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TEORÍA DE LA MUSICA
GRAMÁTICA MUSICAL.
Es el estudio de los diferentes signos que representan la música, las normas y
principios que rigen la ejecución de la música.
LA MÚSICA ES UN LENGUAJE UNIVERSAL
La música permite transmitir sentimientos, ideas pensamientos a través del
sonido.
También podemos decir que la música es Es el arte y la ciencia de los sonidos.
2.- La música es al mismo tiempo un arte y una ciencia, por lo cual debe ser
apreciada emocionalmente y comprendida intelectualmente. Como ocurre con
cualquier arte y con cualquier ciencia, no existen límites a su perfeccionamiento
ni a su comprensión.
3.- Sucesión de sonidos agradables al oído. Arte de combinarlos.
EL SONIDO
Es el efecto agradable que producen al oído, las vibraciones de un cuerpo sonoro.
Hay tres maneras de producir un sonido y estas son: por percusión o golpe, por
frotación y por vibración del aire a través de un tubo.
Actualmente se puede producir sonidos a través de medios electrónicos y
digitales que provocan la vibración de cuerpos que traducen el sonido como por
ejemplo las membranas de los altavoces.
Si las vibraciones se producen en forma regular se produce sonido y si las
vibraciones se producen irregularmente se produce ruido
El sonido tiene 4 características que son: la altura , la intensidad, la duración y
el timbre
LA ALTURA
Habíamos dicho que el sonido es producido por vibraciones, estas vibraciones
generan unas ondas que atraviesan el aire y llegan hasta el oído (ondas sonoras).
La frecuencia, es decir, el número de vibraciones que se realicen por segundo
determinan la altura del sonido: graves y agudos
- Sonidos graves son aquellos que se producen cuando la frecuencia es baja, es
decir cuando se realicen menos vibraciones por segundo. Mientras más baja sea
la frecuencia más grave es el sonido.
- Sonidos agudos son aquellos que se producen cuando la frecuencia es alta, es
decir cuando se realicen más vibraciones por segundo. Mientras más alta sea la
frecuencia, más agudo es el sonido.
LA INTENSIDAD
Así como la altura del sonido depende de la frecuencia, la intensidad depende de
la amplitud de la onda sonora. Mientras mas intensa sea la vibración, la amplitud
de la onda sonora será mayor por lo tanto el sonido será más fuerte. Si la
vibración es menos intensa, la amplitud de la onda sonora será menor y por lo
tanto el sonido será más suave.
LA DURACIÓN
Es la cantidad de tiempo que dura la ejecución de un sonido
EL TIMBRE
Esta característica nos permite distinguir o identificar sonidos producidos por
diferentes instrumentos musicales; es así como podemos diferencial un sonido
producido por un piano de un sonido producido por un violín.
El timbre de cada instrumento está determinado por la cantidad y calidad de
"armónicos" que se ejecuten con cada sonido fundamental o principal. Aquí tiene
mucho que ver el material del que están construidos los diferentes instrumentos
musicales.
Los "armónicos" son sonidos que se ejecutan alrededor del sonido fundamental
pero con una menor intensidad de tal manera que solos, son casi imperceptibles
al oído pero que en conjunto dan diferente "color" al mismo sonido fundamental
en cada instrumento musical .
ELEMENTOS DE LA MÚSICA
La música está formada por tres elementos importantes que son: la melodía, la
armonía y el ritmo.
Melodía .- Es la sucesión de sonidos en forma ordenada, de diferente altura , que
expresan una idea musical y que satisfacen al oído y a la inteligencia.
Armonía.- Es la combinación simultánea de dos o más sonidos que producen un
acorde.
Ritmo.- Es la división regular del tiempo. El ritmo está relacionado con cualquier
movimiento que se repite con regularidad en el tiempo, en la música se lo divide
EL PENTAGRAMA
Es la unión de cinco líneas paralelas y cuatro espacios que sirven para escribir las
notas y los signos musicales. También se lo conoce como pauta musical.
Estas líneas y estos espacios se cuentan de abajo hacía arriba. Tanto las notas
como los signos musicales se escriben dentro y fuera del pentagrama.
..............LÍNEAS
5 ___________________________________________________________
4 ________________________________________________4__________
3 _________________________________________________3_________
2 __________________________________________________2________
1 ___________________________________________________1_______
ESPACIOS ...................
IMPORTANTE: Las líneas y los espacios del pentagrama toman un nombre de
acuerdo a la clave de la siguiente manera:
NOTAS MUSICALES:
Son los signos que representan los sonidos, las notas musicales son siete:
DO – RE – MI – FA – SOL – LA – SI
Para saber la altura exacta y el nombre de las notas se utilizan los signos
llamados claves, las cuales se colocan al principio del pentagrama.
Existen tres tipos de claves, y son:
LAS FIGURAS MUSICALES
Las figuras musicales nos indican la altura del sonido en el pentagrama y su
duración. Esta duración se indica por medio de las siguientes figuras:
Vale anotar que la duración de las figuras musicales siempre dependerá del
compás en el que se encuentran (Valor Relativo):
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FIGURA
Redonda
Blanca
negra
Corchea
Semi-corchea
Fusa
Semi-fusa
DURACIÓN
Es la unidad
Es la mitad de la Redonda
Es la 4ta parte de la Redonda
Es la 8va parte de la Redonda
Es la 16va parte de la Redonda
Es la 32va parte de la Redonda
Es la 64va parte de la Redonda
Las figuras tienen tres valores:
Valor Propio.- Es el valor que tiene cada figura por sí sola ejemplo.: la redonda
tiene 4 tiempos, la blanca tiene 2 tiempos , etc.
Valor Comparativo.- Es el valor que tiene una figura comparada con otra,
ejemplo.: una redonda es igual a 2 blancas, una negra es igual a 2 corcheas.
Valor Relativo.- Es el valor que toman las figuras según el compás al que
pertenecen, ejemplo:
una negra vale un tiempo en compás 4/4
una negra vale medio tiempo en compás 2/2
Partes de las figuras músicales:
Generalmente las notas escritas hasta el segundo espacio del pentagrama, tienen
la plica por el lado derecho y hasta arriba, y de la tercera línea en adelante,
tienen por el lado izquierdo y hacia abajo
LAS CLAVES: Son signos que nos indican la altura de las notas y su ubicación
en el pentagrama. Las claves musicales son 3:
Las claves anteriormente mencionadas se colocan de la siguiente manera en el
pentagrama:
Clave de Sol en la segunda línea
Clave de Fa en la 3ra y en la 4ta. líneas.
Clave de Do en la 1ra., 2da., 3ra, y 4ta. líneas.
Clave de Sol
Clave de Fa
La clave de Fa que comienza en la 4ta línea asigna ese nombre a la misma y
desde allí se ordenan los nombres tanto hacia arriba como hacia abajo del
pentagrama según podemos observar en el gráfico a continuación.
Lo mismo sucede con la clave de Fa en 3ra línea.
Clave de Do:
La clave de Do que comienza en la 3ra línea asigna ese nombre a la misma y
desde allí se ordenan los nombres tanto hacia arriba como hacia abajo del
pentagrama según podemos observar en el gráfico a continuación.
Lo mismo sucede con las claves de Do en 1ra, 2da y 4ta líneas
Signos que aumentan el valor de las figuras
.
Punto.- El punto va colocado a la derecha de la figura y aumenta
exactamente la mitad del valor de dicha figura:
..
Doble Punto.-
Un doble punto, colocado después de una figura, le
aumenta la mitad del primer punto, o sea la cuarta parte del valor.
Calderón.- Prolonga la duración de la nota. La duración se puede mantener
según el gusto musical. El calderón aparece con frecuencia al final de una
composición.
Ligaduras
Ligadura Conjuntiva: Es una línea curva que une dos o más notas del mismo
nombre y de la misma altura, es decir une el valor de las dos figuras
convirtiéndolas en un solo sonido.
Ligadura Expresiva: Es una línea curva que une dos o más notas de diferente
altura, señala una indicación de fraseo, de respiración y articulación, es decir de
legato. Este tipo de ligadura puede llegar a unir multitud de compases dentro de
una misma frase o englobar únicamente dos notas, indicando una apoyatura.
LOS SILENCIOS
Son signos que indican la interrupción momentánea del sonido, cada figura tiene
un silencio por lo cual la duración del silencio es igual al de la figura:
LOS INTERVALOS
Es la distancia que existe entre dos sonidos distintos
Intervalo ascendente se refiere cuando dos sonidos distintos se ejecutan
sucesivamente y el segundo sonido es más agudo que el primero:
Intervalo descendente se refiere cuando dos sonidos distintos se ejecutan
sucesivamente y el segundo sonido es más grave que el primero:
Los intervalos se miden de acuerdo al número de grados que existen entre dos
sonidos.
Clasificación de los intervalos
Intervalo
Tipo
Distancia
Primera
Justa
Unísono
Aumentada
un tono y medio
Mayor
un tono
menor
medio tono
disminuida
unísono
Aumentada
2 tonos y medio
Mayor
2 tonos
menor
un tono y medio
disminuida
un tono
Aumentada
3 tonos
Justa
2 tonos y medio
disminuida
2 tonos
Segunda
Tercera
Cuarta
Quinta
Sexta
Séptima
Octava
Aumentada
4 tonos
Justa
3 tonos y medio
disminuida
3 tonos
Aumentada
5 tonos
Mayor
4 tonos y medio
menor
4 tonos
disminuida
3 tonos y medio
Aumentada
6 tonos
Mayor
5 tonos y medio
menor
5 tonos
disminuida
4 tonos y medio
Aumentada
6 tonos y medio
Justa
6 tonos
Disminuida
5 tonos y medio
LOS GRADOS DE LA ESCALA MUSICAL
Escala: Se denomina escala a la sucesión ordenada de siete sonidos ascendentes
o descendentes, (a grado conjunto):
Grados: Llamamos a cada uno de los sonidos de la escala. Cada grado o nota de
una escala se indica por un número romano: I II III IV V VI VII VIII
I Tónica o nota fundamental es la nota más importante de la escala.
II Supertónica este se encuentra situado a un tono por encima de la tónica.
III Mediante se le denomina así ya que está situado a la mitad, es decir entre la
tónica y la dominante que son los grados más importantes de la escala.
IV Subdominante esta situado una quinta por debajo de la tónica.
V Dominante este grado le sigue en importancia a la tónica, se llama dominante
por su posición central y su función dominante tanto en la melodía como
en la armonía.
VI Submediante este grado desempeña un papel de mediante entre la tónica y la
subdominante
VII Nota Sensible su función es la de conducir hasta la tónica, ya que esta
situada a un semitono de la misma, es de gran importancia en la música tonal.
VIII Repetición de la Tónica
LAS ALTERACIONES
Son signos que modifican la entonación de las notas, haciéndolas subir o bajar de
su estado natural. Estas son:
Sostenido: Sube 1/2 tono a la nota:
Bemol: Baja medio tono a la nota:
Becuadro: Se emplea para reajustar una nota anteriormente alterada con el
signo de sostenido o de bemol a su altura original. Destruye el efecto del
sostenido o del bemol y vuelve a la nota a su estado natural:
Doble Sostenido: Se emplea cuando es necesario subir un tono entero a
la nota:
Doble Bemol: Se emplea cuando es necesario bajar un tono entero a la nota:
La alteración colocada delante de una nota, afecta a todas las demás notas del
mismo nombre y altura que se encuentren dentro del mismo compás. La línea
divisoria deja sin efecto a la alteración del compás anterior:
LINEAS DIVISORIAS DE COMPAS
Son líneas que atraviesan el pentagrama y cuya función es dividirlo en compases.
Doble barra final
Son dos líneas divisorias que se colocan al final de una composición indicando
que la misma ha finalizado.
SIGNOS DE REPETICION
Doble barra con dos puntos que encierran la tercera línea del pentagrama,
indicando que se debe repetir desde el principio de la composición:
Cuando dos de estos signos se encuentran encerrando un fragmento, significa que
se debe repetir una vez el fragmento:
Casillas: Se colocan encima del compás o compases que están antes del signo de
repetición, ejecutando en la primera vez la primera casilla y en la repetición
(segunda Vez) se suprime la primera casilla y solo se ejecuta la segunda:
LA PRÁCTICA MUSICAL.
Es la razón fundamental del estudio musical, consiste en la ejecución de un instrumento, la
entonación mediante la voz humana de una pieza musical.
Para el estudio técnico de la música se recurre al solfeo o práctica de ejercicios de
entonación tanto con instrumentos como con la voz, teniendo en cuenta normas y principios
teóricos para llevarlo a la práctica
HISTORIA DE LA MÚSICA
La Historia de la música es el estudio de las diferentes tradiciones en la música y
su ordenación en el tiempo.
Dado que toda cultura conocida ha tenido alguna forma de manifestación
musical, la Historia de la música abarca a todas las sociedades y épocas, y no se
limita, como ha venido siendo habitual, a occidente, donde se ha utilizado la
expresión historia de la música para referirse a la historia de la música Europea y
su evolución en el mundo occidental.
La música de una cultura está estrechamente relacionada con otros aspectos de
la cultura, como la organización política y económica, el desarrollo técnico, la
actitud de los compositores y su relación con los oyentes, las ideas estéticas más
generalizadas de cada comunidad, la visión acerca de la función del arte en la
sociedad, así como las variantes biográficas de cada autor.
En su sentido más amplio, la música nace con el ser humano, y ya estaba
presente, según algunos estudiosos, mucho antes de la extensión del ser humano
por el planeta, hace más de 50.000 años.[1] Es por tanto una manifestación
cultural universal.
Música en la Prehistoria
Música en la Antigüedad
Música medieval
Música del Renacimiento
Música del Barroco
Música del Clasicismo
Música del Romanticismo
Música contemporánea
Paleografía musical
Véase también: Portal:Música
Contenido [ocultar]
1 Música en la Prehistoria
2 Mundo Antiguo (5000 a. C. – 476)
2.1 Antiguo Egipto y Mesopotamia
2.2 Antigua Grecia
2.3 Antigua Roma
2.4 La música en la China Antigua: simbología y textura en la música tradicional
china
3 Edad Media (476–1500)
3.1 La música en la Iglesia católica primitiva
3.2 El canto gregoriano
3.2.1 Véase también
4 Renacimiento (1500–1600)
4.1 Escuela flamenca
4.2 Música renacentista francesa
4.3 Música renacentista italiana
4.4 Música renacentista inglesa
4.5 Música renacentista alemana
4.6 Música renacentista española
5 Barroco (1600–1750)
5.1 El bajo continuo
5.2 El sistema tonal
5.3 Primer Barroco(1600-1650)
5.4 Barroco Medio(1650-1710)
5.5 Barroco tardio(1700-1760)
6 Clasicismo (1750–1800)
6.1 La orquesta y nuevas formas musicales
6.2 Escuela de Mannheim
6.3 Otras escuelas
6.4 Clasicismo mediterráneo
7 Romanticismo (1800–1900)
7.1 El piano romántico
7.2 Música programática
7.2.1 El lied
7.3 Sinfonía romántica
7.4 Los nacionalismos (1850–1950)
7.4.1 Rusia
7.4.2 El Grupo de los Cinco
7.4.3 Bohemia: Smetana ( Mi patria) y Dvorák (Danzas eslavas, Sinfonía del Nuevo
Mundo)
7.4.4 Escandinavia
7.4.5 Francia
7.4.6 España
8 Posromanticismo (1870–1950)
8.1 Expresionismo
8.2 Futurismo
8.3 Música modal popular
8.4 Música del realismo socialista
8.5 Impresionismo (1860–1940)
9 Siglo XX (1900–2000)
9.1 Expresionismo, Dodecafonismo, Serialismo
9.1.1 Segunda Escuela de Viena
9.2 Otras tendencias
9.2.1 El Grupo de los Seis (Le Groupe des Six)
9.2.2 Música electrónica, música concreta
9.3 El jazz y sus variantes
9.4 El cine del siglo XX y otros artes escénicos
9.4.1 Cine
9.4.2 Musical
9.4.3 Videojuegos
9.5 Rock (1950–2000)
9.5.1 Mundo Anglófono
9.6 Pop (1950–2000)
9.6.1 Mundo anglófono
10 Referencias
11 Bibliografía
12 Enlaces externos
Música en la Prehistoria
Danza de Cogul (provincia de Lérida). En esta pintura rupestre varias mujeres
danzan alrededor de un hombre desnudo. Los ritos asociados con danzas y ritmos
repetitivos eran habituales en casi todas las culturas prehistóricas.Se ha
demostrado la íntima relación entre la especie humana y la música, y mientras
que algunas interpretaciones tradicionales vinculaban su surgimiento a
actividades intelectuales vinculadas al concepto de lo sobrenatural (haciéndola
cumplir una función de finalidad supersticiosa, mágica o religiosa), actualmente
se la relaciona con los rituales de apareamiento y con el trabajo colectivo.[2]
Para el hombre primitivo había dos señales que evidenciaban la separación entre
vida y muerte: el movimiento y el sonido. Los ritos de vida y muerte se
desarrollan en esta doble clave. En el llamado arte prehistórico danza y canto se
funden como símbolos de la vida mientras que quietud y silencio se conforman
como símbolos de la muerte.
El hombre primitivo encontraba música en la naturaleza y en su propia voz.
También aprendió a valerse de rudimentarios objetos (huesos, cañas, troncos,
conchas...) para producir sonidos.
Hay constancia de que hace unos 50 siglos en Sumeria ya contaban con
instrumentos de percusión y cuerda(lira y arpa). Los cantos cultos antiguos eran
más bien lamentaciones sobre textos poéticos.
En la prehistoria aparece la música en los rituales de caza o de guerra y en las
fiestas donde, alrededor del fuego, se danzaba hasta el agotamiento. La música
está basada principalmente en ritmos y movimientos que imitan a los animales.
Las manifestaciones musicales del hombre consisten en la exteriorización de sus
sentimientos a través del sonido emanado de su propia voz y con el fin de
distinguirlo del habla que utiliza para comunicarse con otros seres.
Los primeros instrumentos fueron objetos, utensilios o el mismo cuerpo del
hombre que podían producir sonidos. Estos instrumentos podemos clasificarlos
en:
a) Autófonos: aquellos que producen sonidos por medio de la materia con la que
están construidos, son instrumentos de percusión, hueso contra piedra por
ejemplo.
b) Membranófonos: serie de instrumentos más sencillos que los construidos por el
hombre. Tambores: hechos con una membrana tirante, sobre una nuez de coco,
un recipiente cualquiera o una verdadera y auténtica caja de resonancia.
c) Cordófonos: de cuerda, el arpa.
d) Aerófonos: el sonido se origina en ellos por vibraciones de una columna de
aire. Uno de los primeros instrumentos: la "flauta" en un principio construida con
un hueso con agujeros.
Mundo Antiguo (5000 a. C. – 476)Artículo principal: Música en la Antigüedad
[editar] Antiguo Egipto y MesopotamiaLa música en Egipto poseía avanzados
conocimientos que eran reservados para los sacerdotes, en el Imperio Nuevo
utilizaban ya la escala de siete sonidos. Este pueblo contó con instrumentario
rico y variado, algunos de los más representativos son el arpa como instrumento
de cuerdas y el oboe doble como instrumento de viento. En Mesopotamia los
músicos eran considerados personas de gran prestigio, acompañaban al monarca
no sólo en los actos de culto sino también en las suntuosas ceremonias de palacio
y en las guerras. El arpa es uno de los instrumentos más apreciados en
Mesopotamia. La expresión musical de Mesopotamia es considerada origen de la
cultura musical occidental.
Antigua Grecia
Escena de un banquete hacia el siglo II a. C. Este bajorrelieve procede de la
cultura indo-griega. Era habitual encontrar a un músico tocando una siringa o
similar. Anciet Orient Museum de Tokio.En la Antigua Grecia, la música se vio
influenciada por todas las civilizaciones que la rodeaban, dada su importante
posición estratégica. Culturas como la mesopotámica, etrusca, egipcia o incluso
las indoeuropeas fueron de importante influencia tanto en sus músicas como en
sus instrumentos musicales. Los griegos daban mucha importancia al valor
educativo y moral de la música. Por ello está muy relacionada con el poema
épico. Aparecen los bardos o aedos que, acompañados de una lira, vagan de
pueblo en pueblo mendigando y guardando memoria oral de la historia de Grecia
y sus leyendas. Fue entonces cuando se relacionó la música estrechamente con la
filosofía. Los sabios de la época resaltan el valor cultural de la música. Pitágoras
la considera «una medicina para el alma», y Aristóteles la utiliza para llegar a la
catarsis emocional.
Posteriormente aparece en Atenas el ditirambo, cantos dirigidos a Dionisos,
acompañados de danzas y el aulos, un instrumento parecido a la flauta. Surgen
asimismo dramas, tragedias y comedias de una manera combinada pero sin
perder la danza, la música y la poesía.
Euterpe con una flauta. Sarcófago de las musas. Museo del Louvre, en París.Los
principales instrumentos utilizados en Grecia fueron: la lira, la cítara, el aulos, la
siringa (una flauta de pan), varios tipos de tambores como por ejemplo el
tympanon (siempre en manos de mujeres), el crótalo, el címbalo, el sistro, las
castañuelas.
Antigua RomaRoma conquistó Grecia, pero la cultura de ésta era muy
importante, y aunque ambas culturas se fundieron, Roma no aportó nada a la
música griega. Eso sí, evolucionó a la manera romana, variando en ocasiones su
estética. Habitualmente se utilizaba la música en las grandes fiestas. Eran muy
valorados los músicos virtuosos o famosos, añadiendo vertientes humorísticas y
distendidas a sus actuaciones. Estos músicos vivían de una manera bohemia
rodeados siempre de fiestas.
En los teatros romanos o anfiteatros se representaban comedias al estilo griego.
Los autores más famosos fueron entre otros Plauto y Terencio. La tragedia tuvo
trascendencia siendo su máximo cultivador Séneca. La música tenía un papel
trascendental en estas obras teatrales.
A partir de la fundación de Roma sucede un hito musical, los ludiones. Éstos eran
unos actores de origen etrusco que bailaban al ritmo de las tibiae, una especie
de aulos. Los romanos intentan imitar estos artes y añaden el elemento de la
música vocal. A estos nuevos artistas se les denominó histriones que significa
bailarines en etrusco. Ninguna música de este estilo ha llegado hasta nosotros
salvo un pequeño fragmento de una comedia de Terencio.
Cuando el imperio romano se consolida, llega la inmigración que enriquece
considerablemente la cultura romana. Fueron relevantes las aportaciones de
Siria, Egipto y las que provenían de la Península Ibérica, actual España. Vuelven a
aparecer antiguos estilos como la citarodia (versos con cítara) y la citarística
(cítara sola virtuosa). Eran habituales los certámenes y competiciones en esta
disciplina. Pese a todo esto, no está claro que Roma valorara institucional y
culturalmente a la música.
La música en la China Antigua: simbología y textura en la música tradicional
chinaArtículo principal: Cultura de China
Representación de los instrumentos tradicionalmente utilizados en la música
tradicional china.Desde los tiempos más antiguos, en China la música era tenida
en máxima consideración. Todas las dinastías le dedican un apartado especial.
Aún hoy la música China está impregnada de la tradición secular, legendaria y
misteriosa de una de las filosofías más antiguas del mundo.
En el teatro chino tradicional, la música juega un papel fundamental anexo a
todas las representaciones. Los parámetros a la hora de elegir los repertorios
siempre han sido concordantes con la búsqueda de la armonía social dentro del
contexto histórico de cada momento, con su estética correspondiente.
Los chinos deben haber percibido la altura relativa de los sonidos de manera
empírica, sin necesidad de Fengs humanos ni mitológicos, sin arrullos de olas ni
enviados al Olimpo chino. Como cosa natural debieron haber relacionado las
distintas longitudes de los tubos con los distintos sonidos que en estos se
obtienen. No es raro, tampoco, que les hayan aplicado la relación 3:2, dado que
ésta tenía para ellos un valor simbólico. armonizar el cielo con la tierra.
Un sistema musical "representa el inventario de sonidos de que se vale una
música, la altura y distancia de sonidos musicales entre sí". Si ubicamos que
corresponde a una quinta justa, un poco más chica que la que se obtiene con
cuerdas. Este principio se denomina cíclico, porque el total de sonidos que
integra la escala repertorio, se va generando por una constante matemática en
las longitudes de los tubos que integran el sistema. Musicalmente se manifiesta
por intervalos de quinta justa al ascender y de cuarta justa al descender.
Representación de una cadencia típica en la música china.La explicación acústica
que sustenta este sistema musical es el de la quinta soplada. Si soplamos con
fuerza en un tubo cerrado, correspondiente, por ejemplo, a Fa4 se obtendrá una
quinta justa superior, es decir Do5. Pero este Do5 también se puede obtener
soplando normalmente en otro tubo que mida dos tercios de la longitud del
primero.
Al cortarse un tercer tubo, que mida dos tercios de Do5 se obtendrá una quinta
justa superior a Do5, es decir, Sol5. Como este sonido está muy alejado de
huang-chung, se duplica su longitud y se obtiene Sol4, dado que la relación doble
corresponde a la octava.
Pero los teóricos chinos se dieron cuenta de que podían obtener ese mismo Sol4,
cortando un tubo que midiera cuatro tercios de Do5.
Trabajando así, y siempre sucesivamente con las relaciones dos tercios y cuatro
tercios, llegaron a la escala de los 12 lu, con la cual se alcanza la octava. No la
octava justa, por cierto, ya que la razón 1:2 nunca equivale a la ecuación 12 2/3.
Obtuvieron entonces, una escala dodecafónica de temperamento desigual.
El peligro de esta escala cíclica es que, por más precauciones que se adopten, las
fracciones se hacen cada vez más complicadas e irreductibles a números enteros.
Si otorgamos el número ochenta y uno al huang-chung y le aplicamos el principio
cíclico (2/3 - 4/3) al llegar al sexto lu comienzan números con fracciones, y cada
vez se hacen más complicadas las ecuaciones a realizar: 81 - 54 - 72 - 48 - 64 42,666 - 56,888 - etc., meros lu para su escala usual.
Sistema tonal chino tradicional.En el s.IV a. C. los teóricos chinos trataron de
archivar las quintas para alcanzar la octava, es decir, intentaron el
temperamento igual, pero solo en el año 1596 el Príncipe Tsai-Yu propone afinar
los tubos según un principio equivalente al temperamento igual.
Para que la afinación de los lu no se alterara, los construyeron en piedra o metal,
materiales más durables que las cañas de bambú. Los lu construidos con lajas
constituyeron los litofonos o carrilloner de piedra. En un comienzo eran doce
lajas, luego se añadían seis más. Los litofonos no eran instrumentos melódicos
propiamente dicho, sino puntos de r'i-tse (instrumentos) y chung-lu (canto) y en
recuerdo de los primeros antepasados en wu-i(instrumentos) y chia-chung
(canto). Todo esto debía relacionarse, asimismo, con danzas específicas.
Los litófonos de doce lajas se ubicaban en dos hileras de seis cada una. La hilera
inferior correspondía a los lu impares (principio YAN, masculino) y la superior a
los lu pares (principio YIN, femenino). Según Van Aalst, el primer lu es la
perfección en sí mismo pues de él depende todo el sistema, es la fuente de
origen del mismo, es el sistema en potencia. Por eso a la hilera impar le
correspondía el principio YAN.
Cada vez que un tubo masculino produce uno femenino, el masculino, es esposo y
el femenino esposa. Cada vez que un tubo femenino produce uno masculino, el
tubo femenino es la madre y el masculino el hijo.
Los cinco primeros sonidos del ciclo de quintas constituyen la escala usual básica,
pentatónica anhemitonal (sin semitonos).
Desde el año 1300 a. C. se usaban solo las cinco primeras notas de la serie donde
cinco transposiciones modales, o sea que tomando como tónica cada uno de sus
sonidos, el número teórico de modos posibles de obtener e un litófono de 12
lajas es de 60 modos pentatónicos, y 84 si se trata de escalas con piens. Este
número de escalas posibles variaba también según las dinastías, y asimismo
variaba el número de escalas reales empleadas.
Edad Media (476–1500)Artículo principal: Edad Media
Música medieval
Música de la Edad Media de España
Compositores medievales
Los orígenes de la música medieval se confunden con los últimos desarrollos de la
música del periodo tardio romano. La evolución de las formas musicales apegadas
al culto se resolvió a finales del siglo VI en el llamado canto gregoriano. La
música monódica profana comenzó con las llamadas canciones de goliardos (ss. XI
y XII) y alcanzó su máxima expresión con la música de los menestrelli, juglares,
trovadores y troveros, junto a los minnesinger alemanes. Con la aparición en el
siglo XIII de la escuela de Nôtre-Dame de París, la polifonía alcanzó un alto grado
de sistematización y experimentó una gran transformación en el siglo XIV con el
llamado Ars Nova, que constituyó la base de la que se sirvió el humanismo para el
proceso que culminó en la música del Renacimiento.
La música en la Iglesia católica primitiva: Rito litúrgico católico
Constantino otorgó libertad de culto a los cristianos en Roma con el Edicto de
Milán hacia el año 325 d. C. Este nuevo espíritu de libertad impulsó a los
primeros cristianos a alabar a Dios por medio de cánticos. Estos cristianos
primigenios, buscando una nueva identidad no deseaban utilizar los estilos
musicales predominantes paganos de la Roma de aquella época.
Para unificar los criterios musicales cristianos, San Pedro introdujo melodías
orientales. Cabe recordar que la música en Grecia se encuentra más relacionada
con Asia que con Europa. Los Salmos son cantos litúrgicos contenidos en el
Antiguo Testamento dentro del Libro de los Salmos, ellos son de origen hebreo y
los himnos son canciones de alabanza de tradición helénica. Son estas formas de
música de origen oriental y basadas en una melodía cantada sólo con la voz
humana y sin acompañamiento instrumental de ningún tipo, las que dieron forma
a la música desde entonces y hasta principios del segundo milenio.
En un documento escrito por Plinio el Joven con la intención de informar al
emperador Justiniano acerca de las costumbres de los cristianos, encontramos
una interesante referencia de su música: «...ellos (los cristianos) tenían la
costumbre de reunirse en un día específico al alba, para alabar a Cristo como si
de un dios se tratase, con un canto alterno».
El canto alterno es aquel que se desarrolla entre dos coros, uno de los cuales
canta una estrofa y el otro le responde. En la liturgia católica se le conoce como
antífona, y se puede cantar con la participación de dos coros o de un solista y la
congregación.
San Ambrosio, Obispo de Milán, introdujo en Antioquía cánticos en forma de
antífona. Compuso a la vez himnos. Sus himnos junto con otros ya existentes
pronto se propagaron por toda Italia. Debido a las frecuentes amenazas contra el
Imperio romano por parte de las tribus bárbaras existió una gran agitación que
provocó una dispersión de las melodías y la alteración de las mismas en cada
región.
El canto gregorianoArtículo principal: Canto gregoriano
El canto gregoriano es un canto litúrgico de la Iglesia Católica. Es utilizado como
expresión y mensaje dentro del culto y asimismo como medio de expresión
religiosa. Las principales características generales de este estilo musical son las
siguientes: normalmente son obras de autor desconocido, son cantadas solo por
hombres, monódicas cantadas a capella sin ornamentos instrumentales, son obras
redactadas en latín culto, el ritmo es libre, el ámbito de su interpretación es
reducido a pocas personas, utiliza grados conjuntos y los llamados ocho modos
gregorianos, tiene forma de diálogo oratorio de rezos y por ello son cantos
austeros.
Estos cantos monódicos pueden clasificarse según: el momento de la liturgia o
del día en el que son interpretadas, según el incipit literario pueden ser himnos,
salmos, cánticos de alabanza, etc.; según el modelo de interpretación, si son de
tracto solista o congregatorio, antifonal (alternación de dos coros), responsorios
de solista y coro o de estilo coral directo.
Otros tipos de liturgia
Ambrosiana o milanesa: canto de finales del siglo IV, que crea el himno e influye
en el canto gregoriano que será el nuevo canto oficial.
Mozárabe: canto mantenido en las regiones de Al-Andalus, los centros serán
Córdoba, Sevilla, Toledo y Zaragoza. En 1076, es sustituido por el canto
gregoriano, menos en aquellas ciudades que solicitaban una dispensa para
mantener su propio canto, como fue la ciudad de Toledo.
Galicano: canto propio de la Iglesia franca que fue sustituido por la liturgia
romana.
Misa (música)
Canto mozárabe
Renacimiento (1500–1600)Artículo principal: Música renacentista
Compositores del Renacimiento
Escuela flamenca. Es en la región flamenca (Países bajos) donde, por su
desarrollo económico, la polifonía recibió un mayor impulso y alcanzó su máximo
esplendor entre los siglos XV y XVI. Los músicos de Flandes pronto se
distinguieron por una técnica de contrapunto excelsa, y una inspiración cuasidivina. En poco tiempo, esto se vio reflejado en una mayor influencia por parte
de los músicos flamencos en todos o casi todos los centros musicales de Europa.
Donde había polifonía se podía encontrar a un músico flamenco. Esto se vio,
además, potenciado gracias a la edificación de enormes catedrales en donde fue
creada una gran cantidad de schola cantorum.
Ya para finales de siglo XV, apareció en la escena musical un gran personaje, de
quien se dice salvó a la música polifónica de los designios del santo padre:
Josquin Des Pres. Aunque de nacionalidad francesa, vivió desde muy joven en
Italia. Con su estilo cautivó a más de uno, mostró gran maestría en el manejo del
contrapunto e hizo uso del semitono. Se dice que Des Pres escribía tan sólo
cuando le daba la gana: algo raro en su época y el comienzo de una gran libertad
para los compositores.
Música renacentista francesaLa Chanson, música de tipo cordal que
desembocará en el Madrigal. En él destacan Pierre Attaignant, Janequin y Calude
Jeune. Las peculiaridades de estos compositores son el enorme brillo y fuerza
rítmica que dan a su música un carácter enormemente extrovertido, se distinguió
por tener realismo expresivo, describe la naturaleza y resalta la expresión del
texto; uno de sus exponentes es Clement Janequin. Escribió una de las canciones
populares llamada L'Ahutte. Esta melodía describe escenas de cacería, cuadros
de batalla, parloteo de mujeres y el ir y venir de la gente de los mercados. Lo
describe como si quisiera pintarlos en un fresco para mostrar en la vida común.
El canto de la reforma Religiosa se aplican a melodías de canciones populares y
se utiliza para el servicio religiosos en donde intervenían grandes grupos de
personas.
Calvino utilizó ese canto masivo al unísono y lo armonizó a cuatro voces.
Música renacentista italiana La música italiana se vio condicionada por el papel
que ocuparon los compositores flamencos como: Adrian Willaert y sus discípulos
que trasplantaron el estilo polifónico holandés. En menos de un siglo, Italia
reemplazó a los Países Bajos como centro de la vida musical europea. Existían
dos tipos de formas musicales: las frottole (frottola en singular), eran canciones
estróficas, silábicamente musicalizadas a cuatro voces, con esquemas rítmicos
marcados, armonías diatónicas y un estilo homófono con la melodía en la voz
superior. Tiene varios subtipos como la barzelleta, el capitolo, el estrambotto,
etc. Se solía ejecutar cantando la voz superior y tocar las otra tres voces a modo
de acompañamiento. Sus textos eran amatorios y satíricos. Sus principales
compositores fueron italianos. La contrapartida religiosa de la frottola fue la
lauda. Se cantaban en reuniones religiosas semipúblicas a capella, o con
instrumentos que tocaban las tres voces superiores. Eran en su mayor parte
silábicas y homófonas, con la melodía en la voz superior llamada música
Música renacentista inglesa En la música del renacimiento inglés, se destaca el
compositor William Byrd, quien desempeñó un papel crucial en la música de
clave; otro compositor de alta relevancia es John Dowland, compositor de
espléndidas y reconocidas melodías para laúd.
Música renacentista alemana. Durante el siglo XVII, Alemania vivía la guerra de
los 30 años, el Sacro Imperio Germánico a cargo del Emperador Felipe II y de su
hermano Fernando I, enfrentaba una guerra contra el protestantismo en
Alemania, por tanto las artes en Alemania sufrían una fuerte represión por parte
del clero antes y durante la guerra; entre otros, no era permitido componer en
alemán, sin embargo se dio la paz de Westfalia, por la intervención del cardenal
Richelieu en la guerra, y las artes florecieron en Alemania, entre los primeros
compositores en destacarse están Esaías Reusner, Johann Pachelbel y H. Schütz,
aunque éstos no escribieron la música religiosa en alemán, uno de los primeros
en componer en alemán fueron los organistas Johann Sebastian Bach y Diderik
Buxtehude.
Música renacentista española. Como en las letras, el siglo XVI es también el
Siglo de Oro#M.C3.BAsica de la música española. Destacan las obras de los
compositores Tomás Luis de Victoria, Cristóbal de Morales y Francisco Guerrero.
La música durante el renacimiento español fue fuertemente influenciada por la
árabe, incluso el mismo Alfonso X «el Sabio» compuso las cántigas bajo la
influencia árabe, ya que era un gran admirador de su cultura; entre las obras más
importantes del renacimiento se destacan: El Cancionero de Palacio, música de
la corte de Isabel I de Castilla y Fernando II de Aragón, el cancionero Al-Ándalus,
los libros en cifras para vihuela de Alonso Mudarra, los compositores Luys de
Narvaez, Gaspar Sanz y el madrigalista Juan del Encina.
Barroco (1600–1750): Corriente musical del periodo barroco
Músicos barrocos
La música barroca es el periodo musical que domina a Europa durante todo el
siglo XVII y primera mitad del siguiente, siendo reemplazada por el clasicismo
hacia 1750–1760. Se considera que nació en Italia y alcanzó su máximo esplendor
en Alemania durante el barroco tardío. Es uno de los periodos más ricos, fértiles,
creativos y revolucionarios de la historia de la música.
En este período se desarrollaron nuevas formas y se operaron grandes avances
técnicos tanto en la composición como en el virtuosismo; así tenemos:
cromatismo, expresividad, bajo cifrado y bajo continuo, intensidad, ópera,
oratorio, cantata, sonata, tocata, suite, fuga y la sinfonía.
El bajo continuo. También llamado continuo, designa el sistema de
acompañamiento ideado a comienzos del período barroco, y es además un
sistema estenográfico o taquigráfico de escritura musical. Como técnica de
composición permitía al compositor trazar tan sólo el contorno de la melodía y el
bajo cifrado, dejando las voces medias, o sea el relleno armónico, a la invención
del continuista. La ejecución del continuo requiere dos instrumentistas: un
instrumento melódico grave (viola, gamba, violoncello, contrabajo, fagot, etc.)
que ejecuta las notas del bajo y un instrumento armónico (laud, clavecín,
órgano) a cargo del continuista, quien desenvuelve improvisadamente las
armonías, de acuerdo con las cifras del bajo cifrado, en la forma de acordes
arpegios u otras figuraciones, todo ello de conforme al estilo y las necesidades
expresivas del texto musical.
El sistema tonal El sistema tonal fue una evolución desde los últimos maestros
de la música medieval hasta su máximo esplendor desde Bach a los últimos
compositores tonales del postromanticismo. En sus comienzos, se definió una
armonía musical compuesta por siete asuntos distintos: las notas, los intervalos,
los géneros, los sistemas de escala, los tonos, la modulación y la composición de
melodías.
Primer Barroco(1600-1650) Claudio Monteverdi(1567-1643)
Importantísimo compositor italiano, uno de los primeros en desarrollar los
recursos Barroco, los que aplicó extensamente a la ópera, el madrigal y la música
religiosa. Dominó tanto los nuevos estilos de comienzos del siglo XVII, como los
más avanzados recursos de la polifonía franco-flamenca. Fue niño de coro en
Cremona, su ciudad natal; fue discípulo de Ingegneri; poco después de los veinte
años entró al servicio del Duque de Mantua, donde residió hasta 1612. Desde
1613 estuvo activo en Venecia, como maestro Capilla de San Marcos. Participó
intensamente en el desarrollo de la ópera veneciana. Compuso gran cantidad de
música religiosa y más de 250 madrigales. Gran parte de sus óperas se han
perdido. Se conservan sólo tres "Orfeo" (1607), "El regreso de Ulises" y la
"coronación de Popea" (1624). Monteverdi sobresalió por su libertad creadora en
el uso de las formas, estilos y texturas antiguas y nuevas, del poder expresivo de
la armonía y las disonancias y del poder caracterizador de los instrumentos de la
orquesta.
Girolamo Frescobaldi(1583-1643)
La música en Italia durante los siglos XVI, XVII y principios del XVIII estaba
viviendo su apogeo y además estaba en búsqueda del máximo esplendor artístico,
de lo excelso a lo sublime; el regocijo de lo religioso se disputaba entre lo
humano y lo divino en el campo de batalla que era el Barroco. El theatrum mundi
italiano vivía bajo el precepto de «Delectare et movere». La sprezzatura italiana,
daba paso a lo que sería el más grande espectáculo de la voz humana: la ópera.
El concerto grosso italiano y la orquesta italiana fueron el prototipo de
composición y de ejecución a seguir por toda Europa occidental. Los castrati
juegan un rol preponderante durante el Barroco italiano, eran el Barroco
humano, lo hermoso extravagante y a la vez lo grotesco, lo confuso o manierista,
lo bello con lo monstruoso, la moral y el decaimiento contra el esplendor
supremo de la sociedad de la Italia barroca (Caffarelli, Senesino, Carestini)
inmortalizados por una voz que trascendía el concepto de «perfección», que
incluso a algunos llevó a la locura.
El violino italiano, una puesta en escena del manierismo barroco, era un vehículo
más para el virtuosismo del ejecutante que del compositor, que únicamente
indicaba pautas que los intérpretes tomaban con gran libertad. Ejemplos de esta
época son los doce conciertos de Pietro Locatelli, el concerto grosso de
Arcangelo Corelli, el concerto grosso de las quatro stagioni de Vivaldi (il prete
rosso —el cura rojo—, por el color de su pelo).
Barroco Medio(1650-1710)Jean Baptiste Lully(1632-1687)
Dietrich Buxtehude(1637-1707)
Johann Pachelbel(1653-1706)
Arcangelo Corelli(1653-1713)
Compositor y violinista italiano, uno de los primeros grandes impulsores de la
escuela italiana del violín y de la música instrumental en Italia. Fue uno de los
creadores de la forma llamada concerto grosso. Compuso también Sonatas tanto
de cámara como de iglesia. Corelli fue uno de los primeros compositores que
aplicó sistemáticamente los procedimientos derivados del Sistema tonal.
Henry Purcell(1659-1695)
Alessandro Scarlatti(1660-1725)
[editar] Barroco tardio(1700-1760)El barroco en la música, al contrario de en
otras ramas del arte, pervive un poco más en el tiempo y se extiende hasta la
década de los 50 y 60 del siglo XVIII, cuando mueren los últimos grandes
exponentes de la época barroca: Antonio Vivaldi, Georg Philip Telemann, Jean
Philippe Rameau, Johann Sebastiann Bach, Domenico Scarlatti y Georg Friderich
Handel.
Rameau es el más importante teórico musical del siglo XVIII y junto con Bach
estableció el sistema tonal que perduraría hasta el siglo XX. Sus obras son la
cumbre del Barroco Francés.La última generación importante nacen todos entre
1668 y 1685 donde muchos de ellos representan el cenit nacional y de la era en
el país donde vivieron: Vivaldi en Italia, Bach y Telemann en Alemania, Handel
en Inglaterra, Rameau y Couperin en Francia y Scarlatti en España. Aunque
algunos de ellos no solo se apegan a su escuela nacional y hacen una magnifica
síntesis y resumen de todas las escuelas como es el caso de Bach, Handel y
Telemann, todos nacidos en Alemania, aunque Handel se marcha a Italia en 1706
para no volver jamás y asentándose en Inglaterra en 1713 hasta su muerte,
convirtiéndose el mayor exponente de la escuela inglesa.
Es con esta generación alemana, especialmente por Bach, cuando el mundo
musical germánico se convierte en la patria musical de primer orden, superando
Italia y desplazando en ser la máxima potencia musical, que durara hasta
principios del siglo XX, desde Bach hasta Schonberg y la segunda escuela de
Viena.
En esta última etapa del barroco, que comienza hacia 1700-1710 cuando esta
generación empieza a ser activa en el mundo musical de la época, la música
adquiere y avanza a un nueva dimensión sin romper el estilo barroco en todos los
ámbitos, desde los géneros y formas, hasta la forma de escuchar la música
pasando por los instrumentos e instrumentación. El barroco musical adquiere
aquí una esplendida madurez, apogeo y una gran refinación inédita en las dos
etapas anteriores que culminará especialmente en la obra de Bach y Handel, las
dos grandes figuras dominantes de este periodo.
Handel es en muchos aspectos el contrapunto de Bach y la otra gran figura
dominante del último Barroco. Sus operas son la máxima expresión del genero en
esa era, siendo conjuntamente con Mozart el compositor más importante del
genero en el siglo XVIII.La técnica de la polifonía y el contrapunto aun tiene una
especial importancia en esta época, de forma más notable en Alemania y
sobretodo en Bach, pero la homofonía adquiere cada vez mas auge y
importancia, conviviendo las dos técnicas durante algunas décadas de forma a la
par durante esta generación de compositores, algunos de ellos como Bach o
Handel, dominándolos con gran maestría.
Uno de los hitos más importantes del último estilo del Barroco es el definitivo
asentamiento de la tonalidad en la música occidental con una de las obras más
importantes de la música universal, el clave bien temperado BWV 846-893, de
Bach, una colección en dos libros publicados en 1722 y 1744 que se compone de
24 preludios y fugas cada libro en los tonos del sistema tonal, siendo una
magnifica demostración del sistema tonal que estará vigente hasta principios del
siglo XX.
En el mismo año del primer libro, 1722, de forma simultánea aunque
independiente, se publicara también el primer gran tratado del sistema tonal:
"Tratado de armonía reducida a sus principios naturales" de Rameau, que aunque
este tratado es imperfecto, se utilizara de referencia hasta principios del siglo
XX.
Bach es uno de los compositores más importantes de la música universal y la
cima de la era barroca. Su obra es un resumen y punto final de los cinco siglos
precedentes y pone la base para las siguientes hasta llegar a nuestros días.Las
formas musicales del barroco tardío son prácticamente las mismas del periodo
anterior, pero con pequeñas novedades que serán precedentes importantes y
abrirán un camino de algunos de los géneros más queridos del clasicismo vienés
de la segunda mitad de ese siglo: El concierto para teclado y la sonata con
acompañamiento sin bajo continúo.
En cuanto a instrumentos, se hacen varios cambios y algunos instrumentos de
etapas precedentes no aguantan hasta el final del barroco y caen en desuso
mucho antes, el laud y la viola la gamba, en general remplazados por otros más
nuevos que en esta época alcanzan un gran auge técnico y de prestigio, como el
violín, la guitarra o el violonchelo. El clave seguirá omnipresente en toda la
música de este periodo culminando su larga trayectoria de los siglos anteriores
en las obras de Bach, Rameau, Handel, y Scarlatti, aunque estará en boga hasta
1770. El órgano seguirá teniendo un peso importante en Alemania, donde con
Bach alcanza su más alta expresión en toda la historia.
Conforme pasa el tiempo el estilo Barroco, que llevaba ya mucho tiempo como el
estilo dominador de la música occidental, es rechazado por las generaciones
posteriores a los últimos grandes exponentes del Barroco, que practicaran un
estilo más sencillo, con apenas contrapunto, el estilo Galante, en boga desde
1730.
La nueva generación ilustrada, nacida a partir de 1700, la rechazara por
complicada, recargada, por abusar del contrapunto, por árida y antigua, y el
estilo quedara apegado a partir de 1730 a las generaciones más viejas del
momento, extinguiéndose prácticamente entre 1741 y 1767, con la muerte de
Vivaldi, Bach, Handel, Rameau y Telemann.
[editar] Clasicismo (1750–1800)Es el estilo caracterizado por la transición de la
música barroca hacia una música equilibrada entre estructura y melodía. Ocupa
la segunda mitad del siglo XVIII. Franz Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart y
Ludwig van Beethoven son tres de sus representantes más destacados
Música del clasicismo
La orquesta y nuevas formas musicales
Franz Joseph Haydn.
Wolfgang Amadeus Mozart
Ludwig van Beethoven.Carl Philipp Emanuel Bach
Franz Joseph Haydn (1732–1809), compositor austriaco, una de las figuras más
influyentes en el desarrollo de la música del clasicismo (c. 1750–1820).
De origen humilde, nació el 31 de marzo de 1732 en Rohrauan en Keitha, cerca
de Viena y murió el 1 de mayo de 1820. Era el mayor de los dos músicos hijos de
un fabricante de ruedas. Algunos suponen que era descendiente de croatas. Con
ocho años entró en la escuela coral de la Catedral de San Esteban, en Viena,
donde recibió su única formación académica. A los 17 años abandonó el coro y
pasó varios años trabajando como músico independiente. Estudió los tratados de
contrapunto y recibió algunas lecciones del prestigioso maestro de canto y
compositor italiano Nicola Porpora. En 1755 trabajó para el barón Karl Josef von
Fürnberg, época en que compuso sus primeros cuartetos para cuerda. En 1759
fue nombrado director musical del conde Fernando Maximilian von Morzin. El año
1760 contrajo matrimonio con Maria Anna Keller, unión que fracasó y de la que
no hubo descendencia. Desde 1761 hasta su muerte, trabajó al servicio de los
príncipes Esterhazy -primero Paul Anton y luego Nikolaus-, donde tuvo a su
disposición una de las mejores orquestas de Europa.
Wolfgang Amadeus Mozart (1756–1791), compositor austriaco del periodo clásico.
Uno de los más grandes e influyentes en la historia de la música occidental.
Nació el 27 de enero de 1756 en Salzburgo, y lo bautizaron con el nombre de
Johannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart. Estudió con Leopold
Mozart, su padre, conocido violinista y compositor que trabajaba en la orquesta
de la corte del arzobispo de Salzburgo. Su padre fue gran influencia para su vida
musical. Desde pequeño fue niño prodigio y un genio musical. Se dice que era el
compositor perfecto, debido a que en sus borradores casi no se detectaba error
alguno. Se caracterizaba por su estilo sencillo, claro y equilibrado, aunque sin
huir la intensidad emocional. En su enorme producción musical (más de 600
obras, a pesar de su corta vida) destacan, entre muchos otrós géneros musicales,
sus conciertos para piano y sus óperas.
Ludwig van Beethoven (1770–1827), compositor alemán, considerado uno de los
más grandes de la cultura occidental.
Nació en Bonn el 16 de diciembre de 1770. Se formó en un ambiente propicio
para el desarrollo de sus facultades aunque excesivamente rígido. Sus primeros
brotes de talento musical fueron dirigidos de forma tiránica por la disciplina de
su padre, que era tenor en la capilla de la corte. En 1789 Beethoven comenzó a
trabajar como músico de la corte para mantener a su familia. Sus primeras obras
bajo la tutela del compositor alemán Christian Gottlob Neefe, especialmente la
cantata fúnebre por la muerte del emperador José II, mostraban ya una gran
inteligencia, y se pensó en la posibilidad de que se fuera a Viena para estudiar
con Wolfgang Amadeus Mozart. Aunque la muerte de Mozart en 1791 hizo que
estos planes no pudieran realizarse, Beethoven marchó a Viena en el año 1792
para estudiar con el compositor austriaco Joseph Haydn. Beethoven ha sido
reconocido tanto por sus principios clásicos como por su libertad de expresión,
por lo que se lo sitúa como el último de los clásicos y el primero de los
románticos.
[editar] Escuela de MannheimLa escuela más importante durante el primer
clasicismo fue, sin lugar a dudas, la escuela de Mannheim. En esta ciudad
comienza a desarrollarse esta escuela orquestal. A partir de 1740 se establece
una orquesta reconocida como la mejor de la época donde acudieron los músicos
más sobresalientes de Europa, liderados por el compositor Johann Stamitz y
sobre cuyo modelo y composición se establecerían todas las orquestas clásicas
del período.
Esta escuela contribuyó a:
Fijar las formas clásicas y a explorar y desarrollar los efectos orquestales que
hasta entonces se habían limitado a las oberturas de las óperas.
Divide la orquesta en dos partes iguales que dialogan entre sí.
Otras escuelasLa Escuela de Viena. La particularidad de esta escuela es el uso
de temas de carácter contrastante. Tuvo como representantes a Monn, Wagensel
y Gassmann.
La escuela de Berlín. La importancia de esta escuela radica en que fue el primer
lugar en donde se inicia la técnica del desarrollo. Como representante está Carl
Philipp Emmanuel Bach.
Clasicismo mediterráneoLuigi Boccherini
Ferran Sors
Antonio Soler
Romanticismo (1800–1900)Artículo principal: Romanticismo
Música del Romanticismo
El piano romántico Franz Schubert (1797–1828), compositor austriaco, gran
incomprendido en su tiempo, cuyos Lieder (canciones para voz solista y piano
basadas en poemas alemanes) están entre las obras maestras de este género, y
cuyos trabajos instrumentales son un puente entre el clasicismo y el
romanticismo del siglo XIX.
Nació en Lichtenthal, cerca de Viena, el 31 de enero de 1797. Hijo de un párroco
maestro de escuela, entró en el coro de niños de la Capilla Imperial en 1808 y
comenzó a estudiar en el Konvikt, una escuela para cantantes de la corte, en
cuya orquesta también tocaba el violín. Escribió además obras para piano,
música sinfónica, religiosa y numerosas óperas. Murió el 29 de octubre de 1828 a
los 31 años de edad.
Felix Mendelssohn (1809–1847), compositor alemán, una de las principales figuras
de comienzos del romanticismo europeo del siglo XIX.
Nació el 3 de febrero de 1809 en Hamburgo y su verdadero nombre era Jakob
Ludwig Felix Mendelssohn-Bartholdy. Nieto del famoso filósofo judío Moses
Mendelssohn, adoptó su segundo apellido, Bartholdy, cuando la familia recibió
una herencia de un pariente con este apellido, aunque normalmente se le conoce
por su primer apellido. En su infancia toda la familia se convirtió al
protestantismo. Fue de genio precoz, de niño conoció a Goethe y recibió una
cuidada educación. A los 9 años Mendelssohn debutó como pianista y a los 11
años interpretó su primera composición. Compuso la obertura Sueño de una
noche de verano cuando tenía 17 años y la obra que contiene la famosa Marcha
nupcial 17 años después. Tuvo como profesores al compositor y pianista checo
Ignaz Moscheles y al compositor alemán Carl Friedrich Zelter. A Mendelssohn se
le atribuye el haber redescubierto la obra de Johann Sebastian Bach, al estrenar
en 1829 su Pasión según san Mateo.
Frédéric Chopin
Nació el 1 de marzo de 1810 en Zelazowa Wola, cerca de Varsovia. Hijo de padre
francés y madre polaca, comenzó a estudiar piano a los cuatro años. Aprendió la
técnica del instrumento prácticamente de forma autodidacta, aunque más tarde
estudió armonía y contrapunto en el conservatorio de la capital polaca. También
fue precoz como compositor: su primera obra publicada data de 1817. Desde muy
joven mantuvo estrecha relación con las altas esferas sociales, ante quienes
tocaba en sus reuniones musicales. Tras graduarse con honores en el
conservatorio, su padre solicitó una beca del gobierno polaco para que pudiera
ampliar su formación en el extranjero, ayuda que le fue denegada. A los 20 años
de edad deja su Polonia natal en un viaje de estudios; nunca regresará. Se
establece en París, donde morirá el 17 de octubre de 1849, víctima de la
tuberculosis. Su obra se caracterizó por el intimismo, la delicadeza, la facilidad
melódica, y una revolucionaria técnica de ejecución. El piano fue su instrumento
por excelencia, y tuvo gran popularidad e influencia en los compositores de su
época.
Robert Schumann (1810–1856), compositor alemán del Romanticismo. Desde niño,
ya demostraba sus cualidades musicales, y su padre lo apoyó durante su
formación procurándole un profesor de piano. La dedicación a su carrera musical
se vio truncada por la muerte de su padre, aunque posteriormente
reemprendería sus estudios. Fue un brillante compositor y crítico musical, lo que
le permitió descubrir a Johannes Brahms cuando era un joven de veinte años. En
1839, Robert se casó con Clara Wieck, y tuvieron ocho hijos. Finalmente, durante
sus últimos años se acentuaron las depresiones, crisis, intentos de suicidios y
periodos de reclusión. Murió de tifus en un sanatorio.
Franz Liszt
Johannes Brahms
De origen alemán, es uno de los compositores más importantes del siglo XIX,
cuyas obras combinan lo mejor de los estilos clásico y romántico. Brahms nació
en Hamburgo el 7 de mayo de 1833. Después de estudiar violín y violonchelo con
su padre, contrabajista del teatro de la ciudad, Brahms se especializó en el piano
y comenzó a componer bajo la tutela del maestro alemán Eduard Marxsen, cuyo
conservador gusto musical dejó una profunda huella en él. En 1853 inició una gira
de conciertos como acompañante del violinista húngaro Eduard Reményi. Durante
esta gira conoció al violinista, también húngaro, Joseph Joachim, quién lo
presentó al compositor alemán Robert Schumann. Schumann se quedó tan
sorprendido con las composiciones de Brahms, obras aún no editadas, que
escribió un apasionado artículo en una revista de la época sobre el joven
compositor. Brahms cobró un sincero afecto a Schumann y su mujer, la famosa
pianista Clara Josephine Schumann, y esta amistad y el aliento que recibió de
ellos le proporcionaron energías para trabajar sin descanso. Muchos biógrafos han
escrito sobre la atracción que sentía Brahms por Clara, aunque nunca se la reveló
abiertamente, ni siquiera tras la muerte de Schumann en 1856, y jamás se casó.
[editar] Música programática[editar] El liedEl lied es la forma vocal menor del
romanticismo más destacada. Consiste en la interpretación de un poema
realizada por un cantante y piano. La estructura general es A B A donde la
primera y la última estrofa tienen la misma melodía. El creador del lied es
Schubert, sus principales temas eran la muerte, el amor y la naturaleza.
Sinfonía romántica. Los nacionalismos (1850–1950)[editar] RusiaEl nacionalismo
es una corriente iniciada en Rusia. Mikhail Glinka famoso por su ópera Una Vida
para el Zar alentó a Aleksandr Dargomyzhski para ayudarle a convencer a un
grupo de cinco compositores rusos a coordinar sus trabajos basados en la cultura
rusa. Más tarde fueron conocidos como El Grupo de los Cinco. La ópera de
Dargomyzhski El Convidado de Piedra fue la piedra angular sobre la que se basó
esta nueva escuela.
Glinka es comúnmente recordado como el fundador de la música nacionalista
rusa. Una vez depurado su estilo de composición en relación con sus estudios
posteriores, despertó una gran atención tanto en su país como en el extranjero.
Sus operas rusas ofrecían una síntesis de composición occidental pero con
melodía rusa, mientras que su música orquestal, con una instrumentación
excelente, ofrecía una combinación de lo tradicional y lo exótico.
El Grupo de los CincoArtículo principal: El Grupo de los Cinco
De este grupo de cinco, sólo dos eran músicos profesionales, César Cui y Mili
Balákirev, ambos poco conocidos. Un tercero Aleksandr Borodin es más conocido
por su composición En las Estepas de Asia Central y por Bailes Polovtsian de su
ópera Príncipe Igor.
Otro componente de este grupo fue Modest Mussorgski quien introduce ritmos del
folclore ruso y escalas inusuales procedentes de la música de la iglesia ortodoxa,
tan características en sus obras. Entre sus trabajos encontramos dos obras para
piano La noche en el Monte Calvo y Cuadros en una exhibición, que
posteriormente llamaron la atención a Maurice Ravel quien hizo sendos arreglos
orquestales de ambas.
El quinto y último miembro del grupo fue Nikolai Rimsky-Korsakov, que
fundamentó su trabajo en obras dramáticas de fuerza rítmica y color orquestal.
Sus obras más improtantes fueron la ópera El gallo de oro y su famosa suite
orquestal Scheherezade. También utiliza elementos de la iglesia rusa en su
obertura Gran Pascua Rusa.
Piotr Ilich Tchaikovsky fue otro de los compositores rusos que usaban un tono y
color brillantes. Su sexta sinfonía Pathetique es muy conocida, y realizó, también
la música de tres famosos ballets: El cascanueces, La Bella Durmiente y El lago
de los cisnes. Obras como la obertura de Marcha Slava, y Capricho Italiano ubican
definitivamente a Tchaikovsky dentro del nacionalismo. Estas obras han sido
programadas tan a menudo que se consideran entre las obras más famosas jamás
construidas.
Bohemia: Smetana ( Mi patria) y Dvorák (Danzas eslavas, Sinfonía del Nuevo
Mundo)[editar] EscandinaviaSibelius (Finlandia) y Grieg (Peer Gynt)
] EspañaAlbéniz (Suite Iberia) y Granados (Goyescas)
Posromanticismo (1870–1950)[editar] ExpresionismoMovimiento estético que
floreció en Europa, en especial en el área alemana, en el primer cuarto del s. XX
(entre 1905 y 1925) y que se caracterizó por la expresividad anímica y subjetiva
del arte, como reacción frente a la sensorialidad del impresionismo y el
positivismo de fines del siglo XIX. La música expresionista se caracteriza por el
intenso empleo del cromatismo y por la tensión expresiva, a menudo teñida de
pesimismo. Sus compositores más representativos son los miembros de la llamada
escuela de Viena (Schönberg, Berg y Webern).
FuturismoEl futurismo fue uno de los movimientos iniciales de vanguardia en la
Europa del Siglo XX. Esta corriente artística fue fundada en Italia por el poeta
italiano Filippo Tommaso Marinetti, quien redacta el Manifeste du Futurisme, y lo
publica el 20 de febrero de 1909 en el diario Le Figaro de París.
Este movimiento buscaba la ruptura con las tradiciones artísticas del pasado y los
signos convencionales de la historia del arte. Intentó enaltecer la vida
contemporánea, esto por medio de dos temas principales: la máquina y el
movimiento. El futurismo recurría a cualquier medio de expresión; artes
plásticas, arquitectura, poesía, publicidad, moda, cine y música; con el fin de
construir de nuevo el perfil del mundo.
Los primeros trabajos futuristas en el campo de la música empezaron en 1910,
mismo año en que se firma el Manifiesto de los músicos futuristas. Los principales
compositores futuristas fueron Francesco Balilla Pratella y Luigi Russolo.
Russolo concibe el «arte de los ruidos» como una consecuencia a los estudios
previamente realizados por Pratella. La «música de ruidos» fue posteriormente
incorporada a las performances, como música de fondo o como una especie de
partitura o guía para los movimientos de los intérpretes. Russolo fue el
antecedente de la «música concreta», un lenguaje sonoro en el cual se utilizaba
cualquier sonido, fuese este uno producido por la naturaleza o por la técnica
(técnica gutural, fuesen palabras o un lenguaje inarticulado).
Música modal popular[editar] Música del realismo socialistaEl realismo socialista
es una corriente estética cuyo propósito es llevar los ideales del comunismo al
terreno del arte. Fue la tendencia artística predominante durante gran parte de
la historia de la Unión Soviética, particularmente durante el gobierno de Iósif
Stalin.
Las corrientes vanguardistas eran vistas como un natural complemento para las
políticas revolucionarias; en las artes visuales florecía el constructivismo y en
poesía y música se elogiaban las formas no tradicionales y vanguardistas, como el
caso de la ópera atonal La nariz, de Shostakovich, basada en el relato homónimo
de Gógol Sin embargo, esta situación no tardó en generar críticas de algunos
elementos del Partido Comunista, que rechazó estilos modernos como el
impresionismo, el surrealismo, el dadaísmo y el cubismo, debido a los principios
subjetivistas que subyacían a ellos (el subjetivismo chocaba frontalmente con la
aspiración objetiva del materialismo dialéctico) y a los temas que trataban (el
realismo socialista sólo consideraba relevantes los temas relacionados con la
política y los trabajadores).
El realismo socialista fue, en cierto modo, una reacción contra los estilos
burgueses anteriores a la revolución, convirtiéndose en política oficial del Estado
en 1932 al promulgar Iósif Stalin el decreto de reconstrucción de las
organizaciones literarias y artísticas. Se fundó la Unión de Escritores Soviéticos
para promover esta doctrina y la nueva política fue consagrada por el Congreso
de Escritores Socialistas de 1934, para ser a partir de entonces estrictamente
aplicada en todas las esferas de la producción artística. El 10 de febrero de 1948,
se dictó el llamado decreto Zhdánov, que marcó el comienzo de una campaña de
críticas y descalificaciones contra muchos compositores soviéticos, entre ellos
Vano Muradeli, Dmitri Shostakovich, Serguéi Prokófiev y Aram Kachaturian.
Posteriormente el gobierno de Stalin pasaría a apoyar a alguno de dichos artistas,
llegando Shostakovich y Prokófiev a recibir el Premio Stalin.
Impresionismo (1860–1940)El Impresionismo musical es un movimiento musical
surgido a finales del siglo XIX y principios del XX sobre todo en la música
francesa, con la necesidad de los compositores de probar nuevas combinaciones
de instrumentos para conseguir una mayor riqueza tímbrica. En el Impresionismo
musical se da mucha importancia a los timbres, con los que se consiguen
diferentes efectos. También se caracteriza porque los tiempos no son lineales
sino que se ejecutan en sucesión de impresiones. Se relaciona de esta manera
con el Impresionismo pictórico, que conseguía las imágenes mediante pequeñas
pinceladas de color. Dos de los principales compositores de este movimiento son
Claude Debussy y Maurice Ravel.
Gabriel Fauré
Claude Debussy
Maurice Ravel
El Bolero de Ravel, obra trascendental
Isaac Albéniz
Suite Española y Suite Ibérica como obras trascendentales
Enrique Granados
Manuel de Falla
Joaquín Rodrigo
El Concierto de Aranjuez como obra trascendental
Jesús Guridi
El Caserío como obra trascendental.
[editar] Siglo XX (1900–2000)Artículo principal: Música del siglo XX
El siglo XX estará marcado por dos grandes acontecimientos que serán muy
decisivos en la historia de la música occidental, y marcarán el avance posterior
que seguirá la música hasta llegar a nuestros días. El primero es el abandono de
la tonalidad y la total ruptura de las formas y técnicas que se venían haciendo
desde los principios de la era barroca a partir de 1908 y 1913 con el atonalismo
de Schonberg y los salvajes ritmos de "El Pájaro de fuego" de Stranvisky, en
concordia con las otras rupturas totales de las otras ramas de las artes.
A partir de ahí, la música occidental se vuelve muy experimental y los
compositores se empeñan en hallar nuevos caminos tanto en las formas, los
instrumentos, los colores, la tonalidad, el ritmo para hacer una música
totalmente nueva y alejada del canon imperante de Monteverdi a Wagner,
cuando con sus grandes óperas se demostró que el sistema tonal vigente ya
estaba en sus límites y no podia dar más de sí ni ofrecer nada nuevo, y las
grandes formas como el concierto, la sinfonía, la sonata ya estaban caducas y
superadas a principios del siglo XX.
El segundo gran evento y el más reciente es el nacimiento y auge de un nuevo
tipo de música que es totalmente diferente de las dos grandes ramas en que se
dividía hasta ese momento la música: la étnica y la occidental, la popular. Este
tipo de música nacerá hacia 1900 con el género más antiguo de esa música, el
Jazz, pero no se asentará ni truinfará definitivamente hasta mediados de siglo
con el truinfo arrollador del Rock y Pop de corte anglosajón y americano con Elvis
Presley, momento en que se extiende por todo el mundo.
En ese momento, la música occidental de origen europeo pierde la unidad que
conservaba desde su nacimiento en la Edad Media, ya no hay un tipo, sino dos. A
partir de ese momento la que se venía tocando desde hace siglos se la conocerá
de forma coloquial como música "clásica" y la nueva será la música "popular".
Con el auge de la música popular, y de forma simutánea, nacerá y se expandirá
conjuntamente con el nuevo tipo de música la industria musical. El efecto de la
música popular y la industria que viene con ella cambiarán drásticamente los
hábitos musicales que estaban presentes desde la Edad Media.
Expresionismo, Dodecafonismo, Serialismo[editar] Segunda Escuela de
VienaArnold Schönberg (1874–1951), compositor austríaco vienés de origen judío
de música clásica del periodo moderno (1900–1950). Uno de los músicos más
grandes del siglo XX; es, junto con Ígor Stravinski y Béla Bartók, el compositor
más importante e influyente de la primera mitad del siglo XX y una figura clave,
junto con Monteverdi, Bach, Beethoven y Wagner, en la evolución de la música
académica occidental.
Es reconocido como uno de los primeros compositores en adentrarse en la
composición atonal, y especialmente por la creación de la técnica del
dodecafonismo basada en series de doce notas, abriendo la puerta al posterior
desarrollo del serialismo y del método cancrizante o del espejo de la segunda
mitad del siglo XX. Además fue fundador de la Segunda Escuela de Viena.
Alban Berg
Anton Webern
Otras tendenciasBéla Bartók
Estudió en Presburgo (ahora Bratislava, Eslovaquia) y en Budapest, donde enseñó
piano en la Real Academia de Música (1907–1934) y trabajó en la Academia de
Ciencias (1934–1940). En 1940 Bartók emigró a Estados Unidos por razones
políticas. Realizó investigaciones en la Universidad de Columbia (1940–1941) y
enseñó música en la ciudad de Nueva York, donde vivió con serias dificultades
económicas. Murió de leucemia el 26 de septiembre de 1945 en Nueva York.