Download 4º ESO. La Música en el Cine

LA MÚSICA EN EL CINE
1º
Introducción
La música ha servido desde la antigüedad para realzar manifestaciones
humanas de todo tipo: sociales, políticas y religiosas. Desde su origen, la
música ha ido también indisolublemente ligada a otras manifestaciones
artísticas, como el ballet, la ópera, el teatro y el cine, con las que presenta
distintos tipos de relación: mientras que en el ballet o en la ópera la música
es un elemento imprescindible, en el cine o en el teatro se considera un arte
dependiente o accesorio, puesto que, a pesar de contribuir a enriquecerlas,
ambas formas de arte pueden perfectamente prescindir de ella.
Clasificación de la música cinematográfica
Por su relación con las imágenes a las que acompaña podemos clasificarla
en:
- Música viva o de pantalla: es la música que se oye como procedente de
una fuente presente o sugerida por la acción que transcurre en la pantalla:
una orquesta tocando en escena, un baile, una radio, un cantante, un aparato
de música o un instrumento musical.
- Música de ambientación o de fondo: es la música que acompaña o
comenta la acción y los diálogos sin formar parte de ellos, constituyendo la
parte sonora del decorado que nos ayuda a situar la acción de modo
cronológico, histórico y emocional.
Funciones de la música en el cine
La música puede cumplir en una película las siguientes funciones:
- Ambientar una historia en tiempo y lugar.
-Contribuir a la caracterización psicológica de los personajes, subrayando
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pensamientos no expresados o repercusiones no vistas de una situación.
- Servir como fondo neutro para los diálogos.
- Dar unidad a escenas que de otro modo parecerían inconexas.
- Delimitar, acompañando a los créditos iniciales y finales, la estructura
teatral de la obra.
Los comienzos de la música en el cine
Las primeras músicas que se escucharon en el cine eran tocadas en el
exterior de las salas, y servían para atraer al público y hacerle entrar. La
música se utilizaba en los primeros años del siglo XX como un elemento de
atracción y enganche.
Más adelante la música entró en las salas, en forma de pianista en las salas
más modestas (el mismo que hacía de organista de la misa dominical), o de
orquesta en las más grandes. En algunas salas americanas disponían de un
órgano Wurlitzer, de varios teclados, que tenía la posibilidad de realizar
multitud de efectos (sirenas, pájaros, disparos y varios instrumentos de
percusión, además del sonido del piano).
En las salas que sólo contaban con un pianista, éste tenía que tocar arreglos
de melodías conocidas (clásicas o de moda) que se adecuasen al carácter de
las escenas de la película que se estaba pasando, o bien utilizar alguno de los
repertorios de fragmentos musicales que circulaban, recopilados y
catalogados como "música de persecución", "temas de amor", "inminencia
de una tragedia", "batalla", "naturaleza", según las escenas a las que se
podían aplicar. Pocas veces se interpretaban partituras originales. Las
exigencias en cuanto al realismo de las interpretaciones eran diferentes de
las actuales: en las escenas musicales (música viva o de pantalla: ceremonias,
bailes, músicos tocando o cantantes), el público no esperaba oír el timbre
original de los instrumentos que aparecían en la imagen, sino un arreglo al
piano que evocase ese tipo de música.
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En las salas grandes que disponían de orquesta, los directores también
disponían de estas colecciones de fragmentos catalogados, pero después aún
quedaba la difícil tarea de encadenar unas secuencias con otras de forma
instantánea (algo bastante difícil de hacer con un grupo numeroso de
músicos). Poco tiempo después se empezó a pedir a los compositores que
crearan partituras originales para las películas, aunque únicamente las
grandes salas solían tener orquestas lo suficientemente importantes como
para ejecutarlas, con lo que en la práctica las películas se acompañaban con
una transcripción para piano o pocos instrumentos. La música cumplía, ya desde estos primeros momentos, dos funciones: una
colectiva (subrayar los puntos fuertes de la acción en la pantalla), y otra
individual (aislar a cada espectador en su relación con la película). A
menudo la música se utilizaba también durante el rodaje para inspirar a los
actores, creando un determinado ambiente emocional que les facilitaba la
interpretación de determinadas escenas.
El cine sonoro
A finales de los años 20, los departamentos musicales de las productoras de
cine tuvieron que empezar a contratar más personal, y el que ya había
asumió funciones nuevas. El director musical se convirtió en el personaje
más importante de los estudios, y añadió a sus funciones de seleccionador
de fragmentos preexistentes y arreglista de música ya escrita la de componer
fragmentos propios para los títulos de crédito, para los finales y para otras
escenas. Los directores musicales son los primeros en componer una música
auténticamente cinematográfica, en tanto que pensada específicamente para
las imágenes de una determinada película.
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Con los nuevos procedimientos inventados para fijar el sonido hacia
1926-27, el cine pasó de ser un arte cinematográfico (que fijaba el
movimiento) a convertirse en un arte cronográfico (que fijaba el tiempo).
Hasta ese momento la velocidad de la cinta no había sido normalizada, y
podía fluctuar ostensiblemente entre filmación y proyección (afectando, en
el caso del sonido, no sólo al ritmo, sino a la altura). Sin embargo, al
inventarse el cine con sonido grabado sincronizado se acabaron tales
fluctuaciones.
El cine sonoro fue concebido para difundir cada película con su música,
una música que ya no iba a variar según la sala o los medios, sino que
permanecería indisolublemente ligada a ella e idéntica (para bien o para
mal, como en el caso de las malas interpretaciones o las malas mezclas) para
siempre.
Los primeros sistemas de sincronización de sonido e imágenes, como el
Vitaphone, realizaron breves grabaciones de discursos, números y escenas
de ópera. El primer largometraje hablado de la historia fue El cantor de jazz,
de 1928, cuyo éxito decidió la continuidad del género. Esta película
alternaba elementos del cine mudo (diálogos resumidos en rótulos y música
de fondo) con algunos cantos religiosos y canciones sincronizadas
integradas en la acción, y presentaba una sola secuencia hablada.
Los años 30
La Warner Brothers es la primera productora que apuesta por el cine
sonoro. En estos años la música se utiliza para hacer la película más
completa: describir ambientes, caracterizar personajes, enlazar secuencias.
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Se concibe como una sinfonía que está presente durante todas las escenas,
con un tema principal destacado y diferentes leitmotiven para cada uno de
los protagonistas. Al igual que en las oberturas de las óperas, en la música
que acompaña a los títulos de crédito se sintetiza el carácter de la película.
En esta década muchos compositores europeos han llegado a Estados
Unidos escapando del ascenso del régimen nazi. Dos de ellos: Erich
Wolfgang Korngold y Max Steiner, son fichados por la productora y para ella
crearán las mejores bandas sonoras de la década. En Europa, Francia se
pone a la cabeza de la composición cinematográfica con la música creada
para el cine por los compositores del grupo de los seis para las películas de
René Clair, Jean Cocteau y André Malraux. Alemania pierde el papel
protagonista que había tenido en los comienzos, pues la mayor parte de sus
compositores se exilian voluntariamente a los Estados Unidos. En Rusia hay
que destacar los trabajos de Dmitri Shostakovich y Sergei Prokofiev, que
como principales compositores nacionales colaboran en un arte de interés
estatal. En Gran Bretaña colaboran con el cine los compositores Benjamin
Britten y William Walton.
Lo que el viento se llevó fue una película que marcó toda una época. Estrenada
en 1939, su música es quizá la banda sonora más popular de la historia del
cine. La compuso Max Steiner con la colaboración de los cinco mejores
orquestadores del Hollywood de entonces. 5
Los años 40
En la década de los cuarenta se han solucionado muchos de los problemas
técnicos (fotografía, montaje) del arte cinematográfico y se consolida la
creación de bandas sonoras. Es la época dorada de Hollywood. La pista de
sonido tiene ahora tres bandas: una para el ruido ambiental, otra para la
música y una tercera para el diálogo. Los compositores crean la partitura
una vez ha terminado el rodaje y dirigen a la orquesta mientras la película es
proyectada en una pantalla tras ella, después son los montadores musicales
quienes se encargan de los ajustes. Varios compositores de música sinfónica se interesan por el cine y
componen bandas sonoras, es el caso de los americanos Aaron Copland y
Virgil Thomson o del francés George Antheil.
Las bandas sonoras de esta década están dominadas por el uso del
leitmotiv. Es una época, tanto en Europa como en América, de vuelta a los
modelos clásicos, y de desorientación en todos los terrenos como
consecuencia de la II Guerra Mundial.
La partitura de Cumbres Borrascosas (1939, William Wyler), de Alfred
Newman, contiene numerosos leitmotiven, como el de Cathy, la protagonista
femenina, el de Cumbres Borrascosas o el de la desesperación de Heathcliff.
El primero es uno de los temas más populares de la historia de las bandas
sonoras.
En Ciudadano Kane (1940, Orson Welles), Bernard Herrmann expresa
magistralmente el misterio que rodea Xanadú, la mansión de Kane. La
música se articula en breves secciones, utilizando algunos leitmotiven: el
Poder y Rosebud, que aparecen varias veces a lo largo de la obra. En
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algunos momentos la música nos sirve para situar la acción en unas
determinadas coordenadas temporales o anímicas: el ragtime que se oye
cuando llega como propietario al Inquirer o el vals de los desayunos con su
primera esposa, que se va haciendo más disonante a medida que las
relaciones del matrimonio empeoran.
Los años 50
Hay dos elementos nuevos en el cine de esta década:
- Se concede mayor importancia a la música de los títulos de crédito, que se
alargan considerablemente. A menudo se utiliza para ello una canción, de
otro compositor, que luego debe aparecer como música de fondo en la
película, lo que molesta a algunos creadores de bandas sonoras. Estas
canciones se hacen tremendamente populares.
- El jazz se incorpora a las películas, como estilo musical más apropiado para
expresar determinados ambientes turbios y sentimientos obsesivos de los
protagonistas que el estilo sinfónico derivado de la música europea del XIX. En esta época aparece el Cinemascope como medio para contrarrestar la
creciente competencia de la televisión, y el cine se interesa por
producciones espectaculares, ambientadas en lugares exóticos o remotos en
el tiempo. De ahí el exotismo de algunas bandas sonoras, que recogen,
transforman y adaptan todo tipo de melodías populares, desde temas
mejicanos (Viva Zapata, de Alex North) hasta árabe-israelitas (Éxodo, de
Elmer Bernstein).
Entre los compositores americanos, empiezan a destacar en esta década
Elmer Bernstein y Alex North. Malcolm Arnold, británico que trabajó en
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Hollywood. Entre los europeos sobresalen Georges Delerue (que formó una
simbiosis perfecta con el director François Truffaut), discípulo de Darius
Milhaud, y Nino Rota (inseparable del director Federico Fellini).
Un tranvía llamado Deseo, dirigida por Elia Kazan en 1951, se sitúa en Nueva
Orleáns, cuna del jazz, lo que probablemente animó a Alex North a emplear
este tipo de música en su banda sonora. Él fue el precursor, pero le
siguieron Elmer Bernstein con El hombre del brazo de oro (1955) o el propio
Duke Ellington con Anatomía de un asesinato (1959).
Gracias a la partitura de El puente sobre el río Kwai, 1957, Malcolm Arnold
consiguió un Óscar y se trasladó a Hollywood.
Los años 60
La década de los 60 está marcada por dos tendencias opuestas: se inicia con
el auge de las películas espectaculares con bandas sonoras complejas y
suntuosas, tendencia que ya venía de la década anterior (Espartaco, BenHur y Éxodo son películas de los años 59-60), sobre todo en el cine
americano; por otra parte, como reacción a ello, se da en el cine europeo un
creciente interés por las películas de temática más cercana, que tratan los
problemas de la gente de la calle, en las que directores y compositores se
sienten más libres para innovar.
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Henry Mancini es la estrella indiscutible de la década, con partituras como
Desayuno con diamantes o La Pantera Rosa. Con la primera de ellas impone la
moda de que una canción, sin relación con la trama argumental, se repita
varias veces a lo largo de la película a modo de leitmotiv, acompañando a
imágenes con las que nada tiene que ver. La crisis de los valores
tradicionales y la renovación de los mismos impulsada por la juventud
heredera del mayo del 68, junto al auge de la música popular, cuyos
máximos representantes fueron The Beatles, y de la canción folk en los años
siguientes, convertirá a esta moda en una constante, hasta que en los años
finales de la década la banda sonora entra en decadencia, sustituida por un
conjunto de canciones que, sin guardar ninguna relación con las imágenes,
acaban adueñándose de las escenas. Henry Mancini fue también el primer compositor que, previendo el éxito de
las bandas sonoras como objeto independiente de las imágenes para las que
se crearon, pensó en la mejor manera de presentarlas al oyente en forma de
disco, reorquestando y modificando los temas para hacerlos más atractivos.
En el cine europeo de la época destaca época Italia, con el compositor
Ennio Morricone, músico prolífico de producción irregular en cuanto a su
calidad pero de indudable interés. Sus trabajos más conocidos son sus
bandas sonoras para los spaghetti western de Sergio Leone. Maurice Jarre,
el más destacado compositor francés, trabajó en la época de mayor
decadencia de Hollywood, en una carrera en la que se puede destacar la
música para las películas Lawrence de Arabia (1963) y Doctor Zhivago (1965),
por las que consiguiò sendos Óscars. En Japón podemos mencionar al
compositor Toru Takemitsu, con preferencia por la música electroacústica,
que colabora con el director Akira Kurosawa.
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Desayuno con diamantes (1962) es la primera colaboración importante entre el
director Blake Edwards y Henry Mancini. El tema principal de la película,
Moonriver, aparece varias veces en distintas situaciones: tocado en la guitarra
y cantado por la protagonista, o como música de fondo en distintas
situaciones, hasta su apoteosis final con coros en la escena final.
El bueno, el feo y el malo (1966) es quizá la colaboración más importante entre
Sergio Leone y Ennio Morricone. En la banda sonora de esta película se
combinan instrumentos tradicionales (guitarra, flauta, trompeta y percusión)
con silbidos y voces, de una forma muy original. La película lanzó al
estrellato a un actor de televisión casi desconocido: Clint Eastwood.
Los años 70
Cuando ya parecía que el concepto tradicional de banda sonora había
pasado a la historia, y que la música en el cine había dejado de cumplir las
funciones para las que había nacido, sustituida por las canciones, a
mediados de los años 70 se produce un redescubrimiento de la música
sinfónica de la mano del que será el compositor más popular del género de
todos los tiempos, John Williams. Williams no muestra ningún interés por
los avances tecnológicos y sus posibilidades de conseguir nuevos efectos y
sonidos gracias a los sintetizadores; sus partituras son, como la música
cinematográfica de los años 40, en la que se inspiran, plenamente
sinfónicas. Su obra maestra es la banda sonora de La guerra de las galaxias
(1975), que ha sido imitada hasta la saciedad.
Jerry Goldsmith ha sido el único compositor que ha podido rivalizar con
John Williams, y para algunos críticos es mejor que él, sobre todo por la
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regularidad y calidad del conjunto de su obra, en la que no hay altibajos. Su
versatilidad se adapta a cualquier género o argumento, y a los estilos estilos
más diversos, desde el melodismo más clásico hasta el lenguaje atonal. Tiburón (1975) hizo ganar a John Williams su primer Óscar como
compositor, y es la segunda de una larga serie de colaboraciones con Steven
Spielberg. El siniestro tema que aparece cada vez que el tiburón está cerca
hace que el espectador tome conciencia del peligro y, a la vez, cuando el
tema no se escucha, el ataque del escualo provoca una sorpresa doble, visual
y auditiva. La música de este fragmento está inspirada en los Augurios
primaverales y Danzas de los adolescentes del ballet La consagración de la
Primavera (1913) del compositor ruso Igor Stravinsky.
Para la música de Alien, el octavo pasajero (1979), película dirigida por Ridley
Scott, Jerry Goldsmith se inspiró en el impresionismo de Debussy y Ravel,
especialmente en el ambiente de acordes que el primero creó en Nuages,
uno de sus nocturnos para orquesta, cuyo vocabulario utiliza Goldsmith
para crear el tema que asocia al espacio, al vacío. También se observan
influencias de las instrumentaciones de Ravel y de las composiciones de
Xenakis y Penderecki de los años 60 y 70.
Los años 80
En la década de los 80 los sintetizadores dominan la banda sonora. Sus
partidarios citan entre sus ventajas frente a los instrumentos y orquestas
tradicionales que su uso abarata los costes de producción, y que son capaces
de reproducir cualquier sonido, lo que los hace especialmente útiles cuando
se trata de ambientar películas exóticas. La década se inicia con el Óscar
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para Vangelis por Carros de fuego (1981) y continúa con las contribuciones de
Maurice Jarre El año que vivimos peligrosamente (1983), Único testigo (1985) y
Gorilas en la niebla (1988).
Otra corriente importante es la de los compositores minimalistas,
representada por el americano Philip Glass y el británico Michael Nyman,
especialistas en repetir una y otra vez las mismas frases musicales con
mínimas variaciones, lo que en ocasiones resulta bastante monótono. Entre los compositores de estilo más conservador, hay que citar al británico
John Barry, quien se había dado a conocer en la década de los 60 con la
música para la serie sobre James Bond. Sus años de mayores éxitos son los
comprendidos 1964 a 1972, entrando después en un periodo de decadencia
que finalmente se recupera en los 80 gracias a las bandas sonoras de
Memorias de África (1985) o Bailando con lobos (1990). Su estilo es barroco en
la orquestación y muy característico por sus amplias melodías. James
Horner también merece ser destacado en este apartado. Evangelos Papatanassiaou (Vangelis) es un músico griego de formación
autodidacta que adquirió reconocimiento mundial por la banda sonora de
Carros de fuego (1981), por la que recibió un Óscar. Componer con
instrumentos electrónicos le permite ser el responsable total de su música,
pues él crea los temas, los arregla, y los interpreta. En esta película cada uno de los atletas rivales está caracterizado por un
tema, se ha convertido en un clásico que conocen incluso quienes no han
visto ni saben de qué trata la película.
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Los años 90 y el panorama actual
En los últimos años se puede hablar de una fusión de estilos en el cine
norteamericano. Frente a compositores que continúan haciendo partituras
sinfónicas, la mayor parte de ellos aprovechan las posibilidades de los
sintetizadores para conseguir nuevos timbres y efectos. Por otra parte, la
tendencia a incluir canciones comerciales interpretadas por los grupos de
moda del momento continúa aumentando hasta conseguir relegar la música
incidental a un segundo plano, con el resultado de que la mayor parte de las
veces las escenas se acompañan de canciones que nada tienen que ver con
las imágenes (pero que ayudan a las ventas). Películas como Pretty Woman
(1990) o El guardaespaldas (1992) son ejemplos de esta tendencia, que se
había iniciado ya en los años 60, llevada hasta el extremo. Además de los grandes maestros que continúan en activo, como Jerry
Goldsmith, John Williams o Elmer Bernstein, van destacándose otros
nuevos, como James Horner (Titanic, 1997), Danny Elfman (El planeta de los
simios, 2001), Howard Shore (El señor de los anillos, 2001-3) o Hans Zimmer,
de origen alemán (Gladiator, 2000).
El cine de animación se preocupa en esta década por la música de sus
títulos, solicitando el trabajo de algunos de los mejores compositores, como
Alan Menken, que recibe ocho Óscars por sus trabajos, entre los que
merecen destacarse La bella y la bestia (1991), Aladdin (1992) y Pocahontas
(1995), Hans Zimmer, con la música para El príncipe de Egipto (1998) y El rey
león (1994), y Michael Giacchino, autor de la de Los increíbles (2004).
Entre los compositores europeos encontramos a algunos de los que
conocemos de las décadas anteriores, que siguen creando obras maestras,
como Ennio Morricone, John Barry o Michael Nyman, junto a nombres
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nuevos que empiezan a despuntar, como el italiano Nicola Piovani (La vida es
bella, 1997).
Batman (1989), Eduardo Manostijeras (1990), Charlie y la fábrica de chocolate
(2005) y La novia cadáver (2005) son algunas de las colaboraciones entre el
director Tim Burton y el compositor Danny Elfman.
En la banda sonora de Forrest Gump (1994), se combina la utilización de la
música incidental de Alan Silvestri para enfatizar los momentos más
emotivos de la película con un recorrido por la música popular que marcó
las etapas de la vida del protagonista, testigo de algunos de los momentos
más importantes de la historia reciente de los EEUU. Aparecen así
canciones de The Beach Boys, The Doors, Elvis, Joan Baez, The Mamas &
The Papas o Simon & Garfunkel, en esta ocasión plenamente justificadas.
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CUESTIONARIO.
1º
Introducción
1º Indica qué función ha cumplido la música desde la antiguedad.
2º ¿Qué distintos tipos de relación muestra la música con las diferentes manifestaciones
artísticas?
3º ¿Cómo podemos clasificar la música cinematográfica?
4º ¿Qué funciones puede cumplir la música en una película?
Los comienzos de la música en el cine
1º ¿Con qué finalidad se comenzó a interpretar música en el cine?
2º ¿Qué era un “órgano Wutlizer”?
3º¿Cuál era la función de los pianistas?
4º ¿Qué funciones cumplía la música en estos primeros momentos?
El cine sonoro
1º ¿Cuál era el trabajo de un director musical?
2º ¿Qué cambios introdujeron los nuevos procedimientos inventados para fijar el sonido
hacia 1926-27?
3º Explica qué era el “Vitaphone”
4º ¿Por qué es famosa la película “El cantor de jazz”?
2º
Los años 30
1º ¿Cuál fue el papel de la Warner Brothers en estos años?
2º ¿Por qué Max Steiner abandonó Alemania en estos años?
3º “Lo que el viento se llevó “ fue la principal película de los años 30, explica por qué.
3º
Los años 40
1º ¿Cómo evoluciona la pista de sonido en esta época?
2º Relata el proceso de creación de una partitura musical.
3º ¿Qué caracteriza a la partitura de Cumbres Borrascosas? Escribe el nombre de su autor.
4º Explica alguno de los recursos musicales que utiliza Bernard Herrmann en Ciudadano
Kane (1940, Orson Welles)
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4º
Los años 50
1º ¿Qué novedades musicales se introducen en el cine de los años 50?
2º ¿Por qué se introdujeron melodías populares exóticas en est época?
3º Qué caracteriza la música de las siguientes películas:
Viva Zapata.
Éxodo.
Un tranvía llamado deseo.
5º
Los años 60
1º Describe las dos principales tendencias argumentales del cine de esta época.
2º ¿Quién fue el compositor estrella de esta época? Escribe dos películas en las que
trabajó.
3º ¿Qué ocurre en las bandas sonoras de los años finales de los 60?
4º Escribe el nombre de los compositores de las siguientes bandas sonoras y describe
qué las caracteriza.
El bueno, el feo y el malo.
Desayuno con diamantes.
5º
Los años 70
1º ¿Quién es el principal compositor de bandas sonoras en estos años? Describe qué
caracteriza su música y escribe el nombre de su principal banda sonora.
2º ¿Qué músicas influyeron a John Williams en la composición de la banda sonora de
Tiburón?
3º ¿Qué otro compositor destaca en estos años?¿cuál es su principal banda sonora?
6º
Los años 80
1º ¿Qué instrumento domina esta época? Explica porqué.
2º ¿Qué ventaja le reporta a Vangelis componer con instrumentos electrónicos?
7º
Los años 90
1º ¿Qué estilos musicales dominan el trabajo de los compositores de estos años?
2º ¿Quién es el principal compositor de cine de animación de los años 90? Escribe el
nombre de las principales bandas sonoras de este autor.
3º ¿Por qué es famoso Danny Elfman?
4º ¿Qué caracteriza la banda sonora de Forrest Gump?
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