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Música
La Edad Media
Cristina Cid, Alejandra Díaz,
Tatiana Aguado, Pablo
Aparicio y Miguel Abreu
La Música en los monasterios
La Música en los monasterios
• En la Edad Media los monjes compusieron música en latín para las misas.
• El Papa GregorioI unificó la música de los actos religiosos unos cantos sin instrumentos
en latín conocidos actualmente como el canto gregoriano.
La Música en la corte
Música en la corte
Además de música religiosa existían:
• Juglares: Iban de pueblo en pueblo cantando por las calles, contando historias y
haciendo trucos de magia. Usaban instrumentos en sus canciones.
• Trovadores: Eran unos músicos más cultos en comparación con los juglares.
Cantaban canciones de amor en castillos y palacios. Al igual que los juglares usaban
instrumentos en sus cantos
Vídeo
http://www.youtube.com/watch?v=vArNf76XxYo
La Música en el Renacimiento
Introducción
La música del Renacimiento o música renacentista es la música clásica
europea escrita durante el Renacimiento, entre los años 1400 y 1600,
aproximadamente. Las características estilísticas que definen la música
renacentista son su textura polifónica, que sigue las leyes del contrapunto, y está
regida por el sistema modal heredado del canto gregoriano
Entre sus formas musicales más importantes se encuentran
la misa y el motete en el género religioso, el madrigal,
el villancico y la chanson en el género profano, y las danzas,
el ricercare y la canzona en la música instrumental.
Los compositores más destacados de este periodo
son Josquin Desprez, Palestrina, Orlando di Lasso y Tomás
Luis de Victoria.
El periodo se divide cronológicamente en 5 etapas , según la
Generación más importante de cada una de ellas
Los tipos de instrumentos eran de cuerda, de teclado y de viento
Géneros y Formas Musicales
Música Religiosa
Durante este período la música religiosa tuvo una creciente difusión, debida a la
exitosa novedad de la impresión musical, que permitió la expansión de un estilo
internacional común en toda Europa (e incluso en las colonias españolas en
América). Las formas litúrgicas más importantes durante el Renacimiento fueron la
misa y el motete
La misa
La misa cubría el ciclo del ordinario (Kyrie, Gloria, Credo,
Sanctus-Benedictus y Agnus Dei) y se le solía dotar
de unidad al basarse en melodías o cantos preexistentes
El motete
El motete renacentista era una pieza polifónica de texto
sacro y en latín. En el motete el autor generalmente creaba
material puramente original, sin tomar préstamos ajenos
como en la misa. Ejemplos sobresalientes de motete
renacentista son el Ave María de Josquin o
el Lamentabatur Jacob de Morales.
«Missa alma redemptoris» de
Tomás Luis de Victoria
Música Vocal Profana
Un gran número de impresos y cancioneros
manuscritos nos han hecho llegar el amplísimo
repertorio polifónico profano renacentista. Aquí
sí es posible reconocer formas peculiares de cada
país:
En Italia, la villanella, la frottola y el madrigal.
En España, el romance, la ensalada y el villancico.
En Francia, una vez superadas las formas fijas medievales aún vigentes en la escuela
borgoñona (rondeau, virelay, ballade) se creó la peculiar chanson polifónica parisina.
En Inglaterra se imitó el estilo madrigalístico italiano, apareciendo hacia 1600 la canción
con laúd isabelina.
Hacia el final del período aparecen los primeros antecedentes dramáticos de la ópera tales
como la monodia, la comedia madrigal y el intermedio
Música Instrumental
Eran habituales los conjuntos domésticos
de instrumentistas aficionados.
Frecuentemente esos músicos amateur (e
incluso muchos profesionales) eran
incapaces de leer la notación musical
convencional, por lo que la música
instrumental solía escribirse en un
sistema de escritura peculiar para cada
instrumento, llamado tablatura
Las principales formas instrumentales de la época fueron:
• Formas derivadas de modelos vocales: al tocar habitualmente los instrumentistas
piezas vocales, compusieron formas similares, sin texto: del motete derivaron piezas
polifónicas imitativas, llamadas ricercare, fantasía o tiento, mientras que de la
chanson derivó la canzona, generalmente más viva y más dividida en secciones que
los anteriores.
• Danzas: una de las funciones tradicionales
de los instrumentistas era, naturalmente, el
acompañamiento de la danza. Solían estar
escritas a cuatro voces, en una sencilla
textura homofónica como la bajadanza,
la pavana, la gallarda, la alemanda o
la courante.
• Formas improvisatorias: los músicos anotaban a veces sus improvisaciones más
logradas. Podía tratarse bien de puras improvisaciones para un instrumento
polifónico (toccata, preludio, de nuevo tiento), bien de variaciones melódicas
ornamentales sobre una o varias voces de un modelo vocal preexistente (recercada,
disminuciones) o bien de largas series de variaciones sobre un basso ostinato muy
conocido, como la romanesca, el Conde Claros, el passamezzo antiguo o
el passamezzo moderno
Generaciones y Escuelas
Los dos siglos abarcados por el estilo renacentista suelen ser históricamente divididos
en cinco generaciones de compositores
• Primera generación: las escuelas inglesa y borgoñona (1410-1450). Es en esta época
cuando fueron gradualmente establecidas las reglas del contrapunto académico.
Los más notables autores de este tiempo estuvieron en la órbita del ducado de
Borgoña (que incluía también tierras de las actuales Holanda, Bélgica y el norte de
Francia), como Guillaume Dufay y Gilles Binchois
• La segunda generación franco-flamenca (1450-1480). En la generación de Antoine
Busnois y Johannes Ockeghem se afianzaron las nuevas reglas del contrapunto,
consolidándose la polifonía imitativa
• La tercera generación franco-flamenca: el estilo internacional (1480-1520).
Durante las décadas de inicio del siglo XVI la convención musical de un tactus
(pensemos en el moderno compás) de dos semibreves=una breve comenzó a ser tan
común como el de tres semibreves=una breve, como había sido habitual hasta
entonces
• La cuarta generación (1520-1550). Es en esta época cuando se consolidan los
estilos locales de la música profana
• La quinta generación (1550-1600). En este período, el tactus era generalmente de
dos semibreves por breve, con tres por breve para los efectos especiales
Instrumentos
Cada familia instrumental fue utilizada para funciones sociales específicas: así,
los de cuerda pulsada y frotada se utilizaban en el ámbito doméstico (tocados por
músicos profesionales para la aristocracia o directamente por aficionados
burgueses), los de viento madera en bandas, habituales en la iglesia y en actos
civiles, y los de viento metal quedaban reservados para actos sociales de la
nobleza. Tocar un instrumento pasó de ser una tarea propia de menesterosos a ser
vista como refinado entretenimiento de nobles
Los tipos de instrumentos del Renacimiento se clasifican en tipos:
• Instrumentos de cuerda:
o Familia Violas di gamba, fue uno
de los medios principales de la
música doméstica y también fueron
usadas como instrumento solista
para glosar e improvisar
La familia de la viola da gamba
o
o
Familia de los Violines, solían usarse para acompañar las danzas. Andrea
Amati estableció entonces la forma del violín actual.
Familia de los Laúdes, se usaban como instrumento solista. Solían intrepretar
reducciones de polifonía en tablatura para uso casero
• Instrumentos de teclado:
o Clave, Solían usarse también en
las casas de la nobleza y la
burguesía
o Clavicordio, El mecanismo era
un tanto similar al del piano
actual, pero su sonido era muy
débil
o Órgano siguió siendo el
instrumento de iglesia por
excelencia, alternando,
sustituyendo o apoyando a la
polifonía vocal
Clavicordio renacentista
• Instrumentos de Viento:
o Corneta (o cornetto): instrumento con embocadura en forma de copa, a la manera de
la trompeta, pero cuerpo de madera con agujeros, como las flautas. Solían tocar las
voces agudas y destacaban en la disminución.
o Chirimías: instrumentos de doble lengüeta (antecesores del oboe actual) y gran
variedad de tallas.
o Sacabuches: muy similares a los trombones
actuales aunque de boquilla y pabellón algo más
pequeños. Solían tocar las voces intermedias.
o Bajón: predecesor del fagot, solía tocar la línea
del bajo junto a la capilla vocal para mantener
la afinación.
La familia del bajón
Los compositores más destacados
Entre los compositores más destacados de este periodo se hallan Josquin
Desprez, Palestrina, Orlando di Lasso y Tomás Luis de Victoria.
Tomás Luis de Vitoria
Orlando di Lasso
Josquin Desprez
Palestrina
La Música en el Barroco
Introducción
La música barroca o música del Barroco es el estilo musical europeo, relacionado con
la época cultural homónima, que abarca aproximadamente desde el nacimiento de la
ópera en torno a 1600 hasta la muerte de Johann Sebastian Bach, en 1750.
Es uno de los estilos de la generalmente llamada música clásica o culta europea,
antecedido por la música del Renacimiento y seguido por la música del Clasicismo.
Caracterizada por la aparición de la tonalidad y el uso del bajo continuo, la barroca
fue la época en la que se crearon formas musicales como la sonata, el concierto y la
ópera.
Entre los músicos del Barroco destacan Johann Sebastian Bach, Georg Friedrich
Händel, Antonio Vivaldi, Domenico Scarlatti, Georg Philipp Telemann, JeanBaptiste Lully, Arcangelo Corelli, Claudio Monteverdi, Jean-Philippe Rameau y
Henry Purcell.
Las principales características comunes de la música de la época barroca son:
• La polarización de la textura hacia las voces extremas (aguda y grave). Aunque se
sigue escribiendo música a cuatro y cinco voces, se destacan la voz superior y el
bajo, abreviándose la escritura de las intermedias en el llamado bajo continuo; esta
textura suele llamarse bipolar o de monodía acompañada.
• La presencia obligatoria del bajo continuo: junto a la
línea melódica más grave (el bajo) se escriben unas
cifras que resumen la armonía de las voces superiores.
El bajo continuo era interpretado habitualmente por
uno o varios instrumentos melódicos graves
(violoncello, viola da gamba, fagot...) más un
instrumento armónico que improvisaba los acordes
(clave, órgano positivo, laúd, arpa...).
• El desarrollo de la armonía tonal, en la que el
movimiento melódico de las voces queda supeditado a
la progresión de acordes funcionales, armados desde el
bajo continuo.
• El ritmo del propio bajo establece un compás claro y sencillo (sea binario o
ternario), muy uniforme, incluso mecánico.
• El desarrollo de un lenguaje instrumental propio diferenciado del vocal, con
adaptación de la escritura musical a cada tipo de instrumento (escritura
idiomática). En los teatros de ópera aparece la orquesta, con predominio de
instrumentos de cuerda frotada, base de la actual orquesta sinfónica.
• La aparición de nuevas formas vocales e instrumentales: la ópera, el oratorio y
la cantata entre las primeras, y el concierto, la sonata y la suite entre las
segundas.
• El gusto por los fuertes contrastes sonoros (entre coros, entre familias
instrumentales o entre solista y orquesta), materializado en la policoralidad y
el «estilo concertante», por oposición a la uniformidad de texturas y timbres
habitual en el Renacimiento.
• El amplio espacio dejado a la improvisación, tanto en obras libres como en las
ya escritas, en forma de ornamentación.
Etapas
En cuatro etapas se divide el Barroco musical, cada una de diferentes características
• El Barroco temprano (1580-1630). La policoralidad, típica de la música religiosa,
en la que una sola voz aguda concentra todo el interés musical
• El Barroco medio (1630-1680). La nueva ópera pasó de ser un espectáculo
aristocrático a entretenimiento de las capas altas de la clase media, gracias a la
libre compra de entradas en los teatros napolitanos y venecianos
• El Barroco tardío (1680-1730). La plena adopción de las fórmulas tonales, a
partir de la escuela boloñesa y La extensión del estilo de concierto, aplicado a la
ópera y a la música instrumental
• La transición al Clasicismo (1730-1750). A finales del Barroco hay varias
tendencias estéticas: el estilo galante francés desde 1730, el desarrollo en Italia
de la ópera buffa, la sonata y la sinfonía, y el estilo sentimental (Empfindsamer
Stil) alemán; Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788), uno de los hijos de Johann
Sebastian Bach, es considerado el padre de la sonata clásica
Géneros y Formas Musicales
Música Vocal
• La ópera: La ópera se impuso como el gran espectáculo de la época en toda
Europa: además de en toda Italia, se representaron regularmente en lugares como
Viena, Londres, Hamburgo, Dresde, Hannover, Múnich y París. Con la notable
excepción de Francia, el italiano siguió siendo el idioma de los libretos, y la
temática casi siempre mitológica: era la llamada opera seria, arena del triunfo de
los compositores con pretensiones de éxito del Barroco
• El oratorio: solía tener una temática religiosa y no era escenificado (esto es, era
ejecutado al modo de las actuales "versiones de concierto"). A diferencia de la
ópera, casi siempre en italiano, los oratorios solían escribirse en lengua vernácula.
El más famoso ejemplo es El Mesías, de Händel
• La cantata: La asunción de la monodia, el recitativo y el estilo concertante por la
música de iglesia dio lugar a una nueva forma musical, la cantata, obra de uso
litúrgico que intercalaba sinfonías instrumentales, recitativos, arias y coros
• El motete: ciertas composiciones religiosas corales escritas a varias voces iguales
Música Instrumental
• Formas solísticas: preludios, tocatas, fantasías y fugas. Los preludios, fantasías o
tocatas son piezas para un instrumento solista (generalmente de teclado) de carácter
improvisatorio
• La sonata. Composición para ser "sonada", esto es, para uno o dos instrumentos (sonata a
solo o sonata en trío, respectivamente) más el habitual bajo continuo
• El concerto grosso. Música escrita a tres o cuatro voces (esto es, en partitura de tres o
cuatro pentagramas) podía ser interpretada por un conjunto de hasta quince o veinte
músicos
• La suite. Una suite es una sucesión de movimientos o piezas de danza que se interpretan
seguidas (en francés, suite). Su secuencia mínima clásica incluía Allemande, Courante,
Zarabanda, Giga, Minué y Rondó.
Instrumentos
El Barroco fue una época de esplendor para muchos instrumentos, como por
ejemplo el violín, el clavecín y el órgano; se cultivó intensamente la música de
cámara para grupos instrumentales
En esta época, el clavecín, el órgano y
la viola da gamba y el laúd (ya muy
presentes en el Renacimiento) vivieron
su gran época dorada a nivel técnico,
interpretativo y compositivo
La etapa final del Barroco (1700-1750) será el cenit y el ocaso del clavecín y la viola
da gamba que en la segunda mitad del siglo XVIII caerán en el olvido y quedarán
totalmente olvidados, ya en la época clásica, por sus descendientes, el violín, el
violonchelo y el pianoforte.
Instrumentos
• El órgano: El órgano tuvo ilustres exponentes
en toda Europa en el principio del período,
donde su música empieza a conocer su edad
dorada por su destacable calidad.
• El clavecin: J. S. Bach es quizá el compositor más
destacado de todo el período, donde sus obras El clave
bien temperado (BWV 846-893), las Variaciones
Goldberg (BWV 988) y El arte de la fuga son un antes y
un después de la música de teclado en general y la cima de
la literatura clavecinística barroca. Bach, aunque en su
época no fue muy reconocido, dejó tras de sí un gran
repertorio de preludios con fugas de suma importancia.
Los compositores más destacados
La inmensa mayoría de los compositores de la época barroca trabajaban al servicio de
mecenas pertenecientes a la alta aristocracia o al alto clero: reyes, príncipes alemanes,
cardenales, arzobispos o instituciones religiosas de posibles (como catedrales o conventos
notables)
• Italianos: Claudio Monteverdi (15671643), Antonio Vivaldi (16781741), Domenico Scarlatti (1685-1757)
• Alemanes: Dietrich Buxtehude (16371707), Heinrich Ignaz Franz von
Biber, Johann Sebastian Bach (1685-1750)
como uno de los compositores más
importantes de la música universal
Antonio Vivaldi
Johann Sebastian Bach
Los compositores más destacados
• Ingleses: Georg Friedrich Händel (1685-1759),
alemán que vivió en Inglaterra
Georg Friedrich Händel
• Franceses: El estilo se consolida con Jean-Baptiste
Lully (1632-87),
• Españoles: En España sobresalieron Gaspar
Sanz, Juan Cabanilles, Antonio de Literes, el Padre
Soler, Juan Hidalgo, Sebastián Durón, José
Marín, José de Nebra, Francisco Corselli, José de
Torres, Jaime Facco, Joaquín García de
Antonio y Tomás de Torrejón y Velasco. Por
entonces vivieron en España, donde compusieron la
mayor parte de sus obras, los italianos Domenico
Scarlatti y Luigi Boccherini
Luigi Boccherini
Obras del Barroco
Las obras más representativas de la música barroca, clasificadas por año y
compositor son:
Recapitulación de el Barroco
Compositores famosos desde la Edad Moderna hasta hoy