Download -Barroco (siglos Xvii y Xviii)- Vocabulario Virtuosismo: dominio

-Barroco (siglos Xvii y Xviii)Vocabulario
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Virtuosismo: dominio completo de las posibilidades de un instrumento o de la voz.
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Bajo Continuo: sistema de acompañamiento característico de la música barroca, que
consiste en una línea de bajo sobre la cual se interpretan unos acordes contrapuntísticos. Aparece
en el comienzo del Barroco y acaba con él.
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Maestro de Capilla: nombre del director de un conjunto vocal o instrumental, contratado por
la Iglesia. Se encargaba de componer la música para el grupo y de formar musicalmente a sus
componentes.
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Teoría de los Afectos: los compositores utilizan los recursos del lenguaje musical para
describir sentimientos. Eso lleva a experimentar con acordes, instrumentación, dinámica, etc. para
encontrar la manera de impresionar o emocionar a los oyentes. Es decir: el arte por el arte.
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Luthiers: constructores de instrumentos de cuerda. La mejor escuela de luthiers fue la de
Cremona.
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Tocata (según Italia): obra para ser tocada con instrumentos de tecla.
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Sonata (según Italia): obra para ser tocada con instrumentos que no sean de tecla.
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Cantata (según Italia): obra en la que interviene la voz.
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Castrati: cantantes a quien, de pequeños y antes de cambiarle la voz, les amputaban los
testículos para detenerles el crecimiento de la laringe, pero pocos de ellos sobrevivían a la
operación, porque no había limpieza, anestesia, etc. Así, el castrado tenía siempre voz de niño y
capacidad pulmonar y potencia de adulto. Esta práctica se utilizó desde el s. XVI hasta principios
del s. XX. El más famoso fue Carlo Broschi <<Farinelli>>.
Minuet: danza de ritmo ternario que tuvo mucho éxito y que perduró hasta el siglo XVIII.
Vidas de Compositores
Antonio Vivaldi
(Venecia, 1678 - Viena, 1741)
Destacó como violinista y compositor. Se formó con su padre en la catedral de San Marcos de
Venecia. Estudió para sacerdote con los padres de San Gimingano y tras ser ordenado con 25
años, obtuvo el puesto oficial de maestro de violines en el coro del Hospital de la Piedad, institución
que recogía y educaba a chicas huérfanas de Venecia.
Vivaldi compuso muchas de sus obras para la orquesta que formaban las chizas de este hospicio, la
cual llegó a ser famosa en Europa por su virtuosismo. Entre las composiciones de Vivaldi destacan
los conciertos para instrumentos solistas, las óperas y la música vocal religiosa, y de los
instrumentos solistas, compuso conciertos para instrumentos poco habituales (mandolina, viola de
amor, fagot, flautín, etc.).
Georg Friederich Händel
(Halle, 1685 - Londres, 1759)
Compositor y organista alemán. Cuando ya había compuesto dos operas, realizó un viaje a Italia en
el que conoció a los principales músicos de la época. Volvió a Alemania y después se fue a
Londres, donde estuvo al servicio de los monarcas ingleses. Allí compuso óperas, oratorios y
conciertos que reflejan las influencias que recibió a lo largo de su vida. Lo enterraron con todos los
honores en la abadía de Westminster.
Johann Sebastian Bach
(Eisenach, 1685 - Leipzig, 1750)
Compositor y organista alemán, miembro de una importante familia de músicos. Comenzó a
formarse musicalmente bajo el magisterio de su padre y su hermano, y a los 18 comenzó su vida
profesional como músico, la cual le llevó a ciudades muy diversas. A los 38 años fue nombrado
director musical de una iglesia de Leipzig, cargo que ocupó hasta su muerte. La producción musical
de Bach fue muy extensa, aunque nunca escribió ninguna ópera. Aunque no fue muy considerado
como compositor en su tiempo, actualmente se le reconoce como la culminación de toda la música
barroca.
Contexto Histórico
El Barroco comenzó en el año 1600 (siglo XVII) a causa de un cambio de mentalidades producido
por la crisis económica y social europea que hizo temblar al orden renacentista. Esta crisis se
produció por el hambre y la peste. El Barroco acabó en el año 1750 (siglo XVIII).
El Barroco fue la época donde prosperan las monarquías absolutas. El rey ejercía todo su poder y el
pueblo aceptaba su autoridad, que veían como una protección frente a los privilegios de la nobleza.
En ocasiones, este poder creaba un descontento en los estamentos de la sociedad que podía
derivar en revueltas. El hambre, la peste y las provocaciones de los ejércitos hacían difícil la vida en
las clases populares.
Continuaba presidido por la ideología de la Contrarreforma como oposición de la Reforma
Protestante que imperaba en el norte europeo. La iglesia entró en un proceso que la llevó a
reafirmar sus creencias y dar solidez a su organización.
Descartes puso los cimientos del método científico, que dio más importancia a la experimentación
que a los conocimientos heredados de la antigüedad. Galileo, Kepler y Newton consiguieron dar
una explicación matemática de las leyes naturales sobre los fenómenos físicos del mundo y del
cosmos.
Los monarcas absolutos usan el arte como medio para demostrar su grandeza. Los palacios (como
el de Versalles de Luis XIV), los retratos triunfalistas, las grandiosas ceremonias públicas, buscan
demostrar el poder real de una manera comprensible para el pueblo. El artista barroco buscaba
procedimientos artísticos efectistas y vistosos con ornamentación recargada en contraste con la
simetría y la sencillez del Renacimiento. Y la perfección en la realización de la obra. El espectador
tenía que quedar impresionado con la obra y convencido de su mensaje.
Características de la Música del Barroco
Melodía y Ritmo
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Armonía: Todas las melodías barrocas muestran más libertad y desenvoltura que las
renacentistas. En la Edad Media y el Renacimiento, la música vocal tenía más importancia que la
instrumental, y los compositores escribían para los instrumentos con sencillez, como lo hacían
para las voces: dentro de un ámbito reducido, evitando los ritmos complicados y lo intervalos
difíciles. Pero los instrumentos tienen otras posibilidades, y la música instrumental tomó más
importancia, además de que los compositores ya no la escribieran siguiendo modelos vocales, sino
con grandes saltos, virtuosismos difíciles, etc. Los compositores procuraban indicar para qué
instrumento estaba escrita cada pieza. Pero a veces, dejaban la elección del instrumento al gusto
del intérprete.
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Ritmo: Muchas obras requerían un tempo constante, con la misma velocidad. Es necesario
en las obras para conjunto, con el fin de evitar que los músicos perdieran la pulsación. En las
obras para solista se permite más libertad rítmica.
Armonía
Los compositores barrocos prestaban especial atención a los acordes. Pero la escritura
contrapuntística se siguió utilizando, aunque sometida al encadenamiento de los acordes. Este
predominio de la armonía sobre el contrapunto favoreció a la aparición del bajo continuo: sistema de
acompañamiento característico de la música barroca, que consiste en una línea de bajo sobre la
cual se interpretan unos acordes contrapuntísticos. El compositor escribía nada más la partitura de
la línea de bajo. Los acordes no se escribían, pero se indicaban con pequeños números (cifrado)
sobre los cuales el intérprete improvisaba. Los instrumentos más utilizados eran:
Para Interpretar Acordes (instrumentos polifónicos): clave, órgano, laúd, arpa, tiorba, guitarra.
Para Interpretar Bajo Continuo (instrumentos melódicos): violonchelo, viola de gamba, clave,
fagot, contrabajo.
La alta consideración que tenía el bajo continuo quedó demostrada en el hecho de que a menudo
era el maestro de capilla el que lo interpretaba con órgano o clave.
Los compositores utilizan los recursos del lenguaje musical para describir sentimientos. Eso lleva a
experimentar con acordes, instrumentación, dinámica, etc. para encontrar la manera de impresionar
o emocionar a los oyentes. Es decir: el arte por el arte. -Teoría de los AfectosLos dos estilos musicales más importantes fueron el francés y el italiano. La francesa era refinada y
sutil; y la italiana, fresca y animada. Algunos compositores intentaron fusionar los dos estilos. Donde
mejor se consiguió fue en Alemania, especialmente con Bach.
Música Instrumental
El campo de los instrumentos musicales experimenta un cambio. Las extensas familias musicales
renacentistas quedan reducidas a otros instrumentos característicos de cada de ellas. Algunos
instrumentos utilizados en el Renacimiento desaparecen. Otros experimentan modificaciones y
otros evolucionan hacia otros más perfeccionados. Y se desarrolla un instrumento que no se había
considerado mucho: el violín con toda su familia.
Los constructores del Barroco llegaron a realizar instrumentos de gran perfección. En el caso de la
cuerda, es la época de famosas familias de luthiers (los Stradivari, los Amati y los Guarneri) con sus
violines, que se consideraban excepcionales y son muy apreciados hoy en día.
Música de Cámara
Observamos la aparición de una nueva forma musical llamada sonata. Los tipos de sonatas
barrocas importantes son:
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Sonata para Solista y Bajo Continuo (1 solista y Bajo Continuo): permitía que el
instrumento solista demostrara su virtuosismo. Incluso estaba admitido que se improvisaran
variaciones libres sobre las notas escritas por el compositor, además de añadirle ornamentos de la
música barroca.
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Sonata a Trío (2 solistas y Bajo Continuo): daba más importancia al diálogo entre los dos
instrumentos solistas y a la perfección de la composición. Los compositores tuvieron preferencia
por la sonata a trío, porque podían demostrar su dominio en la composición con medios sencillos.
Se le daba un carácter según el lugar en el que hubiera que interpretarla:
o
Sonata
contrapuntísticos.
o
Sonata de Cámara (Sonata da Camera): era de carácter ligero y con movimientos
con aire de danza.
Música Orquestal
de
Iglesia
(Sonata
da
Chiesa): era
seria
y
con
movimientos
Comenzó a tomar forma el concepto de orquesta. Antes del Barroco ya habían existido conjuntos de
distintos instrumentos, pero con composición variable. En el siglo XVII, los compositores pedían una
sección de cuerda estable. Ésta, acompañada del bajo continuo, fue la base imprescindible de la
orquesta barroca.
El instrumento principal era el clave. Después, instrumentos de cuerda (violines, violonchelos y
contrabajos). También se incorporaban instrumentos de viento (flautas traveseras, oboes, fagots,
trompetas, trompas), pero esta sección era variable. En lo que respecta a la percusión, el único
instrumento eran los timbales, acompañados de trompetas. Los tipos de música orquestal eran:
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Concierto: basado en el contraste entre uno o más instrumentos solistas. Hay dos tipos
principales:
o
Concerto Grosso: apareció en Italia a finales del siglo XVI, por evolución de la
sonata a trío y presentaba una alternancia de movimientos lentos y rápidos. En él, los solistas eran
un pequeño grupo de instrumentos llamado concertino. El resto de la orquesta era el ripieno.
o
Concierto para Solista: la diferencia respecto del concerto grosso era que sólo hay
un instrumento solista. Por lo tanto, el diálogo musical se establece entre éste y la orquesta. Las
intervenciones del solista acompañado del bajo continuo, son una muestra de los recursos
virtuosísticos de cada instrumento. Su estructura era: lento-rápido-lento. El solista solía ser: violín,
oboe, flauta travesera, trompeta, clave u órgano.
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Suite Orquestal: consistía en una sucesión de movimientos lentos y rápidos con carácter
de danza, precedidos de una introducción (obertura). Tenía su origen en las danzas del
Renacimiento, que ya se tocaban encadenadas alternando las rápidas con las lentas. Estas suites
conservaron el carácter de danza y la alternancia de tiempos, pero ya no estaban pensadas para
bailar. Se interpretaban para escuchar o para acompañar solemnidades.
Música para un Instrumento
Se seguía escribiendo música para un solo instrumento como en el Renacimiento. El laúd perdió el
predominio a favor de instrumentos de tecla (órgano y clave), ya que su música era muy variada.
Los instrumentos preferidos para tocar solos eran los polifónicos (para interpretar armonía y
melodía a la vez). Aparecen composiciones para instrumentos con pocas posibilidades armónicas o
bien puramente melódicos. Había muchas formas musicales para instrumento solista:
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Tocata: consistía en una composición muy libre y virtuosística, parecida a una
improvisación. Normalmente las representaban el órgano o el clave, ya que permitían a los
músicos demostrar su dominio del teclado.
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Preludio: composición instrumental que precedía a otro movimiento, un grupo de
movimientos, o una obra a gran escala. También podía ser un movimiento independiente.
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Fuga: composición musical de un solo tiempo, en la que un tema melódico se ve
sistemáticamente sometido a la imitación melódica. La textura musical de una fuga descansa en el
contrapunto, y su rasgo estilístico más importante es el tratamiento del material temático por medio
de la imitación.
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Partita: suite de danzas. Es la elección libre de danzas y de movimientos característicos.
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Sonata: composición musical para uno o más instrumentos.
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Variaciones: cambiar partes de ella a la vez que se conservan otras sin alterar, como en
una canción folclórica en la que la segunda frase tiene una nueva melodía pero el mismo ritmo que
la primera; o en la manipulación continuada de una serie dodecafónica.
Música Vocal
La música vocal barroca presentó más novedades respecto a épocas anteriores. Los compositores
procuraban aprovechar al máximo los recursos musicales de la voz. Los intérpretes utilizaban un
elevado virtuosismo para realizar extensos ámbitos. La unión entre texto y música tenía que ser
perfecta, de manera que la melodía reflejara los sentimientos y los hechos que narraba la letra.
Música Vocal Profana
Se mantuvieron formas vocales renacentistas como el madrigal, a veces añadiéndole bajo continuo.
Apareció un forma vocal profana que fue la más importante de la época: la ópera. El primer tipo de
ópera fue la ópera seria. Los inicios de la ópera se encuentran en Italia a finales del siglo XVI,
cuando unos músicos florentinos intentaron crear un tipo de obra teatral basado en el recitar
cantando, tal y como creían que se interpretaban las tragedias en la Grecia Antigua. La primera fue
`'Eurídice'', de Jacopo Peri, en el 1600. Entre las siguientes destaca `'Orfeo'' de Claudio Monteverdi
(1607).
Elementos de la ópera:
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Recitativo: consistía en aplicar a un texto una melodía que imitaba el ritmo y la entonación
e la voz hablada. Su acompañamiento era el bajo continuo y los acordes.
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Aria: fragmento interpretado por un solista vocal con acompañamiento instrumental. la
melodía era muy libre, no subordinada al texto. Era el momento para el lucimiento de los
cantantes. Los cantantes improvisaban ornamentos de gran virtuosismo. Su acompañamiento era
el bajo continuo, intervenciones de la orquesta completa o de instrumentos solistas (obligados),
que dialogan con la voz.
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Obertura: pieza instrumental que la orquesta interpreta al comienzo de la ópera como
introducción.
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Coro: fragmento de música coral. Se utilizaba especialmente para representar multitudes de
gente.
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Danzas: fragmentos instrumentales destinados a ser bailados por los artistas en algún
momento de la representación.
A finales del Barroco apareció un tipo de ópera de argumento cómico (Ópera Bufa). Presentaba
situaciones de la vida cotidiana. El ejemplo más influyente fue `'La Sierva Padrona'' de Pergolesi en
el 1733. Cuando fue representada en París (1752), provocó la Querelle des Bouffons entre los
seguidores de la ópera seria francesa y los de la ópera bufa.
Música Vocal Religiosa
En el Barroco se continuaron escribiendo motetes y misas. También aparecieron nuevos tipos de
música vocal religiosa:
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Oratorio: obra teatral cantada de temática religiosa. Apareció a finales del s. XVI derivado
de antiguos dramas litúrgicos medievales y amparado por la Congregación del Oratorio de San
Felipe Neri. En un principio se representaba pero se abandonó esta práctica y se pasó a
interpretarlos sin acción teatral. Tiene la misma estructura que la ópera, la única diferencia es que
el oratorio es de temática religiosa y no se representa.
Pasión: relataba la muerte y la representación de Cristo.
Cantata: similar al oratorio en estructura y movimientos, aunque sin acción dramática y de
duración menor.