Download Tres Años de Rock And Roll 2013

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Años
De
Rock And Roll
rockandrollismyaddiction.wordpress.com
2013 - 2014
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Tres años de Rock’n’Roll© 2014.
rockandrollismyaddiction.wordpress.com
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Javier Suarez, Rubén Borrajo
Ourense – Galicia - España
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Aquí estamos de nuevo, tercer libro, tercer
año de rock. Y como dice el gran Yosi
Domínguez, <<Volvemos, otra vez a la
rueda, otra vez a empezar, siempre la
misma historia, cada día siempre igual>>
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Índice de Artículos
Thin Lizzy – Jailbreak (Mercury Records 1976)
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The Rolling Stones – Let It Bleed (Decca Records 1969)
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Pearl Jam – Vs. (Epic Records 1993)
Miguel Ríos – Conciertos De “Rock y Amor” – (Hispavox – 1972)
Elliott Murphy – Aquashow (Polydor 1973)
Dr. Feelgood – Stupidity (United Artists 1976)
Gary Moore – Back On The Streets (MCA Records 1978)
The Jimmy Dawkins Band – Blisterstring (Delmark – 1976)
The Velvet Underground & Nico (Verve Records 1967)
Emerson, Lake & Palmer – Tarkus (Island – 1971)
King Crimson – In the Court of the Crimson King (Atlantic 1969)
Johnny Jenkins – Ton-Ton Macoute! – (Atco – Capricorn 1970)
Creedence Clearwater Revival – Cosmo’s Factory (Fantasy Records 1970)
Slade – Slade Alive! – (Polydor 1972)
Los Suaves – Esta vida me va a matar (Sociedad Fonográfica Asturiana – 1982)
Stevie Ray Vaughan and Double Trouble – In Step (Epic 1989)
Kenny Burrell – Midnight Blue (Blue Note 1967)
The Kinks – Live At Kelvin Hall (Pye 1967)
Lonnie Mack – Live! – Attack of the Killer V (Alligator Records 1989)
Leño – En Directo (Chapa / Zafiro 1981)
The Electric Flag – An American Music Band – “A Long Time Comin” (CBS 1968)
Billy Joel – Piano Man (Columbia Records 1973)
Uriah Heep – Demons And Wizards (Bronze / Island Records 1972)
John Mayall – Blues From Laurel Canyon (Decca 1968)
Deep Purple – In Rock (Harvest / Warner Records – 1970)
Elvin Bishop – Raisin´Hell (Capricorn Records 1977)
Wet Willie – Keep on Smilin’ (Capricorn Records 1974)
Ted Nugent – Free For All (Epic 1976)
El Artista Invitado – Cansancio Clónico (2007) / Fuerzas Aliadas (2010)
Boz Scaggs – Boz Scaggs (Atlantic 1969)
Eric Clapton – Just One Night (RSO 1980)
The Black Keys – El Camino (Nonesuch Records 2011)
Rory Gallagher – Deuce (Atlantic Records 1971)
Jimmy Smith – Jimmy Smith Live! Root Down – (Verve 1972)
Supertramp – Breakfast In America (A&M Records 1979)
Allen Toussaint – Life, Love And Faith (Reprise – 1972)
The Band – The Band (Capitol Records 1969)
Barón Rojo – Volumen Brutal (Chapa Discos – 1982)
Neil Young – Harvest (Reprise Records 1972)
Les Dudek – Say No More (CBS 1977)
John Lennon / The Plastic Ono Band – (Apple / Emi 1970)
Led Zeppelin – Led Zeppelin IV (Atlantic – 1971)
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Pearl Jam – Vs. (Epic Records 1993)
Publicado por Ruben.Borrajo el 24 septiembre, 2013
El amor a la música, el odio profundo a lo comercial y unas letras reivindicativas que
conquistaron el corazón de toda una generación. Y así es Vs., segundo disco de los
estadounidenses Pearl Jam. A nuestro juicio, la carga profética de sus letras y el
componente sentimental situaron al elepé como una referencia inexcusable de la década
de los noventa.
Pearl Jam, banda de grunge y rock alternativo originaria de Seattle, nace de los restos de
Mother Love Bone, agrupación donde tocaban el guitarrista Stone Gossard, el bajista Jeff
Ament y dos ex componentes de Green River. Tras el trágico fallecimiento por sobredosis
de heroína del cantante Andrew Wood, el grupo comienza a buscar un nuevo vocalista. Y
encontraron al surfero Eddie Vedder, que les envió un casete y ya todo cambió. Para su música, se inspiraron en
otros artistas como el legendario canadiense Neil Young y en bandas como Led Zeppelin o The Who. Había
emergido Pearl Jam.
Centrándonos en el álbum, segundo en su discografía, se publicó en Octubre de 1993 por el sello Epic y contiene 12
pistas. Grabado en los estudios “Potatohead” de Seattle y los “The Site” en California, contó con la producción de los
propios Pearl Jam y Brendan O’Brien, un reputado ingeniero de sonido que ya había trabajado con artistas de la talla
de Aerosmith o Bruce Springsteen.
Vs. obtuvo un enorme éxito comercial, llegando a alcanzar un millón de ventas en la
primera semana de su lanzamiento. Manteniendo una fidelidad extrema hacia el modo de
vida y el ideario grunge, los Pearl Jam se negaron a realizar videoclips para la promoción
de su álbum. De algún modo, la banda se rebela contra la poderosa industria discográfica
y se mantiene lejos de los focos y el estrellato. De esta manera, no tendrían que soportar
más el exceso de fama.
Incluso, el magazine musical Rolling Stone llegó a definir a Pearl Jam como <<La banda que se pasó los noventa
tratando de destruir su propia fama>>. Otra de las anécdotas curiosas que rodea al grupo sucedió cuando su
cantante Eddie Vedder aparece en la fotografía de portada de la revista Time el 25 de Octubre de 1993. Eddie
Vedder, que cargaba con la gran popularidad del grupo, se había negado a participar en el reportaje y mostró su
descontento con Time.
También conocido, fue su boicot a la multinacional de venta de entradas Ticketmaster. La
empresa, presionó a los promotores para elevar los precios y obtener así un mayor
beneficio económico. Pearl Jam acusó a Ticketmaster de fraude y monopolio y la sometió
a un juicio. Fue el primer grupo de la historia del rock que hizo algo así. El juicio duró dos
largos años, resultando ganador Ticketmaster.
Otra de las notas significativas de Pearl Jam tuvo lugar durante un concierto como
teloneros de U2, en el que Eddie Vedder declaró que: <<los estadios son para jugar al
fútbol, no para conciertos de rock>>
Toda esta conjunción de factores, aumentó todavía más el carisma del grupo y el gran
público llega a considerarles como una banda de culto, convirtiéndose en una de las
formaciones más queridas de los Estados Unidos de América.
Como ya es habitual, haremos una mención especial a los integrantes de Pearl Jam, que
hicieron posible esta histórica obra: Eddie Vedder (voz) Mike McCready (guitarra) Stone
Gossard (guitarra), Jeff Ament (bajo) y Dave Abbruzzese (batería).
El disco abre con “Go”, tema en el que destacaremos su batería y un espléndido riff de
guitarra del dúo Gossard / McGready. Seguidamente, le toca el turno a “Animal”, pista
impregnada por cierto aire hardrockero y la peculiar voz de Eddie Vedder.
Todo álbum tiene su punto álgido y este llegará con “Daughter”, memorable y alabado hit que se consolidó como una
de las canciones más emblemáticas de los Pearl Jam. En él, Eddie Vedder nos ofrece una excelente interpretación
vocal, siempre acompañado de un bello guitarreo acústico.
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Otros magníficos cortes que completan un elepé absolutamente redondo son un genial
“Rearviewmirror”, el cierto aroma a pantano de “Dissident”, arropado por unas fantásticas
guitarras, los poderosos riffs de “Leash”, el ritmo trepidante de “Rats” y un suave y
relajante “Indifference”, que cierra el LP.
Y así concluye Vs., cortesía de Eddie Vedder y sus Pearl Jam, el grupo que manifiesta a
través del rock las grietas de una sociedad con unas desigualdades demasiado patentes.
De ellos, son conocidas sus fuertes convicciones políticas y sociales, participando
reiteradamente en multitud de causas benéficas.
Su activismo a favor del cuidado del medio ambiente, y las críticas hacia políticos con
demasiadas ansias de poder, hacen de Pearl Jam, una banda tan real como la vida
misma.
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Miguel Ríos – Conciertos De “Rock y Amor” – (Hispavox – 1972)
Publicado por javisuarezadmin el 2 octubre, 2013
La carrera de Miguel Ríos, músico, cantante y andaluz universal está plagada de éxitos y
reconocimiento. Corría el año 1972, cuando decide embarcarse en una gira sin
precedentes a lo largo y ancho de España, “logrando por primera vez, según muchos
críticos musicales, las infraestructuras necesarias para realizar dicho evento musical”.
Sin duda, los setenta han sido una de las épocas de mayor agitación social para nuestro
país. Pero, Miguel Ríos consiguió convertir este show en uno de los primeros conciertos
de rock and roll grabados en directo en España. Y todo ello, en medio de un tiempo difícil
y políticamente cargado.
Pionero del rock en España, Miguel Ríos nace en la hermosa ciudad andaluza de Granada en 1944. Con apenas
dieciséis años comienza a despuntar como cantante, interpretando temas de autores ya mundialmente famosos,
motivo más que suficiente para que dos años después grabara oficialmente su debut musical, permaneciendo desde
1962 como el auténtico precursor del rock and roll en nuestro país.
Mike Ríos saltaría al estrellato mundial en 1970 con una obra maestra del rock sinfónico titulada “Himno a La
Alegría”, maravillosa adaptación musical del último movimiento de la 9ª sinfonía de Ludwig Van Beethoven, fruto de
una estrecha colaboración durante años con el arreglista, pianista y director de orquesta argentino Osvaldo Nicolás
Ferrara, más conocido por el seudónimo de Waldo De Los Ríos.
Con varios millones de discos vendidos por todo el planeta y gracias a este hit histórico, Miguel
Ríos se coloca como número 1 en las listas musicales de los Estados Unidos. Vive una de sus
etapas más fructíferas, dejándonos álbumes magistrales en pleno apogeo del rock sinfónico. Y
durante esos años, organiza una gira de puro rock and roll por las grandes ciudades de España,
siempre acompañado por músicos de primer orden y dotado de un magnífico equipo, inusitado
hasta esas fechas en la España de la dictadura.
Como dato anecdótico, en la parte posterior del álbum reza la siguiente información: “Grabación
totalmente realizada durante los Conciertos celebrados en el Monumental Cinema de Madrid, los
días 27, 28, y 29 de abril de 1972. Para captar el extraordinario clima de éstos Conciertos, se
emplearon dieciséis micrófonos conectados a un equipo grabador de ocho pistas, por medio equipo de control de
sonido especialmente construido por HISPAVOX. S. A, equipos reductores de ruido, “Dolby” y compresores
“Bellman”.
Esto, aunque parezca sencillo y quizás muy normal para otros países, en España simplemente fue algo novedoso e
inusual, dando origen a un glorioso sonido para el show en directo, convirtiendo este álbum en toda una obra de
culto.
El LP, producido por Hispavox, fue dirigido por el excelente guitarrista Johnny Galvao. De las 11 pistas originales
incluidas, la mayoría son versiones de rock más populares de los cincuenta, exceptuando algunos temas básicos en
la discografía de Mike.
Y en honor a la excepcional banda que perpetró la consecución de este disco en directo,
es de justicia mencionar a estos geniales músicos de diversas nacionalidades:
capitaneados por Miguel Ríos a la voz solista, Daniel García (órgano), Cabu Michaud
(bajo), Ernesto Duarte (percusión, saxo tenor y flauta), Juan Carlos Padilla (flauta y saxo
tenor), Bob Thackway (batería), José Luis Medrano (trompeta) y Jim Kashishian
(trombón).
Interactuando en todo momento con el poco acostumbrado público y su tímida asistencia a este tipo de conciertos
multitudinarios en la España de esa época, Mike inicia su repertorio exaltando al público y animándolo con
comentarios explicativos, muy acertados y sutiles.
Con temas clásicos del rock, como “Hound Dog”, “Tutti Frutti”, el básico “Jailhouse Rock”, “Land Of Thousand
Dances” y “Whai´d I Say”, y uno de los mayores éxitos en español titulado “Popotitos”, (popularizado por la formación
mexicana Teen Pops en 1957), la banda ejecuta con mucha brillantez la primera parte del álbum.
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La segunda parte abre con el clásico tema folky “Abraham, Martin And John”, homenaje a estos celebres personajes
de la historia contemporánea, que de alguna forma lucharon por los derechos de los seres humanos como Abraham
Lincoln, Martin Luther King y John Kennedy.
Continúan con “Cantares”, poema eterno del sevillano Antonio Machado y popularizado por
el cantautor Joan Manuel Serrat, siendo éste uno de los temas más recordados del álbum.
Siguen con “Sabor”, dónde Mike nos presenta a su gran banda, a un ritmo impresionante.
Y que mejor manera de finalizar, que con el legendario “Yo Sólo soy un Hombre”, de José
Fernando Arbex, componente y baterista de los Brincos y productor de incontables artistas
de la música española. Cierran con el clásico “Vuelvo A Granada”, compuesto por el propio
Miguel Ríos. En posteriores ediciones del LP, se añadió el “Himno A la Alegría” y el
espléndido “Unidos”, en directo esta vez.
Así concluye este valioso documento, a nuestro juicio imprescindible, para poder comprender la esencia del rock en
España. Lo dotaron de un sonido fantástico y nos demostraron la grandeza del rock and roll, en una España marcada
por el conflicto político.
Miguel Ríos, gracias a su buen hacer y a su pasión desmedida por la música, consiguió crear y ser escuchado,
además de ser admirado en todo el mundo.
Gracias, Mike.
10
Elliott Murphy – Aquashow (Polydor 1973)
Publicado por Ruben.Borrajo el 9 octubre, 2013
Elliott Murphy, poeta del underground, semidesconocida estrella del rock y si me lo
permiten, todo un músico de culto. A mi juicio, el rock de Murphy es un universo cargado
de creatividad, de emoción, de compromiso y de autenticidad. A pesar de su gran calidad
musical, no obtuvo ningún éxito comercial, pero finalmente logró consolidarse como uno
de los cantautores más admirados en todo el mundo.
Nacido en Long Island, Nueva York, en 1949, desde muy temprana edad comienza a
sentir una pasión desmedida por la música y forma su primer grupo “The Rapscallions”,
con el que se encargaba de amenizar las fiestas escolares y resulta vencedor de varios
concursos para jóvenes promesas.
Su carrera, está marcada por dificultades y en un principio decide emprender un viaje por Europa, versionando
canciones de Bob Dylan en diversos locales nocturnos de Roma para ganar algún dinero. Y también, aprovecha su
otra faceta de actor, llegando a obtener un pequeño papel en la película “Roma” de Federico Fellini.
Por suerte para el rock, Murphy abandonó su idea de convertirse en actor y regresa a los
Estados Unidos, dónde empieza a colaborar con artistas como Patti Smith, escribiendo
canciones sin descanso e impregnándose del ambiente underground que se respiraba en los
pubs de la gran manzana.
Pero no sería hasta 1973, cuando debuta oficialmente con “Aquashow”, un excelente álbum que
fue alabado por la crítica de la época.
Centrándonos en el álbum, primero en su discografía, fue publicado en 1973 por el sello Polydor
e incluye 10 pistas. Grabado en los estudios Record Plant y los Sterling Sound de Nueva York,
destacaremos que todas las canciones que lo conforman fueron compuestas por Elliott Murphy.
Como ya es habitual, haremos una mención especial hacia el personal que hizo posible este magnífico disco: Elliott
Murphy (voz, guitarra, teclados y armónica), Teddy Irwin (guitarra), Matthew Murphy (bajo), Frank Owens y Pat
Rebillot (teclados), Tasha Thomas, Dennis Ferrante, Jim Mason, Eddie Mottau, Maretha Stewart, Linda November,
Dick Wagner (coros) y Gene Parsons (batería).
Abre el elepé con el hit “Last Of The Rock Stars”, posiblemente su canción más
identificable y de las más utilizadas en sus conciertos en vivo. Otros espléndidos cortes
que completan el disco y muy elaborados instrumentalmente son “Hangin’Out”, “Graveyard
Scrapbook”, “Marilyn” o “Hometown” en dónde apreciaremos su personalísima voz.
Así concluye esta historia, la del genial músico, periodista y escritor cuyo eslogan da
nombre a nuestro blog. Actualmente, Elliott Murphy, a sus 64 años, continúa deleitando al
público con sus fantásticos shows en directo, siempre acompañado por los “The Normandy All Stars” y un mago de
la guitarra llamado Olivier Durand. Y por supuesto, sigue haciendo del rock and roll su adicción y de la literatura su
religión.
Quizás, Murphy sea la última estrella del rock and roll.
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Dr. Feelgood – Stupidity (United Artists 1976)
Publicado por javisuarezadmin el 16 octubre, 2013
Mediados los años 80, se creaba en el Reino Unido el “Q Magazine”, una popular revista
de rock y pop que nominó a este álbum entre los “20 mejores álbumes en directo de todos
los tiempos”, debido a su energía y a la frescura interpretativa de esta histórica banda en
sus shows en directo.
Dr. Feelgood, originarios del condado de Essex – muy cerca de la capital británica –
comienzan su andadura musical en los albores de los 70, convirtiéndose por méritos
propios en uno de los grupos esenciales del “pub rock”, género en el que se erigen como
los auténticos líderes. Recorren infinidad de locales y brillan en todas y cada una de sus
actuaciones, cargadas de rhythm and blues y rock and roll a un ritmo trepidante. A
nuestro juicio, los Dr. Feelgood fueron la herencia directa de algunas bandas clásicas del panorama musical británico
de los 60.
En 1974 publican “Down by The Jetty”, primer y exitoso álbum que obtuvo una muy buena acogida tanto en Europa
como en América, lo que les valdría para grabar al año siguiente su clásico “Malpactrice”, siendo ambos discos, de
los más relevantes en su ya extensa carrera. Los Dr. Feelgood estaban capitaneados por el excelente armonista e
intérprete Lee Brilleaux, el magnífico guitarra y compositor Wilko Johnson, respaldados por los incuestionables John
B. Sparks (bajo) y John Martin (batería), apodado éste último “The Big Figure”.
Gracias a la fama que consiguieron con estos dos álbumes de culto, en 1975 publican el
directo “Stupidity”, con el que capturan toda la fuerza, poderío y el énfasis de sus
antológicas actuaciones.
Centrándonos en el disco, fue producido por los propios Dr. Feelgood y se grabó en dos
localizaciones diferentes a lo largo de 1975. Finalmente, sale a la luz pública en
septiembre de 1976 y se coloca como Nº1 en las listas británicas durante nueve semanas consecutivas. Sin duda, un
éxito sin precedentes en pleno auge del “glam rock” y en el momento cumbre de otras grandes formaciones de la
historia del rock. El elepé original contó con trece temas grabados en dos lugares distintos, el primero fue en la
localidad de Sheffield, concretamente en el Sheffield City Hall y el segundo en el “Southend Kursaal”, en la ciudad de
Southen-On-Sea, condado de Essex, un 8 de noviembre de 1975.
El LP contiene espléndidas versiones de artistas fundamentales del rock, del blues y rythm and
blues como “Talking About You” de Chuck Berry, “Stupidity” de Solomon Burke, el inmortal “I´Am A
Man”, obra del maestro Bo Diddley, “Walking The Dog” de Rufus Thomas o eternos del blues como
“Cheking Up On My Baby” de Sonny Boy Williamson.
Y también sobresalientes, las composiciones propias entre las se encuentran “Twenty Yards
Behind”, “All Trought The city”, “She Does It Right”, destacando la magistral “Back In The Night” y
el genial “Roxette”, reseñando la fantástica labor del guitarra Wilko Johnson. El disco, poseedor de
un sonido rotundo e incombustible, arropado por la voz y armónica de Lee Brilleux y una
extraordinaria sección rítmica, hace las delicias de un público totalmente entregado a este
inolvidable cuarteto.
En 1998 se edita bajo el sello Grand Records una nueva edición del álbum en formato
CD, incluyendo dos temas nuevos, uno de ellos el célebre “Riot In Cell Block No.9” y el
“Johnny B. Good” de Berry. En 2005 se publica el DVD “Going Back Home”, con el que
disfrutaremos de su mítica actuación en el Southend Kursaal. Así mismo, también añaden
un segundo disco con el concierto completo en directo.
“Stupidity” coincidió justamente cuando florecía el punk rock en Inglaterra. Grupos
emblemáticos como los Sex Pistols o The Clash, sonaban sin cesar en las emisoras de
radio británicas, pero, Dr. Feelgood se situó como un grupo brillante que supo llegar a una
audiencia joven. Llenaron grandes salas, también teatros e incluso pubs de menor aforo,
acompañados por su genuino estilo musical en medio de una época de protestas y agitación social en la Inglaterra
de los 70. Aunque hubo muchos cambios en el seno del grupo, jamás renunciaron a su estilo, perdurando hasta
nuestros días. Actualmente, Dr. Feelgood es una de las bandas legendarias del rock.
12
Gary Moore – Back On The Streets (MCA Records 1978)
Publicado por Ruben.Borrajo el 23 octubre, 2013
La colaboración estelar de la leyenda del rock Phil Lynott en este elepé causó un fuerte
impacto en el panorama sonoro de los setenta. Por una parte, Lynott, poeta del rock y
carismático líder de los Thin Lizzy, por otra, Gary Moore, amigo personal de Lynott y
excelente guitarrista. Sin duda, Moore, todo un irlandés de fuego, logró moldear una obra
que no pasó desapercibida para la historia del rock.
Originario de Belfast (Irlanda del Norte), Gary Moore tuvo una infancia difícil. Marcado por
continuos problemas familiares, decide marcharse de su casa a los dieciséis años para
establecerse en Dublín, - ciudad en dónde comienza su carrera – obteniendo
rápidamente un lugar destacado en la escena musical del momento gracias a su
virtuosismo a las seis cuerdas.
En 1974, Phil Lynott, cantante, bajista y compositor de los Thin Lizzy, decide ficharle para
sustituir al guitarrista Eric Bell. Y el gran Gary, continúa dando muestras de su buen hacer a la
guitarra, tocando como miembro de los Lizzy en su Nightlife de 1974. Un año después, recala
en las filas de otra magnífica agrupación: Colosseum II.
Centrándonos en el álbum, segundo en su discografía, se publicó en septiembre de 1978 por el
sello MCA Records y contiene 8 pistas. Producido por el propio Gary Moore y Chris
Tsangarides, se grabó en los estudios Morgan de Londres y se encuentra impregnado de hard
rock y blues, dos de los géneros por los que Moore y Lynott sentían una gran pasión.
Como ya es habitual, haremos una mención especial a los músicos que hicieron posible este LP: Gary Moore (voz y
guitarra), Phil Lynott (bajo, guitarra y voz), John Male (bajo), Don Airey (piano), Brian Downey (ex Thin Lizzy) y Simon
Phillips (batería).
Dentro del disco, nos encontraremos con pistas de bella factura como “Back On The Streets”,
«Song for Donna», los instrumentales “Hurricane” y “Fight of the Snow Moose” o “Don’t Believe a
Word” y «Fanatical Fascists», con la participación del mito del rock Phil Lynott.
Pero si hay un tema que sobresale por encima de los demás, ese es “Parisienne Walkways”,
todo un hit e inmortal balada que lleva el sello inconfundible de Lynott / Moore. El paraíso, debe
ser algo parecido a esta canción, cargada de blues y melancolía.
Desafortunadamente, la muerte hizo su aparición triunfal y se llevó a estos dos geniales músicos
para siempre. El 4 de Enero de 1986, Phil Lynott falleció víctima de una sobredosis de alcohol y
las drogas a los 36 años de edad. El 6 de Febrero de 2011, el cuerpo sin vida de Gary Moore se encontró en una
habitación del Hotel Bahía de Estepona (Málaga), según se comenta, debido a un ataque al corazón. Tenía 58 años.
Pero no se fueron, sin antes obsequiarnos con un vendaval de sentimientos al que llamaron “Back On The Streets”.
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The Jimmy Dawkins Band – Blisterstring (Delmark – 1976)
Publicado por javisuarezadmin el 31 octubre, 2013
Jimmy Dawkins es considerado un grande del blues eléctrico de Chicago desde la década
de los setenta, debido a su original estilo y a su peculiar manera de tocar la guitarra, que
al oírla de inmediato se reconoce.
Nacido en la localidad de Tchula (Mississippi) en el año 1936, James Henry Dawkins
comienza a tocar la guitarra siendo un adolescente, influenciado por otros bluesman
legendarios como Smiley Lewis o el gran Little Milton. Es de sobra conocido, el éxodo de
las gentes del estado de Mississippi hacia Chicago durante la década de los cincuenta, en
busca de prosperidad y oportunidades. Y en el caso de Jimmy no ha sido una de
excepción, instalándose a mediados de los años 50 en el norte de la ciudad del viento.
Rápidamente se impregna del blues de aquella época, hasta que logra formar su primera banda, colabora como
músico de sesión y ofrece giras por locales emblemáticos de Chicago como The Pink Poodle, The Big Squeeze Club
o el The Copa Cabana and Alice´s Revisited, tocando al lado de mitos como Magic Sam, Wild Child Butler o Jimmy
Rogers. La amistad que le unía al gran Magic Sam, le sirvió para grabar “Fast Fingers” en 1969, primer disco y
fundamental en su carrera.
Este álbum de debut fue aclamado por la crítica, llegando a conquistar un galardón en
Francia y supondría su aparición en el mítico festival de blues “Ann Arbor Blues
Festival”. Desde entonces, Dawkins se sitúa como un miembro de la élite del blues de
Chicago y del “West Side Sound”, un sonido definido según el crítico musical Jim Feeney
como: “sin pulir, arenoso, crudo, agresivo, despojado y potente”.
Jimmy continúa su excelente trayectoria musical grabando junto a infinidad de músicos,
hasta que en 1976 publica “Blistrestring”, su sexto álbum en solitario. Editado en los famosos estudios “Chess” de
Chicago, en el “Honeywell Building”, según varias fuentes, ha sido esta, la última grabación de blues allí realizada.
Fue producido por Steve Tomashefsky y la propia Jimmy Dawkins Band, para el prestigioso
sello Delmark Records de Bob Koester, Para su grabación, Jimmy contó con miembros
habituales de la Delmark Records y amigos como el virtuoso Jimmy Johnson (guitarra
rítmica), Sonny Thompson (piano), Sylvester Boines (bajo) y Tyrone Centuray (batería).
Originalmente, el elepé incluye ocho temas, y en 1996 se reedita nuevamente incorporando
cuatro pistas inéditas, lo que todavía cubre más de gloria este fantástico disco.
Contiene clásicos como “Feel So Bad”, magnífica versión de más de siete minutos de
duración, el incendiario “Chilitns Con Carne” del magistral guitarrista Kenny Burrell, un
espléndido “Blues With A Feeling” y hits como “Ode To Billie Joe”. Otros cortes de cosecha propia, como “She Got
The Blues”, la bella y triste “Welfare Line” – hoy todo un clásico – , o canciones de la nueva edición como “Shuffin
The Blues”, “People Will Talk” y “Sea Of Luv”, harán las delicias de los amantes del blues.
Gracias a su arte genuino a las seis cuerdas y a su carismática voz, Jimmy Dawkins se
convirtió en uno de los músicos más activos del entorno blues de Chicago. Desde los años
ochenta, colaboró en el prestigioso magazine “Living Blues”, y también decide crear su
propio sello discográfico “Leric Music Co.”, albergando en él a nuevas generaciones del
blues.
Jimmy “fast fingers” siguió tocando, experimentado y grabando innumerables álbumes.
Logró ser admirado tanto en su país, como en Canadá, Europa y Japón, hasta que desgraciadamente la muerte hizo
su aparición triunfal y se lo llevó el 10 de Abril de 2013.
Y este artículo, es nuestro más sentido homenaje.
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The Velvet Underground & Nico (Verve Records 1967)
Publicado por Ruben.Borrajo el 6 noviembre, 2013
Aunque parezca increíble, uno de los discos más famosos del rock pasó completamente
desapercibido para la crítica musical de los años sesenta. En su momento, la repercusión
que obtuvo no fue mucho más allá de los locales de ambiente nocturno de la gran
manzana y tuvieron que pasar muchos años para lograr el tan ansiado reconocimiento por
parte de los analistas.
La enorme influencia de este elepé llegó a otras formaciones venideras de punk y rock,
que tomaron como base de su sonido las canciones de la Velvet Underground. Lou
Reed nace en Nueva York el 2 de marzo de 1942 en el seno de una familia judía
de Brooklyn. A muy temprana edad comienza a estudiar música, interesándose por
géneros como el rhythm and blues y el rock and roll. Posteriormente, se traslada a Freeport (Long Island) dónde se
inicia en el arte de las seis cuerdas.
Marcado por una juventud muy difícil (sus padres le sometieron a duras terapias
psiquiátricas debido a la complejidad de su carácter), en los años sesenta ingresa en la
Universidad de Syracuse para cursar Filología. Durante esta época conoce al músico
galés John Cale y fundan la “Velvet Underground”, una banda de rock apadrinada por el
artista plástico Andy Warhol. Lou Reed, lideró la Velvet Underground de 1964 a 1970, para
tiempo después iniciar su carrera en solitario.
Centrándonos en el álbum, se publicó el 12 de marzo de 1967 por el sello
discográfico Verve Records e incluye 11 pistas. Grabado en los Scepter Studios de Nueva
York y en los T.T.G Studiosde Hollywood, contó con la producción estelar del artista plástico Andy Warhol y Tom
Wilson. Como ya es costumbre, haremos una mención especial a los músicos que hicieron posible esta obra: Lou
Reed (guitarra y voz), Sterling Morrison (bajo, guitarra y voz), John Cale (viola, piano y bajo), Maureen
Tucker (batería) y la cantante alemana Nico.
Dentro del disco, repleto de hits, nos encontraremos con temas como la bella balada “Sunday Morning”, el ritmo
trepidante de “I’m Waiting for the Man”, o el clásico entre clásicos “Heroin” todo un éxito de gran profundidad lírica y
posiblemente la canción más identificable de la Velvet.
Otros cortes reseñables que completan el LP son el frenético “Run, Run, Run”, “Venus in
Furs” – impregnada de cierta oscuridad – y el “I’ll Be Your Mirror” arropada por la suave
voz de Nico.Y si hay un tema que realmente llama la atención, ese es “European
Son”, estridente, desordenado y desde mi opinión, ruido por el placer de hacer ruido.
Destacaremos la emblemática portada del álbum, en la que podemos visualizar un
plátano, fue obra de Andy Warhol y se consolidó como una de las más recordadas del
rock. Las primeras y únicas ediciones del LP contenían un platano “pelable”, que hoy en
día son cotizadas por encima de los 2.000 euros. Desafortunadamente, el pasado 27 de
octubre Lou Reed falleció y todavía se desconocen las causas de su muerte, aunque todo apunta a complicaciones
derivadas de un trasplante de hígado al que fue sometido en el mes de abril.
A través del rock, nos mostró la realidad de la calle y las miserias del ser humano. Se
arrastró por los clubes de noche más recónditos de Nueva York y llegó a ofrecer
conciertos de dimensiones épicas en locales de escasa reputación. Por ello, toda la
comunidad rock debe darle las gracias.
A nuestro juicio, Lou Reed ha sido el músico de los desamparados, de los débiles y los
marginados. Leyenda del rock y poeta del underground, acogió entre sus versos a los
colectivos con mayor riesgo de exclusión social. Sus canciones sobre prostitutas,
drogadictos, alcohólicos o travestis, quedarán grabadas a fuego en la historia musical
contemporánea. Y utilizó el rock para que una vez más, la sociedad escuchara su voz.
Lou, vivió entre versos, heroína y underground, fue el poeta de aquellos pubs tenebrosos, de paredes vacías, sin
alma, y los iluminó con esperanza.
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Emerson, Lake & Palmer – Tarkus (Island – 1971)
Publicado por javisuarezadmin el 14 noviembre, 2013
Como ya hemos referenciado en más de una ocasión, el año 1970 ha sido uno de los más
fructíferos del rock. Vio nacer a bandas carismáticas e innovadoras, y
posiblemente Emerson, Lake & Palmer, se consolidó como una de las mejores
formaciones de rock sinfónico y de vanguardia que se recuerda.
Estos pioneros y genios de la música progresiva, comienzan su andadura
en Bournemouth, una localidad costera situada al sur deInglaterra. Tras formar parte en
diferentes agrupaciones, deciden establecerse como trío en 1970, grabando pocos meses
después su primer álbum sin título, con el que obtienen el tan ansiado reconocimiento de
la crítica musical de la época. Sus grandes conciertos y sus majestuosas puestas en escena, lograrían cautivar a un
público con ganas de atisbar lo que depararía la década de los 70 y las nuevas corrientes musicales de entonces,
siendo especialmente memorable su actuación en el histórico “The Isle Of Wight Festival” de ese mismo año.
Los artífices de esta súper – banda inglesa fueron: el pianista, tecladista y
compositor Keith Emerson, el bajista, productor y fundador del grupo Greg Lake y el
extraordinario baterista Carl Palmer. Como dato anecdótico y para demostrar la valía
que Carl Palmer ostentaba a la batería, incluso el mismísimo Jimi Hendrix intentó ficharle
para su grupo. Pero finalmente, se decantó por una aventura musical al lado
de Emerson y Lake.
Este trío de ases, provenían de otras importantes bandas británicas como el caso de Greg Lake – que dejó a King
Crimson – Emerson (ex The Nice), o Palmer (ex Atomic Rooster). Sin duda, todos ellos ya poseían una dilatada
experiencia en los 70, y dieron muestra de una gran versatilidad, que les supondría desde el momento de su
fundación, un éxito garantizado. Toda esta conjunción de factores, dio lugar a su primer álbum de debut en 1970.
Solamente 7 meses después, publicaron – en un tiempo récord - este segundo trabajo al que
llamaron “Tarkus”, considerado por los analistas como su obra magna.
La fuerza del teclado, es prácticamente la base del sonido de losEmerson, Lake &
Palmer. Como no podía ser de otra manera,Emerson nos deleita constantemente con su
virtuosismo, convirtiéndose en el “hombre clave” del grupo, capaz de interpretar desde
música clásica al piano, hasta un puro rock sinfónico. Y por supuesto, siempre
acompañado de Lake a la voz y por Palmer, que recrea todo un universo de sonidos y
dota a su batería de múltiples maravillas técnicas.
Tarkus, sin llegar a ser una ópera rock, es una obra conceptual del rock progresivo cargada de música de gran
calidad, en la que nos encontraremos desde intros de obras clásicas de Bach, hasta un sinfín de sonidos y un
derroche de imaginería rock, sólo a la altura de los más grandes. Grabado para el sello Island Records en
los Advision Studios, el LP se publicó el 14 de junio de 1971 y fue producido por Greg Lake.
Incluyendo siete pistas, en su cara A disfrutaremos de una gran suitetitulada como el
propio disco “Tarkus”, solamente un tema dividido en siete fases diferenciadas: I
“Eruption”, II “Stones of years”, lll “Iconoclast”, IV “Mass”, V “Manticore”, VI “Battelfield” y
VII “Aquatarkus”,y al que calificaremos como esencial dentro de la música
contemporánea. El contenido, se crea a partir de un volcán en erupción y la lucha de unos seres en unos paisajes
futuristas, como el “armadillo-tanque” contra “terodáctilos-mecánicos” y el enemigo más odiado que es
la “Mantícora”. Esto se puede observar perfectamente en el interior del álbum original con portada abierta, basadas
en las pinturas del artista inglés y diseñador gráfico William Neal.
La cara B abre con la divertida “Jeremy Bender”, la movida “Bitches Crystal”, “The Only Way” (Hymn), usando de
puente la introducción la “Tocatta en F y Preludio VI de Bach”. El resto de cortes que completan el elepé son: “Infinite
Space”, un espléndido “A Time In A Place”, para finalizar con un curioso rock and roll al más puro estilo de Jerry Lee
Lewis, denominado “Are You Ready Eddy?”.
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A nuestro juicio, Emerson Lake & Palmer fueron unos músicos avanzados a su tiempo. Y
como afirmó en su día Jordi Sierra i Fabra:<<son la perfecta consumación de la efímera
fantasía rock”. “Un clásico (Emerson), un lírico (Lake) y un rockero (Palmer), que
aportaron la síntesis del todo en un paréntesis histórico que fue crucial como avance del
futuro. >>
Keith Emerson (órgano Hammond, St. Marks Chuch, Órgano, Piano, Celeste, Moog Synthesiser),Greg Lake (voz,
bajo eléctrico y guitarra acústica), Carl Palmer (batería, percusión).
King Crimson – In the Court of the Crimson King (Atlantic 1969)
Publicado por Ruben.Borrajo el 20 noviembre, 2013
En 1969, los británicos King Crimson obsequiaban a la comunidad musical con este
magistral elepé de rock progresivo, toda una obra de culto que en un primer momento fue
menospreciada por varios artistas del rock y por la crítica de la época. In The Court no
obtuvo ningún éxito comercial, pero con el paso de los años se consolidó como un disco
histórico para el rock.
Pioneros del rock progresivo, los King Crimson se constituyen como banda en el Londres
de 1968, siendo fundados por los hermanos Peter (bajo) y Michael Giles (batería), junto
con el virtuoso guitarrista Robert Fripp, que ya eran poseedores de una amplia experiencia
en otras agrupaciones musicales.
Centrándonos en el disco, se publicó el 10 de Octubre de 1969 por el sello Atlantic Records e incluye cinco pistas.
Grabado en Los Wessex Sound Studios de Londres, fue producido por los propios King Crimson y alcanzó un notorio
lugar en las listas musicales, influyendo notablemente sobre otras formaciones venideras del rock. Destacaremos
que este LP está dominado por el uso del Mellotron, un teclado eléctrico que Ian McDonald se encargó de
inmortalizar.
Como ya es costumbre, haremos mención a los músicos que hicieron posible este álbum:
Robert Fripp (guitarra), Greg Lake (bajo, voz) Ian McDonald (mellotrón, flauta, clarinete,
saxofón, vibráfono, teclados), Michael Giles (batería, percusión, coros) y Peter Sinfield
(letras).
Dentro del LP, impregnado de un atractivo aroma a rock y jazz, complementado por
música clásica, nos encontraremos con canciones como “21st Century Schizoid Man, todo
un temazo que abre el disco a golpe de jazz rock a un ritmo vibrante. Seguidamente, le
toca el turno a “I Talk To The Wind”, una balada suave, melódica y de cierto aire medieval,
gracias a la flauta de Ian McDonald. Continúan con “Epitaph”, melancólico tema que nos
demuestra por qué la música es un estado de ánimo. Llegará “MonChild”, quizás la pista más experimental del álbum
y de mayor duración.
Y que mejor manera de poner punto y final que con “The Court of the Crimson King / The Return of the Fire Witch & /
The Dance of the Puppets”, todo un hit y posiblemente la canción más identificable de los King Crimson. Muy
elaborada instrumentalmente, en ella podremos disfrutar del particular universo de sonidos que la banda logra
recrear.
Para el recuerdo del imaginario colectivo quedará su portada, un trabajo del dibujante y
programador informático Barry Godber, que falleció poco tiempo después de editarse el
disco. Y así concluye este elepé, cortesía del magnífico guitarrista Robert Fripp y sus King
Crimson, aquellos que convirtieron esta obra en única, y quién sabe si irrepetible.
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Johnny Jenkins – Ton-Ton Macoute! – (Atco – Capricorn 1970)
Publicado por javisuarezadmin el 27 noviembre, 2013
Una buena parte de este álbum, se grabó en 1968 en los “Rick Hall´s Fame”, – Studio B pertenecientes a la histórica casa discográfica “Muscle Shoals”, (Alabama) y en los
“Capricorn Studios” de Macon (Georgia). Curiosamente, el disco fue programado para ser
el primero en solitario del legendario guitarrista Duane Allman, justo antes de formarse The
Allman Brothers Band.
El proyecto quedó aparcado hasta que apareció Johnny Jenkins, que ficha por el
sello Capricorn Records. Algunos años antes, en 1962,Jenkins grabaría junto a un
jovencísimo Otis Redding en la banda “The Pinetoppers”, dónde ya demostraba su valía a
la guitarra y su peculiar voz. Pero Johnny nunca cosechó tanto éxito como su mítico
compañero, con el que quedó profundamente enemistado.
Diversas fuentes también argumentan que el mismísimo Jimi Hendrix quedó prendado de su buen hacer a la guitarra
y de su moderno estilo, sirviéndole de gran influencia antes de empezar con su estelar pero corta carrera.
Entre 1969 y 1970, bajo la producción de Johnny Sandlin, Duane Allman y arreglado por Phil
Waden (el artífice de esta idea), sacaron adelante el Long Play, grabado en la ciudad
de Macon, sede de los Allman Brothers. El disco cuenta con la colaboración de músicos
excepcionales, como Pete Carr yJimmy Nails (guitarras), Paul Hornsby (teclados y
batería), Robert Popwell(bajo), unos coros estupendos y los miembros de los Allman
Brothers:Butch Trucks, Jaimoe, y Berry Oakley, como apoyo moral.
Este fantástico LP, aunque un tanto oscuro y misterioso, nos resulta difícil clasificarlo,
pudiéndonos encontrar desde el blues más pantanoso, hasta el rythm & blues más atrevido e
incluso suena con una variante funk única. Originalmente, el disco contiene nueve temas,
incorporando dos más en la esperadísima reedición de 2007, editándose por primera vez en formato CD y hasta la
fecha casi imposible de conseguir esta joya de valor incalculable.
Comienzan con “I Walk On Guilded Splinters”, quizás la canción más recordada del álbum y la única grabada en
directo por casi todos los integrantes, incluido Duane Allman. Nos obsequiaron con un maravilloso trabajo al dobro,
acompañado de una gran intensidad a los timbales, cortesía deJaimoe y Trucks.
También posee versiones clásicas como el célebre “Leaving Truck”de Sleepy John Estes,
o el “Rollin´Stone” de Muddy Waters en dóndeDuane Allman brilla con luz propia a la Slide
Guitar. Seguidamente, tendrán lugar otras versiones como el “Dimples”, de Bracken /
Hooker,que más adelante versionarían los Allman Brothers Band.
La poderosa voz de Johnny Jenkins hace acto de presencia en “Sick And Tired”, y en
el “Down Along The Cove” de Dylan, otra vez con Duane a la slide y su emblemático
sonido. Otras pistas memorables que completan el elepé son: “Bad News”, el genial “Voodoo In You”, la movida “I
Don´t Want No Woman”, en dónde la banda nos da muestras de su virtuosismo incontestable. Y para finalizar, un
melancólico blues de Otis Rush llamado “My Love Will Never Die”.
Quizás, Johnny Jenkins nunca obtuvo el reconocimiento que se merecía por parte de la
crítica. Su carrera tampoco fue espectacular, pero convirtió un proyecto inconcluso
de Duane Allman en un álbum de inmensa valía musical. Logró hacerlo tanto suyo como
del propio Duane, que lo respaldó en todo momento sin ningún ánimo de protagonismo. Y
también, Jenkins, nos advirtió de la gran personalidad que el tristemente
desaparecido Allman ostentaba.
La palabra “tonton macoute”, procede de la isla caribeña de Haití, cuyo significado es
“hombre del saco” y está vinculada a la revolución haitiana de los cincuenta, a un cuento
popular, y tiene mucho que ver con el vudú….
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Creedence Clearwater Revival – Cosmo’s Factory (Fantasy Records 1970)
Publicado por Ruben.Borrajo el 4 diciembre, 2013
Después de dejarnos aquel maravilloso “Willy and the Poor Boys” de 1969, la Creedence
Clearwater Revival decidió embarcarse en un nuevo proyecto al que denominaron
“Cosmo’s Factory”, considerado por los analistas como su obra maestra. En este artículo
de hoy, no voy a perder el tiempo en matices biográficos, ya que creo que lo más
importante de este glorioso elepé es su increíble música, una música de esa que
difícilmente se olvida.
Centrándonos en el álbum, quinto de estudio en su discografía, fue publicado en julio de
1970 por el sello Fantasy Records e incluye 11 pistas. Producido por el propio John
Fogerty, carismático líder de la Creedence, se grabó en los Wally Heider’s Studio de San
Francisco (California).
En 2008, sale a la luz una nueva reedición en formato CD en la que se añaden tres pistas más: “Born on the
Bayou” (con la colaboración del genial pianista Booker T.), “Travelin’ Band” y “Up Around the Bend”. Destacaremos
que Cosmo’s Factory se convirtió en el disco más vendido de la CCR, y se situó en el primer puesto de la Billboard
200 y en el Nº 11 de las listas de soul.
Como ya es habitual, haremos una mención especial a los integrantes de la CCR, que
hicieron posible esta obra: John Fogerty (guitarra, saxofón, piano, y voz), Tom
Fogerty (guitarra rítmica), Stu Cook (bajo) yDoug Clifford (batería).
Dentro del elepé, repleto de hits, nos encontraremos con temas como un frenético rock
and roll llamado “Travelin’Band” (en dónde se palpa la influencia de Little Richard), el
pegadizo “Lookin’ Out My Back Door”, de cierto aire country, un homenaje al rock and roll
de los cincuenta “Ooby Dooby” y la magnífica versión del “Before You Accuse Me” de Bo
Diddley.
Uno de los puntos álgidos del disco llegará con “I Heard It Through the Grapevine”, inmortales sus 11 minutos de
duración y espléndida revisión de un clásico que popularizó Marvin Gaye en los años 60. Otros cortes sencillamente
espectaculares que completan el álbum son: “Ramble Tamble”, el eterno “Who’ll Stop the Rain” – que guarda similitud
al excelente “Have You Ever Seen the Rain” - un alegre “Up Around the Bend” y el oscuro “Run Through the
Jungle”, con cierto aroma a pantano. Y para finalizar “Long as I Can See the Light”, una balada impregnada de un
bello aire soul.
Así concluye esta aventura de la Creedence Clearwater Revival, o quizás, si me lo
permiten, uno de los grupos americanos más esenciales que ha dado el rock, auténticos,
genuinos y con denominación de origen. La carrera musical de la CCR fue corta (1968 –
1972), pero lo suficientemente intensa como para ganar un lugar privilegiado en el olimpo
del rock.
A nuestro juicio, muy pocas bandas han logrado en tan poco tiempo conquistar el corazón del respetable como lo
hizo la Creedence. Nos obsequiaron con un vendaval de hits, tormentas de himnos y grandes canciones sin fecha de
caducidad, que pasaran a la posteridad al igual que sus legendarios creadores.
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Slade – Slade Alive! – (Polydor 1972)
Publicado por javisuarezadmin el 11 diciembre, 2013
Slade Alive! es considerado como uno de los mejores álbumes en directo de todos los
tiempos, debido a la manera en que fue concebido y a su tremendo potencial en vivo.
Gracias a este magnífico elepé (de puro estilo hard rock con clara influencia glam
rock), Slade logró situarse como una de las bandas más laureadas de la Inglaterra postbeatle y de otros países del mundo.
Slade, junto a otras bandas insignes como T. Rex, fueron los grandes héroes y uno de los
mayores fenómenos musicales de los años 70. Obtuvieron varios Nº 1 consecutivos de
éxito abrumador en el Reino Unido, casi equiparable a la época dorada de los Beatles, en
el primer lustro de la década de los setenta.
Originarios de Wolverhampton (localidad ubicada en el centro geográfico de Inglaterra, muy cerca
de Birmingham), Slade está integrado por Noddy Holder (voz solista, guitarra), Dave Hill (guitarra y voz), Jim
Lea (bajo y voz) y Don Powell (batería). Destacaremos que esta legendaria agrupación ya se había formado a finales
de los 60 bajo otros nombres como “The ´N Beetweens” o “Ambrose Slade”, pero sin apenas repercusión.
Y su oportunidad llegaría en 1971, de la mano del mítico Chas Chandler, ex miembro de The Animals que los
descubre para el gran público, al igual que años antes lo hiciera con Jimi Hendrix.
Centrándonos en el álbum, tercero en su discografía, lo produjo Chas Chandler y fue
grabado los días 19, 20 y 21 de octubre de 1971 en elCommand Theatre
Studio de Londres, en el que reflejaron sus fantásticas actuaciones en directo. Finalmente
se publicó en marzo de 1972 y aunque no llegó al número uno, si se consolidó como uno
de sus discos más emblemáticos.
Incluyendo siete electrizantes pistas, dentro del LP nos encontraremos con temas de
cosecha propia y otras memorables versiones como el “Hear Me Calling” de los Ten Years
After o un magistral “Darling Be home Soon” de John Sebastian y sus Lovin` Spoonful. Mencionaremos que esta
última canción, siempre nos quedará en el recuerdo como uno de los momentos más divertidos de la historia de la
música rock, cuando a Noddy Holder se le escapa un gran eructo.
Otras pistas sencillamente espectaculares son un enérgico Born To Be Wild
de Steppenwolf y el “Get Down With It” de Bobby Marchan, auténtico rock and roll y uno
de sus himnos en directo, impregnado por la fuerza vocal de Noddy Holder, que parece
llegar al histrionismo.
El resto de temas son propios y al igual que en las versiones, la banda nos deja cortes
extraordinarios como “In Like A Shot From My Gun” o“Know Who You Are”, - en dónde
curiosamente un desconocido del público toca la pandereta – y un excelente rock and roll titulado “Keep On
Rocking”, simulando el Tutti – Frutti de Little Richard.
En la actualidad este álbum es un ejemplo de coleccionismo, en el que resalta su portada color rojo intenso, obra
de Chris Walter. En su interior alberga un dibujo, que resultó ganador de un concurso que el diario The Sun organizó
para la edición inglesa del álbum.
A nuestro juicio, Slade fue una banda de especialistas del directo, con cierta lírica
y vocabulario callejero, que llegaba en ocasiones, a ser grosero. Cometían deliberadas
faltas de ortografía en los títulos de sus canciones y siempre serán recordados por su
peculiar vestimenta y espléndida música.
La energía con la que perpetraban todas y cada una de sus canciones, mantenía al
público totalmente enfervorizado, produciéndose una gran simbiosis entre ambas partes,
como se puede comprobar en este álbum. Slade, ostentó el privilegio compartido de ser
pioneros del glam rock, influenciando a formaciones posteriores como Kiss o Sex Pistols entre otros.
Un clásico.
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Los Suaves – Esta vida me va a matar (Sociedad Fonográfica Asturiana – 1982)
Publicado por Ruben.Borrajo el 18 diciembre, 2013
Todo sucedió en 1982, año mágico en que Los Suaves de Ourense debutaban en la
escena musical del momento con un histórico disco al que bautizaron como Esta Vida Me
Va A Matar. Y de paso, aprovecharon para hacer una orgullosa declaración de amor a su
tierra:
<<En Orense suena el rock por todos los rincones, los músicos están listos para tocar, En
Orense suena el rock por todos los rincones, así seguiremos, no nos van a parar. >>
Lo cierto, es que cuando el elepé se publicó no obtuvo apenas repercusión, pero si les
sirvió para acrecentar su maravillosa leyenda, reafirmarse como grupo y advertirnos de la
gran banda de rock duro que estaba naciendo. Y así comenzaba la trayectoria de Los Suaves, los poetas del amor,
del desencanto y de la vida, que desde Ourense compusieron rock para todo el mundo, tal y como reza en el
monolito de la plaza que lleva su nombre.
Centrándonos en el álbum, primero de su discografía, se editó en 1982 por la Sociedad
Fonográfica Asturiana e incluye 9 pistas. Grabado en los Estudios Norte de Gijón, contó con
la producción de Paco G. Rodríguez, el propietario de “Don Disco”, una tienda musical
ubicada en la capital Ourensana. Reseñaremos que todas las letras de las canciones fueron
compuestas por Yosi Domínguez, poeta urbano en donde los haya.
Como ya es habitual, haremos una mención especial a los integrantes de Los Suaves, que
hicieron posible esta magnífica obra: Yosi Domínguez (voz, guitarra y letras), Charly
Domínguez (bajo), Ángel Ruíz (guitarra solista), Ramón “Montxo” Costoya (guitarra rítmica)
y Carlos Costoya y Javier Domínguez (baterías). Un dato curioso, es que esta alineación
estaba formada por dos familias de hermanos, de un lado Yosi, Charly y Javier Domínguez y del
otro Montxo y Carlos Costoya.
Dentro del elepé, nos encontraremos con temas de gran calidad lírica y musical como el clásico“Peligrosa
María”, “Chaquetas de cuero” o “Esta vida me va a matar”, en dónde nos transmiten las dificultades por las que pasan
los grupos de rock en sus inicios.
Otros cortes destacables del disco son “Viene el tren”, “Mártires del rock and roll”, el
fantástico “Llegaste hasta Mí” (otra de las joyas del álbum) y “Muerte en el rock”, una
canción homenaje a John Lennon, en la que nos recuerdan el asesinato del mítico beatle.
Sin duda, todas ellos temas de puro rock, ejecutados de manera soberbia por Los Suaves.
El punto álgido del LP llegará con “Siempre Igual”, una espléndida balada de pegadiza
melodía y unas letras de esas que difícilmente se olvidan. El memorable punteo de
guitarra que se produce hacia el final del tema, fue cortesía de Ángel Ruiz, siempre
respaldado por una excelente sección rítmica. Del álbum se extrajo el sencillo “Peligrosa
María / Qué Puedo Hacer”, en la actualidad una pieza muy codiciada por los coleccionistas de rock.
A nuestro juicio, consideramos que lo que han hecho estos tíos por el rock, no tiene
nombre. Durante más de tres décadas, nos obsequiaron con infinidad de hits y tremendas
canciones sin fecha de caducidad. Y hemos de confesar, que también creemos que estos
paisanos nuestros se dejan el alma en todos y cada uno de sus monumentales directos.
Así concluye Esta vida me va a matar, el primer álbum de unos chicos ourensanos que
sienten verdadera pasión por el rock y que consiguieron llevar su sueño adelante. Con
este artículo, nuestro humilde blog despide el año 2013. Pero no olvidéis que en 2014
volveremos, como diría el gran Yosi Domínguez, otra vez a la rueda, otra vez a empezar,
siempre la misma historia, cada día siempre igual.
Infinitas gracias por treinta y tres años de rock, Suaves… Suaves do carallo!!!
rockandrollismyaddiction.wordpress.com os desea a todos una feliz navidad y un próspero año 2014.
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Stevie Ray Vaughan and Double Trouble – In Step (Epic 1989)
Publicado por Ruben.Borrajo el 8 enero, 2014
Lo cierto, es que a estas alturas del siglo XXI ya quedan muy pocos adjetivos para
describir a Stevie Ray Vaughan. A mi juicio, este legendario guitarrista tejano representó el
espíritu de sacrificio que exigía el momento: resucitar el blues.
In Step, fue el último elepé que SRV grabó junto a sus inseparables Double Trouble. En
1990, Stevie grabó otro disco llamado “Family Style” en colaboración con su
hermano, Jimmie. Y muy poco tiempo después, la muerte hizo su aparición triunfal en
aquel fatídico accidente de helicóptero, privándonos de su especial fantasía y talento, a los
35 años de edad. Pero, In Step fue el cierre perfecto para este bluesman, que vivió toda
su carrera instalado en la excelencia musical.
Centrándonos en el disco, fue publicado en 1989 por el sello Epic e incluye 10 pistas.
Destacaremos que en el año 1999 se lanzó una nueva redición del LP, añadiéndose 5
pistas más en directo, algunas de ellas ya clásicos del blues como “Let Me Love You
Baby” de Willie Dixon o el fantástico “Texas Flood” de 1983.
Como ya es habitual, haremos mención a los músicos que hicieron posible esta magnífica
obra: Stevie Ray Vaughan (guitarra y voz), Tommy Shannon (guitarra y bajo), Reese
Wynans
(teclado), Joe
Sublett (saxofón), Darrell
Leonard (trompeta)
y Chris
Layton (batería).
Dentro del LP, nos encontraremos con espléndidos temas que hacen todos los honores al blues eléctrico: “Tightrope”
y “Wall of denial”, son sólo una pequeña muestra del virtuosismo de Stevie a la seis cuerdas, impregnadas de unos
maravillosos “solos” de guitarra. “Travis Walk”, es un caso aparte, de esas canciones enérgicas, rápidas y que
difícilmente se olvidan, al igual que el “Let Me Love You Baby” de Willie Dixon.
Más de uno, saltará del sillón con un frenético “The House is Rockin”,ejecutado al más puro
estilo Stevie Ray Vaughan. El punto álgido del Long Play llega con “Crossfire”, todo un hit de
pegadiza melodía en dónde losDouble Trouble nos explican el porqué de su grandeza.
Reseñaremos la gran labor de Reese Wynans, arropando al grupo con su genial teclado.
En todo elepé de blues que se precie, no puede faltar esa balada delicada, suave y llena de
sentimiento. Stevie decidió revisar el “Leave My Girl Alone” de Buddy Guy,dejándonos una
apoteósica versión. No menos bella, resulta “Riviera Paradise”, a la que me referiré como extremadamente
preciosista, en sus casi 9 minutos de duración.
Y así concluye In Step, cortesía de Stevie Ray Vaughan, un héroe de la guitarra que simplemente ataviado con sus
ponchos a lo mariachi, sus sombreros tejanos y su mítica Fender Stratocaster del 59, fue capaz de devolver al
blues al lugar que le correspondía.
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Kenny Burrell – Midnight Blue (Blue Note 1967)
Publicado por javisuarezadmin el 16 enero, 2014
Kenny Burrel se convirtió por méritos propios en una de las figuras más relevantes de la
música jazz, que ha dado momentos de gloria al histórico sello de jazz americano “Blue
Note”. Este prestigioso músico, destaca por su versatilidad a la guitarra y por su talento
innato para componer excelentes álbumes. Y nos dejó obras excepcionales en
colaboración con los artistas más grandes de dicho género.
La ciudad motorizada de Detroit, vio nacer a Kenneth Earl Burrell a comienzos de la
década de los treinta. Desde muy temprana edad se inicia en el arte de las seis cuerdas,
dado que se cría en el seno de una familia con un amplio currículum musical. A principio
de los cincuenta y con apenas 20 años, debuta con sus primeras grabaciones, muy
influenciado por guitarristas extraordinarios como Django Reinhart, Charlie Hayden o Wes Montgomery.
Con una gran trayectoria musical a sus espaldas, Burrell graba álbumes sin cesar, tanto para su
propia banda, como para otras estrellas americanas deljazz. Y desde este preciso instante, tiene la
idea de grabar un álbum de bluesen 1963. (Este dato es confuso, ya que hemos consultado varias
fuentes que dan esta fecha como la de la publicación, sin embargo en el CD original que
poseemos, la fecha que data literalmente es: “Recorded on April 21, 1967 at the Village Gelder
Studio, Englewood Cliffs, New Yersey”.
En lo que no tenemos ninguna duda es que Kenny contó para la grabación de este magnífico
álbum con una estelar banda de acompañamiento, integrada por el gran saxofonista tenor Stanley
Turrentine, por el contrabajista Major Holley, Jr, con Bill English a la batería y con el espectacular
toque latino que impregnó a este disco el percusionista Ray Barreto a las congas. Producido por Alfred Lyon, el elepé
original salió a la luz con siete temas, agregándose dos más en la edición remasterizada de 1998.
El disco abre con “Chilints Con Carne”, fantástica canción con una inolvidable intro a
cargo de Stanley al saxo, que ya nos va preparando para atraernos con un sonido
realmente sensual. Este tema compuesto por Kenny Burrell, pasó a formar parte de los
standars deblues prácticamente desde que se publicó, y fue versionado en multitud
ocasiones por bluesman de la talla de Otis Rush o más recientemente por Stevie Ray
Vaughan.
“Mule”, con algo más de seis minutos de duración, es una delicia y nos sorprende la calma
con la que ejecutan este blues. Seguidamente, “Soul Lament”, una triste pero bellísima
interpretación de Burrell. Continúan con “Midnight Blue”, pista que da título al álbum, con
un apoteósico guitarreo de Kenny Burrell sólo a la altura de los más grandes.
Otros cortes que completan el LP son: “Wavy Gravy” y “Gee Baby, Ain´t I Good To You”, en
dónde nos siguen dando muestras del antológico disco ante el que nos encontramos. El
clásico “Saturday Night Blues”, es todo un ejemplo del virtuosismo de Burrell. Para finalizar, dos
temas añadidos posteriormente, y no menos espléndidos “Kenny´s Sound” y “K Twist”.
A nuestro juicio, Kenny Burrell es una parte esencial de los mayores talentos que el jazz ha
dado en los Estados Unidos, que ha deslumbrado al público como un guitarrista único y un
trabajador incansable. Nos obsequió con un magistral disco de blues y se situó como un músico
admirado y respetado en todo el mundo.
Actualmente, a sus 82 años, continúa deleitándonos con su música y con el particular sonido que logra sacar de su
Gibson. Simplemente, genial.
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The Kinks – Live At Kelvin Hall (Pye 1967)
Publicado por javisuarezadmin el 22 enero, 2014
The Kinks, legendaria e imprescindible formación en lo que se llamó“invasión
británica”, logró rivalizar durante la primera época de su existencia con las tres grandes
bandas de entonces, como The Beatles, The Rolling Stones o los ruidosos The Who, entre
otras de no menos impacto.
Desde sus comienzos en el norte de Londres a principios de los 60, son influenciados
enormemente por la música que en aquel suburbio de la gran urbe se estilaba. Y se
empapan de géneros tan diferentes, pero cercanos entre sí, como el music hall, el rock &
roll o el jazz. Toda esta conjunción de factores provocó que en 1964 editaran su primer
sencillo: una versión del magistral tema de Little Richard,“Long Tall Sally”.
The Kinks son fundados por los hermanos Raymound Douglas (Ray) y Dave Davies a la voz principal y guitarra
rítmica el primero, y el segundo a la guitarra solista, siempre acompañados por Peter Quayfe (bajo), uniéndosele
posteriormente el sólido baterista Mick Avory.
Después de cosechar varios éxitos sin precedentes en los albores de los años sesenta,
fichan por el sello PYE Records, una fundamental casa discográfica que en sus orígenes
se dedicaba la fabricación de televisores. Y consiguieron grabar hits como el
demoledor “You Really Got Me” o el “Sunny Afternoon”, introduciéndolos al mismo tiempo
en el mercado americano en una hábil maniobra por parte de la compañía discográfica.
Centrándonos en el álbum, “Live At The Kelvin Hall”, se convirtió – en apenas tres años
desde su formación – en el quinto de su carrera, siendo grabado como el propio título indica, en el auditorioKelvin
Hall de Glasgow (Escocia). Se publicó por primera vez en los Estados Unidos en agosto de 1967 y en enero de 1968
en Inglaterra. Con apenas media hora de duración, The Kinks captan todo el énfasis de sus actuaciones en directo,
pudiendo oír a un público entregado desde prácticamente el inicio del show, empezando con el célebre “All Day And
All Of The Night”.
En este LP se suceden casi todos sus temas clásicos hasta la fecha, compuestos en su
totalidad por Ray Davis, como “You´re Looking Fine”, “A Well Respetec Man”, el
eterno “Sunny Afternoon”, “Dandy”, “Come On Now” o el esencial “You Really Got
Me”, poseedor de uno de los riffs más famosos del rock.
Y para finalizar, un medley repartido en cuatro partes diferenciadas, comenzando en su
parte A con “Milk Cow Blues”, un tema mítico del blues perteneciente a Sleepy John
Estes. Seguidamente la B abre con el “Batman Theme”, de Neal Hefti, muy popular en aquellas fechas debido a la
serie televisiva “Batman”. En la C, llegará un excelente “Tired Of Waiting For You”, para concluir la D nuevamente
con “Milk Cow Blues”.
En su momento, este álbum en directo no gozó del éxito que se esperaba, pero a lo largo de los años se ha situado
como todo un clásico del rock. Con un sonido más que aceptable salió a la luz por primera vez en formato CD en
1987 y tuvo multitud de rediciones.
Éstos “pervertidos” del rock, como su nombre sugiere, nunca fueron reconocidos como
otras bandas contemporáneas, pero el tiempo les colocó en un lugar privilegiado entre los
más grandes del rock. Su larga trayectoria musical estuvo plagada de estilos diferentes,
que fueron desde el pop más comercial hasta el rock más visceral.
Nos dejaron varias obras conceptuales y fantásticos discos durante décadas. A nuestro
juicio, The Kinks han sido unos grandes creadores de música que influyeron a un elevado
número de bandas de pop,música de garaje y punk.
Después de tantos años y pese al fallecimiento del bajista Peter Quayfe en 2010, los
hermanos Davies todavía siguen ofreciendo conciertos por todo el planeta, demostrándonos su pasión desmedida
por el rock.
24
Lonnie Mack – Live! – Attack of the Killer V (Alligator Records 1989)
Publicado por Ruben.Borrajo el 29 enero, 2014
Para el legendario guitarrista tejano Stevie Ray Vaughan, el bluesman Lonnie Mack ha
sido su mayor fuente de inspiración, el mejor espejo en que mirarse y toda una referencia
inexcusable de la música del alma.
Lonnie Mack nace en Indiana en 1941, desde muy joven se inicia en el blues,
comenzando a tocar en diversos locales de su ciudad natal. Debido a su virtuosismo a las
seis cuerdas, es fichado para realizar sesiones de grabación al lado de mitos
como Freddie King o James Brown. En 1963, edita una versión instrumental del
clásico “Memphis” de Chuck Berry, obteniendo un gran éxito y logra establecerse como un
músico muy valorado por la crítica del momento. Tiempo después, sale a la
luz “Wham”, otro de sus hits que fue versionado magistralmente por Stevie Ray Vaughan en 1983.
Centrándonos en el álbum en directo, se publicó en 1989 por el histórico sello Alligator Records e incluye 8 pistas. De
su producción se encargó Bruce Iglauer, ilustre fundador de la casa Alligator, que ya había trabajado con otras
estrellas del blues como Fenton Robinson, Son Seals o Koko Taylor. Como ya es habitual, mencionaremos a los
músicos que hicieron posible esta obra: Lonnie Mack (guitarra, voz), Michael Freeman (bajo), Dumpy Rice (piano)
y Maxwell Schauf (batería).
Dentro del LP, nos encontraremos con fantásticos temas que hacen todos los honores al blues
eléctrico: “Riding The Blinds” abre el disco con un espléndido piano y un adictivo guitarreo.
Seguidamente, llega el punto álgido del LP con “Natural Disaster”, todo un hit y canción central
del álbum. “Stop” y“I Found a Love” son unas bellas baladas bluseras en las que Lonnie y su
banda depositan un gran sentimiento.
El Meddley “Camp Washington Chili/If You Have to Know”, es sólo una muestra más del talento
innato de Lonnie Mack a la guitarra.
De sencillamente geniales, calificaré las pistas “Satisfy Suzie”, el apoteósico “The
Move”, ejecutado a un ritmo trepidante y “Cincinnati Jail” con el que ponen punto y final a un elepé absolutamente
redondo. Y así concluye esta aventura sonora, cortesía del bluesman Lonnie Mack. Todo un músico con letras
mayúsculas, que siempre acompañado por su inseparable Gibson Flying V Serial númber 7, fue capaz de
obsequiarnos con un Live de los que nunca se olvidan.
Durante su amplia carrera musical, Lonnie Mack pasó por muchas dificultades, llegando incluso
a estar cinco años sin tocar. Pero en 1983 y coincidiendo con la popularidad de Stevie
Ray Vaughan, Lonnie vuelve a sobresalir en el panorama blues. Colaboró con Vaughan en
varios discos y se codeó con músicos de la talla de Keith Richards, Ry Cooder o Bob Dylan.
Lonnie Mack no forma parte del cruel negocio de la música y su éxito comercial fue más bien
escaso. Tuvo serios problemas con las multinacionales discográficas y en más de una ocasión,
regresó desilusionado a su Indiana natal para tocar en bares y pubs, alejándose del
nauseabundo business.
Quizás, no quiere ser un títere en manos de poderosos ejecutivos discográficos a los que tanto les da vender discos
que calcetines. Y esto, demuestra la autenticidad de un músico.
25
Leño – En Directo (Chapa / Zafiro 1981)
Publicado por Ruben.Borrajo el 6 febrero, 2014
No se puede entender el rock nacional sin Leño. Y lo cierto, es que estos pioneros del rock
duro y urbano consiguieron dejar una profunda huella en el corazón del gran público.
Apenas tenían medios para realizar un disco, pero les sobraba ilusión, ganas de hacer
rock y pasión por la música.
Así que, en la nochevieja de 1977, Rosendo Mercado (Ex componente de Ñu), Ramiro
Penas (ex Coz) e Ignacio “Chiqui” Mariscal (ex Fresa) decidieron dar forma a Leño, una
mítica banda que influenció de manera espectacular a otras formaciones venideras del
rock patrio. En 1978 el bajista “Chiqui” Mariscal abandona el grupo y le sustituye Tony
Urbano, que grabaría “El Tren”, antológica canción compuesta por José Carlos
Molina y Rosendo. Desafortunadamente, “Chiqui” Mariscal falleció el 16 de enero de 2008. Su cuerpo sin vida, fue
encontrado en su casa de Madrid. Las estrellas, están en el cielo.
Centrándonos en el álbum, tercero de su discografía, fue grabado en la sala Carolina del barrio de Tetuán (Madrid)
los días 25, 26 y 27 de marzo de 1981. Contó con la producción de Teddy Bautista e incluye 9 pistas. Destacaremos
que “En Directo”, se convirtió en el disco más vendido de Leño.
Como ya es habitual, haremos mención a los músicos que hicieron posible este
álbum: Rosendo Mercado (guitarra y voz), Tony Urbano (bajo), Ramiro Penas (batería).
También contaron con la colaboración de Luz Casal, Jaime Asúa y Jose M. Díez (coros),
Manolo Morales (saxo) y Teddy Bautista (Secuenciador Moog-55, Polifónico CS-80,
coros).
Presentados por Paco y Doña Ángeles – la abuela rockera -, comienza el concierto a un ritmo trepidante con temas
ya clásicos como “Sí Señor, Si Señor”, “Cucarachas”, “Todo es más sencillo” o“El Tren”. Todos ellos ejecutados de
manera soberbia, con altas dosis de electricidad y guitarreo incesante. Seguidamente, nos obsequian con varios hits
como “Mientras Tanto”, el monumental “Entre Las Cejas” o ese himno del rock and roll que se llama “Maneras de
Vivir”, en dónde los madrileños nos dan una muestra más de su poderío en directo.
Este magistral grupo inició su trayectoria musical en 1978 y anunciaron su disolución
definitiva en 1983. Solo fueron cinco años, pero lo suficientemente intensos como para
dejarnos un legado absolutamente legendario.
A nuestro juicio, Leño ha sido una genial banda de rock and roll callejero que se ganó el
respeto y cariño de toda una generación a base de trabajo y buen rock. Sus letras
reivindicativas, llenas de viñetas de cotidianidad, triunfaron en el sentir de la calle y en el día a día de la sociedad. Y
en su época, molestaron a una acomodada clase conservadora que no se enteraba de lo que estaba sucediendo
en su país.
Sí señor, con dos cojones. Gracias Leño.
26
The Electric Flag – An American Music Band – “A Long Time Comin” (CBS 1968)
Publicado por javisuarezadmin el 12 febrero, 2014
Después de colaborar con gran éxito al lado de Bob Dylan en su emblemático “Highway
61 Revisited”, y de grabar álbumes magistrales con la “The Paul Butterfield Blues Band”, el
inquieto y legendario guitarrista Mike Bloomfield decide formar una banda de verdaderos
talentos musicales con sede en el Chicago de 1966. Al margen de esto, recordaremos
que Mike Bloomfield publicó discos elementales como aquel genial “East – West” de 1966,
siendo miembro de la The Paul Butterfield Blues Band.
Esta nueva agrupación, a la que bautizó como “The Electric Flag”, es co-liderada desde el
primer momento por el excelente músico y compositor Barry Goldberg, siempre
acompañado por los históricos Nick Gravenites, Harvey Brooks y un jovencísimo Buddy
Miles. Establecían así, los cimientos de una apoteósica banda, apoyada por una espectacular sección de vientos. En
1967, se trasladan a San Francisco para grabar la B.S.O. de “The Trip”, toda una película de culto dirigida porRoger
Corman (el rey de los films de serie B), protagonizada por Peter Fonda y escrita por Jack Nicholson. Sin duda, un
clásico de los años 60, en dónde se pone de manifiesto el consumo de LSD.
Compuesta casi en su totalidad por Bloomfield, su música no pasó desapercibida y son
invitados a actuar en el Monterey Pop Festival de 1967, dejando para la historia una
estelar actuación. En marzo de 1968, sale a la luz este sensacional “A Long Time
Comin”, uno de los álbumes esenciales de los 60, en el que participaron un elevado
número de músicos, debido a la gran cantidad de instrumentos que utilizaron para su
realización.
Producido por John Court y grabado en los estudios de la Columbia Records, el elepé contó con Michael
Bloomfied, Harvey Brooks ySicuva (guitarras), Barry Goldberg, Herbie Ritch y Mike Fontara (teclados), Harvey
Brooks (bajo) yBuddy Miles (batería). La sección de vientos estuvo compuesta por Peter Strazza y Herbie Rich
(saxos tenores, saxo barítono) y Marcus Doubleday (trompeta). Destacaremos que, como este disco fue uno de los
pioneros en grabarse con sampler (un instrumento que sirve para mezclar diferentes grabaciones), a la percusión
contribuyen la mayoría de los músicos mencionados anteriormente.
Cabe también citar al cantautor Richie Havens tocando el sitar, Paul Beaver (sintetizador Moog) y un equipo de
cuerdas: Bob Notkoff, Julius Held, Leo Daruczeck, Geroge Brown y Charles McCracken.
Dentro del LP, nos encontraremos ante estilos bien diferenciados, que van desde el soul,
la psicodelia, el rock, o el blues más puro deChicago. Incluyendo diez pistas en su versión
original, contiene joyas de incalculable valor como “Killing Floor”, canción que abre el
álbum y versión extraordinaria del blues de Chester Burnnet (Howlin´ Wolf), con un gran
trabajo de Bloomfield a las seis cuerdas.
Continúan con los clásicos “Groovin´Is Easy” y “She Should Have Just”, y otros temas en
medio en los que Buddy Miles coge el mando a las voces, con un aire más soul como en “Over-Lovin´You”. El disco
también posee cortes tradicionales como el vigoroso rock and roll de “Wine”, y el auténtico sabor
a blues de “Texas”, con un finísimo Mike, otra vez magnífico con su inseparable Gibson.
Para finalizar, The Electric Flag nos deleitan con una dulce “Sittin´In Circles”, una balada
interpretada por el inconfundible Buddy Milestitulada “You Don´t Realice”, (“Dedicada con
gran respeto para Steve Crooper y Otis Reeding”), el extenso “Another County” y “Easy
Rider”,tema compuesto por Bloomfield. En la reedición de 2003 deciden incorporar
cuatro bonus track, con pistas no incluidas en su día como la versión de “Sunny”,
“Mystery”, “Look into My Eyes” y el inmortal blues“Goin Down Slow”.
Desafortunadamente, The Electric Flag, como otras tantas formaciones de la época, no tuvo apenas continuidad. En
1968 Bloomfield se marchó para embarcarse en otros proyectos, y aunque siguieron funcionando durante un breve
período de tiempo, anunciaron su disolución definitiva en 1969. Cada uno, escogió su propio camino, pero no se
fueron sin antes obsequiarnos con este antológico elepé, clásico entre clásicos en medio de unos años turbulentos,
de cambios, de conmoción social, de drogas y de rock. Pero sobre todo de buena, muy buena música.
27
Billy Joel – Piano Man (Columbia Records 1973)
Publicado por Ruben.Borrajo el 19 febrero, 2014
Érase una vez un hombre pegado a un piano. Y es ésta, la historia deBilly Joel, un genial
músico que reflejó como nadie supo hacerlo, sus sentimientos y sueños a través de las
teclas blancas y negras.
Billy Joel nace el 9 de mayo de 1949 en el barrio del Bronx (Nueva York). Hijo de judíos
divorciados, desde los cuatro años de edad siente especial devoción por la música clásica,
que le sirve como una sólida base para su posterior carrera de éxitos. Pero sus inicios no
fueron fáciles.
Tras intentar triunfar como boxeador en su adolescencia, se retira de este deporte por una grave fractura de nariz. Y
a partir de este momento decide establecerse en Los Ángeles, dónde comienza a frecuentar diversos locales y pubs.
Trabajó como pianista de un humilde bar, quizás para compartir su frustración y soledad con otros músicos.
En 1971, consigue firmar un contrato con la casa discográfica “Family Records”, con la
que tendría numerosos problemas legales y dificultades de producción. Finalmente, logra
cambiar para laColumbia Records, con la que editó este antológico “Piano Man”. Respecto
al álbum, segundo de su discografía, se publicó en noviembre de 1973 por el
sello Columbia
Records e
incluye
10
pistas.
Grabado
en
los
estudios “Devonshire Sound” de Los Angeles (California), contó con la producción
de Michael Stewart, un reputado músico y compositor del circuito californiano. En 2011
sale a la luz una nueva redición del disco, añadiéndose diverso material extra y otras pistas como “Everybody Loves
You Now”, “Nocturne” o “Turn Around”.
No puede faltar en este artículo, la ya habitual mención al personal que hizo posible esta
mítica obra: Billy Joel (armónica, teclado, piano y voz), Billy Armstrong (violín), Eric
Weissberg y Fred Heilbrun (banjo), Wilton Felder y Emory Gordy (bajo y teclados), Larry
Carlton, Richard Bennett y Dean Parks (guitarras), Michael Omartian (acordeón), Ron
Tutt y Rhys Clark (baterías) y Laura Creamer, Mark Creamer y Susan Steward (coros).
Todos ellos, magníficos músicos relacionados con eljazz, el country o el rock, como el
guitarrista Larry Carlton o el baterista Ron Tutt.Dentro del disco, repleto de hits, nos encontraremos con magistrales
pistas como “Worse Comes to Worst”, “Travelin’ Player” o The Ballad of Billy The Kid”. Me faltan adjetivos para
describir el virtuosismo de Billy Joel y su banda ejecutando estos temas. Sencillamente espectacular.
El punto álgido del elepé llega con el clásico “Piano Man”, canción eterna que se convirtió
en un estándar desde el primer momento en que Billy Joel la interpretó. Muy variadas han
sido las versiones que otros músicos realizaron de este tema. Quizás, muchos españoles
recordemos con nostalgia la revisión que hizo Ana Belén, y aunque la letra no tiene nada
que ver con la original, si realizaron un excelente trabajo. Otros espléndidos cortes que
completan el disco son el pegadizo “Ain’t No Crime”, y un delicado “Captain Jack”, con el
que ponen punto y final a una obra absolutamente redonda.
Así concluye este disco, cortesía del hombre del piano, toda una leyenda de nuestro tiempo. Ganador de infinidad de
premios y reconocimientos, Billy Joel es una pieza clave no sólo para el rock, sino también para la música en general.
28
Uriah Heep – Demons And Wizards (Bronze / Island Records 1972)
Publicado por javisuarezadmin el 27 febrero, 2014
Tras sufrir un inicio un tanto turbulento debido a diversos cambios en sus filas, los Uriah
Heep consiguen establecer su formación ideal en 1970. Éstos originarios de Londres han
sido una de las bandas de más éxito hasta mediados los 70, dejando álbumes
imprescindibles para el rock.
En un principio, los Uriah Heep comienzan su andadura por el rock con David Byron (voz)
y el guitarrista Mike Box (guitarra), uniéndosele posteriormente Paul Newton (bajo) y un
extraordinario teclista llamado Ken Hensley.
Como dato anecdótico, en sus primeros discos no cuentan con un baterista fijo, pasando por ese puesto varios
nombres que no acabarán de cuajar en el seno del grupo. Finalmente, el batería Lee Kerslake y el bajista Gary
Thain – ex miembro de la Keef Hartley Bandque sustituyó a Paul Newton – se convertirían en los hombres clave de la
banda.
Conformada así esta legendaria banda de rock duro y después de girar por los Estados Unidos y Europa, llega el
excelente “Demons And Wizards”, en uno de los mejores momentos de su carrera.
Centrándonos en el álbum, fue producido por Gerry Bron para el selloBronze, que él
mismo fundó en 1971. Grabado entre marzo y abril de 1972 en los “Lansdowne
Studios” de Londres, se publicó en mayo de ese mismo año e incluye 9 pistas. Referente a
la temática que aborda las canciones, la podemos intuir rápidamente por el título del
disco“Demonios y Magos”. Destacaremos sobre todo dos temas que en su día salieron
como singles, el clásico “The Wizard”, que abre el álbum en su cara A y un segundo
llamado “Easy Livin”, de estilo hard rock.
Con un espléndido trabajo a las voces y teclados y siempre respaldados por una magnífica sección rítmica, Uria
Heep es también una sensacional banda capaz de componer bellas baladas como “Circle Of Hands”, “The Spell” y
otros temas acústicos como “Paradise”. El resto de cortes que completan el disco, orientándose mucho más hacia
el heavy, reseñaremos el misterioso “Rainbow Demon”, un movido “All My Life”, “Poets Justice” y el clásico “Traveller
In Time”.
Para el recuerdo del imaginario colectivo quedará la portada del elepé, en la que podemos
visualizar una especie de mago ancestral en un lugar oscuro y tenebroso. Roger Den,
insigne artista y emblemático diseñador, fue el encargado de realizar el dibujo. A su vez,
también fue colaborador habitual de otras agrupaciones míticas como Yes u Osibysa.
Uriah Heep han sido una de las bandas esenciales del rock progresivo y de un género al que hoy llamamos
música heavy. Con el paso del tiempo, su fama se diluyó por multitud de problemas y por el fallecimiento del
bajista Gary Thain en 1976. Aun así, nos obsequiaron con álbumes de pura “magia” para la historia contemporánea
de la música rock.
29
John Mayall – Blues From Laurel Canyon (Decca 1968)
Publicado por Ruben.Borrajo el 5 marzo, 2014
Bob “El Oso” Hite, miembro fundador de los Canned Heat, decidió invitar a John Mayall a
pasar tres semanas de vacaciones en su casa del Laurel Canyon (California), ubicada en
plena naturaleza. Mayall, fascinado por la belleza del paraje en que se encontraba, se
inspiró para crear este “Blues From Laurel Canyon”, todo un clásico del blues rock.
Posteriormente, Mayall se instala en el Cañón, haciendo una vida en solitario, como si de
un indígena se tratase. Ya había dejado atrás la época de los BluesBreakers de Peter
Green y Eric Clapton.
El álbum, séptimo de su amplia discografía (primero sin los Bluesbreakers), se grabó en los“Decca
Studios” de Londres e incluye 12 temas. Producido por el propio John Mayall y el históricoMike Vernon, se publicó en
agosto de 1968 para el sello Decca, reditándose nuevamente en elReino Unido en 2007. Reseñaremos que todas las
canciones del elepé fueron compuestas porJohn Mayall.
Respecto a los músicos que acompañaron a Mayall en esta aventura por el Cañón del
Laurel destacaremos a un jovencísimo Mick Taylor, que realiza un trabajo espectacular a
la guitarra con solamente 19 años de edad.
Muy poco tiempo después, en 1969, Mick Taylor pasó a las filas de los Rolling
Stones, sustituyendo a Brian Jones. Completando la formación, por allí estaba el
excelente bajistaSteve Thompson y el exquisito baterista Colin Allen. Todos ellos,
músicos de gran nivel que ya poseían una experiencia más que contrastada.
Dentro del álbum, nos encontraremos con temas como “Vacation”, un vibrante blues rock impregnado de adictivos
riffs guitarreros. Seguidamente “Walking on Sunset”, en dónde la armónica de Mayall se combina a la perfección con
la espléndida guitarra de Mick Taylor. “Laurel Canyon Home” es una balada suave y tranquila, de esas que no
pueden faltar en los discos de blues.
Continúan con unos magníficos “2401” y “Ready to Ride” fantásticos blues rock con la marca
inconfundible de Mayall. Uno de los cortes más llamativos del LP es “Medicine Man”, una
experimentación de John Mayallcon un cierto ritmo indio. Por un momento, parece
transportarnos a una reserva cheroqui, intentando transmitirnos sus costumbres ancestrales.
El punto álgido del disco llegará con “The Bear”, todo un hit de John Mayalldedicado al líder de
los Canned Heat Bob “El Oso” Hite. Otras pistas dignas de mención son “Miss James”, la
balada “Long Gone Midnight” y “Fly Tomorrow”, que cierra el álbum a golpe de punteos
guitarreros.
Y así concluye el blues para el cañón del laurel, cortesía de un mito llamado John Mayall,Macclesfield, 1933. Durante
toda su carrera, acogió en su seno a músicos de la talla de Eric Clapton, Peter Green, Mick Fleetwood, Keef
Hartley, Coco Montoya, Jack Bruce y un larguísimo etcétera.
Actualmente, John Mayall a sus 80 años continúa deleitando al público con sus apoteósicos shows en directo,
demostrando una pasión desmedida por la música del alma. Y es que su nombre, es sinónimo de blues.
30
Deep Purple – In Rock (Harvest / Warner Records – 1970)
Publicado por Ruben.Borrajo el 13 marzo, 2014
Amanece la década de los setenta, y los británicos Deep Purple entran en el olimpo del
rock gracias a esta maravilla sonora a la que bautizan como “In Rock”. Y lo cierto, es que
los Purple, toda una formación legendaria para la música del diablo, se situaron como una
banda imprescindible para entender el rock de los años 70. Porque siempre gustan. Nunca
fallan. Son infalibles.
In Rock, cuarto y exitoso álbum de su discografía, fue aclamado por la crítica del momento
y tuvo un enorme poder de influencia sobre otras agrupaciones venideras, que tomaron
como base de su sonido las canciones de los Purple. Han sido muchas, las aventuras
musicales con las que Deep Purple nos ha obsequiado a lo largo de sus 45 años de
carrera. Pero seguro que todos recordáis un memorable día en que los Purpletiñeron el cielo nipón de color púrpura.
Centrándonos en el disco, “In Rock” fue grabado entre octubre de 1969 y febrero de 1970 en los estudios IBC De
Lane Lea & Abbey Road de Londres. Se publicó en junio de 1970 e incluye 7 pistas. Producido por los propios Deep
Purple, contó con la colaboración de los reputados ingenieros de sonido Andy Night, Martin Birch y Philip McDonald.
No puede faltar en este artículo, una mención especial a estos dioses del rock duro que
hicieron posible el álbum: Ian Gillan (voz), Ritchie Blackmore (guitarra), Roger
Glover (bajo), Jon Lord (teclados) y Ian Paice (batería). Sin duda, una histórica alineación
que también nos dejó aquel célebre “Made In Japan” de 1972.
Con canciones como el vibrante “Speed King” que abre el elepé o“Bloodsucker”, nos
demuestran puro hard rock elevado a la máxima potencia. Jon Lord poeta del teclado,
combinado con la voz perfecta deIan Gillian y la magistral guitarra de Ritchie Blackmore se
encargan de inmortalizar una joya llamada “Child In Time”, canción clásica del rock que
pasó a la posteridad al igual que sus míticos creadores.
Otros cortes absolutamente demoledores y de obligada referencia son: Into The Fire y Living Wreck, destacando la
voz de Ian Gillian y la una vez más, contundente batería de Paice. En “Flight of the Rat”, el bajista Roger Glover y
batería Ian Paice realizan todo un despliegue de virtuosismo al servicio del rock con sus respectivos instrumentos. El
“solo” de batería que se marca Ian Paice al final del tema, quedó grabado a fuego en la memoria colectiva del rock.
Y para concluir esta antológica obra de rock duro ““Hard Lovin’ Man”, en dónde el teclado
de Jon Lord vuelve a ser protagonista, siempre respaldado por un genio de la guitarra
llamado Ritchie Blackmore. Para el recuerdo, quedará la curiosa portada del elepé, en la
que visualizamos el monte Rushmore, con las cabezas talladas en piedra de los miembros
de Deep Purple, que reemplazan los rostros de los presidentes Abraham Lincoln, George
Washington, Theodore Rooselvet y Thomas Jefferson.
A nuestro juicio, si todavía no has escuchado este disco… ¡¡¡ ya estás tardando!!!!
31
Elvin Bishop – Raisin´Hell (Capricorn Records 1977)
Publicado por javisuarezadmin el 20 marzo, 2014
Nacido en Tulsa, en el estado americano de Oklahoma en 1942, Elvin y su familia se
trasladan a Chicago cuando éste es tan sólo un adolescente para comenzar sus estudios
en la universidad. Y es en la ciudad dónde conoce a un magnífico vocalista y armonista
llamado Paul Butterfield, un músico que le valdría de inspiración para el resto de su vida.
Tiempo después, Elvin Bishop logra entrar en la formación de Paul Butterfield como
guitarrista rítmico, junto a otros grandes artistas como Mike Bloomfield. Permaneció cinco
años en la Paul Butterfield Blues Band y graba álbumes imprescindibles durante esta
etapa como “The Resurrectión Of Pigboy Crabshaw” – título curioso siendo éste su apodo
– , supliendo a Mike Bloomfield a la guitarra principal cuando éste abandona la banda para
formar The Electric Flag.
En 1969, se muda a San Francisco y forja su leyenda cuando decide crear su propio grupo, colaborando en discos
esenciales del rock como “The Allman Brothers Band Live Fillmore East” o “The Live Adventures Of Mike Bloomfield
And Al Kooper”. Al margen de esto, también participó en innumerables jams y conciertos históricos del rock
californiano, incluidas incursiones con un gran número de músicos de blues.
Tras obsequiarnos con una antológica serie de álbumes en solitario, Raisin’Hell se convierte en el
octavo y primer ¡Live! de su carrera, obteniendo un éxito sin precedentes. Reseñaremos que todos
los temas están compuestos por Elvin Bishop salvo algunas excepciones.
Publicado en 1977, el elepé se graba en los meses de marzo de 1976 y febrero de 1977, en varias
localizaciones diferentes y escenarios emblemáticos como “The Roxy”, el “Santa Monica Civic
Auditorium”, el “Old Waldorf”, “Civic Theatre”de San Diego o el mítico “Alex Cooley´s Ballroom”. En
2012 y bajo el sello BGO Records, se remasteriza con un sonido realmente espectacular.
Producido por Allan Blazeck, éste excelente doble LP cuenta con un elevado número de músicos,
siendo una referencia obligada su mención: Elvin Bishop (guitarra y voz), Don Baldwin (batería), Michael “Fly”
Brooks (bajo), Debbie Cathey (coros), Melvin Seals (sintetizador, órgano y piano), Bill Slais (saxos), Reni
Slais (voces), Mickey Thomas (voces) y un extraordinario guitarrista llamado Johnny Vernazza.
Toda esta selección de sensacionales músicos, se encuentra apoyada en todo momento por una
gran sección de vientos, formada por Chuck Brooke, Bob Claire, Dave Grover y Bill
Lamb, acompañados por estrellas invitadas comoMic Gillette, Steve Kupka y Greg Adams del
grupo Tower Of Power.
El disco contiene quince canciones de auténtico vértigo desde el primer minuto, iniciando por el
que da nombre al elepé “Raisin´Hell”, de ritmo endiablado, al que sucede el clásico “Rock My
Soul”. A continuación siguen con temas marca de la casa como “Calling All Cows”, “Juke Joint
Jump” o “Hey, Hey, Hey, Hey”entre otros. El punto álgido llega con “Fooled Around And And Fell In
Love”, una de las baladas más memorables de su tiempo, en la que Elvin realiza un genial “solo”
de guitarra, respaldado por unos coros formidables.
El arte del blues se siente en pistas como “Little Brown Bird” de Muddy Waters, e incluso se atreve
con el funk en “Struttin´My Stuff”. Un estilo totalmente sureño se aprecia en “Travelin’ Shoes”, otro
de los himnos del álbum, destacando al guitarrista Johny Vernazza. Finalizan con un
apoteósico medley compuesto por tres pistas: “Medley: Let The Good Times Roll/ A Change Is
Gonna Come/ Bring It On Home To Me”, versionando a Sam Cooke.
Y así concluye este disco, el que consagró al obispo del rock, elevándole a lo más alto de las listas
musicales de los 70. Actualmente, Elvin Bishop sigue en activo y es considerado un mito del rock.
Siempre con su carácter divertido y su peculiar indumentaria, este carismático músico no nos ha
dejado de sorprender desde hace ya 50 años.
Muchas gracias, su excelencia reverendísima !!!!
32
Wet Willie – Keep on Smilin’ (Capricorn Records 1974)
Publicado por Ruben.Borrajo el 26 marzo, 2014
La historia de Wet Willie comienza en Mobile (Alabama) en 1969, estado sureño de
los EEUU, y ubicación emblemática de dónde han salido varios de los grupos más
importantes del rock, como losAllman Brothers, The Outlaws, Lynyrd Skynyrd , Marshall
Tucker Band o la Atlanta Rhythm Section .
En 1970, Wet Willie se muda a Macon (Georgia) y logra fichar por la mítica casa
discográfica Capricorn Records, el hogar de los Allman Brothers. Tras editar unos
primeros – y muy buenos discos – llega en 1974 este espléndido “Keep On Smilin’, con el
que obtienen un más que merecido reconocimiento.
Centrándonos en el álbum, cuarto de su discografía, se publicó en 1974 para el sello Capricorn Records e incluye 10
temas. De la producción se encargó Tom Down, un famoso ingeniero de sonido que trabajó con bandas del nivel
de Derek And The Dominos, The Allman Brothers Band, Lynyrd Skynyrd o la J. Geils Band entre otras. En 1998, sale
a la luz una nueva redición remasterizada del elepé por el sello Capricorn, con un sonido realmente espectacular.
Como ya es habitual, haremos una mención a los componentes deWet Willie que hicieron
posible este magnífico disco: Jimmy Hall (voz, armónica, saxo y percusión), Jack
Hall (bajo, banjo y voz), Joyce Knight (voz), John Anthony (voz, teclados y percusión), Earl
Ford (trombón),Ricky Hirsch (guitarra y voz) y Lewis Ross (batería y percusión).
Dentro del elepé nos encontraremos con una asombrosa mezcla de estilos, que van desde el blues rock o el country,
pasando por el soul, funk o góspel. Algunos de ellos, muy poco comunes en las bandas sureñas. Y es que Wet
Willie no se puede englobar como una agrupación sureña al uso, su música bebe de los diferentes géneros que
anteriormente hemos reseñado.
Canciones como “Country Side of Life” – todo un hit que abre el disco – el
grandioso “Keep On Smilin’, “Soul Sister”, o “Soul Jones” son el mejor ejemplo de una
curiosa amalgama sonora en cuanto el vinilo comience a rodar. Todas ellas, impregnadas
de una fuerte influenciafunky y soul. Con cierto aire góspel se presenta “Trusty of Lord”,
pasando por una bella balada acústica llamada “Alabama”.
“Dont’ wait too long” y “Lucy was in Trouble” son, a mi juicio, los temas estrella del LP,
siendo esta última de las más utilizadas en sus conciertos en directo.
Y así concluye esta obra, cortesía de unos excelentes músicos que responden al nombre
de Wet Willie. Siempre arropados por la potente voz de su cantante Jimmy Hall, fueron capaces de ampliar todavía
más, el número de estilos de los que se nutre el rock sureño o “Southern Rock”, valga la redundancia, como
diría Greg Allman.
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Ted Nugent – Free For All (Epic 1976)
Publicado por javisuarezadmin el 3 abril, 2014
Originario de Detroit, ciudad situada al norte de los EEUU y famosa por la fabricación de
automóviles, esta gran urbe también ha sido cuna de ilustres músicos como el caso del
excelente guitarrista Ted Nugent. En 1965 y siendo tan sólo un adolescente, el
joven Ted entra a formar parte de “The Amboy Dukes”, una de las bandas psicodélicas
más populares de su zona. Comienza así a forjar su leyenda cuando en 1967 publican su
primer disco, convirtiéndose desde ese preciso momento en una de las formaciones de
rock duro más primitivas que se recuerdan.
Tras dejarnos cuatro álbumes clásicos del rock, en 1970 pasa a liderar su grupo bajo el
nombre de“Ted Nugent & The Amboy Dukes”, continuando así otro período con tres
elepés más grabados hasta 1974. Concluida esta etapa, Ted decide seguir en solitario para iniciar una exitosa y
prolífica carrera, dando un giro radical en su música, a la que dota de ritmos mucho más poderosos, realizando una
explosiva mezcla de rock and roll y heavy metal.
Centrándonos en el álbum, “Free For All” pasa a ser el segundo en su discografía en
solitario. Publicado en 1976, se grabó para el prestigioso sello Epic e incluye 9 temas
inolvidables. De su producción se encargó por Tom Werman, Cliff Davies y Lew
Futterman.
Como ya es habitual, haremos mención a la espectacular banda deTed
Nugent, compuesta por él mismo a la guitarra solista, rítmica e incluso al bajo, poniendo
también la voz a la canción que da título al disco. Por allí estaba Cliff Davies, un histórico
batería inglés procedente del grupo If, Rob Grange (bajo), Steve McRay (teclados) y Tom
Werman (percusión).
Derek St. Holmes sería en un principio el responsable de la voz, pero por disputas con Ted, sólo graba dos canciones
y se alejó a media grabación, sustituyéndolo un jovencísimo Meatloaf, que grabaría el resto de temas excepto uno,
ya reseñado anteriormente.
Abre el LP con el potente “Free-For-All”, con el que nos preparan para un electrizante viaje por el estilo único y
contundente de Ted Nugent. Entre otros cortes magníficos y riffs extraordinarios, continúan con “Dog Eat Dog” y un
extenso “Writing On The Wall”, ésta vez con Meat Loaf a la voz. Con unas letras muy atrevidas, llegará el
genial “Street Rats” y la esencial balada “Together”, que hizo suya Meat Loaf.
El resto de pistas que completan el LP son “Light My Way” – que desprende una energía
sorprendente -, y “Hammerdown”, compuesta por el propio Ted. Y para finalizar “I Love You
So I Told You A Lie”, todo un hit de los más recordados del disco.
Sus peculiares atuendos, también pasaron a formar parte de la historia delrock and roll, junto
a sus míticas guitarras Gibson Byrland elaboradas porPaul Smith. Éstas quedaron
inmortalizadas en la portada del disco, con un estupendo montaje fotográfico obra
de Houghton / SteinBicker y diseño dePaula Scher.
Ted Nugent siempre ha sido un ejemplo de trabajo y el mejor espejo para otro número
considerable de músicos a los que influenció. Poseedor de una gran humildad, nos dejó gloriosos discos de estudio y
magistrales shows en directo. Actualmente y a sus 65 años, sigue ofreciendo giras y apoteósicos conciertos,
manteniéndose en plena forma. Y lo cierto, es que Nugent es un músico ya legendario.
Dedicó este álbum con la siguiente frase:
“A todos ustedes compadres a quienes yo llamo amigos. Estoy contento de teneros conmigo, porque estamos aquí
de nuevo”…
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Thin Lizzy – Jailbreak (Mercury Records 1976)
Publicado por Ruben.Borrajo el 9 abril, 2014
Si hubiera un olimpo real de discos de hard rock, éste Jailbreak deThin Lizzy ocuparía los
primeros puestos sin lugar a dudas. Y es que magistrales canciones como “Cowboy
Song” o “The Boys Are Back In Town” – su hit más célebre – nos demuestran la grandeza
de un elepé y de una banda ya de por sí legendaria.
Jailbreak, la pista que da nombre al disco, abre con un poderoso riff que hace todos los
honores al rock duro. “Angel From The Coast” se presenta como un tema pegadizo,
ejecutado a un ritmo trepidante e impregnado de un magnífico guitarreo.
Con las bellas baladas “Fight Or Fall” y “Running Back”, sentiremos la fantástica voz
de Phil Lynott.Otros temas de gran calidad y de obligada referencia son “Emerald” y “Warriors” (una de las joyas del
álbum), en el que una vez más, los Lizzy elevan el hard rock a la máxima potencia.
A mi juicio Jailbreak es absolutamente redondo. Perfecto de principio a fin. Y una buena
parte de culpa, la tiene su excelente dúo de guitarras formado por Scott Gorham y Brian
Robertson, siempre acompañados por el carisma y la voz de Phil Lynott.
Centrándonos en el álbum, sexto en su discografía, se publicó el 26 de marzo de 1976 por
el sello Mercury Records e incluye 9 temas. Grabado en los “Ramport
Studios” de Londres, fue producido por el ingeniero de sonido John Alcock.
Así mismo, Jailbreak también se convirtió en el elepé más vendido de los Lizzy, y de
alguna forma le abrió las puertas hacia el mercado americano. Destacar, que todas las canciones fueron compuestas
por ese poeta del rock llamado Phil Lynott. No puede faltar en este artículo, una mención hacia los integrantes
de Thin Lizzy, que hicieron posible esta obra: Phil Lynott (bajo y voz), Scott Gorham (guitarra), Brian
Robertson (guitarra) y Brian Downey (batería).
Así concluye este álbum, cortesía de un histórico cuarteto irlandés que responde al
nombre de Thin Lizzy. A golpe de un rock electrizante, fueron capaces de ganarse a pulso
un más que merecido puesto como mitos de la que algunos llaman música del diablo,
dejándonos un legado eterno al paso del tiempo. Y buena fe de ello, la pueden dar
álbumes gloriosos como éste.
¿Sabes? ¡Phill Lynott Murió!, en 1986, víctima del alcohol y las drogas, pero de algún modo, siempre permanecerá
vivo en el corazón del rock.
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The Rolling Stones – Let It Bleed (Decca Records 1969)
Publicado por Ruben.Borrajo el 17 abril, 2014
Es indiscutible, que uno de los fenómenos más espectaculares de la historia del rock han
sido los Rolling Stones. Todo lo que hacen produce una repercusión inmediata. Sus
asombrosos conciertos, su especial conexión con los fans y la conciencia social reflejada
en sus letras, le han situado como una parte esencial en la mitología universal del rock.
Baten todos los récords existentes, y más que hubiera.
Con sus antológicas canciones, han sabido llegar al corazón de una fiel e inmensa
cantidad de admiradores en todo el mundo, entre los que se encuentra este humilde blog,
que tiene por logo su lengua.
Las amplias y sucesivas giras de los Stones son hitos destacados en la música, así como lo son los diversos álbumes
que han publicado en sus 50 años de carrera. Y aquí, Let It Bleed, juega un papel muy relevante, porque es un disco
de culto.
Let It Bleed se publicó el 28 de Noviembre de 1969 por el sello Decca Records e incluye 9 pistas. Grabado en
los Olympic Studios de Londres, contó con la producción del emblemático Jimmy Miller, un famoso ingeniero de
sonido que ya había trabajado con otras bandas del nivel de Blind Faith o The Spencer Davis Group. Muchas y muy
variadas, han sido las rediciones de este gran clásico bajo otras casas discográficas como la de ABCKO (Formato
LP, 1986) o la de Decca (Formato CD, 1995).
El álbum obtuvo un enorme éxito y alcanzó rápidamente los primeros puestos en las listas
musicales de la época, el número 1 en el Reino Unido y el 3 en los Estados Unidos. Así
mismo, también recibió numerosos premios y certificaciones. A nuestro juicio, Let It
Bleed es un disco importantísimo para el rock. Transcendió a su tiempo como una llama
que nunca se apaga. Porque es muy, muy grande, al igual que sus legendarios creadores.
Como ya es costumbre, haremos una mención a los músicos que hicieron posible esta
magistral
obra: Mick
Jagger (voz,
armónica), Keith
Richards (guitarra), Mick
Taylor (guitarra), Brian Jones (guitarra, arpa y percusión), Bill Wyman (bajo) y Charlie Watts (batería).
Si ya de por sí los Stones son geniales músicos, de obligada referencia es el personal adicional que participó a su
lado: Ian Stewart, Nicky Hopkins, Leon Russell y el mítico Al Kooper (pianos), Ry Cooder (mandolina), Jimmy
Miller (batería y percusión), Rocky Dijon (percusión), Bobby Keys (saxo tenor), Jack Nitzche, Merry Clayton y Nanette
Newman (coros), y un extraordinario violinista debluegrass llamado Byron Berline, vinculado dos años después
al proyecto Manassas, de Stephen Stills.
En cuanto el vinilo comienza a rodar, de manera instantánea entra a formar parte de esa
colección de discos que cambian tu vida. Y es que su gloriosa apertura con “Gimme
Shelter”, ya nos demuestra el porqué de su grandeza. “Gimme Shelter”, una de las
canciones más célebres de los Stones, fue versionada hasta la saciedad por multitud de
grupos, prestando especial atención a la Grand Funk Railroad, (Survival 1971).
Destacaré también su apoteósica sección rítmica, la profundidad lírica de este maravilloso
tema (inspirado en la guerra del Vietnam) y sus fantásticos coros con Merry Clayton. Pero lo que nos quedará para
siempre en la memoria es su majestuoso estribillo :<< War, children, it’s just a shot away / It’s just a shot away / War,
children, it’s just a shot away / It’s just a shot away>>.
Seguidamente llegará “Love In Vain”, una excelente versión del bluesman Robert Johnson.Solamente los Stones, han
sido capaces de transformar este tema en único, y quien sabe si irrepetible. Uno de los puntos álgidos será “Country
Honk”, versión de cierto aire folk / country del “Honky Tonk Women”, con un sensacional violín a cargo de Byron
Berline y la guitarra de Mick Taylor.
El espléndido piano de Ian Stewart, cobra un protagonismo mayúsculo en “Let It Bleed”, el corte que da nombre al
disco.
En “Live With Me”, podemos notar todo el virtuosismo del guitarristaMick
Taylor, respaldado en todo momento por un espléndido riff de bajo. Una grata sorpresa
nos encontraremos en “You Got The Silver”, una bella balada en dónde canta Keith
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Richards. De inolvidable, calificaré el riff de “Monkey Man”. El blues, la música del alma, hace acto de presencia
en “Midnight Rambler”, sexta joya del álbum, siempre acompañada por una perfecta armónica y un elegante
guitarreo.
Y para poner el broche de oro a un álbum absolutamente redondo “You Can’t Always Get What You Want. Escrita
por Jagger y Richards, es un diamante de canción, con una angelical introducción a cargo del coro góspel “London
Bach Choir”, e influida por los arreglos de Al Kooper.
En el recuerdo del imaginario colectivo, permanecerá su curiosa portada. De una elevada
calidad gráfica, fue un trabajo del diseñadorRobert Brownjohn. En ella, podemos visualizar
a los componentes de los Stones tocando en el último nivel de una tarta, formada por un
neumático, una pizza, un reloj y una cinta magnética, apoyada sobre un tocadiscos. En su
interior reza la siguiente frase: <<“Esta grabación debería reproducirse a un volumen
elevado”>>
Así concluye Let It Bleed, un elepé que resulta fundamental para entender qué es y lo que significa el rock and
roll. He de confesar que en este artículo que hoy escribo, quizás no haya podido ser todo lo objetivo que quisiera,
y me he dejado llevar por la pasión que siento por los Rolling Stones, la banda de rock and roll más grande que ha
dado la música contemporánea.
Déjalo sangrar.
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El Artista Invitado – Cansancio Clónico (2007) / Fuerzas Aliadas (2010)
Publicado por Ruben.Borrajo el 23 abril, 2014
A nuestro juicio, el buen rock nunca debe pasar desapercibido. Y “El Artista
Invitado”, formación catalana nacida en 2001, es la mejor prueba de ello. Deciden
comenzar su historia por el amargo camino del rock un invierno de 2001, cuando el multi
instrumentista J. Bernat “Bernie”, Ángel Camacho, Toni Benavente y Dani Pujol, se
asocian para grabar unas canciones que Bernat tenía escritas previamente. Fruto de esta
colaboración, realizan su primera demo “Seriedad Capilar”, nombrada demo del mes en la
revista Rock Hard.
En 2002, son llamados para abrir los conciertos de Rosendo en la sala Razzmatazz 1. En
el año 2005 graban en los estudios “La Boni” el disco “Inútil Sin Referencias”, en el
que Bernie se hace cargo de la sección rítmica (batería, bajo, guitarras), con Toni Benavente a la guitarra solista. En
2006, regresa a los estudios “La Boni”, para reflejar “Sensible Al Tacto”.
En 2007, sale a la luz “Cansancio Clónico”, grabado y mezclado entre los estudios EDISON deCornellà de
Llobregat y los Udbon de Esplugues de Llobregat. En él, participaron Jordi Bernat (voz, guitarra rítmica, bajo, batería
y coros), Toni Benavente (guitarra solista), Sergi Milan (órgano hammond, piano), Nico Alvarez (coros) y Jordi
Udina (técnico de sonido).
“Cansancio Clónico” incluye cinco pistas y abre con “Amagos de Muerte”, una canción de
estilo hard rock envuelta por unos soberbios riffs de guitarra. Seguidamente llegará “Alto el
fuego”, tema impregnado de un excelente órgano y un potente riff de guitarra.“Fiesta”, es
una pista con cierto aire hacia la psicodelia.
Destacaremos su elaborada sección rítmica, y nuevamente, su órgano. Ejecutada a un
ritmo frenético se presenta “Segunda Oportunidad”, rodeada de unos adictivos riffs de
guitarra, se sitúa como uno de los mejores temas del disco. Finalizan con “No voy a buscarte”, una balada de corte
pop.
Tras ofrecer una serie de conciertos por diversos clubs, logran girar con Status Quo, abriendo los conciertos de su
gira española en 2009.
En 2010 publican “Fuerzas Aliadas”, disco producido por el propioJordi Bernat y grabado
en los estudios “Udbon” de Esplugues de Llobregat (Barcelona), entre mayo y octubre de
ese mismo año. Incluyendo 7 pistas, todas las canciones fueron escritas por el multi
instrumentista Jordi Bernat, exceptuando “Vuela Alto” y “No Mires Atrás”(J. Bernat / Pedro
Caparrós). Durante esta etapa, también son llamados para tocar junto a Europe en la
sala Razzmatazz de Barcelona.
“Fuerzas Aliadas” inicia con “En mí habita el mal”, tema bien armado rítmicamente con unas contundentes guitarras
a su final, al igual que “No Mires Atrás” la pista que le sucede. Con altas dosis de electricidad se presenta “Puerta de
Servicio”, en dónde podemos captar una clara influencia a los AC/DC, dado que Bernie, su cantante, tiene su pasado
en la “The Bon Scott Band”,una banda tributo al legendario grupo australiano.
“Basta de Cerdos” y “Fuego Cruzado”, son dos canciones con las bases bien asentadas en el hard
rock, acompañados por la voz melódica de Bernie. “Vuela Alto”, es una semi balada que desde
nuestra opinión, se erige como el tema estrella del disco, con especial atención a sus riffs de
guitarra. Concluyen con“Si Tu Padre Te Viera”, una pegadiza canción que posee unas
desenfadadas letras.
No puede faltar en este artículo, una mención al personal que hizo posible este disco: Jordi Bernat
“Bernie” (voz, guitarra rítmica, bajo batería y coros), Sergi Milán (órgano hammond, piano y
acordeón), Alberto Arias (guitarra solista), Tite “Patri” Castelló(guitarra solista), Tito Ferrer (guitarra
solista), Pedro
Caparrós (guitarra
solista)
y
Carlos
Ruiz
(guitarra
solista), David
Benavente (coros), Jordi Udina (técnico de Sonido) y Antoni Alarcón (diseño gráfico).
Dice “El Artista Invitado” en una de sus canciones, que buscan una segunda oportunidad. Creemos que merecen una
primera.
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Boz Scaggs – Boz Scaggs (Atlantic 1969)
Publicado por javisuarezadmin el 30 abril, 2014
Compositor, guitarrista, vocalista y compañero inseparable de Steve Miller en los años 60.
Sin duda, una gran carta de presentación la deBoz Scaggs, que también colaboró
poniendo su voz en dos discos históricos de la Steve Miller Band. Y en 1969, Boz graba
este magistral álbum homónimo, que consideramos como imprescindible en su carrera.
Natural de Ohio, Boz Scaggs se traslada a Texas siendo tan sólo un adolescente y
coincide en la escuela con Steve Miller. Rápidamente surge una estrecha amistad que les
llevaría a estudiar juntos en la universidad. Durante esta etapa de su vida se empapó
de blues, pero sobre todo de la música tradicional americana.
En 1965, Boz se embarca en una aventura musical por Europa, estableciendo su base enInglaterra y Suecia, dónde
logra grabar su primer álbum en solitario, obteniendo algún éxito pero escasa repercusión. También adquiere durante
este tiempo conocimientos sobre el “British Blues” y otros estilos, y por fin, Steve Miller decide contar con él para su
nueva formación, con la que editó dos álbumes emblemáticos en la era psicodélica del San Francisco de 1968.
Su facilidad innata para componer canciones, y su especialísima voz, no pasan
desapercibidas para el sello discográfico Atlantic Records.En 1968, es fichado para esta
gran compañía, comenzando a grabar con la Muscle Shoals de Alabama y con el
legendario guitarristaDuane Allman, por aquella época miembro permanente de la “Muscle
Shoals Rythm Section”. Centrándonos en el disco, se publicó en 1969 y fue producido por
el propio Boz Scaggs, Jan Wenner y Marlin Greene. Fue grabado en los estudios “Muscle
Sounds Sound Recorders” deAlabama. La Atlantic Records contaba con un gran número
de excepcionales músicos, participando en la grabación de este elepé Duane “Skydog” Allman (dobro, slide y
guitarra), Boz Scaggs, Eddie Hinton y Jimmy Johnson (guitarras), Barry Beckett (teclados), David Hood (bajo) Roger
Hawkins (batería) y Al Lester (violín).
Como ya era habitual en la Atlantic Records, una excelente sección de vientos apoyaba en todo
momento a estos virtuosos músicos, entre los que se encontraban Charles Chalmers y Floyd
Newman (saxos) Ben Cauley(trompeta), Gene “Bowlegs” Miller (trompeta y trombón) y Joe
Arnold y James Mitchell (saxos). Y para poner la guinda final a este carrusel interminable de
instrumentistas, es de obligada referencia mencionar los estupendos coros femeninos: Jeannie
Greene, Donna Thatcher y Mary Holiday por un lado, yTracy Nelson, Irma Routen y Joyce
Dunn para otros temas.
Como dato curioso, destacaremos que el disco y su estilo se catalogaron como “Blue – Eyed Soul”, que viene a significar coloquialmente hablando “Soul hecho por blancos”. El LP contiene 9
temas compuestos por Boz Scaggs salvo algunas excepciones. Abren con un movido “I´m Easy” y continúan con el
clásico de clásicos “I´ll Be Long Come”, una de las baladas más bellas de la época. Y nos deleitarán con canciones
delicadas como “Another Day (another letter)” y la country “Now You´re Gone” dónde disfrutaremos de los
maravillosos coros y un magnífico sonido del violín.
Las canciones que le siguen, mantienen en mayor o menor medida una línea similar a las
anteriores y son “Finding Her” y “Look What I Got”, ésta vez con Duane
Allman imprimiendo su calidad al Dobro. En“Waitin For A Train”, Boz Scaggs nos traslada
a las viejas películas del Oeste y a aquellas canciones de la guerra de secesión,
magníficamente interpretadas.
El punto álgido del disco llegará con un triste blues titulado “Loan Me A Dime”, propiedad
del bluesman Fenton Robinson. Con más de doce minutos de duración, Boz Scaggs realiza una espléndida versión
con su voz, arropado por una sección rítmica perfecta y el virtuosismo de Duane Allman, que nos dejó uno de los
solos de guitarra más recordados de su corta pero intensa carrera. Concluyen con “Sweet Release”, una canción que
posee unos coros sobresalientes, al igual que el resto de la banda.
El diseño y las fotografías de la portada e interior del LP fueron obra de Stephen Paley, dónde podemos visualizar la
simpática imagen de Duane Allman, completamente desnudo con un sombrero en la cabeza y tapándose sus
genitales, entre otras de los músicos más representativos.
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En su día, este disco pasó con más pena que gloria por los ojos de la crítica especializada. Y han tenido que pasar
más de 45 años para que lo considerasen una obra de culto, básica para los amantes de la época dorada del rock y
para los seguidores de Boz Scaggs y del gran Duane Allman.
Boz Scaggs inició con este LP su período de esplendor. Actualmente y a sus 66 años, es uno de los grandes de la
música americana.
Eric Clapton – Just One Night (RSO 1980)
Publicado por javisuarezadmin el 7 mayo, 2014
Este magistral doble álbum en directo mezcla de rock y blues, fue la carta de
presentación de Eric Clapton en una de las décadas más difíciles para estos géneros,
originado esto por las nuevas corrientes musicales y los diferentes estilos que surgieron a
finales de los 70, como el pop más puro y comercial.
“Backless”, su último disco grabado en estudio hasta esa fecha, provocó que Clapton y su
prodigiosa banda se embarcaran en una nueva gira mundial, llena de éxitos y con
“manolenta” en estado de gracia. Esta gira que comenzó en el mes de marzo en Irlanda,
saltó posteriormente a los Estados Unidos, dónde Clapton se instaló durante toda la
primavera y los inicios del verano. Tras un parón en septiembre regresó a Europa, tocando
en países como Inglaterra, Polonia, Austria, Alemania o la extinta Yugoslavia.
Para llegar al lugar dónde se grabó el disco, Clapton y su grupo viajan aquel otoño por Israel y Asia, pasando
por Filipinas, Tailandia y Hong Kong, recalando finalmente en el imperio del sol naciente. En el interior del elepé,
podemos apreciar una reseña que Clapton dejó el 12 de marzo de 1980 <<una gira por Japón es algo a lo que
siempre me acerco con sentimientos encontrados…”>> entre otras frases que se aproximaban a la realidad del país
nipón. También destacaremos la ilustración de Ken Konno y las fotografías, que fueron obra de Dave
Brown y Koichiro Hiki.
Para la realización del LP, Clapton contó con la colaboración de una poderosa banda, –
perfectamente engrasada – que tocó las frías noches del 3 y 4 de diciembre en el “Budokan
Theatre” de Tokio. Y es de obligada referencia, su mención: Henri Spinetti (virtuoso batería) el
mítico Chris Stainton (teclados), Dave Markee (bajo) y un enorme Albert Lee con Eric Clapton a
las guitarras y voces. De la producción se encargó Jon Astley, para el histórico sello de la vaca
roja “RSO” (del insigne productor musical Robert Stigwood), y se publica en abril de 1980.
Con 14 pistas realmente espléndidas, el disco abre con “Tulsa Time”, una canción de su último
trabajo y con unos ritmos claramente marcados por el “tulsa sound”. Seguidamente y como norma
del álbum, Clapton enlaza con un blues tradicional “Early In The Morning”, con una excelente
slide.
En la primera parte del LP reflejan temas emblemáticos como el country de “Lay Down Sally”, la bella
balada “Wonderful Tonight” y una gran versión del “If Don´t Be There By Morning”, de Bob Dylan. El blues más puro
vuelve a hacer acto de presencia con el clásico atemporal de Maceo Merriweather “Worried Life Blues”, “All Our Past
Times” y el “After Midnight” de J.J Cale con el que concluyen esta cara A.
La segunda parte abre con “Double Trouble”, un tremendo blues de impecable factura, propiedad del zurdo Otis
Rush. “Setting Me Up” es una composición de Mark Knopfler que saldría en elmagnífico debut de los Dire Straits, a la
que Albert Lee pone la voz y su estupenda guitarraTelecaster.
El tramo final del show en el teatro japonés no tiene desperdicio alguno. Nos obsequian con
cuatro canciones de auténtico infarto y nos demuestran el por qué Eric Clapton es uno de los
héroes de la guitarra más grandes que ha dado la música. Ofrece una descarga absolutamente
memorable en temas como“Blues Power”, el clásico “Rambling On My Mind” de Robert Johnson o
el soberbio “Cocaine”, intercalándose a la guitarra Clapton primero y Albert Leedespués. Y para
poner punto y final “Further On Up the Road”, otra de las canciones preferidas de Eric en sus
conciertos en directo.
Just One Night fue muy bien acogido por el público y la crítica en 1980. Alcanzó puestos
relevantes en las listas, tanto en las americanas, como en las inglesas. En 1981, ya fue distribuido
por la Polydor Records.
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Clapton y su famosa guitarra “blackie” del 57, inmortalizaron junto a una excepcional banda este show único hace ya
35 años. Se convirtió en uno de los álbumes más legendarios de su tiempo, porque, a nuestro juicio, jamás tuvieron
miedo de las nuevas tendencias musicales. Regresaron al blues más puro, acompañados por uno de los dioses de la
guitarra.
One, two, three…
The Black Keys – El Camino (Nonesuch Records 2011)
Publicado por Ruben.Borrajo el 13 mayo, 2014
Un triunfo del rock moderno, así consideramos este disco de The Black Keys. Y aunque la
base de su peculiar sonido la toman de géneros como el blues, rockabilly, garaje rock,
blues rock, o el soul de los 60 y 70, El Camino es una obra pegajosa y guitarrera que
combina con simpleza pero con gran eficacia los estilos anteriormente mencionados.
Originarios de la ciudad de Akron, en el estado norteamericano deOhio, The Black
Keys se consolidan como dúo musical en el año 2001, formados por el
multiinstrumentalista Dan Auerbach y el batería Patrick Carney. Un año después de su
creación, graban para el sello “Alive Records” magníficos álbumes de blues rock como
“The Big Came Up”, “Brothers” o “Thickfreakness” (2003), haciéndose con un lugar
importante en la escena de rock alternativo del momento.
Centrándonos en el álbum, “El Camino” fue el séptimo de su discografía, se publicó en diciembre de 2011 por la casa
discográfica Nonesuch Records e incluye 11 pistas. Así mismo, también logró numerosos premios y certificaciones.
Fue producido por los propios The Black Keys y el músico estadounidense Danger Mouse, que también colaboró
como coautor en todas las composiciones del elepé.
Como ya es costumbre, haremos referencia a los músicos que hicieron posible este
álbum: Dan
Auerbach (guitarra,
bajo
y
voz),
Patrick
Carney (batería), B.
Burton (teclados), Heather Rigdon, Ashley Wilcoxson y Leisa Han (coros).
Abren con “Lonely Boy”, un tema ejecutado a un ritmo trepidante que se sitúa como uno
de los destacados del disco, también lanzado como sencillo en 2011 y utilizado como
banda de sonora de multitud de eventos deportivos, series de TV y videojuegos. “Dead
Gone”, está impregnada por un sonido setentero y orientada hacia el más puro rock garaje. “Gold On The
Ceiling”, posee unos excelentes riffs de guitarra, con cierto influjo del sintetizador y una espléndida batería.
El punto álgido del disco llegará con “Little Black Submarines”, semi-balada de bella
introducción acústica y un adictivo estribillo, quedará marcada a fuego en la memoria del
rock por sus poderosos riffs de guitarra. Desde mi opinión, esta canción es todo un himno.
Hablamos dentro de 20 años.
“Run Right Back” y “Money Maker”, son dos ejemplos de rock bien armado rítmicamente,
poderoso, contundente y sin espacio para el descanso. El resto de pistas que completan el
disco son “Sister”, “Hell Of A Season”, “Stop Stop”, “Nova Baby” y “Mind Eraser”, en dónde podemos palpar una
clara tendencia hacia el clásico sonido del rock de los años 60 y 70. Sin duda, una curiosa amalgama sonora que
puede resultar nostálgica para el oyente. Por eso gusta.
Y así concluye este álbum, cortesía de unos tipos de barrio que grababan discos en
garajes y sótanos. En sus inicios, ofrecían conciertos en bares y se movían en la
oscuridad del underground. Su pasión desmedida por el rock y por bluesman legendarios
como Robert Johnson, Muddy Waters, Son House o Misisipi Fred McDowell, les llevó a
encontrarse con el éxito, casi de manera repentina.
Quizás, sea ésta su obra más comercial – no por ello exenta de calidad – pero se echa en
falta las fuertes raíces bluseras de sus primeros discos. A nuestro juicio, las teclas negras escogieron el
camino correcto y nos llevaron en un emotivo viaje por el rock y el blues de antaño. ¿Utilizarían la destartalada
furgoneta de portada?…
Un clásico.
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Rory Gallagher – Deuce (Atlantic Records 1971)
Publicado por Ruben.Borrajo el 21 mayo, 2014
Tras separarse de Taste y dejarnos un primer disco absolutamente mágico, Rory
Gallagher, el irlandés de fuego, decidió escribir otro capítulo histórico para la música rock.
Le llamó “Deuce”. Solamente el paso de los años, logró situar a este disco en el lugar que
le correspondía, ya que en un principio recibió críticas negativas.
Es ésta su obra más íntima, quizás no tan dura como otras, pero rebosante de calidad y
sentimiento. Rory juega aquí con el folk, pero también con el blues y el rock. Canciones
como “I’m Not Awake Yet” – todo un hit que abre el elepé – o “Don’t Know Where I’m
Going”, impregnada de un bello aire folk, son el mejor ejemplo de su grandeza.
“In Your Town” es un magistral blues rock en donde se capta la influencia de mitos como Muddy Waters. Otras pistas
que completan un LP completamente redondo son: “Used To Be” – una joya de tema – , el apoteósico “Whole Lot Of
People”, poseedor de un cierto aire al rock de los 50, un bello “Should’ve Learnt My Lesson”, en dónde por un
momento, nos recordará a un viejo bluesman americano.
“Out of my mind” es una preciosista balada de toques country, y finalmente cierra el disco
con “Crest Of Wave”, ejecutado a un ritmo trepidante con un inolvidable riff de guitarra.
El álbum, se grabó en los Tangerine Studios de Londres, fue producido por el propio Rory
Gallagher e incluye 10 pistas. Segundo en su discografía, fue publicado en 1971 por el
sello Atlantic Records, y en 1999 fue reditado nuevamente incluyendo una pista más
llamada “Persuasion”. Como ya es habitual, haremos mención a los músicos que hicieron
posible la realización del disco: Rory Gallagher (guitarra eléctrica, voz y armónica), su inseparable Gerry
McAvoy (bajo y coros) y Wilgar Campbell (batería).
Así concluye esta obra maestra, cortesía del legendario Rory Gallagher. Un tipo de
carácter sencillo, que nunca se dejó manejar por las discográficas. Se alejaba de las
producciones mastodónticas y de las portadas. Lo único que le importaba era la música.
Cuando su popularidad aumentó, después de los conciertos entraba a los bares para
tomar un par de cervezas con la gente que lo había visto. Una vez, estando de gira, sus
representantes describieron como recorrió media ciudad buscando a un músico callejero
para darle dinero. Jamás se alejó de la peña. Jamás se vendió.
Rory Gallagher falleció el 14 de Junio de 1995 de un fallo hepático, derivado de su
alcoholismo crónico. Tenía 47 años. Muy poco tiempo antes de su muerte, se quejó de que no se le había
reconocido lo suficiente su labor en el rock y en el blues. Es el alto precio que desafortunadamente, un músico tiene
que pagar por hacer lo que quiere.
A nuestro juicio, representó a la perfección los sentimientos, ideales y actitudes del rock.
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Jimmy Smith – Jimmy Smith Live! Root Down – (Verve 1972)
Publicado por javisuarezadmin el 29 mayo, 2014
Hablar de Jimmy Smith es hablar de uno de los mejores organistas de jazz de todos los
tiempos. Así de simple, es nuestro humilde punto de vista sobre este emblemático músico
americano. Nacido enNorristown, en el estado de Pensilvanya en 1928, Jimmy es un niño
prodigio con un talento innato para la música, provocado en parte por tradición familiar.
Rápidamente se especializa en el uso del órgano, y en particular, en el mundialmente
conocido “Órgano Hammond”, allá por el principio de los 50.
Comenzando su carrera con estilos que van desde el rythm and blues al hard bop o
el jazz, pronto se hace con un destacado lugar en el ambiente jazzístico neoyorquino. Y
allí, en la ciudad de los rascacielos y la capital del jazz, ficha por el histórico sello
discográfico Blue Note y posteriormente por Verve, tocando con varios de los músicos más célebres de este género,
como los fantásticos guitarristas West Montgomery o Kenny Burrell, los saxofonistas Lou Donalson o Stanley
Turrentine y el trompetista Lee Morgan entre otros muchos fundamentales para la década de los 60.
Jimmy Smith, un músico incansable y prolífico donde los haya, explora como todo músico de jazzque se precie, la
búsqueda de sonidos y de diferentes estilos. De él, fluye una energía desbordante y se decanta primero por el soul y
el funky jazz de los setenta. Con su genial música, influyó a generaciones venideras, donde
verdaderamente podemos apreciar éste tipo de música fusión.
Centrándonos en el álbum en directo, Root Down se graba durante su estancia en la costa
oeste americana. Las grabaciones se registran un 9 de febrero de 1972 en el “Bombay
Bicycle Club”, un pequeño club de Los Ángeles, convirtiéndose meses después en un
clásico y vigoroso disco de jazz funk. Producido por Eddie Ray, originalmente contenía 6
temas, añadiéndose en la redición del año 2000 una pista más y otros no editados en su
momento.
Jimmy Smith (Órgano Hammond), estuvo apoyado en una espectacular banda formada por Arthur
Adams (guitarra), Wilton Felder (bajo), Paul Humprey (batería), Buck Clarke (congas y percusión) y Steve
Williams (armónica).
El elepé comienza con un movido “Sagg Shotin´His Arrow”, puramente instrumental y con un magistral Arthur
Adams a la guitarra, respaldado por un Jimmy Smith demoledor y una grandísima sección rítmica. Inesperadamente
giran hacia un bello tema titulado “For Everyone Under the Sun”más bien de estilo soul jazz, alternándose la guitarra
y el órgano. A continuación, demuestran su virtuosismo en el estándar de blues “After Hours”, obra del mítico pianista
de Alabama Avery Parish.
“Root Down” es la marca que deja huella en el disco. Funky jazz en estado puro, con más
de 12 minutos soberbios (en la edición del 2000) y que da el nombre al LP. Lleno de
improvisación, wah-wahs, unJimmy soberbio y una excelente sección rítmica. Esta
canción también sirvió mediados los 90 a la reconocida banda de Nueva York “The
Beasty Boys “, para incluirla en un disco dónde se situó como uno de sus temas más
conocidos.
Una impecable versión del “Let´s Stay Together” de Al Green, anima y hace cómplice al
público presente esa noche, con ovaciones sonoras hacia el guitarrista a mitad del tema y
por supuesto, también a su terminación. Para finalizar, otro magnífico tema funky de larga
duración “Slow Down Sagg”, dónde se refleja la fuerza de éste estilo y la grandeza de unos músicos inolvidables
que nos dejaron una actuación para la posteridad.
Concluiremos este análisis con la frase que reza en la parte trasera del disco: “Jimmy Smith forma parte esencial del
jazz moderno. En sus primeros años en Nueva York el enfoque veloz de sus dedos define el papel del instrumento
con un éxito sin precedentes”.
Ya sobran las palabras.
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Supertramp – Breakfast In America (A&M Records 1979)
Publicado por Ruben.Borrajo el 4 junio, 2014
En el ocaso de los setenta, los británicos Supertramp nos obsequiaron con un
apetitoso desayuno en América, explorando de manera absolutamente magistral un
amplio territorio sónico. Experimentan aquí con el pop, pero también con el rock, el rock
progresivo y le añaden unas pinceladas de blues.
Supertramp se crea bajo el patrocinio del holandés Stanley August en 1969, que le
propuso al teclista y cantante Rick Davies la formación de un grupo de rock. Así que,
rápidamente se le unen el multi-instrumentista Roger Hodgson, el batería Bob Miller y el
guitarrista Richard Palmer.
Tras sufrir diversos cambios en sus filas, finalmente debutan con un disco homónimo en 1970, sin apenas
repercusión. Según avanza la década, graban álbumes magníficos como “Crime Of The Century” (1974), o “Even In
The Quietest Moments” (1977), obteniendo cierto reconocimiento por parte de la crítica. Y en 1979, le llegó su
momento álgido y fama internacional gracias a éste Breakfast In America.
Centrándonos en el elepé, “Breakfast In America” fue el sexto en su discografía, se publicó
en 1979 por el sello A&M Records e incluye 10 pistas. Reseñaremos que todas las
canciones fueron compuestas por el dúo Hodgson / Davies. Producido por los
propios Supertramp yPeter Henderson, se remasterizó nuevamente en los años 2002 y
2010 añadiéndose diversas pistas y material extra. Breakfast In America alcanzó un gran
éxito comercial, obteniendo el número 1 en las listas musicales de la época.
Como ya es habitual, mencionaremos a los músicos que hicieron posible esta obra: Rick Davies(teclados y
voz), Roger Hodgson (guitarra, voz y teclados), Dougie Thomson (bajo), Bob Siebenberg(batería), John
Helliwell (coros y saxofón) y Slyde Hyde (trombón).
Dentro del disco, repleto de hits, nos encontraremos con canciones clásicas
como “Breakfast In America” con un delicado piano y una sutil batería en su inicio, el
inolvidable y pegadizo “Goodbye Stranger”, en la que destaca la peculiar voz de Roger
Hodgson, o un extraordinario“Logical Song”, que se consolidó como su tema por
excelencia, prestando especial atención a su memorable “solo” de saxofón.
“Take The Long Way Home”, “Lord Is It Mine”, “Child of Vision” y “Oh Darling” son otros
espléndidos cortes que nos demuestran el virtuosismo de una banda en estado de gracia. Juegan aquí con elpop,
pero también con el rock e incluso con el rock progresivo. Realizan una mezcla fantástica, originando que Breakfast
In America se convirtiera en uno de los álbumes más célebres de la década de los 70.
La curiosa portada del disco, en la que podemos visualizar el centro de Manhattan y una mujer simulando la estatua
de la libertad con un desayuno en su mano, fue un trabajo del diseñadorMikel Doug. Así concluye este obra
conceptual, cortesía de Supertramp, una banda que se ganó un más que merecido puesto en la memoria del rock. Y
éste, es su legado.
44
Allen Toussaint – Life, Love And Faith (Reprise – 1972)
Publicado por javisuarezadmin el 11 junio, 2014
De Nueva Orleans se puede afirmar que es una de las ciudades con más tradición musical
de los Estados Unidos de América, debido a la diversidad de culturas que en ella se
asentaron a lo largo de su historia, al igual que en el estado de Louisiana al que
pertenece.
De ésta evocadora urbe surgieron músicos de gran talento, como el legendario Louis
Arsmtrong, Fats Domino, Champion Jack Duprée, elProfessor Longhair, Dr. John o el
inigualable trompetista Wynton Marsalis.
Allen Toussaint es también uno de sus hijos más reconocidos, con una inmensa labor
como compositor, arreglista, pianista y productor. Nacido un 14 de julio 1938 en un barrio muy popular deNueva
Orleans, por mediación de sus padres se alimenta de la música que escucha durante su infancia, logrando despuntar
con tan sólo 17 años de edad. Toca con varios grupos durante los años 50, y sería en 1958 cuando graba su primer
álbum instrumental titulado “Tousan”, en el que destaca el tema “Java”.
En los 60 se dedica plenamente a la composición de canciones para innumerables artistas, y a
la producción para músicos de enorme potencial como Irma Thomas o Aaron Neville entre otros
muchos. En la década de los 70, decide grabar en solitario publicando dos primeros discos
sobresalientes. Y en 1972, llega este “Life, Love And Faith”, tercero en su discografía. También
supone un ansiado regreso, bajo la idea de trabajar con los “Metters”, uno de los
grupos funk más importantes de la época. En el año 2006 se redita el disco por el
sello Water, que tiene su sede en San Francisco (California).
Love, Life And Faith sale a la luz en 1972 y fue producido por el propio Allen Toussaint (piano,
guitarra acústica y voz). Grabado en los estudios “Jazz City Recording” de New Orleans para el
sello Reprise, consta de 12 pistas y todas son composiciones suyas. Para la realización del elepé contó con la
colaboración de los integrantes de los Metters en su base rítmica: Joe “Zigaboo” Modeliste (batería), George
Porter (bajo), Leo Neocentelli y Vincent Toussaint (guitarras), este último miembro de la familia de Allen.
Otros músicos de respaldo que también colaboraron fueron: Walter Payton (bajo) Joe
Lambert (batería) Alfred Roberts y Squirrel (congas) y una nutrida sección vientos: Gary
Brown, Alvin Thomas y Red Tyler (saxos) y Clyde Kerry Francis Rousselle (trompetas). Los
acompañamientos vocales son también una parte esencial de este mítico disco.
Con un marcado estilo funk – diremos que muy característico – Allen nos deleita con doce
clásicos temas como “Victim Of The Darkness”, “Out Of The City (Into Country Life)” con unos
soberbios arreglos vocales, la balada “On Your Way Down” o los experimentos con el jazz a
los metales con “Electricity”. Otras pistas de obligada referencia son “She Once Belonged To Me”, de clara tendencia
al soul, “Goin´Down” o “Soul Sister”, que la resaltaremos como una de las más bellas del LP.
Allen Toussaint es un músico imprescindible que nos dejó un personalísimo trabajo, dónde se pueden apreciar sus
magníficas cualidades y su sensibilidad musical. Actualmente, tiene una posición privilegiada en el panteón de los
mejores músicos norteamericanos.
“Vida, amor y fe”….
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The Band – The Band (Capitol Records 1969)
Publicado por Ruben.Borrajo el 18 junio, 2014
Tras dejarnos aquel fantástico “Music From Big Pink” de 1968, los canadienses The
Band vuelven a irrumpir de manera impactante en la escena musical de finales de los 60,
con este disco homónimo. Si algún adjetivo tenemos para calificarlo ese es inolvidable,
como casi todo lo que ha hecho este magistral quinteto. ¿Quién no recuerda aquel
espléndido “Último Vals” de 1976?
“The Band”, en español, simplemente conocidos como “La Banda”, fueron compañeros de
ruta de Bob Dylan en su transformación delfolk hacia el rock eléctrico. Procedentes de un
país de meteorología antipática, les unía una pasión común que nos dejó un legado
imborrable, discos perfectos y canciones sin fecha de caducidad. Acrecentaron su
maravillosa leyenda durante los años 60 y 70, cuando se alejaron del rock psicodélico que reinaba en aquella época
y tomaron como base de su sonido los estilos tradicionales americanos.
Centrándonos en el álbum, segundo en su discografía, fue publicado por el sello Capitol Recordsen septiembre de
1969 y contiene 12 pistas. En la redición del año 2000, remasterizada por Capitol Records, se añaden 7 temas
adicionales y diverso material extra. Producido por John Simon, el LP logro situarse como toda una obra de culto,
dado su temática relacionada con la guerra civil americana, al margen de su gran calidad musical.
No puede faltar en este post, una mención a los legendarios músicos que hicieron posible
este magnífico trabajo: Robbie Robertson (guitarra), Rick Danko (trombón, bajo, violín,
voz), Garth Hudson (teclados, órgano, clavinet, piano, acordeón, saxofón,
trompeta), Richard Manuel (voz, piano, batería, saxofón, armónica), Levon Helm
(mandolina, batería, voz y guitarra acústica).
Dentro del LP, nos encontraremos con espléndidos temas como “Up On Cripple Creek” o
“Rag Mama Rag” impregnados por un bello estilo folk, blues y country. El punto álgido es, a nuestro juicio, “The Night
They Drove Old Dixie Down”, todo un hit que se consolidó como una de las canciones más emblemáticas de la
banda, y de las más utilizadas en sus conciertos en directo. Destacaremos la peculiar voz del batería Levon
Helm, que hace que este tema se cubra todavía más de gloria.
Desafortunadamente, Levon Helm falleció el 19 de Abril de 2012 debido a un cáncer, a los
71 años de edad. Y el rock and roll perdió así a una de sus grandes estrellas, pero su
legado permanecerá eterno al paso del tiempo. Gracias Levon. Otros cortes de obligada
referencia que completan el disco son:“Rockin’ Chair”, de bello guitarreo acústico, la
balada “Whispering Pines”, “Jawbone” y el pegadizo piano de “Look Out Cleveland”
Y así concluye este artículo en honor a “la banda”. Si hay algo que quizás pueda
completar este post, pues diremos que vivieron instalados en la excelencia musical toda
su carrera. Sus canciones, ya son todo un patrimonio de la humanidad.
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Barón Rojo – Volumen Brutal (Chapa Discos – 1982)
Publicado por Ruben.Borrajo el 30 junio, 2014
Se oye comentar a las gentes del lugar / los rockeros no son buenos / si no te portas bien /
te echarás pronto a perder / y caerás en el infierno.
Todavía no sabemos si los rockeros caerán al infierno, pero lo cierto es que Barón Rojo se
ganó a pulso un más que merecido puesto en el paraíso celestial del rock nacional, a base
de unas explosivas guitarras y grandes dosis de un contundente heavy rock.
“Barón Rojo” o “Red Baron”, nace de las cenizas de la agrupación Coz, ya que los
hermanos Carlos y Armando de Castro formaron parte de esta banda a finales de los años
70. Su inicio por el universo sonoro fue absolutamente demoledor “Larga Vida al Rock and
Roll”, fue un disco debut de esos que dejan huella, rebosante de buenas letras y calidad musical.
Centrándonos en el LP “Volumen Brutal”, segundo en su discografía, se publicó en febrero de 1982 e incluye 10
pistas. Producido por Barón Rojo, se graba en los estudios “Kingsway” de Londres(propiedad del cantante de Deep
Purple, Ian Gillian) y logra vender más de dos millones de copias, situándose como una de las obras más exitosas
de la banda. Así mismo, también se lanzó en 1982 una versión en inglés del elepé, que se comercializó en
mercados como el japonés e inglés.
La gran repercusión que alcanzó Volumen Brutal, posibilitó que el grupo compartiera cartel
con artistas de la talla de Uria Heep, Michael Schenker (Scorpions), Marillion, Gary
Moore o Iron Maiden en el festival de Reading de 1982.
Como ya es habitual, mencionaremos a los músicos que hicieron posible este histórico
trabajo: los hermanos Carlos y Armando de Castro (guitarra, coros y voz),José Luis
“Sherpa” Campuzano (bajo, coros y voz), Hermes Calabria (batería), Mel Collins (saxofón) y Colin Towns (teclados).
Dentro de este excelente álbum, nos encontraremos con himnos como “Resistiré” /”Stand
Up”, una joya de canción que hace todos los honores al heavy metal y al rock
duro. Destacaremos que “Resistiré”, llegó a ocupar el número 1 en las listas musicales del
momento. Las poderosas guitarras de “Incomunicación” y «Dame la oportunidad» harán
las delicias de todo aficionado al heavy metal y al buen rock en general. “Son como
hormigas”, es un tema que se erige como uno de los mejores del disco. Sencillamente,
fantástico.
Uno de los cortes más llamativos es “Los Rockeros van al infierno”, todo un hit de pegadizas letras que se consagró
como una de las canciones más célebres de la banda. Otras espléndidas pistas de obligada referencia y que
completan el LP son: “Hermano del Rock & roll”, “El Barón sobrevuela Inglaterra” y “Sátanico Plan” (Volumen
Brutal) o el inolvidable “Concierto para ellos”.
Concluye así este álbum, el segundo vuelo del barón, una de las bandas que más prestigio han dado a España. Si
he de escoger entre ellos y el rock / elegiré mi perdición / sé que al final tendré razón / ¡y ellos no! / Mi rollo es el
rock.
Ya está todo dicho.
47
Neil Young – Harvest (Reprise Records 1972)
Publicado por Ruben.Borrajo el 7 julio, 2014
Aclamado por la crítica, “Harvest” fue una de las obras más célebres del mítico cantautor
canadiense Neil Percival Young. Por aquella época, Neil se encontraba aquejado de una
fuerte enfermedad que le impedía mantenerse erguido, pero aún con estas dificultades
logró dejarnos uno de los discos más famosos de la historia del rock. En él, combina a la
perfección el country, el folk o el rock, e incluso arreglos orquestales en varias canciones.
El álbum, cuarto de su discografía, se publicó en febrero de 1972 e incluye 10 pistas.
Producido por el propio Neil Young junto a Elliot Mazer, Jack Nitzsche y Henry Lewy, fue
grabado entre los “Quadrafonic Sound Studios” de Nashville, Royce Hall UCLA
(California), “Barking
Tow
Hall” de Londres y
los
“Broken
Arrow
Studio” de Woodside (California). Especial atención prestaremos a la profundidad lírica de sus canciones, que
abordan temáticas como las drogas, problemas sentimentales, las guerras o el racismo.
Una obligada referencia, merecen los músicos que participaron al lado de Neil Young (guitarra, armónica, voz y
piano) para la realización del elepé: Tim Drummond (bajo), Jack Nitzsche (guitarra y piano), Ben Keith (guitarra pedal
steel) y Kenny Buttrey (batería). Todos ellos, músicos de sesión pertenecientes a la formación “The Stray
Gators”, que Neil Young reclutó para la ocasión.
Por allí también estaban los legendarios David Crosby, Graham Nashy Stephen
Stills (coros), Teddy Irwin (guitarra), John Harris y James McMahon (piano), James
Taylor (voz, banjo), Linda Ronstadt (coros), siempre respaldados por la Orquesta
Sinfónica de Londres.
Dentro del disco, nos encontraremos con clásicos como “Heart Of Gold” (Corazón de Oro),
una balada acústica que consideramos extremadamente preciosista, con unos elegantes
sonidos de armónica. “Old Man” es un hit que se convirtió en una de las canciones más
identificables del bardo canadiense. “Alabama” es otra de las joyas del LP, de pegadizo
estribillo y con pequeñas dosis de electricidad. La polémica que desató “Alabama” – dada
su temática antirracista – molestó a los sureños de los EEUU, que le respondieron con el “Sweet Home
Alabama”, de Lynyrd Skynyrd.
“There’s a World”, podría encajar perfectamente como banda sonora de cualquier película.“Harvest”, es la pista que
da nombre al LP, y en dónde Neil Young nos muestra un bello folk rock con cierto ritmo country.
“Out on the Weekend”, el corte que abre el LP, es un tema de estilo folk rockcon el
personalísimo sello de Neil Young. En “Are You Ready for the Country?” destacaremos su
introducción de piano y su orientación country. The Needle And The Damage Done, es una
pieza en directo que se grabó en UCLA.
Así concluiremos este álbum, cortesía de un introvertido poeta llamado Neil Percival Young. En
la actualidad y a sus 68 años, Neil Young sigue ofreciendo conciertos y representando a la
perfección el espíritu inagotable del rock and roll.
Y creemos, que con Neil, el rock ha sido mucho más grande.
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Les Dudek – Say No More (CBS 1977)
Publicado por javisuarezadmin el 23 julio, 2014
Aunque Les Dudek es uno de los grandes guitarristas americanos, su carrera musical
pasó prácticamente desapercibida para el público europeo. Y con éste artículo vamos a
intentar rescatar del olvido este“Say No More”, un disco de 1977 que consideramos
esencial y que, a nuestro juicio, merece el mayor de los elogios.
Les Dudek nace a principios de los cincuenta en la Estación Naval Aérea de Quoinset
Point (Rhode Island) perteneciente al estado norteamericano de Nueva Inglaterra. Pero
solo permanecería allí hasta los seis años de edad, momento en que su familia se traslada
al sur de Florida.
Como sucede en otros muchos casos de guitarristas ilustres, Les Dudek comienza a tocar
la guitarra desde su adolescencia y es influenciado por grupos como Cream o Jimi Hendrix. Su trayectoria musical se
inicia formando parte de un elevado número de bandas, consiguiendo una gran reputación. El talento desbordante
de Les no pasa inadvertido para The Allman Brothers Band,cuando deciden contar con él – sobre todo Dickey Betts –
para colaborar en el histórico “Brothers And Sisters” de 1973, ya sin el legendario Duane Allman en sus filas.
Dudek nos dejó solos de guitarra inmortales, como en el inolvidable “Ramblin’ Man” y una colaboración acústica en la
célebre canción “Jessica”, de los Allman Brothers. Pero nunca obtuvo mérito reconocido, – especialmente por
parte Dickey Betts – con el que tuvo varias disputas a lo largo de los años por la composición de “Jessica”.
Les logró convertirse en un reputado guitarrista en el círculo de las bandas sureñas de entonces,
y posteriormente se integró con bandas y músicos como Boz Scaggs o Steve Miller. Finalmente
en 1976, la prestigiosa casa CBS se fijó en él para iniciar su carrera en solitario, primero con el
álbum“Les Dudek” y luego con éste su segundo y espléndido “Say No More”, que a día de hoy
podemos catalogar como un clásico en toda regla.
Producido por Bruce Botnick para la Columbia en 1977, el LP se grabó en los
emblemáticos Capitol Studios de Hollywood, donde se gestaron muchas de las mejores de
grabaciones de la historia. Incluye nueve temas compuestos por el propio Les, que van desde el
más puro rock sureño pasando por el blues rock e incluso otros temas con connotaciones jazz
rock o funk. Para la realización del LP, Les Dudek (guitarra y voz) contó con un gran elenco de músicos como Alan
Feingold, David Paich y Ted Straton (teclados), el genial bateríaJeff Porcaro, Gerald Johnson (bajo), Kevin Calhoun,
Reymondo y Pat Murphy (percusión), y un coro femenino de “ruiseñores” – tal y como indica en el interior del disco –
formado por Sherlie Matthews, Rebecca Louis, y Clydie King, entre otros muchos de sesión.
Dentro del elepé nos encontraremos con excelentes canciones como“Old Judge Jones” de
claro estilo sureño, un marcado funky “What´s It Gonna Be”, el exquisito y
dulce acústico “I Remember” o el aire jazzístico de “Zorro Rides Again”. Uno de los puntos
álgidos llegará con “Avatar”, tema imprescindible con fantásticos “solos” de guitarra, una
magnífica sección rítmica a la que acompaña con acierto el coro vocal.
En la portada del disco podemos contemplar una foto obra de David Stahl, en la que
aparece Les Dudek con su mítica guitarra Gibson Les Paul, al lado de la sobrina del popular actor Telly Savalas,
recordado por su papel en la serie “Kojack”.
Dudek continuó durante todos estos años participando en multitud de conciertos y publicando discos en solitario. Se
situó como un músico referente, que actualmente se mantiene en muy buena forma y nos deleita con su virtuosismo
a la guitarra.
49
John Lennon / The Plastic Ono Band – (Apple / Emi 1970)
Publicado por Ruben.Borrajo el 5 agosto, 2014
En abril de 1970, los Beatles eran ya oficialmente historia. Tras su separación, John
Lennon decidió involucrarse con The Plastic Ono Band para darle forma a este
revolucionario e íntimo disco con el que acrecentó todavía más su maravillosa leyenda. Y
es que podemos considerarlo como un vendaval de sentimientos y también como un canto
de frustración. Sus desgarradoras y profundas letras, hablan de los traumas infantiles
de Lennon, la religión, el amor o la problemática de la clase trabajadora.
Plastic Ono Band es el primer elepé en solitario de John Lennon. Fue publicado en
diciembre de 1970 por el sello EMI e incluye 11 pistas. Producido por el propio Lennon,
junto a Yöko Ono y el mítico Phil Spector, se grabó en los estudios Abbey
Road de Londres. Destacaremos que todas las canciones del álbum fueron compuestas por John Lennon, un genio
cuya creatividad no entiende de límites. En el año 2000 sale a la luz una nueva redición del disco, añadiéndose 2
pistas más“Power To The People” y “Do The Oz”.
Una obligada referencia, merecen los músicos de la Plastic Ono Band que tocaron al lado deLennon (guitarra, piano y
voz): Klaus Voormann (bajo), Billy Preston y Phil Spector (piano), Alan White (batería y percusión), Yöko
Ono (vientos) y Ringo Starr (batería).
“Mother”, canción que abre el LP y de elevada delicadeza musical, refleja la historia
personal de John Lennon en su niñez. Magistralmente elaborada se encuentra “Hold
On”, un tema suave impregnado por la peculiar voz de John y los nítidos instrumentos de
su banda. El rock and roll hace acto de presencia en “I Found Out”uno de los cortes más
“duros” del disco. “Working Class Hero” es todo un himno de la clase trabajadora.
Quizás, John trató de expresar que el rock and roll es el lamento que incomoda al rico.
“Isolation”, es una pista de excelente factura instrumental con un tranquilo y espléndido piano, al igual que
en “Remember” (cuidado con la explosión final). Seguidamente llegará “Love”, absolutamente conmovedora. Una vez
más, el rock and roll furioso hace acto de presencia en “Well Well Well”, a nuestro juicio uno de los temas más
impactantes del LP.
El punto álgido del LP es una joya llamada “God”, una de las canciones más importantes
en la carrera de Lennon y de la Plastic Ono Band. Para la posteridad quedará su
majestuoso estribillo: <<I don’t Believe in Jesus / I don’t Believe in Beatles / I don’t Believe
in Zimmerman / I just Believe in me / Yoko and me. >> Cierra el disco “My Mummy, s
Dead”, quizás una canción de cuna.
La curiosa portada del álbum, en la que podemos visualizar a Lennon en un bosque y acostado sobre el regazo
de Yöko Ono, ya forma parte de la extensa historia del rock.
Así concluye esta obra, cortesía de John Lennon. Aquellos cuatro cobardes balazos, no pudieron acabar con su
leyenda. Lennon perdió la vida, pero entró en la inmortalidad. Y discos como éste, son la mejor prueba de ello.
Gracias, John.
50
Led Zeppelin – Led Zeppelin IV (Atlantic – 1971)
Publicado por Ruben.Borrajo el 20 de Septiembre de 2014.
Hoy, 20 de septiembre de 2014, este blog cumple tres años de rock, desde que
dos ourensanos decidieron allá por 2011 darle forma para hablar de sus discos
favoritos. Durante este tiempo, hemos visto como otros muchos blogs se quedaron
atrás, algunos ya nos han olvidado y otros quizás, motivados por la pasión hacia la
música, se quedaron con nosotros para siempre.
En especial, queríamos agradecer a Gonzalo Aróstegui del blog Ragged Glory, e invitamos a que no dejéis de visitar sus respectivos espacios - , y a Aurelio de
historias del rock and roll, sus visitas a esta casa. Y en general, a todo aquel que
de vez en cuando se deja caer por aquí para echarle un vistazo a nuestros
artículos.
Así que, aprovechando este tercer aniversario, os traemos Led Zeppelin IV, un
clásico entre clásicos de esos que no pueden faltar en la estantería de todo amante del rock. Producido por Jimmy
Page, fue publicado el 8 noviembre de 1971, incluye 8 pistas y es el cuarto de estudio en la discografía del
memorable cuarteto británico (Robert Plant, voz, Jimmy Page, guitarra, John Paul Jones, bajo y John Bonham,
batería).
Ya han pasado más de cuarenta años de su publicación, pero sigue siendo tan
grande como el primer día. Sus geniales canciones ya forman parte de la extensa
historia del rock. Hits como “Black Dog” - atención a los riffs del maestro Jimmy
Page - o la demoledora introducción de batería de “Rock And Roll” a cargo de
John Bonham, nos demuestran el poderío de los Zeppelin en los albores de los 70.
Y si hay un tema de referencia obligada y el más famoso de los Zeppelin, ese es
“Stairway To Heaven / Escalera al Cielo”, una semi – balada que contiene uno de
los riffs de guitarra más célebres del rock, cortesía de Jimmy Page. Mucho y muy
variado se ha escrito sobre esta fantástica canción, así como la polémica que la
rodea. Acusaron al grupo de incluir mensajes satánicos en sus letras y de hacer
alusión al ocultismo. Fenómenos paranormales al margen, “Stairway To Heaven” es una de las canciones más
solicitadas por las emisoras de radio de todo el mundo, y también un punto de inflexión para el rock and roll.
Otros cortes imprescindibles que completan el disco son “Misty Mountain Hop”,
un bello “Going To California”, “The Battle of Evermore” y el aire bluesero de
“When The Levee Breaks”
Destacaremos la llamativa portada del elepé, así como el arte que se encuentra
en su interior. Una mención aparte, merecen los símbolos rúnicos que aparecen
en la funda, que se corresponden con los cuatro miembros de la banda.
Así concluye este disco sin título, etiquetado como “Led Zeppelin IV”, por los medios de comunicación. Porque ha
sido éste y no otro, el que catapultó a los Zeppelin hacia el estrellato internacional, convirtiéndoles en leyendas de la
historia musical contemporánea.
Hey, hey mama said the way you move / gon' make you sweat, gon' make you groove…
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