actual: la de la tradición y la de las
expresiones escénicas que encuentran
otros contenedores incluso no
ficcionales, se da una tensión a veces
ríspida. Y al margen de las discusiones
se desarrollan otras expresiones
teatrales como el clown, el teatro
comunitario, el teatro comercial,
etcétera. Lo cierto es que el teatro,
en sus múltiples manifestaciones,
está a la caza de nuevos esquemas
de producción dado que el mecenazgo
del estado mexicano a la cultura
parece cada vez más precario y es
tal la demanda de los artistas que el
ogro filantrópico no es ya capaz de
asimilarlos en una cadena productiva
que cada vez se entiende menos.
Si bien en Colombia o Argentina el
fenómeno de las salas independientes
tiene una larga historia, en México
es un tema reciente y palpitante. Los
teatros oficiales viven una saturación
absurda y el surgimiento de salas
autogestivas obedece a esa lógica.
El Festival Internacional de Teatro
de Manizales tiene como invitado de
este 2014 a México y la curaduría da
cabal muestra de lo expuesto párrafos
arriba. Encabeza la Compañía Nacional
de Teatro que trabaja en la línea de
la tradición con excelencia, en tanto
Teatro Línea de Sombra estaría en el
extremo opuesto. Y entre esos dos
polos se mueven los espectáculos de
Triciclo Rojo, Los Conjurados Teatro y
Los Guggenheim.
Es evidente que muchos nombres
de directores y dramaturgos, así
como de agrupaciones emblemáticas
y fenómenos mismos han quedado
fuera de esta breve presentación.
Esperemos que el público del Festival
se interese por conocer más de la
escena mexicana.
JAIME CHABAUD
DRAMATURGO, GUIONISTA,
E INVESTIGADOR TEATRAL.
DIRECTOR DE LA REVISTA MEXICANA
DE TEATRO PASO DE GATO.
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Quintanilla, pasamos por la generación
de Mauricio García Lozano, Martín
Acosta, Juliana Faesler, Raquel Araujo,
Jorge Vargas o Sandra Félix, hasta
llegar a Marco Vieyra, Richard Viqueira,
Damián Cervantes, Mariana García
Franco y decenas de jóvenes que igual
realizan proyectos en teatros oficiales
que en casas y cocheras.
ESPECTÁCULOS
SALA
NACIONALES
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LA OBRA
“SILVESTRE” explora nuestra condición
animal como seres humanos, y nuestra
conexión con la Naturaleza. Todos los
pasos, imágenes y sonidos han sido
inspirados en el poder de la fauna y la
flora.
Disciplinas como la Acrobacia Aérea, la
Danza, el Videoarte y la Música, hacen
alquimia para producir un lenguaje
que despierta sensaciones en los
espectadores y los comunican con su
dimensión SILVESTRE.
Carolina Ramírez
SILVESTRE
Colombia
FICHA ARTÍSTICA
Nombre de la Obra: SILVESTRE
Autor, director e interprete: CAROLINA
RAMIREZ ESCOBAR
Género: Acrobacia Aérea, Danza y
Video Arte
Música:
Sonidos
electrónicos
mezclados con instrumentos de
folklore
Sonidos de la Fauna y Flora colombiana
recuperados por los científicos del
Instituto Alexander Von Humboldt
Colombia.
Carolina Ramírez
Artista Colombiana con 18 años de
trayectoria, formada en la universidad
de Los Andes (Arte y Nuevos
Medios), en la Escuela Nacional de
Artes de Cuba (Ballet) y en Centro
Nacional del la Danza de París (Danza
contemporánea). Ha recorrido con su
Arte mas de 12 países en el mundo. Su
trabajo multidisciplinar le ha permitido
intervenir espacios, transformándolos
en escenarios para el Arte y abriendo
en el espectador una ventana para ver
lo mágico.
La compañía Laquebaila ha recorrido
con sus piezas países como Francia,
Bélgica, Suiza, Macedonia, Italia,
Argentina, Costa Rica, Panamá,
Perú, Cuba, en varias ocasiones,
representando a Colombia y dejando
simpre muy en Alto el nombre de
nuestro país.
Huellas digitales
ANDRÓMEDA 3.0
Colombia
Huellas digitales es una creación de:
Universidad de Caldas a través de:
Grupo de investigación Teatro Cultura
y Sociedad, Departamento de Artes
Escénicas, Doctorado en Diseño
y Creación, Licenciatura en Artes
Escénicas con énfasis en Teatro,
Vicerrectoría de investigaciones
y Postgrados y Vicerrectoría de
Proyección. Centro de Atención
Especializada del SRPA La Primavera
(ICBF-Fundación Hogares Claret).
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FICHA ARTÍSTICA
Dirección General:
Daniel Ariza Gómez
Asistente de Dirección:
Gloria Patricia Alzate
Dirección coreográfica:
Jose Fernando Ovalle Lopera
Dirección Medios audiovisuales e
interactivos: Sebastian Gonzales
Muñoz e Ingrid Johanna Trochez
Dirección Artística y vestuarismo:
Alex Ortiz Bedoya
Dirección Fotográfica y Asistente de
vestuarismo: Alejandra Murcia Santafé
Ingeniería y software:
Valentina Aguirre Muñoz
Música Original y Composición:
Adriana Guzman Umaña y José Lubier
López
Dirección de Producción:
Sergio Arenas Guzmán
Diseño de imagen gráfica:
Luis Osorio Tejada
REPARTO
Presentación Virtual: Jóvenes Centro
de Atención Especializada (CAE) La
Primavera.
Presentación Física: Daniela Duque,
Luisa Fernanda, Manuela Giraldo y
Sergio Arenas.
Presentación Física y Virtual:
Participantes en las presentaciones
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LA OBRA
La Obra: “Huellas Digitales” se inscribe
como una puesta en escena que busca
poner en tensión conceptos como
interior/exterior, cuerpo físico/cuerpo
digital, Ficción/Realidad, Verdad.
Es una propuesta de “Performance
Digital” que indaga sobre la interacción
e interactividad de los participantes a
partir de diferentes situaciones en un
espacio inmersivo. Puede considerarse
como una obra inacabada en tanto que
los participantes son co-creadores de
la misma desde el momento en que
ingresan al espacio, además porque
cada presentación sumará experiencias
que irán madurando la propuesta que
hasta el momento presentamos. La
idea es provocar un acto de subversión
del sistema de poder, vigilancia y
control que ha instalado el ser humano.
Busca un “reflejo” y una “reflexión” de
un dispositivo que el ser humano
contemporáneo ha interiorizado y que
experimenta a cada minuto de su
existir.
EL PROYECTO
Corresponde a uno de los resultados
de dos proyectos de investigación–
creación: “La casa de Cristal, del cuerpo
marginado, al cuerpo expresivo en la
virtualidad” y del proyecto de formación
doctoral del director del proyecto, bajo
el nombre de “Digitalización del cuerpo
del privado de la libertad como acto de
subversión de la mirada panóptica”.
Los dos proyectos están inscritos en la
línea de investigación “teatro y nuevas
tecnologías” del grupo de investigación
“Teatro, Cultura y Sociedad”.
Como antecedentes a este proyecto
se pueden mencionar las propuestas
escénicas del Director Daniel Ariza:
“El Secreto de Vanessa” (2011) y
“Confesionarios” (2012).
Compañía LÉxplose
EN CASO DE MUERTE
Colombia
Personajes:
Robert: Ulises González, Blanca (La
esposa): Mónica Giraldo, El hijo(a):
José Miel, Alberto: Carlos Alberto
Pinzón, Sara: Natalia Bedoya, Alan:
Carlos Aguilar.
Coreutas: Gadiel López (Actor-bailarín),
Andrés Lagos (Bailarín), Ángel Ávila
(Bailarín), Wilman Romero (Bailarín),
Camilo Colmenares (Cantante-actor),
Marco Antonio Gualdrón (Cantante),
Luis Carlos Hernández (Cantante),
Germán Pinilla (Cantante-armonicista).
Músicos: Carlos Reyes Lega (Guitarra),
William Suárez (Bajo), Luis Chereno
(Trompeta), Andrés Calle (Trombón),
Cristian Bolaños (Batería).
Composición musical:
Nicolás Montaña, Carlos Reyes Lega y
Natalia Bedoya
Letras de las canciones: Juliana Reyes
Dirección de la banda: Carlos Reyes
Lega
Dirección vocal: Natalia Bedoya
Diseño de iluminación: Humberto
Hernández
Diseño de escenografía: Julián Hoyos
Realización de escenografía: William
Tiriat
Diseño y realización de video:
Leo Carreño
Diseño de vestuario: Rafael Arévalo
Realización de vestuario: Servando
Díaz
Realización de accesorios: William de
Jesús Mejía
Diseño de sonido: Alejandra Bernal
Ingeniero de mezcla: Nicolás Ramírez
Diseño de maquillaje: Gigi Williams
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FICHA ARTÍSTICA
Un texto de: Juliana Reyes
Dirección general: Tino Fernández
Fotografía: Zoad Humar – Juan Diego
Castillo
Beca de creación multidisciplinar
de gran formato 2013 – 2014 Coproducción del Teatro Mayor Julio
Mario Santo Domingo y el Teatro Jorge
Eliécer Gaitán.
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LA OBRA
Esta nueva creación de L’Explose
pretende explorar el género del teatro
musical, a partir del texto “En caso de
muerte” escrito por Juliana Reyes en
el 2012. La obra plantea una reflexión
sobre la contemporaneidad, que ha
traído consigo una continua exposición
de la vida privada y la búsqueda
constante de un show mediático,
en esa cultura del espectáculo que
tan claramente define Vargas Llosa
como “un mundo en el que el primer
lugar en la tabla de valores vigente
lo ocupa el entretenimiento, donde
divertirse, escapar del aburrimiento, es
la pasión universal. Este ideal de vida
es perfectamente legítimo, sin duda...
Pero convertir esa natural propensión a
pasarlo bien en un valor supremo tiene
consecuencias a veces inesperadas.
Entre ellas la banalización de la cultura,
la generalización de la frivolidad, y, en
el campo específico de la información,
la proliferación del periodismo
irresponsable, el que se alimenta de la
chismografía y el escándalo.”
En esa espectacularización de la
realidad, en esa frivolización de
los acontecimientos, en ese show
mediático que busca el escándalo
y hacer atractivo para las masas
cualquier hecho ¿cómo se contaría un
duelo en el que aparentemente no hay
nada que mostrar?, pues sólo queda el
dolor, ese que va hacia adentro, ese
que inmoviliza y enmudece. Ahí es
donde el drama musical irrumpe en la
intimidad, para contar lo inenarrable,
para hacer divertida la tristeza. Los
medios de comunicación, las redes
sociales y demás herramientas de
información interactiva, han generado
una continua exposición de la intimidad
propia y ajena; haciendo de todos
nosotros público y protagonistas al
mismo tiempo. Pero ¿hasta dónde
estamos dispuestos a ver? ¿Hasta
dónde somos capaces de mostrar?
SOBRE L’EXPLOSE
La Fundación L’EXPLOSE fue fundada por
Tino Fernández en París en el año 1991
y posteriormente se traslada a Bogotá
donde es constituida como una entidad
sin ánimo de lucro, cuyo objetivo se
centra en la promoción y desarrollo de
las artes escénicas. Desde entonces,
ha realizado un trabajo ininterrumpido
en la creación, investigación y difusión
artística, principalmente en el campo
de la danza. La Fundación ha recibido
múltiples reconocimientos nacionales
e internacionales, que la han ubicado
como una de las agrupaciones más
EL DIRECTOR
Tino Fernández nació en España y
estudió arte dramático en Madrid,
conocimientos que luego orientó hacia
la danza. Se instaló en París en 1983,
donde estudió danza contemporánea
y clásica con los maestros Jacques
Patarozzi, Eléonore Ambash, Catherine
Diverrés y Emmanuelle Lyon.
Como bailarín trabajó con diversas
compañías y coreógrafos como Jean
Marc Colet, Francois Larochevaliére,
Gilles Mussard y Catherine Berbessou.
Hizo parte del grupo de investigación
de coreógrafos parisinos La Règle
d’Or. En 1991 creó la Compañía
L’EXPLOSE en París. En 1995 trasladó
la sede de la Compañía a Bogotá –
Colombia. Desde ese momento ha
tenido un trabajo ininterrumpido de
creación, investigación y promoción
de las artes escénicas; con más de
20 creaciones que ha presentado en
diversos países del mundo. Ha recibido
múltiples reconocimientos nacionales
e internacionales.
LA DRAMATURGA
Juliana Reyes es directora de teatro
y dramaturga. Inició su formación en
Bellas Artes y la complementó con
estudios de Interpretación Gestual
en la Real Escuela Superior de Arte
Dramático de Madrid (RESAD). Ha
dirigido, entre otras, las obras “Ad
portas, porque hay amores que
matan”, “Al salir de la crisálida” y “RH
Positivo” de su autoría; “Decadencia”,
“Roberto Zucco” y “Despertar de
primavera”, entre otras. En el 2008,
ganó Premio Nacional de Publicación
de Investigación en Danza con el
texto “Concierto Polifónico sobre la
dramaturgia de la danza”, libro que fue
publicado por la Orquesta Filarmónica
de Bogotá en el 2010. Ese mismo
año, recibió la Beca Nacional de
Composición Literaria y Musical, por
parte del Ministerio de Cultura, con el
proyecto Puro Cuento. Desde hace 14
años realiza la dramaturgia de las obras
de L’EXPLOSE, Compañía con la que ha
realizado más de quince espectáculos
de danza y teatro.
26
importantes del país; con un promedio
de 4 giras internacionales por año, ha
representado a Colombia en diversos
eventos internacionales en Europa,
Estados Unidos, América Latina y
Asia, convirtiéndose en uno de los
principales embajadores de nuestra
cultura en el extranjero.
Desde hace varios años, L’Explose ha
venido ampliando su investigación a
otras formas escénicas, en las que
teatro y específicamente el teatro
musical ha estado en el centro de
su pesquisa. En el 2010, realizó
el espectáculo de celebración del
Bicentenario en la plaza de Bolívar,
en el 2011 creó la obra “Martini Blues
cabaret”, a partir de un repertorio de
clásicos del jazz de los 40’s. En el 2012,
montó “Las Bodas” de Stravinski con el
coro de la Universidad Nacional y en el
2013 realizó el montaje de “Carmina
Burana” con el Coro de la Ópera y la
Orquesta Sinfónica Nacional.
Fundación La Maldita Vanidad Teatro
MATANDO EL TIEMPO
“PRIMER ACTO INEVITABLE: NACER”
Colombia
FICHA ARTISTICA
Autor y Director: Jorge Hugo Marín.
Asistente de dirección: Valeria
Bordamalo García.
Productor Ejecutivo: Wilson L. García
D.
Actores: Carmenza Cossio (Matilde)
Ella Margarita Becerra (Isabel)
Fernando Arroyave de la Pava (Rafael)
María Soledad Rodríguez (Esther)
Juan Manuel Lenis (Miguel) María
Adelaida Palacio (Luna) Adriana
Angélica Prieto (Margarita) Santiago
Reyes (Gabriel) Daniel Camilo Díaz
(Felipe) Miguel González (Manuel).
27
Esta Obra es una Beca de Creación a
directores con trayectoria IDARTES
2013 y una coproducción con el XIV
Festival Iberoamericano de Teatro de
Bogotá 2014.
LA HISTORIA
La obra acontece en medio de un
tradicional almuerzo familiar de
domingo, donde a través de once
personajes el espectador descubre la
codicia y el abuso del poder heredado.
Tradicionalmente el poder está en
unas cuantas familias convirtiéndolas
en dueñas de una nación. Es tiempo
de celebrar, de matar el tiempo
mientras llega un nuevo plan. El árbol
genealógico lo demuestra, el niño que
nace debe continuar con la tradición
del abuelo, pero debe ser más astuto,
la vigilancia se intensifica, para eso lo
educaron mejor, para saber controlar
un pueblo enfurecido.
Jorge Hugo Marín, autor y director del
montaje, precisa que “con esta nueva
obra indago a partir del referente de
Ricardo III de William Shakespeare
un paralelo histórico que me permito
LA MALDITA VANIDAD
Fue creada como un laboratorio de
artistas jóvenes del oficio teatral; esta
compañía presenta sus propuestas en
espacios no convencionales. Su sello
está basado en una nueva dramaturgia
escénica donde la construcción de
sus personajes y la relación entre
los mismos es compleja y ante todo
verosímil, al igual que el espectador
que asume el papel voyeur.
La Compañía se ha destacado por su
participación en diferentes festivales
teatrales en Colombia, Alemania,
Austria, España, Brasil, México y
Argentina.
Jorge Hugo Marín, su director, nació
en Medellín. Es Maestro en Arte
Dramático de la Universidad de
Antioquia. Se ha desempeñado como
actor, director de teatro y dramaturgo.
En cine, como actor en las películas
“Adiós Ana Elisa” y “Retrato de un
mar de mentiras”. En televisión en las
novelas “El último matrimonio feliz”,
“Aquí no hay quién viva”,
“Amor
sincero” y “Donde está Elisa”.
En el año 2008 es invitado a dirigir su
primer obra “La Escala Humana” para
el grupo Acción Impro de Medellín
y en el año 2009 crea en Bogotá la
compañía teatral “La Maldita Vanidad”
con un primer laboratorio titulado
“Sobre algunos asuntos de familia”,
donde se indaga el núcleo de la familia
en Colombia en la creación de nuevas
dramaturgias, dando como resultado
tres obras de su autoría, tituladas: “El
Autor Intelectual” 2009, “Los Autores
Materiales” 2010, y “Como Quieres
Que Te quiera” 2011.
28
actualizar, imaginando las necesidades
que dicho autor tenía para llegar a
escribir una de las obras más trágicas
y descarnadas de la dramaturgia
universal, y que a su vez se ha
convertido en un símbolo del abuso del
poder”
Vueltas bravas producciones
MISS JULIA
Colombia
FICHA ARTÍSTICA
Basada en la obra de August Strindberg
Adaptación bilingüe: J. Ed Araiza
Dirección: Lorenzo Montanini
Con: Tina Mitchell , Gina Jaimes y Jhon
Alex Toro
Música en vivo a cargo de: Helen Yee,
Juan Manuel Vergara, Daiana Mutis
Una producción de: Tina Mitchell, Gina
Jaimes, Lorenzo Montanini
Vueltas Bravas Preducciones SAS
29
LA OBRA
Adaptada a lo que sería la noche de
San Juan en una Colombia rural Miss
Julia y su sirviente Juan tienen un
encuentro que cambiará sus vidas
para siempre. Mientras Juan trata de
levantarse de las profundidades de su
existencia servil, Miss Julia procura
escapar de las ataduras de una vida
de clase alta sin ningún significado.
El resultado es una poderosa obra de
Amor, lujuria y lucha de clases que se
torna violenta y parece estar fuera de
control.
Esta producción bilingüe actuada en
Inglés y en Español será un choque
de culturas que combina una alta
exigencia física con un exquisito texto
naturalista. Esta forma de abordar el
texto de Strindberg hace que Miss
Julia sea tan profunda hoy como lo fue
hace 100 años.
LA PRODUCCIÓN
Miss Julia es
una colaboración
internacional entre el actor Colombiano
Jhon Alex Toro, la Artista Internacional
de Teatro Tina Mitchell, la actriz
colombiana Gina Jaimes , la violinista
estadounidense Helen Yee y el director
de escena Italianao Lorenzo Montanini.
Esta nueva adaptación hecha por J. Ed
LORENZO MONTONINI
Actor y director italiano. Ha estudiado
con muchos artistas internacionales e
italianos, M. Tarasco. B. Meyers, The
Living Theatre, Milon Mela, E. Vargas,
A. Bogart. Estudió cine en The New
York Film Academy y fue el primer
italiano en entrenar con la SITI Company
en Columbia University y Skidmore
College. Ha estado dirigiendo durante
los últimos 10 años el laboratorio
experimental contemporáneo de teatro
chino en la Universidad “L’Orientale” de
Nápoles, escenificando y adaptando
obras chinas nunca antes puestas
en Europa. Sus créditos cómo actor
y director incluyen: Miss Julia (New
York/Colombia), Petimus Rogamus
(Rome), The Painted Bird, Palissimo
Dance Theater Company (New York),
Il Viaggio dell’Uva, Teatro de los
Sentidos, Festival Internazionale di
Montalcino (Italy), Un pasticciaccio
(Rome), Mezzanotte all’Havana Cafe
(Naples, Italy), Mika, United Nations
(New York).
Vive en Barcelona y actualmente
trabaja en la adaptación de una novela
de Jorge Amado para una serie de
cinco shows, y en una novela corta
de M. Tsvietaieva con el traductor
mexicano S. Ancira para el Festival
Internacional Cervantino en Mexico.
30
Araiza dramaturgo y actor de la SITI
Company junta 5 artistas de 4 paises
diferentes.
Teatro Punto de Partida
Colombia
Teatro Punto de Partida
La Fundación Teatro Punto de Partida
nace en el año 1996 en la ciudad
de Manizales. Imparte formación
pedagógica a través de su Academia
de Artes (Talla en Madera, Pintura,
Teatro y Títeres, Danza), dirigido a
niños, jóvenes y adultos.
Desde 2007 la fundación realiza el
Festival Intercolegiado de teatro “Aulas
de vida, escenarios de creación”, y
desde el 2008 hace parte de la Red
Festival Iberoamericano de Teatro de
Muñecos, Eje Cafetero.
Su liderezgo en la formación y la
inclusión en el campo de las artes
fue reconocido por el Ministerio de
Cultura, el periódico EL TIEMPO, y el
canal CITY T.V., con el premio “DIEZ
HISTORIAS INEDITAS DE LA DECADA
EN COLOMBIA” (2007).
31
Desde el 2004 es una sala Concertada
con el Ministerio de Cultura, lo que
le ha permitido fortalecer la actividad
artística de la ciudad.
NIÑO POMBO
Títeres Rafael Pombo
Los hombres grises , los hombres de
la polución, de la tristeza ,apresan
a los pájaros azul-rojo y blanco , los
pájaros de la vida , de la poesía , de
la fantasía. La pastorcita acude a la
ayuda del poeta que en compañía de
rin rin y Juan chuguero, persiguen a
los hombres malos y desde su ternura,
poesía , alegría y comprensión rescatan
a los pájaros de la vida ; terminando en
final feliz , la boda de la pastorcita y
juan chunguero, dejando la moraleja en
cada uno de los corazones de los niños
que la unión , la armonía , el abrazo
desde el corazón vence a los villanos”,
a su vez rendir un homenaje al poeta
RAFAEL
EL TROTA CALLES
EL VELADOR DE ALMAS
FICHA ARTÍSTICA
Versión libre de El Atravesado, de
Andrés Caicedo.
Director: Augusto Muñoz Sánchez
Actor: John Mario Sepúlveda
Luces y sonido: Jorge Edwin Valencia
Producción General:
Teatro Punto de Partida
FICHA ARTÍSTICA
Autor: Anselmo Parra
Actor: Augusto Muñoz Sánchez
Música: Héctor Fabio Torres
Sonido y iluminación:
John Mario Sepúlveda
Director General:
Germán Camilo Díaz Fajardo
Producción general:
Teatro Punto de Partida
Escrito en los albores del tiempo de la
ilusión del retorno. La escena
transcurre en un lugar de Norteamérica,
a principios del siglo XXI en una
atmósfera que raya entre la realidad de
su vida y el surrealismo de la
situación de un hombre que recuerda
sus orígenes, su raza, su casa, que se
resiste a olvidar.
Su soledad lo pone a dialogar con sus
propios fantasmas. Recuerdos de su
ciudad incrustada en las montañas
donde obraba la magia, el teatro, el bar
Kien un clásico tránsito por la vida por
donde desfilaron expósitos vivientes de
generaciones olvidadas, un “punto de
encuentro” de un periodista asesinado.
Una Torre del cable, una Iglesia, la
Iglesia en la plaza, la calle, el café, la
campana la niebla…un plátano, dos
yucas, unas papas, el fogón, el calor
del fogón, la abuela sentada, el guaro
en la mesa…
32
Un joven que desde pequeño ha estado
dentro del ambiente de la barra, de la
esquina, la pelea, entra por una calle
donde en cada parada encuentra
personas que marcan su destino: la
madre, Edgar, la tropa brava, Akira
Nagazaka, María del mar; pero de
los que ya solo quedan recuerdos,
recuerdos que cada vez se agudizan
más con el tictac del reloj que marca
el tiempo de su existencia obligándolo
a refugiarse en una coraza de rebeldía
donde no necesita a nadie porque se
tiene así mismo.
Lo que para los demás es soledad para
él es seguridad, ya no quiere hablar
más de sus amigos muertos, andar
con personas le cansa, no sabe cuál es
el fin de su camino; seguirá trotando
hasta que sus puños y sus pasos dejen
una huella pero hasta que eso suceda
seguirá siendo el trota calles.
ESPECTÁCULOS
SALA
INTERNACIONALES
Matías Umpierrez
DISTANCIA
Argentina
FICHA ARTÍSTICA
37
Elenco: Marina Bellati (desde Buenos
Aires) Marie Piemontese (desde París)
April Sweeney (desde Nueva York)
Anne Weber (desde Hamburgo)
Músicos: Sebastián Roascio Goldar
(batería), Agustín Uriburu (chello y
guitarra), Santiago Mazzanti (bajo),
Santiago Martínez (violín), Rafael
Sucheras (piano y teclados)
Traducción: Maren Schiefelbein
(alemán), Julie Coupet (francés)
Patricia Masera / April Sweeney
(inglés)
Escenografía: Mariana Tirantte
Música: Rafael Sucheras
Diseño de Sistemas y Mapping: Matías
Fabro
Asistencia de mapping: Alejandro
Magneres
Fotografía: Sebastián Arpesella
Asistencia de escenografía: Gonzalo
Córdoba Estévez
Asistencia de dirección: Malena
Juanatey
Producción: Carolina Castro
Concepto, Dramaturgia y Dirección:
Matías Umpierrez
DISTANCIA es una coproducción de
El Cultural San Martín y el GoetheInstitut Buenos Aires con el apoyo de
Panorama Sur y el Institut Français
d’Argentine.
LA HISTORIA
Múltiples pantallas. 5 músicos en
escena. 4 actrices transmitidas en
directo desde París, Hamburgo, Buenos
Aires y Nueva York. El amor a 7000
km de distancia e interferido por una
fusión ecléctica de recuerdos felices,
melodías melancólicas, registros
SOBRE LA OBRA
Con este espectáculo intentaremos
revelar cómo el teatro puede ingresar
al sistema virtual tomando cada uno
de sus signos y estimulándolos para
que superen sus propias fronteras.
En Distancia el espacio de la sala se
amplía y los escenarios se quintuplican
de manera virtual a partir de un sistema
de streaming operado en tiempo real.
El texto se construye en cuatro idiomas
y se decodifica a través de la escucha
y la lectura simultánea; a su vez la
dramaturgia se entrelaza jugando
con el hipertexto (estructura no
secuencial que permite crear, agregar,
enlazar y compartir información de
diversas fuentes por medio de enlaces
asociativos). El tiempo del teatro se
relativiza, generando un presente que
se desarrolla en distintos husos horarios
simultáneos. El sonido y la música se
ensamblan virtualmente a partir de la
manipulación de instrumentos y voces
que llegan electrónicamente desde
la lejanía. El público en la platea se
remite a su experiencia de usuario
frente al cosmos virtual, presenciando,
editando y operando mentalmente.
Finalmente todos podremos presenciar
un espectáculo de teatro-virtual
que penetra en un mundo que sólo
existirá en el observador a corto plazo
(mientras lo observe) y en la memoria
de una computadora.
Matías Umpierrez
EL DIRECTOR
Matías Umpierrez es un artista
multidisciplinario
argentino
que
presenta producciones en formatos
teatrales, audiovisuales y curatoriales.
Ha creado proyectos como Teatro
Solo (intervención site specific 2013),
Distancia (2013), Paisaje (Video 2013),
Hotel Project New York (Colaboración
en Intervención 1012), La tierra de
las montañas calmas (Teatro 2010
co-escrita junto a Paco Bezerra), 4
Mujeres Bailan (Video 2009), Gente
Favorita (Teatro 2008), Cuionera
Tropical (Performance 2008), La Flauta
Mágica (Ópera 2007), Novela (Teatro
2006).
Ha desarrollado proyectos curatoriales
como Coordinador del Área de Teatro
del Centro Cultural Rojas (dependiente
de la Universidad de Buenos
Aires) entre los que se destacan:
Proyecto Manual, Óperas Primas,
ProyectoClásico, Decálogo, entre
otros. Sus trabajos se presentaron en
instituciones como el Complejo Teatral
de Buenos Aires, Museo MALBA, la
Filmoteca del Lincoln Center, MoMA,
Espacio Pirineos, Centro Cultural San
martín, Universidad de Buenos Aires,
entre otros.
En 2013 fue reconocido por BGH
como uno de los 100 argentinos
más innovadores, ha ganado la Beca
Iberescena en Gestión (2009) y la
mención honorífica en dramaturgia del
Fondo Nacional de las Artes (2010).
38
familiares, archivos ocultos, imágenes
del olvido, consumismo delirante.
Equipo Teatro Llanura
La MIRADA EN LA AGUA
Argentina
FICHA ARTÍSTICA
Autor: Jorge Ricci
Dirección General: Sandra Franzen
Actores: Jorge Ricci, Teresa Istillarte y
Eduardo Fessia.
Escenografía e iluminación: Mario
Pascullo.
Asistencia de Dirección: Stella Curi
39
LA HISTORIA
En el día en que puede inundarse
la ciudad, los actores de provincia
recorren la calle principal (como los
personajes de Saer en “Glosa”) para
ver por última vez los pobres teatros
de provincia, el antiguo edificio del
Vespertino, la región de los bares, el
Teatro Municipal y el profundo sur con
su carnicería histórica ... y cada dos
por tres se les aparece el personaje
mítico del Tito para chicanearlos
socarronamente a ellos, a sus críticos
y a los gubernamentales porque acá
lo que no se pudo prever es el país.
Con humor, poesía y reflexión sobre
nosotros mismos.
EQUIPO TEATRO LLANURA
Fue creado en la Ciudad de Santa Fe en
el año 1973 con el estreno de Woyzeck
participado en los más importantes
Festivales de Latinoamérica, España y
Francia.
Jorge Ricci, autor del presente montaje
y actor es, además docente y director
de teatro. Nació en Santa Fe en 1946.
Entre su obra dramática se destacan
piezas como “El Clásico Binomio”,
“Actores de provincia”, “Vacaciones
con mis tíos”, las que se han podido
ver en ediciones pasadas del Festival
de Manizales. Es, asi mismo, autor
de una breve teoría sobre el teatro de
provincias, que tituló “Teatro Salvaje” y
algunos libros de relatos y de poemas.
40
de Georg Buchner. En 1979, el Llanura
comienza la búsqueda de un lenguaje
más propio y de adaptaciones de
textos literarios como El Jorobadito de
Roberto Arlt (1981) único espectáculo
del interior del país que llega al Teatro
Abierto de Buenos Aires en 1982. En
el 1988 estrenan El Clásico Binomio
de Bruza y Ricci; en 1991 Actores de
Provincia de Ricci y en 1998 El Cruce de
la Pampa de Bruza; en 2004 Como un
puñal en las carnes, en 2010 La Chatita
empantanada de Sandra Franzen y en
2013 La mirada en el agua, de Ricci.
Con estos montajes emblemáticos han
Teatro de los Andes
HAMLET, DE LOS ANDES
VERSIÓN LIBRE DE HAMLET DE WILLIAM SHAKESPEARE
Bolivia
41
FICHA ARTÍSTICA
Creación y puesta en escena colectiva:
TEATRO DE LOS ANDES
ELENCO: Lucas Achirico, Gonzalo
Callejas, Alice Guimaraes
Ejecucion musical: Helder Rivera
Texto: Diego Aramburo
Dirección Colectiva: Diego Aramburo y
Teatro de los Andes
Asistente De Dirección Y Dramaturgia:
Giulia D’Amico
Ideación y realizacion escenográfica:
Gonzalo Callejas
Diseño de iluminacion: Gonzalo
Callejas y Lucas Achirico
Vestuario: Alice Guimaraes, Danuta
Zarzyka
Dirección Musical: Lucas Achirico
Producción: Teatro de los Andes
Coordinación general: Giampaolo Nalli
HAMLET, DE LOS ANDES
La muerte del padre. Una de las
pruebas de la vida a la cual cada uno de
nosotros es llamado. Pero, ¿qué pasa
cuando la muerte no basta para cerrar
la relación, cuando uno es perseguido
por fantasmas que insisten en no hacer
las paces con los que quedan vivos?
Nuestro Hamlet es un hombre
de hoy que, como el personaje
de Shakespeare, ha perdido la
comprensión del “sí mismo”. Por su
formación escolástica y academicista,
Hamlet debería aceptar la muerte
de su padre y pasar a lo siguiente,
pero la visión del fantasma lo obliga
a enfrentarse con otra concepción
del universo. Siguendo la sombra del
espíritu, Hamlet consigue atraversar
la puerta del desconocido, empezando
un viaje que pueda acercarle a sus
ancestros y a sus raíces. Descubriendo
lectura metateatral, compartiendo con
el público un espectáculo que encarna
la paradoja del teatro mismo.
DIRECTOR INVITADO
Director y fundador de KIKINTEATRO,
en Cochabamba, Bolivia. La crítica
especializada, tanto boliviana como
internacional, lo ha situado como
uno de los artistas más importantes
e influyentes de la cultura boliviana.
Hasta el momento, Aramburo ha
obtenido ocho veces el Premio
Nacional de Teatro en Bolivia. En
Argentina dirigió King Kong Palace
(2009), de Marco Antonio de la Parra,
y El preciso instante para no ser amado
(2011), de su autoría. También ha
dirigido y actuado en Estados Unidos,
Brasil, Francia y Canadá, y sus textos
han sido traducidos y montados en el
mundo.
Con Macbeth, de Ionesco (estrenada
en el Teatro Nacional de Quebec
en 2009), se convierte en el primer
director boliviano, que, desarrollando su
carrera en Bolivia, es contratado para
42
todo lo que la racionalidad llamaría
sueño, fantasía, misterio, superstición
o quizá locura, Hamlet espera poder
encontrar una respuesta a sus dudas.
Vivir, morir, tal vez soñar. Mientras su
cerebro viaja en el más allá, el mundo
real se agrieta a su rededor y lo que
queda es un vacío que no se logra
nombrar. Así la frustración y la pérdida
de raíces desatarán en Hamlet una
crisis existencial que lo sumergirá en
el alcohol.
¿Quién es Hamlet? ¿Soy yo, o eres
tu? ¿Es cada uno de nosotros, que
nos preguntamos quiénes somos en
realidad?
¿Es Hamlet el propio Teatro de los
Andes?
Ser o no ser, esa es la cuestión. Ser
qué, quién, y cómo.
Hamlet, de Los Andes presenta el
texto shakespeariano como lo perciben
los ojos de los actores que lo ponen en
escena. Así las dudas de Hamlet llegan
a romper los confines del personaje
para cuestionar a los mismos actores
en el escenario, abriendo la obra a una
realizar un montaje en un teatro oficial,
compartiendo cartelera con grandes
nombres como Robert Lepage y Wajdi
Mouawad. A este trabajo le siguieron
La librería, de Marie Joseé Bastien
(2010), y Medea (2011). Aramburo
participa regularmente en festivales
internacionales, representando a su
cultura. Su presencia en LA MOUSSON
D’ÉTÉ de 2010, en Francia, con su
texto Fragmentos líquidos, inaugura la
participación de Bolivia en festivales
internacionales de nuevas propuestas
dramatúrgicas.
43
TEATRO DE LOS ANDES
Grupo boliviano fundado en 1991, en
el pueblo de Yotala, localidad cercana
a Sucre. Actualmente el grupo lo
integran Giampaolo Nalli, Lucas
Achirico, Gonzalo Callejas y Alice
Guimaraes. En un teatro-residencia
preparan sus obras, las presentan,
alojan a otros artistas, realizan
encuentros y talleres. Allí cada actor es
creador de un teatro que ellos mismos
llaman “del humor y de la memoria”. En
cada obra tienden un puente entre la
técnica teatral occidental y la cultura
andina expresada en músicas, fiestas
y rituales. Su relación con el público
se da en los teatros y más allá, en
plazas, universidades, barrios, pueblos,
lugares de trabajo y comunidades.
El Teatro de los Andes ha montado 21
obras diferentes, sumando casi mil
500 representaciones que han sido
vistas por más de 300 mil personas en
toda Bolivia y en 27 países alrededor
del mundo. Ha sido uno de los
animadores de la fiesta escénica de
Manizales en distintas ediciones,
con obras como “La Iliada”, “En un
sol amarillo” y “Frágil”.
Compañía Maleza
UN POCO INVISIBLE
Chile
Musica Original: Angela Acuña
Producción: Francesca Ceccotti Maleza
Prensa: Santi Teatro y Danza
Duración: 50 minutos
LA OBRA
“Un poco invisible” trata de dos niños
aparentemente solos en una casa
grande. Un terrible suceso ha ocurrido
recientemente y ellos guardan un
secreto. Los adultos son terribles y
no hay más consuelo que el que da
la televisión, convertida en oráculo.
Dos niños, dos hermanos, uno se está
quedando invisible, el otro ya no siente
miedo. Juntos, intentan encontrar una
solución.
La obra es un intento de tratar con
respeto la imaginación de los niños y la
forma en que perciben el mundo.
La propuesta de “Un poco invisible”
44
FICHA ARTÍSTICA
Dirección: Hugo Covarrubias – Muriel
Miranda
Dramaturgia: Andrés Kalawski
Elenco: Mariana Muñoz - Muriel
Miranda
Director de animación y personajes:
Hugo Covarrubias
Doblajes en off: Héctor Noguera, Daniel
Antivilo, Nicolás
Zárate, Marcela Golzio.
Diseño de sets y escenografía: Rodrigo
Ruiz
Construcción de sets: Rodrigo Ruiz,
Sebastian Ríos, Fracisca Miranda,
Muriel Miranda, Hugo Covarrubias,
Conztanza Wette, Claudia González.
Diseño de Marionetas: Sebastián Ríos
Técnicos en Escena: Camila Miranda,
Sebastián Ríos
Realización Escenográfica: Francisco
Sandoval
Vestuario: Andrea Contreras
Asistente de Vestuario: Josefa Claude
Diseño de Iluminación: Cristián Matta
Diseño Multimedia: Rodrigo Leal
Diseño Sonoro y Musicalización: Pablo
Otárola
consiste en realizar la creación y puesta
en escena de la obra del Dramaturgo
Chileno Andrés Kalwski, tomando como
base la experimentación en torno al
lenguaje teatral y cinematográfico, sus
características propias y su interacción
en la puesta en escena teatral. Este
lenguaje para la Compañía Maleza se
denomina: “Teatroanimación” (Teatro y
Stop-Motion). Se pretende profundizar
en un trabajo de investigación en torno
al universo sonoro de una producción
audiovisual y teatral, tomando como
hecho fundamental el doblaje en vivo
de lo cinematográfico, enriqueciendo
con nuevas herramientas el trabajo
actoral y
de puesta en escena. Trabajo ya
iniciado por la compañía con su obra
homónima “Maleza”.
45
MALEZA
La compañía Maleza, dirigida por
Muriel Miranda (Actriz) y Hugo
Covarrubias (Diseñador) tiene como
principal objetivo la búsqueda de
nuevas herramientas visuales y
autorales para enriquecer la puesta
en escena teatral. Por esta razón la
compañía experimenta en torno al
hallazgo de un lenguaje propio al que
denominan Teatroanimación. Este
nuevo lenguaje une el Teatro con la
animación StopMotion (animación de
fotografía cuadro a cuadro), entonces
para relatar una historia actor y muñeco
interactúan y dialogan en la puesta en
escena. Maleza investiga e indaga
sobre las posibilidades sonoras que
requieren sus montajes y trabaja sobre
el concepto de doblaje y realización de
foleys a modo de radioteatro en algunos
de sus trabajos, imprimiendo un sello
artesanal y mecánico a la vez. En
terminos sonoros a Maleza le interesa
generar ambientes y atmósferas de
misterio y suspenso y contar historias
simples y asequibles para todo tipo de
público. Las temáticas abordadas son
por lo general el aislamiento, la locura
y la soledad, todo esto trabajando con
matices de fantasía e irrealidad, ya que
la compañía pretende viajar dentro de
las mentes de sus protagonistas y en
este viaje es donde encuentra su mayor
fundamento la mezcla de lenguajes y
técnicas de expresión cinematográfica
que les ayuda a crear mundos ricos en
texturas e imaginación.
La Compañía Maleza se forma el año
2004 al obtener el premio Azul de la
Universidad de Chile, premio entregado
a la creatividad estudiantil que sirvió
para comenzar a desarrollar la obra del
mismo nombre, la cuál fue estrenada
en mayo de 2006 y sigue vigente hasta
ahora. Maleza es pionera en Chile en
Mezclar Teatro y cine de animación.
Maleza no es sólo una compañía de
Teatro aunque si bien es cierto se
crea con este propósito el año 2004.
Maleza también es un Studio de
animación Stop-Motion dirigido por
Hugo Covarrubias y producido por
Muriel Miranda. El año 2007 estrenan
el primer cortometraje basado en
el cuento de Horacio Quiroga “El
Almohadón de Plumas” y en 2012
estrenan en Chile el primer corto
animado en Stop-Motion y rodado
nativamente en 3d estereocópico, este
basado en el cuento de Julio Cortázar:
“La Noche Boca Arriba”.
Insectotrópics
LA CAPUTXETA GALÁCTICA
España
LA HISTORIA
¿Y si Caperucita decidiera no hacer
caso a su madre, se dejara llevar por
su intuición y adentrara en el bosque
profundo de sus miedos? ¿Qué puede
pasar cuando reaccionamos ante lo
que está establecido? Ha acompañado
nunca alguien en un viaje iniciático ...?
“Caperucita Galáctica” es un
espectáculo escénico de arte
multimedia que versiona el conocido
cuento de Caperucita, ofreciendo
una visión singular del popular mito.
Una propuesta multidisciplinar que
explota la simultaneidad de diferentes
expresiones artísticas y que ofrece
una nueva dimensión plástica y
escenográfica que sumerge al público
dentro de la obra.
El espectáculo reúne a tres
videoartistas, dos pintores, un músico
y una actriz que ruedan una película
en directo de tal manera que el público
puede disfrutar simultáneamente
de la contemplación de la película,
proyectada en gran pantalla, y de su
making of.
Diálogos entre los mundos visuales,
performativos, sonoros, artísticos,
digitales y teatrales.
INSECTOTRÒPICS
Es una compañía artística que nace
en 2011 a raíz de la unión de artistas
46
FICHA ARTÍSTICA
Creación y Dirección, Insectotrópics
Xanu, pintura
Iex, pintura
Tullis Rennie, música
Laia Ribas, video
Vicenç Viaplana, video
Maria Thorson, video
Mar Nicolás, actriz
47
con trayectorias diferentes ámbitos y
lenguajes con ganas de experimentar
la fusión e interacción de sus diferentes
disciplinas para la creación de nuevos
espectáculos multidisciplinares.
El trabajo de Insectotròpics es una
apuesta de largo recorrido. Se centra
en desarrollar una nueva forma de
relación con el mundo de las artes y en
la investigación de un lenguaje propio y
poco habitual.
Insectotròpics está formado por los
pintores Xanu y Iex , el músico Tullis
Rennie y los video - experimentadores
VVV , Laia Ribas y Maria Thorson .
Sus espectáculos combinan en directo
el vídeo, la pintura , el teatro y la
música.
En septiembre 2012, presentaron
su primer espectáculo, Caperucita
Galáctica, en Feria de Tàrrega con
gran éxito y con el que han actuado
en festivales en Madrid, Suiza, Corea,
Dinamarca, Suecia y Alemania.
Por encargo del Ayuntamiento de
Barcelona, hacen la adaptación
infantil del espectáculo, presentado
en el fesival Món Llibre (abril 2012).
Abriendo así sus puertas también a
lacreación para niños.
El segundo espectáculo, Bouazizi,
co-producido por Fira de Tàrrega y
TNT - CAET Terrassa , se estrenó en
septiembre de 2013 en Fira Tàrrega .
En diciembre de 2013 , en colaboración
con el dramaturgo Esteve Soler, el
coreógrafo Pere Faura y el escenógrafo
Jordi Queralt prepararon la gala de la
Noche de Santa Lucía presentada en el
Kursaal de Manresa.
Compañía Macarena Recuerda Shepherd
“THAS´S THE STORY OF MY LIFE”
España
LA OBRA
“Esta es la historia de mi vida”
presenta una autobiografía audiovisual
narrada con la técnica stop-motion de
animación de objetos. Una película
construida en directo como flashes de
la memoria, como archivos abiertos
al pasado, por donde desfilan los
aciertos y desatinos de una vida que el
espectador deberá hilar y ordenar para
reconstruirla. Un álbum de familia pero
sin familia, según palabras de la artista
sevillana, elaborado con distintos
soportes visuales.
48
FICHA ARTÍSTICA
Una pieza de Macarena Recuerda
Shepherd dedicada al Sr Polissó
Con la colaboración del artista
Manu Morales
Video y edición Gorka Bilbao
Zoótropo Alberto Pastore
Con la participación de Lorea
Uresberueta y Mónica del Castillo
Agradecimientos Gerard Casas, Mari
Luz Vidal, Amanda Díaz-Ubierna, Cesc
Casanovas, Kun, Natalia and Angel
Producen MiCarteraPatrocina y ConCa
Generalitat de Catalunya
Colaboran Bilbao Escena, Bilbao Arte,
L’Antic Teatre y Teatre Lliure
49
MACARENA RECUERDA SHEPHERD
Es una artista plástica y bailarina
professional sevillana. Integrante
del proyecto artístico La Sauna
International.
Ha realizado diferentes proyectos en
colaboración con los artistas Amanda
Pola y Vicente Arlandis.
Desde el 2008 es fundadora e
integrante del Colectivo Estraperlo
plataforma de nuevos creadores
difícilmente etiquetables.
Estas son sus piezas: 2010 “That’s
the story of my life” un Producción
de MiCarteraPatrocina, con la Ayuda
del ConCa y la colaboración del Bilbao
Arte, Teatre Lliure y Antic Teatre,
pieza que ha girado por todo el Estado
Español y Portugal.
2012 “Greenwich Art Show” Una
producción de MiCarteraPatrocina,
Festival Neo, CAET y Antic Teatre.
Y 2012 “Greenwich Art Show- The
Installation” Beca Atrio Alhondiga del
Bilbao.
2013 “Whose are those eyes?” Sit
specif e intervención urbana que se
estrenó en la Fira de Tarrega 2013,
Escena Poble Nou 2013 y Bad 2013.
Ha recibido la Beca Laboratorio Fira
de Tarrega, la Residencia que ofrece
conjuntamente Escena Poble Nou y
Antic Teatre; y la Residencia de Bilbao
Eszena.
Repertorio Español
CITA A CIEGAS
Estados Unidos
“Cita a ciegas” - recientemente
galardonada por 8 premios ACE
de La Asociación de Cronistas de
Espectáculos de Nueva York
LA OBRA
En una banca cualquiera se cruzan
múltiples caminos. Caminos unidos
por el tiempo o rotos por el azar o el
desamor. La idea de las realidades
paralelas abre otras formas de contar
las historias de cuatro personajes cuyo
punto de cruce es un parque recreado
por el autor argentino Mario Diament.
Inspirado en Jorge Luis Borges,
Diament coloca a un personaje ciego
en una banca para conversar con
los que furtivamente aparecen. Las
historias le son ajenas al hombre ciego,
pero se van entrelazando sutilmente,
casi de manera invisible hasta llegarlo
a involucrar por completo. Al igual
que una biblioteca llena de libros, la
banca contiene las historias de cuatro
personajes con sus ramificaciones para
desarrollar la hipótesis de un universo
interrelacionado, de una realidad
tangible conviviendo con realidades
posibles o imaginadas; aquellas que
sucedieron antes de la toma de una
decisión y aquellas que no fueron
escritas.
Aclamada en todo el mundo por el
público y la crítica, “Cita a ciegas”
50
FICHA ARTÍSTICA
Autor: Mario Diament
Director: Jorge Alía Triana
Actores: Luis Carlos de La Lombana,
Zulema Hernández Clares, Beatriz
Córdoba, Hannia Martínez, Garmán
Jaramillo.
Gerente de Producción:
Fernando Enrique Then
es una irresistible y cautivante obra
acerca de los encuentros casuales. Un
rompecabezas de pasiones, destinos
encontrados y coincidencias, que
seduce al público dentro de un mundo
lleno de amores no correspondidos,
peligrosas obsesiones y el pensamiento
inevitable de aquello que podría haber
sido.
51
DE REPERTORIO
Repertorio Español es producto de la
visión del fallecido productor Gilberto
Zaldívar y del Director Artístico René
Buch quienes fundaron la compañía en
1968 con el objetivo de presentar teatro
de excelencia en español. A ellos se
les unió Robert Federico en 1971 quien
actualmente se desempeña como
Productor Ejecutivo. Recientemente
José Zayas fue designado como
Director Residente de la compañía.
En el teatro Gramercy Arts Theater,
donde tiene sede la compañía desde
1972, Repertorio ha producido una
incomparable cantidad de obras de
teatro en español para promover
y divulgar la riqueza de la cultura y
la herencia hispana en los Estados
Unidos.
Repertorio ha presentado desde los
clásicos de Lope de Vega y Calderón
de la Barca, casi todas las obras
de Federico García Lorca, obras
de dramaturgos latinoamericanos,
adaptaciones teatrales de novelas
latinas famosas como “Crónica de una
muerte anunciada”, “El amor en los
tiempos del Cólera” y “Doña Flor y sus
dos maridos”, como así también obras
de autores hispanos nacidos en los
Estados Unidos.
La compañía presenta más de 300
funciones por año de 15 obras
diferentes en repertorio rotativo,
además de obras invitadas.
Repertorio ha sido galardonada con
innumerables premios entre ellos: el
Premio OBIE, Drama Desk, ACE, HOLA
y ENCORE.
Gabriel García Márquez en varios
proyectos cinematográficos y teatrales,
entre estos “Tiempo de morir” y “Edipo
Alcalde” ambos escritos por García
Márquez para la pantalla. “Edipo
alcalde” fue seleccionada para ser
presentada en el Festival de Cannes en
1996. Algunos de los reconocimientos
que tiene a su haber son tres Premios
ACE como mejor Director; un Premio
Tucán a mejor película por “Tiempo
de morir”; el Premio del Público en
Toulouse, Francia y el premio Ombú de
Oro y Ombú de Plata en el Festival Mar
del Plata ambos por su filme “¡Bolívar
Soy Yo!” Su última película “Esto huele
mal” se estrenó en el 2007. Triana
dirige en Repertorio y actualmente
preside su propia compañía de
producción “Dramax”, donde realiza la
serie para tv “Comando Élite” para la
cadena RCN
52
JORGE ALÍA TRIANA
Jorge Alí Triana nació en Colombia
y es considerado uno de los más
distinguidos directores de cine y teatro
de Latinoamérica. Estudió cine y teatro
en la Academia Superior de Artes en
Praga. Es fundador del Teatro Popular
de Bogotá. Sus películas han sido
presentadas en los más importantes
festivales de cine del mundo tales como
Cannes, Sundance, Berlín, Londres y
Mar del Plata. Sus créditos teatrales
incluyen “La cándida Eréndira”, “Y
se armó la mojiganga”, “Crónica de
una muerte anunciada”, “La fiesta del
chivo”, “El Quijote” y “Doña Flor y sus
dos maridos” para Repertorio Español.
Otros trabajos incluyen “Romeo y
Julieta” y “Ricardo III” de William
Shakespeare; “Fuenteovejuna” de Lope
de Vega y “La muerte de un viajante”
de Arthur Miller. Triana colaboró con
Zanzibar, CirqueFarouche
BLAST
Francia
Mise en scène : Jef Odet
Gestos mudos, gestos vaho que sobre
nuestros labios no han encontrado aún
su lugar.
LA TRAMA PIERDE EL CONTROL
Blast es una deflagración de Circo y de
Música donde las acrobacias resuenan
como palabras que quieren por fin decir
algo.
La anarquía de la poesía y de los
sueños que, a veces, queda pegada
a las paredes del corazón luego de
una representación o al inicio de una
historia de amor.
53
LA OBRA
Basado en un sueño original y con una
puesta en escena de JefOdet, BLAST
es un concierto de “Circo Farouche”
que reúne en escena 18 artistas
indomables y virtuosos venidos del
mundo entero.
Llueven plumas debido a un Bolero
Aéreo.
El hombrecito que busca salvar su
“pouleteffarouché” (pollo arisco)
termina sobre la cabeza de la gran
mujer gorda.
BLAST domestica el vértigo y el miedo
con ternura e intenta provocar esos
instantes de gracia y de emoción que
colman el alma de una alegría que no
puede ser sin consecuencia.
Su desarrollo perfectamente dominado,
describe escena tras escena una cierta
idea de anarquía.
un solo pueblo, de todas las creencias
tenemos una sola fe.
El espectáculo total, indomable y
virtuoso donde solo el Circo hace de
patria.
Nuestros espectáculos, rimados y
minuciosamente coordinados, tienen
como objetivo romper la lógica, la
psicología y ciertos dogmas formales
con el fin de inscribirse en el camino
del arte escénico de nuestro tiempo.
Con la tropa, a través del gesto
acrobático y una partitura musical viva,
queremos permitirle al Circo expresar
las pulsiones profundas de un mundo
en plena mutación.
Ahí está nuestro arte, nuestro
compromiso social y político en el
seno de la sociedad cultural de la
cual seremos siempre los actores
insolentes pero leales.
54
ZANZIBAR
Cubierto por carpa alguna, Zanzibar es
una compañía de circo internacional y
autónomo donde el espectáculo objeto
de la jornada de esfuerzos, ocurrirá a la
hora convenida.
Una compañía que exalta el trabajo bien
hecho y riguroso, la responsabilidad y
la audacia, la belleza y la maleabilidad
de los cuerpos entrenados.
Zanzibar
quiere
alimentarse
directamente de la materia, sin quitar
ni poner, desplazándola al corazón
mismo del gesto de circo, de la magia
que pone en escena, de la sensualidad
que despide, del miedo y de los
vértigos que él provoca para crear una
relación estrecha, sincera y única entre
la escena y el espectador.
El Circo como un arte del instante.
De todos los países, no formamos sino
PAÍS INVITADO
MÉXICO
Teatro Línea de Sombra
BAÑOS ROMA
México
LA HISTORIA
Baños Roma”, ofrece una mirada actual
del ex campeón mundial de boxeo
de origen cubano José “Mantequilla”
Nápoles y del rescate de su gimnasio
como espacio deportivo y cultural en
Ciudad Juárez, que vuelve a recuperar
su vida colectiva.
En “Baños Roma” Teatro Línea de
Sombra no cuenta una historia al
modo convencional; con un lenguaje
experimental propone al espectador
un recorrido por las divagaciones
alrededor del tema del boxeo, que se
convierte en un retrato del ex monarca
de peso wélter (medio) de 72 años
que vive hace 20 años en Ciudad
Juarez, y de paso se constituye en un
testimonio de la vida de los jovenes
en un gimnasio, con todo lo que eso
implica en una de las ciudades más
asoladas y violentadas, donde han sido
58
FICHA ARTÍSTICA
Creación: Teatro Línea de Sombra,
Zuadd Atala, Viany Salinas, Jorge
León, Alicia Laguna, Malcom Vargas
Textos: Gabriel Contreras, Eduardo
Bernal, Jorge Vargas, Extracto de
Prometeo de Rodrigo García, TLS.
Cantante: Jesús Cuevas
Diseño de dispositivo de espacio de
iluminación: Jesús Hernández
Diseño sonoro y música original: Jorge
Verdín
Imágen y video: Marina España,
Malcom Vargas
Asistente de dirección: Fabiola Mata
Diseño Gráfico: Malcom Vargas
Producción Ejecutiva: Alicia Laguna
Coordinación Administrativa: Patricia
Díaz
Concepción: Eduardo Bernal, Jorge A.
Vargas
Dirección de Escena: Jorge A. Vargas
asesinadas más de 11.130 personas
en los últimos cinco años en la llamada
lucha contra el narcotráfico.
LA OBRA
Un relato aleatorio y transversal de
un ex boxeador, de un hombre viejo
y de su entorno. Al final todas estas
piezas configuran una sombra donde
se adivina un rostro y una figura se
desvela hasta el alba fumando habanos
en una calle solitaria de Ciudad Juárez.
Si desplegáramos sobre una mesa
de trabajo los materiales de esta
experiencia,
tendríamos
como
resultado una vasta acumulación de
objetos encontrados, de encabezados
de prensa, de relatos reales y
apócrifos, de relatos inconclusos de
imágenes que se han fijado en la
memoria, de hallazgos luminosos y
otros impenetrables, montones de
imágenes capturadas en el apremio
del instante; y todo esto apenas
alcanza para dibujar los contornos de
la sombra de un hombre, de un lugar y
de una ciudad.
No esperemos que las cosas sucedan
en el espectáculo como se esperaría
de un documental o un retrato de esas
realidades, sino la incertidumbre con
la que se intenta expresar aquello que
hace que un recuerdo se albergue en
la memoria.
Jorge A. Vargas
59
EL PROYECTO
Baños Roma se ubica sobre tres
líneas de interés: a) Un lugar histórico
ubicado en Ciudad Juárez, b) Un
sitio geográfico localizado en los
Baños Roma, c) Un espacio temporal
encarnado en la figura de José Ángel
Mantequilla Nápoles.
A su vez el proyecto se dirige hacia
tres puntos de trabajo: I. Una pieza
escénica en en continuo desarrollo,
II. La diversificación de un antiguo
gimnasio como espacio de comunidad,
III. La instrumentación de un programa
permanente multidisciplinario de
producción artística.
La traza que la experiencia de
Ciudad Jaurez ha producido entre
los integrantes de la compañía, las
vivencias subjetivas de grupo de
amigos, la sensación de un espacio
olvidado , el desierto, la nieve, los
relatos y el pan de la esquina de un
parque son entre muchos otros, los
insumos con los que se llevan a cabo
una serie de cuadros escénicos. Sin
embargo el montaje de la pieza Baños
Roma no es una ilustración de aquello,
es apenas la presentación de un mapa
conjetural que muy claramente inició
por una influencia de un relato de
Cortázar pero que paradójicamente no
contempla un destino claro y preciso.
Esta pieza no pretende reproducir
los fragmentos rotos producidos
por el caos ni reestablecer el orden
cronológico de los acontecimientos tal
como sucedieron, es ante todo un alud
ordenado de subjetividades.
A Poc A Poc
MACBETH, CIUDAD INSOMNIO
México
LA HISTORIA
Esta creación parte de una paráfrasis
de la obra de William Shakespeare.
Este Macbeth actual es lanzado a
la fama gracias a una felación que
comienza a circular por redes sociales.
El argumento presenta a una estrella
de rock y a Duncan, un líder de
opinión, quienes se enfrentan en un
conflicto mediático en medio de un
concierto. Como en toda la obra de
Shakespeare, aquí se habla del miedo,
de la voracidad, del poder, pero con un
lenguaje y un código actual: el tamiz de
la virtualidad de las redes sociales. La
historia clásica sí, pero con el distintivo
de la época actual: los medios
virtuales y la manera como estos están
reinventando nuestras relaciones.
La idea nace por parte de Jaime
Camarena gracias a su encuentro
con un ensayo sobre lo virtual, el cual
generó y sembró en él una inquietud
sobre fenómenos como Madonna o
Lance Armstrong (quien durante ese
tiempo se encontraba en una lucha con
el cancer) y con la sociedad misma.
Todo esto lleva a los creadores a un
análisis de la presión ejercida de la
sociedad sobre un ícono de la misma.
60
FICHA ARTÍSTICA
Dramaturgia: José Alberto Gallardo
Coreografía: Jaime Camarena
Dirección y supervisión musical:
Roberto Cabezas
Composición musical: Discantus Trio y
Roberto Cabezas
Discantus Trio es:
Edmar Soria: Guitarra eléctrica.
Erik Martinez (erk bass): Bajo eléctrico.
Adrián Méndez: Bateria
61
A POC A POC
La compañía vio la luz en 1994 bajo el
signo de la globalización. Concebida
en Barcelona, nutrida de experiencias
internacionales, y gestada durante una
era en la que el módem comenzaría a
acercar al mundo cada vez más.
A poc A Poc se caracteriza por
realizar un trabajo multidisciplinario
experimental continuo que busca
vías alternas narrativas para generar
historias
No pasó mucho tiempo para que A Poc
A Poc se adentrara en el fenómeno de
la globalización tomando un rol activo,
convirtiéndose en una compañía
mexicana invitada a varios de los
festivales de mayor reconocimiento en
México y el mundo.
A Poc A Poc, ha participado en la
realización de múltiples producciones,
presentándose en distintos foros
destinados a la muestra y proyección
de jóvenes creadores: En 1994 y 1995
es finalista en el Premio Nacional de
Danza Ricard Moragas, en España; en
1996 estrena el espectáculo Pasiri a
Kuri y en 1997 estrena el espectáculo
multidisciplinario Toro a 100; en
1999, obtiene el primer lugar de la
XX edición del Premio INBA UAM; en
2000 recibe el Premio Iberoamericano
de Coreografía de La Habana, Cuba y
en el 2002 la compañía vuelve a ser
premiada en la XXIII edición del Premio
INBA UAM.
A la fecha, A Poc A Poc es una de las
compañías con mayor presencia dentro
del panorama dancístico de nuestro
país, presentándose en festivales
internacionales y en los foros de mayor
proyección en México tales como el
Palacio de Bellas Artes, la sala Miguel
Covarrubias, el Teatro Degollado,
Teatro de la Paz, el Teatro de la Ciudad
de Monterrey y el Centro Nacional de
las Artes.
Como resultado de este trabajo se ha
logrado la conformación de un cuerpo
de bailarines de alto desempeño, así
como la creación del repertorio sobre
el que se ha constituido el prestigio
que sitúa a A Poc A Poc dentro de
los grupos más representativos de la
danza contemporánea mexicana.
JAIME CAMARENA
Director artístico de la compañía y
coreógrafo, Jaime Camarena inicia
sus estudios dancísticos en la Escuela
Nacional de Danza del INBA, de donde
egresa en 1984 para formar parte
del cuerpo artístico de la Compañía
Nacional de Danza por 6 años. En 1990,
viaja a Barcelona para incorporarse
como alumno regular del Institut del
Teatre de Barcelona, en donde aprende
la metodología de José Limón.
Los Guggemheim
EL AMOR DE LAS LUCIÉRNAGAS
México
Reparto:
Personaje / Nombre
María 1 / Sonia Franco
María 2 / Ana Zavala
María 3 / Sofía Sylwin
Lola/ Sara Pinet
Ramón / Hamlet Ramírez
Rómulo / Pablo Marín
Sacerdote, Tendero, Papá, Chofer/
Miguel Romero
Creativos y realizadores:
Iluminación / Matías Gorlero
Escenografía / Ricardo Ricaño
Vestuario / Mario Marín
Producción Ejecutiva / Raúl Morquecho
Asistente de Dirección / Isaías Martínez
Diseño de Imagen / Paco Argumosa
LA HISTORIA
El amor de las luciérnagas es una
comedia inscrita en el realismo mágico.
Una joven escritora, María, viaja a
Noruega luego de una decepción
amorosa. Allí compra una máquina
de escribir en un mercado de pulgas.
Al llegar a la cabaña donde se aloja,
escribe sobre un encuentro ficticio que
tiene con otra doble suya, a la cual le
pide que se haga cargo de su vida. A la
mañana siguiente, en el vagón de un
funicular que sube a la cima del monte
del lugar en donde está, se encuentra
con un duplicado de sí misma,
descubriendo que lo que escribe en
esa máquina de escribir se vuelve
62
FICHA ARTÍSTICA
Autor: Alejandro Ricaño
Director: Alejandro Ricaño
Grupo: Los Guggenheim
Estado: Distrito Federal
63
realidad. El encuentro le provoca un
desmayo. Al despertar, asustada, huye
de regreso a México, pero al llegar al
aeropuerto descubre que su otra yo ha
vuelto antes que ella y ha empezado
a adueñarse de su vida. María tendrá
que empezar entonces una travesía en
busca, literalmente, de sí misma.
Sobre la obra
Esta novela escénica de la emergente
compañía Los Guggenheim, es a su
vez una novela de viaje que, sin saber
cómo, comienza en Tijuana, pasa
por Noruega, Xalapa, Tlacotalpan,
y termina en el Lago de Atitlán en
Guatemala.
El colectivo mexicano propone un viaje
de la memoria del personaje a los
reversos de su piel; desde su infancia,
su iniciación sexual, la muerte de su
padre, la pérdida del amor, hasta ese
extraño encuentro con un duplicado
de sí misma que se apropia de su
vida. La construcción de los espacios
y los saltos temporales recaen en la
narración. Es una puesta en escena
que se construye a partir del actor y la
palabra; la evocación.
Los actores, con tres maletas –el
elemento obvio que simboliza el viaje
constante- se desplazan por un piso
de madera –otro elemento constante
en la historia (uno de los protagonista
es un laudero de jaranas)- bajo 200
focos, que penden apenas por encima
de ellos, prendiéndose y apagándose
gradualmente a lo largo de toda la
obra, y que representan el tercer
elemento constante: las luciérnagas, y
la sensación de caminar en este mundo
como quien va a tientas en la oscuridad
esperando una luz intermitente.
“El amor de las luciérnagas” es una
tragicomedia teatral escrita en el
realismo mágico. Situada en la década
de los noventa e inicios del 2000, la
obra también habla del tiempo de
la niñez y la adolescencia del autor,
Alejandro Ricaño. “La época de la
aparición de los teléfonos celulares,
Internet (…), el choque cultural entre
el norte y el sur del país. Quería hablar,
en general, de cómo viví mi país”,
confiesa el dramaturgo y director,
quien obtuvo el Premio Bellas Artes
Mexicali de Dramaturgia (2011) por
esta obra.
Compañía Nacional de Teatro
CONFERENCIA BAJO LA LLUVIA
México
Dirección Técnica Kay Pérez
Coordinación de Gira Francis Palomares
Producción pendiente
Asistente de Dirección Ángeles
Hernández
Operación Técnica Gustavo López
Jiménez
LA HISTORIA
Un bibliotecario va a dar una
conferencia sobre la relación entre la
lluvia y la poesía amorosa, pero pierde
sus papeles y acaba haciendo una loca
confesión personal.
Sobre la obra
Siempre me ha intrigado la posibilidad
de que alguien transforme una
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FICHA ARTÍSTICA
Autor Juan Villoro
Dirección Sandra Félix
Diseño de escenografía e iluminación
Philippe Amand
Música original Daniel Aspuru
Producción ejecutiva Philippe Amand
Quinto ciclo Teatro Mexicano
Elenco
Bibliotecario Arturo Bersitain
Compañía Nacional de Teatro
Director Artístico Luis de Tavira
Operación en gira
Coordinación Técnica y de Producción
Mireille Bartilotti
Coordinación de Promoción y Giras
Cecilia Merelo
65
conferencia en una confesión. ¿Hasta
dónde controlamos lo que decimos? Al
modo de un actor, el conferencista
puede olvidar sus parlamentos o
sucumbir a la tentación de revelar algo
incómodo o devastador.
Conferencia bajo la lluvia surge de
ese predicamento. Los devaneos del
protagonista se inscriben en la larga
tradición literaria de la digresión, es
decir, en el distraído arte de decir una
cosa para hablar de otra. En el siglo
XVIII, Lawrence Sterne escribió la obra
maestra del género: Tristram Shandy,
monumental novela cuyo tema es el
cambio de tema. Antón Chéjov se
sirvió del recurso en un breve ejercicio
para actores, Sobre el daño que causa
el tabaco, y el actor y dramaturgo
norteamericano Spalding Grey lo usó en
sus originales monólogos-conferencia.
Esos y otros antecedentes me
animaron a combinar los devaneos
mentales y los predicamentos
amorosos del protagonista con una
disertación sobre un asunto cardinal de
la literatura: el vínculo entre la lluvia y la
poesía. Me interesaba que la confesión
íntima sirviera de insólito respaldo a la
exposición literaria.
No es fácil encontrar a un actor que
haya pasado su vida entre los libros.
El excepcional Diego Jáuregui fue
bibliotecario y entiende las obras
impresas como personajes. La suerte
de contra con él se vio reforzada por la
directora Sandra Félix, que comenzó a
hacer teatro en la Biblioteca de México
hace un cuarto de siglo y sabe, como
Borges, que los volúmenes numerosos
son un resumen del universo.
Un bibliotecario entra a escena.
Ha ordenado libros y los libros han
desordenado su vida. ¿Hasta dónde
depende de sí mismo y hasta dónde de
lo que ha leído? El intermediario entre
los libros y los lectores se busca a sí
mismo en una conferencia.
Hablará de la lluvia, o más bien, de lo
que pasa cuando llueve.
Juan Villoro
LA COMPAÑÍA
A partir de 2008, año de su
reestructuración bajo la dirección
artística de Luis de Tavira, cuenta
con un elenco estable integrado por
49 actores y actrices. Dedicada a la
creación de un repertorio, la Compañía
Nacional de Teatro ha estrenado 43
montajes que pertenecen a cuatro
rubros –Patrimonio Universal del
Teatro, Nuevas Teatralidadas, Teatro
Mexicano y Laboratorio Actoral– que
articulan un discurso creador de su
identidad y traen a nuestros escenarios
obras que se inscriben en la diversidad,
el equilibrio y la excelencia.
66
LA DIRECTORA
Sandra Félix estudia la carrera de
actuación en The Arts Educational
Schools en Londres, Inglaterra, y
dirección escénica en el Núcleo de
Estudios Teatrales de la Ciudad de
México. Ha dirigido más de treinta
puestas en escena. Recibió el premio
a la mejor dirección por parte de la
Asociación Mexicana de Críticos
Teatrales (AMCT) en dos ocasiones, la
primera por Polvo de mariposas basada
en la novela Las olas de Virginia Wolf, y
la segunda por Feliz nuevo siglo, Doktor
Freud de Sabina Berman, así como el
premio al mejor teatro de grupo por
Este Paisaje de Elenas de Elena Garro.
Es miembro del Sistema Nacional de
Creadores de Arte del Fondo Nacional
para la Cultura y las Artes desde el
2001. Dentro de la Compañía Nacional
de Teatro ha dirigido El caso Romeo y
Julieta de Bertha Iriart, Sandra Félix y
Ángeles Hernández, estrenada en el
2011, y Conferencia sobre la lluvia de
Juan Villoro estrenada en el 2013.
Teatro Gayumba
EL QUIJOTE NO EXISTE
República Dominicana
apasionante reflexión-denuncia acerca
del arte y los artistas en una sociedad
dominada por el mercantilismo. Escrita
por el reconocido Jorge Díaz, uno de
los más importantes dramaturgos
hispanoamericanos.
LA OBRA
Después del encierro, la guerra y la
miseria, y en un espacio repleto de
recuerdos e imágenes, Miguel de
Cervantes lucha por lograr que su obra
El Quijote se imprima y se respete. Una
TEATRO GAYUMBA
Es un dúo teatral de Santo Domingo,
República Dominicana, que fue
creado como grupo en 1976 y se ha
convertido al correr de los años en
uno de los referentes fundamentales
67
FICHA ARTÍSTICA
Autor: Jorge Díaz
Intérprete: Manuel Chapuseaux
Asistente de dirección: Nives Santana
Asistente técnico: Carlos Chapuseaux
Dirección: Manuel Chapuseaux
MANUEL CHAPUSEAUX.
Director, actor y animador teatral
con más de 35 años de experiencia
profesional.
Es miembro fundador del Teatro
Gayumba, grupo que dirige desde
1978, uno de los más destacados del
teatro dominicano actual. Ha dirigido y
actuado en decenas de obras clásicas,
contemporáneas, latinoamericanas y
dominicanas y de creación colectiva.
Autor del libro Manual del Teatrero,
galardonado con el Premio Nacional de
Didáctica en 1987.
68
del teatro dominicano. Integrado
por la actriz Nives Santana y el actor
y director Manuel Chapuseaux,
desarrolla desde su origen una intensa
y múltiple labor. Durante su trayectoria
ha llevado a escena decenas de obras
de las más diversas épocas y géneros,
siempre dentro de un estilo de teatro
popular. Gayumba ha representado
exitosamente a su país en numerosos
festivales de América y Europa, lo
que, junto a sus giras al exterior, lo
ha convertido en el grupo teatral
dominicano más internacional de las
últimas décadas.
Complot Teatro
ALGO DE RICARDO
Uruguay
FICHA ARTÍSTICA
Ricardo III de Wiliam Shakespeare
Dramaturgia y versión de Gabriel
Calderón
Dramaturgia visual: Miguel Grompone
Diseño: Gerardo Egea
Actor: Gustavo Saffores
Directora: Mariana Percovich
Productor: Adrián Minutti
69
LA OBRA
El proyecto nace de la premisa de la
directora de investigar la incidencia del
género en la creación. Qué dispositivos
de poder, deseo e implicaciones tiene
la mirada masculina y la apropiación
del cuerpo masculino de la actuación.
A partir de esa premisa Calderón
comienza a trabajar en un material
dramatúrgico que se apropia del
Ricardo III de Shakespeare y de otros
materiales del dramaturgo inglés,
así como de los mecanismos de
representación del teatro isabelino,
proponiendo una base textual para
el trabajo en el ensayo en la que el
actor (Gustavo Saffores) entra y sale
del cuerpo masculino y del cuerpo
femenino como ocurría en el teatro
isabelino.
La idea de contar con un creador
audiovisual (Miguel Grompone) apunta
a generar un espectáculo para teatro
italiano o espacio teatral en el que el
actor pueda manejar solo todos los
elementos espectaculares: imágenes,
audio, elementos de vestuario u
objetos. Un cuerpo territorio y un
e imágenes y sus intensidades y
podrá tomar decisiones durante cada
función: el cuerpo del espectador y la
espectadora podrá modificar el ritmo o
intensidad del unipersonal.
Pensado para colocar a los
espectadores dentro del escenario en
el caso de grandes salas, o colocarlo
en perímetro en salas más pequeñas,
la autonomía y poder del cuerpo de la
actuación dialogará con la presencia
física y material de los/las que miran.
Este trabajo se completa con otro
unipersonal: cuerpo femenino, con
dramaturgia de Mariana Percovich y un
equipo completamente femenino, que
a partir de una historia protagonizada
por una mujer, se hace preguntas
sobre las energías y las decisiones de
lo femenino en la creación.
La directora viene desarrollando
experiencias en la mirada de género
sobre la creación y el hecho teatral: en
Pentesilea, su versión de la tragedia de
Von Kleist, divide a los espectadores en
“bandos” o ejércitos. En Clitemenstra,
desarrolla dos monólogos simultáneos
y separados de Agamenón con los
espectadores y Clitemnestra con
las mujeres. En la dramaturgia de
Percovich el darle voz a las mujeres
ha sido una constante a través de
sus textos sobre personajes trágicos
femeninos.
70
juego con el lenguaje de la escena.
Generación de materiales audiovisuales
como una capa textual más.
En el caso del Ricardo III: el cuerpo del
poder, del mal y lo deforme, el proyecto
dialoga con lo escrito por Pascal sobre
la construcción del cuerpo del poder:
“Hágase la prueba: déjese a un rey
en completa soledad, sin ninguna
satisfacción de los sentidos, sin
ninguna preocupación en el espíritu,
sin compañía, pensar en sí mismo
a discreción y se verá que un rey
sin diversión es un hombre lleno de
miserias”
El cuerpo del actor, que se apropia de
los personajes a representar, el cuerpo
del dramaturgo que se traduce en
texto y se apropia de un texto clásico.
Los elementos de la escena: audio,
luces, imágenes, vestuario y objetos,
manipulados por un solo actor en la
escena.
“Fisión del cuerpo de poder en
público y privado escisión de del
sujeto de representación en un rostro
descubierto y en un rostro escondido,
en una máscara exterior y en un rostro
interior” (Louis Marin. El Cuerpo del
Poder).
Desde
una
computadora
el
actor controlará los elementos
espectaculares, manejando luz, sonido
71
NOTA DEL ESCRITOR
Concepto para la escritura dramática
¿Cuáles son los conflictos y nodos
dramáticos que hacen de Ricardo III
una obra tan importante?
Sin duda su protagonista, hombre,
deforme y malvado, representante
de como la inteligencia puede
revolverse en la lógica de los buenos
hombres y mujeres aunque ella venga
acompañada de malas intenciones.
Ricardo III nos confirma que, si bien
destruir siempre será mas fácil
que construir, esta facilidad bienes
acompañada de ambición y perdida
continua.
Pero ¿Cómo atraviesan estos
parámetros dramáticos al actor
hombre?
El actor hombre mira al personaje
hombre deforme y lo construye,
atraviesa su mirada del poder por
el genero que comparten y cabe la
pregunta ¿Como salen parados los
personajes mujeres y hombres en esta
pieza?
Esto se pregunta el actor-hombre
que atraviesa al personaje- hombre
y llega hasta el autor-hombre. ¿Qué
característica de estos tres roles
puede definir o influir en el camino de
maldad trazado por Ricardo III?
Para ello el actor debe sufrir una
metamorfosis de genero, experimentar
los roles femeninos, intentar adivinar
que harían otros personajes en su
posición y que harían personajes de
otras obras del autor en la posición de
Ricardo III.
¿Es Ricardo III la peor opción, malvada
y desnaturalizada, o es tal vez, en esa
posición, ese momento y en esas
circunstancias, el mejor personaje
posible?
Teatro El Galpón de Montevideo
LA FIESTA
Uruguay
LA OBRA
El Teatro El Galpón revisita a su manera
los tiempos de la dictadura militar
que asoló a Uruguay, la que padeció
y le obligó al exilio. Y lo hace cuando
se cumplen 40 años del golpe de
estado y apela para ello a una fiesta,
una fiesta ambigua, en la que todos
están invitados, pero nadie se puede
retirar. “En principio el tema me
pareció complejo, pero al reflexionar
sobre mis principales motivaciones
para la creación teatral (los misterios
del comportamiento humano) y
remontarme a aquellos tiempos,
visualicé historias fragmentadas,
situaciones sin dogmas ni recetas,
72
FICHA ARTÍSTICA
Dirección: Fernando Toja.
Anfitriones: Arturo Fleitas, Solange
Tenreiro, Marcos Flack, Marina
Rodríguez Velázquez Marcos Zarzaj,
Nadina González Miranda, Claudio
Lachowicz.
Escenografía: Verónica Carriquiry.
Vestuario: Claudia Coppetti.
Iluminación: Eduardo Guerrero Música original y Ambientación sonora:
Fernando Ulivi.
Prensa y difusión: Gabriela Judeikin. Producción Ejecutiva: Angeles Vázquez.
Producción: Teatro El Galpón.
dolores y alegrías. La gente se
enamora, se casa, sufre, se divierte, la
vida continúa a pesar de los pesares,
con conciencia o sin ella, por acción o
por omisión (que también es una forma
de acción)”, explica su director.
Toja convoca a otros autores de
diferentes visiones y estilos que
interactuaron con los actores, desde
la corporalidad, desde su naturaleza
expresiva y desde sus matices
generacionales.
“La Fiesta” es un trabajo colectivo
de investigación y dramatización.
Un juego de la memoria acerca de
pequeñas historias cotidianas en torno
a aquellas épocas del golpe de estado
y la huelga general de 1973. 73
EL GALPÓN
Es una institución teatral uruguaya
fundada el 2 de septiembre de 1949 a
partir de la unión de dos instituciones
teatrales: La Isla, dirigida por Atahualpa
del Cioppo y el elenco del Teatro del
Pueblo.
Desde su fundación hace 65 años
“El Galpón” empezó a elaborar y a
aplicar una política teatral y cultural
de vastas proyecciones sobre los
requerimientos del público uruguayo.
Fundamentalmente desarrolló un
repertorio que fue dando cabida a
las expresiones de la dramaturgia
universal, latinoamericana y nacional.
Por otro lado, la apertura de su teatro
a otras disciplinas (la literatura, la
plástica, la música, la danza) hizo de
“El Galpón” un lugar de confluencia de
amplios sectores de la cultura nacional.
Durante
el
exilio
mexicano,
comprendido entre 1976 y 1984,
“El Galpón” conservó la unidad del
grupo y su organización y métodos de
trabajo. Una de sus preocupaciones
permanentes fue también la de
promover la solidaridad de los pueblos
latinoamericanos y, en primer lugar, del
país anfitrión con el pueblo uruguayo y
contra la dictadura.
Una importante parte de la historia
del teatro independiente del Uruguay
está ligada a la historia de El Galpón.
Estrenaron casi todo Bertolt Brecht,
donde obtuvieron éxitos importantes
como con La ópera de dos centavos,
El círculo de tiza caucasiano que fue
llevada a Buenos Aires con tal éxito
que se trasmitió por televisión en vivo
una de sus funciones.
Complot Teatro
TEBAS LAND
Uruguay
LA OBRA
Tomando como tema central la figura
del parricidio, el dramaturgo francouruguayo Sergio Blanco escribe su
pieza de teatro Tebas Land inspirada
en el legendario mito de Edipo, en
la vida del santo europeo del siglo
IV San Martín y en un supuesto
expediente jurídico creado e imaginado
por el propio Blanco en el cual
supuestamente se narraría el juicio
de un joven parricida. A partir de los
distintos encuentros imaginarios que el
dramaturgo hubiera querido mantener
con el joven parricida en su prisión para
poder escribir la historia del crimen,
Tebas Land propone el siguiente
dispositivo escénico: una cancha de
básquetbol en donde un dramaturgo
y un joven actor que encarnará al
parricida, tratarán de representar esas
74
FICHA ARTÍSTICA
Dramaturgia, dirección y puesta en
escena: Sergio Blanco Elenco: Gustavo Saffores y Bruno
Pereyra Asistente de dirección: Florencia Mirza Escenografía e iluminación: Laura
Leifert y Sebastián Marrero Video Arte: Miguel Grompone Prensa: Valeria Piana Asistente producción: Matilde López Producción: Adrián Minutti conversaciones ficticias que nunca
tuvieron lugar. A medida que la pieza
avanza, el dramaturgo al igual que el
actor, empezarán a preocuparse no
tanto de la reconstrucción de la historia
del crimen, sino de la representación
escénica de esos encuentros que nunca
existieron entre el autor y el parricida.
La pregunta inicial que abre la pieza
¿cómo es posible matar a alguien?,
será reemplazada por la pregunta
final ¿cómo es posible representar a
alguien? De esta manera Tebas Land se
aleja de la dimensión ética del parricidio
para concentrarse en las posibilidades
estéticas de su representación y poder
ofrecernos así una bella tesis sobre el
acontecer teatral. Escrita y diseñada
especialmente en 2012 para el Teatro
San Martín de Buenos Aires, Tebas
Land revisita una serie de textos
clásicos que abordan el tema del
parricidio - Edipo Rey de Sófocles, Los
hermanos Karamazov de Dostoievsky,
Un parricida de Maupassant y
Dostoievsky y el parricidio de Sigmund
Freud -, no con el propósito de rendirles
un hueco homenaje literario sino con el
fin de proponer un verdadero desafío
de parricidio escénico.
75
SERGIO BLANCO
Nació en Montevideo en 1971 en
donde realiza estudios de filología y
arte teatral. Luego de ser alumno y
asistente de dirección de diferentes
directores de renombre (Atahualpa del
Cioppo, Antonio Larreta, Nelly Goitiño
y Aderbal Freire-Filho), realiza distintas
puestas en escenas en su país: Ricardo
III y Macbeth de Shakespeare, Cyrano
de Bergerac de Edmond Rostand. En
1993, al ser ganador del prestigioso
premio Florencio Revelación, es
becado a la ciudad de París para
realizar estudios de dirección teatral en
la Comédie Française junto a grandes
directores y maestros de la escena
europea tales como Alain Françon,
Georges Lavaudant, Daniel Mesguich y
Matthias Langhoff. Su actividad teatral
se verá dividida entre Uruguay y Francia
hasta que en el año 1998 decidirá
radicarse definitivamente en París,
ciudad en la cual vive actualmente,
obteniendo algunos años más tarde la
nacionalidad francesa. A partir de ese
momento, empieza a dedicarse a la
escritura teatral Varias de sus piezas
han sido estrenadas en su país y en el
extranjero, y su obra entra al repertorio
de la Comedia Nacional de Uruguay
en 2003 y 2007 con sus piezas .45?
y Kiev. La mayoría de sus obras han
sido publicadas en varios países y
varias de ellas han sido traducidas a
distintas lenguas. Su teatro ha sido
recompensado con varios premios,
entre ellos con el Premio Nacional
de Dramaturgia del Uruguay, el
Premio Nacional de Dramaturgia de
la Municipalidad de Montevideo,
el Premio del Fondo Nacional de
Teatro y el Premio Florencio al Mejor
Dramaturgo.
artistas y compañeros de camino que
se suman y se van continuamente.
Y así, sin objetivos y pensamientos
eternos, sin manifiestos ni teorías
perpetuas. Somos un grupo de artistas
complotados para cada trabajo en
particular, y será nuestro trabajo el
que con su mera y continua existencia
asegure por mucho tiempo la vida de
COMPLOT. La compañía está integrada
desde hace 9 años por artistas que se
dedican a crear en el ámbito del teatro,
danza teatro y danza contemporánea.
Todo surge de la efervescente escena
que proponen Mariana Percovich,
Martín Inthamoussú, Gabriel Calderón,
Ramiro Perdomo y Sergio Blanco.
COMPLOT a presentado sus artistas y
sus obras en Francia, Alemania, Grecia,
España, Inglaterra, Canadá, EEUU,
México, El Salvador, Nicaragua, Costa
Rica, Panamá, Colombia, Perú, Chile,
Brasil, Bolivia
76
COMPLOT
Complot - Compañía de Artes
Escénicas Contemporánea, no es un
colectivo de artistas aunados bajo una
forma de pensar la escena en común,
ni siquiera aunados bajo los mismos
objetivos. En COMPLOT los objetivos y
pensamientos siempre son diferentes,
las formas de pensar la escena, los
resultados buscados, las razones que
mueven los diferentes espectáculos
y actividades que desarrollamos
son siempre distintas y aun mejor,
contradictorias. No hay caminos
pautados ni objetivos trazados, solo la
certeza del cambio continuo de rumbo,
de la búsqueda constante de aquello
que no queremos encontrar, solo nos
entusiasma el trabajo, nos aúna el
trabajo y nos apasiona y esperanza
la posibilidad de seguir trabajando,
así conocemos a los maravillosos
ESPECTÁCULOS
CALLE
Circo Alboroto
CUATRO X CUATRO, CIRCO TODO TERRENO
Argentina
FICHA ARTÍSTICA
Idea y Dirección: Compañía Circo
Alboroto
Intérpretes: Florencia Schrott, Ismael
Agüero Sandillu, Federico Fernández y
Alejandra Ceciaga
Vestuario: Avatar
Escenografía: Compañía Circo
Alboroto, El artesano de la Magia
Fotos: Paula Schrott
Duración: 50 minutos
Espectáculo de circo para todo público
81
LA OBRA
Cuatro por cuatro es la última
producción de la compañía Circo
Alboroto. Sus cuatro integrantes,
caricaturas extrañamente humanas,
juegan y nos conducen con mucho
humor por terrenos circenses, mágicos
y musicales.
Duelos acrobáticos, trucos delirantes
y cómicos enredos en un espectáculo
para todo público que deja huella. 4 x
4, circo todo terreno.
LA COMPAÑÍA
Circo Alboroto es una compañía
argentina de circo formada a fines del
2006 que fusiona el circo, el teatro y la
magia. Sus producciones están ideadas
para ser presentadas tanto en salas
como en espacios no convencionales
y al aire libre. Su lenguaje muy visual
y dinámico, su ritmo vertiginoso y
una puesta delirante y simple les han
permitido recorrer el país y cruzar
sus fronteras, realizando giras por
Colombia, México y España.
Entre sus obras se destacan: Un poco
de cordura en medio de tanta locura
(2008), Cartón lleno (2011), Cuatro
por cuatro (2014).
Compagnie d’Outre-Rue
ON AIR
Bélgica
LA OBRA
Entre usted, dos misionarios de la
indiscreción están observando.
Atento al ruido más leve sus oídos,
excesivamente
grandes,
están
capturando la reunión.
D´OUTRE-RUE
Es una compañía de teatro profesional
de la calle, establecida en Virton, sur
de Bélgica, creada en 1999.
El acercamiento artístico que logran
con sus pasacalles no sólo les da la
libertad creativa, sino también una
oportunidad en la improvisación y la
interacción entre y con el público.
Sus historias transitan entre las
historietas y la ciencia-ficción, de las
que parten para hacer representaciones
fantasiosas.
Todas sus creaciones son interpretadas
por dos actores y carecen de texto,
por lo que construyen un lenguaje
universal.
82
FICHA ARTÍSTICA
Integrantes
Jean Francois Geubel, Jean Paul
Jeuniaux, Nis Alexis
Circo Da Silva
BANDA DE MUVUCA
Brasil
FICHA ARTÍSTICA
Paula Preiss: Bufón
Arturo Cussen: Clarinetista
Julia Guerra: Percusionista
Antonio Marrache: Percusionista
Reubem Neto: Saxofonista
Diego Terra: Saxofonista
83
LA OBRA
Circo da Silva presenta el pasacalles
“Banda de Muvuca” un musical al
contrario, un Circo ambulante, un
espectáculo de Bufón para toda la
familia.
El Maestro y Padre soltero, Jairo
da Silva, lidera la acción y dirige
caóticamente la banda formada por
sus 5 virtuosos hijos.
Los hijos de Jairo da Silva son:
Jaquitiba,
Jacrix,
Casemiro,
Bangladesh y Edson Gordinho. Ellos
bailan y tocan instrumentos de viento
y percusión, aparte de presentar
técnicas circenses como malabares y
acrobacia.
La acción se desarrolla en movimiento
con un guión acompañado de banda
sonora original, donde aparecen
escenas como: un programa de
televisión, un casamiento, una banda
militar y un picnic.
84
CIRCO DA SILVA
Es un colectivo de artistas que se
reúnen en diversos formatos para
realizar espectáculos autorales que
mezclan Teatro Físico y Música.
Creado en Rio de Janeiro en el año
2006 por la actriz gaúcha Paula Preiss
y el músico chileno Arturo Cussen, el
Circo da Silva se ha destacado por la
creación de nuevos lenguajes, lo que
se ve plasmado en los espectáculos
“Humanimal”, “{RIANTE!}” y “Banda
de Muvuca“, este último merecedor
del premio “Carequinha“ de estímulo al
Circo en 2010.
Paula Preiss, su directora, es una actriz
gaucha residente en Rio de Janeiro
desde 2001. Profesional de Circo
desde 1998, destaca por su trabajo
con teatro físico a través del lenguaje
del bufón y el clown. En 1999 y 2000
recorre el estado de Rio Grande do Sul
con la lona itinerante de Circo Teatro del
“Circo Girassol”. Después de participar
en diversos grupos y montajes, crea en
2006 el Circo da Silva.
Teatro El Paso
SOLIETAD
Colombia
85
FICHA ARTÍSTICA
Dirección y dramaturgia:
César Castaño
Productores: César Castaño, Luz Stella
Gil Giraldo
Músicos: William Fernando Ortiz Pérez
Robinson Sierra Martínez, Carlos Ariel
Diaz Jaramillo
Actores:
César Castaño
Angélica Jhoana Correa Osorio
Bárbara Figueroa Caelles
Nathaly Hernández Gutiérrez
Alberto Antonio Gutérrez Carvajal
Jorge Mario López Moreno
Dirección musical:
William Fernando Ortiz
Composición musical:
William Fernando Ortiz
Ariel Diaz
Robinson Sierra
Asesoría en diseño y elaboración de
vestuario: Natalia Toro Ángel
Diseño y elaboración de escenografía
y utilería: Colectivo Teatro El Paso
Asistencia técnica: James Alzate
Giraldo, Johanna Andrea Gutiérrez
Valencia
SINOPSIS DEL ESPECTÁCULO
Solietad como estado de existencia
ingrávido, como resguardo de lo
etéreo, lugar de ausencia que nos
refiere al vacío de la vida, al abandono,
a los sueños que pierden las alas y los
recuerdos que mueren con el tiempo.
Ella, Alejandra la pequeña niña bien lo
sabe, bien lo siente, mientras la rabia
revienta sus poros por la angustia que
le produce la distancia con su soñador
abuelo, el cual desvencijado de su
realidad es llevado a un asilo por mano
de la madre de Alejandra.
TEATRO EL PASO
El Paso viene trabajando desde el
2005 como colectivo teatral y desde
el 2011 como productora y gestora
de proyectos culturales. Además de la
producción de espectáculos escénicos,
El Paso representa otras agrupaciones
artísticas de la música, la danza y el
teatro, produce eventos culturales y
desarrolla procesos de intervención
social desde el arte.
En su trabajo de producción escénica
El Paso se ha dedicado a la exploración
y formación técnica en el campo de la
antropología teatral. En su trayectoria,
ha llevado a escena varias obras de
diferentes géneros –tragedia, comedia,
farsa y drama–, en diversos formatos
–sala, espacio no convencional y
calle– y cuenta en su repertorio con
espectáculos para todos los públicos.
Su propuesta escénica conjuga la
actuación, los muñecos, el trabajo de
máscaras y la música en vivo.
La agrupación ha sido ganadora de
la Beca Nacional de Creación Teatral
2011, de las Becas de Circulación
Internacional 2012 y 2013 y de la Beca
de Itinerancias por Colombia 2013 y
2014 del Ministerio de Cultura, con la
obra Ricardo III.
César Castaño
Dramaturgo, director y actor de
Teatro El Paso, director del Encuentro
de Lecturas Dramáticas de Pereira
desde el año 2010 y director de la Red
Nacional de Dramaturgia en Colombia
desde el 2011.
86
Ahora ambos, niña y anciano, inventan
una metáfora para resistir la distancia
decidiendo andar juntos por el camino
de la imaginación, ambos juegan a
convertir su soledad en una costumbre
que se derrumba con la fantasía, los
recuerdos y los sueños.
Alejandra sube al árbol, se desliza por
los techos, por los arboles y desde
allí ve el lugar donde se encuentra su
abuelo, imagina como sacarlo de allí,
como robárselo al tiempo y tenerlo para
sí. Ella recuerda y habita la memoria de
él, se entrega al relato y se abandona
al sueño.
Al final, nos damos cuenta que la
soledad es una espada que no se
siente, con un filo tan agudo que corta
el silencio y te entrega al bordo del río.
Pero los sueños nos permite caer sin
haberlo pensado, caer hacia arriba,
desclavar el cielo y guardarlo en una
maleta. Perder la costumbre, los pasos
fijos y soltarse al vacío.
Corporación Caza Retazos
DE PASO
Colombia
FICHA ARTÍSTICA
Director: Daniel EduardoAlzate
Actores: Pablo Andrés Castro,
Alexander Devia Horta, Nacor Julio
Quintero Carvajal
Músicos: Alexander Orozco Quintero,
Santiago Sánchez Acosta, Edwin
Andrés Serrato Orjuela,
Técnico escenográfico: Daniela
Narváez Mejía
Técnico de sonido: Leonardo Grand
87
LA OBRA
Propuesta escénica que parte de la
disciplina del clown y la ambientación
musical incidental, dando forma a la
historia de dos vagabundos, Doninjusto y Lamí- seria que van y vienen en
su pequeño mundo, donde el encuentro
ocasional devela sus necesidades más
íntimas, generando situaciones en las
que convergen y divergen diferentes
emociones, estados de ánimo y
estatus, impulsado cada uno por sus
propios intereses.
En esta obra se rescata la divergencia
del transeúnte común y las
problemáticas de desigualdad de la
sociedad actual. Su puesta en escena
parte del método de creación colectiva.
El montaje es concebido por medio de
la dramaturgia corporal propuesta por
los actores, utilizando la acción física
como parte fundamental, donde la
línea general de la obra se construye
por medio de las relaciones entre los
personajes, así como la trasformación
de atmósferas dramáticas que son
acompañadas de la musicalización en
vivo que la puesta en escena plantea.
88
CAZA RETAZOS
La corporación Caza Retazos es un
colectivo interdisciplinar de la ciudad
de Manizales que viene desarrollando
un trabajo artístico y cultural desde
el año 2009 Vvnculando la música,
las artes plásticas, el circo y el teatro
a sus procesos creativos. Entre sus
obras se encuentran: “De paso”
(creación colectiva), “la tropa de
payasos” (creación colectiva), “los
cuatro elementos” (creación colectiva)
y “la puerta” de Sanchis Sinisterra. Ha
participado en eventos de diferente
índole como festivales, encuentros,
muestras, temporadas, carnavales.
Daniel Eduardo Álzate Palma, su
director, actualmente estudia en la
Licenciatura en Artes Escénicas de la
Universidad de Caldas.
Circo Medellín
AUGUSTO
Colombia
FICHA ARTÍSTICA
Duración: setenta minutos
Espectáculo: familiar
Director artístico: Carlos Álvarez
89
LA OBRA
Es un espectáculo risueño, patéticopoético, optimista y melancólico, latino
y universal. Un montaje al estilo “Circo
Medellín”. Inspirados en la película
“Los Clowns” de Fellini, armamos
un estrambótico y loquísimo circo,
entrañablemente humano.
El que asista a este espectáculo no
puede más que estallar de la risa;
hombres disfrazados de mujeres
bailando el cancán, mientras un
caballo se sienta a tomar un poco de
vino, unos bebés suben a lo alto de
un gran balón para hacer acrobacias,
una mujer cuelga por ahí arriba, en un
ring tres payasos boxean y los músicos
marcan el compás como un payaso
más. Y en medio de la locura, una
verdad profunda se erige, es gritada,
compartida, desnudada: la vida se
hace circo.
“Augusto”, es un homenaje póstumo
de gratitud, alucinante y un tanto
poético (patético) al gestor cultural
Augusto Díez “el hacedor de fiestas”,
fundador de la Universidad lúdica de
Colombia, en Fredonia (Antioquia).
CARLOS ALVAREZ
Mimo-clown, nació en Medellín, el 04
de febrero de 1963 Carlos Alvarez inició
la carrera teatral en el año de 1984 y
es mimo profesional desde 1991. En
los últimos veinte años ha participado
LA OBRA
Es un espectáculo risueño, patéticopoético, optimista y melancólico, latino
y universal. Un montaje al estilo “Circo
Medellín”. Inspirados en la película
“Los Clowns” de Fellini, armamos
un estrambótico y loquísimo circo,
entrañablemente humano.
El que asista a este espectáculo no
puede más que estallar de la risa;
hombres disfrazados de mujeres
bailando el cancán, mientras un
caballo se sienta a tomar un poco de
vino, unos bebés suben a lo alto de
un gran balón para hacer acrobacias,
una mujer cuelga por ahí arriba, en un
ring tres payasos boxean y los músicos
marcan el compás como un payaso
más. Y en medio de la locura, una
verdad profunda se erige, es gritada,
compartida, desnudada: la vida se
hace circo.
“Augusto”, es un homenaje póstumo
de gratitud, alucinante y un tanto
poético (patético) al gestor cultural
Augusto Díez “el hacedor de fiestas”,
fundador de la Universidad lúdica de
Colombia, en Fredonia (Antioquia).
CARLOS ALVAREZ
Mimo-clown, nació en Medellín, el 04
de febrero de 1963 Carlos Alvarez inició
la carrera teatral en el año de 1984 y
es mimo profesional desde 1991. En
los últimos veinte años ha participado
en muchos festivales nacionales e
internacionales de teatro, títeres y
pantomima.
Es fundador y director de la Fundación
Circo Medellin y socio de la Fundación
Noches de Magia.
90
en muchos festivales nacionales e
internacionales de teatro, títeres y
pantomima.
Es fundador y director de la Fundación
Circo Medellin y socio de la Fundación
Noches de Magia.
Duración: setenta minutos
Espectáculo: familiar
Director artístico: Carlos Álvarez
Corporación DC Arte
BANDOLEROS
Colombia
91
FICHA ARTÍSTICA
Actores: Ángel Bohórquez, Danny
Valderrama, Diego Cañón, Rosario
Vergara, Daniel Rivera.
Músico: Hernán Castillo
Apoyo Técnico: Adriana Ortega.
Diseño y construcción escenográfica:
Daniel Rivera y El grupo.
Asesoría Histórica: Nancy Heredia.
Creación Musical: Hernán Castillo
Diseño de afiche y piezas publicitarias:
Camilo Espitia A.
Dramaturgia y dirección general:
Enrique Espitia.
LA OBRA
“Bandoleros” cuenta con referentes
históricos: basada en la guerra que
libraron a mediados del siglo XX
liberales y conservadores por el poder
político en Colombia y la manera como
atizaron este odio utilizando personas
de origen campesino que revestidos de
odio sembraron terror.
Bandoleros es una oportunidad para
repensar la historia reciente del país a
partir de la representación de algunos
pasajes de la vida de Efraín González,
El Chispas, Zarpazo, El Mosco y La
Aguililla, personajes emblemáticos de
la violencia bipartidista.
ENRIQUE ESPITIA
Maestro en arte dramático, con
Maestría en Escrituras Creativas,
especialista en gestión cultural.
Director y dramaturgo de la Corporación
DC Arte se ha especializado en teatro
para calle, espacios no convencionales
y teatro foro.
Hace parte de espacios organizativos
teatrales como la Red Colombiana de
Teatro en Comunidad y la Plataforma
Puente.
92
La puesta en escena se mueve
alrededor de diversos momentos y
episodios significativos de la vida de
estos personajes, narrando sucesos
de su cotidianidad. No es una obra
histórica en el sentido que no desarrolla
cronológicamente las vivencias de los
protagonistas.
La necesidad de que los colombianos
pensemos en la paz, pasa por el
conocimiento del origen de estos
conflictos. Esta obra pretende ser una
reflexión sobre los antecedentes de la
violencia colombiana dirigida a públicos
amplios.
Variete local de circo
CIUDAD DE LAS PUERTAS ABIERTAS
Colombia
FICHA ARTÍSTICA
Creación colectiva
Integrantes:
Sebastián Giraldo Lozano, José
Fernando Usma Aguirre, Maira
Fernanda Manrique, Carlos Andrés
Patiño, Jonhatan Rodríguez, Adriana
María Rincón, Juan Ruzzo, Sergio
Escobar Vargas, David Gallego, Julieth
Tatiana Henao Ayala, Andrés Felipe
Álvarez Muñoz, Diego Fernando Díaz,
Brian Camilo Rodríguez, Sebastián
lozano Restrepo, Mario Cardona.
93
LA OBRA
Esta es la historia de Ginebra una
extranjera que vivía su vida con
monotonía y aburrimiento, su único
pasa tiempo era ver televisión en su
sofá; un día cualquiera, en el pasar
y pasar de canales se topó con un
comercial donde promocionaban
un viaje a Suramérica para vivir
una experiencia única y fuera de la
cotidianidad europea, fue tanto su
interés en darse una vacaciones que no
dudó ni un minuto en llamar y adquirir
el paquete turístico.
Inició su viaje sin saber que esta sería
la mejor aventura jamás vivida con la
cual impregnaría su existir de fantasía e
ilusión por disfrutar al máximo el resto
de su vida; viajó desde el Sur de Sur
de América, hasta llegar a Colombia
(Manizales).
Los colectivos
La Fundación Circo Manizales surge
en la ciudad de Manizales en el
año 2013, con el fin de incentivar
procesos de investigación, formación y
recuperación de espacios de la ciudad,
generando inclusión de las expresiones
artísticas como el arte circense.
Pandora Producciones es un grupo
que se ha venido consolidando en la
ciudad desde el año 2007 como ente
fortalecedor de procesos donde el
arte es el principal objetivo, haciendo
búsquedas de procesos donde el arte
es el principal objetivo.
Los Malafachas
LA BODA
Costa Rica – Guatemala
LA OBRA
Hoy! …¿me caso, o no me caso?...
Así comienza la escena, una
indecisa payasa y su enamorado
payaso, la historia de dos singulares
personajes que deciden casarse, y
en medio de esta loca decisión se
las ingenian utilizando diferentes
elementos y técnicas como teatro,
música, malabares, manipulación de
objetos, equilibrio con monociclos,
interacción con el público, comedia, y
hasta perros amaestrados, todo con
tal de poder lograr su objetivo; sin
embargo la participación del público
es el ingrediente principal para poder
realizar la tan esperada boda de Los
Malafachas.
LOS MALAFACHAS
Es un espacio para la experimentación
escénica, la libre expresión, y buen
humor.
Imparten talleres de teatro-clown,
y Reutilización Creativa para todo
publico. Conformado por “Lola
Carambola” (Laura Cordero de Costa
Rica) bailarina, actriz, directora de arte
y productora de “Los Malafachas”,
tallerista y payasa profesional; “Karim”
(Carlos Leiva, Guatemala- Líbano)
malabarista, actor, director de “Los
Malafachas”, tallerista y payaso
profesional.
Promueven un “nuevo circo”, un circo
sin animales salvajes, con animalitos
domésticos criados y entrenados, el
grupo está completamente en contra
del Maltrato Animal.
94
FICHA ARTÍSTICA
Dirección y creación Original: Los
Malafachas Teatro-Circo-Clown.
Elenco: Lola Carambola Malafachas
(Laura Cordero)
Karim Malafachas (Carlos Leiva)
El Perrito: Zar Malafachas
La Patogallina
EL HÚSAR DE LA MUERTE
Chile
95
FICHA ARTÍSTICA
Actores
Sandra Figueroa Cael Orrego Pilar
Salinas Victoria Gonzáles Rodrigo
Rojas Eduardo Moya Francisco Ramirez
Carolina Mardones
Músicos
Alejandra Muñoz Jaime Molina Sergio
gonzalez
Técnicos
Gonzalo mella / fx (y
proyeccionista) Pablo Riveros /sonido
Dirección e iluminación
Martin Erazo
LA OBRA
Montaje inspirado en la maravillosa
película “El Húsar de la Muerte” filmada
en 1925 por el actor, director y periodista
Pedro Sienna, donde se narran las
hazañas; de Manuel Rodriguez en su
lucha por la independencia Chilena.
Hoy es considerada un clásico del
cine Chileno y a su vez la obra más
conocida de Sienna, quien fuera el
premio nacional de arte en 1966 en
reconocimiento a la vida dedicada al
cine y al teatro. Estrenamos entonces
la obra El Húsar de la Muerte en
homenaje al cine mudo y a un
importante protagonista de la historia
de Chile, Manuel Rodriguez.
LA PATOGALLINA
Su origen se remonta al año 1996 con
la gestación de un trabajo
experimental teatral y callejero llamado
“A Sangre e Pato”, una obra que
carecía de argumento lineal y que se
presentaba en formato de una serie de
bloques escénicos con música en vivo;
una especie de clip teatral donde los
músicos también actuaban.
En el año 1999 comenzaron a trabajar
en los ensayos del montaje “El Húsar
de la muerte”. Con esta propuesta
rompen los esquemas hasta aquel
entonces experimentados, la obra
entra al mundo del cine chileno desde
el teatro, e instala la imagen de un
héroe nacional en un momento donde
la política nacional era aún más grave
de hablar.
Se trara de un montaje que contiene
mucha ironía y que cruza elementos
de la tragicomedia con elementos del
teatro callejero. Hasta ese minuto en
Chile aún no se facturaba una obra
que a pesar de todos estos elementos
y nivel de contenido político,
cumplía con la nobleza de poder ser
comprendida por cualquier persona y
que por añadidura podía ser entregada
a todo tipo de público sin ningún tipo
de discriminación cultural, social o
académica.
96
Gracias al inconmensurable aporte
histórico y cultural que logra el
montaje, junto a la opinión de la crítica
internacional, catalogan a nuestro
colectivo como uno de los más
sólidos del continente, y es así como
El Húsar de la Muerte se posiciona
como una de las más fundamentales y
trascendentes piezas de la historia del
teatro chileno.
Los espectadores entran a una sala
de cine de los años veinte y son
acomodados frente a la pantallaescenario esperando a que llegue un
personaje en motocicleta, trayendo
consigo el rollo de celuloide. Tal como
en la película la obra narra las hazañas
del guerrillero Manuel Rodriguez
en pleno proceso del impulso de
la independencia chilena ante el
sometimiento de la corona española,
donde el objetivo es desestabilizar al
gobierno imperante. Entra a escena
la banda de músicos a emitir ritmos y
melodías de la música contemporánea
en reemplazo del pianista del cine
mudo, para dar comienzo a nuestra
película de cuatro dimensiones con
el lenguaje expresionista del cine de
aquella época. Los actores muestran
la historia tal como en el cine de
aquel entonces, con textos escritos
en carteles que entran apoyar solo
algunos cuadros, y manteniendo la
misma estética del film en blanco
y negro con sólo algunos detalles
en color.
Radio Salmonela
HiltOff
España
LA OBRA
Se aproxima la hora “F”, comienza
la búsqueda de sonidos deportivos,
frecuencias moduladas ligadas al
deporte rey, el momento radiofónico
más esperado. Por fin se consigue
sintonizar la retransmisión y de repente
se interrumpe.
Catapultado por este inconveniente,
crea con la complicidad del público,
un ambiente pasión-parodia deportiva
que lo lleva a marcar el gol de su vida,
de una manera épica, al desnudo, con
huevos, con humor, sin que suba al
marcador…
Este espectáculo ha sido galardonado
en los más destacados festivales de
teatro de calle en Europa, como el el
Premio Glops al mejor espectáculo de
humor - Vevey. Suiza 2009, el Premio
del público y el Premio del jurado - Italia
2010 del Milano Clown Festival.
97
HiltOff
El artista HiltOff nace en Granada,
motivado e interesado por el aspecto
lúdico y creativo del movimiento, se
licencia en Ciencias de la Actividad
Física y el Deporte. Desarrolla
paralelamente cursos y workshops de
teatro gestual, mimodrama, creación
de personaje, clown, bufón…
2001 es cuando comienza su andadura
como comediante y junto a su
compañero de duo Krolikowski, nace
“Le Troupé”.
En el 2004 cofunda “La Mona y el
Boquerón”, colectivo de artistas
escénicos de diferentes nacionalidades,
estilos y disciplinas, dando comienzo
en su sala un ciclo que durará cinco
años de varietes mensuales, donde
acontecen diversos experimentos y un
grandísimo numero de sketchs y piezas
cortas.
HiltOff presenta solos como La
lucha, Marcelo, Tinho y en duo
Fadriques, Ortega y Gasset…Surgen
obras como: Cabaret subterráneo,
El Rincón de Maikel Tano y en
2009 comienza la gestación de su
espectáculo unipersonal de teatro
de calle: Radio Salmonela.
Marcos Carolei
CAPOCOMICO
Italia
LA OBRA
Capocomico: Un hombre elegante con
su maleta de cuero pasea por las calles
del centro. Parece demasiado elegante
y como si fuera escapado de una
película muda del siglo pasado….La
gente empieza a buscar una eventual
cámara escondida. En el mismo
tiempo, el Capocomico empieza a
tomar el control total de la calle y de la
situación…Publico, pasantes, coches,
y todo lo que encuentra en su camino
se transforma mágicamente en piezas
de su peculiar pieza de terso o película
imaginaria. Este show ha ganado
mucho premios y fue presentado en
mas de 60 Países desde 1982.
The Best of Capocomico! es una
mezcla irresistible de comedia italiana,
humor ingles, pantomima, clownería
moderna y todo con la participación
activa del publico. Un espectáculo por
toda la familia y un clásico de Marco
Carolei!.
98
Autor y director: Marcos Carolei
UNAM Los Conjurados Teatro
VERDADES COMO PUÑOS
México
FICHA ARTÍSTICA
Dirección: Ernesto Collado
Textos, Creación E Interpretación:
Los Conjurados Teatro, Zabdi Blanco,
Gerardo Del Razo, Guiureni Fonseca,
Héctor Iván González, María Elena
Gore, Daniela Jaimes, Gabriela
Leguizamo, Daniel Lemus
Daniela Morales Montero, Tania María
Muñoz, Dan Sotelo.
Concepto de Espacio: Ernesto Collado
Escenofonía: Alberto Solís
Asistencia Musical: Felipe Gallegos
Producción Ejecutiva: Sol Sánchez
Diseño Gráfico: Héctor Iván González
Realización de Lotería: María
Guadalupe Ruz Altamirano/ Emilio
Daniel G. Cantón Ruz
99
Agradecimientos
Coordinación Nacional de Teatro Del
Inba, Programa De Teatro Escolar,
Centro Universitario de Teatro UNAM,
Mario Espinosa, Anabel Rodrigo,
Mónica Juárez, Juan Meliá Huerta y
David Olguín
LA OBRA
La obra inicia como un juego. Los
actores vestidos con sombreros de
charros entonan la popular canción
mexicana “El Rey”. Ya que consiguieron
la atención de su auditorio, les
proponen jugar una partida de lotería
y así el espectador que tenga en su
programa de mano la combinación
ganadora, obtendrá un premio al final
de la representación.
A lo largo de la puesta en escena van
apareciendo las cartas de lotería que
a su vez nombran cada escena que se
representa. Los actores toman esta
condición como pretexto para hablar
de sus verdaderas inquietudes. Echan
mano del humor, la burla, la música,
la lucha libre, los mitos más bizarros
que han dejado eco en la Ciudad de
México y de sus historias personales
EL PROYECTO
UNAM a través del Centro
Universitario de Teatro y del INBA a
través de la Coordinación Nacional de
Teatro, unieron fuerzas para concretar
un experimento teatral con miras
internacionales. Así pues, convocaron
al reconocido actor y creador escénico
de origen catalán, Ernesto Collado
(director de la “Fundación ColladoVan Hoestenberghe”, del “Centro
de Creación Cèl-lula” y del “Festival
Mapa”) y a la compañía de jóvenes
“Los Conjurados Teatro” (integrada por
actores egresados de la generación
2009-2013 del Centro Universitario de
Teatro) con la consigna de hacer un
espectáculo de teatro de calle.
Como resultado de esta innovadora
mezcla cultural y generacional, surgió
un performance a corazón abierto. El
director utilizó experiencias personales
de los actores, sus anhelos, sus
miedos, sus inquietudes, su rebeldía;
y los mezcló con los referentes
culturales más tradicionales de nuestro
inabarcable país. De tal modo que
entre cuentos, leyendas, canciones,
supersticiones, juegos y lucha libre,
vemos a un grupo de jóvenes que nos
cuentan su versión de la historia.
“Verdades como Puños” es la gran
boca de la juventud mexicana que se
queja y grita mientras busca un lugar
en ésta sociedad.
“Verdades como Puños” está llena
de vida, de risas, de mitos, de miedos
y sueños, de preguntas e ironías,
de
cuestionamientos
honestos
y dolorosos, de ganas de contra
historias, de la violencia que se respira
en el aire de nuestra Cuidad de México
y de gritos de guerra y amor por
nuestras tradiciones. Definitivamente
una experiencia de vida.
100
para mantener al público interesado,
divertido y conmovido. Hacia el final
del espectáculo, la última carta que se
muestra es “La Muerte” y ella misma
regala al espectador ganador un
hermoso ramo de girasoles mientras lo
invita a bailar. El grupo entona entonces
la espléndida canción mexicana “La
Bruja”, concluyendo así el espectáculo.
101
LA OBRA
Es un espectáculo de gran formato
que rinde homenaje a la muerte,
representado en este caso por una
catrina acompañada de arlequines.
En este recorrido se invita al público
a participar uniéndose al espectáculo
disfrazados de la época de muertos.
México viene con 1 catrina gigante de
más de 3 mts de altura más 2 actores
CATRINAS
México - Colombia
Coproducción Circlown Rodara (México) y Triciclos Negros
Teatro (Colombia)
FICHA ARTÍSTICA
Directores: Henry Carvajal Zúñiga y
Roberto Mendiola Medina
Dirección musical: José Luis Rodríguez
Dirección de escena: Henry Carvajal
Zúñiga
Escenografía: Roberto mendiola
Vestuario: Triciclos Negros Teatro/
Circlown Rodara
Iluminación: Roberto Mendiola
Reparto Catrinas: José Luis Rodríguez,
Cristian Carvajal, Marlon Salazar,
Andrés Romero, Alejandra jaimes,
Ferney Briseño.
con personajes en piso, acompañados
por otras 5 catrinas, producidas en
Colombia, y 4 músicos arlequines.
LOS GRUPOS
Triciclos Negros Teatro fue fundado en
1995 en Piedecuesta –Santander –
Colombia por el artista escénico Henry
Carvajal Zúñiga (director del Festival
Internacional de Teatro de Calle – viva
el teatro en Santander, miembro de
la red Clap por Latinoamérica - Red
Interoceánica de festivales en teatro
de calle, productor - programador
artístico y gestor cultural).
Circlown Rodara es dirigido por
Roberto Mendiola medina, pionero del
nuevo circo o las artes del espectáculo
en Puebla (México). Dirige al grupo
piloto para la compañía de artes del
espectáculo (circo, pantomima y
clown). Circo social que actualmente
son una compañía. Organiza y dirige
el festival internacional Rodar circlown
desde 1998.
La Tropa del Eclipse
PERIPLOP
Perú
LA OBRA
El espectáculo se inicia con la llegada
de dos payasos; Sasha y Bufo, a
presentar sus respetos en el velorio de
un colega. Cuando se acercan hacia su
compañero en el lugar donde se velan
sus ropas, por casualidad, se topan
con la maleta de trabajo de su amigo;
la abren y ven todos los artículos
y cosas que su compañero usaba
para divertir a la gente, Así, usando
lo que se encuentran, con respeto,
arman un espectáculo rindiéndole un
homenaje a él y a todos los payasos
que nos dejaron un legado, para que
podamos tener rutinas y situaciones de
comicidad maravillosas, inteligentes,
sanas y espectaculares; un recuerdo
y homenaje con alegría, dignidad y
elegancia para todos los maestros.
LA TROPA DEL ECLIPSE
Es una compañía de teatro
contemporáneo que se funda en 1997
en Lima- Perú. Desde el inicio realiza
una investigación constante en mezclar
102
FICHA ARTÍSTICA
Concepto: Carlos Criado y Alex Ticona
Actuación: Diego Ticona, Alex Ticona y
Arabel Donayre
Dirección Escénica: Carlos Criado
Dirección General: Alex Ticona
Productora: Rosa Elena González
103
técnicas del teatro y circo. Es así
como se profundiza en la técnica de la
comedia física basado en los payasos
clásicos del circo. Malabares, música,
teatro, comedia del arte, mimo,
elementos circenses, son algunas de
las herramientas que los actores van
trabajando; todas estas sumadas a la
dramaturgia son el fundamento de la
creación escénica.
La Tropa del Eclipse está conformada
por actores, actrices, músicos,
pedagogos y expertos en arte.
Aparte de realizar espectáculos, han
desarrollado proyectos educacionales
y eventos institucionales de gran éxito
a nivel nacional como internacional.
La Tropa del Eclipse es una compañía
de carácter internacional por su
desempeño tanto dentro como fuera
del país, ha participado representando
a Perú, en eventos y festivales como:
Festival Latinoamericano de ManizalesColombia (2001 -2005 – 2008 y 20102013), Festival Internacional de Teatro
al Aire Puro en Bogotá- Colombia
(1999- 2001 – 2005 -2013), Festival
de Teatro Iberoamericano de República
Dominicana(1999 -2011), Festival
Internacional de Arte Escenarios del
Mundo en Cuenca - Ecuador (2008 2009) y en el Festival Iberoamericano
de Teatro de Bogotá ( 2012 y 2014).
ESPECTÁCULOS
CARPA CIRCO
Circo Alboroto
CUATRO X CUATRO, CIRCO TODO TERRENO
Argentina
FICHA ARTÍSTICA
Idea y Dirección: Compañía Circo
Alboroto
Intérpretes: Florencia Schrott, Ismael
Agüero Sandillu, Federico Fernández y
Alejandra Ceciaga
Vestuario: Avatar
Escenografía: Compañía Circo
Alboroto, El artesano de la Magia
Fotos: Paula Schrott
Duración: 50 minutos
Espectáculo de circo para todo público
107
LA OBRA
Cuatro por cuatro es la última
producción de la compañía Circo
Alboroto. Sus cuatro integrantes,
caricaturas extrañamente humanas,
juegan y nos conducen con mucho
humor por terrenos circenses, mágicos
y musicales.
Duelos acrobáticos, trucos delirantes
y cómicos enredos en un espectáculo
para todo público que deja huella. 4 x
4, circo todo terreno.
LA COMPAÑÍA
Circo Alboroto es una compañía
argentina de circo formada a fines del
2006 que fusiona el circo, el teatro y la
magia. Sus producciones están ideadas
para ser presentadas tanto en salas
como en espacios no convencionales
y al aire libre. Su lenguaje muy visual
y dinámico, su ritmo vertiginoso y
una puesta delirante y simple les han
permitido recorrer el país y cruzar
sus fronteras, realizando giras por
Colombia, México y España.
Entre sus obras se destacan: Un poco
de cordura en medio de tanta locura
(2008), Cartón lleno (2011), Cuatro
por cuatro (2014).
Compañía Shambala Circo
CIRCO X 4
Argentina
LA OBRA
Cuatro artistas se presentan para
poner en escena las cuatro artes
circenses, en un recorrido que permite
descubrir el origen y los secretos de
los números más característicos de
la historia del circo. Podremos ver
acrobacia, trabajos en altura, equilibrio
y malabares de la mano de destacados
artistas argentinos.
SHAMBALA CIRCO
Tras varios años de trabajo juntos, en
los que fueron integrantes del elenco
de diferentes espectáculos , Silvina
Paemaa, Constanza Andreozzi, Ezequiel
Barrile y Lucas Kamin, deciden formar
la compañía “Shambala Circo”
y con ella su primer espectáculo
“El camino de Wan Tan”, el cual se
presenta con éxito en el verano 2012
en Buenos Aires Polo Circo.
Debido a la formación de dichos
artistas basada en las técnicas
circenses tradicionales, se da origen al
más reciente espectáculo, “Circo x 4”.
108
FICHA ARTÍSTICA
Dirección:
Mario Perez y Gabriela Ricardes.
Acróbatas: Constanza Andreozzi,
Silvina Paemaa, Ezequiel Barrile, Lucas
Kamin.
Producción General: Marina Copello
Producción logística: Alejandra Elmo
Dirección Técnica de circo:
Mario Perez
Circo da Silva
{RIANTE!}
Brasil
109
Riante fue creado especialente
para divertir a los niños y niñas de
suramérica. En cada canción el
espectador se sorprende con la mezcla
de ritmos y la aparición de elementos
extra musicial como juguetes y efectos
especiales.
La Banda del Circo da Silva está
compuesta por la payasa –cantante
Ultravioleta, el guitarrista –súper héroe
Hombrenalgas, el baterista – pulpo
Siripulpo y la bailarina Flaminga. El
cuarteto desarrolla una performance
en vivo altamente histriónica, marcada
por la interacción con el público.
El disco {RIANTE!} fue grabado en
2011 y contó con la participación de
destacados músicos de la escena
musical
latinoamericana
como:
Hugo Fattoruso (Uruguay), Rita
Ribeiro (Brasil), Juan Ayala (Chile),
Mariana Baltar (Brasil), Alexi Graterol
(Venezuela), entre otros.
CIRCO DA SILVA
Es un colectivo de artistas que se
reúnen en diversos formatos para
realizar espectáculos autorales que
mezclan Teatro Físico y Música.
Creado en Rio de Janeiro en el año
2006 por la actriz gaúcha Paula Preiss
y el músico chileno Arturo Cussen, el
Circo da Silva se ha destacado por la
creación de nuevos lenguajes, lo que
se ve plasmado en los espectáculos
“Humanimal”, “{RIANTE!}” y “Banda
de Muvuca“, este último merecedor
del premio “Carequinha“ de estímulo al
Circo en 2010.
Paula Preiss, su directora, es una actriz
gaucha residente en Rio de Janeiro
desde 2001. Profesional de Circo
desde 1998, destaca por su trabajo
con teatro físico a través del lenguaje
del bufón y el clown. En 1999 y 2000
recorre el estado de Rio Grande do Sul
con la lona itinerante de Circo Teatro del
“Circo Girassol”. Después de participar
en diversos grupos y montajes, crea en
2006 el Circo da Silva.
Los Malafachas
LA BODA
Costa Rica – Guatemala
LA OBRA
Hoy! …¿me caso, o no me caso?...
Así comienza la escena, una
indecisa payasa y su enamorado
payaso, la historia de dos singulares
personajes que deciden casarse, y
en medio de esta loca decisión se
las ingenian utilizando diferentes
elementos y técnicas como teatro,
música, malabares, manipulación de
objetos, equilibrio con monociclos,
interacción con el público, comedia, y
hasta perros amaestrados, todo con
tal de poder lograr su objetivo; sin
embargo la participación del público
es el ingrediente principal para poder
realizar la tan esperada boda de Los
Malafachas.
LOS MALAFACHAS
Es un espacio para la experimentación
escénica, la libre expresión, y buen
humor.
Imparten talleres de teatro-clown,
y Reutilización Creativa para todo
publico. Conformado por “Lola
Carambola” (Laura Cordero de Costa
Rica) bailarina, actriz, directora de arte
y productora de “Los Malafachas”,
tallerista y payasa profesional; “Karim”
(Carlos Leiva, Guatemala- Líbano)
malabarista, actor, director de “Los
Malafachas”, tallerista y payaso
profesional.
Promueven un “nuevo circo”, un circo
sin animales salvajes, con animalitos
domésticos criados y entrenados, el
grupo está completamente en contra
del Maltrato Animal.
110
FICHA ARTÍSTICA
Dirección y creación Original: Los
Malafachas Teatro-Circo-Clown.
Elenco: Lola Carambola Malafachas
(Laura Cordero)
Karim Malafachas (Carlos Leiva)
El Perrito: Zar Malafachas
Variete local de circo
CIUDAD DE LAS PUERTAS ABIERTAS
Colombia
FICHA ARTÍSTICA
Creación colectiva
Integrantes:
Sebastián Giraldo Lozano, José
Fernando Usma Aguirre, Maira
Fernanda Manrique, Carlos Andrés
Patiño, Jonhatan Rodríguez, Adriana
María Rincón, Juan Ruzzo, Sergio
Escobar Vargas, David Gallego, Julieth
Tatiana Henao Ayala, Andrés Felipe
Álvarez Muñoz, Diego Fernando Díaz,
Brian Camilo Rodríguez, Sebastián
lozano Restrepo, Mario Cardona.
111
LA OBRA
Esta es la historia de Ginebra una
extranjera que vivía su vida con
monotonía y aburrimiento, su único
pasa tiempo era ver televisión en su
sofá; un día cualquiera, en el pasar
y pasar de canales se topó con un
comercial donde promocionaban
un viaje a Suramérica para vivir
una experiencia única y fuera de la
cotidianidad europea, fue tanto su
interés en darse una vacaciones que no
dudó ni un minuto en llamar y adquirir
el paquete turístico.
Inició su viaje sin saber que esta sería
la mejor aventura jamás vivida con la
cual impregnaría su existir de fantasía e
ilusión por disfrutar al máximo el resto
de su vida; viajó desde el Sur de Sur
de América, hasta llegar a Colombia
(Manizales).
Los colectivos
La Fundación Circo Manizales surge
en la ciudad de Manizales en el
año 2013, con el fin de incentivar
procesos de investigación, formación y
recuperación de espacios de la ciudad,
generando inclusión de las expresiones
artísticas como el arte circense.
Pandora Producciones es un grupo
que se ha venido consolidando en la
ciudad desde el año 2007 como ente
fortalecedor de procesos donde el
arte es el principal objetivo, haciendo
búsquedas de procesos donde el arte
es el principal objetivo.
Pepa Plana
PENÉLOPE
España
LA OBRA
Cójase a una payasa y póngasela a
esperar el regreso de un marido que
acaba de abandonar el hogar conyugal
para irse a la guerra. Démosle, a guisa
de distracción, una máquina de coser
y el hilo suficiente para que con sus
labores pueda olvidar sus penas y
hacernos olvidar de paso a nosotros
las nuestras. Pues bien: el resultado
es una versión de la Guerra de Troya
que no tiene nada que envidiar a la del
ínclito Homero. Como en la Ilíada y la
Odisea, también aquí tenemos naves
griegas e inexpugnables ciudadelas,
heroicos guerreros y feroces batalles,
islas hospitalarias y voluptuosas
Calipsos. Y, cómo no, el caballo que dio
la victoria a las tropas de los griegos
y convirtió a su inventor, Ulises, en
toda una celebrity. Es cierto que
aquí las victorias no se celebran con
monumentales sacrificios de bueyes y
ovejas (¿los antepasados de nuestras
112
FICHA ARTÍSTICA
Payasa: Pepa Plana
Asesoramiento Magia: Mag Lari
Música Original: Lluís Cartes
Vestuario: Rosa Solé
Iluminación: Jordi LLongueras
Atrezo: Oriol Blanchar i Xavier Garcia
Fotografía: Joan Sánchez
Producción: La Vaca Flaca
Ayudante de dirección: Aina Tur
Adaptación Payasa: Joan Busquets
Idea Original: Pepa Plana
Dirección: NOLA RAE
barbacoas?) para agradecer sus favores
a los dioses, sino con unas copitas de
cava catalán; es cierto también que al
ruido del mar y el rugir de las tropas
viene a unírseles a veces el timbre de
la puerta y alguna canción popular muy
posterior a Homero, pero también es
verdad que esta Penélope, aunque no
se exprese en hexámetros dactílicos
y sea bastante más descarada e
irreverente que la original, nos cose a
nuestras sillas con su poesía lacónica y
despojada. (Mercedes Abad)
113
PEPA PLANA
Actriz y payasa catalana, nacida en
Valls, Tarragona, el 2 de mayo de 1965,
es un referente nacional en el género
por la calidad de sus espectáculos y
por su contribución en la visualización
de las payasas, destacando como una
de las figuras europeas.
Pepa Plana ha sido también la directora
artística del “Festival Internacional
de Pallassess d’Andorra”, absoluto
referente del género, de carácter
bianual, desde la primera edición, en
2001 hasta la última en 2009.
Compañía Bam
WILLYGOODWOOD
Francia
LA OBRA
Un hombre y una mujer: ella funámbula,
él acróbata. Con sensibilidad y humor
intentan ser cómplices, interactuar,
oponerse, tomar el poder. Dos jóvenes
artistas a flor de piel que intentan
vivir como respiran: de a dos. Una
mezcla explosiva de danza, canto,
acrobacia, arte marcial y funambulismo
acompañada en directo por el
guitarrista Jérémy Manche.
El espectáculo empieza con la llegada
escandalosa de un guitarrista. Con
su aire desgarbado nos toca una
mezcla explosiva de rock, blues y
música electrónica. Es uno de los
tres personajes y va a crear la banda
sonora de un encuentro poco común.
Un hombre espera, su cuerpo y su
espíritu divagan. Aparece una mujer,
bailarina ligera como el aire. Empieza
entonces un dúo asombroso. ¿Qué
hacen? ¿Bailan, hacen acrobacias,
juegan, se pelean? Tal vez hacen de
todo un poco al mismo tiempo, entre
danza, acrobacia y arte marcial. En
este número los cuerpos en acción
cuentan la historia de estos dos
personajes que deambulan y se revelan
poco a poco, cada uno en su universo.
Estos dos individuos le muestran al
público quienes son y lo que saben
hacer, según las intervenciones del
guitarrista. Se encuentran, se buscan,
se cuestionan y aprenden a funcionar
juntos. Descubren que uno va más
rápido estando solo pero que siendo
dos… se llega más lejos. Un dúo
donde se mezclan proezas y poesía.
114
FICHA ARTÍSTICA
Funánbula y acróbata: Natalie Good
Acróbata y desequilibrista: William
Thomas
Músico y performer: Jérémy Manche
115
COMPAÑÍA BAM
La formaron en el 2008 cinco jóvenes
artistas de Amiens graduados del
Centro Nacional de las Artes del
Circo de Chalons en Champagne y
que compartían las mismas ganas y
la misma visión del circo. Montaron
su primer espectáculo, Switch en
el 2010. A partir de ahí, BAM ha
incorporado a otros circenses e invita
de igual manera a otros artistas para
la elaboración de sus espectáculos. La
compañía se ha presentado en Francia,
Rusia, Argentina, Inglaterra, España,
Bélgica, Italia, Holanda, Argentina,
México, Estados Unidos, y ahora llega
a Colombia.
El espectáculo está conformado por
dos artistas de la Compañía Bam:
Natalie Good, funámbula y acróbata
de origen americano, formada en la
Escuela Nacional de Circo de Montreal
entre el 2006 y el 2008, y William
Thomas, acróbata y desequilibrista de
origen francés, formado en el Centro
Nacional de las Artes del Circo de
Chalons en Champagne entre el 2007
y el 2009. En escena cuentan con
la colaboración de Jérémy Manche,
músico y Performer de origen francés,
formado en el conservatorio de Lyon,
sección “música actual y amplificada”.
Es miembro del grupo “Deadwood” y
del proyecto circo/música/performance
de la Cie The Beast.
Triciclo Rojo
POETA DE LAVABO
México
LA OBRA
Etolo es un caballero andante, siempre
en busca de pequeños milagros, cuyo
destino es devolverle a la gente la fe en
sus sueños. Con ayuda de Bum y Hum
descubrirá a dónde van los sueños
olvidados y conquistará el miedo y el
peligro antes de escalar el mundo.
TRICICLO ROJO
Integra de manera poética y lúdica el
clown, la danza, las artes plásticas, la
animación y la música en complicidad
viva con la imaginación de los niños.
Hace de la risa un arma del pensamiento
mediante un diálogo incansable con la
fantasía y el asombro.
Ha sido reconocido por su autenticidad
escénica y su capacidad de realizar
116
FICHA ARTÍSTICA
Idea original: Emiliano Cárdenas
Coreografía: Emiliano Cárdenas,
Natalia Cárdenas y Elizabeth de Anda
Intérpretes: Elizabeth de Anda,
Emiliano Cárdenas y Natalia Cárdenas
Iluminación: Pilar Campo y Gloria
Minauro
Música original y diseño de audio:
Jesús Rodríguez (Toy) y Carlos Millán
(Chuk)
Diseño y realización de escenografía y
utilería: Sofía Arredondo, Elizabeth
Álvarez y Natalia Cárdenas.
Diseño de vestuario: Natalia Cárdenas
Realización de vestuario: Marisa
Sánchez y Lidia Romero.
Producción ejecutiva: Pilar Campo
Fotografía: Gloria Minauro
117
proyectos integrales de gran
impacto, pisando los escenarios más
importantes para las artes en México
como el Palacio de Bellas Artes.
Ha llevado su obra por la República
Mexicana y países como Dinamarca,
India, Chile, Estados Unidos, Portugal,
Canadá, China y Brasil.
Ha desarrollado el proyecto Caravana
del Elefante Polar con el que lleva
artes escénicas para niños y niñas de
manera gratuita a las zonas que no
cuentan con infraestructura teatral.
ENRIQUE CÁRDENAS PÉREZ
Fundador, creativo, coreógrafo, payaso
y bailarín de Triciclo Rojo. Se formó en
el Centro de Educación Artística Luís
Spota Saavedra y la Academia de
la Danza Mexicana, además estudió
técnicas de clown en Dinamarca con
Alfredo Rastelli.
Su trabajo se ha presentado el Lisboa,
Portugal dentro de movilizaciones
callejeras de payasos a favor de las
paz mundial, en Santiago, Chile dentro
del Festival Clownstro Internacional,
en el Young Dancers Festival 2006 en
la Ciudad de Nueva Delhi, India, en
Estados unidos, Canadá, China y Brasil.
En México su juego poético y lúdico
danza clown ha pisado los escenarios
más importantes como la Sala Principal
del Palacio de Bellas Artes y la Sala
Miguel Covarrubias entre otros.
La Tropa del Eclipse
PERIPLOP
Perú
LA OBRA
El espectáculo se inicia con la llegada
de dos payasos; Sasha y Bufo, a
presentar sus respetos en el velorio de
un colega. Cuando se acercan hacia su
compañero en el lugar donde se velan
sus ropas, por casualidad, se topan
con la maleta de trabajo de su amigo;
la abren y ven todos los artículos
y cosas que su compañero usaba
para divertir a la gente, Así, usando
lo que se encuentran, con respeto,
arman un espectáculo rindiéndole un
homenaje a él y a todos los payasos
que nos dejaron un legado, para que
podamos tener rutinas y situaciones de
comicidad maravillosas, inteligentes,
sanas y espectaculares; un recuerdo
y homenaje con alegría, dignidad y
elegancia para todos los maestros.
LA TROPA DEL ECLIPSE
Es una compañía de teatro
contemporáneo que se funda en 1997
en Lima- Perú. Desde el inicio realiza
una investigación constante en mezclar
118
FICHA ARTÍSTICA
Concepto: Carlos Criado y Alex Ticona
Actuación: Diego Ticona, Alex Ticona y
Arabel Donayre
Dirección Escénica: Carlos Criado
Dirección General: Alex Ticona
Productora: Rosa Elena González
119
técnicas del teatro y circo. Es así
como se profundiza en la técnica de la
comedia física basado en los payasos
clásicos del circo. Malabares, música,
teatro, comedia del arte, mimo,
elementos circenses, son algunas de
las herramientas que los actores van
trabajando; todas estas sumadas a la
dramaturgia son el fundamento de la
creación escénica.
La Tropa del Eclipse está conformada
por actores, actrices, músicos,
pedagogos y expertos en arte.
Aparte de realizar espectáculos, han
desarrollado proyectos educacionales
y eventos institucionales de gran éxito
a nivel nacional como internacional.
La Tropa del Eclipse es una compañía
de carácter internacional por su
desempeño tanto dentro como fuera
del país, ha participado representando
a Perú, en eventos y festivales como:
Festival Latinoamericano de ManizalesColombia (2001 -2005 – 2008 y 20102013), Festival Internacional de Teatro
al Aire Puro en Bogotá- Colombia
(1999- 2001 – 2005 -2013), Festival
de Teatro Iberoamericano de República
Dominicana(1999 -2011), Festival
Internacional de Arte Escenarios del
Mundo en Cuenca - Ecuador (2008 2009) y en el Festival Iberoamericano
de Teatro de Bogotá ( 2012 y 2014).
Muro de Espuma
ACTO DE PAYASOS
Colombia
MURO DE ESPUMA
Es una compañía artística creada en
1983 por Felipe García Silva (Director),
con el propósito de generar una
constante investigación en torno a los
temas del circo y el teatro, la formación
de nuevos artistas y el impulso de
las artes escénicas en Colombia y el
mundo. Propuestas interdisciplinares,
performativas, alegres, grotescas,
festivas y carnavalescas, son los micro
mundos creados por la compañía,
en dónde el desenfreno del goce del
juego, el infinito o de un estornudo son
los protagonistas.
120
LA OBRA
Una historia peregrina que nos invita
a viajar y disfrutar de la inocencia,
el ridículo, el amor, burlar la guerra
y la anarquía. Todo ello, a través
del maravilloso mundo del payaso
y, por supuesto, de su cómplice: el
espectador.
Eventos especiales
"PALABRAS EN ESCENA"
INVITADOS
AMALIA IRIARTE NÚÑEZ
Es Licenciada en Filosofía y Letras
de la Universidad de Los andes. Se
ha desempeñado como docente de
literatura en la Escuela Española de
Middlebury College, Vermont, U. S.
A. y de historia del teatro y Estudios
Teatrales en la Escuela Nacional de Arte
Dramático, en la Escuela de Formación
de Actores del Teatro Libre de Bogotá.
Desde enero de 1990 y hasta diciembre
de 2009, fue profesora asociada del
Departamento de Humanidades y
Literatura de la Universidad de Los
Andes. En 1996 publicó Lo teatral en
ANGELA MOURAO
123
Es actriz y directora de teatro. Vive en
Belo Horizonte, Minas Gerais, Brasil. Es
una de las fundadores del Grupo Teatro
Andante, con trayectoria ininterrupida
desde 1990. Enseña técnicas
corporales y actuación escénica.
Participa de festivales, tanto como
artista y como observadora en Brasil,
América Latina y Europa, donde recién
estuvo en residencia artística.
la obra de Shakespeare, libro editado
por Ediciones Uniandes y la Editorial
Universitaria de Antioquia, y en 1998
Tragedia de fantoches. Estudio del
esperpento valleinclanesco como
invención de un lenguaje teatral,
obra publicada en coedición de Plaza
y Janés, Uniandes y Universidad
Nacional. Coordinó la edición del libro
Don Quijote en las aulas, publicado
en 2006 por Ediciones Uniandes y
Siglo del Hombre, obra que incluye
un ensayo suyo titulado “Don quijote
espectador de Teatro”.
INVITADOS
CRISTÓBAL PELÁEZ
Cristóbal Peláez nació en Envigado.
A los 18 años comenzó a dirigir dos
agrupaciones juveniles de teatro: El
Triángulo y Tercera Planta, allí participo
como actor y director de seis montajes.
En 1975 tomó un barco que lo llevó a
España donde permaneció tres años
haciendo trabajos de observación e
investigación. Fue actor en el teatro la
Escalera y el Grupo Internacional bajo
la dirección del venezolano José Salas.
En 1979, fundó el Colectivo Teatral
Matacandelas, grupo con el que ha
realizado 40 Montajes y cerca de 5
mil Presentaciones en toda Colombia
e internacionalmente en países
como Venezuela, Guatemala, Francia,
Portugal, España, Bélgica, Ecuador
y Cuba donde se ha desempeñado
como actor, escenógrafo, dramaturgo
y director. En 1996 recibió el Premio
del Festival Nacional de Teatro en Cali,
como dramaturgo y director de la obra
Angelitos Empantanados.
DANIEL GOLDMAN
Es también el director artístico del
Festival de Teatro CASA América
Latina, la celebración de más alto
perfil del teatro latinoamericano del
Reino Unido, así como un entrenador
experimentado de actores (Oxford
Escuela de Drama, Drama Centre
London, East 15, Universidad de
Cumbria and Drama School Mumbai)
124
Es el director artístico de Tangram
Theatre Company. Como director
independiente, ha dirigido Wanawake
Wa Wa Heri Windsa (The Merry
Wives of Windsor in Swahili) para el
Globo del Festival Globe en Globe de
Shakespeare y Que no eres como las
otras chicas Chrissy (Premio Ganador
de la etapa / Oliver Award nominada)
en el Bush y Touring Nacional.
INVITADOS
DIEGO ARAMBURU
Fundador de Kiknteatr, es uno de los
artistas más importantes e influyentes
de la cultura bolivian. Instancias
de gran prestigio como la UNESCO
han reconocido su trabajo entre el
de artistas destacados del mundo.
Ha obtenido el Premio Nacional de
Teatro en Bolivia nueve veces, Premio
a la Trayectoria Teatral otorgado por
el Festival Internacional de Teatro
de Santa Cruz de la Sierra / APAC, y
Medalla de Honor y reconocimiento a
la labor artística por parte del Gobierno;
también su reciente producción en
Argentina le ha valido varios de los
premios más importantes (Mejor Obra,
Dramaturgia y Dirección 2011, por “El
Precio Instante Para No Ser Amado”,
de su autoría; y el Premio Mayor
FABIO RUBIANO
125
Egresado de la Escuela Superior de
Teatro de Bogotá. Actor de televisión,
cine y teatro. Fundador, Director y
Dramaturgo del Teatro Petra; desde
2001 es profesor en la Maestría en
Escrituras Creativas de la Universidad
Nacional. En 2014 ganó el premio de
Dirección Nacional otorgado por el
Ministerio de Cultura de Colombia.
entre las producciones de Córdoba,
Premios Gran Teatro del Mundo 2011
por “La Librería”). Primer artista
externo invitado para dirigir al mítico
Teatro de Los Andes de Bolivia, para
quienes escribió y dirigió Hamlet de
Los Andes. Con “Macbett” de Ionesco
(Teatro Nacional de Quebec, Theatre
du Trident, 2009), se convierte en el
primer director que desarrolló y ejerce
su carrera en Bolivia en ser contratado
para realizar montajes en teatros
oficiales de primer nivel en distintos
países y su presencia en La Mousson
d’Été de 2010, en Francia, con su
texto “Fragmentos Líquidos”, inscribe
la participación boliviana en festivales
internacionales de nuevas propuestas
dramatúrgicas.
INVITADOS
FELIPE CÉSAR LONDOÑO
PhD en Ingeniería Multimedia,
UPC Barcelona, España. Rector
Universidad de Caldas. Profesor titular
e investigador en diseño y nuevos
medios del Departamento de Diseño
Visual de la Universidad de Caldas,
Colombia. Es cofundador del programa
Diseño Visual y ha sido director de
Departamento, Decano de la Facultad
de Artes y Humanidades y Director del
Doctorado en Diseño y Creación.
Ha sido durante 16 años el director del
Festival Internacional de la Imagen.
Ha publicado varios libros, entre ellos
su tesis doctoral: “Interfaces de las
Comunidades Virtuales”, “Paisaje
y nuevos territorios-en red” (con
la editorial Anthropos, Barcelona,
España), y las investigaciones:
“Videojuegos, Diseño y Ciudadanía”,
“Diseño Digital. Metodología para la
creación de proyectos interactivos”, y
“Expresión visual en las ciudades del
bahareque”, entre otros.
GABRIEL CALDERÓN
Morosoli por su aporte a la cultura
nacional en su joven trayectoria. Premio
a jóvenes talentos 2006 otorgado por
la fundación Bank Boston.
Desde 2011 es miembro del Lincoln
Center Theater Directors Lab y artista
residente del Théâtre des Quartiers
d’Ivry en Paris- Francia.
126
Integrante de la Compañía COMPLOT
con la cual ha creado o colaborado en
más de 25 espectáculos.
Ha escrito más de 16 obras de teatro
y ha sido reconocido con diferentes
premios como: Premio Florencio;
Premio Iris 2008; Premio a Nueva
Dramaturgia otorgado por el Instituto
Internacional de Teatro; Premio
INVITADOS
GUILLERMO HERAS
Licenciado en Interpretación por la Real
Escuela Superior de Arte Dramático
y Danza. Estudios de Periodismo e
Imagen en la Facultad de Ciencia
de la Información de la Universidad
Complutense de Madrid.
Actor y Director del Grupo Tábano,
de 1974 a 1983. Director del Centro
Nacional de Nuevas Tendencias
Escénicas (Ministerio de Educación y
ANGEL IGOR LOZADA
127
Destacado productor en el quehacer
teatral mexicano. Fundador, director
ejecutivo y productor de teatro de
Ciertos Habitantes, compañía cuyas
producciones han sido presentadas
con gran éxito en México, Europa,
Asia, Latinoamerica, Estados Unidos y
el Caribe.
Del 2006 a la actualidad es Secretario
de Vinculación y difusión Cultural
el CUAAD (Centro Universitario de
Arte, Arquitectura y Diseño) de la
Universidad de Guadalajara.
Cultura), 1984 a 1993. Director de la
Muestra de Teatro Español de Autores
Contemporáneos de Alicante, 1993.
Ex-Vicepresidente de la Asociación de
Directores de Escena (ADE). Profesor
del Área de Danza del Máster de
Gestión Cultural ICCMU (Universidad
Complutense) y del Máster de gestión
Cultural de la Universidad Carlos III de
Madrid.
INVITADOS
JAIME CAMARENA
Director y Coreógrafo. La necesidad de
explorar a profundidad su oficio, motivó
a Camarena para cruzar las fronteras
de México y tener otros panoramas del
género contemporáneo. Es entonces
que viaja a Barcelona, España, donde
vivió durante ocho años. En ese
tiempo, el mexicano gestó lo que ha
sido su proyecto de vida: la Compañía
A Poc A Poc.
Sus obras son muestra fiel de sus
inquietudes. Ha abordado a través
del lenguaje corporal temas como la
imposibilidad del amor, la soledad en
pareja y sus complejas manifestaciones
(en Binomios y antimonios), el frágil
sentimiento de la espera (en Azul
oniris), las múltiples aristas de la
sexualidad humana (en Cópula negra),
la pérdida o ausencia del ser amado
(en Fugit amor), y el complejo mundo
de la servidumbre (en Las Criadas), por
mencionar algunas coreografías.
JAIME CHABAUD MAGNUS
Sin pies ni cabeza, el Premio Nacional
de Dramaturgia “Víctor Hugo Rascón
Banda” 2006 por Rashid 9/11 y el
Premio Nacional de Dramaturgia Juan
Ruiz de Alarcón 2013 a su trayectoria.
Sus obras se han traducido (y en
algunos casos publicado) al francés,
alemán, inglés, búlgaro, portugués,
catalán, gallego, polaco y checo.
Es director de Paso de Gato, Revista
Mexicana de Teatro, publicación
trimestral especializada, por la que
recibió en 2005 el Premio Nacional de
Periodismo “José Pagés Llergo” a la
mejor Publicación Cultural del año.
128
Dramaturgo, guionista, pedagogo,
periodista, editor e investigador
teatral, nace en la ciudad de México el
24 de febrero de 1966. Estudió Letras
Hispánicas, Teatro y Cine.
Ha recibido catorce distinciones por
su trabajo dramatúrgico entre las
que destacan el Premio Nacional de
Dramaturgia “Fernando Calderón”
del gobierno de Jalisco (1990) por
su obra ¡Que Viva Cristo Rey!, el
“Premio Nacional Obra de Teatro
1999” que otorga el INBA por Talk
Show, el Premio FILIJ de Dramaturgia
“El Mejor Teatro para Niños” 1999 por
INVITADOS
ELIZABETH DOUD
Tiene más de 15 años de experiencia
como organizador cultural y educador,
con énfasis en el intercambio
cultural internacional en las artes
escénica. Comenzó a trabajar con el
Departamento de Asuntos Culturales
del Miami Dade College en 1998 en
el servicio de la del Lobo Performance
Series Cultura, y se desempeñó como
director artístico del Departamento
de 2009 a 2011 y ha trabajado con
FUNDarte, Inc., con sede en Miami
presentando organizaciones como la
programación consultor.
Ha sido la Coordinadora del National
MARCELINO MARTÍN
129
Desde Octubre de 1995 trabaja
como Director del Área de Cultura
del Excmo. Ayuntamiento de Puerto
de la Cruz . Tenerife. Islas Canarias.
España. Entre otras funciones dirige
el Festival Internacional de arte en la
calle “ Mueca”, el festival internacional
de literatura de viajes y aventuras
“Periplo” y pertenece a la secretaría
técnica del Estrategias para la Cultura
de Puerto de la Cruz 2020.
Performance Network’s Performing
desde 2005, y ha sido clave en el
crecimiento de este programa de
intercambio de artes internacional
único y sistemático, que se basa en
la reciprocidad y la construcción del
conocimiento, así como la creación
de oportunidades para artistas en gira
internacional, con énfasis en América
Latina y el Caribe.
Entre los diversos premios y
reconocimientos, fue galardonada
con un estado de la Florida Artista
individual Fellowship para el trabajo
interdisciplinario en 2011.
INVITADOS
MARIANA PERCOVICH
Nace en Montevideo en 1963. Asesora
de Artes Escénicas en el Ministerio de
Educación y Cultura, y directora del
Instituto Nacional de Artes Escénicas
entre los años 2008 y 2011. Docente en
la Universidad Católica del Uruguay de
Puesta en Escena, Escuelas de Teatro
del medio, Tecnicatura de Gestión
Cultural en el CLAEH, y de Dramaturgia
y Dirección escénica en COMPLOT
compañía teatral a la que pertenece
como Directora Artística desde el año
2007 junto a Gabriel Calderón, Sergio
Blanco, Martín Inthamoussú, Ramiro
Perdomo y Adrián Minutti (Productor).
Recibió el premio Florencio a
Mejor Directora en 1997 y 2013,
e
innumerables
nominaciones
a lo largo de su carrera, como
directora, dramaturga, y otros rubros
(escenografía y banda de sonido).
Sus espectáculos se caracterizan por
una permanente investigación sobre
la relación del espacio real, el espacio
teatral y los espectadores.
NEL DIAGO
130
Doctor en Filología Hispánica por
la Universidad de Valencia, 1987.
Profesor Titular de Historia del Teatro
en la Universidad de Valencia. Crítico e
investigador teatral.
Ha sido Vicedecano de la Facultad
de Filología de la Universidad de
Valencia (1990-1996). Coordinador
del Aula de Teatro de la Universidad
de Valencia (1990-1994). Desde
1999 hasta 2008 codirige con José
Monleón el Encuentro Internacional de
Dramaturgia de La Valldigna.
PAU LLACUNA I ORTÍNEZ
Es Licenciado en Historia del Arte por
la Universidad de Barcelona, Gestión
de instituciones Artísticas y Cultural
por ESADE y de Dirección de Proyectos
Culturales por el CERC. Entre 1976 –
1985 coordina el Departamento de
Cultura de la Ciudad de Igualada. Entre
los años 1986 y 1990 es coordinadorgerente de la Feria de Teatre de
Tàrrega. Después, y hasta el año
1996, es responsable del “Espai de
Dansa y Música de la Generalitat de
Catalunya”. También es coordinador
de Actividades Propias del Servicio
de Danza y Teatro de la Generalitat de
Catalunya (1989-1991) y coordinador
del Festival Internacional de Teatro de
Sitges (1990-1992).
En 2005, impulsa COFAE, Coordinadora
de Ferias de Artes Escénicas del Estado
español de la que es presidente entre
2006- 2008, cargo que ejerce otra vez
a partir del 2011.
SERGIO BLANCO
131
Dramaturgo y director teatral francouruguayo, Sergio Blanco vivió
su infancia y su adolescencia en
Montevideo y reside actualmente en
París. Luego de realizar estudios de
filología clásica, ha decidido dedicarse
por entero a la escritura y a la dirección
teatral. Sus piezas han sido distinguidos
en reiteradas oportunidades con
varios primeros premios nacionales
e internacionales. Su obra entra al
repertorio de la Comedia Nacional
de Uruguay en 2003 y 2007 con sus
piezas .45’ y Kiev. Entre sus títulos
más conocidos se destacan Slaughter;
.45’; Kiev; Opus Sextum; diptiko (vol.
1 y 2); Barbarie; Kassandra; El salto
de Darwin y Tebas Land. Varias de
sus obras han sido estrenadas en su
país y en el extranjero, y la mayoría de
ellas traducidas a distintas lenguas y
publicadas en diferentes países.
En marzo del 2013 es designado por
la Universidad Carlos III de Madrid,
Director Artístico y Académico del
proyecto europeo Crossing Stages
que reúne diferentes universidades e
instituciones artísticas de siete países
europeos.
SYLVIE DURÁN
Actriz, Cantante y Gestora Cultural,
coordinadora del Programa Cultura e
Integración de Costa Rica. Especialista
en Gestión y Políticas Culturales.
Ha sido docente y consultora
para instituciones regionales y de
cooperación al desarrollo como BID,
OEI, AECID, UE, Secretaría de Cultura,
Artes Deportes de Honduras, Institutos
de Turismo de Costa Rica y Honduras.
Es miembro de la Junta Directiva de
la Asociación para el Desarrollo de la
industria de la Música Iberoamericana
(ADIMI) por el período 2010-2011.
2DO ENCUENTRO
RED EURO-LATINOAMERICANA DE FESTIVALES
Manizales, Agosto 29 y 30 de 2014
Allí confluyen ideales, sueños,
trabajo y la empatía de un grupo de
personas que no se conocían o nunca
se habían encontrado físicamente,
a pesar de que algunos habíamos
trabajado ya en alguna ocasion. Un
grupo de personas con muchas ganas
de transformar la realidad en sus
ámbitos de trabajo y establecer lazos
de unión con otras personas con el
objetivo de avanzar en la sostenibilidad
de sus proyectos.
Este encuentro no se debió a la
casualidad o a alguna convocatoria
mesiánica. Esta convocatoria y el
hecho de haber llegado hasta allí
se fue fraguando durante bastantes
años atrás, durante muchas horas de
conversación, tras intensos y largos
viajes y después de vivir muchas horas
de artes escénicas. Indudablemente,
este encuentro fue posible gracias a
Octavio Arbeláez, la persona que fue
capaz de hacer converger todas esas
energías y permitir que todas esas
personas pudiéramos encontrarnos.
En este caso con la complicidad de
Marie Julienne Hingant y Jean Marie
Broucaret organizadores del festival
“Les Translatines”
Gracias a su esfuerzo, a los
kilómetros que recorrió para ir al
encuentro de cada uno de nosotros y
nosotras, a las horas de teatro, danza o
circo compartidas con él, se concluyó
con un encuentro en el cual todos
hablábamos, intercambiábamos ideas
y proyectos en torno al tema que nos
ocupa y que nos trae hasta aquí, el
teatro Latinoameriacano.
Así nace REDELAE (Red EuroLatinoamericana de Artes Escénicas),
una red de carácter latinoamericana
que tiene como objetivo principal la
de promocionar las artes escénicas de
habla hispana en ambos continentes.
132
En la ciudad francesa de Bayonne,
en octubre del año pasado y en el
marco de un festival referencia para
el teatro euroameriacano, el festival
“Les Translatines”, se celebró la
asamblea constitutiva de la Red
Eurolatinoamericana de las Artes
Escénicas.
Durante la trigésima sexta versión
del Festival Internacional de Teatro de
Manizales se dará lugar a un nuevo
encuentro que tiene por objeto dar
continuidad a los suscritos acuerdos a
la vez que convocar nuevos miembros
representantes de Festivales de
Latinoamérica y Europa.
133
PARTICIPANTES
_Guillermo Parodi, Instituto Nacional
de Teatro - Argentina
_Bolivar Carvalho, Festival Internacional
de Teatro Santa Cruz de la Sierra Bolivia
_Cassio Pinheiro, Festival Internacional
de Teatro Palco & Rua de Belo Horizonte
_Brasil
_Alexandre Jose Vargas da Silva,
Festival de Teatro de Rua Porto Alegre
_Brasil
_Hugo Covarrubias, Festival Cielos del
Infinito - Chile
_Nixon García, Festival Internacional
de Teatro de Manta - Ecuador
_Jorge Parra Landázuri, Festival
Internacional de Teatro de Guayaquil Ecuador
_Marcelino Martín, MUECA Festival
Internacional de Arte en la Calle España
_Pau Llacuna, Fira Tàrrega - España
_Norka Chiapuso, dFERIA - España
_Jean-Marie Broucaret, Théâtre des
Chimères - Francia
_Marie Julienne Hingant, Théâtre des
Chimères - Francia
_Alicia Laguna, Encuentro Internacional
de
Escena
Contemporánea
Transversales - México
_Raquel Araujo, Festival de Teatro la
Rendija - México
_Lucero Millan, Sala de Teatro Justo
Rufino Garay - Nicaragua
_Roberto Enrique King, Festival
Internacional de Artes Escénicas de
Panamá - Panamá
_Daniel Goldman, CASA Latin America
Festival - Reino Unido
_Gustavo Zidán, Sala Verdi - Muestra
Iberoamericana de Teatro
Uruguay
_Freddy Ñáñez, FUNDARTE - Festival
de Caracas - Venezuela
_Antonio Revez, Festival Internacional
de Teatro do Alentejo - Portugal
JOHN ALEX TORO, COLOMBIA
DANIEL ARIZA, COLOMBIA
LUIS FERNANDO VELASCO, COLOMBIA
La ACA, Asociación Colombiana
de Actores, convoca, en todo el
territorio nacional, a la mayor cantidad
de colegas actores con el propósito
de organizarse como gremio y poder
adelantar, con el estado y la empresa
privada, un estatuto coherente y
justo que beneficie las condiciones
de realización de su producción
artística, que los proteja laboralmente
y dignifique sus condiciones de salud y
calidad de vida.
TEMAS A DESARROLLAR
_Presentación de ACA.
_Bienestar y protección social del
actor en la región.
_Mesas de trabajo para levantar
una cartografía que identifique las
condiciones en las que el actor
desarrolla su actividad, en las distintas
regiones del país.
_Conclusiones de las mesas de trabajo
e inscripciones .
134
SEMINARIO-TALLER
“Socialización del Sindicato ACA, Asociación
Colombiana de Actores, en las Regiones”
PONENTES
CONFERENCIA-TALLER GESTIÓN DE LAS ARTES
Conferencista: Guillermo Heras, España
Viernes 29 de Agosto
135
Encuentro/ debate con el sector de
gestión de las Artes en el que a partir de
la exposición por parte del coordinador
de la jornada de una serie de temas
relacionados con estrategias de
gestión que busquen la sostenibilidad
y excelencia de su práctica, se abra
un debate de confrontación con las
propias experiencias desarrolladas por
los participantes en la jornada.
FORO TEATRO MEXICANO CONTEMPORÁNEO
Lunes 25 de Agosto de 2014
El desarrollo de los lenguajes
dramáticos o aquellos propios de
la puesta en escena suceden o han
sucedido a la par del surgimiento
de otros sistemas de producción
y recepción del espectáculo, al
redimensionamiento de las políticas
culturales para el sector, y , en fin a la
complejidad en sus relaciones.
De aquí que en este seminario
busquemos dibujar el alcance de
esa tradición teatral , y su evolución
a lo que podríamos denominar lo
contemporáneo , sus retos, su
desarrollo, el intrincado engranaje
institucional y especialmente, en la
voz de algunos de los representantes
de la escena mexicana, desde la
dimensión institucional, desde la visión
de los creadores, y desde la de los
intelectuales críticos, entender los
posibles retos y desafíos que surgen
para su consolidación en el panorama
internacional.
PONENTES
JAIME CHABAÚD, MÉXICO
JUAN MELIÁ, MÉXICO
136
El teatro mexicano, invitado especial
de la presente edición del Festival
Internacional de Teatro de Manizales,
presenta una rica diversidad imbricada
con su dimensión territorial que
se mueve entre la tradición y la
modernidad, desde las expresiones
más “vanguardistas” hasta formas
tradicionales del teatro clásico. Estas
perspectivas se ven reflejadas en el día
a día de su quehacer escénico tanto
desde la producción oficial, ligada al
estado Federal , al ámbito universitario,
o a sus formas regionales, o a la
producción independiente que se ha
consolidado en las dos últimas décadas
con la fuerte irrupción de generaciones
que toman el relevo del movimiento
teatral de un país que ha estado a la
vanguardia de Latinoamérica.
TALLER ESPECIALIZADO DE ENTRENAMIENTO ACTORAL
Mariana Percovich & Gabriel Calderón
Taller para estudiantes de actuación
con al menos 2 años realizados en
alguna escuela o taller del medio. Así
mismo se aceptarán actores con más
de dos participaciones en alguna obra
profesional del medio.
EJES TEMÁTICOS:
137
EMOCIÓN Y ESTADO. POR MARIANA
PERCOVICH
Sobre textos teatrales (de la Tragedia
Moderna al Teatro contemporáneo).
Aproximación a los abordajes
contemporáneos sobre EmociónVerdadEstado.
StanislavskyStrasberg- y la línea de las acciones
físicas. Evolución del concepto de
verdad. Nuevas aproximaciones en la
actuación contemporánea.
EL ACTOR INTELIGENTE.
POR GABRIEL CALDERÓN
Ofrecer herramientas contemporáneas
de composición teatral aplicadas al
hecho escénico. Trabajar sobre tres
conceptos actorales a investigar,
experimentar y aplicar; Lo obeso, lo
escuálido y lo neutro. Apuntar a un
actor- actriz de conciencia total sobre
el hecho escénico. Trabajo sobre todos
los elementos poéticos que conforman
un espectáculo y el rol del actor en
cada uno de ellos.
SEMINARIO DE DIRECTORES
Por Mariana Percovich
La violencia de la decisión
Solo cuando se ha decidido algo puede empezar realmente el trabajo.
Anne Bogart
La preparación del director
2. EL OFICIO DEL DIRECTOR.
Un poco de historia. Etapas de la
historia de la puesta en escena según
Pavis. Análisis de referencias teóricas
(Del Teatro de Arte de Moscú a la
formación del director de Anne Bogart).
3. EL ARTE ES VIOLENTO.
La violencia de la decisión. Según Anne
Bogart. La idea. El texto. El actor. El
diseñador. El ensayo.
4. PUNTOS DE VISTA.
Cómo formulamos, como nos
comunicamos. Metodologías de la
dirección. El proyecto con el diseñador.
Análisis del texto espectacular.
Planificar o dejar fluir la inspiración. La
calidad de mi atención. Análisi de la
cartelera: ¿textos o proyectos?
5. DIRECCIÓN DE ACTORES.
(¿Versus Puesta en Escena?) Como
dirigir una escena realista. Como
dirigir una escena contemporánea.
(Ejercicios con actores). La ruptura
de la cuarta pared. La negación de la
representación.
6. CAMBIOS EN LOS PARADIGMAS DE LA
REPRESENTACIÓN.
Los dispositivos del director. Una silla
es el mundo.
7. DEL TEATRO ITALIANO AL ESPACIO
NO CONVENCIONAL. Estrategias y
procedimientos
Seminario de trabajo teórico práctico
sobre dirección teatral.
138
1. LA ESCENA PRIMIGENIA.
El disparador de la vocación. Ejercicio
para descubrir, recordar o inventar la
primera vez que sentimos las ganas
de ser directores teatrales. La primera
idea para dirigir.
SEMINARIO
REDES DE ARTES ESCÉNICAS EN IBEROAMÉRICA.
Plataformas, Circuitos y Escenas para la Circulación
Manizales, Agosto 27 y 28 de 2014
139
PRESENTACIÓN
Las redes culturales como forma
organizativa surgen en América Latina
en la década de los 80, teniendo
como sus intereses prioritarios
colaborar para vencer el aislamiento
y la incomunicación entre países y en
fundar lazos de cooperación o fortalecer
los ya existentes. Rápidamente se
han consolidado como la columna
vertebral de la cooperación cultural
internacional y factor de integración
latinoamericana. Otra característica
muy importante, es que además de
representar a los protagonistas de
la vida ciudadana ante las diferentes
instituciones, fomentan la movilidad
entre personas y grupos; y amplian la
generación de oportunidades para el
acceso, disfrute y desarrollo de bienes,
productos y servicios culturales.
Desde estas perspectivas las Redes
y Circuitos de gestores de las artes
escénicas, vinculados a festivales,
mercados, ferias o espacios escénicos
han constituido un instrumento de
vital trascendencia para defender
la presencia de las artes escénicas
y musicales en muchos ámbitos
territoriales.
El actual contexto queremos proponer
con este seminario la puesta en valor
de los diversos modelos, públicos y
privados que existen en Iberoamérica
y que nos han traído perspectivas de
intercambio y circulación, garantizado
elevados niveles de pluralidad artística
y creativa,
dado soporte a las
industrias culturales y configurado una
relación de cercanía y complicidad con
el espectador.
Las redes de artes escénica su potencial
inherente, su complejidad organizativa
(conformadas por actores nacionales,
locales y regionales que representan
una gran variedad de tipos, tamaños
y funciones), la velocidad a la cual se
transmite la información, su capacidad
para actuar como incubadoras de
proyectos culturales innovadores; asi
como el contexto que ofrecen para
la confrontación independiente y el
diálogo intercultural, serán entre otros
los temas a abordar en este seminario
CONFERENCIAS
Redes y Circuitos Ante Sus Nuevos
Retos Actuales
Por: Guillermo Heras, España
Una serie de reflexiones desde
la propia experiencia personal de
vinculación a diferentes alternativas
en redes y circuitos de artes escénica
con el objetivo de resituar su discurso
actual y, sobre todo, de cara al futuro.
Estas reflexiones marcadas por el
análisis y la autocrítica tienen como
objetivo generar un diálogo con todas
aquellas personas comprometidas con
la evolución de la teoría y la práctica
de esta importante herramienta de
gestión que generan las redes y
circuitos cuando su funcionamiento
resulta adecuado. Sostenibilidad,
internacionalización, buenas prácticas,
recursos y financiación, objetivos
sociales, culturales. profesionales y
económicos como claves de las varias
líneas de ese debate desde hoy hacia
el futuro.
Seminario de Redes en las Artes
Escénicas - FITM 2014
Redes y Festivales. Procesos
Colaborativos de Apoyo a las Industrias
Creativas
Por: Felipe César Londoño, Colombia
Las plataformas virtuales y las redes
colaborativas se han convertido
en
herramientas
fundamentales
para el desarrollo y la consolidación
de proyectos culturales en tanto
posibilitan espacios de interacción
y laboratorios de co-creación que
fortalecen las dinámicas de estas
iniciativas.
Esta
presentación
profundizará en la propuesta de
creación del ClusterLab, un escenario
colaborativo que se estructura
a través de un espacio múltiple
que integra a stakeholder en una
dinámica de interacción que permite
la generación de proyectos acordes
con los objetivos de las industrias
creativas. En concreto, el ClusterLab
se concibe como un laboratorio virtual
que alberga herramientas para la
asociatividad en red (Networking), la
formación y mentorías especializadas
(E-learning), las plataformas virtuales
de negocio para la circulación de
productos (E-bussines), las iniciativas
open source y laboratorios abiertos
colaborativos (Open Labs), y un centro
de recursos especializado, al servicio
de festivales e iniciativas culturales de
la región y el país.
La Sostenibilidad de las Organizaciones
Culturales y el Trabajo en Red
Por: Octavio Arbeláez, Colombia
La consideración de la existencia de
estrechas relaciones entre cultura
140
PONENTES
Felipe César Londoño, Colombia
Octavio Arbeláez, Colombia
Guillermo Parodi, Argentina
Ângela Mourão, Brasil
Sylvie Durán, Costa Rica
Hugo Covarrubas, Chile
Elizabeth Doud, Estados Unidos
Guillermo Heras, España
Pau Llacuna, España
Marcelino Martín, España
Igor Lozada, México
Cuauthemoc Nájera, México
141
y sostenibilidad se abrió camino
progresivamente tanto en el ámbito
académico como de las políticas
culturales. El resultado de este proceso
fue la propuesta de contemplar
la cultura como cuarto pilar de la
sostenibilidad, conjuntamente con el
crecimiento económico, el equilibrio
ecológico y el progreso social. Es decir
se considera que el progreso hacia una
sociedad sostenible se produce de una
manera “más efectiva si la vitalidad
cultural se incluye como uno de los
requerimientos básicos” (Hawkes, J.).
En este sentido, la cultura sostenible
debe construir marcos que permitan
la relación de todos los actores
(individuos, empresas, organizaciones,
territorios) con sus entornos, facilitando
una construcción coherente de la
realidad del individuo y los diferentes
sistemas en que se integra.
La cultura ha sido colocada como
fundamental para el logro de unos
procesos que nos lleven a un desarrollo
sostenible. De aquí que la noción de
sostenibilidad, según se propone, deba
leerse en función de un entramado
conceptual sobre cultura y desarrollo
e identifica la sostenibilidad con tres
factores:
_La conciencia del capital cultural de
una colectividad.
_Las decisiones que facilitan los
medios para conservarlo y extenderlo.
_La capacidad para abrir ese capital
a los intercambios y a los flujos de
cooperación.
Así mismo trata de incorporar al propio
desarrollo cultural mensurable en
parámetros convencionales (índices
educativos, consumo cultural formal,
frecuentación de eventos y servicios
artísticos, así como la articulación en
redes y espacios colaborativos).
Los indicadores y conceptos que
giran alrededor de los criterios de
sostenibilidad cultural han pasado a un
plano preferente en el debate sobre las
políticas y la gestión de la cultura y las
artes. Los factores culturales no son ni
corolarios ni derivados únicamente de
las políticas públicas. Se ha permeado
el discurso de cultura y desarrollo tanto
en los economistas y planificadores que
valoran los aportes de la fenomenología
cultural en el capital socioeconómico
de una comunidad, como en la
institucionalidad de los poderes
tradicionales como los ministerios,
secretarias e instituciones del ámbito
regional y local. A pesar de esto se
presenta la enorme paradoja de un
desdibujamiento de la responsabilidad
del sector Estado, lo que evidencia
uno de los cambios ideológicos más
importantes que, desde fines de siglo
XX, están presenciando los países.
Observatorio de Festivales de Brasil
Por: Ângela Mourão, Brasil
El Observatorio de Festivales es un
conjunto articulado de acciones con
los objetivos de promover la difusión,
la investigación y la producción
de conocimiento sobre festivales.
Centrado inicialmente en los festivales
de teatro del territorio brasileño, luego
en el futuro el Observatorio pretende
ampliar su acción para las artes
escénicas en general y para más allá
del territorio nacional.
La iniciativa viene de la acumulación
de experiencia y el contacto con los
festivales de norte a sur del país, junto
con el deseo de contribuir a pensar,
registrar, desarrollar y compartir ideas
sobre este fenómeno que se multiplicó
en Brasil en las últimas décadas en las
más variadas formas de muestras de
la producción y la investigación en las
artes escénicas.
apoyo que otorga al “Latin American
Legacy Program” del ISPA (International
Society for the Performing Arts);
proyecto que impulsa a Gestores de
Latinoamérica para tener presencia en
los congresos de ISPA.
¿Qué es cultura udg?
¿Por qué es importante la circulación
de bienes y servicios culturales?
Circulación en Latinoamérica
ISPA – Latinoamérica
Por: Elizabeth Doud, Estados Unidos
En la última década, ha surgido un interés
creciente del intercambio cultural entre
Latinoamerica y América del Norte
de parte de artistas y promotores
culturales en los EE.UU., Brasil,
Argentina, y Colombia entre muchos
otros países. Como este intercambio
sufría durante mucho tiempo de falta
de una política cultural pro-acativa
de parte de los gobiernos del los
países del hemisferio, organizaciones
sin fines de lucro como el National
Performance Network, gestores
culturales y artistas independentes
comenzaron a desarrollar programas
de intercambio sistemático que han
establecido un mercado viable de giras
para artes escénicas en las Américas.
Cada vez mas se está contemplando
la importancia de este intercambio y
el potencial del trabajo de sostener
políticas abiertas que muevan artistas
y borran fronteras.
142
Por: Igor Lozada, México
Para el mundo en desarrollo, la
exportación de sus bienes y servicios
culturales se constituye en una
excelente forma de generar empleo y
divisas; estas son actividades de un
alto contenido de valor agregado; su
circulación es una forma de fortalecer
la identidad cultural y enriquecerla en
el enfrentamiento con otras culturas.
Cultura UdG se plantea como uno de
sus principales objetivos, la generación
y fortalecimiento de colaboraciones
internacionales entre grupos y
compañías de Guadalajara con
instituciones extranjeras y viceversa,
mediante la circulación de artistas y
gestores; una muestra de esto es el
National Performing Network:
intercambios entre la escena
norteamericana y la Latinoamericana
SEMINARIO
SHAKESPEARE EN LATINOAMÉRICA
Manizales, Agosto 25 y 26 de 2014
143
PRESENTACIÓN
Cuando hablamos de teatro, es
inevitable que nos llegue a la mente
el “Ser o no ser”, como una cuestión
clave que prácticamente todo el
mundo se ha planteado alguna vez
en su propia vida. La célebre frase la
escribió William Shakespeare en su
obra maestra “Hamlet” y sigue vigente
450 años después del nacimiento del
dramaturgo más famoso de las letras
universales.
La influencia de Shakespeare en la
lengua inglesa, y en la dramaturgia
universal continúa, aún con el paso del
tiempo, y el interés por su obra sigue
alcanzando nuevos hitos. “Apenas
hay alguien, ni en el extremo más
meridional de Sudamérica ni en la
estepa siberiana, que no sepa algo
sobre Shakespeare”, Dromgoogle,
William Shakespeare nació el 23 de
abril de 1564 en la pequeña ciudad de
Stratford-upon-Avon, en el corazón de
Inglaterra. A lo largo de su trayectoria
compuso más de un centenar de
sonetos y decenas de obras teatrales:
De su pluma salían desde comedias
como “Sueño de una noche de
verano” o “Como gustéis” (“Como les
guste”), a tragedias como “Macbeth”
o “Julio César”. Pero lo que hizo de
Shakespeare único para su época y
para todos los tiempos era su forma de
percibir al ser humano “Cuando Otelo
casi se consume por los celos, Romeo
y Julieta experimentan por primera vez
qué es el amor verdadero o Hamlet
reflexiona con lo que sucede cuando
morimos, todos podemos sentirnos
identificados”, Crystal.
No hay lugar en el mundo en el que no
se represente a Shakespeare, todas
las culturas, todos los continentes han
interpretado y se han apropiado de la
obra del poeta, y este interés se refleja
en los libros y estudios publicados en
todos los idiomas.
En este contexto, el Festival de
Teatro de Manizales propone este
seminario sobre Shakespeare desde
la perspectiva de los hacedores
latinoamericanos y sus apropiaciones
de ese universo creativo en el contexto
de un continente que pareciera oscilar
entre los mundos propios de la obra del
que sigue siendo considerado como el
autor referencial del teatro mundial.
CONFERENCIAS
El gran teatro del mundo, un tema en la
obra de Shakespeare
Por Amalia Iriarte, Colombia –
Conferencia Central
El teatro es un tema central, recurrente,
en los textos de Shakespeare. En
efecto, encontramos el motivo teatral
en la mayoría de sus libretos y en
diferentes niveles. Por ejemplo, pone
en boca de sus personajes constantes
alusiones a la naturaleza del teatro, a su
relación con el público y los escenarios
de la época. Los géneros dramáticos,
el arte del actor, la recepción del
público, los elementos que componen
un escenario, la terminología de la
dramaturgia, alimentan la lengua
poética de Shakespeare. Es más:
muchos de sus personajes son
especialmente histriónicos –lo saben y
lo expresan-; son capaces de elaborar
montajes, de dirigir a otros para que
representen un papel y usan el teatro
para sus fines específicos.
De lo anterior podríamos deducir que
para Shakespeare el teatro es un
punto de referencia para entender
y dar a entender el mundo, desde
hechos y episodios particulares,
gestos, situaciones y proyectos de
cada personaje, hasta la vida humana
misma.
Este rasgo tan peculiar y destacado de
la obra de Shakespeare, no sólo guía
y enriquece nuestro conocimiento del
teatro en la Inglaterra de su época,
sino que anticipa lo que será un hecho
crucial en la modernidad: la obra
literaria y artística que se tematiza
dentro de sí misma. Además, apunta
a una, en su época novedosa, relación
entre ficción y realidad: no apelamos al
mundo real para entender el arte, sino
al arte para que nos ayude a entender
lo real.
Este es el problema que me propongo
abordar. Para ello he seleccionado
ejemplos de un grupo de dramas del
isabelino, pero me centraré en 4: Sueño
de una noche de Verano, Ricardo III,
Hamlet y La vida del rey Enrique V.
“Del ojo dominante de Shakespeare al
ojo panóptico de CNN...”
Por: Sergio Blanco, Uruguay
Partiendo del eje temático que propone
este año el 36 Festival Internacional
de Manizales, Shakespeare en
Latinoamérica, la conferencia abordará
el tema de las correspondencias
ópticas que existen entre los
dispositivos visuales del Renacimiento
europeo y los dispositivos visuales de
la Latinoamericana contemporánea.
En un primer tiempo la conferencia
propondrá una exposición acerca de
la mirada renacentista y los nuevos
horizontes visuales de exploración
del ojo, apoyándose para ello en una
144
PONENTES
Amalia Iriarte, Colombia
Fabio Rubiano, Colombia
Diego Aramburu, Bolivia
Nel Diago, España
Daniel Goldman, Inglaterra
Jaime Camarena, México
Mariana Pércovich, Uruguay
Gabriel Calderón, Uruguay
Sergio Blanco, Uruguay
145
reflexión en torno a la proyección de
las célebres pinturas La virgen del
canciller Rolin de Jean Van Eyck y La
clase de anatomía del doctor Nicolaes
Tulp de Rembrandt.
El objetivo de esta primera parte
es presentar lo que designo con el
nombre de nuevo ojo dominante y a
partir de esta nueva mirada acercarnos
a algunos aspectos de las poéticas
de representación que establece la
escena teatral shakesperiana y que
son acordes a las nuevas exigencias
de este nuevo ojo dominante que se
instala en la Europa del siglo XVII.
En
un
segundo tiempo
la
conferencia vendrá a nuestra época
contemporánea para presentar esta
vez las características de nuestra
actual mirada informatizada y
mediatizada, apoyándose para ello en
una serie de reflexiones en torno a las
poéticas visuales de Alfred Hitchcock,
de Stanley Kubrick y de las imágenes
televisivas del 11 de septiembre
transmitidas por la cadena CNN para
Latinoamérica.
El objetivo de esta segunda parte es
presentar lo que designo con el nombre
de nuevo ojo panóptico y a partir de esta
nueva mirada acercarnos a algunos
aspectos de las actuales poéticas
de representación que establece la
escena posmoderna. Poéticas que por
supuesto son acordes a las nuevas
exigencias de este nuevo ojo panóptico
que se instala en la era mundializada del
siglo XXI y que por sus similitudes con
algunos aspectos del ojo dominante
del Renacimiento, pueden explicarnos
la reiterada presencia del modelo
Shakespeare en el actual discurso
teatral Latinoamericano.
Matar a la ninfa: perspectiva de género
en Shakespeare. Reflexiones de una
mujer creadora latinoamericana.
Algo de Ricardo de Gabriel Calderón
sobre Ricardo III de Wiliam Shakespeare
Por: Mariana Percovich, Uruguay
En 1890 una firma francesa de
cosméticos, lanzó al mercado un
polvo para maquillaje llamado “Ofelia”,
Presumiblemente una mujer usando
esos pálidos polvos, podría crear al
menos la apariencia exterior de ser
tan decorosamente pálida y demente,
frágil y perdida, como la verdadera
Ofelia de William Shakespeare.
La imagen de la flotante Ofelia muerta,
cadáver autosacrificial femenino,
se trasladó con frecuencia a otras
narraciones apropiadas al gusto de la
mujer o al del hombre, por las mujeres
autosacrificadas.
El gran Shakespeare ha contribuido
de manera notable a la construcción
de lo femenino en extremos radicales:
desde la ninfa ahogada a la asesina con
manchas de sangre en sus manos, de
la madre terrible ingiriendo a sus hijos
sin saberlo, a la mujer “demasiado
sabia” que debería callarse la boca o
dejar de ser fierecilla y domesticarse.
Shakespeare y el género es un capítulo
fascinante de su abordaje.
En el trabajo que hicimos como equipo
creativo de varones en su mayoría y una
directora mujer, mi interés principal al
ponernos a trabajar con el dramaturgo
Gabriel Calderón en nuestra traducción
del Ricardo III de Shakespeare, era el
cuerpo masculino atravesado por el
cuerpo femenino.
En la escritura, en los movimientos,
en los gestos, en las máscaras, en
la vestimenta y en los accesorios se
inscriben residuos/ huellas del cuerpo.
Teatralizaciones de Shakespeare en la
Valencia del siglo XXI
Por: Nel Diago, España
En los inicios del siglo XVII hay dos
teatro nacionales que emergen con
fuerza en la Europa del momento y
que marcan tendencias y modelos: el
teatro español del Siglo de Oro, con
Lope de Vega y Calderón de la Barca
a la cabeza, y el británico, con la figura
de William Shakespeare como su más
llamativo emblema. Quizá por eso,
por tener su propio modelo, al teatro
español le costó comenzar a valorar y
apreciar la dramatugia shakesperiana
en toda su grandeza. Puede que fuera
Manuel Tamayo y Baus el primero en
glosar y teatralizar la vida y obra de
Shakespeare en su excelente obra Un
drama nuevo, pieza interesante por
muchos motivos, aunque equivocada
en algunos aspectos (la presencia
de la mujer en los escenarios
isabelinos). Vendrían muchas más en
el siglo XX: versiones, adaptaciones,
dramatizaciones, traducciones… Largo
sería dar cuenta de todas ellas. Sin
embargo sí puedo y quiero dar cuenta de
algunas obras de este recién comenzado
Siglo XXI que han sido concebidas y
estrenadas en Valencia y que tienen al
mundo teatral de Shakespeare como
punto de referencia.
146
La apropiación de los hombres actores
isabelinos de los cuerpos y personajes
femeninos, era una posibilidad
maravillosa de investigar en nuestro
proceso creativo.
El propio Ricardo de Calderón/
Saffores envidia el monólogo de la
Reina Margaret: “Ni siquiera Ricardo
tiene un monólogo tan contundente”
dice envidioso del estallido de furia
femenina/masculina de la ex reina
contra Ricardo III.
¿Qué opiniones se pusieron en juego en
la escena desde un actor heterosexual
masculino, que nunca había usado
una falda? ¿Qué opiniones se pusieron
en juego desde la dramaturgia de
Calderón, en diálogo con Shakespeare?
¿Qué opiniones se pusieron en juego
desde la dirección de una mujer que
revisa y dialoga con la construcción
de lo femenino en el teatro occidental
obsesivamente?
El cuerpo como materialidad y portador
de saber que se inscribe o produce
es una permanente y cambiante
constructio que se va edificando por
medio de iteración, apropiación y/o
rechazo sin terminar de construirse
(Butler).
El cuerpo como materialidad se
presenta como superficie de inscripción
basándose en reiteraciones y, a través
de diversas concretizaciones, se puede
“leer”. Dice Alfonso de Toro
Por lo tanto, podemos entender el
cuerpo como un “proscenio” teatral en
el cual se inscriben y se leen procesos
culturales, produciendo al mismo
tiempo significación y diseminación.
Macbeth, Ciudad Insomnio. Creación,
signo y metáfora en la escritura
escénica.
Por: Jaime Camarena, México
Los avances tecnológicos en todas
sus ramas han permito la creación
de trabajos artísticos que abordan
la intersección entre Arte, Ciencia y
Tecnología, pero han sido tan diversos
los usos y roles que la tecnología y los
nuevos medios han jugado en el proceso
creativo o en la realización del trabajo
que han nacido nuevas metodologías,
definiciones y perspectivas teóricas de
como abordar el quehacer artístico, por
tanto, nuevas dudas y nuevos caminos
para responderlas.
Macbeth, Ciudad Insomnio, es una
disección de las líneas clásicas de
Shakespeare como capas de cebolla
para llegar a la rendición de una voz
eterna desesperada, una voz no del
miedo, sino la voz de la verdad y la
relación a través de la semejanza en un
Macbeth actualizado, analizado desde
el ícono, planteando sus semejanzas
como líneas de estudio, reflexión y
acercamiento a una nueva lectura de
un clásico.
De la Intervención a la Subversión y de
Shakespeare hacia uno mismo
147
Por: Diego Aramburu
Al igual que sucede con Dante en su
Divina Comedia, abrir la experiencia y
jornada íntima de tomar a Shakespeare,
y abrirla de forma personal -pero fiel,
honesta y plenamente personal-, es
un viaje iniciático. Se da paso a que
lo universal se convierta en individual
y viceversa, que lo individual se
convierta en universal; y se da que
el viaje y el proceso de creación y
reinvención del material, sea también
la reinvención y crecimiento de uno
mismo, y entonces, e idealmente, se
da que ese encontrarse sea también
de otros. En este caso, de la mano de
una insuperable guía: la del genio de
Shakespeare.
Shakespeare: Fuera de contexto, lleno
de posibilidades.
Por: Daniel Goldman
En 2012, para celebrar las olimpiadas
en Londres, el teatro Shakespeare’s
Globe decidió crear el festival Globe
to Globe, con la idea de presentar
las 37 obras de Shakespeare y su
poema Venus y Adonis en t38 idiomas
diferentes. Por razones bastante
complejas e inesperadas, yo me fui
a Kenia a dirigir la obra Las alegres
comadres de Windsor en Swahili, un
idioma que no hablaba, en un contexto
que no conocía. Como director de
teatro fue el proyecto mas lindo de
mi vida, como espectador, vi 26 obras
en 26 idiomas distintos y ahora, como
invitado a esta conferencia, quiero
compartir esa experiencia, buscando
responder las siguientes preguntas:
¿Cuándo funciona Shakespeare en otro
idioma y contexto, y por qué?
¿Qué se gana y qué se pierde adaptando
y traduciendo a Shakespeare?
¿Cuál es la relevancia de Shakespeare
hoy en día y para qué y por qué, dios
mio, seguimos haciendo estas obras?
HOMENAJE AL TEATRO EL GALPÓN
EN SUS 65 AÑOS
Conversación alrededor de la creación de grupo, con:
Taller “Producir Teatro: de la idea a la
concreción”
Dirigido por Gustavo Zidán
“Desde hace casi 20 años, produzco
teatro. He pasado por diferentes
experiencias, algunas muy exitosas y
otras que se convirtieron en fracasos
olvidables. En este recorrido he podido
ir construyendo una metodología de
trabajo, que no tiene ningún misterio,
ni enigma a resolver, la clave ha sido
encontrar una gran motivación para
hacer lo que quería hacer, he ahí la
primera y tal vez más importante
respuesta.
Espero en estos dos encuentros poder
contarles sobre mi relación con el
apasionante mundo del teatro y que
esto sirva para también motivarlos.
De la idea a la concreción. Dos días
en que buscaremos herramientas
prácticas y posibles para producir
teatro”. Gustavo Zidán
EJES TEMÁTICOS
_Diseño y presentación de proyecto.
_Factibilidad y sustentabilidad
_Ejecución
Lugar: Sala Cumanday 2, Agosto 27 y 28
10:00 am a 1:00 pm
Conferencia taller: “Gestión de las
Artes Escénicas”
Liderada por Guillermo Heras
Encuentro/ debate con el sector de
gestión de las Artes en el que a partir de
la exposición por parte del coordinador
de la jornada de una serie de temas
relacionados con estrategias de
gestión que busquen la sostenibilidad
y excelencia de su práctica, se abra
un debate de confrontación con las
propias experiencias desarrolladas por
los participantes en la jornada.
LUGAR: SALA CUMANDAY 2, VIERNES 29
DE AGOSTO 9:00 AM - 1:00 PM
148
Marina Rodríguez
Solange Tenreiro
Nadina Gonzalez Miranda
Marcos Zarzaj
Arturo Fleitas
Pablo Pipolo
Marcos Flack
Fernando Toja
Moderador: Cristóbal Peláez, Colombia
Lugar: Sala Cumanday 3, viernes 29 de
Agosto 10:00 am a 1:00 pm
QUINTA FERIA DEL LIBRO DE MANIZALES
¡Enamórate de los libros!
Universidad de Caldas en alianza con el Festival Internacional de Teatro de Manizales
152
La Universidad de Caldas, desde la
Oficina de Producción Editorial, en
alianza con el Festival Internacional de
Teatro de Manizales, en su afán por
fomentar la lectura en niños, jóvenes
y adultos viene realizando desde hace
4 años la Feria del Libro de Manizales.
Un evento de ingreso gratuito que
presenta al público local y de la región
una variada oferta editorial, académica
y cultural.
Con el eslogan Enamórate de los libros
la Feria del Libro de Manizales, como
proyecto cultural, es un proceso de
construcción y transformación que ha
permitido el acercamiento de la cultura
a los habitantes de la región y del país
por medio de exposiciones, oferta
editorial, conversatorios, conferencias,
talleres infantiles y juveniles, así
como talleres de escritura creativa,
conferencias, programación académica
y musical.
INVITADOS
FRANCISCO HINOJOSA
Nació en la Ciudad de México. Es
poeta, narrador y editor. Estudió la
carrera de Lengua y literatura hispánica
en la Universidad Nacional Autónoma
de México. Una gran parte de su
obra ha sido dedicada a los niños y
jóvenes. El humor, la crueldad y la
fantasía, aunadas a un desparpajo casi
surrealista, conviven en la escritura de
este “auténtico” como lo ha definido
la crítica. Así lo han sabido advertir,
desde hace muchos años, los miles de
niños que han convertido a Francisco
Hinojosa en el autor infantil más leído
de México. Ha impartido talleres de
literatura infantil en diversos países y
es uno de los autores más destacados
de literatura infantil y juvenil en lengua
española. Ha sido traducido al inglés y
portugués.
MARCELA SÁNCHEZ MOTA
153
Es originaria de la Ciudad de México,
estudió sociología en la UNAM, realizó
estudios de danza clásica así como
danza contemporánea. Fue miembro
fundador del grupo Utopía DanzaTeatro donde fue intérprete, creadora
de textos y coreógrafa. Ha sido
académica en la Facultad de Ciencias
Políticas y Sociales de la UNAM por
más de siete años. Es egresada de la
Escuela Dinámica de Escritores que
dirige Mario Balletín. Ha colaborado
con sus relatos en diversas revistas
literarias. Fue editora y crítica de danza
de la sección de danza de la Revista
DF. Ha sido invitada con ensayos sobre
artes escénicas y danza en la Revista
de la Universidad de México, en el
suplemento Hoja x Hoja, en la revista
de Danza, una pasión y en el libro
México: una apuesta por la cultura. Es
ganadora del Premio Bellas Artes Juan
Rulfo de la Primera Novela 2010, con la
obra La otra piel, bajo el pseudónimo
Natalia Mireles.
INVITADOS
TOMÁS GONZÁLEZ
Filósofo de la Universidad Nacional
de Colombia. En 1983 partió hacia
Estados Unidos y vivió tres años en
Miami y dieciséis en Nueva York, donde
escribió gran parte de su obra y se
ganó la vida como traductor. Empezó
su carrera literaria a principios de los
años 70, ha escrito cuentos, novela y
poesía. Ha publicado: Primero estaba
el mar, Para antes del olvido, El rey del
Honka-Monka, La historia de Horacio,
Manglares y Los caballitos del diablo.
En 1987 ganó el premio de novela Plaza
y Janés por Para antes del olvido.
MIGUEL MÉNDEZ CAMACHO
De la favela a la gloria, y Antología.
Fundador del Concurso Universitario
Nacional de Cuento Corto y Poesía de
la Universidad Externado de Colombia,
de los concursos nacionales de Poesía,
Eduardo Cote Lamus, y de Cuento,
Jorge Gaitán Durán. Poeta de año del
XII Festival internacional de poesía de
Bogotá 2004. Director de la Colección
Clásicos de la literatura Colombiana (27
ediciones. Editorial Colcutura). Director
de la Colección Un libro por centavos.
154
Nació en Cúcuta. Es Doctor en
Derecho Ciencias Sociales y Políticas
de la Universidad
Externado de
Colombia. Es periodista y profesor
universitario. Decano de la Facultad
de Comunicación Social-Periodismo
de la Universidad Externado de
Colombia desde 1991. Autor de: Los
Golpes Ciegos, Papeles, Poemas de
Entrecasa, Perfil y Palote, Instrucciones
para la nostalgia, Malena, La alegría
de Escribir, Desencantos y Cantos, La
primera cosecha que dio pájaros, Pelé:
INVITADOS
JUAN MANUEL ROCA
Nació en Medellín. Es poeta, narrador,
ensayista, crítico de arte y periodista.
Estuvo claramente influenciado por
su tío el poeta Luís Vidales. Por 10
años fue, primero coordinador y luego
director del Magazín Dominical de El
Espectador. Ha obtenido numerosos
reconocimientos, entre ellos el Premio
Nacional de Cuento Universidad de
Antioquia (2000), El Premio Nacional
de Poesía Ministerio de Cultura (2004),
el Premio José Lezama Lima (Casa de
las Américas, La Habana, Cuba, 2007);
el Premio Casa de América de Poesía
Americana (Madrid, España, 2009); el
Premio Ciudad de Zacatecas (México,
2009); y el Premio Estado Crítico 2009
al mejor libro de poemas publicado en
España por su libro Biblia de Pobres.
CAROLINA LÓPEZ JIMÉNEZ
155
Creció en Armenia y realizó estudios
universitarios en la ciudad de Bogotá.
Sus primeras aproximaciones a la
escritura fueron a través de cartas,
diarios íntimos y aforismos. Ingresó a
la Maestría de Escrituras Creativas de
la Universidad Nacional de Colombia
en 2010 donde escribió En la punta del
lápiz, su primera novela. Desde 2005
ejerce la docencia universitaria y apoya
procesos de investigación-creación en
los campos de fotografía, producción
escénica y visual, y literatura. En sus
nuevos escritos continúa apostando
por la experimentación con diversos
soportes, lenguajes y sustratos para
la creación literaria. Sus reflexiones
en torno a las prácticas lectoras
y escriturales contemporáneas se
encuentran en su blog letra & palabra.
INVITADOS
LUIS FERNANDO GONZÁLEZ ESCOBAR
Oriundo de Supía, Caldas, arquitecto
constructor, Magister en Estudios
Urbano-Regionales y Doctor en Historia
de la Universidad Nacional de Colombia.
Actualmente es el Director de esta
Escuela del Hábitat de la Facultad de
Arquitectura de la Universidad Nacional
de Colombia sede Medellín. Ha ganado
diversos premios: Mención de Honor
en Crítica, XVII Bienal Panamericana
de Arquitectura SAQ 2010, Quito,
2010; Premio Nacional de Arquitectura
Carlos Martínez Jiménez, XVI Bienal
Colombiana de Arquitectura, 1998;
dos veces mención de honor en las
Bienales Colombianas de Arquitectura
de 1996 y 1998; Premio Departamental
de Historia del Ministerio de Cultura en
1998. Autor, entre otras obras, de:
El Darién. Ocupación, poblamiento y
transformación ambiental. Una revisión
histórica. Partes I y II; Del alarife al
arquitecto. El saber hacer y el pensar
la arquitectura en Colombia 18471936; y El Carré y el Vásquez. Memoria
urbana de Medellín en el contexto de
Guayaquil.
CAMILO VALLEJO GIRALDO
Pontificia Universidad Javeriana. Sus
investigaciones se han centrado en las
narrativas de construcción de memoria
del conflicto y la violencia desde el
periodismo, la literatura y el derecho.
Columnista del periódico La Patria de
Manizales.
156
Abogado especialista en Constitución
de la Pontificia Universidad Javeriana.
Candidato a magíster en periodismo
de la Universidad de los Andes. Es
investigador del Centro Nacional
de Memoria Histórica y profesor de
historia de las ideas políticas de la
INVITADOS
RIGOBERTO GIL MONTOYA
es narrador y ensayista. Doctor en
Literatura de la Universidad Nacional
Autónoma de México y profesor de
la Universidad Tecnológica de Pereira.
Premio Nacional de Novela “Aniversario
Ciudad de Pereira” y Departamental
de Historia del Ministerio de Cultura.
Premio de ensayo “Caldas 100 años”.
Ha publicado los libros El laberinto
de las secretas angustias (1992), La
urbanidad de las especies (1997),
Nido de cóndores: aspectos de la vida
cotidiana de Pereira en los años veinte
(2002), Retazos de ciudad (2002),
Pereira: visión caleidoscópica (2002),
Plop (2004), Guía del paseante (2005)
y Territorios (2010).
OCTAVIO ESCOBAR
157
Nació en Manizales. Es médico
cirujano, especializado en Literatura
Hispanoamericana,
profesor
de
literatura en la Universidad de Caldas.
En 1995 publicó las novelas Saide y El
último diario de Tony Flowers; en 2003
El álbum de Mónica Pont; en 2007,
1851. Folletín de Cabo Roto, que lo
convirtió en uno de los autores más
populares del momento en su país.
Escobar Giraldo ya era un autor de
culto gracias a sus libros de cuentos
De música ligera (1998) y Hotel en
Shangri-Lá, en 2002, cuyos personajes
forman parte de un proyecto narrativo
del que también participan los de Saide,
y que constituye uno de los retratos de
la sociedad colombiana más acertados
del cambio de siglo. En 2010 llegó al
público Destinos intermedios, y en
el 2013 publicó Cielo parcialmente
nublado. Ha recibido varios premios,
entre ellos: El premio Crónica Negra
Colombiana, en 1995; fue el ganador
en la VIII Bienal Nacional de Novela
José Eustasio Rivera, 2003; y Premio
Nacional del Ministerio de Cultura, en
1998.
INVITADOS
FERNANDO ALONSO RAMÍREZ
Periodista y parte de la redacción
del periódico La Patria de Manizales,
en donde ocupa el cargo de Editor
de Noticias. Terminó sus estudios
de derecho en la Universidad de
Manizales y ha sido catedrático en
Comunicación Social y Periodismo
de la misma. Forma parte de los
consejos directivos de la Fundación
para la Libertad de Prensa (Flip) y
de Consejo de Redacción colectivo
por la promoción del periodismo de
investigación en Colombia.
OCTAVIO ARBELÁEZ
Fue decano de la Facultad de Artes de
la Universidad de Caldas (1985-90) y
Coordinador Nacional del Programa del
PNUD, en el área de cultura y nuevas
tecnologías. Es columnista de revistas
y de periódicos de Iberoamérica.
Participa
regularmente
como
ponente en numerosos congresos y
seminarios académicos, nacionales e
internacionales sobre gestión, política,
marketing, economía, industrias y redes
culturales. Este año fue el ganador de
la Mención Internacional al Mérito de la
Sociedad Internacional para las Artes
Escénicas, como reconocimientos a su
trayectoria en el ámbito de la gestión
cultural en Colombia y Latinoamérica.
158
Abogado y especialista en filosofía y
marketing cultural. Desde 1984 dirige el
Festival Latinoamericano de Teatro de
Manizales, uno de los más importantes
en su tipo y el Mercado Cultural de
Medellín, CIRCULART. Fue presidente
y fundador de la Red de Promotores
Culturales de Latinoamérica y preside
REDLAT Colombia. Es miembro
fundador y primer presidente de la
Asociación para el Desarrollo de la
Industria de la Música en Iberoamérica,
ADIMI (2007). Fue su Secretario
Ejecutivo hasta 2010 y miembro de
su actual Junta. A finales de los años
noventa, se desempeñó como director
de Artes del Ministerio de Cultura y
Viceministro de Cultura (1999-2000).
INVITADOS
FABIO RUBIANO
Nació en 1963, en Fusagasugá. En
1983 empezó a estudiar en la Escuela
Superior de Teatro de Bogotá. En ese
proceso afinó su escritura y entró
de lleno a las tablas. Hizo su primer
papel en la pantalla chica en Asunción
(1989) como un taxista. Luego seguiría
Crónicas de una generación maldita,
dirigida por Jorge Alí Triana y Vuelo
secreto, que darían paso a más de
30 papeles en televisión y cine. Pero
definitivamente se quedó con el
teatro. Desde 2001 es profesor en la
Maestría en Escrituras Creativas de
la Universidad Nacional y hace unos
meses celebró los 25 años del Teatro
Petra, que fundó con Marcela Valencia.
Ha sido el ganador del Premio Nacional
de Dramaturgia en 1996, 1997,
1999 y 2009; también ha ganado
cinco becas de creación, y cuatro
coproducciones internacionales.
MARIO HERNÁN LÓPEZ
159
Profesor de la Universidad de Caldas.
Administrador de Empresas en la
Universidad Nacional, Magister en
Gestión Ambiental de la Universidad
Javeriana y doctor en Paz, Conflictos
y Democracia de la Universidad
de Granada, España. Ha publicado
relatos breves en revistas culturales y
en el blog La loca de la casa, creado
en el año 2005. Su última obra,
Yo me acuerdo mal de usted, fue
publicada por la Editorial Universidad
de Caldas en marzo de este año.
Entre sus trabajos académicos
se encuentran diversos ensayos
sobre conflicto y paz publicados en
revistas nacionales e internacionales,
así como investigaciones sobre
cuestiones ambientales y políticas
públicas en el campo de la pobreza
y el desplazamiento forzado por la
violencia. En 2009, ganó el primer
premio del concurso de literatura de
Caldas con el libro de cuentos Palabras
en la puerta.
INVITADOS
ADALBERTO AGUDELO
Originario de Manizales. Es Licenciado
en Lenguas Modernas y Literatura de la
Universidad de Caldas. Como docente
trasegó todo el esquema educativo
desde la escuela rural hasta la cátedra
universitaria. Publicó su primera novela
Suicidio por reflexión, en 1967. Ha
merecido importantes galardones en
cuento, novela, poesía y ensayo en
los Estados Unidos, México, España,
Chile y especialmente en Colombia.
Es uno de los escritores más sólidos y
disciplinados de Caldas.
JAIME ECHEVERRI
se han beneficiado de su asesoría en
los últimos quince años. De su obra, lo
más notable es: Historias reales de la
vida falsa, Versiones y perversiones y
otras inversiones, Las vueltas del baile
y El mar llega a todas las playas, y las
novelas Reina de picas y Corte final.
Varios premios nacionales de cuento,
obtenidos entre 1968 y 2004, dan fe
de su calidad literaria.
160
Nació en Manizales, es uno de
los narradores más interesantes
e imaginativos de la narrativa
actual de Colombia. Hace parte del
cuerpo docente de la Maestría en
Escrituras Creativas de la Universidad
Nacional de Colombia y es tutor en
la especialización en narrativa de la
Universidad Central. Algunos autores
de renombre en Colombia y México
INVITADOS
ORLANDO MEJÍA RIVERA
Nació en Bogotá 1961. Médico
internista y tanatólogo, Magíster en
filosofía, Docente e investigador de
la Universidad de Caldas. Premio
Nacional de la Academia de Medicina
en 1994, Premio Nacional de Novela
del Ministerio de cultura en 1998,
Premio Cámara Colombiana de Libro
al libro científico-técnico de 1999,
Premio Nacional de Ensayo Ciudad de
Bogotá del mismo año. Algunos de sus
libros: Pensamientos de guerra (2000),
De clones, ciborgs y sirenas (2000),
La muerte y sus símbolos (1999), De
la prehistoria a la medicina egipcia
(1999), La Generación mutante (2002),
El asunto García y otros cuentos
(2006), El enfermo de abisinia (2007),
Recordando a Bosé (2009). Autor de
ensayo biográfico: “Heinz Göll: Das
Vagabundieren das Kunstlers (El
vagabundear del artista)”, en libro
sobre el artista plástico austríaco
Heinz Göll.
CLAUDIA PATRICIA LEGUIZAMÓN LONDOÑO
161
Creció en Cali donde se desarrolló como
bailarina en el Instituto Colombiano de
Ballet –Incolballet, y realizó estudios
universitarios de Arte Dramático y
Educación Física en la Universidad del
Valle y la Universidad de Caldas. Ha
sido directora escénica y coreógrafa
del Taller de Opera de la Universidad
de Caldas por más de veinte años, al
igual que del Laboratorio de Danza de
la misma institución, apoyó su creación
a partir de los procesos obtenidos de
la experiencia de trabajo con el teatro,
la televisión, los títeres, la música
y la danza en todos sus géneros.
Pertenece al grupo de investigación
Teatro, Cultura y Sociedad en donde
apuesta por la investigación-creación
desde todos sus proyectos y procura
experimentar desde la reflexión en
torno a la danza dramática.
INVITADOS
CARLOS SUÁREZ QUICENO
Sociólogo de la Universidad Autónoma
Latinoameriacana, licenciado en
Español y Literatura de la Universidad
de Antioquia y Magíster en Estética
de la Universidad Nacional -sede
Medellín-. Docente desde 1995, su
experiencia investigativa se enfoca en
temas sociológicos y en la didáctica
de la lengua. Entre sus proyectos
investigativos se encuentran: las
causas de la transgresión de las
normas jurídicas por parte de menores.
Investigación basada en metodología
de historias de vida; la etiología de
los comportamientos delincuenciales
en mujeres judicializadas. Historias de
vida; modelo para diseño de juegos
interactivos de texto orientados al
desarrollo de la comprensión de lectura
y el pensamiento lógico. Además tiene
múltiples participaciones en proyectos
sociales en comunidades locales, y
ha escrito un gran número de textos
académicos publicados en diferentes
revistas universitarias.
ADRIANA PAOLA FORERO OSPINA
Siglo del Hombre, Fondo de Cultura
Económica, Luna Libros, Universidad
Nacional, Universidad de los Andes,
Universidad
Javeriana,
Instituto
Colombiano de Antropología e Historia.
Ha sido docente de la Universidad de
Caldas en la carrera de Diseño Visual
y en la especialización en Edición de
Publicaciones de la Universidad de
Antioquia.
162
Filósofa y magíster en Literatura por
la Pontificia Universidad Javeriana y
magíster en Edición por la Universidad
de Salamanca y Santillana Formación,
España. Editora con cerca de
veinte años de experiencia en el
sector público y privado, tanto en
publicaciones de narrativa como en las
académicas e institucionales. Durante
su ejercicio profesional ha trabajado
para Santillana, Panamericana Editorial,
INVITADOS
SERGIO OCAMPO
Nació
en
Bogotá.
Estudió
Comunicación Social y Psicología en
Bogotá, ciudad donde ha vivido la
mayor parte de su vida. Periodista
por casi veinte años, en 2008 decidió
dedicarse del todo a la literatura.
Comenzó como cronista y reportero
en El Tiempo, donde luego fue editor
político y editor nacional. También fue
editor general de El Colombiano, y de
El Heraldo. Es ganador de los premios
Simón Bolívar de 1998 y 2005, del
premio CPB de 1996, y del Semana
Petrobrás, de 2008. Actualmente es
profesor en la Universidad Externado
de Colombia, y en la Pontificia
Universidad Javeriana, ambas en
Bogotá. Es columnista del Diario La
República de Colombia y columnista
invitado del Diario El Comercio, del
Perú, y tallerista internacional sobre
temas de política en América Latina.
JULIAN MARULANDA (REPTIL)
Co creador y co editor de Dr. Fausto
Publicaciones. Diseñador visual de
la Universidad de Caldas, autor de
fanzines autopublicados e Ilustrador
freelance.
DANIELA MESA
163
Estudiante de Filosofía y Letras,
directora de la revista Cazamoscas.
Lectora y entusiasta de los cómics.
http://relampagarto.tumblr.com/ email:
[email protected]
INVITADOS
NOMÁS
Es un autor que no debe pasar
desapercibido del radar del cómic
colombiano. A principios del siglo
XXI se tomó internet con innovadoras
propuestas de publicación: ezines,
webzines y blogs en los que daba
cuenta de manera habitual de su
trabajo. Con una línea de diversos
registros, así como con un despliegue
de talento para el color, los cómics
de Nomás son desparpajados y no
le temen a la posible autocensura
ni a los tabúes de nuestra sociedad.
Acaba de publicar “Si yo fuera el
jefe”, compilación de algunos de
sus mejores trabajos hasta la fecha.
nomascomics.blogspot.com
EDD MUÑOZ
164
Una de las jóvenes firmas del cómic
nacional. Ha ido posicionándose, poco
a poco, como uno de los autores a
tener en cuenta y todo gracias a sus
fanzines y cómics en internet. Cofundador del fanzine Dr. Fausto, ha sido
clave en la circulación de publicaciones
independientes en Manizales, su
ciudad de origen. Hace poco fue
premiado con la Beca de circulación
nacional del Festival Entreviñetas 2014.
http://edwardmo.com/
INVITADOS
MARTÍN LÓPEZ LAM
Artista gráfico peruano, licenciado
en Bellas Artes. Vive desde el 2003
en Valencia (España) desde donde
trabaja en diferentes proyectos
entorno al dibujo, el cómic, la
serigrafía y la edición de publicaciones
independientes. Ha colaborado con
revistas de diferentes partes del
mundo como ARGH! (España), Qué
Suerte! (España), Clift (España),
Carboncito (Perú), El Buen Salvaje
(Perú), Kuti (Finlandia), Puck (Italia),
Mesinha de Cabeceira (Portugal) o
Komfort (Czech Rep.), y publicado
en editoriales tan prestigiosas como
Media Vaca, Ultrarradio, Aristas
Martínez y Edicions De Ponent
de España, y Chili Com Carne de
Portugal. Desde el 2010 dirige el sello
gráfico Ediciones Valientes donde
publica antologías de cómics, dibujo
e ilustración. Desde el 2011 codirige
el Festival de autoedición gráfica y
sonora Tenderete, en la ciudad de
Valencia.
DANIEL JIMÉNEZ QUIROZ
165
Desde el 2006 publica la revista
Larva, especializada en promocionar
artistas del cómic y otras artes
visuales de diversas partes del
mundo. Otra de sus facetas es la de
director del Festival Entreviñetas, el
festival de cómic y novela gráfica más
importante de América Latina. Daniel
ha sido premiado con un premio YCE
en el 2012 en la Feria del Libro de
Londres. En 2008 recibió una beca de
investigación de parte de la Biblioteca
Luis Ángel Arango y el Banco de la
República. En el 2013 fue incluido en
la prestigiosa lista de los 70 nombres
más importantes del mundo de los
libros en español en la Feria del Libro de
Buenos Aires. Ha tenido un papel clave
como uno de los directores culturales
más activos de Colombia en el campo
de las artes visuales y la promoción de
la lectura, así como en el campo de las
publicaciones independientes.
INVITADOS
FABER LONDOÑO MORENO
Maestro en Arte Dramático. Artista
Escénico Profesional por más de 25
años. Fue actor, escenógrafo, utilero,
vestuarista, titiritero y dramaturgo
del teatro Matacandelas de Medellín,
trabajó con el Teatro Pablo Tabón
Uribe de Medellín y la empresa de
Caja de Compensación Comfama
Antioquia, con la Escuela Superior
Tecnológica de Artes Débora Arango
de Envigado. Actualmente está en la
Corporación de las Artes Escénicas
Teatro Casa de Fuego de Medellín,
donde es actor (Dramático, trágico,
de comedia familiar y Titiritero)
dramaturgo y director. Es docente en
Historia del teatro, de técnica vocal
hablada y cantada, de semiología
del arte teatral, de dramaturgia y de
actuación.
JULIÁN GREGORIO GAVIRIA ZULUAGA
improvisación y creación de personaje
en el teatro en Panamá. Entre sus
trabajos como actor y director están:
“Los inquilinos de la ira”, “El monte
calvo de Jairo Aníbal Niño”, “Un
pequeño paso para el hombre un gran
payaso para la humanidad”, creación
colectiva, “la montaña del arco iris”,
obra infantil, Productora de Panamá,
“Los imbéciles están de testigo” de
Andrés Caicedo.
166
Licenciado en Artes Escénicas con
énfasis en teatro, candidato a Magister
en educación, docente del programa
de Artes Escénicas Universidad de
Caldas, ha trabajado como profesor
de Teatro y expresión corporal en la
Secretaría de Educación de Bogotá,
Institución
Educativa
República
Bolivariana de Venezuela, profesor
Fundación Conquistando con Talentos;
ha orientado talleres de teatro infantil,
INVITADOS
MILER LAGOS
Cursó sus estudios de Artes Plásticas
en la Universidad Nacional de
Colombia e Ingeniería Mecánica en
la Universidad de América. Sus obras
e intervenciones escultóricas revelan
su particular inquietud por entender
la esencia misma de los materiales
que constituyen su entorno.
Proyectos como El papel aguanta todo,
SilenceDogood, Semillas mágicas o
Cimientos, se desarrollan mediante la
técnica de talla sobre papel apilado, lo
que deja al descubierto la abundancia
del material impreso, inseparable de
MARGARITA ARIAS
167
Bogotá, 1977. Historiadora, especialista
en gestión y promoción cultural,
candidata maestría en enseñanza de
lenguas extranjeras. Profesora de inglés y
correctora de estilo.
la forma escultórica que tiene una
clara referencia a los troncos de los
árboles y las propiedades del papel
mismo. Entre sus últimos proyectos
se cuenta The Great Tree of Water,
que celebra el mito sagrado sobre la
creación del río Amazonas a través
de esculturas, relieves de papel,
collage y dibujos de gran formato,
o Rompimiento de Gloria, en el que
a través del video y la fotografía,
recoge sus experiencias en el Ártico
canadiense.
INVITADOS
JAVIER MAURICIO NARANJO VASCO
Ingeniero Químico, con énfasis en
Ambiental, Magíster en Ingeniería
Química y PhD en Ingeniería de la
Universidad Nacional de Colombia
sede Manizales. Sus temas de
interés abarcan desde la ingeniería
ambiental y sanitaria, hasta la
biotecnología industrial enfocada
en el aprovechamiento de los
recursos
naturales
renovables
para la producción sostenible de
productos de valor agregado como
biomateriales,
biocombustibles,
bioenergía y seguridad alimentaria,
todo enfocado hacia el concepto de
biorefinerías.
PABLO ROLANDO ARANGO GIRALDO
filosofía moral (teórica y aplicada),
y De la belleza y otros caprichos de
conservador. En el 2010 fue el ganador
del premio Nacional de Periodismo
Simón Bolívar en la categoría
Educación. Ha publicado artículos de
filosofía en revistas especializadas,
y durante su carrera también se ha
dedicado a realizar traducciones para
diferentes medios.
168
Filósofo de la Universidad de Caldas,
y magister en Filosofía de la misma
universidad. Su principal interés dentro
de la filosofía ha sido la ética y la
moral, y en especial la aplicación de
estas a la vida práctica. Actualmente
es profesor de la Universidad de
Caldas, y ha escrito en varias revistas
nacionales. Ha publicado tres libros:
Ética y significado: una defensa del
objetivismo moral, Introducción a la
ACTIVIDADES
PABELLÓN INFANTIL [4 – 12 años]
PABELLÓN JUVENIL [12 – 25 años]
Talleres certificados por la Universidad de Caldas
Cada taller estará orientado a un grupo máximo de 30 personas
[Inscripción previa]
TALLER JÓVENES ESCRITORES
Un espacio para el aprendizaje y el
desarrollo de la creación literaria.
Dirigido a todas aquellas personas
que quieren potenciar su capacidad
creativa y expresiva, además de su
formación intelectual y que buscan
ampliar su horizonte teórico. El curso
se centrará en el desarrollo del talento
narrativo desde la práctica de la
escritura.
El taller será dictado durante tres días
de 9 a.m. a 12 m y de 2 p.m. a 5 p.m
por:
Francisco Hinojosa
Marcela Sánchez Mota
Rigoberto Gil
169
TALLER DE ILUSTRACIÓN
Para el aprendizaje y el desarrollo de las
habilidades creativas para la ilustración
en alianza con el Festival Entreviñetas.
Dirigido a todas aquellas personas
que quieren potenciar su capacidad
creativa y expresiva. El curso se centra
en el desarrollo del talento narrativo a
partir de la ilustración de historias.
TALLER DE ESCRITURA CIENTÍFICA
Dirigido a investigadores y estudiantes
de postgrado que certifiquen su
inquietud investigativa (certificado de
Estar o haber cursado una maestría
o estar activo en un grupo de
investigación) y quieran desarrollar
sus competencias para la escritura
de artículos científicos y adquirir
conocimientos en formas de citación,
procesos editoriales de revistas y libros
científicos.
Dictado por Docentes de las Maestrías
y Doctorados de la Universidad de
Caldas y Universidad Nacional Sede
Manizales
TALLER DE EXPRESIÓN GESTUAL Y
COMUNICACIÓN ORAL
El taller se propone como un elemento
dinamizador del desarrollo del
lenguaje. Orientado al mejoramiento
de conductas lingüísticas con la
intervención estimuladora del lenguaje
oral y con el cual contribuimos
al desarrollo de las capacidades
necesarias para la lectura.
El taller tendrá un componente lúdico,
orientado por:
Julián Gregorio Gaviria
Faber Londoño
TALLER ESCRITURAS DE LA VIOLENCIA
PARA LA MEMORIA
Discutir sobre las posibilidades de una
escritura de la violencia que se enfoque
hacia la construcción de memoria.
Se busca que los talleristas puedan
acercarse a las propuestas éticas y
a las inquietudes estéticas que se
encuentran al momento de construir
relatos sobre la violencia y el conflicto
El taller será orientado por Camilo
Vallejo
STAND TRUEQUE DEL LIBRO
Con el objetivo de favorecer a toda
la comunidad e incentivar la lectura,
se realizará el intercambio de libros
gratuito. La Universidad de Caldas,
a través de la oficina de Producción
Editorial, y El diario El Espectator
buscan
que
aquellos
menos
favorecidos tengan la oportunidad de
adquirir un nuevo libro por medio de
canje en el marco de la Feria del Libro,
donde los asistentes llevando un libro
ya leído, pueden hacer un intercambio
para adquirir uno del stand.
EXPOSICIONES
Realizar una actividad creativa, debe
contar con la lectura, es por eso
que el arte está ligado a la 5ta Feria
del Libro. En el Centro de Museos
de la Universidad de Caldas podrán
encontrar:
_Cimientos del Artista Miler Lagos
_Exposición Concurso de arte
Homenaje a la memoria de Gabriel
García Márquez
EQUIPO FERIA DEL LIBRO
FELIPE CÉSAR LONDOÑO Rector
MARIA VICTORIA BENJUMEA
Vicerrectora de proyección
LUIS MIGUEL GALLEGO S.
Editor
SERGIO LUIS OSPINA Asistente editorial
OCTAVIO ESCOBAR
Asesor Feria del Libro
CAROLINA GUACANEME
Productora General
PAULA ECHEVERRI Productora ejecutiva
VERONICA OSORIO
Jefe de prensa
SEBASTIÁN DAHM Fotógrafo
ÁNGELA PAULINA CRUZ Asistente administrativa
170
TALLER DEL LIBRO DIGITAL
El taller se dedica a mostrar los
desarrollos en materia de libros y
lectura digital, buscando orientar el
uso de los recursos textuales digitales
por medio del conocimiento y manejo
de las herramientas más adecuadas
entre los desarrollos tecnológicos
disponibles actualmente.
El taller estará orientado por:
Carlos Suarez Quiceno
EQUIPO
XXXVI FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO DE
MANIZALES
Director Artistico
Octavio Arbeláez Tobón
Directora Ejecutiva
Pamela Jaramillo Lombana
Producción General
Julián Arbeláez Tobón
Coordinador de Producción Sergio Arenas Guzmán
Coordinadora de Escenografía y Montaje
Paula Andrea Leguizamón
Jefe Técnico José Norberto Henao
Asistente Jefe Técnico
Valentina Hincapié Agudelo
Eventos Especiales
Beatriz Elena Quintero López
Angelica Castillo Mejía
Paula Tatiana Gómez Pérez
Coordinación de Calle
Bredy Jeins Gallego Giraldo
Asistente de Producción Calle
Manuela Giraldo Valencia
Coordinación Carpa
German Camilo Díaz Fajardo
Coord. de Alimentación y Hospedaje
Ximena Dávila Mejía
Asistente Alimentación
Marlen García Alba
Receptivo Aeropuerto Bogotá
Marlis Marrugo Castillo
Coordinación Transporte
Rafael Valencia Montoya
Coordinación Utilería
Luis Ariel Pineda Uribe
Coordinación Bodega
Julián Gregorio Gaviria Zuluaga
Coordinación de Guias
Ángela Yauri Aristizábal
Coordinación Prensa
Lorena Suárez Muñoz
Asistente de prensa y editora web
Alejandra Ramírez García
Coordinación de Publicidad
Elena Mejía Echeverri
Asistente de Publicidad
Daniela Velásquez Restrepo
Editor de contenidos/Director Periódico
TEXTOS
Wilson Escobar Ramírez
Diseño & Comunicación Visual
KikiriMiau Maria del Rosario Vallejo Gómez
Humberto Jurado Grisales
174
JUNTA DIRECTIVA
Elvira Escobar de Restrepo
Luz María Calderón Uribe
Jorge Alberto Gutiérrez Jaramillo
Felipe César Londoño López
Matilde Cuartas Villegas
Luz Adriana Trujillo Galvez
Ana María Mesa Villegas
Pedro José Delgado Gutiérrez
Clara Lucia López de Estrada
Carlos Adolfo Escobar Holguín
Octavio Escobar Giraldo
Sandra Vandenenden Amador
Octavio Arbeláez Tobón
Natalia Marulanda Mejia
Catalina Rey López
CONFAMILIARES
Jefe de sala
Alejandro Loaiza Guzmán
Operario de Luces
Ian Salomón Huertas Camargo
Operario de Luces
David Felipe Román Calvo
Operario de Luces
Álvaro Andrés Castro
Tramoyista
Santiago Ramírez Calvo
Tramoyista
Cristian David Huertas Gutiérrez
Servicios generales
Francisco Javier Londoño Castro
TEATRO LOS FUNDADORES
Operario de Luces
Alexander Tobón
Operario de Luces
Leonardo Soto
Operario de Luces
Mauricio Soto
Operario de Luces
Luis Gabriel Bedoya Ríos
Operario de Luces
Fernando Cárdenas Cuervo
Tramoyista
Néstor Julián Salazar Londoño
Tramoyista
Juan Camilo Calderón
Servicios generales
Jhon Jarol Ospina Arias
Servicios generales
Luz Idalba Gómez Tobón
GALPÓN
Jefe de sala
Pablo Andrés González
Tramoyista
Camilo Pacheco Ospina
Tramoyista
Carlos Antonio López Vallejo
Servicios generales
Marlin Marin Marin
UNIVERSIDAD NACIONAL
Jefe de Sala
Edgar Fernando Barona
Tramoyista
Ricardo Giraldo Zuluaga
Tramoyista
Richard Alonso Hernández Calvo
Servicios generales
Manuela Ramírez Moreno
Servicios generales
Diana Inés Moreno Culma
175
BODEGA
Jefe de sala
Diana María Buriticá Pineda
Tramoyista
Ricardo León Marín Matinez
Tramoyista
Diego Andrés Valencia Casas
Tramoyista
Yulian Andrés Olaya Zuluaga
RAFAEL POMBO - FONDO CULTURAL
Jefe de sala
Juliana Pineda Cárdenas
Tramoyista
Jhan Karla Martínez Quintero
Tramoyista
Juan Pablo Mejía Zapata
Tramoyista
Fabián Lozada
CARPA
Tramoyista
Jairo Steven Calvo Taborda
Tramoyista
Omar Andrés Osorio Garzón
Tramoyista
Miguel Ángel Ayala Cárdenas
Tramoyista
Carlos Willian Pulgarin Marín
Servicios generales
Luisa Fernando Duque Gómez
Servicios generales
Martha Inés Sánchez
CALLE
Asistente Calle
Jessica Alexandra Orjuela Villa
Asistente Calle
Lino Jeison Cardona Rincón
Asistente Calle
Isabel Cristina Buitrago Osorio
Asistente Calle
Adriana María Rincón Flórez
Asistente Calle
Andrés Felipe Toro Arias
Asistente Calle
Ana Carolina Soto Ortiz
Asistente Calle
Natalia Rivera Alvarado
Asistente Calle
Luisa Daniela Guevara Wong
Asistente Calle
Jorge Hernán Moreno Culma
Asistente Calle
Jully Andrea Castillo Cadavid
Asistente Calle
Ivonne Garavito Trejos
Asistente Calle
Manuela Gómez Holguín
Asistente Calle
Ibán De Jesús Alarcón Marín
Asistente Calle
Fernando Alberto Pérez Murcia
Asistente Calle
Estefanía Giraldo Ramírez
Asistente Calle
Juan Camilo Gómez Palacio
Asistente Calle
Víctor Alfonso Coronado Marín
Asistente Calle
Luis Felipe Agudelo Quintero
176
8 DE JUNIO
Jefe de sala
Manuel Alejandro Calderón
Tramoyista
Carlos Eduardo Giraldo Gómez
Tramoyista
Daniel Hoyos Loaiza
Tramoyista
María Elena Gutiérrez Zamora
Servicios generales
Mónica Castaño
ELECTRICISTA CALLE
Electricista Alfonso De Jesús Higuita Arias
Electricista José Ramón Castrillón Botero
UTILEROS
Asistente Utilería
Luis Fernando Moncada Holguin
Asistente Utilería
Ana María Valencia Arias
Asistente Utilería
Juan David Salazar Cardona
Asistente Utilería
Jorge Eduardo Cárdenas Padilla
Asistente Utilería
Juan Pablo Charry Osorio
Asistente Utilería
Katterine Rocioupegui Sánchez
Asistente de Bodega
José Fernando Hurtado Giraldo
Asistente de Bodega
Oscar Gutiérrez Mejía
AUXILIARES DE BODEGA
Asistente de Bodega
Juan Sebastián Cortes Gonzales
Asistente de Bodega
Cristian David Pava Valencia
Asistente de Bodega
Bernardo Sánchez Bustamante
Asistente de Bodega
Paolo Andrés Tabares García
Asistente de Bodega
Fredy Jair Fernández Carrera
Asistente de Bodega
David Ruiz Flores
Asistente de Bodega
Celiano Hernando Montes Ramírez
Asistente de Bodega
Luis Alfonso Serna Bedoya
OFICINA
Secretaria
Beatriz Herrera Salgado
Asistente de Direccion Ejecutiva
Paola Patiño Giraldo
Coordinadora de Abonos
Jenny Marcela Ramírez
Contadora
Liliana Patricia Salazar Arenas
Revisora Fiscal
Gloria Inés Ospina Isaza
Servios Generales
Yessica Fernanda Arcila Giraldo
ESCENÓGRAFOS
1 Escenógrafo
Diego Fernando Sánchez Mendoza
2 Escenógrafo
Roberto Adrián Duran Castro
3 Escenógrafo
Federico Cárdenas Uribe
177
CARPINTEROS
1 Carpintero
Dario Arce Tabares
2 Carpintero
Jonh Fredy Carvajal Sierra
178
179

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