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LA MÚSICA EN EL RENACIMIENTO
INTRODUCCIÓN HISTÓRICA Y CULTURAL
La palabra Renacimiento proviene del verbo “renacer”, que
significa “revivir”, “volver a nacer”. De ahí que se denomine
Renacimiento al periodo de la historia europea que a va desde
1450 a 1600 en el que hubo un vivo interés pro el resurgimiento
del aprendizaje de los valores culturales y artísticos de la
Antigüedad Clásica de Grecia y Roma.
Se trata de una época de cambios en al que le hombre investiga
todo lo que encuentra a su alrededor, buscando nuevos
horizontes. Es el tiempo de los GRANDES VIAJES con el
objetivo de descubrir nuevos mundo. Tenemos a Colón y a
Mapa de Ortelius que alude a la expedición de
Magallanes-El Cano, el primero de los cuales llegó a América,
Magallanes y Elcano. Año 1589
mientras que los segundo, fueron los primeros en dar la vuelta al
mundo.
También se realizaron numerosas investigaciones científicas por parte de
personajes como Copérnico, Kepler, Galileo o Giordano Bruno entre otros.
Estas llevan un cambio de centro del universo en el que Sol desbanca a la
Tierra como centro del universo (heliocentrismo frente a geocentrismo).
Este cambio de centro de gravedad se extienda al pensamiento, de forma
que también el hombre desbanca a Dios como centro de las preocupaciones
humanas. Este cambio de interés tan importante hace que a nivel filosófico
se le denomine HUMANISMO, y es un movimiento cultural que convierte
al hombre en la medida de todas las cosas, lo que afecta de lleno a la
creación artística de la época.
Todo esto da lugar a una nueva RELACIÓN CON LA NATURALEZA, de forma que la ciencia para
a tener un enfoque más realista y empírico. De esta forma, la matemática se va a convertir en la principal
ayuda de un arte que se preocupa incesantemente en fundamentar racionalmente su ideal de belleza.
A nivel social, el BURGUESÍA que ya había surgido en la Edad Media, adquirirá un mayor poder,
prosperando y desarrollando, no sólo una gran fuerza social y una mayor influencia en la vida social, sino
que su poder económico comenzará poco a poco a tomar extenderse al poder político.
A nivel artístico, es muy importante el surgimiento de los denominados los MECENAS, que podían
pertenecer tanto a la nobleza como al clero o a la burguesía. Eran ciudadanos importante y de un alto
poder adquisitivo que apadrinaban a los artista y los pagaban para que realizases sus obras: esculturas,
pinturas, edificios y como no, música.
Religiosamente hablando, sin muchos los cambios que provoca esta mentalidad abierta y tolerante del
Renacimiento. En primer lugar, el Renacimiento es la época de la REFORMA PROTESTANTE,
primero de Lutero y después de Calvino y Enrique VIII. Al abogarse por una libertad de pensamiento,
esto trajo consigo una libertad de interpretación de las Sagradas Escrituras y con ellos la ruptura de
Lutero con el Vaticano. La respuesta a este acontecimiento fue inmediata con la
CONTRARREFORMA CATÓLICA y el CONCILIO DE TRENTO (1545-1563), que pretendía
afirmar la autoridad papal y reorganizar la religión de forma dogmática y disciplinaria. Tanto la Reforma
protestante como la Contrarreforma fueron acontecimientos fundamentales en la evolución de la música
de este periodo, dado que la Contrarreforma para frenar la evolución protestante estableció estrechas
consignas en materia musical, dictaminando qué técnicas de composición tenían cabida en las iglesias y
qué técnicas no.
A lo largo de este tema vamos a ver cómo evoluciona la música en el Renacimiento y qué cambios se
producen debido, entre otras cosas, al espectacular cambio de mentalidad de la época.
PERIODIZACIÓN
En música se establece como fecha de comienzo del Renacimiento el año 1420. Esto es así
porque alrededor de esta fecha comienzan a componer dos de las figuras más importantes de la
música del Renacimiento: Dunstable y sobre todo Gillaume Dufay. El primero de ellos es el que
generaliza los intervalos de 3ª y 6ª, que ya empezaron a darse en Ars Nova, frente a la anterior
hegemonía de 4ª, 5ª y 8ª. El segundo es el iniciador de la polifonía del Renacimiento. Se trata de
una polifonía mucho más suave y transparente que la anterior del Ars Nova. De ahí que la fecha
en la que empiezan a componer este compositor sea la fecha de comienzo del Renacimiento
musical A partir de esta fecha surgen dos grandes periodos:
1. POLIFONÍA FRANCO-FLAMENCA. Fue donde surgió el Renacimiento musical. Este
periodo va desde 1420 hasta 1550 aproximadamente, donde la polifonía esta en manos de los
franceses. Hay varios compositores dentro de este periodo como son Dufay, Josquin o
Jannequin.
2. ESCUELAS NACIONALES: Hasta 1550, la supremacía musical estuvo en manos de la
denominada escuela franco-flamenca, pero a partir de esta fecha surgen algunos estilos
nacionales vinculados a la Reforma. Los más importante son:
• Italiano: Andrea y Giovani Gabrieli (los Gabrieli) y Palestrina
• Español: Tomás Luis de victoria, Cristobal Morales, Francisco Guerrero y Juan de
la Enzina
CRONOGRAMA DEL RENACIMIENTO
CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LA POLIFONÍA RENACENTISTA
Musicalmente hablando, en el Renacimiento no hubo una ruptura total con la Edad Media. Se
mantuvieron algunos aspectos como por ejemplo, la utilización de los ocho modos (re, mi, fa y sol
auténticos y plagales). Pero aunque esto fuere así, fueron muchas las diferencias entre la polifonía
medieval y la renacentista, dado que ésta se basa en el equilibrio tal y como propugnan los valores
filosóficos y culturales de la época. Es por esto por lo que se dan algunas de las siguientes
características:
1. Idioma: Dependerá de si se trata de una pieza profana, que seguirá haciéndose en lenguas
romances, o religiosa, donde se mantiene el latín en la piezas vinculadas a la Contrarreforma y las
lenguas romances vinculadas a la Reforma.
2. Melodía: Se da un equilibrio entre los aspectos horizontales y verticales de la composición., y
comienzan a usarse notas alteradas.
3. Armonía: Ahora los intervalos más usado son 3ª y 6ª, frente a las anteriores 4ª, 5ª y 8ª que
desaparecen paulatinamente, dado que en el Renacimiento se entienden como arcaicas. Todo esto
hace que se cuide tanto la conjunción de las voces, como la conjunción entre ellas.
4. Ritmo: Aunque ya se usan algunos signos de compás, todavía no existen las líneas divisorias y,
aunque tampoco existe el pulso tal y como nosotros los conocemos, si se perciben ciertas
pulsaciones un tipo de pulsación llamada tactus.
5. Textura: Se da una generalización de la polifonía a cuatro voces como forma perfecta de hacer
polifonía. Mientras que en la Edad Media, la mayoría de piezas se hacían a tres voces, ahora se
convierten en cuatro, aunque según van pasando los años, y dependiendo del periodo del
Renacimiento en que nos encontremos, habrá hasta cinco o seis voces. Además, la textura se
hará cada vez más compleja y variada, de forma que aparece la homofonía o el contrapunto
imitativo.
TIPOS DE POLIFONÍA SEGÚN LA TEXTURA: LA HOMOFOÍA
El Renacimiento es la edad de oro de la Polifonía y ésta adquiere gran complejidad. Se explora
hasta sus últimas consecuencias y se trabaja con ella de diferentes formas, de ahí los distintos
tipos de polifonía del Renacimiento que son:
1. Polifonía homofónica u HOMOFONÍA: Las distintas voces que forman parte de la
composición van paralelas y con el mismo ritmo, el mismo texto, pero diferentes alturas.
Esto hace que la obra tenga una apariencia acórdica, es decir, que parezca una sucesión de
acordes.
Esto no deja de ser una
apariencia, porque aún no se
habían establecido las leyes
sobre los acordes y éstos
seguían siendo el resultado
de la superposición de las
distintas líneas melódicas.
Este tipo de polifonía se
usaba
cuando
los
compositores quería el texto
fuese entendido claramente,
sin
los
enredos
del
contrapunto.
Mirad
y
escuchad
este
ejemplo
pinchando aquí.
TIPOS DE POLIFONÍA SEGÚN LA TEXTURA: EL CONTRAPUNTO
2. Polifonía contrapuntística o contrapunto. Otras de las texturas más comunes es el
contrapunto, que consiste en varias voces que libremente caminan a lo largo de la composición,
sin formar paralelismo alguno, ni rítmico ni melódico. Esto hará que el texto no suene todo a la
vez y sea menos comprensible que en la polifonía homofónica.
Hay un tipo de contrapunto muy
utilizado en el Renacimiento y es el
basado en la imitación. Se le denomina
CONTRAPUNTO IMITATIVO, y
consiste en la imitación entre las voces
que forman parte de la obra. Una voz
introduce un tema melódico que
rápidamente es imitado o copiado por
otra voz y poco después por otra y así
sucesivamente hasta que aparece un
nuevo tema que también es tratado
imitativamente. Este tipo de polifonía
hace que el texto quede un tanto
oculto entre las distintas voces que se
imitan, habiendo ocasiones en las que
el texto llega a ser ininteligible. Pincha
aquí para escuchar este ejemplo.
LA MÚSICA RELIGIOSA
Aunque como vimos, el interés por la música profana es creciente y cada vez más importante, gran
parte de las obras musicales de este periodo se escribieron para la iglesia.
La mayoría de las obras musicales fueron escritas para ser interpretadas a cappella, es decir,
únicamente para voces sin acompañamiento instrumental. En cuanto a las formas musicales que se
usaron fueron básicamente los motetes y las misas.
• EL MOTETE: Ya nada tiene que ver con el motete medieval, entre otras cosas porque no es
pluritextuado. Era esencialmente una pieza polifónica con texto en latín y tema generalmente
religioso, que además, no pertenece a ningún ciclo de misa completo. Los compositores elegían
pasajes tomados directamente de la Biblia con contenido dramático o emocional y componían
música sobre dicho texto.
• LA MISA: Es la composición más
importante del Renacimiento. Todos los
compositores renacentistas compusieron
misas. Incluían todas las partes del Ordinario
y las partes del Propio correspondientes al
momento del año litúrgico para el que fueran
compuestas.
Surgió un tipo de misa curiosa en el Renacimiento denominadas misas de parodia. Consisten
en la inclusión de una melodía ya existente y de carácter popular, que se tomaba como tenor de
la pieza, metiendo así el ámbito profano en el religioso. Mira la melodía L’homme arme y
escúchala. Luego puedes ver y escuchar la melodía en esta misa de parodia completa de
Ockeghem, titulada Misa L’homme arme.
MÁS LA MÚSICA RELIGIOSA
Distintos acontecimientos religiosos e históricos marcaron el devenir de la
música religiosa. Un hecho importante fue la Reforma Protestante de Martín
Lutero, que dio una importancia básica a la música y consideró que el pueblo se
sentiría integrado en las celebraciones litúrgicas si podía cantar en su propia
lengua y no en latín. De esta forma, partiendo de melodías sencillas, populares
o conocidas, cambiaban las letras profanas por letras religiosas. Esto dio lugar a
un repertorio musical conocido como corales con los que Lutero consiguió que
el pueblo participara de la celebración religiosa. Aquí podéis escuchar uno de
Johannes Walter.
La respuesta de la Iglesia Católica fue el Concilio de Trento (1545-1563),
en el que se impulsó la Contrarreforma. Ésta hizo más estrictas las normas
para escribir música religiosa católica con intentos incluso de volver al canto
gregoriano y abandonar las polifonía. En algunas celebraciones se llegó
incluso a dejar de cantar. Ante estas normas tan estrictas, los compositores
no buscaron nuevas técnicas de composición, sino que perfeccionaron las
ya existentes, dando lugar a las composiciones más interesantes del
Renacimiento con compositores como Palestrina (Italia), Orlando di Lasso
(Francia) o Tomás Luis de Victoria (España). Esto compositores, además,
dieron lugar a diferentes formas de perfeccionamiento de estas técnicas, lo
que dio lugar a las conocidas como escuelas nacionales de composición en
las que cada país consiguió una particular estilo y características.
MÚSICA PROFANA DEL RENACIMIENTO
La mentalidad aperturista de la que se habló en la introducción de este tema, junto con el
sistema de mecenazgo propio de esta época, hacen que en el Renacimiento se dé un auge y un
interés por la música profana. Los compositores viajaban constantemente de una corte a otra,
reclamados por los dirigentes de las mismas para poder así disfrutar de sus servicios.
La música profana era mucho más libre y es por esto por lo que la música profana es el ámbito
en el que hay un primer atrevimiento a reflejar en la música los sentimientos y emociones.
Normalmente la música profana consistía en la musicalización de versos. Estos versos eran la
base de la música que dependía de ellos, hasta el punto de surgir lo que se denominan
MADRIGALISMOS. Los madrigalismos consistían en la utilización por parte de los
compositores de una construcción musical y unos sonidos onomatopéyicos que representasen
lo que los versos que estaban siendo musicados decían, todo ello con finalidad descriptiva. La
utilización de madrigalismo estaba completamente prohibida en música religiosa, que tenía un
carácter mucho más austero.
Hay algunas características que diferencias claramente la música profana de la música religiosa
y son:
1. La música profana siempre se escribía en lengua romance, es decir italiano, castellano,
francés o español.
2. En la mayoría de las obras profanas era mucho más frecuente la utilización de
instrumentos que en las obras religiosas.
GÉNERO DE LA MÚSICA PROFANA DEL RENACIMIENTO
Los géneros más importante son la chanson en Francia, el madrigal en Italia y el villancico en España.
1. LA CHANSON: Es el género profano característico de Francia. El texto estaba en francés y en
ella se conjugan a la perfección partes de contrapunto imitativo con partes de homofónicas.
Algunos de los compositores más importantes de chansons fueron Dufay, Binchois, Josquin des
Prez y Jannequin. Escuchamos esta famosa chanson de la época, llamada Mille Regretz. Pincha
aquí para escucharla.
2. EL MADRIGAL: Es el género profano que se cultivaba en Italia. El texto estaba en italiano y se
canta a cappella, aunque en ocasiones puede llevar acompañamiento instrumental y es el género
en el que más abundaban los madrigalismos (de hecho el término madrigalismo proviene de
“madrigal”, que era el género en el que se daban con más frecuencia estas representaciones
musicales de las palabras). La música se hace tremendamente expresiva. Algunos compositores
importantes son Orlando di Lasso, Willaert y Gesualdo. “Ay, disperata vita”.
3. EL VILLANCICO: Es el género profano que se cultivaba en España. La palabra villancico en el
contexto de la música del Renacimiento, no tiene el significado que actualmente tiene, como
canción típica navideña. Villancico proviene de la palabra “villa” y era la música cantada por los
“villanos”, es decir, los habitantes de las villas, lo cual hace que estas piezas tengan un carácter
más popular que las chanson o los madirgales. Con texto en español, se trata de canciones
polifónicas cuya forma es básicamente la de un estribillo y distintas coplas. Es compositor más
importante de villancicos fue Juan de la Enzina. Por ejemplo está el Qu’es de ti desconsolado, usado
para el anuncio televisivo de Castilla La Macha celebrando el V Centenario de la Publicación de la
primera parte de Don Quijote de la Mancha, o también el Mas vale trocar. Otra curiosidad de la
música profana española son las NEGRINAS, canciones profanas compuestas intentando imitar
la música característica de las Indias. Un ejemplo es el San Sabeya Gugurembé.
MÚSICA INSTRUMENTAL EN EL RENACIMIENTO
Hasta ahora los instrumentos musicales se habían empleado para reforzar las melodías que eran
cantadas, como por ejemplo sucedía en los trovadores. Lo que hacía que la música escrita sólo
para instrumentos a principios del siglo XV fuera muy escasa.
A lo largo del siglo XVI se inicia la emancipación de la música instrumental de la música vocal,
proceso que será imparable hasta el Romanticismo, periodo en el que la música instrumental será
la verdadera reina. Esta primera música instrumental del Renacimiento no fija para qué
instrumentos está escrita la pieza, lo que hacía que la elección de los instrumentos viniera dada
en gran parte por los instrumentos que los músicos tuviesen a su disposición, o por el propio
gusto de los ejecutantes.
La música instrumental no era aún autónoma, lo que hacía que su origen fuera doble:
1. Los modelos vocales. Al no ser totalmente
independiente, la música instrumental tomaba
como referente la polifonía vocal y la imitaba. Los
géneros instrumentales más importantes que
surgieron de la imitación de modelos vocales son
ricercare, la canzona o el tiento.
2. Las danzas de la época. La danza de sociedad estaba muy
extendida y era muy popular durante el Renacimiento. De esta
manera, surgieron géneros instrumentales vinculados a la
danza. Estas composiciones instrumentales se caracterizaban
por esquemas rítmicos fuertemente marcados, poco
contrapunto y muy ornamentadas y decoradas. Son muchas las
danzas de la época, pero algunas de las más importantes son la
pavana, la gallarda, la allemande o la courante.
Antes del siglo XV, los pasos de danzas se transmitían por tradición oral. A partir del siglo
XV se encuentran las primera coreografías escritas. Este repertorio de danzas suele hacerse
por pares variados, es decir, dos piezas que varían en ritmo, que pasaría de binario a ternario
o viceversa, y tempo, que pasaría de rápido a lento o viceversa. Entre las principales danzas
se encuentran la pavana, danza lenta y majestuosa en cuatro por cuatro, combinada con la
gallarda, danza rápida en compás de tres por cuatro.
LA TÉCNICA DE LA VARIACIÓN. Una de las técnicas más utilizadas por los compositores
de música instrumental en el Renacimiento es la variación. A partir de una partitura o tema
original, los instrumentos van ornamentándolo y modificándolo sin que se pierda la esencia del
original, que podía ser o bien un gregoriano o una melodía tradicional. Esta ornamentación era
una prueba de habilidad para el instrumentista, que debía mostrar su virtuosismo. En España, el
nombre utilizado para las piezas que usaban esta técnica era el de diferencias. Un tema muy
conocido era el de Guárdame las vacas, sobre el que hicieron diferencias por ejemplo Antonio
Cabezón o Luis de Narvaez.