Download tercero medio - libro de música 2016

TERCERO MEDIO
2016
SISTEMA EDUCACIONAL LIAHONA
DEPARTAMENTO DE MUSICA
1 unidad ⇒ Comportamiento e interacción del hombre con el
medio
Música de raíz folclórica latinoamericana, trova y nueva canción chilena, práctica
vocal e instrumental, evaluación: interpretación instrumental
Practica 1
/ lectoescritura musical
a)Ejercicios rítmicos: 1.-­‐ 2.-­‐ b)lectura musical :sol-­‐mi. 1.-­‐ 2.-­‐ c)dictado rítmico. 1.-­‐ 2.-­‐ 1 Contenido: Música de raíz folclórica latinoamericana
Para comenzar con esta unidad de aprendizaje es preciso recordar la definición de Folclore: FOLK= PUEBLO, GENTE LORE= CONOCIMIENTO, SABER Es el conocimiento o saber de un pueblo determinado; gastronomía, juegos, terminologías, historias, mitos, leyendas, poesías, declamaciones, costumbres y tradiciones. Posee como característica principal su conocimiento y dominio que proviene del comentario informal traspasado de generación en generación. En el caso de la música, podríamos decir que, la música folclórica son todas aquellas canciones y melodías que forman parte de la cultura de un país, cuando hablamos de folclor nos dirigimos al origen, a lo antiguo, a la tradición. Cuando el folclore es sacado de su contexto y de su tradición ya no es folclore puro, por ejemplo; una tonada en la ciudad no está en su contexto, menos si es tocada por un profesional o un estudiante, ahí empezamos a hablar de fusión y de raíz folclórica. El origen del folclore Chileno está en el campo; estos trabajadores de la tierra tocan y crean el folclore de manera intuitiva y con el fin de distender las jornadas laborales y sus ocupaciones de la vida del campo. A los inicios de 1900, el fenómeno de inmigración del campo a la ciudad hizo que estas costumbres se expandieran, puesto que los mismos ex campesinos tienen contacto con gente de la urbe y en algunos casos, estudian y adquieren mayor influencia de la música occidental europea y latinoamericana. Cuando hablamos de “música de raíz folclórica latinoamericana” estamos hablando de los aspectos estructurales del folclore en los sentidos de la rítmica y de la creación lírica dentro de ciertos parámetros. Al entrar la academia o los elementos musicales estudiados (armonía, contrapunto, arreglos vocales, utilización de más instrumentos, entre otros), hablamos de la fusión o “música de raíz”, puesto que se utiliza la base o la raíz de una música, pero se complementa con otros elementos que son ajenos a su concepción original. Es así como nuestra música folclórica ha ido enriqueciéndose con los aportes más variados; no solo la ya histórica incorporación de formas europeas tales como el Vals y la Polka, sino también los instrumentos agregados como el Violín en Chiloé, los bronces en Tarapacá, también la actual presencia de la ranchera y la cumbia en nuestro campo. En otras palabras, estos elementos en algún momento de la historia pudieron ser considerados como insólitos o anti-­‐tradicional, pero que actualmente se consideran parte del espíritu de nuestra idiosincrasia. Todos los elementos tradicionales del folclore, se ven enriquecidos a medida que la gente que estuvo en contacto permanente con estas formas musicales crece, estudia y ve la necesidad de crear con los elementos que le son cotidianos y que son una influencia al momento de desarrollar su creatividad. Dando pie para el surgimiento de uno de los movimientos culturales más importantes de la música popular de nuestro país: La nueva canción chilena. 2 Practica 2
/ lectoescritura musical
a)Ejercicios rítmicos: 1.-­‐ 2.-­‐ b)lectura musical :mi-­‐sol-­‐la. 1.-­‐ 2.-­‐ c) dictado rítmico. d) Dictado Melódico (sol-­‐mi). 3 Contenido: Música de la nueva trova y la Nueva canción
chilena
El origen de la palabra trovar tiene por significado inventar o crear. Los trovadores fueron músicos y poetas medievales que componían sus obras y las interpretaban en las cortes señoriales de Europa, en especial al sur de Francia entre los siglos XII y XIV. En sus canciones plasmaron su visión del mundo, fueron los portadores de noticias y opiniones respecto a los temas contingentes de la época. La nueva trova es un fenómeno desarrollado posterior a la revolución cubana de la década de los ’50, en donde la ideología política es complementada con la canción de la trova, y se basa principalmente en un compositor y cantante acompañado de una guitarra acústica. La temática lírica se basa en el amor y la reivindicación social. Sus más grandes representantes son Silvio Rodríguez y Pablo Milanés, cuya importante obra sigue influenciando a músicos actuales como Chinoy, Manuel García y Nano Stern. La nueva trova toma el nombre debido a la similitud de este personaje portavoz que no canta por cantar, sino con un fin de comunicar y expresarse en diversos planos. Por otra parte la temática, la contingencia y la efervescencia social de la época, dio paso a uno de los fenómenos culturales más importantesde nuestro país: La Nueva Canción Chilena, movimiento musical surgido y desarrollado en Chile entre los años 1960 y 1973, el cual tuvo una gran relevancia en el ámbito de la música de raíz folclórica chilena y latinoamericana, tanto así que en el año 1969 dio origen al Primer festival de la nueva canción chilena, que pretendía recopilar las expresiones musicales de un grupo de artistas, y siempre contrastándose a la composicion musical folclórica de la epoca (Nicanor Molinare, Clara Solovera, Luis Bahamonde,etc) y de los intérpretes (Duo Rey Silva, Los cuatro cuartos, Los Huasos quincheros, etc). Esta música se caracterizaba por su sencilla textura armónica apoyados en la tonada y la cueca. La organologia se limita a la guitarra, acordeón, arpas y en algunos casos un tratamiento vocal homofónico. La lírica se limita a las situaciones rurales, donde la naturaleza y el sentido patriotico gravitaban fuertemente mezclandose a veces con la simpatia y el humor. (Mi banderita chilena, Chile lindo, Si vas para Chile, etc). En contraste a esto, la Nueva Canción Chilena se presenta en la escena artística evidenciando: mayor textura armónica, utilización de disonancias y amplitud timbrística; en el aspecto lírico, las tematicas implican un mayor compromiso ideológico y social, la tematica amorosa integra aspectos poetico filosoficos profundos, los arreglos vocales pasan de la homofonía a la polifonía e instala a grandes referentes solistas (Violeta Parra, Víctor Jara, Patricio Manns), vocales (Quilapayún) e instrumentales (Inti-­‐Illimani). La efervescencia por éste fenomeno llevo a que nuestro folclore fuese investigado, recopilado y puesto en valor, reivindicando tanto los ritmos folcloricos latinoamericanos como la poesia popular campesina de nuestro pais. La Nueva Canción Chilena fue un motor que llego a aliarse con el resto de latinoamerica en pos del “sueño latinoamericano” en el aspecto artístico y cultural hasta que en 1973, producto del golpe militar y las restricciones que implicó, terminó por debilitar el movimiento producto del exilio de los artistas y del temor de la ciudadania al verse ligada a la musica y al movimiento de la Nueva Cancion Chilena. 4 Practica 3
/ lectoescritura musical
a) Ejercicios Rítmicos: 1.-­‐ 2.-­‐ b)Lectura musical : re-­‐ mi-­‐sol-­‐la. 1.-­‐ 2.-­‐ c) Dictado rítmico. d) Dictado Melódico (sol-­‐mi). 5 LAm Que sabes de cordillera FA SOL si tu naciste tan lejos FA Hay que conocer la piedra SOL Que corona al ventisquero DO LAm hay que recorrer saltando FA LA#-­‐LAm los atajos del silencio SOL y cortar por las orillas FA de los lagos cumbrereños SOL Mi padre anduvo su vida LA# LAm por entre piedras y cerros La viuda blanca en su grupa la maldición del arriero llevo a mi viejo esa noche a robar ganado ajeno junto al paso de ataculpu a la entrada del invierno le preguntaron a golpes y el respondió con silencio los guardias cordilleranos clavaron su cruz al viento ARRIBA EN LA CORDILLERA Los ángeles de santa fe fueron nombres del infierno hasta mi casa llegaba la ley buscando al cuartrero mi padre escondió la cara cuando el no volvió del cerro y arriba en la cordillera la noche entraba en sus huesos el que fue tan hombre y solo llevo a la muerte en su arreo Nosotros cruzamos hoy con un rebaño del bueno arriba en la cordillera no nos va pasar ni el viento con que orgullo me querria si ahora llegara a saberlo pero el viento no mas sabe donde se durmió mi viejo con su pena de hombre pobre y dos balas en el pecho 6 1 unidad ⇒ Comportamiento e interacción del hombre con el
medio
/ EVALUACION /
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______________________________________________________________ 7 2 unidad ⇒ El hombre en constante proceso de cambio
Géneros y movimientos destacados del siglo XX, el espiritual, blues y el jazz.
Practica 1
/ lectoescritura musical
a)Ejercicios rítmicos: 1.-­‐ 2.-­‐ b)lectura musical : re-­‐mi-­‐sol-­‐la c) dictado rítmico. 1.-­‐ 2.-­‐ d) Dictado Melódico (mi-­‐sol-­‐la). 8 Contenido: Géneros y movimientos destacados del siglo XX/El espiritual
La música en el siglo XX se vió altamente influenciado por los golpes sociales y cambios históricos que vivió el mundo. Muchos de los generos y estilos musicales de hoy, deben su génesis a que otros movimientos musicales de principios de siglo, cambiaran los parametros estéticos y se atrevieran a innovar musicalmente. El rock, el hip-­‐hop, el funk y muchos otros, deben su origen a la influencia africana en norteamérica y el mundo. Los fenómenos musicales mencionados anteriormente y que siguen vigentes con fuerza en nuestros dias, son producto de propuestas contraculturales altamente influenciados por su contexto histórico social, cuyos mas grandes estandartes son el punk y el hip-­‐hop, en donde se evidencia el descontento ante la desigualdad social y la necesidad de expresión por parte de las “clases” sociales más afectadas. Ésta gran influencia, significó el quiebre de los parámetros estéticos y sociales, llevando a una apertura en la multiculturalidad de la sociedad, igualdad de género y puesta en valor de varios aspectos relacionados a la cultura popular. A pesar de que, en muchas áreas del Sur de Estados Unidos, el batir de tambores estaba específicamente prohibido por la ley y, en zonas como Georgia, se prohibió el uso de cualquier instrumento musical por parte de los esclavos; los festivales con música de tambores y danzas africanas se organizaban con frecuencia a comienzos del siglo XIX tanto en la Plaza del Congo en Nueva Orleans, Memphis, Kansas, Dallas o San Luis, usando instrumentos de percusión y de cuerda similares a los utilizados en la música africana indígena. Los esclavos solían tener el domingo libre y organizaban fiestas en la Plaza del Congo, que se prolongaron aproximadamente hasta 1885, coincidiendo con el surgimiento de las primeras bandas de jazz. Las canciones y danzas interpretadas eran en gran medida funcionales, ya fuese para el trabajo o rituales. La característica principal es su gran riqueza rítmica. La tradición africana hacía uso de melodías simples y de técnicas de música de llamada y respuesta, pero estos elementos no tardaron en combinarse con conceptos armónicos procedentes de la música europea. Los ritmos reflejaban patrones africanos y de las escalas pentatónicas surgieron las notas del blues, utilizadas posteriormente para sentar las bases del blues y el jazz. Los estamentos eclesiásticos también intentaron controlar la música de los esclavos, obligándolos a cantar salmos e himnos para "convertirlos" a estilos musicales más europeos. En muchos casos, el efecto fue contrario. Ala Lomax, erudito de la música afroamericana, comentó: "Los negros habían africanizado los salmos a tal nivel que muchos observadores describieron los himnos de los negros como misteriosa música africana. En vez de actuar de forma individual, fusionaban las distintas voces. El resultado: el jazz. El espiritual deriva de la expresión canto espiritual. El término "canción espiritual" ya era de uso frecuente en la comunidad cristiana, tanto blanca como negra. A lo largo del siglo XVIII, el "espiritual" era utilizado como un sustantivo que significaba, "persona espiritual" o "cosa espiritual". A través de la religion y la fé, los esclavos negros tuvieron la posibilidad de estar un paso mas cerca de la libertad y alabar a Dios libremente, llevando a evidenciar las enormes capacidades musicales, e influyendo en el hecho de que los negros dejaran de ser considerados animales. Poco a poco, el fantasma de la esclavitud comienza a apaciguarse y logran expresarse musicalmente, fuera de la iglesia. Practica 2
/ lectoescritura musical
9 a)Ejerciciosrítmicos: 1. 2. b)lectura musical :re-­‐mi-­‐sol-­‐la. 1. 2. c)dictado rítmico. 1.-­‐ 2.-­‐ d) Dictado Melódico (mi-­‐sol-­‐la). 10 Contenido: Géneros y movimientos destacados del siglo XX/El Blues
El blues se reconoce como la primera expresión musical negra fuera de la iglesia. La frase the blues hace referencia a los blue devils (diablos azules o espíritus caídos), la depresión y la tristeza. Una de las primeras referencias a the blues puede encontrarse en la farsa Blue Devils, a farce in one act(1798) de George Colman. A pesar de que la frase, en la música afroamericana, pueda tener un significado más antiguo se atestiguó que en 1912, en Memphis (Tennessee) el músico W.C. Handy ya utilizaba (en su tema Memphis Blues) el término the blues para referirse a un estado de ánimo depresivo, con melancolia representada de una manera muy expresiva. El blues ha evolucionado de una música vocal sin acompañamiento, interpretada por trabajadores negros pobres, a una gran variedad de subgéneros y estilos, con variedades regionales a lo largo de todo Estados Unidos y, posteriormente de Europa y África. Las estructuras musicales y los estilos que están considerados hoy día como el blues, así como en la música country moderna, nacieron en las mismas regiones del sur de Estados Unidos durante el siglo XIX. Pueden encontrarse grabaciones de blues y de country que se remontan a los años veinte, periodo en el que la industria discográfica creó categorías de marketing denominadas «música racial» y «música hillbilly» para vender canciones a los negros y a los blancos, respectivamente. En aquel periodo, no existía una distinción musical clara entre los géneros blues y country, excepto por la raza del intérprete. Mientras que el blues emergía de la cultura afroamericana, algunos músicos de blues ya eran conocidos a nivel mundial. Algunos estudios sitúan el origen del espiritual negro en la exposición que tuvieron los esclavos al gospel, (originario de las Hébridas) de sus amos. La mas grande herencia del blues a la musica popular contemporánea es la necesidad de la época por amplificar la guitarra. Así nace la guitarra eléctrica, de manera artesanal al inicio y mas elaborada posteriormente, con fabricantes como Gibson y Leo Fender, creadores de los mas icónicos modelos de guitarras. Ademas, de la mano del Blues y el desarrollo de habilidades musicales mas elaboradas, llevó a que se gestara un nuevo estilo que junto al Blues, han influenciado fuertemente a la música popular actual: El Jazz. El Jazz es una forma de arte musical que se originó en los Estados Unidos mediante la confrontación de los negros con la música europea. La instrumentación, melodía y armonía del jazz se derivan principalmente de la tradición musical de Occidente. El ritmo, el fraseo y la producción de sonido, y los elementos de armonía de blues se derivan de la música africana y del concepto musical de los afroamericanos. Practica 3
/ lectoescritura musical
a)Ejercicios rítmicos: 11 3. 4. b)lectura musical :re-­‐mi-­‐sol-­‐la. 3. 4. c)dictado rítmico. 1.-­‐ 2.-­‐ d) Dictado Melódico (mi-­‐sol-­‐la). Contenido: Géneros y movimientos destacados del siglo XX/El Jazz
Como características principales, diferenciaremos tres elementos básicos que distinguen el jazz de la música clásica europea: • Un ritmo especial conocido como swing. 12 El papel de la improvisación. Un sonido y un fraseo que reflejan la personalidad de los músicos ejecutantes. Por otra parte, un gran rasgo identitario y que se le debe reconocer al jazz, es el uso de instrumentos que antes eran exclusivos de la orquesta clasica; El clarinete, la familia de los saxofones y los bronces. Además el contrabajo utilizando la tecnica del pizzicato (sin arco), el que dará paso al bajo eléctrico, y la consolidación del uso de la guitarra eléctrica. A lo largo de su historia, el jazz ha pasado de ser una simple música de baile popular a una compleja forma de arte reconocida y celebrada en todo el mundo. Paralelamente a dicho progreso, han cambiado también las actitudes hacia esta música: en 1924 un periodista del New York Times se refería a ella como «el retorno de la música de los salvajes», mientras que en 1987 el Congreso de los Estados Unidos de América declaraba al jazz como un «destacado modelo de expresión individual» y como un "excepcional tesoro nacional". Se ha señalado que el motor de dicho progreso ha sido la innovación, una particularidad que siempre ha estado presente en la historia de esta música, dirigiendo su evolución y caracterizando la obra de sus artistas más destacados al lado de una rama más tradicionalista. La identidad musical del jazz es una familia de géneros musicales cuyos miembros comparten características comunes, pero no representan individualmente la complejidad de género como un todo. Cumple además diversas "funciones sociales" (el jazz puede servir como música de fondo para reuniones o como música de baile, pero ciertos tipos de jazz exigen una escucha atenta y una concentración profunda). Si bien es cierto que el jazz es un producto de la cultura afroamericana, siempre ha estado abierto a influencias de otras tradiciones musicales, y ya desde la década de 1920 ha sido ejecutado por músicos de diversas partes del mundo. En ocasiones se ha mostrado como paradigma del jazz la obra de músicos comerciales, que los aficionados y la crítica han considerado subproductos alejados de la tradición, entendiendo por el contrario, que el jazz es una forma de música negra, en la que los afroamericanos han sido sus mayores innovadores y sus más notables representantes • • 2 unidad ⇒ El hombre en constante proceso de cambio
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Nota: 3unidad ⇒ Factores que influyen en la ruptura del equilibrio
Origen y desarrollo del Rock
Ver power point 1-2-3
14 Practica 1
/ lectoescritura musical
a)Ejerciciosrítmicos: 1. 2. b)lectura musical :re-­‐mi-­‐sol-­‐la. 1. 2. c)dictado rítmico. 1.-­‐ 2.-­‐ Contenido: El rock . Origen , desarrollo y trascendencia
Hoy es algo muy cotidiano y normal conocer opiniones iguales, similares o distintas a las nuestras. También lo es saber que éstas vienen de distintos tipos de personas. Sin embargo, no siempre ha sido así. La libertad de expresión ha sido algo que NO recibimos gratis. Es un Derecho Humano, 15 que en algunas regiones costó mucho alcanzar. Esto tiene mucho que ver con el nacimiento y vida del rock. ¿Porqué? Porque el rock es expresión. Es expresión de rechazo al sistema pre establecido … al establishment. Es una expresión que costó mucho hacer valer porque representaba a estratos sociales considerados de poca monta… de poco valor. Ver ejemplo de youtube ¿Qué cosas desaparecerían de mi vida cotidiana si no tuviese libertad de expresión? El rock se atrevió a nacer usando elementos de un género musical que eran muy propio de los artistas postergados: el Jazz. Específicamente: El Blues… de quien obtuvo la secuencia armónica y el espíritu melancólico y expresivo de sus letras y melodías. El scat… de quien obtuvo la posibilidad de experimentar formas de expresión vocal jamás usadas en la música tradicional. La improvisación instrumental… de quien obtuvo la posibilidad de crear nuevos sonidos y técnicas frente a los nuevos recursos electrónicos disponibles. La síncopa… de quien obtuvo la riqueza rítmica que necesitaba una “música conflictiva” para ser agradable de escuchar. El riff… de quien obtuvo una técnica sencilla y efectista para ser utilizada como acompañamiento en el instrumento propio del nuevo estilo: la guitarra. Practica 2
/ lectoescritura musical
a)Ejerciciosrítmicos: 16 1 2 b)lectura musical :re-­‐mi-­‐sol-­‐la. 1 2 d) Dictado Melódico (sol-­‐mi). 1.-­‐ 2.-­‐ Contenido: El riff. Es una frase musical que se repite y que actúa como acompañamiento para una línea melódica en el rock. Para muchas obras, es la característica principal, o bien podríamos decir, “la personalidad” de la canción, por lo que su nivel de creatividad y técnica de composición ha adquirido mucha 17 importancia. Su diferencia con el “solo” es en cuanto a que éste último si bien destaca el sonido y la presencia de un instrumento, no se repite. Pudiendo, incluso, no existir en una canción. Video 1 y 2 “Roll over Beethoven” Versión Schuck Berry 1955 (autor de la canción). Nótese la actitud fría y desconcertada del público ante esta aparente “falta de respeto” de la RACE MUSIC (rock primitivo) para con el músico clásico. El riff acompaña durante casi toda la canción y se convierte en parte del solo. Luego “Roll over Beethoven” Versión Beatles 1964 . Uso del mismo Riff de hace 9 años. Tipos de Riff: El riff basado en acordes. Este tipo de riff se base en un acorde base, con el cual únicamente se crea el riff. El truco consiste en el ritmo y el ambiente lo que logra un efecto único. En realidad podría decirse que el riff esta basado en el ritmo. Se pueden lograr muchísimos efectos jugando con el ritmo del rasgado, los silencios y el palm mute (silenciando las cuerdas). Riff basados en progresiones de acordes. Una de las formas más clásicas de armar riff, consiste en utilizar como base una progresión de acordes. Aquí el truco consiste en la distancia, la armonía, el ritmo y la acentuación y duración de los acordes. La gran mayoría de las bandas de rock utilizan esta clase de riff. El truco consiste en dar con una progresión que sumada a un ritmo propio crean su propio riff. Video 3 y 4: Un buen ejemplo del primero es el clásico "Faith" , y del segundo, "Smoke on the water" de Deep Purple. . Riff basado en melodías. Quizás es el tipo de riff más difícil de lograr debido a su riqueza y atractivo debe estar perfectamente equilibrado con el del resto de la canción. Video 5 y 6 “Satisfaction” de los Rolling Stone y 6 “Come together” de John Lennon Practica 3
/ lectoescritura musical
a)Ejerciciosrítmicos: 18 1 2 b)lectura musical :do-­‐re-­‐mi-­‐sol-­‐la. 1 2 c)dictado rítmico. 1.-­‐ 2.-­‐ d) Dictado Melódico (re-­‐mi-­‐sol-­‐la). Contenido: Géneros de expresión en el rock
Cada ser humano, actualmente, tiene a su disposición un medio de expresividad que comunica ideas y valores que lo representa en gran medida; religión, social, científico, novelístico, medio ambientalista, medicinal, etc. El Rock significó un canal abierto para comunicar las ideas y manifestarse de manera diferente. Con el paso del tiempo adquirió caracteristicas propias, expresando nuevas y más profundas problemáticas, naciendo un tipo de rock diferente cada vez. 19 El elemento más importante de toda esta “revolución” es que la nueva expresión ya había nacido y llegaba a este mundo para quedarse. La forma aparentemente liviana de cada una de estas formas de rock esconde todo un mundo de nuevas propuestas, puntos de vista y fórmulas para crear. Como obra humana que es, decae periódicamente, pero renace nuevamente en otro ciclo distinto, con distintas características, con distinta vida… con distinta muerte. Algunos de los primeros géneros: BLUES ROCK: Es uno de los géneros más antiguos y sus principales gestores eran músicos de raza negra. En él está muy destacada la forma BLUES y las variaciones instrumentales son a muy pequeña escala. Las letras, la coreografía, los sonidos y las frases rítmicas eran mucho más agresivas que las de las creaciones de sus colegas blancos. Su mensaje anti stablishment estaba dirigido específicamente a la disciplina de los padres de la post guerra y a las duras represiones racistas. Video 7: Recordemos como es un BLUES Video 8 : El blues rock BEAT ROCK: La industria de equipos de amplificación de voz y de guitarras aun no fabricaban productos de gran potencia y calidad , ya que muy pocos creían en el futuro del nuevo tipo de música. Eso significó que las formas de cantar y de tocar los instrumentos se tornaran más “golpeadas” (Beat). Además, no era el caso de una revolución que involucrase solo a la música, ya que también abarcó a nuevas propuestas literarias, cinematográficas, vestuario, incluso políticas, a quienes se les consideró como parte del nuevo movimiento “BEAT” por lo atrevidas, sofisticadas y “golpeadoras”. Video 9: La generación Beat Rock HEAVY METAL: Este período nace después que todos los etéreos ideales del Flower Power y de las revoluciones políticas cayeran intoxicadas por las drogas duras y por las balas. La realidad se gestaba con dureza en la juventud y ya las cosas no estaban para banderas y manifestaciones pacifistas. Las tiranías militares en América y África y la guerra del Viet-­‐Nam estaba ahí y pocos podían contra ellas. Entonces la industria puso lo suyo: enormes y poderosos equipos amplificadores, robustos parlantes, sofisticados efectos para guitarras y bajos, modernos y versátiles estudios de grabaciones, enormes baterías. Todo tenía que ser “pesado”… todo tenía que ser “poderoso”… ya que así era la única forma de ser escuchado. Video 10: Led Zeppelin (1969).
3 unidad ⇒ Factores que influyen en la ruptura del equilibrio
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Nota: 4 unidad ⇒ Música que traspasa las fronteras.
El tango orígenes, evolución, en chile, Piazzolla, Carlos Gardel. Repertorio.
Practica 1
/ lectoescritura musical
21 a) Ejercicios rítmicos: 1 2 b) lectura musical: do-­‐re-­‐mi-­‐sol-­‐la-­‐ do´ 1 2 c) dictado rítmico. 1.-­‐ d) Dictado Melódico (re-­‐mi-­‐sol-­‐la). El tango orígenes.
El tango El tango es un género musical tradicional de 22 Argentina y Uruguay, nacido de la fusión cultural entre inmigrantes europeos (españoles e italianos, principalmente), descendientes de esclavos africanos, y nativos de la región del Río de la Plata. Musicalmente suele tener forma binaria (tema y estribillo) o ternaria (dos partes a las que se agrega un trío). En esencia, es una expresión artística de fusión, de naturaleza netamente urbana y raíz suburbana («arrabalero»), que responde al proceso histórico concreto del mestizaje biológico y cultural de la población rioplatense pre-­‐inmigración y a la inmigración masiva, mayoritariamente europea, que reconstituyó completamente las sociedades rioplatenses, a partir de las últimas décadas del siglo XIX.
Su interpretación puede llevarse a cabo mediante una amplia variedad de formaciones instrumentales, siendo las más características el cuarteto de guitarras, el dúo de guitarra y bandoneón, el trío de bandoneón, piano y contrabajo, así como la orquesta típica o el sexteto. Practica 2
/ lectoescritura musical
a)Ejerciciosrítmicos: 1 23 2 b) lectura musical: do-­‐re-­‐mi-­‐sol-­‐la -­‐ do´ 1 2 c)dictado rítmico. 1.-­‐ 2.-­‐ d) Dictado Melódico (re-­‐mi-­‐sol-­‐la). El tango en Chile, Piazzolla y Gardel.
Desde las primeras décadas del siglo XX se bailó el tango tanto en la capital chilena, Santiago, como ―especialmente― en el puerto de Valparaíso, donde aún se desarrolla la afición por el baile arrabalero. Subsisten algunas academias, programas radiales y festivales donde se reúnen los tangueros. Entre los cantantes y compositores chilenos de tango se destaca la figura de Chito Faró, autor de la famosísima «Si vas para Chile» y de más de 24 cincuenta tangos. Astor Pantaleón Piazzolla (Mar del Plata, 11 de marzo de 1921 -­‐ Buenos Aires, 4 de julio de 1992) fue un bandoneonista y compositor argentino. Fue uno de los músicos de tango más importantes del siglo XX. Estudió armonía y música clásica y contemporánea con la compositora y directora de orquesta francesa Nadia Boulanger (1887-­‐1979). En su juventud tocó y realizó arreglos orquestales para el bandoneonista, compositor y director Aníbal Troilo. Cuando comenzó a hacer innovaciones en el tango en lo que respecta a ritmo, timbre y armonía, fue muy criticado por los tangueros de la «Guardia Vieja», ortodoxos en cuanto a ritmo, melodía y orquestación. En los años posteriores sería reivindicado por intelectuales y músicos de rock. Libertango es tanto un disco como una canción del compositor y músico de tango ítalo-­‐argentino Astor Piazzolla, publicado por primera vez en 1974 en Milán, y re versionado por muchos artistas diferentes. Su título es una palabra compuesta por los términos "libertad" y "tango", presumiblemente como bandera de la libertad creativa que buscaba Piazzola al crear el llamado tango nuevo, a diferencia del tango clásico. El tango ha sido utilizado como banda sonora de múltiples películas (12 monos) y ha evocado escenas en la gran pantalla (Baile de Al Pacino “Perfume de mujer”). El famoso cantante de tango Carlos Gardel trabajó en diversas películas haciendo alarde de su prestigiosa voz. Es conocido como la voz del tango clásico. Su nacionalidad aún se encuentra en disputa. Investiga acerca de Carlos Gardel y presenta tus conclusiones y fundamentos para defender su nacionalidad. Además trae audio mp3 de sus canciones más conocidas y contrástalas con las de Piazzolla para que puedas crear tu propia definición de tango clásico y moderno. (Gardel v/s Piazzolla). Practica 3
/ lectoescritura musical
a)Ejerciciosrítmicos: 1 2 25 b)lectura musical :Escala de Do mayor. c dictado rítmico. 1.-­‐ d) Dictado Melódico (re-­‐mi-­‐sol-­‐la). Libertango.
Esta obra es una de las más conocidas y versionadas del compositor argentino A. Piazzolla. Existen versiones para conjunto tradicional de tango, es decir, Piano, contrabajo y Bandoneón, así como otras más modernas ejecutadas por el mismísimo compositor en las que incluye instrumentos tales como el bajo eléctrico, guitarra eléctrica, sintetizadores, batería y flauta traversa. En YouTube también podrás encontrar otras adaptaciones como por ejemplo para cuarteto de guitarras, versión electrónica, metal e incluso reggae. Libertango es una pieza formalmente simple compuesta por un “verso” A y un “coro” modulante B. Armónicamente se mantiene en lam en A y en el coro hace unos guiños a rem con la aparición del sib y uno que otro acorde de paso. Disfruta de esta pieza y juega creando tu propia versión inventando zonas de improvisación y tuttis orquestales donde “todos” toquen el unísono el motivo o “riff” principal. Pásenla ¡bien! Melodía y armonía parte A. 4/4 Am -­‐%-­‐ B7/A -­‐%-­‐ Bdism(add4)/A -­‐%-­‐ Am-­‐%-­‐ Am/G -­‐ %-­‐ F#dism7-­‐%-­‐ Fdism-­‐%-­‐E-­‐%-­‐ 26 Melodía y armonía parte B. Ostinato acompañamiento parte A. (motivo o riff principal) 27 28 29 POR UNA CABEZA Por una cabeza de un noble potrillo que justo en la raya afloja al llegar y que al regresar parece decir: No olvides, hermano, vos sabés, no hay que jugar... Por una cabeza, metejón de un día, de aquella coqueta y risueña mujer que al jurar sonriendo, el amor que esta mintiendo quema en una hoguera todo mi querer. Por una cabeza todas las locuras su boca que besa borra la tristeza, calma la amargura. Por una cabeza si ella me olvida qué importa perderme, mil veces la vida para que vivir... Cuantos desengaños, por una cabeza, yo juré mil veces no vuelvo a insistir pero si un mirar me hiere al pasar, su boca de fuego, otra vez, quiero besar. Basta de carreras, se acabó la timba, un final reñido yo no vuelvo a ver, pero si algún pingo llega a ser fija el domingo, yo me juego entero, qué le voy a hacer. 30 4 unidad ⇒ Música que traspasa las fronteras
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Nota: -HOJA DE APUNTES _____________________________________________
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______________ 31 5 unidad ⇒ La visión del sujeto contemporáneo
El unplugged
Practica 1
/ lectoescritura musical
a)Ejercicios rítmicos: 1.-­‐ 2.-­‐ b)lectura musical :sol-­‐mi. 1.-­‐ 2.-­‐ c)dictado rítmico. 1.-­‐ 2.-­‐ 32 Contenido: Causas, origen y trascendencia del unplugged
En la década de los años 90, el predominio de la tecnología en las producciones musicales tuvo un gran crecimiento; variados efectos digitales (y análogos) que hacen tecnicamente más difícil (y onerosa) la manera de alcanzar un nuevo sonido. Esto produjo tal grado de sofisticación que en una forma muy lógica, el interés de los compositores, intérpretes y también del público, se volcara hacia el desarrollo de obras más simples, naturales y menos técnicas, resaltando las verdaderas virtudes técnicas de los instrumentistas. Ya a fines de la década de los 60, músicos especializados en trabajos audio experimentales realizados exclusivamente en estudios de grabación añoraban los “buenos tiempos” de los escenarios y de la “música fresca” de aquellas épocas. Sin embargo, la técnica tenía, en aquella época, mucho que entregar, de manera que tendrían que pasar casi 30 años de maravillosos inventos ( chorus, flanger, vibrato, tremolo, distortion, fuzz, overdrive, wah-­‐wah ) para que finalmente todo se saturara y la industria completa mirara hacia atrás buscando “la simpleza de la raíz” El término UNPLUGGED hace referencia a. -­‐ Desenchufado. Es decir, música realizada exclusivamente con instrumentos acústicos. -­‐ Serie de conciertos de la MTV: Conciertos organizados en la década de los 90 por la cadena MTV ( acrónimo de Music Television) para promocionar a diferentes artistas en una faceta interpretativa más natural y… exigente. La música chilena en los Unplugged MTV: Los Tres El 14 de septiembre de 1995 graban un concierto Unplugged en Miami para la cadena MTV, que saldría editado en un álbum llamado Los Tres MTV Unplugged, en abril de 1996. Este disco contiene varias canciones de los discos anteriores en versiones acústicas, una canción inédita, "Traje desastre", y tres temas originales de Roberto Parra, que había fallecido unos meses antes y en su honor fue dedicado el disco. El foxtrot “Quién es la que viene allí” se convirtió en un éxito inmediato, permaneciendo hasta la fecha como una de las canciones más recordadas. La Ley Durante el año 2000 fueron invitados por la cadena MTV a realizar una sesión acústica llamada La Ley MTV Unplugged. Este álbum recibe Discos de Oro y Platino en todo el continente americano, además de conseguir tres nominaciones al Grammy Latino, llevándose el galardón de "Mejor Álbum Vocal por un Grupo de Rock", ( único grupo chileno en lograrlo… hasta ahora) dos MTV Awards Latin America: "Mejor Artista Rock" y "Mejor Grupo del Año", varias nominaciones a los Premios Billboard Latin y un galardón ASCAP para Beto Cuevas, como compositor por "Mentira". Apoyo audio visual Video 1 Paul McCartney Su disco Unplugged oficializó el estilo dentro del mercado. http://www.youtube.com/watch?v=AbbY7VtbrMs Video 2 Los Tres http://www.youtube.com/watch?v=TcTwtonSiA4 Video 3 La Ley http://www.youtube.com/watch?v=m4D6LdhQJg8 Video 4 Mariah Carey : Antes de esta presentación, la artista soportó una serie de duras críticas que hacia dudar de su condición de cantante. http://www.youtube.com/watch?v=aScoeiH_wTs 33 Practica 2
/ lectoescritura musical
a)Ejercicios rítmicos: 1.-­‐ 2.-­‐ b)lectura musical :mi-­‐sol-­‐la. 1.-­‐ 2.-­‐ c) dictado rítmico. d) Dictado Melódico (sol-­‐mi). 34 Practica 3
/ lectoescritura musical
a) Ejercicios Rítmicos: 1.-­‐ 2.-­‐ b)Lectura musical : re-­‐ mi-­‐sol-­‐la. 1.-­‐ 2.-­‐ c) Dictado rítmico. d) Dictado Melódico (sol-­‐mi). 35 5 unidad ⇒ la visión del sujeto contemporáneo/unplugged
HOJA DE APUNTE Nota: ______________________________________________________________
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Zona centro, norte y sur de Chile.
Practica 1
/ lectoescritura musical
a)Ejercicios rítmicos: 1 2 b) lectura musical: Escala de Do mayor. c) dictado rítmico. 1.-­‐ 2.-­‐ d) Dictado Melódico (re-­‐mi-­‐sol-­‐la-­‐do). 37 Zona Centro
Es la zona más poblada del país y en la cual se conservan con mayor fuerza, las costumbres y tradiciones de la Madre Patria. Las favorables condiciones climáticas y geográficas que ofrece esta región para el desarrollo de la agricultura y la ganadería, decidieron a los españoles tomarla como el principal lugar de colonización del país. De este modo, la fusión que se produjo entre la música proveniente del viejo mundo con los elementos autóctonos, dio como resultado el surgimiento de la música criolla, expresión musical que tiene sus más típicos exponentes en el huaso y en el campesino. Las características más sobresalientes de esta música son: 1. 2. 3. 4. La marcada influencia española en los cantos y bailes. Empleo de los modos y escalas mayores y menores. (explicar a los alumnos los modos) Ritmos ágiles con predominio del compás de 6/8. Uso preferente, en el acompañamiento musical, de instrumentos cordófonos, notándose la ausencia de los aerófonos. PRINCIPALES DANZAS Y CANCIONES:
Cueca, tonada, villancico, parabién, esquinazo, pregón.
Cueca y tonadas: ritmo característico de la zona central, a primera vista muy parecidas, pero difieren en estructura siendo la cueca formalmente más estricta por su necesidad de respetar las partes del baile. La gran diferencia entre la cueca y la tonada es que la segunda no se baila. Villancicos o Tonadas al Niño: Son cantos navideños que se cantan delante del pesebre y en que los personajes bíblicos son nombrados según el lenguaje del pueblo: "Doña Mariquita", "Señora María", "Ño José", "Niño Manuelito", etc. Parabienes: Son cantos de saludo a los novios o recién casados. Esquinazos: Cantos destinados a saludar a personas o acontecimientos importantes. Toma su nombre de la antigua costumbre de ser cantados desde las esquinas. Pregones: Cantos de los vendedores populares para llamar la atención del público acerca de las "bondades" de sus mercancías. Existe una enorme cantidad de especies danzables, muchas de ellas ya desaparecidas o en vías de extinción. Entre las que gozaron de gran popularidad en el pasado figuran: el Cuando, el Aire, el Cielito, la Sajuriana, la Perdiz, el Pericón y la Resfalosa, algunas de las cuales llegaron a nuestro país con el Ejército Libertador en 1817. 38 Practica 2
/ lectoescritura musical
a)Ejerciciosrítmicos: 1 2 b)lectura musical : c)dictado rítmico. 1.-­‐ 2.-­‐ d) Dictado Melódico (re-­‐mi-­‐sol-­‐la-­‐do). 39 Zona norte
Zona Norte Las celebraciones religiosas toman especial significado en toda la zona andina de Chile, zona en la que se resalta un interés por las danzas y bailes como; el cachimbo, el huachitorito, el trote y la cueca nortina. En esta área la música y la danza cumplen un papel fundamental, debido a la multiplicidad de fiestas tradicionales en los distintos pueblos nortinos. La Tirana En el pueblo de La Tirana, a unos 20 kilómetros de Pica en medio de la Pampa del Tamarugal, entre los días 15 y 17 de julio se rinde homenaje a la Virgen del Carmen y a la tirana (una bellísima "ñusta" princesa noble inca). Lo pagano y lo religioso católico se mezclan en esta fiesta, que al igual que otras partes de Europa, se oculta lo pagano tras un sentido religioso. A esta celebración vienen visitantes de todas partes; Tacna, Oruro, Iquique, Tucumán, Santiago, Ovalle, La Serena, Arica, viajeros de Europa y Estados Unidos inclusive. Además, diferentes grupos de bailarines que rinden culto y devoción a la Virgen en la noche del 15 de julio, durante la vigilia, y que luego se extiende a lo largo de los siguientes días. La Virgen del Carmen es celebrada en todos los rincones de Chile por ser la patrona de los chilenos, así como de sus Fuerzas Armadas. En el Norte Chico, que comprende el área de Andacollo a Valparaíso, también los bailes tienen corte religioso. En esta área adquieren su máxima intensidad de práctica los bailes chinos; chino del quechua: servidor, que significa otra forma de adoración coreográfica a la divinidad, en este caso a Cristo, a la Virgen y a los Santos patronos de muchas localidades. Una de las fiestas religiosas de más renombre es de la Virgen de Andacollo. En contraste con la variedad de danzas y comparsas que acuden a la celebración de la Virgen del Carmen de La Tirana, muchas de las cuales son de origen peruano o boliviano, Andacollo define la pureza de sus tres bailes; chinos, turbantes y danzantes. 40 Zona sur Como la mayoría de las etnias sudamericanas, la mapuche posee una religiosidad arraigada en las fuerzas de la naturaleza. Por ejemplo, las plantas son infaltables en cada rito, especialmente el canelo, el árbol sagrado para este pueblo. Para el pueblo mapuche conviven en el universo dos fuerzas antagónicas, pero complementarias: las fuerzas positivas o Ngenechen (construcción y vida) y las negativas o Wekufu (destrucción y muerte), buscando el equilibrio. Sólo a las mujeres les estaba reservado el manejo de los asuntos espirituales o mágicos, existiendo también dos tipos de magia, la positiva (con la Machi, que ahuyentaba los malos espíritus y sanaba a los enfermos) y la negativa (la kalku). Para los mapuches la muerte no existía; las personas pasaban por diferentes estados a lo largo de su existencia. La muerte era el tránsito hacia el país de los muertos, donde el alma viviría eternamente en el Wenu Mapu, encontrandose on sus seres queridos y con dificultades según su actuar en la tierra. Nguillatún El ngillatún es básicamente un rito de petición de bienestar. Puede pedirse por el clima, la siembra, las cosechas, para que no haya enfermedades, por la abundancia de alimentos, por la fortaleza y vitalidad espiritual. Suele ser al menos una vez al año y puede ser que entes sobrenaturales, a través de peuma (sueño) y perimontún (visiones), indiquen la necesidad de realizar el rito en forma extraordinaria. Machitún Este rito de sanación es oficiado por la Machi, una persona consagrada por los dioses a la lucha contra las fuerzas del mal (wekufe). Esta persona debe ser iniciada en un rito en el cual se le asigna una jerarquía, la cual es representada por el número de peldaños labrados en un palo (kemú-­‐
kemú), que es el símbolo de su poder. Se supone que las machis son designadas por fuerzas sobrenaturales o fileus, que en algunos casos se reconocen como antepasados machis. En el Machitún se invoca a los fileus, chamanes del cielo, que manejan el arte de diagnosticar la causa de las enfermedades, que velan sobre sus colegas terrestres (machis) y los asisten en sus tratamientos. Bajo la influencia cristiana estos chamanes han cedido el paso a Dios o Ngenechén. La diferencia práctica entre ellos es imperceptible. Para el diagnóstico del mal, la machi puede valerse de distintos medios, la observación de la orina, por signos misteriosos, como la muerte o la quebradura de una extremidad en un animal, el movimiento de una gallina en círculos concéntricos o el hallazgo de huevos podridos. También, colocar un cordero encima del enfermo y luego examinar las entrañas del animal; o ser revelado desde el más allá, a través del pewutún, un rito en el cual la machi se comunica con las divinidades, con una prenda de vestir del enfermo realiza una serie de cantos y oraciones cayendo en trance, poseída por un espíritu al cual consultará sobre la enfermedad. Wetripantu Fiesta de año nuevo Mapuche; día sagrado y festivo celebrado cada 24 de Junio. 41 6 unidad ⇒ una canción para septiembre / EVALUACION /
-HOJA DE APUNTES-
42 7 unidad ⇒ Adaptación y Transformación
Introducción a la música y sonidos publicitarios Practica 1
/ lectoescritura musical
a)Ejercicios rítmicos: 1 2 b)lectura musical :Escala de Do mayor. c)dictado rítmico. 1.-­‐ 2.-­‐ d) Dictado Melódico (re-­‐mi-­‐sol-­‐la-­‐do). 43 Contenido: El Jingle
"jingle" es una pieza de música o canción que se usa para acompañar los anuncios de publicidad, tanto en radio como en televisión, aunque sobre todo en este último. Sus principales características son: -­‐ corta duración: de modo que quede grabado en la memoria de aquellos que lo escuchan, el cual es su objetivo. -­‐ fáciles de recordar: es mucho más sencillo recordar un texto o mensaje con una melodía incorporada. -­‐ ser persuasivos: deben ser pegajosos y con una melodía de acuerdo al mensaje que se quiere entregar (alegre, triste, sensual, etc.) -­‐ la brevedad: La brevedad hace que los escuchemos enteros. Ayudan a crear un "clima" especial con las marcas. Es decir, si el "jingle" gusta genera una relación especial entre quienes lo escuchan y la marca. Lo comentan y lo cantan, permitiendo reforzar los aspectos positivos de la misma y ayudando a reforzar su imagen de marca. Para crear un buen "jingle" es necesario desarrollar una adecuada estrategia publicitaria donde el mensaje de la campaña vaya acorde con la letra de la canción, permitiendo a los auditores relacionarla con la marca o producto y hacerse una imagen de la misma sin la necesidad de visualizarla. Una buena combinación de música y estribillo pegadizos y un adecuado slogan ayudarán a alcanzar el éxito deseado. Como ejemplo, recordemos algunos de los jingles publicitarios más famosos de todos los tiempos ¿Quién no se acuerda de estos pequeños motivos musicales? : 44 Tipos de jingle Jingle Publicitario.-­‐ Pieza musical cantada, de 20, 30, o 40 segundos de duración. Puede ir acompañado de un remate locutado y el cierre de un coro vocal que acentúe la melodía propuesta inicialmente. Jingle para Radio.-­‐ Es puntual, Generalmente tiene espacios para entradas o inserts de locución. Puede tener una duración de entre 10 y 60 segundos. Puede tener reducciones en tiempo. Utilizado para identificar Emisoras radiales, Canales de TV., programas, o separadores para secciones dentro de programas Jingle para Televisión.-­‐ Similar al anterior pero para Televisión. Generalmente sincronizan imágenes con la letra contenidas en el jingle. Generalmente tiene espacios para entradas o inserts en locucion. Jingle Identificador o Audio símbolo.-­‐ Pieza musical de muy corta duración y arreglos vocales corales armónicos y definidos. Generalmente no excede los 5 a 10 segundos, y dada su corta duración es utilizado en repetidas oportunidades para identificar marcas, servicios, patrocinios, programas o emisoras. También lo conocemos como “Jingle ID” o “Logo”. ¿Qué tan importantes son los denominados “jingles”? Los jingles son muy importantes porque ya que forman parte esencial de la construcción del formato radiofónico: también sintetizan el estilo y el alma de la emisora. Por todas estas razones, la creación de los jingles es confiada a profesionales y es fruto de estrategias de mercado y creatividades distintas. 45 Practica 2
/ Futuras fuentes laborales y de estudio.
Contenido: Aplicación de la música en la publicidad
Practica 2
/ lectoescritura musical
a)Ejerciciosrítmicos: 1 2 b)lectura musical :Escala de Do mayor. c)dictado rítmico. 1.-­‐ 2.-­‐ d) Dictado Melódico (re-­‐mi-­‐sol-­‐la-­‐do). 46 Aplicación de la música en la publicidad El trabajo de la música en la publicidad no es otro que el de conducir al potencial consumidor a través de las etapas del modelo AIDA, es decir, crear una música que sea capaz de captar la Atención, despertar el Interés, generar el Deseo y conducir a la Acción. Existen diferentes formas musicales en la publicidad: La música original, compuesta especialmente para la campaña. La música preexistente, escogida y adaptada para la campaña, previa negociación y pago de derechos. Puede además estar en diferentes planos: Como base para acompañar el mensaje. Como protagonista, que es el caso de los Jingles que escuchamos mayormente en las radios donde la música y el texto se unen y la música queda grabada en nuestra mente con asociación a la marca. La música y la persuasión: Cuando lanzamos un mensaje publicitario a la comunidad; uno de los factores que miden su éxito es el recuerdo, ya que con él, viene el posicionamiento tan deseado por las marcas. Es por eso, que a la hora de construir ese mensaje y su estrategia para llegar al consumidor, tenga en cuenta que en la música encontrará a uno de sus más fuertes aliados. Y por último, tenga en cuenta que si "una imagen vale más que mil palabras, agréguele música, y valdrá más de un millón". La función principal de la música en un anuncio es fijar el recuerdo, mediante repetición inconsciente de melodías pegadizas. Desarrollo técnico En la ambientación musical nos vemos abocados a tener que extraer, a captar de un fragmento musical su sentido expresivo. Podemos reconocer el sentido anímico y el sentido imitativo de cualquier música que escuchemos. El sentido anímico es aquel que nos afecta emocionalmente al escuchar un fragmento musical. La tristeza, la melancolía, el humor,... son sentimientos humanos que la música puede expresar por medio de la melodía, ritmo, timbre, armonía y forma. El sentido imitativo proporciona relevancia a acción, humorismo, calma, energía, grandiosidad, naturaleza, belleza, nobleza, colorido... Según lo que predomine en cada fragmento musical, se produce una sensación del oyente: La tesitura aguda y la tonalidad mayor nos producen la sensación de claridad lo que relacionamos con expresiones agradables. La menor la relacionamos con expresiones de aflicción. Los sonidos de tesitura grave, en modo mayor, producen sensacion de tranquilidad, paciencia, deseo, honor, orgullo... y en modo menor turbación, temor, desaliento, sospecha, cansancio... Los sonidos extremos (subgrave y sobreagudo) con armonía atonal producen sensación de terror, pesadumbre, maldad. 47 Practica 3
/ lectoescritura musical
a)Ejerciciosrítmicos: 1 2 b)lectura musical :Escala de Do mayor. c)dictado rítmico. 1.-­‐ 2.-­‐ d) Dictado Melódico (re-­‐mi-­‐sol-­‐la-­‐do). 48 Contenido: el opening y ending musical
OPENING El opening es un método usado en películas o programas de televisión para presentar su título, reparto principal o los miembros de producción, usando recursos visuales y auditivos. No debe ser confundida con los créditos de apertura que generalmente no son más que una serie de texto superpuesto. Desde la invención del cinematógrafo se usaban simples tarjetas con títulos para dar paso a las presentaciones de películas mudas con el objeto de identificar tanto el título de la película como la productora involucrada en ella, así como para señalar el comienzo y final de la película. En el cine mudo esas tarjetas eran usadas para comunicar diálogos y narración y es en esos momentos cuando podemos ver las primeras secuencias de apertura propiamente dichas, siendo bastante literalmente una serie de tarjetas mostradas al comienzo de la película. La llegada del sonido no alteró apenas esta convención excepto por el hecho de que ahora las tarjetas estaban acompañadas de música. Televisión En general las secuencias de apertura de televisión marcan en algún momento el programa con algún logo tipográfico. Alrededor de este elemento principal se puedan incorporar fragmentos de momentos destacados de anteriores episodios o mostrar al presentador o reparto principal. El acompañamiento musical puede ser instrumental o una canción que ayude a situar el tono del programa. En las series, como la secuencia de apertura se prepara al comienzo de las mismas, normalmente suele incluir escenas de episodios anteriores ya filmados cuando se prepara la secuencia. Aunque la secuencia de apertura puede ser modificada durante el transcurso de la serie para incorporar nuevos fragmentos de "momentos estelares" de otros episodios, tiende a permanecer igual en cada temporada. Tanta es la fuerza de una secuencia de apertura a la hora de expresar el concepto de un programa que a veces puede ser el primer elemento que un productor tome como blanco para lograr renovar un programa entre temporadas. Algunos programas han mostrado diferentes secuencias y bandas sonoras durante su emisión, mientras que en contraste, los programas que mantienen su popularidad por largo tiempo han mantenido sus secuencias de apertura durante décadas con sólo pequeñas variaciones. Por el contrario, mantener la secuencia de apertura original puede permitir la posibilidad de cambiar varios elementos en el programa sin perder la identidad del mismo en pantalla. Otras variaciones incluyen cambiar sólo la banda sonora pero manteniendo las mismas imágenes o viceversa. 49 A CONTINUACION TE MOSTRAMOS ALGUNOS DE LOS OPENINGS MAS FAMOSOS DE LA TELEVISIÓN. http://www.youtube.com/watch?v=d3z-­‐wYSOmY0 DRAGON BALL Z
http://www.youtube.com/watch?v=s0y_luEq_GQ EL CHAVO DEL 8
http://www.youtube.com/watch?v=CTgNDzkkMNs POKEMON
http://www.youtube.com/watch?v=bPZkSB-­‐qEO0 HORA DE AVENTURA
50 EL ENDING
El tema de cierre de una serie de televisión es una canción que se emite a la conclusión de cada episodio de la serie, junto con imágenes que hacen referencia a la misma o a sus personajes. Características de un ending El ending como el opening es un tema acortado adaptado a los tiempos de la televisión. No suele durar más de un minuto y medio, a pesar de que el tema original suele durar entre tres o cuatro minutos. La emisión del ending normalmente, aunque no necesariamente, incluye imágenes que hacen referencia al anime a la que pertenece. Su abreviación es conocida por las letras ED. Los ending es que generalmente son de corte melancólico, canciones románticas o lentas; quizá con la intención de que los oyentes melancolicen con el capítulo finalizado, aunque algunos son también muy movidos. Esta misma mayoría, trata sobre temas que tienen que ver con el amor. El negocio del ending El ending al igual que el opening ha tomado gran importancia para una serie tanto a nivel comercial, como económico. Una serie de éxito puede sacar provecho de su conocida música para sacar al mercado el ending como single, por ejemplo, que de hecho ya lo hacen así, convirtiéndose en un negocio redondo. Dicho CD suele venir con una versión remix de la dicha canción. Por otra parte, al poder escucharla en la radio o ver los vídeos de sus autores, se logra la relación que se pretende: recordar la serie de anime. Hay que mencionar también que estos dos mercados en Japón mueven millones de yenes al año. Además, el ending junto con el opening, puede ser el punto de partida para muchos cantantes o grupos noveles que prestan sus temas para ser expuestos en las series, las cuales se emiten a nivel nacional, por lo tanto, es en sí una plataforma ideal para los nuevos músicos y una forma camuflada de que los grupos conocidos mantengan su fama. ¡Cuál es tu ending favorito y por qué? _________________________________________________
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51 _________________________________________________
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7 unidad ⇒ sonidos y música publicitaria
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______________________________________________________________ 52 Unidad 8 El villancico y sus orígenes.
En sus orígenes un villancico es una forma musical y poética en castellano y portugués, tradicional de España, Latinoamérica y Portugal. Fueron populares entre los siglos XV y XVIII. Los villancicos eran canciones profanas de origen popular y armonizadas a varias voces. Posteriormente comenzaron a cantarse en las iglesias y a asociarse específicamente con la Navidad. Compositores notables de villancicos fueron Juan de Enzina y Juan Gutiérrez de Padilla. Actualmente, tras el declive de la antigua forma del villancico, el término pasó a denominar simplemente un género de canción cuya letra hace referencia a la Navidad y que se canta tradicionalmente en esas fechas. Su nombre se remonta al carácter popular de estas composiciones cantadas por los villanos o habitantes de las villas, generalmente campesinos u otros habitantes del medio rural. Canciones navideñas en la actualidad En la actualidad en los países de habla hispana se llama villancico a un amplio conjunto muy heterogéneo de composiciones musicales populares de muy diverso origen, época y estilo. En el siglo XVIII, la última época en la que el villancico se cantaba todavía en las celebraciones religiosas, este se fue quedando relegado a la celebración de festividades navideñas. Por este motivo el villancico quedó en la memoria popular como un género de canción específica de la Navidad, pasando a denominar por extensión a toda canción de temática navideña. Hoy en día el villancico sigue manteniendo su carácter coral y ha ganado territorio de manera impresionante en los países de habla inglesa. Los textos han evolucionado de tal forma que no solo se refieren al nacimiento sino también a Santa Claus, (El viejito pascuero), sus ayudantes e incluso a los renos. La forma del villancico moderno es variada pudiendo existir la clásica forma A-­‐
B-­‐A, A-­‐B, o simplemente la forma himnódica A. • Cantan santos angeles (Gloria) • Campana sobre campana • El tamborilero • Mi burrito sabanero • Noche de Paz • Villancico de las campanas • Adeste fideles (venis adoremos) • Los peces en el río 53 Los autos sacramentales.
Un auto sacramental es una obra de teatro religiosa de uno o varios actos y de tema preferentemente religioso. que se representaba el día del Corpus entre los siglos XVI y XVIII, hasta la prohibición del género en 1765, por lo general con gran aparato escenográfico.Las representaciones comprendían en general episodios bíblicos, misterios de la religión o conflictos de carácter moral y teológico. Inicialmente eran representados en los templos o pórticos de las iglesias. El más antiguo testimonio del género es el denominado "Auto de los Reyes Magos". Auto sacramental es aquella pieza teatral, la mayoría de las veces musicalizada o con canciones, de un único acto, con carácter alegórico y religioso, que gira fundamentalmente al rededor de la Eucaristía y que se representaba generalmente en la festividad del Corpus Christi. De hecho Lope de Vega Lope en una Loa entre un villano y un labrador, introductora del auto El dulce nombre de Jesús,da una definición del género: «-­‐¿Y qué son autos? – Comedias a honor y gloria del Pan que tan devota celebra esta coronada villa, porque su alabanza sea confusión de la herejía y gloria de la fe nuestra, todas de historias divinas». En definitiva podemos concluir y definir el auto sacramental como la pieza teatral con música que usa de la alegoría como forma de aludir a la Eucaristía, defendiendo los dogmas católicos por los que se considera al pan y al vino de la misa como verdadera Sangre y Cuerpo de Cristo tal y como en los Evangelios sinópticos se nos atestigua. 54 Las procesiones, vía crucis o pasión de Cristo realizadas en chile y en diversos países latinoamericanos con motivo de celebración de la semana santa representan uno de los pocos rastros y reminiscencias de los autos sacramentales en la actualidad. 55 Repertorio
/ EL TAMBORILERO/
El camino que lleva a Belén
baja hasta el valle que la nieve cubrió.
Los pastorcillos quieren ver a su Rey,
le traen regalos en su humilde zurrón
al Redentor, al Redentor.
Yo quisiera poner a tu pies
algún presente que te agrade Señor,
mas Tú ya sabes que soy pobre también,
y no poseo más que un viejo tambor.
(rom pom pom pom, rom pom pom pom)
¡En tu honor frente al portal tocaré
con mi tambor !
El camino que lleva a Belén
voy marcando con mi viejo tambor,
nada hay mejor que yo pueda ofrecer,
su ronco acento es un canto de amor
al Redentor, al Redentor.
Cuando Dios me vió tocando ante El me
sonrió. 56 57 Blanca Navidad Oh, blanca Navidad, sueño y con la nieve alrededor blanca es mi quimera y es mensajera de paz y de puro amor Oh, blanca Navidad, nieve una esperanza y un cantar recordar tu infancia podrás al llegar la blanca navidad 58 Principios Básicos de la teoría musical,
La música es el arte de ordenar los sonidos con cierta intencionalidad artística fundante. Estos (sonidos) pueden ser representados mediante el uso de símbolos. El pentagrama es el soporte esencial de los símbolos musicales y está formado por cinco líneas horizontales y cuatro espacios en los que se escriben las notas que son “regidas” por una llave o clave. La llave o clave de Sol se utiliza generalmente para los sonidos agudos y comienza en la segunda línea. Memorización de notas Nombre de las Líneas en Clave de Sol Para poder leer la música es imprescindible saber de forma rápida la nota que corresponde a cada espacio y línea del pentagrama. Nombre de los Espacios en Clave de Sol 59 La escala de Do es la más fácil; posee 7 notas o “grados” a los que se les pueden anteponer las alteraciones sostenidos (#) o bemoles (b). He aquí la escala de Do, sus grados y relación con las notas del piano. ` DO CENTRAL
DO´ AGUDO
60 La flauta
En el siguiente diagrama se representa cada una de las digitaciones necesarias para el uso en clase. El gráfico muestra la misma ubicación y orden de las notas del piano comenzando en el Do central que equivale a la primera posición de la flauta (con todos los hoyos tapados) hasta el la` (agudo) pasando por todas las alteraciones (# y b). Además se relaciona con el piano y el pentagrama. Do# re# fa# sol# la# do#´ re#´ fa#´ sol#´ Reb mib solb lab sib reb´ mib´ solb´ lab´ Do
Re
Mi
Fa
Sol
La
Si
61 Do´
Re´
Mi´
Fa´
Sol´
La´ La Guitarra.
La guitarra es uno de los instrumentos más queridos y difundidos a través del mundo. Por la propia experiencia, esto se debe a la gran versatilidad de interpretación que posee ya sea como instrumento solista o acompañante y, porque no decirlo, a su valor y comodidad de tamaño. Desde un punto de vista funcional pedagógico comenzaremos entendiendo la guitarra como instrumento esencialmente acompañante de la voz, es por ello que es necesario conocer el método más difundido de lectura armónica o de acordes: la clave americana.
Clave americana
DO RE MI FA SOL LA SI DO
C
D E F
G
A
B C
LA SI DO RE MI FA SOL LA
Para designar un acorde mayor basta colocar la letra que lo designa en mayúscula. En el caso de los menores se debe agregar una “m” minúscula: A
B
C D E
Ejemplo: C = Do Mayor F
G A
Cm = Do menor En algunos casos también se puede indicar la nota que debe sonar en el bajo: Ejemplo: C/G = Do Mayor con bajo en Sol Am/G # = La menor con bajo en Sol # También las notas agregadas: Ejemplo: E7 = Mi con séptima. D9 = Re con novena 62 En este gráfico podrás encontrar todas las notas de la guitarra. 63 Mis Acordes de Guitarra. 64 EL PIANO Y EL METALÓFONO.
Ahora que comprendemos lo que respecta a la lectura, tanto en llave de sol como de fa, daremos paso a los primeros ejercicios de digitación esenciales para iniciar un buen camino en el estudio del piano. En el caso del Metalófono, la lectura se hace de la misma manera que en el piano y posee igual distribución de las notas. Se recomienda uso intercalado de baquetas. Piano Digitación (Dedaje) 65 EL BAJO
En una Banda de cualquier tipo, existen dos instrumentos esenciales cuya función es la de mantener el pulso firme y claro. La batería y el bajo. Normalmente el bajo va de la mano del bombo, y además de marcar los pulsos da el sustento armónico. Escala Diatónica de Do M 66 BATERÍA O PERCUSIONES
La Escritura de la batería puede cambiar, pero generalmente funciona de la siguiente manera. Leeremos “como si fuera” una partitura en clave de sol. Donde la “x”, ubicada en el espacio del sol agudo, representa al hit –hat cerrado, la figura en el espacio de do agudo, la caja; y el fa, el bombo. Esta es la base 1, es la más sencilla en 4/4 y sirve para acompañar casi cualquier tema. Base 1 La base 2 es un claro ejemplo de acompañamiento básico en ritmo ternario, en este caso 12/8. Esta base sirve especialmente para cierto tipo de baladas bluseras. Base 2 67 Anexo:
68 69 70