Download Libro Músicas Contemplativas 2015 - COMPOSTELA

IX FESTIVAL
Santiago de Compostela
Semana Santa 2015
Camiños...
IX FESTIVAL
Cantatas para alto de Bach
REAL FILHARMONÍA DE GALICIA
MAXIMINO ZUMALAVE director
MARTA INFANTE mezzosoprano
Convento do Carme de Arriba
mércores 1 abril / 21.00
Camiños...
Viaxes… camiños de espiritualidade
Paixón… polo Clasicismo vienés
REAL FILHARMONÍA DE GALICIA
ALINA POGOSTKINA violín
ANDREW GOURLAY director
Auditorio de Galicia
venres 27 marzo / 21.00
Sema… a cerimonia dos dervixes
MESHK ENSEMBLE
Cidade da Cultura
sábado 28 marzo / 19.00
Turquía
Cancioneiros do Renacemento español
LUCENTUM XVI
Alacante
TOBIE MILLER
zanfona Canadá
Igrexa de San Fiz de Solovio
xoves 2 abril / 19.00
Cancións de Afganistán
ZOHREH JOOYA &
ENSEMBLE AFGHAN
Igrexa da Universidade
xoves 2 abril / 21.00
Irán / Afganistán / España
Tradición e improvisación
na música clásica do sur da India
SHASHANK SUBRAMANYAM
Capela da Orde Terceira
venres 3 abril / 19.00
India
San Domingos de Bonaval
sábado 28 marzo / 21.00
Kampo Domîz… o doloroso camiño do exilio
Da Pacem Domine…
Igrexa da Universidade
venres 3 abril / 21.00
GANI MIRZO
BANDA MUNICIPAL DE MÚSICA DE SANTIAGO
Convento do Carme de Arriba
domingo 29 marzo / 19.30
Poesía e música na vida de santa Teresa
Cantorais de polifonía na Catedral de Santiago
CAPELA ANTIGA DO
ORFEÓN TERRA A NOSA
Igrexa de San Miguel
domingo 29 marzo / 21.00
Galicia
¡Ay Santa María!... as Cantigas de Afonso X
RESONET Galicia
ESCOLANÍA DA CATEDRAL DE SANTIAGO
San Paio de Antealtares
luns 30 marzo / 21.00
Cristóbal de Morales… Réquiem
MUSICA FICTA
Madrid
Convento de Santa Clara
martes 31 marzo / 20.30
Para lá do Fado… de Coimbra a Fisterra
PROJECTO ALBA
Portugal
Igrexa da Universidade
mércores 1 abril / 19.00
Siria / Alxeria / España
JOSÉ MANUEL MONTERO tenor Madrid / Murcia
JUAN RAMÓN HERNÁNDEZ arpa
Igrexa de San Fiz de Solovio
sábado 4 abril / 19.00
A Nouba de Arxel
BEIHDJA RAHAL
Alxeria
Igrexa da Universidade
sábado 4 abril / 21.00
Américas...
ORQUESTRA NOVA
DA SINFÓNICA DE GALICIA
ANDRÉS SALADO director
Auditorio de Galicia
domingo 5 abril / 19.00
Cánticos e himnos en torno a
san Francisco de Asís
ARS ATLÁNTICA
Galicia / Navarra / Aragón
Capela da Orde Terceira
domingo 5 abril / 21.00
IX FESTIVAL
Santiago de Compostela
Semana Santa 2015
O Camiño, ruta milenaria de peregrinación e
intercambio cultural, foi sempre e é unha rica
fonte de inspiración e creatividade… Creatividade, compromiso, experiencias non faltarán
nesta edición do Festival de Músicas Contemplativas na que chegan manifestacións
artísticas e musicais procedentes de moitos
recunchos do mundo seguindo os seus propios “camiños”… Camiños de peregrinación, de
cultura, de paz, de exilio…, vividos con intensidade, en ocasións dolorosamente… Camiños,
ás veces simbólicos, nos que a música, a arte,
atopan vías para o diálogo, o intercambio, a
conciliación, a esperanza… O Festival de Músicas Contemplativas cumpre a súa novena
edición, entre o 27 de marzo e o 5 de abril, fiel á
súa vocación de combinación dos patrimonios
musical e artístico: dezasete concertos encherán de música a Semana Santa compostelá en
espazos singulares da cidade como o Auditorio
de Galicia e a Cidade da Cultura, as igrexas de
San Paio de Antealtares, San Fiz de Solovio,
Orde Terceira, Universidade, San Domingos
de Bonaval e San Miguel ou os conventos do
Carme de Arriba, San Paio de Antealtares e
Santa Clara.
amosará a súa sensibilidade e compromiso
cos exiliados do seu país nun concerto no que
combina temas do seu último traballo discográfico, titulado Kampo Domîz (un campo de
refuxiados sirios no Kurdistán iraquí), con algunhas das súas mellores composicións froito dunha activa carreira recoñecida polo seu
labor na fusión de xéneros e tradicións como
as músicas kurda e xenericamente oriental,
o flamenco e o jazz. Respectada e unha referencia na recuperación e na docencia da
tradición musical arabo-andalusí, a arxelina
Beihdja Rahal descubriranos a Nouba, o corazón da tradición musical da cidade magrebí
de Alxer e a expresión máis clásica da música
arabo-andalusí. Zooreh Jooya e o Ensemble
Afghan ensinarannos coas súas Cancións de
Afganistán unha tradición musical que se atopa
entre as máis refinadas de Asia.
Peregrinacións e viaxes... Como a realizada
hai 800 anos a Santiago de Compostela por
san Francisco de Asís, unha das figuras máis
emblemáticas do mundo cristián, e apaixonado pola música, á que rende homenaxe musical Ars Atlántica nun programa con himnos
ambrosianos e gregorianos deseñado polo
arpista compostelán Manuel Vilas. Ou a da
virtuosa zanfonista canadense Tobie Miller,
que convencida da “viaxe como pasaxe na
vida” traduce a súa experiencia vital e viaxeira
nun programa no que alterna composicións
orixinais con improvisacións e adaptacións
sobre temas da tradición relixiosa doutras
culturas. Botaremos unha ollada cara o sur,
cara o Camiño Portugués, nunha ruta de ida e
volta na compaña do novo Projecto Alba, que
no seu concerto retrata unha viaxe musical
que parte da canción de Coimbra, do Fado,
pasa por temas asociados a cidades do norte
de Portugal e chega até a canción galega.
Ademais de a san Francisco de Asís, tamén
Turquía, Siria, Alxeria, Afganistán e a India son
algún dos países representados no festival…
Na actuación do Meshk Ensemble turco poderemos gozar dunha ilustrativa mostra do
cerimonial Sema, dos semazen (dervixes) sufís, que inclúe pezas dun singular patrimonio
perdidas e recuperadas como froito das investigacións do seu director Timuçin Çevikoğlu.
Co mestre da frauta de bambú, nominado
aos Grammy, Shashank Subramanyan e o
percusionista Sai Giridhar poderemos adentrarnos na tradición musical de 4.000 anos de
antigüidade e na práctica de improvisación da
música clásica do sur da India. Residente en
España hai dúas décadas, o sirio Gani Mirzo
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Camiños...
teremos a oportunidade de lembrar e descubrir o mundo poético-musical doutra santa,
Teresa de Ávila, no seu quinto centenario,
nunha proposta na que o tenor José Manuel
Montero e o arpista Juan Ramón Hernández
interpretarán os seus poemas recitados e
cantados con tons da liturxia e músicas de
compositores da época.
Johann Sebastian Bach, mestre entre mestres,
verteu boa parte do seu xenio e laboriosa mestría na cantata relixiosa. A Real Filharmonía de
Galicia e Maximino Zumalave volven este ano
a centrar a súa atención nestas cantatas, das
que se conservan 200, e fano xunto á mezzosoprano ilerdense Marta Infante para interpretar dúas das tres cantatas escritas para a
voz de alto por Bach durante o verán de 1726,
un período no que o cantor de Leipzig debeu
contar cunha virtuosa cantante. As orquestras
galegas están dobremente representadas no
festival e a Real Filharmonía de Galicia será a
encargada de inaugurar o festival no Auditorio
de Galicia, compartindo escenario con emerxentes talentos como os do director británico
Andrew Gourlay e a violinista xermana de orixe
ruso Alina Pogostkina, cun programa inspirado
no Clasicismo vienés no que ademais poderemos descubrir as heteroxéneas Humoresques
para violín e orquestra do finés Jean Sibelius.
Fiel á súa cita anual co festival e como froito
do encontro orquestral para novos intérpretes
que o Consorcio para Promoción de Música da
Coruña organiza nestas datas, contamos coa
participación da Orquestra Nova da Sinfónica
de Galicia, un conxunto que é a viva imaxe do
futuro da música clásica en Galicia. O Festival
de Músicas Contemplativas achega referencias do noso patrimonio musical e doutras
culturas presentadas por un sólido elenco de
artistas internacionais que comparten un estimulante cartel ao carón de músicos galegos
e chegados a Compostela, como se dunha peregrinación musical se tratase, de diferentes
puntos da península Ibérica.
O Réquiem de Cristóbal de Morales, referente
da polifonía renacentista ibérica, sempre gozou, durante séculos e até os nosos días, da
admiración doutros compositores: esta obra
mestra será interpretada por unha agrupación
da categoría de Musica Ficta, conxunto con
máis de vinte anos de experiencia e considerado un dos máis destacados renovadores da interpretación da música antiga en España. Cos
menestreis, cornetos, chirimías, sacabuches e
serpentóns, do conxunto alacantino Lucentum
XVI seguiremos inmersos nas músicas do Renacemento escoitando magníficos exemplos
contidos nos manuscritos do século XVI, hoxe
coñecidos como cancioneiros. Magna obra,
probablemente a máis importante da Idade
Media occidental, estudada a nivel teórico e
interpretada por todo o mundo son as Cantigas de Santa María de Afonso X que serán
presentadas por dúas iniciativas musicais
composteláns da relevancia de Resonet e a
Escolanía da Catedral. Camiño dos seus cincuenta anos de historia, unha institución de
referencia na vida musical compostelá como o
Orfeón Terra a Nosa presenta, a través da súa
Capela Antiga, un programa de polifonía coral vinculado á catedral de Santiago, mentres,
para a súa segunda participación consecutiva
no festival, a Banda Municipal de Música de
Santiago confeccionou un variado programa
de composicións orixinais, transcricións e
arranxos para orquestras de ventos de himnos, marchas e corais.
Agustín Hernández Fernández de Rojas
Alcalde de Santiago de Compostela
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inauguración
Paixón… polo Clasicismo vienés
Pasión… por el Clasicismo vienés
REAL FILHARMONÍA DE GALICIA
ALINA POGOSTKINA violín
ANDREW GOURLAY director
Parte 1
Franz Joseph Haydn (1732-1809)
Sinfonía núm. 49 en fa menor, “A Paixón”
Adagio
Allegro molto
Menuet e Trio
Finale: Presto
Ludwig van Beethoven (1770-1827)
Romanza para violín núm. 2 en Fa maior, op. 50
Parte 2
Jean Sibelius (1865 - 1957)
Seis humoresques para violín e orquestra
Humoresque núm. 1, op. 87 núm. 1
Humoresque núm. 2, op. 87 núm. 2
Humoresque núm. 3, op. 89 núm. 1
Humoresque núm. 4, op. 89 núm. 2
Humoresque núm. 5, op. 89 núm. 3
Humoresque núm. 6, op. 89 núm. 4
Johannes Brahms (1833-1897)
Variacións sobre un tema de Haydn, op. 56
Tema. Andante
Variación I. Poco più animato
Variación II. Più vivace
Variación III. Con moto
Variación IV. Andante con moto
Variación V. Vivace
Variación VI. Vivace
Variación VII. Grazioso
Variación VIII. Presto non troppo
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Auditorio de Galicia
venres 27 marzo
21.00
Paixón… clasicismo vienés
e un ano para Sibelius
Pasión… clasicismo vienés
y un año para Sibelius
Joseph Haydn (1732-1809) compuxo nun
momento de transición no seu pensamento
musical a Sinfonía núm. 49 en fa menor, Hob.
I/49 “A Paixón”. Este sobrenome aparece por
primeira vez nunha copia de 1790 e posiblemente fai referencia ao seu profundo e case
contemplativo carácter definido polo atípico
feito de presentar os seus catro movementos
na tonalidade de fa menor; ou quizais tan só
se deba a que a sinfonía se estreou para celebrar a Pascua na corte de Esterházy, onde
Haydn era director musical. Formalmente, o
primeiro movemento é un solemne Adagio,
mentres que o usual Allegro en forma sonata aparece como segundo tempo. O Trío
do Minuetto, en Fa maior, acende unha suave
luz no medio do escuro ton xeral da obra a
pesar da carga case dramática da súa sección principal. Un axitado Presto remata esta
sinfonía que, páxina a páxina, demostra a súa
singularidade.
Joseph Haydn (1732-1809) compuso en un
momento de transición en su pensamiento
musical la Sinfonía núm. 49 en fa menor, Hob.
I/49 “La Pasión”. Este sobrenombre aparece
por primera vez en una copia de 1790 y posiblemente hace en referencia a su profundo y
casi contemplativo carácter definido por el atípico hecho de presentar sus cuatro movimientos en la tonalidad de fa menor; o quizás tan
solo se deba a que la sinfonía se estrenó para
celebrar la Pascua en la corte de Esterházahy,
donde Haydn era director musical. Formalmente, el primer movimiento es un solemne
Adagio, mientras que el usual Allegro en forma
sonata aparece como segundo tiempo. El Trío
del Minuetto, en Fa mayor, enciende una suave
luz en medio del oscuro tono general de la
obra a pesar de la carga casi dramática de su
sección principal. Un agitado Presto remata
esta sinfonía que, página a página, demuestra
su singularidad.
A extensa produción de Ludwig van Beethoven
(1770-1827) non é excesivamente xenerosa co
violín como solista, pero antes dunha obra clave como o Concerto para violín en Re maior, op.
61 sitúase a creación de dúas breves pezas casuais e ligadas aínda ao mundo do dezaoito: as
romanzas para violín e orquestra catalogadas
cos números 40 e 50. A Romanza en Fa maior,
op. 50 posúe un suxestivo rondó mozartiano
indicado como Adagio cantabile, nostálxico e
intimista, marcado pola graza e a lixeireza e
caracterizado pola elegancia e a variedade da
combinación instrumental.
La extensa producción de Ludwig van Beethoven
(1770-1827) no es excesivamente generosa con
el violín como solista, pero antes de una obra
clave como el Concierto para violín en Re mayor,
op. 61 se sitúa la creación de dos breves piezas
casuales y ligadas aún al mundo dieciochesco:
las romanzas para violín y orquesta catalogadas con los números 40 y 50. La Romanza en Fa
mayor, op. 50 posee un sugestivo rondó mozartiano indicado como Adagio cantabile, nostálgico
e intimista, marcado por la gracia y la ligereza y
caracterizado por la elegancia y la variedad de
la combinación instrumental.
Tras unha grave aínda que exitosa operación
cirúrxica, Jean Sibelius (1865-1957) entra nun
período de profundo pesimismo que o leva a
experimentar estilisticamente co expresionismo e as vangardas. Nesa etapa comeza
a escribir a primeira das pezas da súa serie
Humoresques, conxunto de obras para violín e
orquestra datadas en 1917 que, separadas en
dous números de opus (87 e 89), pode entenderse como unha brillante suite de seis pezas
Tras una grave aunque exitosa operación quirúrgica, Jean Sibelius (1865-1957) entra en un
periodo de profundo pesimismo que le lleva a
experimentar estilísticamente con el expresionismo y las vanguardias. En esa etapa comienza a escribir la primera de las piezas de su serie
Humoresques, conjunto de obras para violín y
orquesta fechadas en 1917 que, separadas en
dos números de opus (87 y 89), puede entenderse como una brillante suite de seis piezas
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para orquestra (algunha delas só con corda)
cun violín solista integrado no conxunto e sen
virtuosismos excesivos. De carácter sinxelo,
aforístico e mesmo misterioso, o espírito
transcendental das Humoresques pertence
sobre todo ao desexo clásico da nova época,
incluíndo o seu subliñado e abstracto sentido
modal envorcadas nas súas elegantes e orixinais melodías baseadas, algunhas delas, en
danzas como mazurcas ou gavotas.
para orquesta (alguna de ellas sólo con cuerda)
con un violín solista integrado en el conjunto y
sin virtuosismos excesivos. De carácter sencillo, aforístico e incluso misterioso, el espíritu
trascendental de las Humoresques pertenece
sobre todo al deseo clásico de la nueva época,
incluyendo su subrayado y abstracto sentido
modal volcadas en sus elegantes y originales
melodías basadas, algunas de ellas, en danzas
como mazurcas o gavotas.
Karl F. Pohl (musicólogo e biógrafo de Haydn)
facilitou a Johannes Brahms (1833-1897) un
tema moi popular titulado Coral de Santo Antonio atribuído a Joseph Haydn (finalmente
revelouse que pertencía ao seu alumno Ignacio Pleyel) sobre a que compuxo as Variacións
sobre un tema de Haydn, op. 56. A obra está
estruturada en oito variacións precedidas
pola presentación do tema e unha passacaglia
final. Á exposición do tema principal, un andante co solemne carácter dunha peza coral
relixiosa mostrado por instrumentos de vento
madeira e as trompas, ségueno as variacións,
que conservan a estrutura básica do tema
pero que desenvolven diferentes recursos
melódicos, rítmicos e harmónicos e dan lugar
a diálogos, polifonías e novos motivos temáticos ata que a obra finaliza de modo grandioso
co tema da coral.
Karl F. Pohl (musicólogo y biógrafo de Haydn)
facilitó a Johannes Brahms (1833-1897) un
tema muy popular titulado Coral de San Antonio
atribuido a Joseph Haydn (finalmente se reveló que pertenecía a su alumno Ignacio Pleyel)
sobre el que compuso las Variaciones sobre un
tema de Haydn, op. 56. La obra está estructurada
en ocho variaciones precedidas por la presentación del tema y una passacaglia final. A la exposición del tema principal, un andante con el
solemne carácter de una pieza coral religiosa
mostrado por instrumentos de viento madera
y las trompas, le siguen las variaciones, que
conservan la estructura básica del tema pero
que desarrollan diferentes recursos melódicos,
rítmicos y armónicos y dan lugar a diálogos,
polifonías y nuevos motivos temáticos hasta
que la obra finaliza de modo grandioso con el
tema de la coral.
REAL FILHARMONÍA DE GALICIA
REAL FILHARMONÍA DE GALICIA
Iniciou a súa actividade en 1996 no Auditorio de Galicia, en Santiago de Compostela,
onde presenta a súa temporada estable de
concertos. O seu primeiro director titular foi
Helmuth Rilling (1996-2000), a quen sucedeu
Antoni Ros Marbà (2000-2012). Dende 2013,
Paul Daniel é o seu director titular e artístico.
O compostelán Maximino Zumalave, vinculado
á orquestra dende o seu nacemento, é director
asociado, e Christoph König o principal director
convidado. Ademais da temporada de concertos en Santiago mantén unha activa presenza
no resto de cidades galegas e realizou varias
xiras internacionais por Austria, Alemaña,
Francia, Brasil, Arxentina e, especialmen-
Inició su actividad en 1996 en el Auditorio de
Galicia, en Santiago de Compostela, donde presenta su temporada estable de conciertos. Su
primero director titular fue Helmuth Rilling
(1996-2000), a quien sucedió Antoni Ros Marbà (2000-2012). Desde 2013, Paul Daniel es
su director titular y artístico. El compostelano
Maximino Zumalave, vinculado a la orquesta
desde su nacimiento, es director asociado, y
Christoph König el principal director invitado.
Además de la temporada de conciertos en
Santiago mantiene una activa presencia en
el resto de ciudades gallegas y realizó varias
giras internacionales por Austria, Alemania,
Francia, Brasil, Argentina y, especialmente,
8
te, Portugal. Paralelamente, potencia a súa
actividade en Santiago cun ciclo de cámara
e cos concertos didácticos que dende 1996
organiza co Auditorio de Galicia e polos que
pasan máis de 7.000 escolares galegos cada
ano. En 2009 presentou dous traballos discográficos inéditos dedicados a Manuel de Falla
e Frederic Mompou e, en 2012, un novo disco
dedicado a Ravel. Estreitamente vinculada á
RFG está a Escola de Altos Estudos Musicais
que imparte o Curso avanzado de especialización orquestral, cos músicos da orquestra
como profesores. Forma parte da Asociación
Española de Orquestas Sinfónicas.
Portugal. Paralelamente, potencia su actividad
en Santiago con un ciclo de cámara y con los
conciertos didácticos que desde 1996 organiza con el Auditorio de Galicia y por los que
pasan más de 7.000 escolares gallegos cada
año. En 2009 presentó dos trabajos discográficos inéditos dedicados a Manuel de Falla y
Frederic Mompou y, en 2012, un nuevo disco
dedicado a Ravel. Estrechamente vinculada a
la RFG está la Escuela de Altos Estudios Musicales que imparte el Curso avanzado de especialización orquestal, con los músicos de la
orquesta como profesores. Forma parte de la
Asociación Española de Orquestas Sinfónicas.
ANDREW GOURLAY director
ANDREW GOURLAY director
Nacido en Xamaica, de ascendencia rusa,
criouse na Bahamas, Filipinas, Xapón e
Inglaterra. Trombón e pianista de profesión,
gañou unha bolsa de posgrao para estudar
dirección no Royal College of Music de
Londres, onde preparou sinfonías de Bruckner
con Bernard Haitink e sinfonías de Mozart
con Roger Norrington. Foi seleccionado
pola revista Gramophone como o ‘One to
Watch’, e pola BBC Music Magazine como o
‘Star Rising: grandes artistas do mañá’. En
2010 recibiu o primeiro premio no Concurso
Internacional de Dirección de Cadaqués, o
que lle permitiu realizar concertos con 29
orquestras de todo o mundo, e ser durante
dous anos director asistente de sir Mark Elder
e a Hallé Orchestra e da Nova Orquestra da
Haia. Realizou gravacións coa Orquestra
Sinfónica de Londres, a Orquestra de Cámara
irlandesa, a BBC Symphony Orchestra, a BBC
Scottish Symphony Orchestra e a Orquestra
Nacional da BBC de Gales. Tamén ocupou en
dúas ocasións o posto de sir Colin Davis no
Barbican e traballou como “cover condutor”
para Valery Gergiev e Kurt Masur. Os seus
logros operísticos inclúen Rusalka e A
Traxedia de Carmen como director musical
na English Touring Opera e As vodas de Fígaro
na Escola Internacional de Ópera Benjamin
Britten. Tamén traballou como director
Nacido en Jamaica, de ascendencia rusa, creció
en la Bahamas, Filipinas, Japón e Inglaterra.
Trombonista y pianista de profesión, ganó una
beca de postgrado para estudiar dirección en
el Royal College of Music de Londres, donde
preparó sinfonías de Bruckner con Bernard
Haitink y sinfonías de Mozart con Roger
Norrington. Fue seleccionado por la revista
Gramophone como el ‘One to Watch’, y por
la BBC Music Magazine como el ‘Star Rising:
grandes artistas del mañana’. En 2010 recibió
el primer premio en el Concurso Internacional
de Dirección de Cadaqués, lo que le permitió
realizarconciertos con 29 orquestas de todo
el mundo, y ser durante dos años director
asistente de sir Mark Elder y la Hallé Orchestra
y de la Joven Orquesta de la Haya. Ha realizado
grabaciones con la Orquesta Sinfónica de
Londres, la Orquesta de Cámara irlandesa,
la BBC Symphony Orchestra, la BBC Scottish
Symphony Orchestra y la Orquesta Nacional
de la BBC de Gales. También ha ocupado en
dos ocasiones el puesto de sir Colin Davis en
el Barbican y trabajó como “cover conductor”
para Valery Gergiev y Kurt Masur. Sus logros
operísticos incluyen Rusalka y La Tragedia de
Carmen como director musical en la English
Touring Opera y Las bodas de Fígaro en la Escuela
Internacional de Ópera Benjamin Britten.
También ha trabajado como director asistente
9
asistente no Glyndebourne Festival Opera.
Recentes e futuros retos inclúen actuacións
coa BBC Symphony, BBC Philharmonic, BBC
NOW, BBC Scottish Symphony, Philharmonia,
London Philharmonic, Hallé, RLPO, Orchestra
of Opera North, Royal Northern Sinfonia,
Ulster Orchestra, RTE Symphony Orchestra,
Sinfonia Viva, Aurora Orchestra at Wigmore
Hall, Melbourne Symphony, Rotterdam
Philharmonic, Stavanger Symphony, Royal
Flemish Philharmonic, Rostov Philharmonic,
Orchestre National Bordeaux Aquitaine,
Orquesta Sinfónica de Chile, orquestras de
toda España e coa London Sinfonietta no 2013.
Ademais de traballar xunto ao Francesconi’s
Quartett no Royal Opera House, Covent
Garden. Foi trombón profesional ata os seus
vintecinco anos, actuou coa Philharmonia,
Hallé, BBC Philharmonic, Orquestra Nacional
da BBC de Gales, London Sinfonietta e Opera
North, e realizou unha xira por Sudamérica
e Europa como membro da Gustav Mahler
Jugendorchester baixo a dirección de Claudio
Abbado. No ámbito da música de cámara
destaca por gañar o concurso de Música
Royal Over-Seas League. Presentou The Early
Music Show en BBC Radio 3 e moitas das súas
funcións difundíronse nesta emisora.
en el Glyndebourne Festival Opera. Recientes y
futuros retos incluyen actuaciones con la BBC
Symphony, BBC Philharmonic, BBC NOW, BBC
Scottish Symphony, Philharmonia, London
Philharmonic, Hallé, RLPO, Orchestra of Opera
North, Royal Northern Sinfonia, Ulster Orchestra,
RTE Symphony Orchestra, Sinfonia Viva,
Aurora Orchestra at Wigmore Hall, Melbourne
Symphony, Rotterdam Philharmonic, Stavanger
Symphony, Royal Flemish Philharmonic, Rostov
Philharmonic, Orchestre National Bordeaux
Aquitaine, Orquesta Sinfónica de Chile,
orquestas de toda España y con la London
Sinfonietta en el 2013. Además de trabajar
junto al Francesconi’s Quartett en el Royal
Opera House, Covent Garden. Fue trombonista
profesional hasta sus veinticinco años, actuó
con la Philharmonia, Hallé, BBC Philharmonic,
Orquesta Nacional de la BBC de Gales, London
Sinfonietta y Opera North, y realizó una gira
por Sudamérica y Europa como miembro de
la Gustav Mahler Jugendorchester bajo la
dirección de Claudio Abbado. En el ámbito de la
música de cámara destaca por haber ganado el
concurso de Música Royal Over-Seas League. Ha
presentado The Early Music Show en BBC Radio
3 y muchas de sus funciones se han difundido
en esta emisora.
ALINA POGOSTKINA violín
ALINA POGOSTKINA violín
Foi gañadora da 2005 Competición Sibelius
de Helsinki. As súas xiras de concertos
víronse en numerosos festivais e salas
de renome en todo o mundo. Colaborou
con directores como Vladimir Ashkenazy,
Gustavo Dudamel, Sakari Oramo, David
Zinman, Jonathan Nott, Paavo Jäarvi,
Michael Sanderling e Thomas Hengelbrock.
Da tempada 2013/2014 destacan as súas
actuación xunto á Orquestra Filharmónica
de Luxemburgo, a Orquestra Sinfónica Simón
Bolívar de Venezuela (con Gustavo Dudamel)
e as orquestras sinfónicas de Quebec,
WDR de Colonia (con Reinhard Goebel) e
Bamberg. Tamén actuou coas orquestras de
Gürzenich e Göteborg, ambas as dúas con
Ha sido ganadora de la 2005 Competición
Sibelius de Helsinki. Sus giras de conciertos
se han visto en numerosos festivales y
salas de renombre en todo el mundo. Ha
colaborado con directores como Vladimir
Ashkenazy, Gustavo Dudamel, Sakari Oramo,
David Zinman, Jonathan Nott, Paavo Jäarvi,
Michael Sanderling y Thomas Hengelbrock.
De la temporada 2013/2014 destacan sus
actuaciones junto a la Orquesta Filarmónica
de Luxemburgo, la Orquesta Sinfónica Simón
Bolívar de Venezuela (con Gustavo Dudamel)
y las orquestas sinfónicas de Quebec,
WDR de Colonia (con Reinhard Goebel)
y Bamberg. También ha actuado con las
orquestas de Gürzenich y Göteborg, ambas
10
David Afkham. En 2014 interpretou todos
os concertos para violín de Mozart en dous
concertos coa Tapiola Sinfonietta e Reinhard
Goebel e, ademais, traballou coas orquestras
sinfónicas Adelaide e West Australian nunha
intensa xira polo país australiano. Realizou
xiras coa Kammerphilharmonie de Bremen e
Paavo Jäarvi e foi invitada pola Orquestra de
Cámara Ostrobothnian actuando en Kokkola
(Finlandia) e na Wiener Musikverein de Viena
con Sakari Oramo. Tamén ofreceu concertos
coa Orquestra Filharmónica de Los Ángeles,
Sinfónica de San Francisco, Orquestra
Nacional de Francia, Philharmonia Orchestra
de Londres, Orquestra Sinfónica de Frankfurt,
SWR de Stuttgart, Orquestra de Cámara
Mahler, Finnish Radio Symphony Orchestra,
Filharmonía de Oslo, Real Filharmonía de
Estocolmo, Het Residence Orkest (A Haia),
orquestras filharmónicas da República Checa
e da Radio Francesa, orquestras sinfónicas
Escocesa da BBC, Cincinnati, NHK e Youri
Nippon etc. Como apaixonada intérprete de
cámara, ten traballado con Steven Isserlis,
Yuri Bashmet, Gidon Kremer, Menahem
Pressler, Christoph Eschenbach, Pekka
Kuusisto, Maxim Rysanov, Jörg Widmann
ou Joshua Bell. Actualmente está centrada
nas formacións de trío, actuando co
clarinetista Andreas Brantelid e os pianistas
Shai Wosner e Christian Ihle Hadland.
Participou en numerosos programas de
radio e televisión e gravou as obras para
violín de Peteris Vasks. Ten participado
nos festivais de Schwetzinger, SchleswigHolstein, Mecklenburg-Vorpommern, Bergen,
Salzburgo, Beethovenfest Bonn, Dresden,
Edinburgo ou Lockenhaus. Nacida en San
Petersburgo, mudouse a Alemaña en 1992,
recibiu do seu pai as súas primeiras clases de
violín e máis tarde estudou con Antje Weithaas
na Escola Superior de Música ‘Hanns Eisler’
de Berlin. Toca un violín Sasserno de Antonio
Stradivari de 1717, procedente da Fundación
Musical Nipoa.
con David Afkham. En 2014 interpretó
todos los conciertos para violín de Mozart
en dos conciertos con la Tapiola Sinfonietta
y Reinhard Goebel. Además ha trabajado
con las orquestas sinfónicas Adelaide y
West Australian en una intensa gira por el
país australiano. Ha realizado giras con la
Kammerphilharmonie de Bremen y Paavo
Jäarvi y ha sido invitada por la Orquesta de
Cámara Ostrobothnian actuando en Kokkola
(Finlandia) y en la Wiener Musikverein de
Viena con Sakari Oramo. También ha ofrecido
conciertos con la Orquesta Filarmónica de
Los Ángeles, Sinfónica de San Francisco, la
Orquesta Nacional de Francia, Philharmonia
Orchestra de Londres. Además, ha actuado
junto a las siguientes agrupaciones: Orquesta
Sinfónica de Frankfurt, SWR de Stuttgart,
Orquesta de Cámara Mahler, Finnish Radio
Symphony Orchestra, Filarmonía de Oslo,
Real Filarmonía de Estocolmo, Het Residence
Orkest (La Haya), orquestas filarmónicas de
la República Checa y de la Radio Francesa
y orquestas sinfónicas Escocesa de la BBC,
Cincinnati, NHK y Youri Nippon. Ha trabajado
con Steven Isserlis, Yuri Bashmet, Gidon
Kremer, Menahem Pressler, Christoph
Eschenbach, Pekka Kuusisto, Maxim Rysanov,
Jörg Widmann o Joshua Bell. Actualmente está
centrada en las formaciones de trío, actuando
con el clarinetista Andreas Brantelid y los
pianistas Shai Wosner y Christian Ihle Hadland.
Ha participado en numerosos programas
de radio y televisión y ha grabado las obras
para violín de Peteris Vasks. Ha participado
en los festivales de Schwetzinger, SchleswigHolstein, Mecklenburg-Vorpommern, Bergen,
Salzburgo, Beethovenfest Bonn, Dresden,
Edimburgo o Lockenhaus. Nacida en San
Petersburgo, se mudó a Alemania en 1992,
y estudió con Antje Weithaas en la Escuela
Superior de Música ‘Hanns Eisler’ de Berlin.
Toca un violín Sasserno de Antonio Stradivari
de 1717, procedente de la Fundación Musical
Nipona.
Sema… a ceremonia dos
11
Sema... a cerimonia dos dervixes
Sema… la ceremonia de los derviches
MESHK ENSEMBLE
Parte 1
İlâhi’s (cancións sufís)
textos: Yûnus Emre (século XIII)
Baş (primeiro) Taksîm no Ney
İlâhi’s en Hicâz Makam (modo Hicâz):
Şûrîde vü şeydâ kılan (Aquel que dá a miseria e a loucura), de Zekâî Dede (1825-1897)
Taştı rahmet deryâsı (Mar de auga desbordado) [anónimo]
Ey âşıkan ey âşıkân (Oh amantes, oh amantes!), de Şeyh Mes’ud Efendi (?-1906)
Şehîdlerin ser-çeşmesi (Preeminente entre todos os mártires) [anónimo]
Gelin gidelim efendim (Vaiamos, oh mestre!), de Dede Efendi (1778-1846)
Gönül hayrân olupdür (O corazón está en éxtase) [anónimo]
Taksîm no Rebâb (modulación)
İlâhi en Çârgâh Makam (modo Çârgâh):
Yüzbin cefâ kılsan bana (Mesmo se me pos cen mil penurias) [anónimo]
İlâhi’s en Sabâ Makam (modo Sabâ):
Aşkın aldı benden beni (O teu amor afástame de min), de Ali Şîr ü Ganî Dede (1635-1714)
Gelin ey âşıklar (Vide, oh amantes!) [anónimo]
A Sultânım sen var iken (Oh, meu Sultán, mentres estás por min!), de Zekâî Dede (1825-1897)
İlâhi en Çârgâh Makam (modo Çârgâh):
Ben dervişem diyene (Aos que proclaman ser dervixes) [anónimo]
Taksîm no Ney (modulación)
İlâhi’s en Uşşâk Makam (modo Uşşâk):
Allah emrin tutalım (Oh Deus, manteñámonos fieis aos teus desexos!), de Zekâî Dede (1825-1897)
Yâr yüreğim yar (O meu amor esgaza o meu corazón)
İlâhi en Gülizâr Makam (modo Gülizâr):
Çıkdım erik dalına (Rubín á ameixeira), de Zâkirbaşı Eyyûbî Mehmed Efendi (?-1922)
İlâhi en Bayâtî Makam (modo Bayâtî):
Mecnûn’a sordular (Eles preguntaron a Mecnun) [anónimo]
İlâhi’s en Nevâ Makam (modo Nevâ):
Hâlet ile bana (Na miña situación), de Eyyûbî Mehmed Bey (1804-1850)
Bir tahta yaratmışsın (Ti creaches a táboa), de Yeniköylü Hâdî Bey (?-1920)
12
Cidade da Cultura
sábado 28 marzo
19.00
Parte 2
Cerimonia Sema
Mevlevî Âyîn-i Şerif en Acemaşîrân Makam
(composición sacra cerimonial dos Mevlevî en modo Acemaşîrân)
textos: Mevlânâ Jelaluddin Rûmî (1207-1273)
composición: Hüseyin Fahreddîn Dede (1853-1911)
Baş (primeiro) Taksîm no Ney
Acemaşîrân Peşrev (preludio en Acemaşîrân), de Neyzen Sâlih Dede (1818-1888)
Mevlevî Âyîn-i Şerif en Acemaşîrân Makam
(composición sacra cerimonial dos Mevlevî en modo Acemaşîrân),
de Hüseyin Fahreddîn Dede (1853-1911)
Selâm I (primeira saudación)
Selâm II (segunda saudación)
Selâm III (terceira saudación)
Selâm IV (cuarta saudación)
Acemaşîrân Son Peşrev (posludio en Acemaşîrân), de Tanbûrî Emîn Ağa (1750-1814)
Son (último) Taksîm no Oud
MESHK ENSEMBLE
TIMUÇIN ÇEVIKOĞLU bendir / kudüm / voz / dirección
YAVUZ AKALIN ney
FERIDUN GÜNDEŞ bendir / erbane
BURAK KAYNARCA ud
ÖMER BILDIK ney
EMRE SOYLU rebab
TEVFIK BILEN ney
TUGAY GÜVEN semazen
ALI İHSAN AKSU semazen
ALPER GÜRKALE semazen
13
A cerimonia dos dervixes
La ceremonia de los derviches
O significado literal de Sema é escoitar. Para
os dervixes Mevlevi, esta palabra leva implícito
estar engaiolado mentres se escoita música, en
movemento e xirando. Simbolicamente refírese
á creación do universo e ao comezo do xénero
humano, así como ao amor do Gran Creador
e na percepción como servidor dese creador
mentres se converten no ‘home perfecto’. Sema
é un zikhir, baile durante o cal os dervixes, en
silencio, invocan o nome de Alá en cada xiro.
Como os Mevlevi teñen amplas miras e mentes
abertas, empregan todo tipo de instrumentos
compatibles coa súa música, incluíndo algúns
de occidente como o violín, a viola ou o violoncello; tanto é así que o primeiro piano que chegou
a Istambul foi tocado no Galata Mevlevi Lodge
e non foi utilizado de novo pois non contaba
con todos os tons necesarios para interpretar
música turca. Deste modo, o ney, o kudum, o
oud e outras percusións como o bendir, o daire,
o halile se converteron en indispensables.
El significado literal de Sema es escuchar. Para
los derviches Mevlevi, esta palabra lleva implícito
estar embelesado mientras se escucha música,
en movimiento y girando. Simbólicamente se
refiere a la creación del universo y al comienzo
del género humano, así como al amor del Gran
Creador y en la percepción como servidor de ese
creador mientras se convierten en el ‘hombre
perfecto’. Sema es un zikhir, baile durante el cual
los derviches, en silencio, invocan el nombre de
Alá en cada giro. Como los Mevlevi tiene amplias
miras y mentes abiertas, emplean todo tipo de instrumentos compatibles con su música, incluyendo
algunos de occidente como el violín, la viola o el
violonchelo; tanto es así que el primer piano que
llegó a Estambul fue tocado en el Galata Mevlevi
Lodge y no fue utilizado de nuevo pues no contaba
con todos los tonos necesarios para interpretar
música turca. De este modo, el ney, el kudum, el
oud y otras percusiones como el bendir, el daire, el
halile se convirtieron en indispensables.
Na primeira parte da actuación preséntanse
distinguidas pezas da música sufí turca que
cobren un amplo período dende o século XIII
ata a actualidade e unha extensa área territorial
arredor de Asia Menor. Estas cancións tradicionais sufís foron compostas a partir de versos
de poetas sufís como Yunus Emre e Niyazi-i
Misri, e son presentadas sen Sema, como se fai
tradicionalmente. Na segunda parte, o conxunto interpreta a música ayin, música composta
especificamente para acompañar o Sema, a
danza dos semazen (dervixes). Actualmente, o
obxectivo principal do grupo é a recuperación
e presentación das composicións ayin perdidas. Existen só 74 composicións “tradicionais”
coñecidas de antes de 1925, cando os salóns
Mevlevi foron destruídos, e 26 delas aparecen
mencionadas en varios documentos aínda que
non estaban dispoñibles en ningún lugar. As
investigacións do director do Meshk Ensemble,
Timuçin Çevikolu, tiveron como froito a recuperación de tres destas composicións, pezas de
gran valor que non foron interpretadas durante máis dun século e agora forman parte do
repertorio presentado polo Meshk Ensemble.
En la primera parte de la actuación, se presentan
distinguidas piezas de la música sufí turca que
cubren un amplío período desde el siglo XIII hasta
la actualidad y una extensa área territorial alrededor de Asia Menor. Estas canciones tradicionales
sufíes han sido compuestas a partir de versos de
poetas sufíes como Yunus Emre y Niyazi-i Misri,
y son presentadas sin Sema, como se hace tradicionalmente. En la segunda parte, el conjunto
interpreta la música ayin, música compuesta específicamente para acompañar el Sema, la danza de
los semazen (derviches). Actualmente, el objetivo
principal del grupo es la recuperación y presentación de las composiciones ayin perdidas. Existen
sólo 74 composiciones “tradicionales” conocidas
compuestas antes de 1925, cuando los salones
Mevlevi fueron destruídos, y 26 de ellas aparecen
mencionadas en varios documentos aunque no
estaban disponibles en ningún lugar. Las investigaciones del director del Meshk Ensemble, Timuçin
Çevikoğlu, han tenido como fruto la recuperación
de tres de estas composiciones, piezas de gran
valor que no han sido interpretadas durante más
de un siglo y ahora forman parte del repertorio
presentado por el Meshk Ensemble.
14
MESHK ENSEMBLE
MESHK ENSEMBLE
Meshk é un método tradicional de formación
en belas artes. É unha das vías de transmisión
da tradición entre xeracións e depende, totalmente, da interacción entre alumno e profesor. Nesta relación, os estudantes aprenden
non só os aspectos técnicos da arte, senón
tamén a tradición e certos códigos morais
e de conduta. As dúas caras da natureza
‘meshk’ maniféstanse na forma de expresión
dos profesores que non ‘ensinan’ senón que
‘meshkan’ as destrezas e a información aos
estudantes e, de igual modo, os estudantes
non ‘aprenden’ senón que ‘meshkan’ dos seus
profesores. O Meshk Ensemble é o nome
adoptado recentemente por un conxunto
de músicos que levan presentando xuntos a
música turca sufí dende 1998. O seu director artístico, Timucin Cevikoglu, é o maior
investigador no campo da música sufí e a tradición Mevlevi e artista do Ministerio de Cultura turco. Meshk Ensemble pretende ser un
lugar de encontro para os amantes da música
clásica turca, onde poden ensinar, aprender
e compartir. As súas actuacións en Turquía
e o estranxeiro, tanto en grupo como individualmente baixo o nome de Meshk Ensemble,
inclúen certames como Festival Mantras 2011
(Madrid), o Assa Festival 2012 (Marrocos) e o
World Sufi Spirit Festival 2013 (India).
Meshk es un método tradicional de formación
en bellas artes. Es una de las vías de transmisión de la tradición entre generaciones y
depende, totalmente, de la interacción entre
alumno y profesor. En esta relación, los estudiantes aprenden no sólo los aspectos técnicos
del arte, sino también la tradición y ciertos códigos morales y de conducta. Las dos caras de la
naturaleza ‘meshk’ se manifiestan en la forma
de expresión de los profesores que no ‘enseñan’
sino que ‘meshkan’ las destrezas y la información a los estudiantes y, de igual modo, los estudiantes no ‘aprenden’ sino que ‘meshkan’ de
sus profesores. El Meshk Ensemble es el nombre adoptado recientemente por un conjunto de
músicos que llevan presentando juntos la música turca sufí desde 1998. Su director artístico,
Timucin Cevikoglu, es el mayor investigador en
el campo de la música sufí y la tradición Mevlevi
y artista del Ministerio de Cultura turco. Meshk
Ensemble pretende ser un lugar de encuentro
para los amantes de la música clásica turca,
donde pueden enseñar, aprender y compartir. Sus actuaciones en Turquía y el extranjero,
tanto en grupo como individualmente bajo el
nombre de Meshk Ensemble, incluyen certámenes como Festival Mantras 2011 (Madrid),
el Assa Festival 2012 (Marruecos) y el World
Sufi Spirit Festival 2013 (India).
15
O Pulcherrima Mulierum…
Igrexa de
San Domingos de Bonaval
sábado 28 marzo 21.00
cancioneiros do Renacemento español
O Pulcherrima Mulierum…
cancioneros del Renacimiento español
LUCENTUM XVI
PEPI LLORET soprano
PERE SARAGOSSA director
Parte 1
Parte 2
Anónimo (século XVI)
Zappay lo campo / La vida de Culin
(Cancionero de Montecassino)
Lope de Baena (fl.1476 - ca.1506)
Virgen reina gloriosa (Cancionero de Barcelona)
Juan del Encina (1468-1529)
Pues que tu, Reyna del çielo
(Cancionero de Palacio)
Juan del Encina (1468-1529)
Todos los bienes del mundo
(Cancionero de Palacio)
Cristóbal de Morales (ca.1500 - 1553)
Cristóbal de Morales (ca.1500 - 1553)
O Magnum Mysterium
Salve nos, Stella Maris
Josquin Desprez (ca.1450/55 - 1521)
Anónimo (século XVI)
In te, Domine, speravi (Cancionero de Palacio)
O Pulcherrima Mulierum
(Cancionero de Gandía)
Anónimo (século XVI)
A los maytines era (Cancionero de la Colombina)
Mateo Flecha “El Viejo” (1481-1553) /
Juan del Encina (1468-1529)
Alonso Lobo (1555-1617)
Vivo ego, dicit Dominus
“Corred pecadores” (da ensalada El fuego) /
Fata la parte (Cancionero de Palacio)
Gabriel Mena (†1528)
A la caça, sus a caça (Cancionero de Barcelona)
Mateo Flecha “El Viejo” (1481-1553)
Què farem del pobre Joan
(Cancionero de Uppsala o del Duque de Calabria)
Bartomeu Cárceres (fl.1546)
Soleta / Verge estich (Cancionero de Gandía)
Pedro Lagarto (ca.1465 - ca.1543)
Callen todas las galanas (Cancionero de Palacio)
16
Tomás Luis de Victoria (ca.1548 - 1611)
Vadam et circuibo civitatem
Anónimo (s. XVI), atribuido a Francisco Alonso
La tricotea (Cancionero de Palacio)
LUCENTUM XVI
XAVI BOÏLS corneto
TONI LLORET chirimías
CLAUDIO LLORENS sacabuche
JUAN LÓPEZ serpentón
PERE SARAGOSSA chirimías
Menestreis
e cancioneiros
Ministriles
y cancioneros
Na segunda metade do século XV, a Igrexa
Católica foi gobernada polos papas valencianos da familia Borxa: Calixto III (1456-1458)
e Alejandro VI (1492-1503). Sen dúbida, a
incorporación en 1443 dos reinos de Sicilia e
Nápoles á Coroa de Aragón foi un bo preludio
para este reinado papal. Os vínculos entre as
penínsulas itálica e ibérica acrecentáronse
e, sobre todo, os nosos músicos situáronse no centro da moda europea e latinoamericana. Excelentes exemplos daquelas
músicas do Renacemento encóntranse en
manuscritos do século XVI, hoxe coñecidos
como cancioneiros de palacio, de Barcelona, de Gandía, de Montecassino ou do duque
de Calabria, encontrado este na cidade sueca de Uppsala. Anteriores a estes figura o
Cancioneiro da Colombina, copiado durante
o reinado dos Reis Católicos entre 1460 e
1480. Obras sacras e profanas entrelázanse aquí igual que sucedía no Renacemento;
como mostra, sirva o exemplo do Cancioneiro
de Gandía, onde aparecen textos relixiosos
con melodías que anteriormente, no Cancioneiro de Uppsala, foron profanas. O programa complétase con motetes relixiosos
de Cristóbal de Morales, representante da
exuberante escola polifonista andaluza da
primeira metade do século XVI; do abulense
Tomás Luis de Victoria, un dos compositores
máis relevantes e avanzados que preludia o
Barroco, e de Alonso Lobo, outro andaluz moi
influente en Portugal e México que combinou
o suave contrapunto de Palestrina coa sombría intensidade de Victoria. Como daquela,
pezas vocais a 3, 4, 5 ou 6 voces podían ser
dobradas por grupos de menestreis, que
tamén as interpretaban tanto de xeito instrumental como incorporando unha soa voz.
A paleta de cores está aquí representada por
corneto, chirimías, sacabuche e serpentón,
instrumentos que perviviron en uso ata ben
entrado o século XIX. [Pere Saragossa]
En la segunda mitad del siglo XV, la Iglesia
Católica fue gobernada por los papas valencianos de la familia Borja: Calixto III (14561458) y Alejandro VI (1492-1503). Sin duda,
la incorporación en 1443 de los reinos de Sicilia y Nápoles a la Corona de Aragón fue un
buen preludio para este reinado papal. Los
vínculos entre las penínsulas itálica e ibérica se acrecentaron y, sobre todo, nuestros
músicos se situaron en el centro de la moda
europea y latinoamericana. Excelentes ejemplos de aquellas músicas del Renacimiento
se encuentran en manuscritos del siglo XVI,
hoy conocidos como cancioneros de palacio,
de Barcelona, de Gandía, de Montecassino o
del duque de Calabria, encontrado este en la
ciudad sueca de Uppsala. Anteriores a estos
figura el Cancionero de la Colombina, copiado
durante el reinado de los Reyes Católicos entre
1460 y 1480. Obras sacras y profanas se entrelazan aquí al igual que sucedía en el Renacimiento; como muestra, sirva el ejemplo del
Cancionero de Gandía, donde aparecen textos
religiosos con melodías que anteriormente, en
el Cancionero de Uppsala, fueron profanas. El
programa se completa con motetes religiosos
de Cristóbal de Morales, representante de la
exuberante escuela polifonista andaluza de la
primera mitad del siglo XVI; del abulense Tomás Luis de Victoria, uno de los compositores
más relevantes y avanzados que preludia el
Barroco, y de Alonso Lobo, otro andaluz muy
influyente en Portugal y México que combinó
el suave contrapunto de Palestrina con la sombría intensidad de Victoria. Como entonces,
piezas vocales a 3, 4, 5 o 6 voces podían ser
dobladas por grupos de ministriles, quienes
también las interpretaban tanto de manera
instrumental como incorporando una sola voz.
La paleta de colores está aquí representada
por corneto, chirimías, sacabuche y serpentón,
instrumentos que pervivieron en uso hasta
bien entrado el siglo XIX. [Pere Saragossa]
17
LUCENTUM XVI
LUCENTUM XVI
É un grupo de menestreis creado para interpretar e difundir o repertorio renacentista cuxa dirección musical do grupo corre a cargo de Pere
Saragossa. A palabra menestrel designaba aos
músicos das cortes durante o século XV, pero
pouco a pouco quedou asociada aos intérpretes
de instrumentos de vento. As agrupacións de
menestreis, coñecidas como Alta Capela, estendéronse polas cidades medias e grandes de
Europa dos séculos XV e XVI, sendo o embrión
das bandas de música que hoxe coñecemos. A
través dos manuscritos, pinturas, esculturas e
estudos musicolóxicos coñecemos a participación dos menestreis dentro da liturxia relixiosa
e das capelas nobiliarias durante o Renacemento. A función principal dos menestreis dentro da liturxia era a de acompañar a música vocal dobrando as voces. Pero, como hoxe en día,
outra das praxes comúns foi a interpretación
unicamente instrumental do repertorio vocal.
No ámbito civil, a Alta Capela encargábase de
interpretar danzas, cancións populares, épicas
e, especialmente, difundir o refinado repertorio
amoroso. Lucentum XVI preséntase cunha formación de chirimías, sacabuches, serpentón e
percusión, equipo ampliable de acordo ao rico
e variado repertorio do Renacemento e do Barroco. Ademais de concertos instrumentais,
Lucentum XVI acompaña conxuntos vocais que
interpretan repertorio polifónico do Renacemento e primeiro Barroco. Entre as súas actuacións, destaca a colaboración con La Capella
de Ministrers no programa Quattrocento, dentro
do Festival Serenates 2014 e no III Festival de
Música Antiga de Morella. Ademais, estrearon
o programa El Duque de Calabria no XVIII Festival da Ribagorza XVIII “Clásicos na Fronteira”,
e na Vila Romana de l’Alfàs del Pi (Alacante), no
festival Estiu Festiu 2014. Lucentum XVI conta
coa colaboración nesta ocasión de Pepi Lloret,
nova soprano nacida en Villajoyos (Alicante)
que estudou canto no Conservatorio Superior
de Música Óscar Esplá de Alicante da man de
Ana María Sánchez e que ten actuado como
solista no Auditorio da Deputación de Alicante
e a Basílica Inmaculada Concepción de Barcelona, entre outros.
Es un grupo de ministriles creado para interpretar
y difundir el repertorio renacentista cuya dirección musical corre a cargo de Pere Saragossa. La
palabra ministril designaba a los músicos de las
cortes durante el siglo XV, pero poco a poco quedó asociada a los intérpretes de instrumentos de
viento. Las agrupaciones de ministriles, conocidas
como Alta Capilla, se extendieron por las ciudades
medias y grandes de Europa de los siglos XV y XVI,
siendo el embrión de las bandas de música que
hoy conocemos. A través de manuscritos, pinturas,
esculturas y estudios musicológicos, conocemos la
participación de los ministriles dentro de la liturgia
religiosa y de las capillas nobiliarias durante el
Renacimiento. La función principal de los ministriles dentro de la liturgia era la de acompañar a la
música vocal doblando las voces. Pero como hoy
en día, otra de las praxis comunes fue la interpretación únicamente instrumental del repertorio vocal.
En el ámbito civil, la Alta Capilla se encargaba de
interpretar danzas, canciones populares, épicas
y, especialmente, difundir el refinado repertorio
amoroso. Lucentum XVI se presenta con una
formación de chirimías, sacabuches, serpentón
y percusión, una plantilla ampliable de acuerdo
al rico y variado repertorio del Renacimiento y del
Barroco. Además de conciertos instrumentales,
Lucentum XVI acompaña a conjuntos vocales en
la interpretación del repertorio polifónico del Renacimiento y primer Barroco. Entre sus actuaciones,
destaca la colaboración con La Capella de Ministrers en el programa Quattrocento, interpretado en
el Claustro de la Universidad de Valencia dentro
del Festival Serenates 2014 y en el III Festival de
Música Antigua de Morella. Además, han estrenado el programa El Duque de Calabria en la Iglesia
parroquial de Benabarre, durante el 18º Festival
de la Ribagorza “Clásicos en la Frontera” y en la
Villa Romana de l’Alfàs del Pi (Alicante) en el marco
del festival Estiu Festiu 2014. Lucentum XVI cuenta
en esta ocasión con la colaboración de Pepi Lloret, joven soprano nacida en Villajoyos (Alicante)
que estudió canto en el Conservatorio Superior
de Música Óscar Esplá de Alicante de la mano de
Ana María Sánchez y ha actuado como solista en el
Auditorio de la Diputación de Alicante y la Basílica
Inmaculada Concepción de Barcelona, entre otros.
18
PERE SARAGOSSA director
PERE SARAGOSSA director
Iniciou os seus estudos musicais no Ateneu
Musical de Villajoyosa, a súa localidade natal,
e os continuou nos conservatorios de Alacante, Valencia e Barcelona, onde obtén o título
superior de óboe. Aos 21 anos de idade obtén
a praza de asistente de solista na Orquestra
Simfònica del Vallés, coa que durante dez anos
realiza gran número de concertos baixo a batuta de directores de prestixio internacional.
En 1999 inicia os estudos de óboes históricos
con Xavier Blanch e Paul Dombrecht, e dende
o ano 2002 ata 2005 estuda na Escola Superior de Música de Cataluña, onde obtén o título
superior de Interpretación de Música Antiga
na especialidade de óboes históricos da man
de Alfredo Bernardini. O seu proxecto final, La
interpretación musical en el siglo XVIII a través
de las crónicas foi avaliado, entre outros, por
Bruce Haynes. Foi invitado por prestixiosos
conxuntos e orquestras historicistas, entre as
que destacan Accademia Bizantina, Stockholm
Barokorkester, Le Concert des Nations, Orquestra Barroca de Sevilla, Hippocampus
e Balthasar Neumann Ensemble, coas que
realizou concertos en prestixiosas salas de
concerto e festivais de Francia, Italia, Inglaterra, Alemaña, Suíza, Suecia e Portugal. Xunto
ao clavecinista Dani Espasa creou, en 2005,
Vespres d’Arnadí, grupo barroco co que obtivo grandes éxitos en boa parte de Europa. En
2006 fundou Musièpoca, axencia de concertos
especializada en música antiga e, en 2009, o
selo Musièpoca, co que xa produxo sete traballos discográficos que recibiron diferentes
premios e excelentes críticas da prensa internacional.
Inició sus estudios musicales en el Ateneu Musical de Villajoyosa, su localidad natal, y los continúo en los conservatorios de Alicante, Valencia
y Barcelona, donde obtuvo el título superior de
oboe. A los 21 años de edad obtuvo la plaza de
asistente de solista en la Orquestra Simfònica
del Vallés, con la que durante diez años realizó
gran número de conciertos con directores de
prestigio internacional. En 1999 inició los estudios de oboes históricos con Xavier Blanch
y Paul Dombrecht y entre el año 2002 y 2005
estudió en la Escuela Superior de Música de
Cataluña, donde obtuvo el título superior de Interpretación de la Música Antigua en la especialidad de oboes históricos de la mano de Alfredo
Bernardini. Su proyecto final, La interpretación
musical en el siglo XVIII a través de las crónicas
fue evaluado, entre otros, por Bruce Haynes.
Ha sido invitado por prestigiosos conjuntos y
orquestas historicistas, entre las que destacan
Accademia Bizantina, Stockholm Barokorkester, Le Concert des Nations, Orquesta Barroca
de Sevilla, Hippocampus y Balthasar Neumann
Ensemble, con los que ha realizado conciertos
en prestigiosas salas de concierto y festivales
de Francia, Italia, Inglaterra, Alemania, Suiza,
Suecia y Portugal. Junto al clavecinista Dani
Espasa fundó, en 2005, Vespres d´Arnadí,
grupo barroco con el que ha cosechado grandes éxitos en buena parte de Europa. En 2006
fundó Musièpoca, agencia de conciertos especializada en música antigua y, en 2009, creó
el sello Musièpoca con el que ya ha producido
siete trabajos discográficos que han recibido
diferentes premios y excelentes críticas de la
prensa internacional.
19
Da Pacem Domine…
himnos, cerimonial, espiritualidade…
Da Pacem Domine…
himnos, ceremonial, espiritualidad…
BANDA MUNICIPAL DE MÚSICA DE SANTIAGO
JUAN MIGUEL ROMERO LLOPIS director
David Holsinger (1945)
On a Hymn Song of Lowell Mason
César Franck (1822-1890)
Panis Angelicus
Richard Wagner (1813-1883)
Trauermusik Felix Mendelssohn (1809-1847)
Da Pacem Domine
Albert Ketèlbey (1875-1959)
In a Monastery Garden
Joan Enric Canet (1961)
El hijo del Zebedeo (marcha procesional)
Edgard Grieg (1843-1907)
Marcha fúnebre
Franz Schubert (1797-1828)
Serenata
Tomaso Albinoni (1671-1751)
Adagio
20
Convento do Carme de Arriba
domingo 29 marzo
19.30
Himnos, marchas, procesións...
Himnos, marchas, procesiones...
Cerimonias, concertos e eventos de toda índole inspiraron, ademais de composicións orixinais, transcricións e arranxos para orquestras
de ventos de himnos, marchas e corais como
algúns dos interpretados neste programa no
que encontramos pezas relixiosas, cerimoniais e melodías evocadoras, nalgúns casos
moi coñecidas... David Holsinger escribiu On
a Hymn Song of Lowell Mason baseándose
no himno Mi fe espera en Ti de Lowell Mason
(1792-1872), quen na América de principios
do século XIX compuxo e/ou arranxou ao redor
de 1.600 melodías de himnos e recompilou
máis oitenta coleccións de música. Un texto
de santo Tomás de Aquino inspirou a César
Franck a composición orixinal do Panis Angelicus, un motete rico en materiais temáticos
rexido por unha melodía de anxelical lirismo.
Richard Wagner compuxo Trauermusik para
unha procesión que, en Friedrichstadt, transcorría dende a estación de tren ata o cemiterio
católico onde se encontra a sepultura de Weber; o subtítulo da obra, Música fúnebre sobre
temas de Carl Maria von Weber resulta enganoso pois, en realidade, é unha versión para
banda ideada por Wagner a partir de extractos
da ópera Euryanthe de Weber, de feito é unha
das primeiras transcricións realizada para
banda de ventos e a única obra para este tipo
de agrupación escrita por Wagner. A transcrición de Richard Zettler da cantata coral Da
Pacem Domine de Felix Mendelssohn mantén
a transparencia do son orquestral orixinal nos
instrumentos da banda sinfónica moderna; a
calidez da súa melodía convértea nunha obra
ideal para concertos nos que se busca unha
atmosfera de paz case contemplativa. Albert
Ketèlbey compuxo en 1915 o intermezzo In
a Monastery Garden que este describe como
“..a fantasía dun poeta no tranquilo xardín dun
mosteiro rodeado dun fermoso e sereno ámbito
[...] onde está presente o silencio. Evoca o canto
do Kyrie Eleison dos monxes, expresa de modo
persoal a tristura, a reflexión, a penitencia...
para finalizar de xeito xubiloso”. Para a celebración do 225º aniversario da Confraría de
Ceremonias, conciertos y eventos de toda índole han inspirado, además de composiciones
originales, transcripciones y arreglos para
orquestas de vientos de himnos, marchas y
corales como algunos de los interpretados en
este programa en el que encontramos piezas
religiosas, ceremoniales y melodías evocadoras, en algunos casos muy conocidas… David
Holsinger escribió On a Hymn Song of Lowell
Mason basándose en el himno Mi fe espera en
Ti de Lowell Mason (1792-1872), quien en la
América de principios del siglo XIX compuso y/o
arregló alrededor de 1.600 melodías de himnos
y recompiló más ochenta colecciones de música. Un texto de santo Tomás de Aquino inspiró a
César Franck la composición original del Panis
Angelicus, un motete rico en materiales temáticos regido por una melodía de angelical lirismo.
Richard Wagner compuso Trauermusik para
una procesión que, en Friedrichstadt, transcurría desde la estación de tren hasta el cementerio católico donde se encuentra la sepultura
de Weber; el subtítulo de la obra, Música fúnebre
sobre temas de Carl Maria von Weber resulta engañoso pues, en realidad, es una versión para
banda ideada por Wagner a partir de extractos
de la ópera Euryanthe de Weber, de hecho es
una de las primeras transcripciones realizada para banda de vientos y la única obra para
este tipo de agrupación escrita por Wagner. La
transcripción de Richard Zettler de la cantata
coral Da Pacem Domine de Felix Mendelssohn
mantiene la transparencia del sonido orquestal original en los instrumentos de la banda
sinfónica moderna; la calidez de su melodía la
convierte en una obra ideal para conciertos en
los que se busca una atmósfera de paz casi contemplativa. Albert Ketèlbey compuso en 1915 el
intermezzo In a Monastery Garden que el mismo
describe como “…la ensoñación de un poeta en el
tranquilo jardín de un monasterio rodeado de un
bello y sereno entorno […] donde está presente
el silencio. Evoca el canto del Kyrie Eleison de los
monjes, expresa de modo personal la tristeza, la
reflexión, la penitencia… para finalizar de manera
jubilosa”. Para la celebración del 225º aniversa-
21
San Juan Evangelista de Callosa de Segura,
compuxo Joan Enric Canet a marcha procesional El hijo del Zebedeo que foi estreada
nesta localidade alacantina o Venres Santo de
2003. Edvard Grieg compuxo a súa Marcha fúnebre en 1886 como homenaxe ao seu amigo
e colega Rikard Nordraak, prematuramente
falecido aos 23 anos; orixinal para piano, o
propio compositor noruegués transcribiuna
para diferentes formacións. Grieg valorábaa
tanto que desexaba que se interpretase no
seu funeral “o mellor posible”…, así se fixo
nunha versión de Johan Halvorsen. No seu
último ano de vida Franz Schubert escribiu
o seu coñecido lied Serenade (Serenata) con
letra do poeta Ludwig Rellstab que inspirou
multitude de arranxos e versións; quizás presentindo o seu final, Schubert reflicte un fondo
sentimento e unha serena melancolía coma se
só buscase encontrar a paz... escoitando esta
canción resulta doado encontrala. Buscando
partituras nun antigo mosteiro en 1910, un
investigador descubriu a obra máis solemne
de Tomaso Albinoni: o fragmento achado dun
movemento lento dunha sonata para trío, para
cordas e órgano sobre a que Remo Giazotto
reconstruíu o Adagio en sol menor converteuse
nunha das páxinas máis interpretadas a partir
dese momento do Barroco musical italiano e
da historia da música.
rio de la Cofradía de San Juan Evangelista de
Callosa de Segura, compuso Joan Enric Canet
la marcha procesional El hijo del Zebedeo que
fue estrenado en esta localidad alicantina el
Viernes Santo de 2003. Edvard Grieg compuso
su Marcha fúnebre en 1886 como homenaje a
su amigo y colega Rikard Nordraak, prematuramente fallecido a los 23 años; original para piano, el propio compositor noruego la transcribió
para diferentes formaciones. Grieg la valoraba
tanto que deseaba que se interpretase en su
funeral “lo mejor posible”… así se hizo en una
versión de Johan Halvorsen. En su último año
de vida Franz Schubert escribió su conocido
lied Serenade (Serenata) con letra del poeta
Ludwig Rellstab que ha inspirado multitud de
arreglos y versiones; quizás presintiendo su
final, Schubert refleja un hondo sentimiento y
una serena melancolía como si solo buscase
encontrar la paz… escuchando esta canción
resulta fácil encontrarla. Buscando partituras
en un antiguo monasterio en 1910, un investigador descubrió la obra más solemne de Tomaso
Albinoni: el fragmento hallado de un movimiento lento de una sonata para trío, para cuerdas y
órgano sobre la que Remo Giazotto reconstruyó
el Adagio en sol menor se ha convertido en una
de las páginas más interpretadas a partir de
ese momento del Barroco musical italiano y
de la historia de la música.
BANDA MUNICIPAL DE MÚSICA
DE SANTIAGO
BANDA MUNICIPAL DE MÚSICA
DE SANTIAGO
É unha das máis antigas de Galicia (1849). Durante os primeiros anos foi unha agrupación
de afeccionados, ata que en 1876 o Concello
decide facerse cargo dela e comeza a profesionalizarse. Na actualidade realiza os seus
concertos no Teatro Principal, na rúa do Vilar,
na praza da Quintana, na Alameda e noutros
lugares e barrios da cidade na temporada de
verán. A súa actividade baséase fundamentalmente nos concertos dominicais ao longo
de todo o ano, concertos de verán os xoves
e domingos, concertos didácticos en período
lectivo nos que participan centos de escolares de Santiago e da bisbarra, intercambios e
actos culturais e protocolarios.
Es una de las más antiguas de Galicia (1849).
Durante los primeros años fue una agrupación
de aficionados, hasta que en 1876 el Ayuntamiento decide hacerse cargo de ella y comienza
a profesionalizarse. En la actualidad realiza sus
conciertos en el Teatro Principal, en la rúa del
Vilar, la plaza de la Quintana, la Alameda y otros
lugares y barrios de la ciudad en la temporada
de verano. Su actividad se basa fundamentalmente en los conciertos dominicales a lo largo
de todo el año, conciertos de verano los jueves y
los domingos, conciertos didácticos en período
lectivo en los que participan cientos de escolares de Santiago y comarca, intercambios y
actos culturales y protocolarios.
22
JUAN MIGUEL ROMERO director
JUAN MIGUEL ROMERO director
Foi director titular da Banda Musical La Lira de
Monforte del Cid, a Agrupación Musical Santa
Cecilia de Castalla e a Orquesta Sinfónica de
San Vicente del Raspeig e, durante catro tempadas, director asistente da Banda Municipal
de Barcelona. Acompañou a solistas internacionais como Ara Malikian, Ionut Podgoreanu,
Ximo Vicedo, Marta Matheu etc., e participou en
espectáculos con artistas como o coreógrafo
Cesc Gelabert ou a bailaora flamenca Eva “la
Yerbabuena”, entre outros. Ocupou a cátedra
de dirección de orquestra no Conservatorio
Superior de Música Manuel Massotti Littel
de Murcia ata 2013, momento no que gaña a
praza de director titular da Banda Municipal
de Santiago de Compostela.
Ha sido director titular de la Banda Musical La
Lira de Monforte del Cid, la Agrupación Musical
Santa Cecilia de Castalla y la Orquesta Sinfónica de San Vicente del Raspeig y, durante cuatro temporadas, director asistente de la Banda
Municipal de Barcelona. Ha acompañado a solistas internacionales como Ara Malikian, Ionut
Podgoreanu, Ximo Vicedo, o Marta Matheu etc.,
y participó en espectáculos con artistas como
el coreógrafo Cesc Gelabert o la bailaora flamenca Eva “la Yerbabuena” entre otros. Ha
ocupado la cátedra de dirección de orquesta en
el Conservatorio Superior de Música Manuel
Massotti Littel de Murcia hasta 2013, momento
en el que gana la plaza de director titular de la
Banda Municipal de Santiago de Compostela.
23
Cantus Firmus…
cantorais de polifonía na Catedral de Santiago
Cantus Firmus…
cantorales de polifonía en la Catedral de Santiago
CAPELA ANTIGA DO ORFEÓN TERRA A NOSA
MIRO MOREIRA director
Ave Maris Stela
Himno de vísperas a la Virgen
Conceptionem Virginis
Invitatorio de Maitines (Fiesta de la Concepción)
Gloria, laus et honor
Procesión de Ramos
Vexila Regis prodeunt
Himno de vísperas del tiempo de Pasión
Misa de Ferias
Kyrie
Sanctus
Agnus Dei
Vísperas al Apóstol Santiago
Deus in adiutorem
Himno: Iocumdetur et laetetur (Códice Calixtino)
Antífona: Accesit ad Jesum
Salmo: Dixit dominus (Juan Navarro, †1580)
Antífona: Calicem quidem meum bebetis
Salmo: Laudate Dominum
Antífona: Sanctissime apostole Iacobe (Códice Calixtino)
Salmo: Beatus vir
Antífona: Sancti et justi
Magnificat
24
Igrexa de San Miguel
domingo 29 marzo
21.00
Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525-1594)
Sicut Cervus
Cristóbal de Morales (ca.1500 - 1553)
Peccantem me quotidie
Francisco Guerrero (1528-1599)
Pan Divino y Gracioso
Oh celestial medicina Todo quanto pudo dar
Tomás Luis de Victoria (ca.1548 - 1611)
Caligaverunt
Sepulto Domino
Josquin Desprez (ca.1450/55 - 1521)
Salve
CAPELA ANTIGA DO ORFEÓN TERRA A NOSA
Leire Belloso / Aída Cruz / Aída López / Anna Mélikhova / Ana Sánchez /
María Jesús Sánchez / Chelo López sopranos
Miranda Luengo / Dolores Pampín / María Jesús Yebra /
Sonia Rohrer / Martín Viaño altos
Óscar Mato / Jesús Garre / Diego Neira / Marcos Mato tenores
Alfredo Moure / Luís Martínez / Pablo Nieves / Felipe Sar /
Alberto Pereira / José Vilas baixos
25
Cantorais de polifonía
na Catedral de Santiago
Cantorales de polifonía
en la Catedral de Santiago
Dixo san Paulo na súa carta aos colosenses:
“Que a palabra de Cristo habite en vós con
toda a súa riqueza. Ensinádevos e alentádevos uns aos outros o mellor que saibades. Co
corazón cheo de agradecemento cantádelle a
Deus salmos, himnos e cánticos inspirados”.
Nestas indicacións atopamos dúas cuestións
fundamentais que acompañan á Igrexa ao longo da súa historia: a supremacía da palabra e
o uso da música como ferramenta de culto. A
palabra é a que é, está fixada, e ten vocación
de inmutabilidade e de eternidade; en cambio
a música é expresión de cada tempo e de cada
lugar. Consciente desta disparidade, a Igrexa
fixo un esforzo por crear unha linguaxe musical digna da palabra divina, que expresase
a súa sacralidade por riba das barreiras do
tempo e do espazo; o froito dese esforzo é o
que hoxe coñecemos como canto gregoriano,
no que a cristiandade católica ve a súa expresión musical máis auténtica, pura, venerable
e perdurable. Por suposto, para chegar a ese
status tivo que percorrer varios tempos e varios espazos; e unha vez acadado, seguiu participando no devir histórico ao ser empregado
como cantus firmus: a melodía firme sobre a
que se construía a polifonía sacra. Estas consideracións poden axudarnos a percibir con
máis claridade cómo se podía desenvolver a
práctica musical no caso concreto que nos
ocupa, a catedral de Santiago no século XVI. É
o Século de Ouro da polifonía sacra española
e, no ámbito europeo, da cristalización dun
novo tipo de linguaxe polifónica que acadará
consideración de modélico, exemplificado na
obra de Palestrina. A importancia que hoxe
outorgamos á polifonía non debe facernos
esquecer que sempre conviviu coa monodia,
co canto gregoriano. Este sempre estaba
presente no culto e, de xeito indirecto, no interior de moitas obras polifónicas na forma
de cantus firmus.
Dijo san Pablo en su carta a los colosenses:
“Que la palabra de Cristo habite en vosotros con
toda su riqueza. Os enseñabais y os alentabais
unos a los otros lo mejor que sepáis. Con el
corazón lleno de agradecimiento le cantabais a
Dios salmos, himnos y cánticos inspirados”. En
estas indicaciones encontramos dos cuestiones
fundamentales que acompañan a la Iglesia a lo
largo de su historia: la supremacía de la palabra
y el uso de la música como herramienta de culto.
La palabra es la que es, está fijada, y tiene vocación de inmutabilidad y de eternidad; en cambio
la música es expresión de cada tiempo y cada
lugar. Consciente de esta disparidad, la Iglesia
hizo un esfuerzo por crear un lenguaje musical
digno de la palabra divina, que había expresado
su sacralidad por encima de las barreras del
tiempo y del espacio; el fruto de ese esfuerzo es
el que hoy conocemos como canto gregoriano,
en lo que la cristiandad católica ve su expresión musical más auténtica, pura, venerable
y perdurable. Por supuesto, para llegar a ese
status hubo de recorrer varios tiempos y varios
espacios; y una vez conseguido, siguió participando en el devenir histórico al ser empleado
como cantus firmus: la melodía firme sobre la
la cual se construía la polifonía sacra. Estas
consideraciones pueden ayudarnos a percibir
con más claridad cómo se podía desarrollar la
práctica musical en el caso concreto que nos
ocupa, la catedral de Santiago en el siglo XVI.
Es el Siglo de Oro de la polifonía sacra española
y, en el ámbito europeo, de la cristalización de
un nuevo tipo de lenguaje polifónico que conseguirá consideración de modélico, ejemplificado
en la obra de Palestrina. La importancia que
hoy otorgamos a la polifonía no debe hacernos
olvidar que siempre convivió con la monodia,
con el canto gregoriano. Este siempre estaba
presente en el culto y, de manera indirecta, en
el interior de muchas obras polifónicas en la
forma de cantus firmus.
É tamén o século XVI a época de consolidación
das capelas musicais: un conxunto de cantantes exclusivamente masculinos, adultos e
Es también el siglo XVI la época de consolidación de las capillas musicales: un conjunto de
cantantes exclusivamente masculinos, adul26
nenos, encargados da interpretación do canto
gregoriano e da polifonía. Aínda que progresivamente se foron integrando ademais instrumentistas, eran os cantores os que constituían o núcleo esencial da capela. As partes
agudas das obras polifónicas eran cantadas
por adultos especializados na execución deses rexistros e polos nenos do coro, que recibían a súa educación precisamente no seo da
capela. A responsabilidade do grupo recaía no
mestre de capela, que tiña diversas funcións:
dirixir as execucións, ocuparse da ensinanza
musical dos nenos e dos adultos, ensaiar as
obras, e encargarse da elección apropiada do
repertorio. Para cumprir axeitadamente con
este último cometido, a solución natural que
se impuxo foi que o mestre de capela fose
tamén compositor, co cal podía satisfacer
a demanda de novo repertorio polifónico.
Esta situación favoreceu a creación en cada
catedral dun arquivo musical no que se ían
acumulando as obras dos diversos mestres
de capela, que quedaban a disposición das
necesidades musicais do templo; así, xunto
a un repertorio gregoriano que constituía a
esencia dos valores tradicionais, medraba
un repertorio polifónico que satisfacía a necesidade de ornato e solemnidade de certos
momentos da liturxia. Ademais, as obras dos
mestres máis afamados circulaban entre os
diversos centros, co cal en definitiva o mestre
de capela podía empregar tanto obras propias
como alleas.
tos y niños, encargados de la interpretación
del canto gregoriano, y de la polifonía. Aunque
progresivamente se fueron integrando además instrumentistas, eran los cantores los
que constituían el núcleo esencial de la capilla. Las partes agudas de las obras polifónicas
eran cantadas por adultos especializados en la
ejecución de esos registros y por los niños del
coro, que recibían su educación precisamente
en el seno de la capilla. La responsabilidad del
grupo recaía en el maestro de capilla, que tenía diversas funciones: dirigir las ejecuciones,
ocuparse de la enseñanza musical de los niños
y de los adultos, ensayar las obras, y encargarse de la elección apropiada del repertorio.
Para cumplir adecuadamente con este último
cometido, la solución natural que se impuso fue
que el maestro de capilla fuese también compositor, con el cual podía satisfacer la demanda
de nuevo repertorio polifónico. Esta situación
favoreció la creación en cada catedral de un
archivo musical en el que se iban acumulando
las obras de los diversos maestros de capilla,
que quedaban a disposición de las necesidades
musicales del templo; así, junto a un repertorio gregoriano que constituía la esencia de los
valores tradicionales, crecía un repertorio polifónico que satisfacía la necesidad de ornato y
solemnidad de cierto momentos de la liturgia.
Además, las obras de los maestros más afamados circulaban entre los diversos centros, con
lo cual en definitiva el maestro de capilla podía
emplear tanto obras propias como ajenas.
Xustamente a este respecto pódense citar as
indicacións expresas de dous arcebispos de
Santiago da segunda metade do século XVI,
Gaspar de Zúñiga e Francisco Blanco. Ambos
os dous participaban do espírito contrarreformista xestado no Concilio de Trento, que
procuraba entre outras cousas unha expresión devota más sinxela e auténtica. Sinala o
primeiro, referíndose ás funcións do mestre
de capela: “... se le encarga que ansí como es
justo haga cantar las cosas que él compusiere,
procure y haga que también se canten otras
cosas compuestas de otros músicos como de
Jusquin y de Morales y de otros músicos notables que ha habido, porque demás que es
Justamente a este respecto pueden citarse
las indicaciones expresas de dos arzobispos
de Santiago de la segunda mitad del siglo XVI,
Gaspar de Zúñiga y Francisco Blanco. Ambos
participaban del espíritu contrarreformista
gestado en el Concilio de Trento, que procuraba entre otras cosas una expresión devota
más sencilla y auténtica. Señala el primero,
referiéndose á las funciones del maestro de
capilla: “... se le encarga que ansí como es justo
haga cantar las cosas que él compusiere, procure y haga que también se canten otras cosas
compuestas de otros músicos como de Jusquin
y de Morales y de otros músicos notables que ha
habido, porque demás que es conveniente que en
27
conveniente que en iglesia tan insigne y a do
acuden de diversas partes se cante de todo género de música de diversos autores ...” No mesmo sentido, Fernando Blanco indica sobre o
mestre de capela: “... A su cargo está señalado
lo que hubiere de cantar. Señalará lo que él y
otros hubieren compuesto, como Iusquin, Morales, Logroño, Guerrero y otros muchos músicos
famosos para que los cantores estén diestros
en todo género de música”. Atopamos nestas
instrucións o nome de varios compositores
tidos na máis alta consideración na España
da época. As obras do francés Josquin Desprez, morto en 1521, eran presentadas como
modelos por compositores e teóricos en toda
Europa; apreciábase especialmente o seu estilo polifónico imitativo, claro e expresivo. A
sobriedade de Cristóbal de Morales (ca.15001553) foi unha das súas características máis
admiradas. Francisco Logroño foi mestre de
capela en Santiago de 1536 ata 1571, e a súa
obra está hoxe perdida. Francisco Guerrero
(1528-1599) foi alumno de Morales, e a súa
obra seguiu en uso no ámbito hispánico durante moitos anos despois da súa morte. E
podemos supoñer que cando os dous arcebispos composteláns antes citados se refiren a
“outros músicos notables” e “famosos”, nese
grupo estarían sen dúbida o español Tomás
Luis de Victoria (ca.1548-1611) e o italiano
Giovanni Pierluigi da Palestrina (1526-1594),
dous compositores que representan para a
posteridade a expresión musical do espírito
da Contrarreforma. As obras musicais desta
época conservadas no arquivo da catedral
de Santiago redúcense actualmente a seis
cantorais de polifonía, nos que todas as obras
figuran sen indicación de autor coa excepción
de Palestrina. Sen dúbida unha testemuña
moi esvaída do que debeu ser a actividade
musical dun dos principais templos da península. O presente concerto emprega tanto
obras conservadas no arquivo da catedral
compostelá como obras doutros autores que
sen dúbida eran coñecidos e ademais interpretados, como testemuñan as directrices
arcebispais citadas.
iglesia tan insigne y a do acuden de diversas partes se cante de todo género de música de diversos autores ...” En el mismo sentido, Fernando
Blanco indica sobre el maestro de capella: “... A
su cargo está señalado lo que hubiere de cantar.
Señalará lo que él y otros hubieren compuesto,
como Iusquin, Morales, Logroño, Guerrero y otros
muchos músicos famosos para que los cantores
estén diestros en todo género de música”. Encontramos en estas instrucciones el nombre
de varios compositores tenidos en la más alta
consideración en la España de la época. Las
obras del francés Josquin Desprez, muerto
en 1521, eran presentadas como modelos por
compositores y teóricos en toda Europa; se
apreciaba especialmente su estilo polifónico imitativo, claro y expresivo. La sobriedad
de Cristóbal de Morales (ca.1500-1553) fue
una de sus características más admiradas.
Francisco Logroño fue maestro de capilla en
Santiago de 1536 hasta 1571, y su obra está
hoy perdida. Francisco Guerrero (1528-1599)
fue alumno de Morales, y su obra siguió en
uso en el ámbito hispánico durante muchos
años después de su muerte. Y podemos suponer que cuando los dos arzobispos compostelanos antes citados se refieren a “otros
músicos notables” y “famosos”, en ese grupo
estarían sin duda el español Tomás Luis de
Victoria (ca.1548-1611) y el italiano Giovanni Pierluigi da Palestrina (1526-1594), dos
compositores que representan para la posteridad la expresión musical del espíritu de
la Contrarreforma. Las obras musicales de
esta época conservadas en el archivo de la
catedral de Santiago se reducen actualmente
a seis cantorales de polifonía, en los que todas las obras figuran sin indicación de autor
con la excepción de Palestrina. Sin duda un
testigo muy difuminado de lo que debió ser
la actividad musical de uno de los principales
templos de la península. El presente concierto
emplea tanto obras conservadas en el archivo
de la catedral compostelana como obras de
otros autores que sin duda eran conocidos y
además interpretados, como testimonian las
directrices arzobispales citadas.
28
O ciclo anual da liturxia marcaba a organización ritual, e por tanto a musical, da vida da
catedral. As cerimonias principais eran por
unha banda a misa, e por outra as horas ou
oficios, que era o nome xenérico que recibían os cantos e oracións que realizaban os
cregos en determinados momentos do día:
principalmente maitíns, laudes, vésperas e
completas. Nas horas executábanse certos
tipos de cantos, dos que podemos atopar
exemplos neste concerto. Os himnos son
cantos de loanza a Deus, divididos en estrofas que se cantan todas coa mesma música.
O seu uso remóntase aos primeiros tempos
do cristianismo, e no século VI san Bieito
prescribiu na súa famosa regra monástica
o seu canto en todas as horas do oficio. O
repertorio de himnos é amplo e percorre
todo o ano litúrxico. O invitatorio é o canto
inicial do oficio de maitíns, de aí a súa denominación. Os salmos son un conxunto de
150 poemas reunidos no Libro dos salmos
da Biblia; nos oficios cántanse normalmente
xunto con melodías relativamente breves e
sinxelas chamadas antífonas. Hai antífonas
que non teñen relación cos salmos, como
por exemplo as catro dedicadas á virxe María, que rematan o oficio de completas; unha
delas é a Salve, que pecha este programa na
versión polifónica de Josquin. O responsorio inclúe tamén un versículo de salmo, pero
dentro dunha estrutura diferente á das antífonas; normalmente van asociados ás lecturas, outro elemento importante das horas.
O magníficat é un canto da virxe María que
remata con solemnidade o oficio de vésperas.
El ciclo anual de la liturgia marcaba la organización ritual, y por tanto la musical, de la vida de la
catedral. Las ceremonias principales eran por
una parte la misa, y por otra las horas u oficios,
que era el nombre genérico que recibían los
cantos y oraciones que realizaban los curas en
determinados momentos del día: principalmente maitines, laudes, vísperas y completas. En
las horas se ejecutaban cierto tipos de cantos,
de los que podemos encontrar ejemplos en el
presente concierto. Los himnos son cantos de
alabanza a Dios, divididos en estrofas que se
cantan todas con la misma música. Su uso se
remonta a los primeros tiempos del cristianismo, y en el siglo VI san Benedictino prescribió en
su famosa regla monástica su canto en todas
las horas del oficio. El repertorio de himnos es
amplio y recorre todo el año litúrgico. El invitatorio es el canto inicial del oficio de maitines,
de ahí su denominación. Los salmos son un
conjunto de 150 poemas reunidos en el Libro de
los salmos de la Biblia; en los oficios se cantan
normalmente junto con melodías relativamente
breves y sencillas llamadas antífonas. Hay antífonas que no tienen relación con los salmos,
como por ejemplo las cuatro dedicadas a la
virgen María, que terminan el oficio de completas; una de ellas es la Salve, que cierra este
programa en la versión polifónica de Josquin.
El responsorio incluye también un versículo de
salmo, pero dentro de una estructura diferente
a la de las antífonas; normalmente van asociados a las lecturas, otro elemento importante
de las horas. El magníficat es un canto de la
virgen María que termina con solemnidad el
oficio de vísperas.
Como se pode apreciar no programa, o oficio
musicalmente máis importante era normalmente o das vésperas, que correspondía co
solpor e sinalaba o remate da xornada. No
caso particular da catedral de Santiago, o
culto ao apóstolo promoveu a creación dun
repertorio musical específico, que por fortuna
conservamos en parte dende a idade media
grazas a que foi incluído no Códice Calixtino.
Isto permite artellar un oficio de vésperas no
que convivan o canto gregoriano medieval do
códice coa polifonía renacentista dos can-
Como se puede apreciar en el programa, el
oficio musicalmente más importante era normalmente el de las vísperas, que correspondían
con el ocaso y señalaba el remate de la jornada.
En el caso particular de la catedral de Santiago,
el culto al apóstol promovió la creación de un
repertorio musical específico, que por fortuna
conservamos en parte desde la edad media
gracias a que fue incluido en el Códice Calixtino.
Esto permite articular un oficio de vísperas en
el que convivan el canto gregoriano medieval
del códice con la polifonía renacentista de los
29
torais composteláns. O programa continúa
cun conxunto de obras litúrxicas para diversas ocasións, e un pequeno grupo de tres
obras paralitúrxicas, é dicir que son sacras
pero non teñen un lugar oficial nos ritos da
Igrexa. Están en castelán e non en latín, e o
seu éxito é proba tanto da fama do seu autor,
Francisco Guerrero, como da necesidade de
atopar xeitos de expresión máis próximos á
sensibilidade da congregación cristiá. Como
remate, unha serie de pezas propias do tempo penitencial de Semana Santa, obra do paradigmático Tomás Luis de Victoria. O colofón
da Salve de Josquin retrotráenos a outro dos
mestres que marcaron o devir da polifonía
renacentista. [José Ángel Vilas]
cantorais compostelanos. El programa continúa con un conjunto de obras litúrgicas para
diversas ocasiones, y un pequeño grupo de tres
obras paralitúrgicas, es decir que son sacras
pero no tienen un lugar oficial en los ritos de la
Iglesia. Están en castellano y no en latín, y su
éxito es prueba tanto de la fama de su autor,
Francisco Guerrero, como de la necesidad de
encontrar maneras de expresión más próximas a la sensibilidad de la congregación cristiana. Como final, una serie de piezas propias
del tiempo penitencial de Semana Santa, obra
del paradigmático Tomás Luis de Victoria. El
colofón de la Salve de Josquin nos retrotrae a
otro de los maestros que marcaron el devenir
de la polifonía renacentista. [José Ángel Vilas]
CAPELA ANTIGA DO
ORFEÓN TERRA A NOSA
CAPILLA ANTIGUA DEL
ORFEÓN TERRA A NOSA
O Orfeón Terra a Nosa foi fundado en 1966 polo
franciscano Manuel Feijoo. Dirixido desde 1984
por Miro Moreira é unha verdadeira institución
orientada á valorización e consolidación de
actividades musicais, especialmente as relativas ao eido vocal e sobre todo coral. Os
instrumentos da institución son o Coro Sinfónico (conxunto de gran formato, imprescindible
para abordar obras de repertorio sinfónico-coral y operístico), o Coro de Cámara e a Capela
Antiga, ambos conxuntos vocais de formato
máis reducido acomodado para a interpretación de obras de vocación de cámara de diferentes períodos. O repertorio da Capela Antiga
é extenso, incorporando aos seus concertos
habituais, gravacións, montaxes escénicos e
programas para a Radio e Televisión Galega,
como por exemplo o espectáculo Rosa das rosas, que recolle as cantigas de Santa María, ou
o drama litúrxico medieval Ordo Profetarum. O
Orfeón Terra a Nosa dedica especial atención
á recuperación do patrimonio musical das
catedrais galegas, gravando coas principais
orquestras e conxuntos de música antiga galegas (Sinfónica de Galicia, Real Filharmonía
de Galicia, Capela Compostelana). Entre os
seus concertos e gravacións cómpre salien-
El Orfeón Terra a Nosa fue fundado en 1966 por
el franciscano Manuel Feijoo. Dirigido desde
1984 por Miro Moreira es una verdadera institución orientada a la valorización y consolidación
de actividades musicales, especialmente las
relativas al terreno vocal y sobre todo coral.
Los instrumentos de la institución son el Coro
Sinfónico (conjunto de gran formato, imprescindible para abordar obras de repertorio sinfónico-coral y operístico), el Coro de Cámara
y la Capela Antiga, ambos conjuntos vocales
de formato más reducido acomodado para la
interpretación de obras de vocación de cámara de diferentes períodos. El repertorio de la
Capela Antiga es extenso, incorporando a sus
conciertos habituales, grabaciones, montajes
escénicos y programas para la Radio y Televisión Gallega, como por ejemplo el espectáculo
Rosa de las rosas, que recoge las cantigas de
Santa María, o el drama litúrgico medieval Ordo
Profetarum. El Orfeón Terra a Nosa dedica especial atención a la recuperación del patrimonio
musical de las catedrales gallegas, grabando
con las principales orquestas y conjuntos de
música antigua gallegas (Sinfónica de Galicia,
Real Filharmonía de Galicia, Capela Compostelana). Entre sus conciertos y grabaciones hace
30
tar as realizadas en Nova Iorque (Metropolitan
Museum, The Cloisters), Washington (catedral
católica), Saint-Malo (catedral), Praga (Iglesia
de San Nicolás), Oporto, Lisboa (Iglesia dos
Jerónimos), Caracas, Bogotá (Teatro Colón), A
Coruña (Festival Mozart), Auditorio de Galicia,
Madrid (Academia de Bellas Artes), Santander
(Universidad Menéndez Pelayo) etc.
falta reseñar las realizadas en Nueva York (Metropolitan Museum, The Cloisters), Washington
(catedral católica), Saint-Malo (catedral), Praga
(Iglesia de San Nicolás), Oporto, Lisboa (Iglesia
dos Jerónimos), Caracas, Bogotá (Teatro Colón),
A Coruña (Festival Mozart), Auditorio de Galicia,
Madrid (Academia de Bellas Artes), Santander
(Universidad Menéndez Pelayo), etc.
MIRO MOREIRA director
MIRO MOREIRA director
Iniciou os seus estudos musicais como escolano na Capela Musical da Catedral de Santiago
e no Orfeón Terra a Nosa. Licenciado en canto
polo conservatorio do Liceu de Barcelona, centrou a súa especialización como cantante e director nos períodos do Renacemento e Barroco. Como contratenor solista participou en numerosos concertos en España e toda Europa,
formando parte de grupos especializados en
música antiga como a Capela Compostelana,
Capella Reial de Cataluña, Al Ayre Español etc.
É invitado a miúdo como solista e director por
múltiples formacións orquestrais como a Orquesta Nacional de España, Real Filharmonía
de Galicia, Orquesta Sinfónica de Sevilla, Sinfónica de Galicia, Sinfónica Nacional de Portugal.
Desde 1984 é director do Orfeón Terra a Nosa
e desde 1988 dirixe a Capela de Música da
Catedral de Santiago, coa que traballa intensamente na recuperación de obras de insignes
mestres de capela da basílica compostelana e
na creación de novo repertorio para a liturxia.
Na actualidade é ademais profesor asociado
de formación vocal e auditiva na Facultade de
Ciencias da Educación e director do Coro da
Universidade de Santiago.
Inició sus estudios musicales como escolano
en la Capilla Musical de la Catedral de Santiago y en el Orfeón Terra a Nosa. Licenciado en
canto por el conservatorio del Liceu de Barcelona, centró su especialización como cantante
y director en los períodos del Renacimiento y
Barroco. Como contratenor solista participó en
numerosos conciertos en España y toda Europa, formando parte de grupos especializados en
música antigua como la Capilla Compostelana,
Capella Reial de Cataluña, Al Ayre Español, etc.
Es invitado a menudo como solista y director
por múltiples formaciones orquestales como la
Orquesta Nacional de España, Real Filharmonía
de Galicia, Orquesta Sinfónica de Sevilla, Sinfónica de Galicia, Sinfónica Nacional de Portugal.
Desde 1984 es director del Orfeón Terra a Nosa
y desde 1988 dirige la Capilla de Música de la
catedral de Santiago, con la que trabaja intensamente en la recuperación de obras de insignes
maestros de capilla de la basílica compostelana
y en la creación de nuevo repertorio para la
liturgia. En la actualidad es además profesor
asociado de formación vocal y auditiva en la
Facultad de Ciencias de la Educación y director
del Coro de la Universidad de Santiago.
31
Ay Santa María!…
as Cantigas de Afonso X
¡Ay Santa María!…
las Cantigas de Alfonso X
RESONET
FERNANDO REYES dirección e arranxos
MERCEDES HERNÁNDEZ soprano
ANTONIO FAJARDO RUIZ baixo
ESTUDIO DE RESONET coro masculino
ESCOLANÍA DA CATEDRAL DE SANTIAGO “ANXOS DE COMPOSTELA”
Strela do día
De Deus Madre
Virgen Madre Groriosa
Sola fusti senlleira
Cantiga 340. De loor de Santa María
Cantiga 90. De loor
Dized’ay trovadores
Deus te salve
CSM 260. De loor de Santa María
Cantiga 40. De loor de Santa María
das maravillas que Deus fez por ela
Santa María Strela do día
Madre de Deus. Canto da Sibila
Cantiga 100. De loor de Santa María
Cantiga 422. Esta é de como Santa María
rogue por nos a seu fillo eno día do juizio
Senhor das senhores
Maravillosos et muy fremosos et
piadosos miragres faz
Pobre e Reínna
Cantiga 139. Como Santa María fez que falasse o
Fillo que tiinna nos braços ao da bõa moller,
que lle disse: “papa!”
Vella e minynha
Cantiga 180. De loor de Santa María
Rosa das Rosas
Cantiga 209. Como el Rey Don Affonso de Castela
adoeçeu en Bitoria e ouv’ ha door tan grande que
coidaron que morresse ende, e poseron-lle de suso
o livro das Cantigas de Santa Maria, e foi guarido
Muito faz grand’erro
Cantiga 10. De loor de Santa María
Miragres fremosos faz por nos Santa Maria
Cantiga 37. Esta é como Santa María fez cobrar
seu pée ao ome que o tallara con coita de door
De Santa María sinal cual xe quer
Cantiga 123. Como Santa María guardou un frade
menor dos diabos na ora que quis morrer,
e torcía-se todo con medo deles
32
Igrexa de San Paio de Antealtares
luns 30 marzo
21.00
RESONET
JORDI ARGELAGA chirimías / corno / frautas
PAULO GONZÁLEZ frautas / zanfona / gaita
CARLOS CASTRO percusións / salterio
FERNANDO REYES cítolas
ESTUDIO DE RESONET coro masculino
IGNACIO GÓMEZ
RICHARD RIVERA
FERNANDO REYES
JOSÉ LUIS VÁZQUEZ
Sempre faz ben
Ay Santa María
Cantiga 79. Como Santa María tomou a nena
que era garrida, corda, e levo-a sigo a parayso
Santa María loei
ESCOLANÍA DA CATEDRAL DE SANTIAGO
“ANXOS DE COMPOSTELA”
Cantiga 200. De loor de Santa María
Da que Deus mamou
JOSÉ LUIS VÁZQUEZ director
Cantiga 77. Esta é como Santa María sãou
na sa igreja en Lugo ũa moller contreita
dos pées e das mãos
Elisa Andión Mosquera / Teresa Andión
Mosquera / Inés Ansede Vilas / María Bello
de Miguel / Carmen Bernabé Fernández /
Sofía Casal Abeijón / Lucía Cerviño Sánchez
/ Carolina Díaz Moltó / Kenia Fernández
Rodríguez / Irene Fraga Cuña / Ana García
Miguéns / María García Rodríguez / Alba
Gómez Romero / Miriam González Casado
/ Antía Lamas Sánchez / Hyeyoon Lee /
Brais López Barros / Clara Loureiro Blanco
/ Antía Martínez Abalo / Sofía O´Donnell
Arceo / Xabier Pan Rivera / Ana María
Quintela Santamaría / Leticia Rey Gómez
/ Laura Ríos Castro / Mirian Ríos Castro /
Rita Ruanova Pampín / María de los Ángeles
Sánchez Lorenzo / Beatriz Santiago Tenreiro
/ Álvaro Sevilla Pérez / Juana SuárezLlanos de Mera / Rita Vieiro González
33
As Cantigas de Santa María
de Afonso X O Sabio.
Música para contemplar
Las Cantigas de Santa María
de Alfonso X El Sabio.
Música para contemplar
Afonso X, O Sabio, reuniu na segunda metade
do século XIII os mellores músicos de Occidente e de Oriente próximo para elaborar as máis
de 400 cantigas en lingua galega dedicadas
á Nai de Deus. O resultado foi a máis grande obra da tradición trobadoresca e un dos
máis grandes cumios da cultura occidental.
Cantigas de loor (loanza) e de milagres son o
contido básico deste “libro”... Pode ser que o
que lea estas liñas xa saiba que as Cantigas de
Santa María están recompiladas en catro libros
ou códices que proceden todos da idea inicial
de Afonso de crear un só libro dedicado á súa
“senhor”, a Virxe María. Pero... Que podemos
dicir que non estea xa dito sobre un libro (ou
o conxunto dos catro) que é recoñecido universalmente coma unha das marabillas da
creación musical da humanidade?
Alfonso X, El Sabio, reunió en la segunda mitad
del siglo XIII a los mejores músicos de Occidente
y de Oriente próximo para elaborar las más de
400 cantigas en lengua gallega dedicadas a la
madre de Dios. El resultado fue la más grande
obra de la tradición trovadoresca y una de las
más grandes cumbres de la cultura occidental.
Cantigas de loor (louvanza) y de milagros son
el contenido básico de este “libro” ... Puede ser
que el que lee estas líneas ya sepa que las Cantigas de Santa María están recopiladas en cuatro
libros o códices que proceden todos de la idea
inicial de Alfonso de crear un solo libro dedicado
a su “senhor”, la Virgen María. Pero ... ¿Que podemos decir que no esté ya dicho sobre un libro
(o el conjunto de los cuatro) que es reconocido
universalmente como una de las maravillas de
la creación musical de la humanidad?
É certo que sobre estas cantigas tense escrito
moito e que son obxecto de estudo nas universidades e un contido dos plans de estudo
do aparentemente eficaz sistema educativo
obrigatorio..., pero as Cantigas de Santa María,
a maior e máis importante obra escrita en lingua galega, a máis importante obra musical
da Idade Media occidental segundo os máis
prestixiosos musicólogos e músicos especializados, é unha completa descoñecida. En
ningún conservatorio de Galicia se estudan as
Cantigas de Santa María. A música medieval,
a máis prolífica, importante e universal das
músicas de Galicia está ausente dos conservatorios e de todas as escolas de música do
territorio galego. Para maior desgraza, nas
universidades ignórase persistentemente,
incorrendo nun grave erro de rigor científico,
a parte musical da lírica medieval galega, e
das Cantigas de Santa María en concreto (todas
estas levan a notación musical nas fontes).
Es cierto que sobre estas cantigas se ha escrito mucho y es un objeto de estudio en las
universidades y es un contenido de los planes
de estudio del aparentemente eficaz sistema
educativo obligatorio... pero las Cantigas de
Santa María, la mayor y más importante obra
escrita en lengua gallega, la más importante
obra musical de la Edad Media occidental según
los más prestigiosos musicólogos y músicos
especializados, es una completa desconocida.
En ningún conservatorio de Galicia se estudian
las Cantigas de Santa María. La música medieval,
la más prolífica, importante y universal de las
músicas de Galicia está ausente de los conservatorios y de todas las escuelas de música del
territorio gallego. Para mayor desgracia, en las
universidades se ignora persistentemente, incurriendo en un grave error de rigor científico, la
parte musical de la lírica medieval gallega, y de
las Cantigas de Santa María en concreto (todas
estas llevan la notación musical en las fuentes).
Este concierto no es una muestra más del resultado de un trabajo conjunto de una sociedad
en la que la suma de acciones culturales, educativas, políticas, sociales... da como resultado
una serie permanente de manifestaciones ar-
Este concerto non é unha mostra máis do
resultado dun traballo conxunto dunha sociedade na que a suma de accións culturais,
educativas, políticas, sociais..., dá como
resultado unha serie permanente de mani34
festacións artísticas en forma de concertos
e realidades musicais. Este concerto é un
momento no que conflúen liñas que rompen
as necrosadas dinámicas das que depende
gran parte da vida cultural dos nosos días.
Cando dende Resonet propuxemos a José
Luís Vázquez que a Escolanía da Catedral de
Santiago (na que eu mesmo iniciei e fixei o
contacto coa música) se integrase no noso
utópico proxecto de afrontar as Cantigas de
Santa María nun programa de concerto e de
posible gravación, a resposta foi inmediata
e totalmente positiva. A sensible e positiva
aceptación da proposta para a estrea do programa no Festival Músicas Contemplativas
deu o pulo definitivo ao que hoxe “contemplará” o público: o concerto.
tísticas en forma de conciertos y realidades musicales. Este concierto es un momento en el que
confluyen líneas que rompen las necrosadas
dinámicas de las que depende gran parte de
la vida cultural de nuestros días. Cuando desde
Resonet propusimos a José Luís Vázquez que
la Escolanía de la Catedral de Santiago (en la
que yo mismo inicié y fijé el contacto con la música) se integrara en nuestro utópico proyecto
de afrontar las Cantigas de Santa María en un
programa de concierto y de posible grabación,
la respuesta fue inmediata y totalmente positiva. La sensible y positiva aceptación de la
propuesta para el estreno del programa en el
Festival Músicas Contemplativas dio el empuje
definitivo el que hoy “contemplará” el público:
el concierto.
As Cantigas de Santa María son un compendio da arte trobadoresca medieval galega;
nelas conflúen moitos dos elementos estilísticos (poéticos e musicais indivisiblemente) da tradición trobadoresca en galego e
da tradición trobadoresca occidental. Pero
tamén o rei Sabio toma elementos da tradición poético-musical da Hispania árabe,
a máis refinada no momento, e sobre todo
das tradicións milenarias de terras do Oriente Medio, moitas delas aínda vivas hoxe, e
das que podemos “contemplar” preciosos
exemplos nas diversas edicións deste mesmo festival.
Las Cantigas de Santa María son un compendio de las artes trovadorescas medievales
gallegas; en ellas confluyen muchos de los
elementos estilísticos (poéticos y musicales
indivisiblemente) de la tradición trobadoresca
en gallego y de la tradición trovadoresca occidental. Pero también el rey Sabio toma elementos de la tradición poético-musical de la
Hispania árabe, la más refinada en el momento,
y sobre todo de las tradiciones milenarias de
tierras del oriente medio, muchas de ellas aun
vivas hoy, y de las que podemos “contemplar”
preciosos ejemplos en las diversas ediciones
de este mismo festival.
Esta tradición constátase na mesma catedral
de Santiago no século anterior ás cantigas:
moitos cantos en latín e en linguas romances
que tiñan lugar arredor de situacións festivas
nos grandes centros de peregrinación e relixiosos eran cantados por grupos de nenos
ou adolescentes. Eses cantos, descritos na
Historia Compostelá e dos que probablemente temos exemplos no mesmo Códice
Calixtino, narraban milagres de santos ou
eran loanzas a persoas destacadas; eran
moi difundidos tanto nos templos como nos
espazos exteriores (en procesións e espectáculos teatrais) tamén influíron con moita
probabilidade na concepción das Cantigas de
Santa María. Afonso fora educado en Galicia
e coñecía ben a tradición dos grandes mos-
Esta tradición se constata en la misma catedral
de Santiago en el siglo anterior a las cantigas:
muchos cantos en latín y en lenguas romances
que tenían lugar alrededor de situaciones festivas en los grandes centros de peregrinación y
religiosos eran cantados por grupos de niños o
adolescentes. Esos cantos, descritos en la Historia Compostelana y de los que probablemente
tenemos ejemplos en el mismo Códice Calixtino,
narraban milagros de santos o eran loas a personas destacadas; eran muy difundidos tanto
en los templos como en los espacios exteriores (en procesiones y espectáculos teatrales)
también influyeron con mucha probabilidad en
la concepción de las Cantigas de Santa María.
Alfonso había sido educado en Galicia y conocía
bien la tradición de los grandes monasterios y
35
teiros e da catedral compostelá. Moito material musical era compartido por eses cantos
colectivos e polas cantigas dos trobadores.
Nestas cantigas hai unha enorme variedade
que se move entre o estilo máis íntimo e o
estilo máis colectivo. Así o mostramos na
dramaturxia do concerto.
de la catedral compostelana. Mucho material
musical era compartido por esos cantos colectivos y por las cantigas de los trovadores.
En estas cantigas hay una enorme variedad
que se mueve entre el estilo más íntimo y el
estilo más colectivo. Así lo mostramos en la
dramaturgia del concierto.
Por outra parte, tradicionalmente resérvase o
estilo monódico, moi enriquecido con elementos rítmicos e de instrumentación así como
de improvisación melódica á interpretación
das Cantigas de Santa María. Nós incorporamos unha boa parte de versións polifónicas
de máis ou menos complexidade na nosa interpretación. Ben sabido é que na Galicia dun
século antes da creación das Cantigas de Santa María xa fora escrito o Códice Calixtino cos
seus 20 marabillosos exemplos de polifonías.
Estes son unha exemplificación dun estilo que
xa estaba establecido a finais do século XII.
Compostela e Galicia eran na época, tamén
no século XIII, o século das nosas cantigas,
lugares de enorme e vangardista actividade
artística. Tamén os instrumentos mostrados
con detalle nos libros das cantigas permiten e
facilitan a utilización de elementos polifónicos.
Hoxe sería difícil pensar que uns músicos de
elite, o mellores do mundo coñecido, inmersos nunha tradición polifónica e expertos na
improvisación de elementos polifónicos non
incluísen esa compoñente na interpretación
das cantigas, precisamente na época do desenvolvemento da vertical arte gótica.
Por otra banda, tradicionalmente se reserva el
estilo monódico, muy enriquecido con elementos rítmicos y de instrumentación así como de
improvisación melódica a la interpretación de
las Cantigas de Santa María. Nosotros incorporamos una buena parte de versiones polifónicas de más o menos complejidad en nuestra
interpretación. Bien sabido es que en la Galicia
de un siglo antes de la creación de las Cantigas
de Santa María ya había sido escrito el Códice
Calixtino con sus 20 maravillosos ejemplos de
polifonías. Estos son una ejemplificación de un
estilo que ya estaba establecido a finales del
siglo XII. Compostela y Galicia eran en la época, también en el siglo XIII, el siglo de nuestras
cantigas, lugares de enorme y vanguardista
actividad artística. También los instrumentos
mostrados con detalle en los libros de las cantigas permiten y facilitan la utilización de elementos polifónicos. Hoy sería difícil pensar que
unos músicos de elite, los mejores del mundo
conocido, inmersos en una tradición polifónica
y expertos en la improvisación de elementos
polifónicos no incluyeran ese componente en la
interpretación de las cantigas, precisamente en
la época del desarrollo de la vertical arte gótica.
Quedan por remarcar dous elementos esenciais na nosa proposta, que non pode faltar
en ningunha interpretación musical con repertorios patrimoniais musicais de máis dun
século: a calidade do son e a importancia do
texto como referentes principais da interpretación. As Cantigas de Santa María foron feitas
na corte do rei Sabio, Afonso; os instrumentos serían os mellores e os máis perfectos;
a beleza do son é un elemento de busca permanente na música ata mediados do século
XX, onde se troca esa beleza pola cantidade.
Pero tamén buscamos esa beleza na emisión
da voz. Unha emisión axeitada á afinación e á
posibilidade de interaccionar cos auditores e
Quedan por remarcar dos elementos esenciales en nuestra propuesta, que no puede faltar
en ninguna interpretación musical con repertorios patrimoniales musicales de más de un
siglo: la calidad del sonido y la importancia del
texto como referentes principales de la interpretación. Las Cantigas de Santa María fueron
hechas en la corte del rey Sabio, Alfonso; los
instrumentos serían los mejores y los más
perfectos; la belleza del sonido es un elemento
de búsqueda permanente en la música hasta
mediados del siglo XX, donde se cambia esa
belleza por la cantidad. Pero también buscamos
esa belleza en la emisión de la voz. Una emisión
adecuada a la afinación y a la posibilidad de
36
co espazo onde se interpreta sen que se vexa
afectada a percepción do texto, do ritmo e da
expresión poético-musical. O texto é o referente principal para a opción interpretativa e
vocal, pero tamén como modelo da execución
instrumental. Narración ou loanza, escritos
con música que vai con palabras, e esas palabras cantadas son portadoras do concepto
poético. Só así poden chegar a ser percibidas
e sentidas no seu máximo potencial. Estas
bases guiaron e guiarán o noso traballo futuro
coas cantigas.
interaccionar con los auditores y con el espacio
donde se interpreta sin que se vea afectada la
percepción del texto, del ritmo y de la expresión poético-musical. El texto es el referente
principal para la opción interpretativa y vocal,
pero también como modelo de la ejecución instrumental. Narración o loa, escritos con música
que va, con palabras, y esas palabras cantadas
son portadoras del concepto poético. Sólo así
pueden llegar a ser percibidas y sentidas en
su máximo potencial. Estas bases guiaron y
guiarán nuestro trabajo futuro con las cantigas.
A posibilidade de “contemplar” nun momento
breve e efémero unha das infinitas postas en
concerto posibles deste impresionante e por
desgraza aínda descoñecido, e sobre todo
aínda inexplorado tesouro, preséntase hoxe
para todos nós. Os cantantes e instrumentistas
“contemplaremos”, despois de moito tempo
de traballo activo, os sons, as palabras, as
emocións, os sentimentos desta selección
deste precioso repertorio reflectidos no espazo
barroco da igrexa de San Paio. O público
“contemplará” directamente esa pequena
parte dun repertorio que lle pertence a el e á
súa cultura, á máis íntima e á máis universal.
E non esquezamos, ningún de nós, que para
seguir “contemplando” os nosos tesouros
musicais, para seguir tendo estes momentos
únicos e irrepetibles... a “contemplación” move
á acción. [Fernando Reyes]
La posibilidad de “contemplar” en un momento
breve y efímero una de las infinitas puestas en
concierto posibles de este impresionante y por
desgracia aun desconocido, y sobre todo aun
inexplorado tesoro, se presenta hoy para todos nosotros. Los cantantes e instrumentistas
“contemplaremos”, después de mucho tiempo
de trabajo activo, los sones, las palabras, las
emociones, los sentimientos de esta selección
de este precioso repertorio reflejados en el
espacio barroco de la iglesia de San Paio. El
público “contemplará” directamente esa pequeña parte de un repertorio que le pertenece
a él y a su cultura, a la más íntima y a la más
universal. Y no olvidemos, ninguno de nosotros, que para seguir “contemplando” nuestros
tesoros musicales, para seguir teniendo estos
momentos únicos e irrepetibles ... la “contemplación” mueve a la acción. [Fernando Reyes]
RESONET
RESONET
Fundado en 1990 en Santiago de Compostela
baixo o impulso do laudista Fernando Reyes,
quen dirixe o grupo, e a soprano Mercedes
Hernández, toma o seu nome dunha peza do
Códice Calixtino. Os seus compoñentes están
especializados na interpretación da música
antiga nos máis recoñecidos centros de formación de Europa. Ofreceu numerosos concertos en prestixiosos festivais e auditorios
de toda Europa e dedica grande atención á
música relacionada con Galicia e co Camiño
de Santiago. Gravou os compactos La Grande
Chanson: cancións dos peregrinos de Francia,
s. XVII; Santiago!: música e peregrinacións no
Fundado en 1990 en Santiago de Compostela
bajo el impulso del laudista Fernando Reyes,
quien dirige el grupo, y la soprano Mercedes
Hernández, toma su nombre de una pieza del
Códice Calixtino. Sus componentes están especializados en la interpretación de la música
antigua en los más reconocidos centros de
formación de Europa. Ha ofrecido numerosos
conciertos en prestigiosos festivales y auditorios de toda Europa, y dedica gran atención a la
música relacionada con Galicia y con el Camino de Santiago. Ha grabado los compactos La
Grande Chanson: canciones de los peregrinos de
Francia, s. XVII; Santiago!: música y peregrinacio37
Renacemento; Les Pellerines: a moda da peregrinación en Francia, s. XVII; Il Pellegrino: a viaxe
de Cosme III de Medici, 1668; Canto de Nadal;
Cantares Galegos-Rosalía de Castro; Canto de
Ultreia: Codex Calixtinus - Cantos de peregrinos:
Músicas para as festas de Santiago, s. XII; Festa
Dies, músicas para a consagración da Catedral
de Santiago, 1211 e A Peregrina, cantos e romances nos camiños de Santiago.
nes en el Renacimiento; Les Pellerines: la moda
de la peregrinación en Francia, s. XVII; Il Pellegrino:
el viaje de Cosme III de Medici, 1668; Canto de
Navidad; Cantares Gallegos-Rosalía de Castro;
Canto de Ultreia: Codex Calixtinus - Cantos de peregrinos: Músicas para las fiestas de Santiago,
s. XII; Fiesta Dies, músicas para la consagración
de la Catedral de Santiago, 1211 y La Peregrina,
cantos y romances en los caminos de Santiago.
FERNANDO REYES director
FERNANDO REYES director
Iniciou a súa formación musical como neno
cantor na Escolanía da Catedral de Santiago
de Compostela e especializouse nos instrumentos antigos de corda pulsada no Conservatorio de Toulouse (Francia) e na Staatliche
Hochschule für Musik de Trossingen (Alemaña). Fundou e dirixe Resonet. Como instrumentista ten ofrecido unha intensa actividade
de concertos e gravacións, tanto como solista
como acompañante, por toda Europa. Alén
diso, compuxo e dirixiu a música de diversas
obras teatrais e publicou varios artigos sobre
música antiga, guías musicais e libros-cd. Imparte numerosos seminarios, cursos e conferencias en diferentes universidades e centros
de ensino europeos.
Inició su formación musical como niño cantor
en la Escolanía de la Catedral de Santiago de
Compostela y se especializó en los instrumentos antiguos de cuerda pulsada en el Conservatorio de Toulouse (Francia) y en la Staatliche
Hochschule für Musik de Trossingen (Alemania). Fundó y dirige Resonet. Como instrumentista ha ofrecido una intensa actividad de
conciertos y grabaciones, tanto como solista
cómo acompañante, por toda Europa. Además,
ha compuesto y dirigido la música de diversas
obras teatrales y ha publicado varios artículos sobre música antigua, guías musicales y
libros-cd. Imparte numerosos seminarios, cursos y conferencias en diferentes universidades
y centros de enseñanza europeos.
MERCEDES HERNÁNDEZ soprano
MERCEDES HERNÁNDEZ soprano
Naceu en Santiago de Compostela e estudou
canto, especializándose en música antiga,
no Conservatorio de Toulouse (Francia), na
Musikhochschule de Trossingen (Alemaña) e
na Schola Cantorum Basiliensis (Basilea, Suíza) con profesores como Guillemette Laurens,
Richard Levitt e Montserrat Figueras. Colaborou en concertos e gravacións con destacados
grupos como La Capella Reial de Catalunya
(Jordi Savall), Le Parlement de Musique (Martin
Gester), Ensemble Elyma (Gabriel Garrido),
The Harp Consort (Andrew Lawrence King),
La Fenice (Jean Tubery) etc., tendo actuado en
moitos dos principais auditorios e festivais de
Europa e América. En 2002 debutou no Liceo
de Barcelona na ópera de Claudio Monteverdi
L’Orfeo dirixida por Jordi Savall.
Nació en Santiago de Compostela y estudió
canto, especializándose en música antigua, en
el Conservatorio de Toulouse (Francia), en la
Musikhochschule de Trossingen (Alemania) y
en la Schola Cantorum Basiliensis (Basilea, Suiza) con profesores como Guillemette Laurens,
Richard Levitt y Montserrat Figueras. Ha colaborado en conciertos y grabaciones con destacados grupos como La Capella Reial de Catalunya
(Jordi Savall), Le Parlement de Musique (Martin
Gester), Ensemble Elyma (Gabriel Garrido), The
Harp Consort (Andrew Lawrence King), La Fenice
(Jean Tubery), etc., habiendo actuado en muchos
de los principales auditorios y festivales de Europa y América. En 2002 debutó en el Liceo de
Barcelona en la ópera de Claudio Monteverdi
L’Orfeo dirigida por Jordi Savall.
38
ANTONIO FAJARDO RUIZ baixo
ANTONIO FAJARDO RUIZ bajo
Naceu en Sabadell e iniciou os seus estudos
musicais na Escola Municipal de Música
de Cerdanyola-Aulós, completándoos no
Conservatorio Profesional de Tarrasa e
e no Conservatorio Bruch en Barcelona.
Perfecciónouse no canto con Maria Dolors
Aldea, Matilda Pinkas e Carlos Chausson.
Forma parte do Coro de Cámara do Palau da
Música Catalá entre 1999 e 2011. Interpretou
como solista A frauta máxica de Mozart, Tosca de
Puccini, Rigoletto de Verdi, O barbeiro de Sevilla
de Rossini etc. Foi premiado no concurso de
canto Manuel Ausensi no Teatro do Liceu de
Barcelona e especialízouse na interpretación
da música antiga, traballando con grupos como
Capriccio Stravagante, Collegium Vocale, La
Grande Chapelle, Graindelavoix, Resonet etc.
Nació en Sabadell e inició sus estudios musicales
en la Escuela Municipal de música de CerdanyolaAulós, completándolos en el Conservatorio
Profesional de Tarrasa y en el Conservatorio
Bruch en Barcelona. Se perfeccionó en canto
con Maria Dolors Aldea, Matilda Pinkas y Carlos
Chausson. Forma parte del Coro de Cámara
del Palau de la Música Catalana entre 1999 y
2011. Ha interpretado como solista La flauta
mágica de Mozart, Tosca de Puccini, Rigoletto
de Verdi, El barbero de Sevilla de Rossini, etc.
Fue premiado en el concurso de canto Manuel
Ausensi en el Teatro del Liceu de Barcelona y se
ha especializado en la interpretación da música
antigua, trabajando con grupos como Capriccio
Stravagante, Collegium Vocale, La Grande
Chapelle, Graindelavoix, Resonet, etc.
ESCOLANÍA DA CATEDRAL DE
SANTIAGO “ANXOS DE COMPOSTELA”
JOSÉ LUIS VÁZQUEZ director
ESCOLANÍA DA CATEDRAL DE
SANTIAGO “ANXOS DE COMPOSTELA”
JOSÉ LUIS VÁZQUEZ director
Refundada no ano 2008, é un dos coros con
máis historia de Santiago de Compostela.
Dende esa data, a Escolanía, á parte das súas
actuacións regulares en actos litúrxicos dentro
da Catedral, actuou en acontecementos tan
relevantes como a visita do papa Benedicto
XVI coa Real Filharmonía de Galicia dirixidos
por Maximino Zumalave, no Festival “Peregrinos Musicais” organizado pola Fundación
Internacional Vladimir Spivakov en España,
no concerto benéfico a favor de Manos Unidas
(Consello da Cultura Galega, xaneiro de 2012),
e en numerosos concertos celebrados en diversos lugares da xeografía galega. En abril
de 2014 realizan a súa primeira colaboración
con Resonet, interpretando o Stabat Mater de
Pergolesi no Festival Músicas Contemplativas
de Santiago. Con motivo da celebración do seu
5º ano de existencia, gravan o seu primeiro
disco no que se reflexa o traballo realizado
nese período. O coro está integrado por uns
25 nenos de idades comprendidas entre os 8
e os 16 años, e, pretende ser un verdadeiro
centro de canto coral e lugar de formación
tanto musical como de novas voces.
Refundada en el año 2008, es uno de los coros
con más historia de Santiago de Compostela.
Desde esa fecha, la Escolanía, aparte de sus actuaciones regulares en actos litúrgicos dentro
de la Catedral, actuó en acontecimientos tan
relevantes como la visita del papa Benedicto
XVI con la Real Filharmonía de Galicia dirigidos
por Maximino Zumalave, el Festival “Peregrinos Musicales” organizado por la Fundación
Internacional Vladimir Spivakov en España,
en el concierto benéfico a favor de Manos Unidas (Consejo de la Cultura Gallega, enero de
2012), y en numerosos conciertos celebrados
en diversos lugares de la geografía gallega. En
abril de 2014 realizan su primera colaboración
con Resonet, interpretando el Stabat Mater de
Pergolesi en el Festival Músicas Contemplativas de Santiago. Con motivo de la celebración
de su 5º año de existencia, graban su primer
disco en el que si refleja el trabajo realizado
en ese período. El coro está integrado por unos
25 niños de edades comprendidas entre los 8
y los 16 corderos, y, pretende ser un verdadero
centro de cuanto coral y lugar de formación
tanto musical como de nuevas voces.
39
Cristóbal de Morales… Réquiem
Cristóbal de Morales… Réquiem
MUSICA FICTA
RAÚL MALLAVIBARRENA
director
Cristóbal de Morales (ca.1500 - 1553)
In illo tempore: stabant
Réquiem a 5
Introitus
Kyrie
Graduale
Sequentia
Offertorium
Sanctus-Benedictus
Agnus Dei
Communio
Lamentabatur Jacob
MUSICA FICTA
LORE AGUSTÍ soprano
GABRIEL HERNÁNDEZ alto
SONIA GANCEDO alto
ARIEL HERNÁNDEZ tenor
MANUEL TORRADO baixo
PATRICIA MORA órgano
40
Convento de Santa Clara
martes 31 marzo
20.30
Unha obra mestra da
polifonía renacentista
Una obra maestra de la
polifonía renacentista
Parece o máis probable que Cristóbal de Morales (ca.1500-1553) escribise o seu Réquiem
a cinco voces durante a súa estadía en Roma,
sendo cantor da Capela Sixtina, institución da
que formaba parte dende 1535. Foi imprimida xunto con outras seis misas máis no seu
Missarum Liber Secundus, publicado na cidade
papal en 1544. Formuláronse varias hipóteses
sobre a súa finalidade e motivación pero ningunha delas foi probada documentalmente.
Mesmo se especulou coa idea de que Morales
compuxese este Réquiem para o funeral de Isabel de Portugal, esposa de Carlos V, falecida en
1539. Pero non hai probas concluíntes. Trátase, certamente, dunhas das mellores páxinas
saídas da pluma do xenio hispalense. Segue
a estrutura habitual das misas de defuntos,
cunha sequentia polifónica só para o verso Pie
Jesu (o resto interpretábase en canto plano). A
sólida intensidade do Introitus, gobernada pola
sobriedade estática do cantus firmus, anuncia as intencións do autor. A súa formulación
ten algo de magmático, cun discurso pausado pero sempre en movemento, sutilmente
salpicado de debuxos singulares que parecen
querer empurrar o texto cara adiante. A súa
sonoridade é ampla, ambiciosa, percorrida por
eses retardos de cuarta que inxectan tensión
en cada palabra e que resolven con elegantes
e solemnes bordaduras. A súa escoita é unha
viaxe á austeridade da morte. Os primeiros números son teatrais, pero, a medida que avanza
a obra, a homofonía vai gañando terreo e os
perpiaños que forman o muro son cada vez
máis regulares. Máis serenos. Talvez unha
metáfora do lento tránsito cara á morte. Pero
se o Réquiem é unha obra mestra da polifonía do Renacemento, o motete Lamentabatur
Jacob elévase entre os cumes máis grandes
xamais escritos no repertorio vocal. Na miña
opinión, estamos ante un dos motetes máis
intensos de todos os tempos. Composto para
o terceiro domingo de Coresma, o seu texto
recolle o momento en que Jacob chora polos
seus fillos Xosé e Benxamín. As disonancias
Parece lo más probable que Cristóbal de Morales (ca.1500-1553) escribiera su Réquiem a cinco voces durante su estancia en Roma, siendo
cantor de la Capilla Sixtina, institución de la que
formaba parte desde 1535. Fue impresa junto
con otras seis misas más en su Missarum Liber
Secundus, publicado en la ciudad papal en 1544.
Se han formulado varias hipótesis sobre su finalidad y motivación pero ninguna de ellas ha
sido probada documentalmente. Incluso se ha
especulado con la idea de que Morales compusiera este Réquiem para el funeral de Isabel de
Portugal, esposa de Carlos V, fallecida en 1539.
Pero no hay pruebas concluyentes. Se trata,
ciertamente, de unas de las mejores páginas
salidas de la pluma del genio hispalense. Sigue
la estructura habitual de las misas de difuntos,
con una Sequentia polifónica solo para el verso
Pie Jesu (el resto se interpretaba en canto llano).
La sólida intensidad del Introitus, gobernada por
la sobriedad estática del cantus firmus, anuncia las intenciones del autor. Su planteamiento
tiene algo de magmático, con un discurso pausado pero siempre en movimiento, sutilmente
salpicado de dibujos singulares que parecen
querer empujar el texto hacia delante. Su sonoridad es amplia, ambiciosa, recorrida por
esos retardos de cuarta que inyectan tensión
en cada palabra y que resuelven con elegantes
y solemnes bordaduras. Su escucha es un viaje
a la austeridad de la muerte. Los primeros números son teatrales, pero, a medida que avanza
la obra, la homofonía va ganando terreno y los
sillares que forman el muro son cada vez más
regulares. Más serenos. Tal vez una metáfora
del lento tránsito hacia la muerte. Pero si el
Réquiem es una obra maestra de la polifonía del
Renacimiento, el motete Lamentabatur Jacob
se eleva entre las cimas más grandes jamás
escritas en el repertorio vocal. En mi opinión,
estamos ante uno de los motetes más intensos de todos los tiempos. Compuesto para el
tercer domingo de Cuaresma, su texto recoge
el momento en que Jacob llora por sus hijos
José y Benjamín. Las disonancias hacen su
41
fan a súa aparición dende o primeiro momento
debuxando un escenario dramático e poético que só pode conducir ao pranto. Morales
mostra a mellor faceta do estilo contrapuntístico puro, o que identificou dous séculos de
Renacemento musical e que sería admirado
por todos os compositores ata os nosos días.
[Raúl Mallavibarrena]
aparición desde el primer momento dibujando un escenario dramático y poético que sólo
puede conducir al llanto. Cristóbal de Morales
muestra la mejor faceta del estilo contrapuntístico puro, el que identificó dos siglos de Renacimiento musical, y que sería admirado por
todos los compositores hasta nuestros días.
[Raúl Mallavibarrena]
MUSICA FICTA
MUSICA FICTA
Está considerado un dos máis destacados
renovadores da interpretación da música
antiga no noso país. Dende a súa fundación
en 1992, realizou xiras e concertos polos máis
importantes festivais nacionais, así como
actuacións en Italia, Grecia, Francia, Noruega,
Alemaña, Chequia, Polonia, Túnez, Exipto,
Xordania, Líbano, Siria, Suramérica, Estados
Unidos e Xapón. Ata a data a súa discografía
comprende dezasete discos, algúns dos cales
obtiveron premios e mencións en España,
Francia e Estados Unidos. En setembro de
2002 apareceu, con motivo do 400 aniversario
da súa composición, o Officium Defuntorum de
Tomás Luis de Victoria, disco premiado como
mellor disco de música renacentista do ano
2002 pola revista CD Compact e seleccionado
para a Colección de Clásicos de El País. En
2005 iniciaron unha serie de gravacións para o
selo Enchiriadis en torno ao tempo do Quixote,
ofrecendo varias primicias mundiais como
o Cancionero de Turín ou o Parnaso Español
de Pedro Ruimonte. Xunto co Ensemble
Fontegara interpretaron as Musikalische
Exequien de Schütz, o Dixit Dominus de
Haendel, o Stabat Mater de Pergolesi, La
Senna Festeggiante de Vivaldi, a Messe des
morts de Charpentier, ademais doutras
obras de Purcell, Buxtehude ou Bach. En
2005, xunto coa orquestra Civitas Harmoniae,
interpretaron en versión escénica a zarzuela
de Sebastián Durón Salir el Amor del Mundo.
En 2007 completaron os tres volumes da
primeira gravación mundial da integral das
Villanescas Espirituales de Francisco Guerrero.
En 2010 apareceu, con extraordinaria acollida
Está considerado uno los más destacados
renovadores de la interpretación de la música
antigua en nuestro país. Desde su fundación
en 1992, ha realizado giras y conciertos por
los más importantes festivales nacionales, así
como actuaciones en Italia, Grecia, Francia,
Noruega, Alemania, Chequia, Polonia, Túnez,
Egipto, Jordania, Líbano, Siria, Suramérica,
Estados Unidos y Japón. Su discografía
comprende diecisiete discos, algunos de los
cuales han obtenido premios y menciones en
España, Francia y Estados Unidos. En 2002
publicaron, con motivo del 400 aniversario
de su composición, el Officium Defuntorum
de Tomás Luis de Victoria, disco premiado
como Mejor disco de Música Renacentista
del año 2002 por la revista CD Compact y
seleccionado para la Colección de Clásicos
de El País. En 2005 iniciaron una serie de
grabaciones para el sello Enchiriadis en torno al
tiempo del Quijote, ofreciendo varias primicias
mundiales como el Cancionero de Turín o el
Parnaso Español de Pedro Ruimonte. Junto
con el Ensemble Fontegara han interpretado
las Musikalische Exequien de Schütz, el Dixit
Dominus de Haendel, el Stabat Mater de
Pergolesi, La Senna Festeggiante de Vivaldi, la
Messe des morts de Charpentier, además de
otras obras de Purcell, Buxtehude o Bach. En
2005, junto con la orquesta Civitas Harmoniae,
interpretaron en versión escénica la zarzuela
de Sebastián Durón Salir el Amor del Mundo.
En 2007 completaron los tres volúmenes de la
primera grabación mundial de la integral de las
Villanescas Espirituales de Francisco Guerrero y
en 2010 apareció, con extraordinaria acogida de
42
da crítica, a súa gravación dos 18 Responsorios
de Tinieblas de Tomás Luis de Victoria, primeiro
dunha serie de proxectos encamiñados a
conmemorar, en 2011, o 400 aniversario
da morte do compositor abulense. En 2012
publicaron Músicas Viaxeiras, con repertorio
das tres culturas e, en 2014, presentaron o
seu último disco Live in New York co concerto
realizado na Hispanic Society de Nova York
co programa Columbus, composto por música
colonial americana. Musica Ficta é membro
fundador da Asociación de Grupos Españois
de Música Antiga (XEMA).
la crítica, su grabación de los 18 Responsorios
de Tinieblas de Tomás Luis de Victoria, primero
de una serie de proyectos encaminados a
conmemorar, en 2011, el 400 aniversario de
la muerte del compositor abulense. En 2012
publicaron Músicas Viajeras, con repertorio de
las tres culturas, y en 2014 presentaron su
último disco Live in New York con el concierto
realizado en la Hispanic Society de Nueva York
con el programa Columbus, compuesto por
música colonial americana. Musica Ficta es
miembro fundador de la Asociación de Grupos
Españoles de Música Antigua (GEMA).
RAUL MALLAVIBARRENA
RAUL MALLAVIBARRENA
Nado en Oviedo en 1970, comezou os seus
estudos musicais co seu pai Juan Bautista Mallavibarrena. Especializado no repertorio dos
séculos XV ao XVIII, é fundador e director dos
grupos Musica Ficta e Ensemble Fontegara, así
como do selo discográfico Enchiriadis. Dirixiu
concertos nos principais festivais de España e
en diversos países de Europa, Magreb, Oriente
Medio, Suramérica, Estados Unidos e Xapón,
con repertorio que vai dende a música medieval ata oratorios de Monteverdi, Haendel e
Bach, zarzuelas barrocas, cantatas e óperas
de Vivaldi, pasando polo máis amplo repertorio renacentista europeo. En 2009 dirixiu O
Mesías de Haendel á Orquestra Filharmónica
de Málaga e en 2013 o Dido e Eneas de Purcell.
A súa discografía comprende dezasete discos
como director musical e máis de trinta como
produtor. É invitado regularmente a impartir
cursos e conferencias en universidades (Valencia, Málaga, Castela-León, Autónoma de
Madrid, dos Andes-Colombia) e centros especializados
Nacido en Oviedo en 1970, comenzó sus estudios musicales con su padre Juan Bautista Mallavibarrena. Especializado en el repertorio de
los siglos XV al XVIII, es fundador y director de
los grupos Musica Ficta y Ensemble Fontegara,
así como del sello discográfico Enchiriadis. Ha
dirigido conciertos en los principales festivales
de España, así como en diversos países de
Europa, Magreb, Oriente Medio, Sudamérica,
Estados Unidos y Japón, con repertorio que
va desde la música medieval hasta oratorios
de Monteverdi, Haendel y Bach, zarzuelas barrocas, cantatas y óperas de Vivaldi, pasando
por el más amplio repertorio renacentista europeo. En 2009 dirigió El Mesías de Haendel a
la Orquesta Filarmónica de Málaga y en 2013
el Dido y Eneas de Purcell. Su discografía
comprende diecisiete discos como director
musical y más de treinta como productor. Es
invitado regularmente a impartir cursos y
conferencias en universidades (Valencia, Málaga, Castilla-León, Autónoma de Madrid, Los
Andes-Colombia) y centros especializados.
43
Para lá do Fado…
Igrexa da Universidade
mércores 1 abril
19.00
de Coimbra a Fisterra
Para lá do Fado…
de Coimbra a Finisterre
PROJECTO ALBA
Luis Coelho (1983)
Crepúsculo
Mário Faria da Fonseca
António de Sousa
Do choupal até à lapa
Adriano Correia de Oliveira (1942-1982)
Manuel Alegre (1936)
Trova do vento que passa
Eduardo Tavares de Melo
Quando os sinos dobram
José “Canuto” Berea (1836-1982)
Manuel M. González
Un sospiro
Álvaro Cabral
Samaritana
Luis Coelho (1983)
Vida no campo
Luis de Freitas Branco (1890-1955)
António Botto (1897-1959)
Serenata
Enrique Lens Vieira (1854-1945)
Alfredo Brañas (1859-1900)
Melancolía
Ernesto Halffter (1905-1989)
Alexandre Rey Colaço (1854-1928)
Ai que linda moça
Carlos Paredes (1925-2004)
Ary dos Santos (1937-1984)
Fado Moliceiro
Carlos Paredes (1925-2004)
Canção de Alcipe
Nóbrega e Sousa (1913-2001)
Joaquim Pedro Gonçalves
Covilhã Cidade Neve
Marcial del Adalid (1826-1881) / popular
Non te quero por ser bonita
Canta o galo ven o día
Adiós, meu meniño, adiós
Carlos Paredes (1925-2004)
Canção Verdes Anos
PROJECTO ALBA
BRUNO ALMEIDA tenor
ALFREDO ALMEIDA guitarra clásica
LUIS COELHO guitarra portuguesa
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De Coimbra a Finisterre
De Coimbra a Finisterre
Para a súa primeira actuación en Galiza, o
Projecto Alba preséntase co trío base (guitarra portuguesa, guitarra acústica e voz) nunha ha viaxe musical que vai desde a canción
de Coimbra á canción galega dos séculos XIX
e XX e pasando por temas orixinais compostos, depois do ano 2000, por Luís Coelho. A
idea “de Coimbra a Fisterra” xurdiu a propósito desta primeira incursión en terras galegas
e procura retratar a nosa propia viaxe musical
que, de certa maneira, tamén é un camiño
xeográfico. Partindo da canción de Coimbra
e pasando por temas asociados a outras cidades do norte de Portugal (Aveiro, Covilhã),
procuramos chegar á canción galega. Neste
concerto transportamos a guitarra portuguesa –case sempre asociada ás diversas formas do fado portugués– a outros ambientes,
“para lá do Fado”, non só ao nivel dos arranxos
musicais e da exposición ao canto, dito “lírico”,
senón tamén a través da adaptación de temas
de compositores “eruditos” portugueses (Luis
de Freitas Branco), españois (Ernesto Halfter)
e galegos (Marcial del Adalid, Canuto Berea,
Enrique Lens Vieira). [Projecto Alba]
Para su primera actuación en Galicia, el Projecto
Alba se presenta con el trio base (guitarra portuguesa, guitarra acústica y voz) en un viaje musical que va desde la canción de Coimbra a la
canción gallega de los siglos XIX y XX, pasando
por temas originales compuestos, después del
año 2000, por Luís Coelho. La idea “de Coimbra
a Fisterra” surgió a propósito de esta primera
incursión en tierra gallegas y la necesidad de
retratar nuestro propio viaje musical que es, de
cierta forma, también él un camino geográfico.
Partiendo de la canción de Coimbra e pasando por temas asociados a otras ciudades del
norte de Portugal (Aveiro, Covilhã), buscamos
llegar a la canción gallega. En este concerto
intentamos llevar la guitarra portuguesa –casi
siempre asociada a las diversas formas de fado
portugués– para otros ambientes, “más allá del
Fado”, no sólo a nivel de arreglos musicales y
de la exposición al canto, denominado “lírico”,
sino también a través de la adaptación de temas de compositores “eruditos” (Luis de Freitas
Branco), españoles (Ernesto Halfter) y gallegos
(Marcial del Adalid, Canuto Berea, Enrique Lens
Vieira). [Projecto Alba]
PROJECTO ALBA
PROJECTO ALBA
Projecto Alba naceu en 2007 cando tres amigos que se coñeceran cando eran estudantes
universitarios se decataron dos seus gustos
estéticos musicais comúns e decidiron facer
música xuntos. O que comezou sendo un trío
formado por Luís Coelho (guitarra portuguesa), Bruno Almeida (voz) e Alfredo Almeida
(guitarra acústica), evolucionou para integrar
outros músicos e instrumentos. Xa colaboraron con Projecto Alba: Filipe de Moura (voz),
Luís Pinto (guitarra baixo), Manuel Jorge (acordeón), Paulo Lira Abreu (mandolina) e João
Lira Abreu (guitarra acústica). O seu repertorio
está formado por pezas instrumentais e cancións, orixinais e adaptadas, que abranguen a
canción de Coimbra (onde se inclúe o fado), a
canción napolitana e italiana, a canción española e latinoamericana etc. Cada actuación de
Projecto Alba nació en 2007 cuando tres
amigos que se habían conocido cuando eran
estudiantes universitarios se dieron cuenta
de sus gustos estéticos musicales comunes
y decidieron hacer música juntos. Lo que comenzó siendo un trío formado por Luís Coelho
(guitarra portuguesa), Bruno Almeida (voz) y
Alfredo Almeida (guitarra acústica), evolucionó
para integrar otros músicos e instrumentos.
Ya han colaborado con Projecto Alba: Filipe de
Moura (voz), Luís Pinto (guitarra bajo), Manuel
Jorge (acordeón), Paulo Lira Abreu (mandolina)
y João Lira Abreu (guitarra acústica). Su repertorio está formado por piezas instrumentales y
canciones, originales y adaptadas, que abarcan
la canción de Coimbra (donde se incluye el fado),
la canción napolitana e italiana, la canción española y latinoamericana, etc. Cada actuación
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Projecto Alba está pensada para ser un momento musical orixinal e único; como tal, no
seu primeiro desprazamento a Galicia, preséntase o trío base da agrupación nunha viaxe
musical que vai dende a canción de Coimbra
á canción galega. Projecto Alba presentouse
no Museu da Música, Teatro Eduardo Brazão e
Museu de Ciência de Lisboa e actuou no espectáculo Guitarra Nova Geração (Teatro São Luíz,
2010), no Angel Festival (2010 e 2011) e foron
convidados especiais na primeira edición de
TEDx Cascais (2012).
de Projecto Alba está pensada para ser un momento musical original y único; como tal, en su
primer desplazamiento a Galicia, se presenta el
trío base de la agrupación en un viaje musical
que va desde la canción de Coimbra a la canción gallega. Projecto Alba se ha presentado en
el Museu da Música, Teatro Eduardo Brazão y
Museu de Ciência de Lisboa y ha actuado en el
espectáculo Guitarra Nova Geração (Teatro São
Luíz, 2010), en el Angel Festival (2010 y 2011)
y han sido invitados especiales en la primera
edición de TEDx Cascais (2012).
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Plácido repouso…
Convento do Carme de Arriba
mércores 1 abril
21.00
cantatas para alto de Bach
Plácido reposo…
cantatas para alto de Bach
REAL FILHARMONÍA DE GALICIA
MARTA INFANTE mezzosoprano
MAXIMINO ZUMALAVE director
Johann Sebastian Bach (1685-1750)
Vergnügte Ruh, beliebte Seelenlust, cantata BWV 170
Aria: Vergnügte Ruh, beliebte Seelenlust (Plácido repouso e amable deleite da alma)
Recitativo: Die Welt, das Sündenhaus (O mundo, casa do pecado)
Aria: Wie jammern mich doch die verkehrten Herzen (Como me aflixen os corazóns perversos)
Recitativo: Wer sollte sich demnach wohl hier zu leben wünschen (Quen vivir aquí desexaría?)
Aria: Mir ekelt mehr zu leben (Asquéame vivir máis)
Pëteris Vasks (1946)
Música Dolorosa (1983)
Johann Sebastian Bach (1685-1750)
Geist und Seele wird verwirret, cantata BWV 35
Sinfonía
Aria: Geist und Seele wird verwirret (Alma e espírito confundiranse)
Recitativo: Ich wundre mich (Pregúntome)
Aria: Gott hat alles wohlgemacht (Deus fixo todas as cousas ben)
Sinfonía
Recitativo: Ach, starker Gott (Oh, poderoso Deus)
Aria: Ich wünsche nur bei Gott zu leben (Quero vivir só para Deus)
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Música litúrxica
e Música dolorosa
Música litúrgica
y Música dolorosa
Actualmente consérvanse 200 cantatas
das ao redor de 300 compostas por Johann
Sebastian Bach. As primeiras datan de 1707,
pero a maioría foron escritas durante os 27
anos que Bach ocupou o posto de cantor de
Santo Tomás en Leipzig, cidade á que chegou en 1723. Entre as súas obrigas figuraba
a organización dos programas de música relixiosa para as igrexas da cidade e a presentación dunha nova cantata cada festividade e
cada domingo. En só sete das súas cantatas
relixiosas prescinde Bach do coro a catro
voces tan característico e recorre a un solista vocal; algúns musicólogos agrupan este
conxunto de cantatas para solista vocal sen
intervención do coro nun grupo denominado
“cantatas de cámara”. A cantata Vergnügte
Ruh, beliebte Seelenlust. BWV 170 estreouse
en 1726 e estaba destinada ao sexto domingo despois de Trindade, sendo unha das oito
con órgano obligato escrita por Bach. Evoca
a pasaxe evanxélica do Sermón da Montaña.
A letra é de Georg Christian Lehms e expresa
o desexo de morte e refire o tema da xustiza,
da oposición dos cristiáns á hipocrisía dos
fariseos. Comeza cunha aria da capo, de ritmo pastoral, e a segunda é interpretada sen
continuo, nun simbolismo da nudez daqueles
que ignoran o camiño de Xesús; a última das
arias, de carácter triunfal, fai referencia ao
ceo desexado. A cantata Geist und Seele wird
verwirret, BWV 35 corresponde ao duodécimo
domingo despois da Trindade e o texto volve
ser de Georg Christian Lehms; estreada o 8
de setembro de 1726, foi a duodécima do seu
terceiro ciclo anual de cantatas corais. Parece
que durante o verán de 1726 Bach dispoñía
dunha contralto virtuosa, xa que para esta voz
compuxo tres cantatas, as catalogadas cos
núm. 35, 169 e 170. Escrita en sete movementos, a cantata Geist und Seele wird verwirret
contén dúas sinfonías: a sinfonía inicial en
Allegro suxire a súa orixe nun concerto preexistente e é reutilizada como movemento inicial do Concerto para frauta de pico e orquestra.
A primeira aria caracterízase por un ritornello
Actualmente se conservan 200 cantatas de
las alrededor de 300 compuestas por Johann
Sebastian Bach. Las primeras datan de 1707,
pero la mayoría fueron escritas durante los 27
años que Bach ocupó el puesto de cantor de
Santo Tomás en Leipzig, ciudad a la que llegó en
1723. Entre sus obligaciones figuraba la organización de los programas de música religiosa
para las iglesias de la ciudad y la presentación
de una nueva cantata cada festividad y cada domingo. En solo siete de sus cantatas religiosas
prescinde Bach del coro a cuatro voces tan característico y recurre a un solista vocal; algunos
musicólogos agrupan este conjunto de cantatas
para solista vocal sin intervención del coro en
un grupo denominado “cantatas de cámara”. La
cantata Vergnügte Ruh, beliebte Seelenlust, BWV
170 se estrenó en 1726 y estaba destinada al
sexto domingo después de Trinidad, siendo una
de las ocho con órgano obligato escrita por Bach.
Evoca el pasaje evangélico del Sermón de la
Montaña. La letra es de Georg Christian Lehms
y expresa el deseo de muerte y refiere el tema
de la justicia, de la oposición de los cristianos a
la hipocresía de los fariseos. Comienza con un
aria da capo, de ritmo pastoral, y la segunda es
interpretada sin continúo, en un simbolismo de
la desnudez de aquellos que ignoran el camino de Jesús; la última de las arias, de carácter
triunfal, hace referencia al cielo deseado. La cantata Geist und Seele wird verwirret BWV 35 corresponde al decimosegundo domingo después
de la Trinidad y el texto vuelve a ser de Georg
Christian Lehms; estrenada el 8 de septiembre
de 1726, fue la decimosegunda de su tercer ciclo
anual de cantatas corales. Parece que durante
el verano de 1726 Bach disponía de una contralto virtuosa, ya que para esta voz compuso
tres cantatas, las catalogadas con los núm. 35,
169 y 170. Escrita en siete movimientos, la cantata Geist und Seele wird verwirret contiene dos
sinfonías: la sinfonía inicial en Allegro sugiere
su origen en un concierto preexistente y es reutilizada como movimiento inicial del Concierto
para flauta de pico y orquesta. La primera aria
se caracteriza por un ritornello quebrado y una
48
quebrado e unha sensación de confusión e
incerteza cuxa melodía é de tipo siciliano, en
forma da capo e vai acompañada por órgano
obbligato. Ségueo un recitativo secco e a continuación outra aria introduce o modo maior
cun ritornello estruturado en dúas partes e
outra liña de órgano obrigado. Outro recitativo sen acompañamento conduce á aria final,
parecida a un minueto e de carácter positivo.
sensación de confusión e incertidumbre cuya
melodía es de tipo siciliano, en forma da capo y
va acompañada por órgano obbligato. Le sigue
un recitativo secco y a continuación otra aria
introduce el modo mayor con un ritornello estructurado en dos partes y otra línea de órgano
obligado. Otro recitativo sin acompañamiento
conduce al aria final, parecida a un minueto y
de carácter positivo.
Nos anos noventa, Peteris Vask converteuse
no compositor letón máis recoñecido a nivel
mundial. O seu ecléctico estilo debe moito aos
experimentos en música aleatoria dos seus
mentores –Witold Lutoslawski, Krzysztof
Penderecki e George Crumb– e a elementos
da música popular de Letonia, sen esquecer
os sons de Gorecki, Gubaidulina etc. As súas
obras, xeralmente claras e comunicativas e
cun sólido sentido da harmonía, busca transmitir horror, esperanza e consolo. A súa música rica en emocións oculta unha carga fortemente moral e ética. Próxima ao chamado
minimalismo místico pódese situar a Música
dolorosa, composta en 1983 con motivo do
falecemento da irmá do compositor, na que
alternan seccións de serenidade e resignación
(glissandi cara a abaixo) con outras de rabia
(solo de violoncello) aínda que Peteris Vask
non se deixa invadir polo desespero.
En los años noventa, Peteris Vask se convirtió en el compositor letón más reconocido a
nivel mundial. Su ecléctico estilo debe mucho
a los experimentos en música aleatoria de
sus mentores –Witold Lutoslawski, Krzysztof
Penderecki y George Crumb– y a elementos
de la música popular de Letonia, sin olvidar los
sonidos de Gorecki, Gubaidulina, etc. Sus obras,
generalmente claras y comunicativas y con un
sólido sentido de la armonía, busca transmitir
horror, esperanza y consuelo. Su música rica
en emociones oculta una carga fuertemente
moral y ética. Próxima al llamado minimalismo
místico se puede situar la Música dolorosa, compuesta en 1983 con motivo del fallecimiento de
la hermana del compositor, en la que alternan
secciones de serenidad y resignación (glissandi
hacia abajo) con otras de rabia (solo de violonchelo) aunque Peteris Vask no se deja invadir
por la desesperación.
MARTA INFANTE mezzosoprano
MARTA INFANTE mezzosoprano
Realizou estudos de canto, piano e viola no
conservatorio da súa cidade trasladándose
máis tarde á República Checa para realizar
estudos superiores de canto na Universidade
de Ostrava. Cantou coas principais orquestras
españolas, como RTVE, ORCAM, Nacional de
España, OBC, Sinfónica de Galicia e Bilbao,
Filharmónica de Málaga etc, traballando con
directores como Jordi Casas, Leon Botstein,
Aldo Cecatto, J. Ramón Encinar, M. Ángel
Gómez Martínez, Edmon Colomer, Carlos
Kalmar, Robert Howrarth, Kees Bakels, Victor
Pablo Pérez etc. No ámbito da música antiga
cantou en numerosos festivais europeos:
Bienal de Venecia, The Bijloke (Bélxica)
Festival Baroque de Sablé (Francia), Janackuv
Realizó estudios de canto, piano y viola en el
conservatorio de su ciudad trasladándose
más tarde a la República Checa para realizar
estudios superiores de canto en la Universidad
de Ostrava. Ha cantado con las principales
orquestas españolas, como RTVE, ORCAM,
Nacional de España, OBC, sinfónicas de Galicia
y Bilbao, Filarmónica de Málaga, etc, trabajando
con directores como Jordi Casas, Leon Botstein,
Aldo Cecatto, J. Ramón Encinar, M. Ángel Gómez
Martínez, Edmon Colomer, Carlos Kalmar,
Robert Howrarth, Kees Bakels, Victor Pablo
Pérez, etc. En el ámbito de la música antigua
ha cantado en numerosos festivales europeos:
Bienal de Venecia, The Bijloke (Bélgica), Festival
Baroque de Sablé (Francia), Janackuv Maj
49
Maj (Chequia), Oslo International Church
Music Festival (Noruega), Concentus Moravie
(Chequia), Festival International de Musiques
Sacrées de Fribourg (Suíza), nos institutos
Cervantes de Exipto, Siria, Xordania, Líbano,
no festival de música antiga da Habana
(Cuba), El Salvador, Xapón, e tamén cantou
nas principais cidades de Sudamérica, Chile,
Uruguai, Arxentina e Brasil colaborando con
La Caravaggia, Concierto Español, Orquesta
Barroca de Sevilla, La Galanía, La Capilla Real
de Madrid, Orquesta Barroca Catalá, Música
Ficta, Los músicos de Su Alteza, Capella de
Ministrers, Hippocampus, Acadèmia 1750,
Collegium 1704 (Chequia), Anthonello (Xapón),
Dresdne Barockorchestra (Alemaña), The
Barroca Ensemble (Israel), Ars Longa (Cuba)
e foi dirixida por Vaclav Luks, Enrico Onoffri,
Giovanni Antonini, Federico Maria Sardelli,
Paul Goodwin, Ottavio Dantone, Richard Egarr
e Rinaldo Alesandrini. Forma dúo estable co
arpista barroco Manuel Vilas e con el actuou
en numerosos festivais como o Via Stellae,
Clásicos de Verán (Madrid), Música en los
Jardines del Alcázar de Sevilla, Fundación
Juan March de Madrid, Letni Slavnosti
Stare Hudby (Praga), Festival de Música
Antiga de Aranjuez etc, e gravou numerosos
discos como Tons á arpa e Cantate Contarini
(galardoado co premio Prelude Classical
Music en Holanda como un dos mellores dez
discos de música antiga de 2010). Entre a súa
extensa discografía destacan, Alto cantatas
de Telemann, Jephte de Carissimi, Oratorio
Romano de Rossi, Pegaso de Merula, as óperas
Amor aumenta o valor e Iphigenia en Tracia de
Nebra e Juditha Triumphans de Vivaldi baixo
a dirección de Ottavio Dantone.
(Chequia), Oslo International Church Music
Festival Noruega), Concentus Moravie (Chequia),
Festival International de Musiques Sacrées de
Fribourg (Suiza), en los institutos Cervantes
de Egipto, Siria, Jordania, Líbano, en el festival
de música antigua de La Habana (Cuba), El
Salvador, Japón, y también ha cantado en las
principales ciudades de Sudamérica, Chile,
Uruguay, Argentina y Brasil colaborando con
La Caravaggia, Concierto Español, Orquesta
Barroca de Sevilla, La Galanía, La Capilla Real
de Madrid, Orquesta barroca catalana, Música
Ficta, Los Músicos de Su Alteza, Capella de
Ministrers, Hippocampus, Acadèmia 1750,
Collegium 1704 (Chequia), Anthonello (Japón),
Dresdne Barockorchestra (Alemania), The
Barroca Ensemble (Israel), Ars Longa (Cuba) y
ha sido dirigida por Vaclav Luks, Enrico Onoffri,
Giovanni Antonini, Federico Maria Sardelli, Paul
Goodwin, Ottavio Dantone, Richard Egarr y
Rinaldo Alesandrini. Forma dúo estable con el
arpista barroco Manuel Vilas y con él ha actuado
en numerosos festivales como son Via Stellae,
Clásicos de Verano en Madrid, Música en los
Jardines del Alcázar de Sevilla, Fundación
Juan March de Madrid, Letni Slavnosti Stare
Hudby (Praga), Festival de Música Antigua
de Aranjuez, etc, y ha grabado numerosos
discos, como Tonos al arpa y Cantate Contarini
(galardonado con el premio Prelude Classical
music en Holanda como uno de los mejores diez
discos de música antigua de 2010). Entre su
extensa discografía destacan, Alto cantatas de
Telemann, Jephte de Carissimi, Oratorio romano
de Rossi, Pegaso de Merula, las óperas Amor
aumenta el valor e Iphigenia en Tracia de Nebra
y Juditha Triumphans de Vivaldi bajo la dirección
de Ottavio Dantone.
REAL FILHARMONÍA DE GALICIA
REAL FILHARMONÍA DE GALICIA
Iniciou a súa actividade en 1996 no Auditorio de Galicia, en Santiago de Compostela,
onde presenta a súa temporada estable de
concertos. O seu primeiro director titular foi
Helmuth Rilling (1996-2000), a quen sucedeu
Antoni Ros Marbà (2000-2012). Dende 2013,
Paul Daniel é o seu director titular e artístico.
Inició su actividad en 1996 en el Auditorio de
Galicia, en Santiago de Compostela, donde presenta su temporada estable de conciertos. Su
primero director titular fue Helmuth Rilling
(1996-2000), a quien sucedió Antoni Ros Marbà (2000-2012). Desde 2013, Paul Daniel es
su director titular y artístico. El compostelano
50
O compostelán Maximino Zumalave, vinculado á orquestra dende o seu nacemento, é
director asociado, e Christoph König o principal
director convidado. Ademais da temporada
de concertos en Santiago mantén unha activa
presenza no resto de cidades galegas e realizou varias xiras internacionais por Austria,
Alemaña, Francia, Brasil, Arxentina e, especialmente, Portugal. Paralelamente, potencia a
súa actividade en Santiago cun ciclo de cámara
e cos concertos didácticos que dende 1996
organiza co Auditorio de Galicia e polos que
pasan máis de 7.000 escolares galegos cada
ano. En 2009 presentou dous traballos discográficos inéditos dedicados a Manuel de Falla
e Frederic Mompou e, en 2012, un novo disco
dedicado a Ravel. Estreitamente vinculada á
RFG está a Escola de Altos Estudos Musicais
que imparte o Curso avanzado de especialización orquestral, cos músicos da orquestra
como profesores. Forma parte da Asociación
Española de Orquestas Sinfónicas.
Maximino Zumalave, vinculado a la orquesta
desde su nacimiento, es director asociado, y
Christoph König el principal director invitado.
Además de la temporada de conciertos en
Santiago mantiene una activa presencia en
el resto de ciudades gallegas y realizó varias
giras internacionales por Austria, Alemania,
Francia, Brasil, Argentina y, especialmente,
Portugal. Paralelamente, potencia su actividad
en Santiago con un ciclo de cámara y con los
conciertos didácticos que desde 1996 organiza
con el Auditorio de Galicia y por los que pasan
más de 7.000 escolares gallegos cada año. En
2009 presentó dos trabajos discográficos inéditos dedicados a Manuel de Falla y Frederic
Mompou y, en 2012, un nuevo disco dedicado
a Ravel. Estrechamente vinculada a la RFG
está la Escuela de Altos Estudios Musicales
que imparte el Curso avanzado de especialización orquestal, con los músicos de la orquesta como profesores. Forma parte de la
Asociación Española de Orquestas Sinfónicas.
MAXIMINO ZUMALAVE director
MAXIMINO ZUMALAVE director
Director e pianista compostelán, foi discípulo
de Ángel Brage, John Eliot Gardiner e Helmuth
Rilling. Foi fundador e director do Coro
Universitario de Santiago e do Collegium
Compostellanum e principal director convidado
da Orquestra Sinfónica de Galicia (1992-1995).
Actualmente é director asociado da RFG, á que
está vinculado desde a súa creación. Con el
actuaron solistas do talle de Agustín Achúcarro,
Tzimon Barto, María Bayo, Ernesto Bitetti,
Ramón Castromil ou Frank Peter Zimmermann.
Frecuente e moi especial é a súa colaboración
con Teresa Berganza en diferentes países de
Europa. Dirixiu as máis destacadas orquestras
españolas e estranxeiras. Tamén levou a
batuta en estreas absolutas de obras de
Claudio Bernaola, Antón García Abril e Josep
Mª Mestres Quadreny, coidando especialmente
as primeiras audicións de novos compositores
galegos como Fernando Alonso, Manuel
Balboa, Fernando Buíde ou Xoan Viaño. O seu
compromiso coa cultura galega vai máis aló da
música: en 2008 o Consello da Xunta de Galicia
concedeulle a Medalla Castelao.
Director y pianista compostelano, fue discípulo
de Ángel Brage, John Eliot Gardiner y Helmuth
Rilling. Fue fundador y director del Coro
Universitario de Santiago y del Collegium
Compostellanum y principal director invitado
de la Orquesta Sinfónica de Galicia (19921995). Actualmente es director asociado
de la RFG, a la que está vinculado desde su
inicio. Con él actuaron solistas de la talla de
Agustín Achúcarro, Tzimon Barto, María Bayo,
Ernesto Bitetti, Ramón Castromil o Frank Peter
Zimmermann. Frecuente y muy especial es
su colaboración con Teresa Berganza en
diferentes países de Europa. Dirigió a las más
destacadas orquestas españolas y extranjeras.
También llevó la batuta en estrenos absolutos
de obras de Claudio Bernaola, Antón García
Abril y Josep Mª Mestres Quadreny, cuidando
especialmente las primeras audiciones de
jóvenes compositores gallegos como Fernando
Alonso, Manuel Balboa, Fernando Buíde o Xoan
Viaño. Su compromiso con la cultura gallega va
más allá de la música: en 2008 el Consejo de la
Xunta de Galicia le concedió la Medalla Castelao.
51
viaxes…
Igrexa de San Fiz de Solovio
xoves 2 abril
19.00
camiños de espiritualidade
viajes…
caminos de espiritualidad
TOBIE MILLER
zanfona tenor
Tobie Miller (1981)
Sweeping Swallows
Baptiste Romain (1984)
Bulgar
Tradicional (Bulgaria)
Kopanitsa
Johann Sebastian Bach (1685-1750)
Partita para violín núm. 3 en Mi maior, BWV 1006
Preludio
Loure
Gavotte en Rondeau
Menuets I-II
Bourrée
Gigue
Tradicional (Klezmer)
Klezmer Medley
Tobie Miller (1981)
Delight in Werewolves
Tradicional (Klezmer)
Khsidische Nigunim
Johann Sebastian Bach (1685-1750)
Preludio, da Suite núm.1, en Sol maior, BWV 1007
Tobie Miller (1981)
Valse Macabre
Ross Daly (1952)
Makrinitsa
Tradicional (Inglaterra/Canadá), arranxos Tobie Miller
She’s Like the Swallow
52
A viaxe como pasaxe na vida, buscando e
atopando sitios e persoas. O músico como
viaxeiro espiritual. Móvese co corpo coa cultura e coa alma. E o ouvinte, convidado para
seguir esa viaxe, é guiado polos seus ouvidos e emocións. Este programa de solista
leva ao espectador nunha viaxe pola música
recollida nas viaxes e experiencias, música
inspirada nos encontros do músico ao redor
do mundo. O repertorio do concerto consiste
en composicións orixinais e improvisacións
e adaptacións sobre temas da tradición relixiosa doutras culturas (repertorio antigo e
das culturas árabes) que están ligadas con
fragmentos compostos por Johann Sebastian
Bach transcritos para zanfona pola propia
Tobie Miller, primeira zanfonista do mundo en
atreverse coas obras para solista de violín e
cello do gran mestre barroco alemán.
El viaje como pasaje en la vida, buscando y
encontrando sitios y personas. El músico como
viajero espiritual. Se mueve con el cuerpo con
la cultura y con el alma. Y el oyente, invitado
para seguir ese viaje, es guiado por los sus
oídos y emociones. Este programa de solista
lleva al espectador a un viaje por la música
recogida en los viajes y experiencias, música
inspirada en los encuentros del músico alrededor del mundo. El repertorio del concierto son
composiciones originales e improvisaciones
y adaptaciones sobre temas de la tradición
religiosa de otras culturas (repertorio antiguo
y de las culturas árabes) que están ligadas por
fragmentos compuestos por Johann Sebastian Bach transcritos para zanfoña por la propia Tobie Miller, primera zanfonista del mundo
en atreverse con las obras para solista de violín y chelo del gran maestro barroco alemán.
TOBIE MILLER zanfona tenor
TOBIE MILLER zanfoña tenor
A zanfonista, frautista e cantante canadense Tobie Miller medrou nun contexto familiar
de músicos clásicos. Após da formación en
música antiga (B.Mus) na Mc-Gill University
(Montreal), trasladouse a Basilea (Suíza) para
continuar estudos de posgrao de música medieval e do Renacemento na prestixiosa Schola
Cantorum Basiliensis. Participou en múltiples proxectos discográficos con ensembles
en ambos os dous continentes que inclúen
o Ensemble Baroque de Limoges (obras de
Haydn e Mozart para lyra organizatta, editada
polo selo Laborie), Les Musiciens de St. Julien
(para o selo Alfa), Per Sonat (Christophorus)
e cos seus propios ensembles (La Rota, Ysis,
Ballam, Vox Suavis ou o duo Miller-Romain).
Traballa regularmente cos conxuntos Gilles
Binchois (Dominique Vellard), La Morra (Mixaj
Gondko), Leones (Marc Lewon) e Les Jardins
de Courtoisie (Anne Quentin). Tobie Miller é
unha intérprete única, por ser unha das poucas
mulleres en tocar ao primeiro nivel a zanfona
e por ser unha das poucas especialistas en
repertorio clásico para zanfona (instrumento
de gran produción compositiva no século XVIII).
La zanfonista, flautista y cantante canadiense
Tobie Miller creció en un contexto familiar de
músicos clásicos. Después de la formación en
Música Antigua (B.Mus) en la Mc-Gill University
(Montreal), transladouse a Basilea (Suiza) para
continuar estudios de posgrado de música medieval y del Renacimiento en la prestigiosa
Schola Cantorum Basiliensis. Ha participado
en múltiples proyectos discográficos con ensembles en ambos continentes que incluyen
el Ensemble Baroque de Limoges (obras de
Haydn y Mozart para lyra organizatta editadas por el sello Laborie), Les Musiciens de St.
Julien (sello Alfa), Per Sonat (Christophorus)
y con sus propios ensembles (Lana Rota, Ysis,
Ballam, Vox Suavis o el dúo Miller-Romain).
Trabaja regularmente con los ensembles
Gilles Binchois (Dominique Vellard), Lana
Morra (Mixaj Gondko), Leones (Marc Lewon) y
Les Jardins de Courtoisie (Anne Quentin). Tobie
Miller es una intérprete única, por ser una de
las pocas mujeres en tocar al primer nivel la
zanfoña y por ser una de las pocas especialistas en repertorio clásico para la zanfona (instrumento de gran producción compositiva en
53
Virtuosa a nivel técnico e coñecedora da linguaxe da música antiga e de todo o repertorio
para zanfona barroca, actúa en varias formacións, incluíndo o dúo co zanfonista austríaco
Matthias Loibner e con directores ben coñecidos como Jordi Savall, Christophe Moeda
e Wieland Kuijken. Ademais, imparte clases
regularmente en talleres e festivais como o
CAMMAC (desde 2003), Over the Water Festival
(Seattle, desde 2005) ou Les Journées de La
Flûte à Bec (2006) e na Schola Cantorum Basiliensis (2008).
el siglo XVIII). Virtuosa a nivel técnico y conocedora del lenguaje de la música antigua y de
todo el repertorio para zanfona barroca, actúa
en varias formaciones, incluyendo el dúo con
el zanfonista austríaco Matthias Loibner y con
directores bien conocidos como Jordi Savall,
Christophe Moeda y Wieland Kuijken. Además,
imparte clases regularmente en talleres y festivales que incluyen CAMMAC (desde 2003),
Over the Water Festival (Seattle, desde 2005)
o Les Journées de La Flûte à Bec (2006) y en
la Schola Cantorum Basiliensis (2008).
54
Cancións de Afganistán…
amor e esperanza para tempos difíciles
Canciones de Afganistán…
amor y esperanza para tiempos difíciles
ZOHREH JOOYA
ENSEMBLE AFGHAN
introdución instrumental con danza
Ghazale Pashtu
Mikham beram koh
Dokhtare Kuci
instrumental
Gargosh koni
Man mast to do divana
Allah hu
Zim zim
ZOHREH JOOYA voz
DAUD KHAN SADOZAI robab
YAMA KARIM tabla
MIRIAM ENCINAS deilruba
55
Igrexa da Universidade
xoves 2 abril
21.00
Cancións de Afganistán
Canciones de Afganistán
A forte influencia da negatividade das noticias que nos chegan dun país maltratado
por máis de trinta anos de guerras non nos
permite facer unha idea da brillantez da riqueza cultural de Afganistán. Comprometidos
coa recuperación, preservación e difusión do
infinito patrimonio cultural afgán, Zooreh Jooya e o Ensemble Afghan descóbrennos coas
súas Cancións de Afganistán unha tradición
musical que se encontra entre as máis refinadas de Asia, rescatando o espírito positivo
e o amor á vida, a Deus e á natureza propios
da tradición afgá, da súa poesía antiga e a
súa música. Nacida en Irán de pai afgán e nai
persa, Zooreh Jooya bebe de ambas as dúas
culturas e achéganos as súas Cancións de
Afganistán vistas a través da poética ghazal,
a música relixiosa qawwali, a música tradicional e as cancións populares antigas dun dos
países do mundo máis castigado pola guerra.
Ghazale Pashto é unha canción de amor en
lingua pashtoo. As seguintes cancións imaxinan momentos de felicidade: Mikham beram
Koh (Quero ir ás montañas co meu amado
e contemplar os cervos...), Dokhtare Kuci (A
rapaza nómade ten un espírito libre e forte e
vive na natureza...), Gargush koni (Cando escoitas o teu corazón, conectas coa verdade
e co Universo...). Man mast ou to divana (Eu
estou bebido e ti estás tolo) é un poema sufí
de Molana Rumi que quere expresar que todos temos as mesmas raíces e somos todos
irmáns e Allah Hu (Onde estás ti, Deus?) é
unha canción qawwali en lingua urdú. Zim
zim significa “aguillón do escorpión”, unha
metáfora que se refire ao extremo da cella da
muller amada que, cando a miras, se crava
no corazón.
La fuerte influencia de la negatividad de las noticias que nos llegan de un país maltratado por
más de treinta años de guerras no nos permite
hacer una idea de la brillantez de la riqueza
cultural de Afganistán. Comprometidos con la
recuperación, preservación y difusión del infinito patrimonio cultural afgano, Zooreh Jooya
y el Ensemble Afghan nos descubren con sus
Canciones de Afganistán una tradición musical
que se encuentra entre las más refinadas de
Asia, rescatando el espíritu positivo y el amor
a la vida, a Dios y a la naturaleza propios de
la tradición afgana, de su poesía antigua y su
música. Nacida en Irán de padre afgano y madre persa, Zooreh Jooya bebe de ambas culturas y nos acerca sus Canciones de Afganistán
vistas a través de la poética ghazal, la música
religiosa qawwali, la música tradicional y las
canciones populares antiguas de uno de los
países del mundo más castigado por la guerra. Ghazale Pashto es una canción de amor en
lengua pashtoo. Las siguientes canciones imaginan momentos de felicidad: Mikham beram
Koh (Quiero ir a las montañas con mi amado
y contemplar los ciervos…), Dokhtare Kuci (La
chica nómada tiene un espíritu libre y fuerte y
vive en la naturaleza…), Gargush koni (Cuando
escuchas tu corazón, conectas con la verdad
y con el Universo...). Man mast o to divana (Yo
estoy bebido y tú estás loco) es un poema sufí
de Molana Rumi que quiere expresar que todos tenemos las mismas raíces y somos todos
hermanos y Allah Hu (¿Dónde estás tú, Dios?) es
una canción qawwali en lengua urdú. Zim zim
significa “aguijón del escorpión”, una metáfora
que se refiere al extremo de la ceja de la mujer
amada que, cuando se la mira, se clava en el
corazón de uno.
ZOOREH JOOYA
ZOOREH JOOYA
Nacida en Mahshad (Irán) de pai afgán e nai
persa, Zooreh Jooya medra entre as dúas
culturas. Trasládase a Europa para estudar
música, primeiro en Amsterdam e a continuación en Viena, onde recibiu educación
Nacida en Mahshad (Irán) de padre afgano y
madre persa, Zooreh Jooya crece conviviendo
con ambas culturas. Se traslada a Europa para
estudiar música, primero en Ámsterdam y a
continuación en Viena, donde recibe educación
56
musical clásica e obtivo o mestrado en artes
polo Conservatorio Superior de Viena. As culturas oriental e europea inflúen e inspiran a
Zooreh Jooya, que tanto canta ópera, cancións
de Mozart, Beethoven ou Schubert, obras do
Barroco italiano ou música tradicional de
Irán e Afganistán. Abriu un novo modo de
interpretar a música tradicional iraniana e
afgá que quedou plasmada nos seus discos
Noites persas, Unha viaxe a Persia, Cancións
de Afganistán, Música dos místicos persas,
Música afgá, A dobre ausencia, Vellas raíces,
novas follas etc.
musical clásica y obtiene el master en artes
por el Conservatorio Superior de Viena. Las
culturas oriental y europea influyen e inspiran
a Zooreh Jooya, que tanto canta ópera, canciones de Mozart, Beethoven o Schubert, obras del
Barroco italiano o música tradicional de Irán y
Afganistán. Zooreh Jooya ha abierto un nuevo
modo de interpretar la música tradicional iraní y
afgana que ha quedado plasmada en sus discos
Noches persas, Un viaje a Persia, Canciones de
Afganistán, Música de los místicos persas, Música
afgana, La doble ausencia, Viejas raíces, nuevas
hojas, etc.
57
Vayu Vandanam…
Capela da Orde Terceira
venres 3 abril
19.00
tradición e improvisación na
música clásica do sur da India
Vayu Vandanam…
tradición e improvisación en la
música clásica del sur de la India
SHASHANK SUBRAMANYAM
SAI GIRIDHAR
Manaviyalakinchara Raga Nalinakanthi (compositor: St. Tyagaraja)
Ragam Tanam Pallavi
Raga Dharmavathi (compositor: Shashank)
Chinnan Chirukiliye
(compositor: Bharathiyar)
Jo bhaje Hari ko sada
Raga Sindu Bhairavi (compositor: Brahmanand)
Raghuvamsa sudha Raga Kadana Kutuhala (compositor: Patnam Subramania Iyer)
SHASHANK SUBRAMANYAM bansuri
SAI GIRIDHAR mridangam / konnakol / khanjira
58
Recital do vento
Recital del viento
Este concerto achéganos unha tradición musical de 4.000 anos de antigüidade que esencialmente transmite paz e devoción. Tyagaraja
é o fundador do que actualmente coñecemos
como música carnática, a música clásica do
sur da India (todos os músicos carnáticos o
recoñecen e réndenlle homenaxe no Aradhana
Utsavam, no seu santuario en Tiruvayaru,
Támil Nadu, a finais de xaneiro). A frauta de
bambú estará compañada na percusión por
Sai Giridhar (mridangam, konnakol e khanjira)
presentando un diálogo entre o ritmo e a
música clásica da India. O programa inclúe
Ragas (melodías), composicións tradicionais
e improvisacións creativas que combinan o
mellor da música deste país; técnicas de interpretación da frauta e os complexos patróns
rítmicos realizados no mridangam (tambor) e
khanjira (pandeiro) entrelázanse para producir
momentos de éxtase. Teremos oportunidade tamén de apreciar o significado do termo
konnakol, recurso do percusionista cando, nun
alarde de memoria rítmica, canta de viva voz
os “golpes” que vai realizar a continuación.
Este concierto nos acerca una tradición musical de 4.000 años de antigüedad que esencialmente transmite paz y devoción. Tyagaraja es
el fundador de lo que actualmente conocemos
como música carnática, la música clásica del
sur de la India (todos los músicos carnáticos lo
reconocen y le rinden homenaje en el Aradhana
Utsavam, en su santuario en Tiruvayaru, Tamil
Nadu, a finales de enero). La flauta de bambú
estará acompañada en la percusión por Sai
Giridhar (mridangam, konnakol y khanjira) presentando un diálogo entre el ritmo y la música
clásica de la India. El programa incluye Ragas
(melodías), composiciones tradicionales e improvisaciones creativas que combinan lo mejor
de la música de este país; técnicas de interpretación de la flauta y los complejos patrones
rítmicos realizados en el mridangam (tambor) y
khanjira (pandero) se entrelazan para producir
momentos de éxtasis. Tendremos oportunidad
también de apreciar el significado del término
konnakol, recurso del percusionista cuando, en
un alarde de memoria rítmica, canta de viva voz
los “golpes” que va a realizar a continuación.
Manaviyalakinchara. Esta raga ou melodía deriva da melodía principal Shankarabharanam,
que é o equivalente da escala maior na música
clásica occidental. Xeralmente interpretada
como un número de apertura, brinda unha
brillante apertura ao concerto. Comeza cunha introdución da melodía á que segue unha
composición tradicional (a composición de
St. Tyagaraja sitúa Lord Rama da mitoloxía
hindú) no ritmo de oito golpes e introdúcenos
nunha sección de improvisación que combina
o mellor de música e ritmo.
Manaviyalakinchara. Esta raga o melodía deriva
de la melodía principal Shankarabharanam, la
cual es el equivalente de la escala mayor en la
música clásica occidental. Generalmente interpretada como un número de apertura, brinda
una brillante apertura al concierto. Comienza
con una introducción de la melodía a la que
sigue una composición tradicional (la composición de St. Tyagaraja sitúa a Lord Rama de la
mitología hindú) en el ritmo de ocho golpes y
nos introduce en una sección de improvisación
que combina lo mejor de música y ritmo.
Ragam Tanam Pallavi. Esta raga constitúe a
maior parte de calquera concerto de música
do sur da India. De principio a fin é creada
coa improvisación e un moi reducido uso de
material musical composto con anterioridade.
Comeza cunha improvisación meditativa da
melodía, seguida do tanam, que é unha extensión do alap pero interpretada cunha estrutura
rítmica. A continuación ten lugar a presentación da liña única de composición pallavi,
Ragam Tanam Pallavi. Esta raga constituye la
mayor parte de cualquier concierto de música
del sur de la India. De principio a fin es creada
con la improvisación y un muy reducido uso de
material musical compuesto con anterioridad.
Comienza con una improvisación meditativa
de la melodía, seguida del tanam, que es una
extensión del alap pero interpretada con una
estructura rítmica. A continuación tiene lugar la
presentación de la línea única de composición
59
acompañada pola percusión, que culmina no
diálogo entre a frauta e a percusión que busca
un momento de éxtase. Esta peza tamén inclúe
a presentación dunha selección de melodías
do sur da India e un solo de percusión que nos
conduce ao final da peza.
pallavi, acompañada por la percusión, que culmina en el diálogo entre la flauta y la percusión
que busca un momento de éxtasis. Esta pieza
también incluye la presentación de una selección de melodías del sur de la India y un solo
de percusión nos conduce al final de la pieza.
Composicións devocionais nas linguas tamil,
hindi e sánscrito, as seguintes pezas (Chinnan
Chirukiliye, Jo bhaje Hari ko sada, Raghuvamsa
sudha) interprétanse ao final do concerto e o
seu carácter devocional conduce o público a
unha viaxe con momentos meditativos e outros de carácter pulsátil e rítmico. [Shashank
Subramanyam]
Composiciones devocionales en las lenguas
tamil, hindi y sánscrito, las siguientes piezas
(Chinnan Chirukiliye, Jo bhaje Hari ko sada,
Raghuvamsa sudha) se interpretan al final del
concierto y su carácter devocional conduce al
público a un viaje con momentos meditativos y
otros de carácter pulsátil y rítmico. [Shashank
Subramanyam]
SHASHANK SUBRAMANYAM
SHASHANK SUBRAMANYAM
En 1984, aos 6 anos de idade, ofreceu o seu
primeiro concerto público e foi, aos 12 anos,
o músico máis novo invitado pola Academia
de Música de Chennai para participar nunha
audición para ocupar unha vacante, unha marca
aínda non superada na música do sur da India.
Actualmente, con máis de 30 anos de exitosa
carreira no campo da música clásica india, os
seus concertos máis emblemáticos inclúen o
que ofreceu para Rashtrapathi Bhavan no pazo
presidencial en Nova Deli (1992) ou os que
ofreceu no Skopje Jazz Festival de Macedonia,
Copenhagen Jazz Festival, National Theater de
Taipei (Taiwan), The Smithsonian e Kennedy
Center (Washington D. C), J. Paul Getty Hall
(Hollywood), Cerritos Performing Arts Center
(Os Ánxeles), Sawai Gandharva Festival (Pune,
India), Saptak Festival en Ahmedabad, Dover
Lane Music Festival (Calcuta), India Music
Group (Bombay), Théâtre de La Ville (París),
The Adelaide Festival (Australia), Seoul Plaza
(Corea), Japan Foundation (Xapón) e un
longo etcetera de prestixiosas institucións
de máis de 50 países. Formado polo seu pai
Subramanyam e mestres vocais como R. K.
Srikantan e Palghat K. V. Narayanaswami,
na actualidade está considerado como un
dos mellores artistas de frauta de bambú
e é aclamado como tal polos medios de
En 1984, a los 6 años de edad, ofreció su primer
concierto público y ha sido, a los 12 años, el
músico más joven invitado por la Academia
de Música de Chennai para participar en una
audición para ocupar una vacante, un record
aún no superado en la música del Sur de la India.
Actualmente, con más de 30 años de exitosa
carrera en el campo de la música clásica india,
sus conciertos más emblemáticos incluyen el
que ofreció para Rashtrapathi Bhavan en el
Palacio Presidencial en Nueva Delhi (1992) o
los que ofreció en el Skopje Jazz Festival de
Macedonia, Copenhagen Jazz Festival, National
Theater de Taipei (Taiwan), The Smithsonian y
Kennedy Center (Washington D. C.), J. Paul Getty
Hall (Hollywood), Cerritos Performing Arts
Center (Los Angeles), Sawai Gandharva Festival
(Pune, India), Saptak Festival en Ahmedabad,
Dover Lane Music Festival (Calcuta), India
Music Group (Bombay), Théâtre de La Ville
(París), The Adelaide Festival (Australia), Seoul
Plaza (Corea), Japan Foundation (Japón) y un
largo étcetera de prestigiosas instituciones
de más de 50 países. Formado por su padre
Subramanyam y maestros vocales como R.
K. Srikantan y Palghat K. V. Narayanaswami,
en la actualidad está considerado como uno
de los mejores artistas de flauta de bambú
y es aclamado como tal por los medios de
bansuri (frautas de bambú)
bansuri (flautas de bambú)
60
comunicación indios e internacionais. A BBC
World TV recentemente retransmitiu un
documental sobre Shashank Subramanyam
titulado Destination Music. Colabora a miúdo
con artistas lendarios como os guitarristas
John McLaughlin e Paco de Lucía, o mestre
de percusión Zakir Hussain etc. Ten recibido
o premio Kalaimamani do estado Támil Nadu;
o Kuzhal Arasar da prestixiosa Kellogg School
of Management (North Western University,
Chicago), unha nominación aos premios
Grammy 2009 e o premio Proclamation to the
City das cidades de Tulsa e Memphis. Gravou
máis de 60 compactos e varios dvds.
comunicación indios e internacionales. La BBC
World TV ha retransmitido recientemente un
documental sobre Shashank Subramanyam
titulado Destination Music. Colabora a menudo
con artistas legendarios como los guitarristas
John McLaughlin y Paco de Lucía, el maestro
de percusión Zakir Hussain, etc. Ha recibido el
premio Kalaimamani del estado Tamil Nadu; el
Kuzhal Arasar de la prestigiosa Kellogg School
of Management (North Western University,
Chicago), una nominación a los premios
Grammy 2009 y el premio Proclamation to the
City de las ciudades de Tulsa y Memphis. Ha
grabado más de 60 compactos y varios dvds.
SAI GIRIDHAR
SAI GIRIDHAR
mridangam (tambor), konnakol (percusión oral)
e khanjira (pandeiro)
mridangam (tambor), konnakol (percusión oral)
y khanjira (pandeiro)
Percusionista extremadamente talentoso, Sai
Giridhar formouse con mestres de referencia
como Parupalli Phalgun e M. L. N. Raju de
Vijayawada. É un artista que goza do respecto
de público e crítica pola súa capacidade de
interpretación, melódica e delicada, e cuxa
experiencia o levou a colaborar cos máis
prestixiosos artistas da India e outros países
tanto como solista como membro en duetos
e outras formacións.
Percusionista extremadamente talentoso,
Sai Giridhar se ha formado con maestros de
referencia como Parupalli Phalgun y M. L. N.
Raju de Vijayawada. Es un artista que goza del
respeto de público y crítica por su capacidad
de interpretación, melódica y delicada, y cuya
experiencia le ha llevado a colaborar con los
más prestigiosos artistas de la India y otros
países tanto como solista como miembro en
duetos y otras formaciones.
61
Kampo Domîz…
Igrexa da Universidade
venres 3 abril
21.00
o doloroso camiño do exilio
Kampo Domîz…
el doloroso camino del exilio
GANI MIRZO
Miran
Sharazade
El dolor de la ausencia
Marfa
Roni
Bulerias
Wek tîreke
Yaduki
NEILA BEMBEY voz
JUAN JOSÉ BARREDA guitarra
GANI MIRZO laúde / dirección
62
Kampo Domîz
Kampo Domîz
En marzo de 2011 iníciase en Siria unha revolución pacífica co obxectivo de poñer fin a
unha ditadura que acaba converténdose nunha guerra. A raíz deste conflito, empezan a
fuxir do país millóns de persoas en busca dun
novo destino onde reencontrar a paz perdida,
lonxe das súas casas. Como consecuencia
deste desarraigamento, iranse creando ducias
de campamentos que acabarán albergando
millóns de persoas que terán que soportar
condicións extremas. O campo de refuxiados
de Domîz, situado en Iraq, a uns sesenta quilómetros da fronteira con Siria, é un deles. Este
proxecto é froito da miña decisión de gravar as
miñas composicións para destinar os seus beneficios a estes refuxiados, co meu desexo de
transmitirlles ánimos e paciencia para poder
soportar este capítulo terrible da nosa historia,
xa sexan curdos, árabes, sirios ou armenios e a
todo o pobo sirio. Oxalá que esta música poida
transmitirlles ánimo e esperanza. Neste programa alternaremos composicións de Kampo
Domîz con pezas creadas para proxectos anteriores. Miran é o froito da busca permanente como músico por encontrar unha linguaxe
propia, na que conviven o jazz, o flamenco e a
música curda; pertencente ao meu segundo
disco (Totico), é unha peza que asocio co sentimento de regreso á miña terra. Sharazade e
A dor da ausencia foron escritos para a banda
sonora do espectáculo As mil e unha noites dirixido por Els Comediants en 2006 (a letra é de
Luisa Hurtado). Marfa é unha peza cuxa letra é
un poema de amor do poeta sirio Nizar Qapani
na que as melodías curdas e sirias se mesturan cunha brisa flamenca. Roni é un tema que
contén dous ritmos pouco habituais na música
tradicional curda e que deu nome ao seu primeiro disco que, casualmente, foi gravado na
Universidade de Santiago de Compostela en
1998. Bulerías é unha composición xurdida a
raíz dos meus estudos de flamenco na que a
inspiración chega destas sonoridades mesturadas coa música tradicional turca. Wek tîreke
é unha canción de amor e esperanza cantada
por unha moza curda, con letra de Diya Peyam.
En marzo de 2011 se inicia en Siria una revolución pacífica con el objetivo de poner fin
a una dictadura que acaba convirtiéndose en
una guerra. A raíz de este conflicto, empiezan
a huir del país millones de personas en busca
de un nuevo destino donde reencontrar la paz
perdida, lejos de sus casas. Como consecuencia
de este desarraigo, se irán creando docenas
de campamentos que acabarán albergando a
millones de personas que tendrán que soportar
condiciones extremas. El campo de refugiados
de Domîz, situado en Irak, a unos sesenta kilómetros de la frontera con Siria, es uno de ellos.
Este proyecto es fruto de mi decisión de grabar
mis composiciones para destinar sus beneficios
a estos refugiados, con mi deseo de transmitirles ánimos y paciencia para poder sobrellevar
este capítulo terrible de nuestra historia, ya sean
kurdos, árabes, sirios o armenios y a todo el
pueblo sirio. Ojalá que esta música pueda transmitirles ánimo y esperanza. En este programa
alternaremos composiciones de Kampo Domîz
con piezas creadas para proyectos anteriores.
Miran es el fruto de la búsqueda permanente
como músico por encontrar un lenguaje propio, en el que conviven el jazz, el flamenco y
la música kurda; perteneciente a mi segundo
disco (Totico), es una pieza que asocio con el
sentimiento de regreso a mi tierra. Sharazade
y El dolor de la ausencia fueron escritas para
la banda sonora del espectáculo Las mil y una
noches dirigido por Els Comediants en 2006 (la
letra es de Luisa Hurtado). Marfa es una pieza
cuya letra es un poema de amor del poeta sirio
Nizar Qapani en la que las melodías kurdas y
sirias se mezclan con una brisa flamenca. Roni
es un tema que contiene dos ritmos poco habituales en la música tradicional kurda y que dio
nombre a su primer disco que, casualmente, fue
grabado en la Universidad de Santiago de Compostela en 1998. Bulerías es una composición
surgida a raíz de mis estudios de flamenco en
la que la inspiración llega de estas sonoridades mezcladas con la música tradicional turca.
Wek tîreke es una canción de amor y esperanza
cantada por una chica kurda, con letra de Diya
63
Yaduki inclúe un novo poema de Nizar Qapani
e é unha canción de amor e sensualidade que
trata de recrear o ambiente do cruzamento
entre Oriente e Occidente. [Gani Mirzo]
Peyam. Yaduki incluye un nuevo poema de Nizar
Qapani y es una canción de amor y sensualidad
que trata de recrear el ambiente del cruce entre
Oriente y Occidente. [Gani Mirzo]
GANI MIRZO
GANI MIRZO
Nacido en Qamichi (Siria), é recoñecido como
un experto na música oriental, profesor
e compositor para laúde. Dende a súa
infancia viviu en Alepo e estudou no seu
conservatorio. Posteriormente especializouse
cos prestixiosos mestres Nuri Escandar
(composición) e Qadri Dala (úd oriental). Entre
1994 e 2000 investigou sobre o flamenco co
profesor Manuel Granados no Conservatorio
do Liceo de Barcelona. En 1995 creou o grupo
Gani Mirzo Band, recoñecido polo seu labor de
investigación musical na fusión de diferentes
tendencias musicais: a música curda e
xenericamente oriental co flamenco e o jazz.
O repertorio do grupo contén composicións
propias de Mirzo inspiradas na música curda
oriental composta para laúde e acompañada
de guitarra flamenca, coa que crea unha ilusión
musical que enlaza Oriente e Occidente dunha
forma delicada e moderna. Gani Mirzo actuou
en prestixiosos festivais e salas de concerto
como o Festival Murcia Tres Culturas, Festival
da Musique Andalouse (Fez, Marrocos), Feira
Mediterrània (Manresa), Lagerhalle Saal
(Osnabruck, Alemaña), Museo Nacional de
Arte de Cataluña, Auditori, Festival Grec
e Festes de la Mercè (Barcelona), Festival
Portalblau L’Escala, Instituto do Mundo Árabe
(París), Universidade de Hakkary (Turquía) etc.
Nacido en Qamichi (Siria), es reconocido
como un experto en la música oriental,
profesor y compositor para laúd. Desde
su infancia vivió en Alepo y estudió en su
conservatorio. Posteriormente se especializó
con los prestigiosos maestros Nuri Escandar
(composición) y Qadri Dala (úd oriental). Entre
1994 y 2000 investigó sobre el flamenco con el
profesor Manuel Granados en el Conservatorio
del Liceo de Barcelona. En 1995 creó el grupo
Gani Mirzo Band, reconocido por su labor de
investigación musical en la fusión de diferentes
tendencias musicales: la música kurda y
genéricamente oriental con el flamenco y
el jazz. El repertorio del grupo contiene
composiciones propias de Mirzo inspiradas en
la música kurda oriental compuesta para laúd y
acompañada de guitarra flamenca, con la que
crea una ilusión musical que enlaza Oriente y
Occidente de una forma delicada y moderna.
Gani Mirzo ha actuado en prestigiosos festivales
y salas de concierto como el Festival Murcia
Tres Culturas, Festival de la Musique Andalouse
(Fez, Marruecos), Feria Mediterrània (Manresa),
Lagerhalle Saal (Osnabruck, Alemania), Museo
Nacional de Arte de Cataluña, Auditori, Festival
Grec y Festes de la Mercè (Barcelona), Festival
Portalblau L’Escala, Institute du Monde Arabe
(París), Universidad de Hakkary (Turquía), etc.
64
Vivo sin vivir en mí…
Igrexa de San Fiz de Solovio
sábado 4 abril
19.00
poesía e música
na vida de santa Teresa
Vivo sin vivir en mí…
poesía y música
en la vida de Santa Teresa
JOSÉ MANUEL MONTERO tenor
JUAN RAMÓN HERNÁNDEZ arpas históricas
Vivo sin vivir en mí
Vuestra soy, para Vos nací
Dilectus mehus mihi
Coloquio amoroso
Dichoso el corazón enamorado
¡Oh hermosura que excedéis!
Ayes del destierro
Alma, buscarte has en mí
Pastores que veláis
Al nacimiento de Jesús
Para Navidad
A Santa Catalina Mártir
Nada te turbe
Cruz, descanso sabroso
En la Cruz está la vida
Abrazadas a la Cruz
Al velo de la hermana Isabel de los Ángeles
A la profesión de Isabel de los Ángeles
En una profesión
Para una profesión
A la gala, gala de la religión
65
Música e poesía na vida
de Santa Teresa de Jesús
Música y poesía en la vida
de santa Teresa de Jesús
Este programa está concibido como unha
colaxe que intenta trasladar ao espectador
unha impresión do que puido ser o mundo
poético-musical na vida de Santa Teresa. A
pesar da fama alcanzada por fragmentos
como Vivo sin vivir en mi, a obra poética da
santa ocupa unha porción mínima dentro da
súa produción literaria, se ben compendia admirablemente o espírito dos seus principais
escritos, especialmente El libro de su vida,
Camino de perfección e Las moradas. Escritos
maiormente en romance, preludian, cunha
linguaxe sinxela e directa, o que sería o drama en verso do Século de Ouro. A música
formaba parte da educación humanística
da época, e Santa Teresa debeu de ter algún
tipo de instrución musical posto que gustaba
de improvisar ao órgano, instrumento que
se usaba xunto á arpa para acompañar os
oficios relixiosos. Un dos instrumentos que
se utilizan neste concerto é copia dunha das
dúas arpas, das que quedaron testemuños no
convento da Encarnación. Para o acompañamento das oracións litúrxicas, así como para
o dos poemas, utilizábanse a miúdo os continuos, sucesións de acordes de uso moi común, dos que existen varias recompilacións e
que se adaptaban con facilidade ás diferentes
métricas. Con este programa Poesía e música
na vida de Santa Teresa pretendemos mostrar
como soaban eses continuos, como puideron
soar eses versos e como deberon fundirse en
composicións, das que serve como testemuño o poema Ya viene el alba, posto en música
pola propia santa. As seguintes poesías da
santa agrúpanse en varios bloques atendendo á súa temática e a relación coas diferentes
etapas da súa vida. A lectura recitada acompáñase con música da época interpretada
por dúas arpas barrocas: algunhas, obras de
autores moi coñecidos como Alonso Mudarra,
Antonio de Cabezón ou Diego Fernández de
Huete e, outras, tons dos que se empregaban
no acompañamento, ao órgano ou con arpa
,das liturxias e cerimonias civís e relixiosas.
Este programa está concebido como un collage
que intenta trasladar al espectador una impresión de lo que pudo ser el mundo poético-musical en la vida de Santa Teresa. A pesar de la
fama alcanzada por fragmentos como Vivo sin
vivir en mí, la obra poética de la santa ocupa
una porción mínima dentro de su producción
literaria, si bien compendia admirablemente
el espíritu de sus principales escritos, especialmente El libro de su vida, Camino de perfección y
Las moradas. Escritos mayormente en romance,
preludian, con un lenguaje sencillo y directo, lo
que sería el drama en verso del Siglo de Oro.
La música formaba parte de la educación humanística de la época, y Santa Teresa debió de
haber tenido algún tipo de instrucción musical
puesto que gustaba de improvisar al órgano,
instrumento que se usaba junto al arpa para
acompañar los oficios religiosos. Uno de los
instrumentos que se utilizan en este concierto
es copia de una de las dos arpas, de las que
ha quedado testimonios en el convento de la
Encarnación. Para el acompañamiento de las
oraciones litúrgicas, así como para el de los
poemas, se utilizaban a menudo los continuos,
sucesiones de acordes de uso muy común, de
los que existen varias recopilaciones y que se
adaptaban con facilidad a las diferentes métricas. Con este programa Poesía y música en
la vida de Santa Teresa pretendemos mostrar
como sonaban esos continuos, como pudieron
haber sonado esos versos y como debieron
de haberse fundido en composiciones, de las
que sirve como testimonio el poema Ya viene
el alba, puesto en música por la propia Santa.
Las siguientes poesías de la santa se agrupan
en varios bloques atendiendo a su temática y
la relación con las diferentes etapas de su vida.
La lectura recitada se acompaña con música de
la época interpretada por dos arpas barrocas:
algunas, obras de autores muy conocidos como
Alonso Mudarra, Antonio de Cabezón o Diego
Fernández de Huete y, otras, tonos de los que se
empleaban en el acompañamiento, al órgano o
con arpa, de las liturgias y ceremonias civiles y
66
Varias das poesías adaptáronse a melodías
da época para a súa interpretación cantada
(Vivo sin vivir en mí, Ayes del destierro, Nada
te turbe, A la gala, gala de la religión) nunha
mostra do que podería ter sido a posta en voz
dos poemas. [José Manuel Montero]
religiosas. Varias de las poesías se han adaptado a melodías de la época para su interpretación
cantada (Vivo sin vivir en mí, Ayes del destierro,
Nada te turbe, A la gala, gala de la religión) en una
muestra de lo que podría haber sido la puesta
en voz de los poemas. [José Manuel Montero]
JOSÉ MANUEL MONTERO tenor
JOSÉ MANUEL MONTERO tenor
Traballou en Alemaña na Bayerischen
Staatsoper de Múnic e nos teatros de ópera
de Leipzig, Weimar, Lübeck e Gelsenkirchen.
Entre 1996 e 2000 formou parte do elenco
do teatro de Wuppertal e, entre 2001 e
2005, da Staatsoper en Hannover. Ademais
cantou na Staatsoper de Budapest, Ópera de
Toulon, Mulhouse, Festival de Montepulciano,
Festival de Ambronay e no Festival de Radio
France & Montpellier. En España actuou en
teatros como o Teatro da Zarzuela e o Teatro
Real (Madrid), Teatro da Mestranza (Sevilla),
Córdoba, Palma de Mallorca, Valladolid, Xerez,
A Coruña, Oviedo, Bilbao ou Las Palmas e nos
festivais de Salamanca, Segovia etc. Entre
as súas gravacións destacan varios dos
concertos de Voces para la paz realizados
por RTVE, a ópera de Aribert Reimann Das
Schloß na Bayerische Staatsoper (Múnic), Il
re Teodoro de Paisiello coa orquestra sinfónica
de Montpellier, así como os concertos Voces
de primavera na Alten Oper en Frankfurt coa
Rundfunkorchester da SWR e o Winterreise de
Schubert con Juan Antonio Álvarez Parejo ao
piano. O seu amplo repertorio inclúe papeis de
ópera italiana, francesa, alemá, inglesa, rusa e
checa, así como zarzuela, opereta, oratorios e
misas, e mantén unha importante actividade
como cantante de lied. Cursou os estudos
de canto no Real Conservatorio Superior de
Música de Madrid con Pedro Lavirgen e en
1992 foi subvencionado pola Opernschule
de Múnic e pola JCCM para ampliar os seus
estudos coa cantante Daphne Evangelatos.
Compaxina a súa actividade artística cunha
crecente actividade docente en forma de
clases de técnica vocal, seminarios e cursos
especializados de interpretación artística e
Ha trabajado en Alemania en la Bayerischen
Staatsoper de Munich y en los teatros de ópera
de Leipzig, Weimar, Lübeck y Gelsenkirchen.
Entre 1996 y 2000 formó parte del elenco del
teatro de Wuppertal y, entre 2001 y 2005, de la
Staatsoper en Hannover. Además ha cantado
en la Staatsoper de Budapest, Ópera de Toulon,
Mulhouse, Festival de Montepulciano, Festival
de Ambronay y en el Festival de Radio France
& Montpellier. En España ha actuado en teatros
como el Teatro de la Zarzuela y el Teatro Real
(Madrid), Teatro de la Maestranza (Sevilla),
Córdoba, Palma de Mallorca, Valladolid, Jerez,
A Coruña, Oviedo, Bilbao o Las Palmas y en
los festivales de Salamanca, Segovia, etc.
Entre sus grabaciones destacan varios de los
conciertos de Voces para la paz realizados por
RTVE, la ópera de Aribert Reimann Das Schloß
en la Bayerische Staatsoper (Munich), Il re
Teodoro de Paisiello con la orquesta sinfónica
de Montpellier, así como los conciertos Voces de
primavera en la Alten Oper en Frankfurt con la
Rundfunkorchester de la SWR y el Winterreise
de Schubert con Juan Antonio Álvarez Parejo
al piano. Su amplio repertorio incluye roles de
ópera italiana, francesa, alemana, inglesa, rusa
y checa, así como zarzuela, opereta, oratorios
y misas, y mantiene una importante actividad
como cantante de lied. Cursó los estudios de
canto en el Real Conservatorio Superior de
Música de Madrid con Pedro Lavirgen y en
1992 fue becado por la Opernschule de Munich
y por la JCCM para ampliar sus estudios con la
cantante Daphne Evangelatos. Compagina su
actividad artística con una creciente actividad
docente en forma de clases de técnica vocal,
seminarios y cursos especializados de
interpretación artística y estilística. En 2011
67
estilística. En 2011 formou con Juan Ramón
Hernández un dúo coa idea de ofrecer e
explorar unha sonoridade moi pouco coñecida:
a combinación de arpa e voz. O seu debut
ten lugar no festival Clásicos en verán, da
Comunidade de Madrid, cunha estrea absoluta
en España, a obra de Benjamin Britten A
birthday Hansel; esta tempada presentan dous
programas, un dedicado á música relixiosa, e
outro que ofrece unha panorámica da música
española para voz e arpa entre os séculos XIII
e XVIII no que se utilizan diversos instrumentos
históricos.
formó con Juan Ramón Hernández un dúo con
la idea de ofrecer y explorar una sonoridad
muy poco conocida: la combinación de arpa
y voz. Su debut tiene lugar en el festival
Clásicos en verano, de la Comunidad de Madrid,
con un estreno absoluto en España, la obra
de Benjamin Britten A birthday Hansel; esta
temporada presentan dos programas, uno
dedicado a la música religiosa, y otro que
ofrece una panorámica de la música española
para voz y arpa entre los siglos XIII y XVIII
en el que se utilizan diversos instrumentos
históricos.
JUAN RAMÓN HERNÁNDEZ arpa
JUAN RAMÓN HERNÁNDEZ arpa
A súa traxectoria artística está actualmente
enfocada á interpretación con instrumentos
históricos e a colaboración coa arte vocal.
Cunha destacable experiencia en orquestra e
música de cámara, integra todo tipo de formacións, dende dúos ata orquestras sinfónicas,
pasando por conxuntos especialistas en música contemporánea e flamenco. Actuou por
toda Europa e domina o repertorio de solista,
ópera e ballet. Ademais, estreou varias decenas
de obras escritas para el, incluíndo papeis de
músico-actor en escena. Foi distinguido cos
premios ao solista do ano e ao mellor intérprete de cámara da Fundación Miguel Ángel Colmenero. Natural de Benalmádena, graduouse
con matrícula de honra nos conservatorios de
Salamanca e Madrid coas profesoras María del
Carmen Collado, María Pilar García-Gallardo e
María Rosa Calvo Manzano. Foi profesor de arpa
en Madrid e Málaga e recentemente impartiu
en Porto un concerto-conferencia sobre arpas
históricas. O seu labor como vicepresidente de
AEDA (Asociación Española de Arpa) permítelle
divulgar activamente a tradición española do
instrumento.
Su trayectoria artística está actualmente enfocada a la interpretación con instrumentos
históricos y la colaboración con el arte vocal.
Con una destacable experiencia en orquesta y
música de cámara, integra todo tipo de formaciones, desde dúos hasta orquestas sinfónicas,
pasando por conjuntos especialistas en música
contemporánea y flamenco. Ha actuado por
toda Europa y domina el repertorio de solista,
ópera y ballet. Además, ha estrenado varias
decenas de obras escritas para él, incluyendo
papeles de músico-actor en escena. Ha sido
distinguido con los premios al solista del año
y al mejor intérprete de cámara de la Fundación Miguel Ángel Colmenero. Natural de Benalmádena, se graduó con matrícula de honor
en los conservatorios de Salamanca y Madrid
con las profesoras María del Carmen Collado,
María Pilar García-Gallardo y María Rosa Calvo
Manzano. Ha sido profesor de arpa en Madrid y
Málaga y recientemente impartió en Oporto un
concierto-conferencia sobre arpas históricas.
Su labor como vicepresidente de AEDA (Asociación Española de Arpa) le permite divulgar activamente la tradición española del instrumento.
68
A Nouba de Arxel…
Igrexa da Universidade
sábado 4 abril
21.00
a tradición musical arabo-andalusí
La Nouba de Argel…
la tradición musical arabo-andalusí
BEIHDJA RAHAL
(Alxeria)
Nouba Sika
Inqilab: Ya men li qalbi qed kawa
Mceddar: Bi Rabbi elladi faraj âla Ayoub
Istikhbar: Kayfa yanamou l’ âchiq
Derdj: Soltanet banet el hay
Insiraf: Bil hawa qalbi taâlaq
Khlass: Ezahrou fi rawd qed tabassem
Âroubi: Ya layem lach t’loum
NADJI HAMMA ud
RYAD GUELMAOUI mandolina
MOKRANE BOUSSAÏD viola
HOCINE SOUDANI derbouka
BEIHDJA RAHAL canto / kouitra / dirección
69
A Nouba de Alxer
La Nouba de Argel
A nouba constitúe o corazón da tradición musical da cidade magrebí e a expresión máis
clásica da música arabo-andalusí. Resulta
demasiado simplificador dicir que esta música é unha creación da España musulmá –Al
Andalus– e que foi introducida polos emigrantes de Al Andalus no Magreb, onde tomou
distintas formas segundo as súas orixes (escolas de Sevilla, Córdoba, Granada, Zaragoza
etc.). Certamente, o papel de Ziryâb no século
IX como fundador dun novo xénero musical
e da primeira escola de música en Córdoba
é incuestionable. Non obstante non se pode
ignorar a contribución das grandes cidades
do Magreb, de Kairouan a Fez, na construción
deste patrimonio musical moito antes do final
da Reconquista en 1492 e da expulsión definitiva dos árabes polo rei Felipe III en 1609.
As diferenzas de estilos e repertorios entre
as distintas escolas alxerianas (o gharnâti de
Tlemcen, o malouf de Constantine e a çanaa
de Alxer), e tamén o malouf libio, o malouf
tunecino e a âla marroquí, non resultan pois
dos supostos vínculos coas antigas cidades
andaluzas, senón máis ben de evolucións
locais.
La nouba constituye el corazón de la tradición
musical de la ciudad magrebí de Argel y la expresión más clásica de la música araboandalusí.
Resulta demasiado simplificador decir que esta
música es una creación de la España musulmana –Al Andalus– y que fue introducida por los
emigrantes de Al Andalus en el Magreb, donde
tomó distintas formas según sus orígenes (escuelas de Sevilla, Córdoba, Granada, Zaragoza,
etc.). Ciertamente, el papel de Ziryâb en el siglo
IX como fundador de un nuevo género musical y
de la primera escuela de música en Córdoba es
incuestionable. Sin embargo no se puede ignorar la contribución de las grandes ciudades del
Magreb, de Kairouan a Fez, en la construcción
de este patrimonio musical mucho antes del
final de la Reconquista en 1492 y de la expulsión definitiva de los árabes por el rey Felipe III
en 1609. Las diferencias de estilos y repertorios entre las distintas escuelas argelinas (el
gharnâti de Tlemcen, el malouf de Constantine
y la çanaa de Argel), y también el malouf libio, el
malouf tunecino y la âla marroquí, no resultan
pues de los supuestos vínculos con las antiguas
ciudades andaluzas, sino más bien de evoluciones locales.
A música arabo-andalusí caracterízase polos
elementos seguintes: unha organización codificada da sesión musical baixo forma dunha
suite vocal e instrumental, a nouba, composta sobre un modo melódico principal Tab’, e
uns ciclos rítmicos que estruturan o seu desenvolvemento; a interpretación a cargo dun
cantante ou dun coro, acompañados por un
pequeno conxunto instrumental; un corpus
poético, en parte común ás distintas escolas;
e, finalmente, unha concepción filosófica e
cosmogónica do sistema modal, herdada dos
gregos a través dos pensadores árabes, cuxo
corolario é o concepto de sentimento modal
que se traduce no oínte nun encantamento
case extático, o Tarab.
La música araboandalusí se caracteriza por los
elementos siguientes: una organización codificada de la sesión musical bajo forma de una
suite vocal e instrumental, la nouba, compuesta
sobre un modo melódico principal Tab’, y unos
ciclos rítmicos que estructuran su desarrollo;
la interpretación a cargo de un cantante o de
un coro, acompañados por un pequeño conjunto instrumental; un corpus poético, en parte
común a las distintas escuelas; y, finalmente,
una concepción filosófica y cosmogónica del
sistema modal, heredada de los griegos a través de los pensadores árabes, cuyo corolario
es el concepto de sentimiento modal que se
traduce en el oyente en un encantamiento casi
extático, el Tarab.
A estrutura da nouba é a dunha suite de obras
vocais e instrumentais que enlaza varias pezas musicais cunha aceleración progresiva do
tempo. Cada nouba está baseada nun modo
La estructura de la nouba es la de una suite de
obras vocales e instrumentales que enlaza varias piezas musicales con una aceleración progresiva del tempo. Cada nouba está basada en
70
musical principal, o Tab’ que lle dá o seu nome
pero non impide as cadencias doutros estilos.
O mceddar considérase como a parte principal
das melodías cantadas. Lento e solemne, tócase nun ritmo a 4 tempos. O btaihi ten unha
estrutura e un ritmo similares aos do mceddar, pero o tempo é lixeiramente máis rápido.
O mesmo sucede para o derdj, movemento
no que o tempo é máis acelerado e no que
se observan algunhas rupturas rítmicas. O
insiraf é unha peza de ritmo ternario na cal
algúns toques son lixeiramente máis curtos. O khlass (final) comeza como un insiraf
e pasa a un ritmo máis rápido antes de rematar cunha lenta frase vocal sen percusión
que evoca unha última vez o modo principal,
Tab’. Non obstante, na práctica habitual, os
músicos sáense deste marco convencional
e adornan a nouba engadindo outras pezas.
O inqilab é unha peza da mesma factura que
aquelas pertencentes á nouba pero caracterízase pola súa gran diversidade rítmica. O
istikhbar, cuxo poema pode confirmar o tema
xeral da nouba ou ao contrario garantir unha
transición temática, é a ocasión para que o
cantante, liberado dun marco rítmico ríxido,
poña de relevo as súas calidades expresivas
ao servizo dun poema que non pertence ao
repertorio canónico. [Beihdja Rahal]
un modo musical principal, el Tab’ que le da su
nombre pero no impide las cadencias de otros
estilos. El mceddar se considera como la parte
principal de las melodías cantadas. Lento y solemne, se toca en un ritmo a 4 tiempos. El btaihi
tiene una estructura y un ritmo similares a los
del mceddar, pero el tempo es ligeramente más
rápido. Lo mismo sucede para el derdj, movimiento en el que el tempo es más acelerado y en
el que se observan algunas rupturas rítmicas. El
insiraf es una pieza de ritmo ternario en la cual
algunos toques son ligeramente más cortos. El
khlass (final) comienza como un insiraf y pasa a
un ritmo más rápido antes de acabar con una
lenta frase vocal sin percusión que evoca una
última vez el modo principal, Tab’ . Sin embargo, en la práctica habitual, los músicos se
salen de este marco convencional y adornan
la nouba añadiendo otras piezas. El inqilab es
una pieza de la misma factura que aquellas
pertenecientes a la nouba pero se caracteriza
por su gran diversidad rítmica. El istikhbar, cuyo
poema puede confirmar el tema general de la
nouba o al contrario garantizar una transición
temática, es la ocasión para que el cantante,
liberado de un marco rítmico rígido, ponga de
relieve sus cualidades expresivas al servicio
de un poema que no pertenece al repertorio
canónico. [Beihdja Rahal]
BEIHDJA RAHAL
BEIHDJA RAHAL
Poucos intérpretes do repertorio andalusí puxeron tanta paixón no exercicio da súa arte.
Nacida en Alxer, non previra unha carreira
artística. En 1974 inscríbese no conservatorio,
elixe a música andalusí como disciplina e relaciónase cos mestres Abderrezak Fakhardji, Mohamed Khaznadji y Zoubir Kakachi. En
1982 incorpórase á famosa asociación El
Fakhardjia e dá os seus primeiros pasos escénicos na Ópera de Alxer. En 1983, o mestre
Abderrezak Fakhardji elíxea para interpretar
unha nouba (suite) completa no modo rasd
eddil nun concerto en Alxer dirixido por Cheikh
Hamidou Djaïdir e difundido pola televisión
alxeriana. Cofundadora da asociación musi-
Pocos intérpretes del repertorio andalusí han
puesto tanta pasión en el ejercicio de su arte.
Beihdja Rahal, nacida en Argel, no había previsto una carrera artística. En 1974 se inscribe
en el conservatorio, elige la música andalusí
como disciplina y se codea con los maestros
Abderrezak Fakhardji, Mohamed Khaznadji y
Zoubir Kakachi. En 1982 se incorpora a la famosa asociación El Fakhardjia y da sus primeros
pasos escénicos en la Ópera de Argel. En 1983,
el maestro Abderrezak Fakhardji la elige para
interpretar una nouba (suite) completa en el
modo rasd eddil en un concierto en Argel dirigido por Cheikh Hamidou Djaïdir y difundido
por la televisión argelina. Cofundadora de la
71
cal Essoundoussia en 1986, ademais de ser
unha das solistas principais, imparte clases
aos nenos recén inscritos. En 1992 instálase
en París e é en Francia onde materializará os
seus proxectos musicais con tres gravacións
entre 1995 e 1999. A partir do 2000 traballa máis en Alxeria, por primeira vez co seu
nome, e encontra un contexto máis favorable
cunha elección máis importante de músicos
e instrumentos tradicionais. Reforzada pola
recepción excepcional do público, comprométese en profundidade coa súa obra, realizando en dez anos a fazaña de gravar as
doce noubas da escola de Alxer, a çanaâ, e de
escribir dous libros sobre a música andalusí.
Beihdja Rahal destaca na interpretación da
música andalusí, estilo musical clásico dos
países do Magreb que se toca inevitablemente
con instrumentos tradicionais como o târ, a
derbouka, o ud, o violín e a kouitra. A súa interpretación esixe calor, alma e sentimento. A
proposta de Beihdja Rahal logra unha atmosfera emocional que cativou o público en cada
unha das súas actuacións en Europa e en todo
o mundo. A revista L’ Express cóntaa entre as
“100 personalidades que fan mover Alxeria”.
Tamén realizou colaboracións con músicos
doutros xéneros como, en España, co grupo
Radio Tarifa e co guitarrista flamenco Juan
Martín. Dende hai quince anos, e co desexo
de preservar ese patrimonio clásico, imparte
clases de música e canto en París. A educación musical dos nenos é a súa prioridade. Así
mesmo, creou a asociación Rythmeharmonie
onde se imparten clases a adultos. A música
andalusí alcanza altas cotas coa voz cristalina
e a magnífica agrupación da primeira muller
que gravou os doce modos da música clásica arabo-andalusí, ata entón couto vedado
dos homes. Coa segunda gravación das doce
noubas e o seu 24º álbum, Beihdja Rahal proponse non se deter en tan comprometido e
frutífero camiño.
asociación musical Essoundoussia en 1986,
además de ser una de las solistas principales,
imparte clases a los niños recién inscritos. En
1992 se instala en París y es en Francia donde materializará sus proyectos musicales con
tres grabaciones entre 1995 y 1999. A partir del
2000 trabaja más en Argelia, por primera vez
con su nombre, y encuentra un contexto más
favorable con una elección más importante de
músicos e instrumentos tradicionales. Reforzada por la recepción excepcional del público,
se compromete en profundidad con su obra,
realizando en diez años la hazaña de grabar las
doce noubas de la escuela de Argel, la çanaâ, y
de escribir dos libros sobre la música andalusí.
Beihdja Rahal destaca en la interpretación de
la música andalusí, estilo musical clásico de los
países del Magreb que se toca inevitablemente
con instrumentos tradicionales como el târ, la
derbouka, el ud, el violín y la kouitra. Su interpretación exige calor, alma y sentimiento. La propuesta de Beihdja Rahal logra una atmósfera
emocional que ha cautivado al público en cada
una de sus actuaciones en Europa y en todo el
mundo. La revista L’ Express la cuenta entre las
“100 personalidades que hacen mover Argelia”.
También ha realizado colaboraciones con músicos de otros géneros como, en España, con el
grupo Radio Tarifa y con el guitarrista flamenco Juan Martín. Desde hace quince años, y con
el deseo de preservar ese patrimonio clásico,
imparte clases de música y canto en París. La
educación musical de los niños es su prioridad.
Asimismo, ha creado la asociación Rythmeharmonie donde se imparten clases a adultos.
La música andalusí alcanza altas cotas con la
voz cristalina y la magnífica agrupación de la
primera mujer que grabó los doce modos de la
música clásica arabo-andalusí, hasta entonces
coto vedado de los hombres. Con la segunda
grabación de las doce noubas y su 24º álbum,
Beihdja Rahal se propone no detenerse en tan
comprometido y fructífero camino.
72
Américas...
Auditorio de Galicia
domingo 5 abril
19.00
vivencias, camiños, inspiración…
Américas...
vivencias, caminos, inspiración…
ORQUESTRA NOVA DA SINFÓNICA DE GALICIA
ANDRÉS SALADO director
CAROLINA RODRÍGUEZ CANOSA óboe
Parte 1
Bernardo Freire López (1894-1983)
Obertura para “Fuenteovejuna”
Bohuslav Martinu (1890-1959)
Concerto para óboe e pequena orquestra, H 353
Moderato
Poco Andante
Poco Allegro
George Gershwin (1898-1937)
Un americano en París
Parte 2
Alberto Ginastera (1916-1983)
Estancia op. 8 (selección de danzas) Los trabajadores agrícolas Danza del trigo Los peones de hacienda Danza final (Malambo) 73
Américas...
vivencias, camiños, inspiración…
Américas...
vivencias, caminos, inspiración…
Bernardo Freire López, frautista, compositor
e director, naceu en Cedeira (A Coruña). Emigrando a Uruguai na década dos 40, é en Montevideo onde establece amizade con Margarita
Xirgú, quen lle encarga unha abertura para
unha produción do Fuenteovejuna de Lope de
Vega que a actriz catalá dirixirá. Esta abertura
estreouse o 20 de xaneiro de 1953 no Teatro Municipal del Parque Rivera interpretada
pola Banda Municipal de Montevideo e baixo
a dirección do compositor galego. Tamén o
compositor checo Bohuslav Martinu mantivo unha importante vinculación con América
onde se instalou en varias ocasións, a última
en 1955 cando se traslada a Filadelfia para
ocupar unha praza de profesor no Instituto
Curtis. Antes de comezar esta viaxe, en Niza,
compuxo o seu Concerto para óboe e pequena
orquestra, unha obra lixeira e festiva, de natural
virtuosismo para o óboe, escrita para unha
orquestra reducida na que destacan o papel
da trompa e o piano. Ao longo do concerto, o
óboe solista fóndese en varias ocasións coa
trama orquestral, propón melodías de harmonías elusivas yestablece unha colaboración
complexa e activa co piano. Unha viaxe inversa
á que realizou Martinu foi o que protagonizou
o neoiorquino George Gershwin cando decidiu
vivir en París un tempo para progresar nos
seus estudos musicais formais. Na capital
francesa compón en 1928 Un americano en
París, un poema sinfónico no que, segundo relata o compositor coas súas propias palabras,
“as impresións dun estadounidense que visita
a capital francesa; mentres pasea pola cidade,
escoita os sons na rúa e absorbe o ambiente
francés... “. George Gershwin materializou o
seu obxectivo mesturando cores e harmonías
do impresionismo e outras vangardas musicais francesas cun estilo próximo ao jazz e a
sons da tradición americana como o blues, o
ragtime ou o swing. O arxentino Alberto Ginastera comezou a súa carreira como compositor dentro da estética nacionalista, nutríndose
do folclore do seu país, pero sen esquecer a
Bernardo Freire López, flautista, compositor y
director, nació en Cedeira (A Coruña). Emigrando a Uruguay en la década de los 40, es en Montevideo donde establece amistad con Margarita
Xirgú, quien le encarga una obertura para una
producción del Fuenteovejuna de Lope de Vega
que la actriz catalana dirigirá. Esta obertura
se estrenó el 20 de enero de 1953 en el Teatro Municipal del Parque Rivera interpretada
por la Banda Municipal de Montevideo y bajo
la dirección del compositor gallego. También
el compositor checo Bohuslav Martinu mantuvo una importante vinculación con América
donde se instaló en varias ocasiones, la última
en 1955 cuando se traslada a Filadelfia para
ocupar una plaza de profesor en el Instituto
Curtis. Antes de comenzar este viaje, en Niza,
compuso su Concierto para oboe y pequeña
orquesta, una obra ligera y festiva, de natural
virtuosismo para el oboe, escrita para una orquesta reducida en la que destacan el papel de
la trompa y el piano. A lo largo del concierto, el
oboe solista se funde en varias ocasiones con
la trama orquestal, propone melodías de armonías elusivas y establece una colaboración
compleja y activa con el piano. Un viaje inverso
al que realizó Martinu fue el que protagonizó el
neoyorquino George Gershwin cuando decidió
vivir en París un tiempo para progresar en sus
estudios musicales formales. En la capital francesa compone en 1928 Un americano en París,
un poema sinfónico en el que, según relata el
compositor con sus propias palabras, “las impresiones de un estadounidense que visita la
capital francesa; mientras pasea por la ciudad,
escucha los sonidos callejeros y absorbe el
ambiente francés...”. George Gershwin materializó su objetivo mezclando colores y armonías
del impresionismo y otras vanguardias musicales francesas con un estilo cercano al jazz
y a sonidos de la tradición americana como
el blues, el ragtime o el swing. El argentino
Alberto Ginastera comenzó su carrera como
compositor dentro de la estética nacionalista,
nutriéndose del folclore de su país, pero sin
74
súa admiración por Beethoven, Bach, Bartók
ou Stravinski. A súa produción comprende
concertos, cancións, cuartetos, sonatas e
mesmo bandas sonoras, aínda que as súas
obras máis coñecidas son os ballets Panamí
e Estancia, este último composto por encarga
de Licoln Kirstein, director do American Ballet.
A estrutura do ballet é un arco simétrico que
encaixa nun día no que unha historia de amor
se entrelaza cos labores do campo. A música
arrastra co seu meigallo, unhas veces, e coa
súa arraigada forza, outras, á forma de vida do
gaucho solitario que non ten a quen recorrer
nun mundo que non lle pertence malia estar
pechado nel.
olvidar su admiración por Beethoven, Bach,
Bartók o Stravinski. Su producción comprende conciertos, canciones, cuartetos, sonatas
e incluso bandas sonoras, aunque sus obras
más conocidas son los ballets Panamí y Estancia, este último compuesto por encargo de
Licoln Kirstein, director del American Ballet.
La estructura del ballet es un arco simétrico
que encaja en un día en el que una historia de
amor se entrelaza con las labores del campo.
La música arrastra con su embrujo, unas veces, y con su arraigada fuerza, otras, a la forma
de vida del gaucho solitario que no tiene a quien
recurrir en un mundo que no le pertenece a
pesar de estar encerrado en él.
ORQUESTRA NOVA
DA SINFÓNICA DE GALICIA
ORQUESTA JOVEN
DE LA SINFÓNICA DE GALICIA
Dende a súa fundación en 1994 a Orquestra
Nova da Sinfónica de Galicia permitiu a centos
de mozos instrumentistas completar a súa
formación musical participando en espectáculos operísticos e concertos sinfónicos, baixo
o maxisterio de mestres como Alberto Zedda,
Víctor Pablo Pérez, James Judd, Pietro Rizzo,
Michael Gilbert, James Ross ou Joan Company
entre outros. Participou como orquestra de
foso no Festival Mozart da Coruña, compartiu
escenario coa Sinfónica de Galicia e ofreceu
concertos sinfónicos en Madrid, San Sebastián, Murcia, Valencia, León, Segovia, Xerez,
Xávea e Cocentaina. Convertida xa nun dos
proxectos educativos máis orixinais do panorama musical español, supón unha das poucas posibilidades reais de achegar aos futuros
profesionais á práctica do seu instrumento
no seo dunha orquestra sinfónica. Os mozos
reciben unha completa formación musical
traballando ao lado dos profesores da OSG,
das clases maxistrais de grandes profesores
e intérpretes.
Desde su fundación en 1994 la Orquesta Joven
de la Sinfónica de Galicia ha permitido a cientos de jóvenes instrumentistas completar su
formación musical participando en espectáculos operísticos y conciertos sinfónicos, bajo el
magisterio de maestros como Alberto Zedda,
Víctor Pablo Pérez, James Judd, Pietro Rizzo,
Michael Gilbert, James Ross o Joan Company
entre otros. Ha participado como orquesta de
foso en el Festival Mozart de A Coruña, ha compartido escenario con la Sinfónica de Galicia y
ha ofrecido conciertos sinfónicos en Madrid,
San Sebastián, Murcia, Valencia, León, Segovia,
Jerez, Javea y Cocentaina.
Convertida ya en
uno de los proyectos educativos más originales del panorama musical español, supone una
de las pocas posibilidades reales de acercar
a los futuros profesionales a la práctica de
su instrumento en el seno de una orquesta
sinfónica. Los jóvenes reciben una completa
formación musical trabajando al lado de los
profesores de la OSG, de las clases magistrales de grandes profesores e intérpretes.
75
ANDRÉS SALADO director
ANDRÉS SALADO director
Nacido en Madrid en 1983, iniciou a súa
formación musical co piano, o violín e a frauta
barroca, aínda que finalmente se decantou
pola percusión, título que obtivo no Real
Conservatorio Superior de Música de Madrid.
Atraído polo son orquestral a través das súas
numerosas intervencións con orquestras
como a Joven Orquesta de la Comunidad de
Madrid, Joven Orquesta Nacional de España,
ou a Orquesta de la Comunidad de Madrid,
entre outras, comezou os seus estudos de
dirección orquestral e formouse con Miguel
Romea, Peter Rundell, Jorma Panula, Sandro
Gorli, Peter Gülke, Peter Eötvös e Antoni Ros
Marbà. Dirixiu, entre outras, o Divertimento
Ensemble, Orquesta Sinfónica de Porto “Casa
da Música”, Orquesta Joven de Extremadura,
S’Ensemble, Joven Orquesta de la Comunidad
de Madrid, Orquestra Nova da Sinfónica
de Galicia, Orquesta Sinfónica de Navarra,
Salzburg Chamber Soloists na Mozarteum
Sommerakademie e a Lucerne Festival
Academy Orchestra no Festival de Lucerna
2012 xunto a Peter Eötvös. Dirixiu a JONDE
no Encontro Internacional de Dirección de
Orquestra realizado polo mestre Lutz Köhler.
Actuou en auditorios como o Auditorio
Nacional de Música de Madrid, Pazo de Belas
Artes de México D. F., Teatro dal Verme de Milán
ou o KKL Luzern en Suíza. Entre os seus máis
recentes e próximos compromisos encóntrase
dirixir a Orquesta Ciudad de Granada, Oviedo
Filharmonía, e as orquestras sinfónicas
de Tenerife, Bilbao, Sevilla, RTVE, Euskadi,
Castela e León, Galicia, Madrid, Barcelona e
Nacional de Cataluña, Comunidad de Madrid, e
as orquestras nacionais de Colombia, México,
e España. É director artístico e titular da Joven
Orquesta de Extremadura e da orquestra Opus
23. Actualmente reside en Viena convidado
pola Wiener Staatsoper como director
residente (Hospitant).
Nacido en Madrid en 1983, inició su formación
musical con el piano, el violín y la flauta barroca,
aunque finalmente se decantó por la percusión,
título que obtuvo en el Real Conservatorio
Superior de Música de Madrid. Atraído por el
sonido orquestal a través de sus numerosas
intervenciones con orquestas como la Joven
Orquesta de la Comunidad de Madrid, Joven
Orquesta Nacional de España, o la Orquesta
de la Comunidad de Madrid, entre otras,
comenzó sus estudios de dirección orquestal
y se ha formado con Miguel Romea, Peter
Rundell, Jorma Panula, Sandro Gorli, Peter
Gülke, Peter Eötvös y Antoni Ros Marbà. Ha
dirigido, entre otras, el Divertimento Ensemble,
Orquesta Sinfónica de Oporto “Casa da Música”,
Orquesta Joven de Extremadura, S’Ensemble,
Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid,
Joven Orquesta Sinfónica de Galicia, Orquesta
Sinfónica de Navarra, Salzburg Chamber
Soloists en la Mozarteum Sommerakademie
y la Lucerne Festival Academy Orchestra en el
Festival de Lucerna 2012 junto a Peter Eötvös.
Dirigió a la JONDE en el Encuentro Internacional
de Dirección de Orquesta realizado por el
maestro Lutz Köhler. Ha actuado en auditorios
como el Auditorio Nacional de Música de
Madrid, Palacio de Bellas Artes de México D.
F., Teatro Dal Verme de Milán o el KKL Luzern
en Suiza. Entre sus más recientes y próximos
compromisos se encuentra dirigir la Orquesta
Ciudad de Granada, Oviedo Filarmonía, y las
orquestas sinfónicas de Tenerife, Bilbao,
Sevilla, RTVE, Euskadi, Castilla y León, Galicia,
Madrid, Barcelona y Nacional de Cataluña,
Comunidad de Madrid, y las orquestas
nacionales de Colombia, México, y España. Es
director artístico y titular de la Joven Orquesta
de Extremadura y de la orquesta Opus 23.
Actualmente reside en Viena invitado por la
Wiener Staatsoper como director residente
(Hospitant).
76
CAROLINA RODRÍGUEZ óboe
CAROLINA RODRÍGUEZ oboe
Nacida na Coruña en 1993, inicia os seus estudos musicais con 7 anos no Conservatorio
Profesional de Música da Coruña, e actualmente cursa 4º de grao superior no Conservatorio
Superior de Música da Coruña co profesor Ismael Vaquero. Paralelamente, continúa a súa
formación con profesores como Stefan Schilli,
Klaus Becker, Christian Schmitt, David Villa,
Paul Dombrecht, Eduardo Martínez, Casey Hill,
entre outros. Forma parte da Orquestra Nova
da Sinfónica de Galicia, onde recibe clases de
David Villa, e formou parte da Escola de Altos
Estudos Musicais de Galicia na especialidade
de música de cámara co profesor Juan Carlos
Otero. É membro da Orquestra Gaos e da Joven
Orquesta de Cantabria e, dende 2013, forma
parte da JONDE (Joven Orquesta Nacional de
España) coa que realizou concertos en España,
Alemaña e Romanía.
Nacida en A Coruña en 1993, inicia sus estudios
musicales con 7 años en el Conservatorio Profesional de Música de A Coruña, y actualmente
cursa 4º de grado superior en el Conservatorio
Superior de Música de A Coruña con el profesor Ismael Vaquero. Paralelamente, continúa su
formación con profesores como Stefan Schilli,
Klaus Becker, Christian Schmitt, David Villa, Paul
Dombrecht, Eduardo Martínez, Casey Hill, entre
otros. Forma parte de la Joven Orquesta de la
Sinfónica de Galicia, donde recibe clases de David
Villa, y ha formado parte de la Escuela de Altos
Estudios Musicales de Galicia en la especialidad
de música de cámara con el profesor Juan Carlos
Otero. Es miembro de la Orquesta Gaos y de la
Joven Orquesta de Cantabria y, desde 2013, forma parte de la JONDE (Joven Orquesta Nacional
de España) con la cual ha realizado conciertos
en España, Alemania y Rumanía.
77
Hymnorum et Canticorum…
Capela da Orde Terceira
domingo 5 abril
21.00
cánticos e himnos en torno a
San Francisco de Asís
Hymnorum et Canticorum…
cánticos e himnos en torno a
San Francisco de Asís
ARS ATLÁNTICA
Hymnus: Iam Christus Astra Ascenderat
anónimo do rito ambrosiano. Milán
Aleluia para o día de san Francisco de Asís
anónimo do rito gregoriano
Improvisación sobre un kyrie do oitavo modo
anónimo gregoriano (século X)
O Ignee Spritus (Himno do Espírito Santo)
Hildegard von Bingen (1098-1179)
Hymnus: Conditor Alme
anónimo gregoriano (século X)
Jesu Crist, Filh de Dieu Viu
Giraud Riquier (c.1254-1292)
Terceira Estampida Real
anónimo francés (século XIII)
Cantico delle creature
San Francisco de Asís (1181/82-1226)
improvisación sobre melodía do Laudario di Cortona (século XIII)
Sia Laudato San Francesco
Laudario di Cortona
ARS ATLÁNTICA
ÍÑIGO CASALÍ tenor
SASKIA ROURES organetto
MANUEL VILAS arpa medieval / dirección
78
Cánticos e himnos en torno
a san Francisco de Asís
Cánticos e himnos en torno
a san Francisco de Asís
O programa Hymnorum et Canticorum pretende homenaxear musicalmente a unha das figuras máis emblemáticas e importantes do
mundo cristián, San Francisco de Asís. Sabemos que sentía gran paixón pola música dende
unha idade moi temperá, como por exemplo
a atracción que tiña polas melodías dos trobadores occitanos. Himnos ambrosianos e
gregorianos, aleluias, cancións espirituais
occitanas, danzas francesas e improvisacións
sobre temas do repertorio cristián medieval
conforman esta mostra que nos retrotrae a
sonoridades perdidas hai 900 anos, recreadas
polo canto solista e os tanxidos do organetto e
a arpa medieval, achegándonos por un instante a un mundo sonoro esvaecido nos ecos do
pasado e cun profundo sabor a espiritualidade.
A última sección deste concerto inclúe a peza
máis célebre do protagonista, o famoso Cantico
delle creature que, a causa de que a súa música
está perdida, será recitado sobre unha melodía
do século XIII italiano. Este texto está incluído
no Códice 338 (ca. 1250) da biblioteca comunal
de Asís; o copista deixou espazo para a música, pero esta nunca chegou a ser anotada
(algo desgraciadamente habitual en certos
manuscritos medievais). Sirva como remate
á nosa homenaxe á fascinante figura de San
Francisco poder escoitar as súas palabras e
reflexións. [Manuel Vilas]
El programa Hymnorum et Canticorum pretende
homenajear musicalmente a una de las figuras
más emblemáticas e importantes del mundo
cristiano, San Francisco de Asís. Sabemos que
sentía gran pasión por la música desde muy
temprana edad, como por ejemplo la atracción
que tenía por las melodías de los trovadores
occitanos. Himnos ambrosianos y gregorianos,
aleluias, canciones espirituales occitanas, danzas francesas e improvisaciones sobre temas
del repertorio cristiano medieval conforman
esta muestra que nos retrotrae a sonoridades
perdidas hace 900 años, recreadas por el canto
solista y los tañidos del organetto y arpa medieval, acercándonos por un instante a un mundo
sonoro desvanecido en los ecos del pasado y
con un profundo sabor a espiritualidad. La última sección de este concierto incluye la pieza
más célebre de nuestro protagonista, el famoso
Cantico delle creature que, a causa de que su
música está perdida, será recitado sobre una
melodía del siglo XIII italiano. Este texto está incluido en el Códice 338 (ca. 1250) de la biblioteca
comunal de Asís; el copista dejó espacio para
la música, pero ésta nunca llegó a ser anotada
(algo desgraciadamente habitual en ciertos
manuscritos medievales). Sirva como remate
a nuestro homenaje a la fascinante figura de
San Francisco el poder escuchar sus palabras
y reflexiones. [Manuel Vilas]
IÑIGO CASALÍ tenor
IÑIGO CASALÍ tenor
Naceu en Pamplona en 1972. Estudou a carreira de frauta de pico e de musicoloxía. A
súa actividade profesional desenvólvea en
tres campos: a docencia, a interpretación
(como frautista e cantante) e a composición.
Actuou como solista en obras como: O Mesías
de Haendel, a Ópera do Mendigo de Pepusch,
a ópera de Donizetti Roberto Devereux, Vespro
della Beata Virgine de Monteverdi ou as Odas a
Santa Cecilia de Purcell. Colabora como solista
con grupos como Los Músicos de Su Alteza,
Orfeón Tolosarra, Conductus, Harmonía del
Nace en Pamplona en 1972. Estudió la carrera
de flauta de pico y de musicología. Su actividad
profesional la desarrolla en tres campos: la
docencia, la interpretación (como flautista y
cantante) y la composición. Ha actuado como
solista en obras como El Mesías de Haendel,
la Ópera del Mendigo de Pepusch, la ópera de
Donizetti Roberto Devereux, Vespro della Beata
Virgine de Monteverdi o las Odas a Santa Cecilia de Purcell. Ha colaborado como solista
con grupos como Los Músicos de Su Alteza,
Orfeón Tolosarra, Conductus, Harmonía del
79
Parnás, Música Ficta, Victoria Músicae e La
Galanía, e ten actuado en moi diversos lugares da xeografía nacional e internacional.
Actualmente forma parte da Coral de Cámara
de Navarra onde ademais de cantar, exerce
o cargo de subdirector. En 2012 fixose cargo
da dirección da AGAO (Asociación Gayarre
de amigos da ópera). Dende 1999 traballa no
Conservatorio de Música Pablo Sarasate de
Pamplona como profesor de frauta de pico, de
música de cámara e taller de música antiga.
Parnás, Música Ficta, Victoria Músicae y La
Galanía, y ha actuado en muy diversos lugares
de la geografía nacional e internacional. Actualmente forma parte de la Coral de Cámara
de Navarra donde además de cantar, ejerce el
cargo de subdirector. En 2012 se hizo cargo
de la dirección de la AGAO (Asociación Gayarre
de amigos de la ópera). Desde 1999 trabaja en
el Conservatorio de música Pablo Sarasate de
Pamplona como profesor de flauta de pico, de
música de cámara y taller de música antigua.
SASKIA ROURES organetto
SASKIA ROURES organetto
Nacida en Zaragoza en 1975, estudou con
José Luis González Uriol no Conservatorio
Superior de Música da súa cidade natal, onde
obtivo os títulos superiores de clave (1996)
e de órgano (1998), sendo galardoada ao
finalizar estas carreiras con cadanseu premio
extraordinarios. Entre 1998 e 2001 estudou
órgano e concertación na Universität für
Musik und darstellende Kunst de Viena con
Michael Radulescu e complementou a súa
formación co estudo de baixo continuo con
Augusta Campagne. Asistiu regularmente
a cursos de perfeccionamento en España,
Suíza, Italia e Austria, traballando con Daniel
Roth, Jan Willen Jansen, Andrea Marcon,
Jürgen Essl, Wofgang Glüxam e Jacques Ogg
e realizou un posgrao sobre a obra de Correa
de Araúxo impartido por Montserrat Torrent
no CSIC de Barcelona. A súa actividade como
concertista, organista e clavecinista, levouna
a actuar en festivais e ciclos internacionais
en España, Portugal, Italia, Eslovaquia, Suíza,
Holanda e Austria. Colabora habitualmente
coa Orquestra Barroca da Universidade
de Salamanca e co grupo El Trovar de los
Afectos. Entre 2002 e 2008 impartiu clases
de baixo continuo e música de cámara
no Conservatorio Superior de Música de
Salamanca e, dende 2008, é profesora de
órgano no Conservatorio Superior de Música
de Aragón.
Nacida en Zaragoza en 1975, estudió con
José Luis González Uriol en el Conservatorio
Superior de Música de su ciudad natal, donde
obtuvo los títulos superiores de clave (1996)
y de órgano (1998), siendo galardonada al
finalizar estas carreras con sendos Premios
Extraordinarios. Entre 1998 y 2001 estudió
órgano y concertación en la Universität
für Musik und darstellende Kunst de Viena
con Michael Radulescu y complementó su
formación con el estudio de bajo continuo con
Augusta Campagne. Ha asistido regularmente
a cursos de perfeccionamiento en España,
Suiza, Italia y Austria, trabajando con Daniel
Roth, Jan Willen Jansen, Andrea Marcon,
Jürgen Essl, Wofgang Glüxam y Jacques Ogg
y ha realizado un postgrado sobre la obra de
Correa de Arauxo impartido por Montserrat
Torrent en el CSIC de Barcelona. Su actividad
como concertista, organista y clavecinista,
la ha llevado a actuar en festivales y ciclos
internacionales en España, Portugal, Italia,
Eslovaquia, Suiza, Holanda y Austria. Colabora
habitualmente con la Orquesta Barroca de la
Universidad de Salamanca y con el grupo
El Trovar de los Afectos. Entre 2002 y 2008
impartió clases de bajo continuo y música
de cámara en el Conservatorio Superior
de Música de Salamanca y, desde 2008, es
profesora de órgano en el Conservatorio
Superior de Música de Aragón.
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MANUEL VILAS arpa medieval / dirección
MANUEL VILAS arpa medieval / dirección
Naceu en Santiago de Compostela, onde
iniciou os seus estudos musicais. Estudou
arpas antigas dos séculos XII a XVIII en
Madrid con Nuria Llopis e en Milán con Mara
Galassi. Colabora con numerosos grupos e
como solista nos máis importantes festivais
de España, Alemaña, Cuba, Estados Unidos,
Ecuador, República Checa, Austria, Portugal,
Suíza, Paraguai, Francia, Italia, Bolivia, Bélxica,
Arxentina, Chile, Holanda etc. Ademais,
impartiu conferencias, cursos e clases
maxistrais en San Sebastián, Santiago de
Chile, Zaragoza, Amherst (Massachussets),
Santiago de Compostela, La Habana etc.
Colaborou, tanto como acompañante como
solista, en máis de sesenta gravacións de
diversas discográficas. En 2008 fundou o
conxunto Ars Atlántica cun primeiro proxecto
de recuperación en tempos modernos das
cantatas procedentes do pazo Contarini,
interpretadas xunto á mezzosoprano Marta
Infante, e co que gravou a integral en sete
discos do Manuscrito Guerra (manuscrito de
tons humanos conservado na Universidade
de Santiago) para o selo Naxos. É pioneiro na
interpretación, por un lado, da arpa dobre da
Coroa de Aragón (s. XIV) e, por outro, da arpa
chiquitana (Bolivia, s. XVIII). Unha das súas
especialidades é ofrecer recitais con cantantes
e acompañou a artistas de recoñecido
prestixio como Marta Infante, Guillemette
Laurens, Raquel Andueza, Isabel Monar,
Juan Sancho, Roberta Invernizzi, Mercedes
Hernández, Marivi Blasco, Jose Antonio López,
Isabel Álvarez, Francisco Fernández Rueda,
Felix Rienth, Yetzabel Arias, Monica Piccinini
etc. Recentemente foi invitado a representar
a España no VI Festival Mundial de Arpa
na cidade de Asunción (Paraguai), sendo o
primeiro arpista en ofrecer un recital de arpa
de dúas ordes neste país. Posúe a súa propia
canle de youtube, onde se pode ver e escoitar
parte do seu proxecto audiovisual no que
mostra diversas arpas antigas en diferentes
localizacións de Santiago de Compostela
(ArpaManuelVilas).
Nació en Santiago de Compostela, donde
inició sus estudios musicales. Estudió arpas
antiguas de los siglos XII a XVIII en Madrid con
Nuria Llopis y en Milán con Mara Galassi. Ha
colaborado con numerosos grupos y como
solista en los más importantes festivales
de España, Alemania, Cuba, Estados Unidos,
Ecuador, República Checa, Austria, Portugal,
Suiza, Paraguay, Francia, Italia, Bolivia, Bélgica,
Argentina, Chile, Holanda, etc. Además, ha
impartido conferencias, cursos y clases
magistrales en San Sebastián, Santiago de
Chile, Zaragoza, Amherst (Massachussets),
Santiago de Compostela, La Habana, etc. Ha
colaborado, tanto como acompañante como
solista, en más de sesenta grabaciones de
diversas discográficas. En 2008 fundó el
conjunto Ars Atlántica con un primer proyecto
de la recuperación en tiempos modernos de
las cantatas procedentes del palacio Contarini,
interpretadas junto a la mezzosoprano
Marta Infante, y con el que ha grabado la
integral en siete discos del Manuscrito Guerra
(manuscrito de tonos humanos conservado
en la Universidad de Santiago) para el sello
Naxos. Es pionero en la interpretación, por un
lado, del arpa doble de la Corona de Aragón
(s. XIV) y, por otro, del arpa chiquitana (Bolivia,
s. XVIII). Una de sus especialidades es ofrecer
recitales con cantantes y ha acompañado a
artistas de reconocido prestigio como Marta
Infante, Guillemette Laurens, Raquel Andueza,
Isabel Monar, Juan Sancho, Roberta Invernizzi,
Mercedes Hernández, Marivi Blasco, Jose
Antonio López, Isabel Álvarez, Francisco
Fernández Rueda, Felix Rienth, Yetzabel Arias,
Monica Piccinini, etc. Recientemente fue invitado
a representar a España en el VI Festival Mundial
de Arpa en la ciudad de Asunción (Paraguay),
siendo el primer arpista en ofrecer un recital
de arpa de dos órdenes en este país. Posee su
propio canal de youtube donde se puede ver y
escuchar parte de su proyecto audiovisual que
muestra diversas arpas antiguas en diferentes
localizaciones de Santiago de Compostela
(ArpaManuelVilas).
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1 Igrexa da Universidade
6 Cidade da Cultura
2 Capela da Orde Terceira
7 Igrexa de San Domingos de Bonaval
3 Convento de Santa Clara
8 Convento do Carme de Arriba
4 Igrexa de San Fiz de Solovio
9 Igrexa de San Paio de Antealtares
5 Auditorio de Galicia
10 Igrexa de San Miguel
Gratuíto previa retirada de entrada
a partir do xoves 12 de marzo no despacho de billetes do Teatro Principal:
18.00-21.00 h, de martes a sábado
17.00-21.00 h, todos os días durante a duración do festival
- as entradas teñen validez ata 10 minutos antes da hora de inicio de cada concerto.
- a organización disporá das localidades non ocupadas 10 minutos antes do inicio de cada concerto.
Concertos Auditorio de Galicia:
- Real Filharmonía de Galicia - Inauguración (27 marzo): 12 euros
(entradas.abanca.com / 902 434 433 / Teatro Principal)
- Orquestra Nova da Sinfónica de Galicia (5 abril): 3 euros (abonados Auditorio de Galicia:
gratis previa retirada de entrada no Teatro Principal)
ARZOBISPADO DE
SANTIAGO DE COMPOSTELA