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ISSUE MAR-ABR 2012 ENTREVISTA Alfred Berengena EN PORTADA Stanton Moore Anatolian Cymbals Ludwig Black Beauty Wincent Drumsticks PHOTO: ALLISON MURPHY www.bateriapercusion.com REVIEWS B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N sumario 04 8 En Portada Stanton Moore Anatolian Cymbals Review editorial #5 Entrevista. 11 13 16 19 25 Here Comes the Drummer Ludwig Black Beauty Metrónomo Alfred Boss DB-90 Berengena Dr. Beat Entrevista Entrevista Rewiew Review 35 Wincent Buen Drumsticks Tempo Rewiew Artículo | ISSUE MAR-ABR 2012 45 Dime qué escuchas, ves, estudias y te diré quién eres. Y aquí estamos de nuevo. Parece que con vuestra ayuda el proyecto También hablaremos con el alma de Here Comes The Drummer, va consolidándose, ya que el interés del público y de compañías buscador online de bateristas. relacionadas con la industria es creciente con el paso de los números. Esto es debido principalmente a dos factores: A vosotros, que nos leéis desde hace ya 5 números, y a nuestros colaboradores. Profesionales que ponen su máximo esfuerzo y compromiso en cada artículo que hacen, redactando con calidad y variedad. A ellos y a todos vosotros, gracias. Una vez dicho esto, introduzcamos el nuevo número. En esta ocasión tuvimos conexión directa con New Orleans para hablar con Stanton Moore, protagonista del premiado DVD instruccional Groove Alchemy, y que reparte groove con su propio trio y con la banda Galactic. Stanton estará acompañado por Alfred Berengena, probablemente el batería de metal más internacional salido de España en la actualidad. A todo ello se le suma las secciones habituales de didáctica, con nuevos fichajes, y nuestras aclamadas reviews de producto, donde en esta ocasión analizaremos un metrónomo Boss DB 90, Platos Anatolian, Caja Ludwig Black Beauty y baquetas Wincent. Recomendaciones por parte de Danko, el mejor software y la colaboración estelar del Niño Bruno, que nos cede unas líneas de su preciado tiempo. No olvides visitar las webs de nuestros anunciantes, siempre tienen novedades interesantes que no podemos dejar pasar. Agus González-Lancharro Director de Batería & Percusión EN PORTADA B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N Stanton Moore Entrevista: Agus González-Lancharro Asensio Ros “Wally” En el mundo de la batería actual es complicado destacar sin llegar a ser músico de sesión, pero en el caso de Stanton era inevitable. Su groove y su galardonado DVD instruccional, Groove Alchemy, le pusieron en primera línea y salvo alguna colaboración puntual con otros artistas, desarrolla su carrera con su propio trio y la banda Galactic. | ISSUE MAR-ABR 2012 puro groove B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N EN PO R TAD A ¿Tienes antecedentes musicales en tu família? Mi padre tocó la trompeta en el instituto pero realmente mi pasión no procede de ahí ya que no tocó nada durante mi infancia. La verdadera razón es que mi madre me solía llevar a los desfiles de Mardi Gras en New Orleans desde que tenía 8 meses, me vestía con disfraces para la ocasión y demás. A los 5 o 6 años me impactó mucho la percusión de las marchas cuando bajaban las calles, así que cuando llegaba a casa cogía cacerolas y sartenes o cualquier cosa de casa. Llegó un momento en que a mi padre no le gustaba mucho ir a sitios con mucha gente, así que mi madre nos llevaba a mi hermano y a mi. Al llegar a casa mi padre tenía puesta la música de Mardi Gras en el stereo, cosas como Professor Longhair, The Meters, Dr. John y todos esos. Todos esos detalles me influenciaron mucho desde muy pequeño y me fascinaba la percusión en particular. ¿Qué otro instrumento te llamaba la atención? Antes de comprarme mi primer tambor mis padres me apuntaron a lecciones de piano durante unos años. Entonces me dijeron que si continuaba con las lecciones de piano y de tambor me comprarían un kit de batería y eso es lo que pasó. Después de aquello, cualquier otra cosa pasó a un segundo plano (risas). ¿Crees que el hecho de haber nacido en New Orleans ha repercutido en tu estilo? Por completo. La movida de New Orleans, el jazz, el funk, eran mi base. Todo lo demás se puede desarrollar desde ahí. “...mis padres me dijeron que me comprarían un kit de batería... cualquier otra cosa pasó a un segundo plano.” En los 90 creaste Galactic ¿Cómo ocurrió? Conocí al bajista, Robert Mercurio, en una jam en casa de un amigo en 1992. Le vi más tarde en un concierto de The Meters, creo. Allí estaba con un amigo suyo, Jeff Raines. Me dijeron que tenían una banda funk y que si conocía a algún batería interesado porque yo estaba muy ocupado como para preguntármelo. Les dije que yo quería tocar funk y que me apuntaba. Preparamos unos ensayos y los 3 tocamos un concierto a finales de ese mismo año. A partir de ahí hicimos muchos concierto al año siguiente, entró Richard Vogel, una sección de vientos. Se paró un poco y continuamos en 1994, ahí se convirtió en Galactic y las cosas se tornaron de la manera que buscábamos. Antes solo éramos una banda hiperactiva de la universidad y no queríamos eso, queríamos más. Decidimos que el núcleo de la banda éramos Rich, Jeff, Robert y yo. Conseguimos un contrato en el 96 y para los conciertos fichamos a Benn Ellman, tocando metales, y ese sería el núcleo para el primer tour. Teníamos invitados especiales pero la banda éramos nosotros. | ISSUE MAR-ABR 2012 Después formaste tu proyecto en solitario, con saxo, guitarra de 8 cuerdas... Un grupo de gente un tanto extraño. Era genial. El productor de nuestro primer disco me dijo que debería hacer un disco en solitario y que él se encargaría de ello. Junté a gente con la que quería tocar como Skerik y Charlie Hunter pero también quería incluir a tipos de New Orleans con la que grabamos algunos temas y mezclamos todo entre ellos. Ahora llevo 5 discos en solitario. En los últimos 3 solo somos un trío. Ofrece otra cara de mi personalidad musical que quiero expresar y me mantiene ocupado. ¿Qué te ofrece cada banda? Galactic es una banda más poderosa, groove, funk... Algo asi como conducir un Mack (trailer americano). El trío es más bien como conducir un deportivo, puedo expresarme más, ser más interactivo, improvisando... se puede cambiar más las cosas. Galactic es más show, todo más operacional y el trío es más ágil. Los dos proyectos son muy divertidos. ¿Qué diferencias hay entre estas dos maneras de darle al funk? Con Galactic tenemos mucha sección de metal, cantantes... Cuando estás tras un cantante debes establecer un groove, no se improvisa demasiado, formas parte de los fundamentos en los que todo se apoya, sin llegar a interactuar demasiado. Con lo otro se puede interactuar más. 05 B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N EN PO R TAD A Una vez dicho esto ¿Cuál de tus álbums te identifica más? El último de Galactic me gusta mucho, tiene muchos elementos percusivos. Con el trío creo que los 3 últimos trabajos son muy buenos. Con Garage A Trois también me gusta todo. Es como con los hijos, es muy difícil elegir a uno sobre otro. En una situación en el estudio ¿Prefieres tocar todo por pistas o mejor la banda a la vez? Depende de lo que quieras conseguir. Con Galactic es más bien grabar un remix que un álbum, así que lo hacemos por pistas, doblando, añadiendo... Construyendo una pieza arquitectónica sonora, una escultura de audio. Yo lo que hago es poner ideas, ellos tocan encima y las reconstruyen, luego vuelvo yo y lo moldeo. En el trío todos tocamos juntos y eso es muy divertido también. En esas grabaciones no tratamos de conseguir esa “escultura”, mientras que Galactic es un collage, un proceso muy diferente. Toco durante un par de días esas ideas yo solo anque lo hago con el mismo entusiasmo que tocar con el trio, pruebo cosas, diferentes kits... Está muy bien poder probar todo, me ayuda a crecer como artista y ser creativo. Utilizas constantemente el metrónomo ¿De qué manera afecta a la interpretación? Tienes que acostumbrarte a ello y eso solo ocurre cuando tratas con él sin miedo y vas mejorando poco a poco. Una vez estás acostumbrado puedes hacerlo sonar natural y orgánico. Yo practico con él, grabo con él y, en ocasiones, lo utilizo en directo y puedo seguir tocando emotivamente con él, es solo una guía. No necesitas estar tocando con él todo el rato, puedes ir jugando. Siempre y cuando la sensación sea buena y los músicos no noten que se está moviendo puedes ser orgánico, moviéndolo un poco. Es un guía y un amigo. Por lo tanto ¿Puede existir el groove tocando con metrónomo? Por supuesto ¿El groove se aprende o es algo natural que está en uno? Un poco de las dos. Incluso si naces con ello debes aprender a desarrollarlo. Si no tienes un sentido natural por él en absoluto es muy difícil que salga. ¿Quién quiere bailar con un metrónomo? No es solo tempo, también es el fraseo, según como hagas el swing de las semicorcheas... Eso ayuda a tener groove incluso tocando con metrónomo. ¿Hay algún ejercicio para trabajar el Groove? En el DVD de Groove Alchemy hablo de ello. Puedes trabajar haciendo que un swing pase a un flam y luego volver, tocándolo con metrónomo. La primera vez parece que te están moviendo la alfombra bajo tus pies, pero así te puedes ajustar a lo que significa la música. Todos los grandes baterías tienen una manera natural de hacerlo porque crecieron con la música que tiene swing, Jabo Starks, Bernard Purdie... los | ISSUE MAR-ABR 2012 que consideramos grandes baterías con groove nacieron en los 40 y escucharon música en los 50 que tenían esos elementos, be-bop, big band, el primer rock and roll... Lo escucharon mientras aprendían. Ahora, a veces los baterías tratan de compensarlo con demasiado groove, hay que buscar el equilibrio. Con la cuantización en la actualidad hay que aprender a trabajar el groove. ¿Cuál es tu estilo con las baquetas? ¿Tradicional? ¿De marcha? Aprendí a hacer los dos. Para jazz y cosas así toco tradicional. Cuando necesito alcanzar más partes de la batería, o tocar con más energía, utilizo el otro. Suelo ir de uno en otro realmente, es bueno contar con esas opciones. 06 B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N | ISSUE MAR-ABR 2012 EN PO R TAD A Y tus pies ¿Levantas los talones? Intento mantenerlos abajo siempre, sobretodo la punta. ¿Haces algún otro tipo de ejercicio que ayude a tu técnica con la batería? Intento hacer lo que puedo, solo depende del tiempo que tenga disponible ¿Buscas algún tipo de sonido en concreto con tus kits? Con Galactic busco punch, algo que corte pero con potencia. Tocando jazz afino más alto y busco un sonido más bonito, los platos son más oscuros. Trabajs con Gretsch, Vic Firth, Bosphorus... ¿Que te ofrecen? Todos mis héroes usaban Gretsch y son las que mejor suenan para mí. El sonido es genial en los discos y son muy versátiles. Uso el mismo kit para todo en cualquier tipo de música. Vic Firth hacen las mejores baquetas y punto. Bosphorus construyen una línea con mi nombre. Todo lo que uso es lo que me gustaría tocar si me tuviera que gastar el dinero. ¿Hay alguna razón por la que usáis vinilo en los álbumes? Vendemos muchísimos. La gente los pide y algunos lo prefieren. Ahora el vinilo incluye el CD también. Hay mucha demanda. Foto: Allison Murphy. 07 B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N | REVIEWS ANATOLIAN CYMBALS Roberto Cappa Carácter y expresión turca Anatolian es un fabricante de platos de origen turco. Además de su gran versatilidad y carácter, Anatolian se caracteriza por crear platos de gama alta que establecen nuevos estándares por su sonido y expresividad. Podríamos afirmar que es una marca que ofrece una calidez, proyección, claridad y durabilidad difícil de igualar. Hay que tener en cuenta que son platos completamente fabricados a mano a partir de la aleación de Anatolian B20plus que consiste en cobre (80%) y estaño (20%), así como un aditivo especial secreto conocido sólo por Anatolian. ISSUE MAR-ABR 2012 B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N REVIEWS Mencionar que Anatolian tiene su propia fundición y planta de producción, donde tras un complejo proceso de fabricación, los platos pasan un control de calidad antes de darles salida al mercado. Todo este proceso se realiza de una forma artesanal, contando con los mejores profesionales y maestros dentro del campo que nos ocupa.Actualmente Anatolian cuanta con varias series de platos para un amplio abanico de estilos: Ultimate, Diamond, Baris, Traditional, Kappadokia, Emotion, Impression y Ambient. Esta vez analizaremos las series Ultimate para crashes, chinas y hi hat y la serie Diamond para ride, que es el set que normalmente he venido utilizando tanto para estudio como para directos. ISSUE MAR-ABR 2012 DIAMOND RIDE 20” ULTIMATE POWER CRASH BRILLANT 18” La principal característica que encontré cuando utilicé este plato es que posee un sonido muy dulce y agradecido. La respuesta es inmediata y tiene un “pic” que hará las delicias de aquellos que busquen un gran sonido de ride, sobre todo en estilos donde se requiera volumen y potencia. La campana es algo mayor de lo habitual para este tipo de platos. Gracias a ella podemos sacar el mayor partido a este sonido tocando sin gran esfuerzo sobre ella. Este ride posee las características ideales para tocar cualquier estilo en el que tengamos que atravesar un gran muro de sonido, ya que lo haremos sin “dejarnos la vida” en ello y notaremos su presencia en todo momento. Ideal para rock y metal, sin ninguna duda. Este crash de 18” es uno de mis platos favoritos. Cumple con creces su función principal como power crash. Además, es muy eficaz a la hora de aportar más protagonismo como acompañamiento en secciones rítmicas con mucho poder y potencia. Es un plato con el que me encanta tocar metal, ya que nunca defrauda. Abre muy bien y no tiene una caída de sonido eterna. Ideal para estudio y directo, ya que gracias a su gran presencia y tonalidad, podemos utilizarlos perfectamente en salas grandes con un equipo interesante o en salas más pequeñas. Nunca defrauda. Una elección muy inteligente. ULTIMATE HI-HAT BRILLANT 14” Diamont Serie | Lo que ocurre con estos platos de charles no es normal. Un sonido muy cálido, con una proyección enorme. Muy sutil cuando lo tocamos con la punta de la baqueta, dejando entrever ese sabor característico de los platos fabricados en Turquía, con proyección y limpieza. Tocando cerrado tiene un “chic” muy suave, aun golpeándolo con fuerza, pero sin perder absolutamente nada de presencia. A medida que vamos abriendo no se vuelve para nada desagradable. Para los estilos que practico, muchas veces lo llevo medio abierto, dejando los dos platos apenas rozándose, y los matices que se pueden sacar son impresionantes. Unos platos muy dinámicos que pueden servir tanto para estilos de música con una exigencia de volumen alto como para algo más tranquilo, sin perder un ápice de personalidad. ULTIMATE POWER CRASH BRILLANT 16” Pues si el de 18” es increíble, este crash de 16” no lo es menos. Podríamos decir que tiene más o menos las mismas características que su hermano mayor, con las diferencias típicas por la diferencia de pulgadas, lógicamente. Tocando con un buen muro de sonido, cuando es golpeado siempre encuentra su lugar sin tener que “reventarlo” y sin perder demasiada energía para conseguirlo. Es muy agradecido en secciones más lentas y suaves, con una respuesta rápida y un decay medio. La característica a destacar de la serie Ultimate es la explosión de sonido tan rica en matices cuando se les golpea para lo que son. Bajo mi punto de vista, excelentes en estilos de metal o rock, junto con la serie Diamond. 9 16 B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N REVIEWS ULTIMATE CHINA BRILLANT 16” CONCLUSIONES Me encanta. Así de sencillo. Una de mis debilidades, sin duda alguna. Al ser de 16”, no se eterniza la cola de sonido, sino que corta en el momento justo. Posee un brillo especial y un timbre precioso. A veces lo uso como acompañamiento y pasa un poco como con el crash de 18”. Hay un equilibrio perfecto entre los diferentes acompañamientos que utilizo y cuando aparece éste china es como si dijese: “Aquí estoy yo”. Empasta perfectamente con las series Diamond, Impression y Ultimate en cuanto a rango tonal, para nada incompatible. En resumidas cuentas, un plato con mucha musicalidad, respuesta rápida pero contenida y una explosión de sonido difícil de igualar. Anatolian nos ofrece toda una gama de platos para los diferentes estilos de música que actualmente nos podemos encontrar. Sería un grave error pensar que estas series, analizadas anteriormente, son únicamente para tocar música metal y rock, pero desde luego van endiabladamente bien para estos estilos. Tanto en estudio, donde no hay ningún tipo de problemas con ISSUE MAR-ABR 2012 las “famosas” colas de platos, en directo o simplemente practicando en vuestro local, podréis comprobar la potencia, personalidad, expresión y carácter de los mismos. Si lo que buscáis son platos con un increíble equilibrio en todos sus matices, potentes, con un sonido cálido y con un amplio rango tonal, no lo dudéis, Anatolian es una gran elección. 13 16 10 ULTIMATE CHINA BRILLANT 14” En antiguas configuraciones venía utilizando platos de efecto tipo splash. Pero cuando escuché por primera vez éste china me quedé fascinado. Es justamente el sonido que buscaba para el estilo que practico. El caso es que se le puede dar varios cometidos, tanto como plato de acompañamiento, como de efecto sustituyendo a algún splash…Es muy versátil. Desde entonces, y repito, para el estilo que practico habitualmente, he sustituido esos platos de efecto por este china de 14”, dándole al sonido general más potencia y fuerza aun si cabe. Al ser de estas dimensiones, te da más presencia que un splash, y si lo que buscas es algo más de volumen en un contexto de metal, este podría ser un plato a tener en cuenta. | Ultimate 16 Crash Ultimate 18 Crash Ultimate 14 HH B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N EN TREVISTA “Here Comes The Drummer”, www.herecomesthedrummer.com, es un buscador online de bateristas que interrelaciona la biografía del músico, grupos por donde ha pasado a lo largo de su trayectoria y la ficha técnica de su batería desglosada por partes. La web lleva en activo desde el año 2008 y en el buscador hay casi 200 bateristas publicados. El nombre viene del “Here comes the summer” de los Undertones y es un claro homenaje a la web 1.0, esa que dejaba leer y no escribir. Que tenga constancia, es la primera web en España que ha publicado información interrelacionada sobre la trayectoria de bateristas junto al desglose de su set de batería” Nos cuenta Sisuca responsable de la web. Asensio Ros “Wally” La casa de los baterías | ISSUE NOV-DIC 2011 B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N EN TREVISTA ¿Cómo se te ocurrió montarla? La idea surgió del “Tate Artist Timeline” de la ilustradora italiana Sara Fanelli (www.sarafanelli.com) que hay en la Tate Modern de Londres. Esta obra es un esquema cronológico de los movimientos artísticos del siglo XX, creado para poder entender de forma sencilla: dentro de qué movimiento surgieron los artistas, su evolución por los diferentes movimientos y la longitud de su actividad creativa por etapas. ¿Por qué? La hice para poder visitar la web que siempre quise ver y nadie hacía. Me gusta mucho hacer bases de datos y gestionar la estructura de la información. Llevo media vida entera trabajando con datos informatizados y otra media vida más en empresas “puntocom”. Gracias a la web he aprendido a: comunicarme con lenguaje neutro, escuchar y valorar las críticas y sugerencias de los usuarios, no prejuzgar a ningún músico y me he vuelto totalmente insensible al “NO”. ¿Cómo la montaste? Lo primero fue tener claro qué cosas quería publicar y qué cosas tenía que evitar; ya que no quería hacer nada que se estuviera haciendo en otra página web, como: foro de opinión, tablón de anuncios, etc. Creo que lo mejor de crear un espacio en Internet es cubrir una laguna de información (y aunque parezca | ISSUE NOV-DIC 2011 increíble, hay unas cuantas); por lo que no tenía sentido repetir aquello que ya estuviera haciendo o cubriendo otra página. de máxima audiencia)… Luego junté el equipo de personas en las que delegué aquellas tareas que yo no controlo e hice todos los registros necesarios: dominio, alojamiento, marca, propiedad intelectual e industrial, LOPD, etc. Una vez tuve la estructura programada, activé una fase beta para cargar los datos y crear las fichas de los músicos; y una vez tuve toda la información en el gestor de contenidos, finalicé la fase beta y di acceso libre a la web. La respuesta de los bateristas ha sido increíble, si no hubiera sido así, no hubiera aguantado tanto tiempo en activo. Y la respuesta de público queda reflejada en el número de visitas y el posicionamiento de la web. Impresiones a lo largo del tiempo desde que se montó La primera impresión fue la que me dio energía para poder continuar con el proyecto, los músicos respondieron muy bien a la propuesta y fueron muy participativos. Y conforme fue aumentando el número de bateristas en la web, fui siendo más consciente de que en España hay mucho talento musical: bateristas girando y grabando con grupos internacionales, se publican discos que figuran entre “los mejores del año” incluso al otro lado del mundo, los bateristas cada vez giran más fuera de España… A pesar de que el entorno de los músicos es cada vez menos favorable: la entrada de menores a los conciertos está prohibida (Ley 5/2002 Art.31), cada vez cierran más salas de conciertos y tiendas de discos, apenas se emiten programas de música en televisión (y menos aún en la franja horaria Respuesta de los drummeritos y del público Nº de visitas En 2010 el aumento de visitas fue del 20, 21% y en 2011 del 9,67% sobre los resultados de 2010, pero hemos llegado a un punto en el que es muy complicado seguir subiendo, más que nada por el número de usuarios de Internet en España. Aunque, teniendo en cuenta que si pones en Google “España buenas panderetas” salen aproximadamente 4.070.000 resultados y si pones “España buenos bateristas” salen aproximadamente 571.000 resultados, no nos podemos quejar… 12 B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N | ISSUE MAR-ABR 2012 REVIEWS LUDWIG BLACK BEAUTY Asensio Ros “Wally” La Leyenda Negra La Ludwig Black Beauty es probablemente una de las cajas más usadas para grabar históricamente, ha sido utilizada por grandísimos baterías desde Jeff Porcaro a Steve Smith y sigue siendo “la caja” para muchos jóvenes bateristas, además de formar parte del equipo permanente en muchos estudios de grabación. Esta caja es un referente en lo que a cajas metálicas se refiere y Ludwig ha lanzado varias versiones de este modelo a lo largo de su historia. Se empezó a construir en 1920 con el nombre de “ Ludwig Deluxe” y posteriormente en 1970 pasaría a llamarse Black Beauty. Más de setenta años girando por los mejores escenarios, siendo grabada en los mejores estudios de todo el mundo, setenta años sonando en las más variadas y reconocidas grabaciones junto a su compañera de fatigas “ LM 400 Supraphonic” es algo que nos dan una idea de la dimensión que entraña este instrumento. B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N | ISSUE MAR-ABR 2012 REVIEWS Lógicamente con un bagaje tan largo es lógico que haya terminado desarrollándose en diferentes modelos, tanto en acabados como en variadas opciones en bellotas “de tubo o clásicas”, así como en el martillado “a mano o casco liso”, diferentes medidas para cuerpo además de los legendarios bordoneros: P85, P70 o P86. MODELOS CONSTRUCCIÓN LB400BBTWM 14x5 Black Beauty latón cromado La codiciada Ludwig “Black Beauty” es de latón diseño contrastado y efectivo. LB402BBTWM 14x6,5 Black Beauty latón cromado en negro. Su casco está construido con Los tensores de tubo, “tube lugs”, cumplen cromado una única hoja metálica y sin ninguna soldadura. sobradamente su misión fundamental que no LB416 14x5 Black Beauty latón Podemos comentar que el latón es una aleación es otra si no sujetar los tornillos de afinación, LB416BT 14x5 Black Beauty latón principalmente asentando a la perfección los parches. Los LB417KT 14x6,5 Black Beauty Hand Hammered porcentaje menos significativo de otros metales. tornillos de tensión son suaves y sensibles. latón Esta combinación de construcción y materiales Los aros de esta Black Beauty son de acero LB417T 14x6,5 Black Beauty latón aporta brillo y tono alto en afinaciones agudas de 2,3 mm. “Triple flange hoop”, sólidos y LB418KT 14x5 Black Beauty latón y el clásico sonido de estudio en afinaciones perfectos a la hora de golpear los rimshots. Por LB553B 13x3 Black Beauty latón medias y bajas. último el acabado de la caja es niquelado en Monta un bordonero P85-Supra Phonic Ludwig negro, oscuro y brillante, es impresionante su analizar en Batería de 20 hilos todos de acero cromado que le aspecto y ofrece un buen contraste para los Percusión es el LB417T 14”x 6,5” Black Beauty confiere a la caja un potente ataque y un sonido herrajes cromados. latón de fabricación estadounidense. brillante en función de la tensión de la misma, El modelo que vamos a de cobre y zinc y en un 14 B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N REVIEWS SONIDO | ISSUE MAR-ABR 2012 FICHA TÉCNICA Las cajas de metal proporcionan un sonido de Si subimos la afinación encontramos un punto carácter metálico, esto es, menos calidez que dulce en las afinaciones de rango medio. Aquí es una caja de madera a favor de un mayor ataque, donde la caja se desarrolla con ese sonido cálido brillantez y “punch”, el latón concretamente y metálico que la convierte en la leyenda Black suena con más brillo y más armónico, un sonido Marca: Ludwig Modelo: Black Beauty Casco: 14” (35,56 cm) diámetro Beauty. Su respuesta es muy flexible puesto que 6-1/2” (16,51 cm) profundidad rico, con decay más largo, yo diría que es un responde igual de bien a la hora de ejecutar Aros: Acero 2,3 mm. “Triple flange hoop” sonido más musical aunque puede llegar a ser pasajes relajados con “ghost notes” gracias a Tornillos: Afinación 10 demasiado estridente. El cambio entre afinarla la bordonera P 85 encajada perfectamente en Herrajes:Cromo poco tensa o muy tensa es grande, parece el parche resonante, como a la hora de golpear casi como si fueran dos cajas distintas, esto con pegada donde la potencia se hace más no resulta tan exagerado en las construidas que evidente, destacando los golpes rimshots con otros metales. La sonoridad es de carácter que suenan puramente rabiosos. Las medidas Bordonero:P85 Supraphonic metálico lógicamente, algo entubado, redondo de profundidad de este modelo, en concreto Color: y relativamente cálido, muy sensible a cualquier 6,5” la dotan de mucho cuerpo y realzan las Importa: Suprovox (www.suprovox.com) volumen. Esta caja se puede ajustar muy baja frecuencias graves. Casco. Latón cromado en negro Bellotas: De tubo Níquel Negro sin dejar de ofrecer un sonido redondo y bonito. CONCLUSIONES Podemos concluir en que se puede obtener exento de calidez al mismo tiempo. Su acabado es una opción a tener en cuenta porque va a una buena paleta de sonidos, por lo tanto es elegante, robusto a la vez que ligero es algo ser difícil superar la relación calidad precio que polivalente y versátil y ello le permite adaptarse que va a garantizar su durabilidad. Por otro nos propone, aunque como siempre lo mejor es con eficacia lado mantiene la afinación algo mejor que su probarla personalmente y decidir después. a diferentes estilos y contextos musicales, tanto en estudio como en directo. hermana la LM 400 Supraphonic. Proporciona tonos de carácter metálico y no Si te apetece una caja metálica, la Black Beauty 15 16 B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N REVIEWS METRÓNOMO BOSS DB-90 Dr. Beat Asensio Ros “Wally” Todos conocemos la importancia del metrónomo tanto para practicar, como para grabar, incluso en el momento de tocar en público, El uso del metrónomo permite al batería desarrollar un correcto sentido del ritmo con un buen tempo. Muy a menudo se da por sentado que el uso de una claqueta en directo nos va a hacer tocar de una manera más fría o mejor dicho sin feeling. Sin embargo, tocar con una claqueta sin perder el feel es una habilidad que puede llegar a adquirirse y que puede aprenderse si trabajamos de la manera correcta. | ISSUE MAR-ABR 2012 B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N | ISSUE MAR-ABR 2012 REVIEWS PRESTACIONES PRINCIPALES El metrónomo BOSS DB-90 es el buque Panel LCD Simulador de amplificador insignia de la línea de metrónomos Dr. Retroiluminado de gran tamaño, indicador de tempo tipo péndulo de fácil lectura, muy importante para cuando se toca en directo en locales poco iluminados. Sonido de claqueta PCM además de sonidos de percusión internos. Además de los sonidos de claqueta PCM de alta calidad, la unidad también nos ofrece sonidos de voz y de percusión para el metrónomo. Posee cuatro sonidos de clic distintos, incluyendo la voz humana, que te ayudarán a conocer tu posición en el compás. El DB-90 viene equipado de jack de entrada, lo que nos deja conectarle directamente una guitarra o un bajo eléctrico a la unidad y practicar ritmos junto con el metrónomo. Beat, es un metrónomo cargado de sonidos y patrones de batería de gran calidad, incluye la función Rhythm Coach con micro integrado, función de tono de referencia para afinar, entrada para instrumentos, entrada MIDI, y otras herramientas útiles para un aprendizaje eficaz, posee muchas funciones pero sin quitar su simplicidad. Una gran herramienta a utilizar para ayudar Función mezcla de valores de nota (Note Mixing) a mejorar el tempo. Pasemos a ver cuales Tanto los cuatro tipos de notas distintos (negra, corchea, semicorchea y tresillo) como el volumen de la acentuación son completamente ajustables, lo que te permite crear una gran variedad de ritmos instantáneos ajustando los niveles de nota diferentes. Los deslizadores y botones del panel frontal y el amplio dial giratorio proporcionan acceso instantáneo y práctico a los parámetros de edición. son las características que nos ofrece este DB-90. Reproducción de bucles (Loop Play) Viene equipado con patrones de batería PCM realistas. Puedes activar, por secuencias predeterminadas los ajustes del metrónomo almacenados y hacer que suenen el número de veces especificado. Esto te da la posibilidad de practicar utilizando varias combinaciones de patrones rítmicos Función Count In (Claqueta de Entrada) Puede ajustar el metrónomo de forma que dé una claqueta de entrada (cuenta atrás) antes del inicio del metrónomo en si mismo. Función Rhythm Coach El DB-90 ofrece la función Rhythm Coach que permite entrenarse empleando pads de percusión y el micrófono interno del DB-90. El modo Coach (entrenador) del DB90 consiste en un juego de ejercicios desarrollados para optimizar el estudio. Estos ejercicios pueden ayudarle a mejorar tu precisión velocidad…. además de desarrollar un mejor sentido de ritmo. Está organizado en cuatro modos Coach, o niveles de destreza, que se pueden practicar utilizando un pad disparador conectándolo al jack TRIG IN o utilizando el micrófono interno con instrumentos de percusión acústicos, dando palmas, etc. Función de Memoria La memoria es capaz de almacenar 50 ajustes de metrónomo distintos y diez ajustes de nota de referencia. 17 B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N | ISSUE MAR-ABR 2012 REVIEWS Conector MIDI IN Jack START/STOP CONCLUSIONES Y MANEJO Puede conectar un aparato MIDI al conector MIDI IN, sincronizarlo, hacer que se muestre el tempo para el aparato externo y utilizarlo para iniciar y detener el metrónomo. Puedes conectar un pedal FS-5U (o FS-6) al jack START/STOP y utilizarlo para iniciar y detener el funcionamiento de la unidad. Uno de los principales problemas que hemos de tener en cuenta es el hecho de que la batería suena con un volumen muy fuerte y suele tapar al metrónomo. El volumen de este Boss DB 90 suficientemente potente para escucharlo mientras tocas la batería. Puedes conectarle unos cascos cerrados o unos auriculares in-ear (de tapón) para escucharlo mejor. La pantalla tiene la opción de retroiluminado o no, muy interesante para cuando hay poca luz, el indicador de tempo en la pantalla aunque se ve bien para mi gusto debería tener un tamaño un poco más grande. Fácil manejo, los ajustes se pueden hacer usando los deslizadores del panel frontal, el mando giratorio y los diversos botones son lo suficiente grandes para manipularlos con comodidad. Se puede personalizar rápidamente el ritmo, la rueda giratoria que modifica el valor del tempo y de los ajustes es muy cómoda y fácil de usar, posee un movimiento muy suave Jack MEMORY UP/DOWN Función Reference Tone (Tone de Referencia) El DB-90 ofrece una función que genera notas cromáticas y que produce notas en un registro de cinco octavas (C2-B6). Ajustar el tempo pulsando el botón TAP Puede ajustar el tempo pulsando dos o más veces el botón [TAP] en el modo Metrónomo; el tempo se ajusta en concordancia con el intervalo a que se pulsa el botón. Puede ajustar el tempo dentro de una gama de = 30–250. También puedes conectar un pedal FS-5U (o FS-6) al jack MEMORY UP/DOWN y utilizarlo para desplazarse hacia delante y atrás por las memorias y realizar la elección deseada. El interruptor de pedal Star/Stop y cambio de memoria es muy preciso y útil, yo personalmente utilizo un pedal “Vie” (Vie Pedals link a http://www.viepedals.es/) con tres interruptores, uno para avance de memoria otro de retroceso y un tercero star/stop, el pedal de suelo es sumamente practico a la hora de utilizarlo para tocar en directo, ya que puedes activarlo o apagarlo en cualquier momento con el pie, puedes dejarlo sonar solo para dar la claqueta de entrada a la canción, así mismo puedes mantenerlo todo el tema o apagarlo en algún pasaje con una simple pisada. Se puede acoplar la unidad a un soporte para plato mediante una tuerca Boss suministrada con el DB-90, también posee un soporte trasero para colocarlo verticalmente con cierto grado de inclinación. Sencillo y eficaz. 18 B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N | ISSUE MAR-ABR 2012 EN TREVISTA Nace en una familia de músicos y a los 9 años ya estaba tocando la batería. Desde el jazz al metal extremo puede tocar cualquier estilo, pero destaca sobre todo en los contextos que terminan en Metal como el mismo dice. Mantiene una actividad frenética cubriendo giras y grabando discos, a la vez que imparte clínics, graba videos, cursos intensivos…bueno mejor que lo cuente él mismo, ladys and gentlemans: Alfred Berengena. Asensio Ros “Wally” B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N EN TREVISTA La primera es obligada ¿Cómo llegaste a la música y en concreto a la batería? Más que llegar a la música creo que la mejor definición es que me he criado envuelto en música. Todos mis hermanos son músicos y en mi casa siempre se respiró música. La batería fue mi juguete preferido y lo sigue siendo. En casa tenía un kit de prácticas casero y recuerdo que disfrutaba como un enano, siendo entonces un enano. Mi hermano mayor me paso su primer kit, una Thunder que sonaba horrible y que en su día costo 40.000 pesetas. Me compré uno de los primeros doble pedales y con 13 años ya tocaba en un puñado de bolos por la provincia. Tienes el grado superior de jazz y música moderna, ¿Por qué lo estudiaste y cómo fuiste a parar al Metal Extremo? Estudié el grado superior de jazz por que no existe el grado superior de metal extremo jejeje. Bromas a parte siempre he creído que hay que saber tocar de todo y la verdad es que me fue muy bien estudiar la carrera de jazz. Aunque al principio de empezar a estudiar jazz no me atraía mucho el estilo, sobretodo el jazz clásico, a la larga, una vez entendí el concepto me acabó gustando. Siempre me atrajo mucho el rollo jazz fusión y me aburrían los baterías extremos que no hacen nada más que tocar rápido. Tocar rápido es básico si tocas metal extremo, el propio estilo lo requiere, pero es en los redobles donde considero que es el momento de que un batería de metal extremo pueda “pronunciarse” y es ahí donde algunos de los baterías extremos me aburren. Más aún si se limitan “...al principio el Death Metal lo encontraba demasiado saturado al final me acabó gustando y empecé a vibrar a full.” a hacer 4 semicorcheas en cada tom a tropecientos bpm con el bombo a la negra… En cuanto a metal extremo en los 80 escuchaba Heavy Metal, era uno de mis estilos preferidos, luego llego el Speed Metal, luego el Trash, y aunque al principio el Death Metal lo encontraba demasiado saturado al final me acabó gustando y empecé a vibrar a full con bandas como Suffocation, Caníbal Corpse y un sin fin de bandas más sobre los años 90. Hoy en día sigue siendo el Death Metal y más en concreto el Brutal Death Técnico uno de mis estilos favoritos. Aunque tengo que decir que me encanta tocar todos los estilos que acaben en Metal y no sólo eso. Disfruto a día de hoy igual que cuando era un enano tocando cualquier estilo. Ya sea Funk, Reggae, Latin, Pop… También tengo que decir que estudiar y tocar estilos diferentes te abre muchísimo la visión musical y enriquece a las personas. Sería algo comparable a viajar mucho y conocer diferentes culturas. | ISSUE MAR-ABR 2012 Conceptual y musicalmente podríamos decir que el Metal Extremo está en un extremo y el jazz en el extremo opuesto. Por en medio hay un sin fin de estilos con lo cual aprender los 2 extremos me facilitó poder tocar el resto, aunque aquí esta claro que habría que profundizar mas… Yo siempre he estado “de un extremo al otro” y eso me ha proporcionado muchas cosas positivas. La más destacable es que no critico ni un estilo ni el otro. Muchas veces me he encontrado con el “jazzero de turno” el cual defina a el metal como “una KK” y a la inversa, el “metalero de turno” que define el jazz como “otra KK” en los 2 casos sucede lo mismo. El que opina del otro estilo es incapaz de tocarlo. Con lo cual es muy fácil decir y con perdón: ¡Esto es una mierda!! Pero mi respuesta era: ¿Eres capaz de tocar ese estilo que criticas? Por suerte esto no te lo encuentras en todos los casos y me he encontrado con gente del mundo del jazz que admira el trabajo que hay en un músico de cualquier estilo de metal y también con músicos de metal que admiran el trabajo que hay en un músico de jazz. ¿Te gusta el jazz? Me encanta, en todas sus variantes. Y algunos de mis grupos preferidos son de ese género. Soy fan incondicional de Steve Coleman, Aka Moon, Abe Rabade sobretodo el álbum Simetrías con Ramon Angel Rei a la batería. Fíjate que los 3 grupos que te he nombrado son entre si de estilos muy diferentes… Hay muchos baterías de jazz que me han influenciado muchísimo como pueden ser: Elvin Jones, Tony Williams, Jack Dejonette, Kenny Clarke, Art Blakey… 20 B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N EN TREVISTA ¿Sigues estudiando? ¿Qué rutina sigues? ¡Evidentemente! Nunca hay que parar de estudiar. De hecho eso es lo bueno de nuestro instrumento. Cuanto más sabes más te das cuenta de lo que te queda para aprender. Mucho del estudio que realizo se basa en partes de los temas que tengo que grabar. En cuanto a rutinas trabajo mucho los ejercicios de mi segundo método ADVANCED DOUBLE BASS DRUMMING / DOBLE BOMBO AVANZADO. Ahí están plasmados los ejercicios y rutinas que trabajado en los últimos 5 años. Estudio también diferentes métodos de caja y aplico muchos ejercicios en métodos de melodías rítmicas sobretodo el sincopation. Y ahora en el poco rato que me queda libre estoy preparando algunos videos didácticos para mi web www.alfredberengena.com ¿Hay groove en el “blast beat”? ¿Qué es para ti el groove? Hay groove en la batería toques lo que toques… En un blast beat también lo hay, el problema es que la tendencia de los últimos años en cuanto a producción es pasar el Elástica Audio cuantizando golpe por golpe y re-samplear la batería y es aquí cuando deja de haber groove en un blast beat. El groove para mi consiste en saber jugar con todos los elementos del tiempo y el sonido. Resumiendo, si grabo un patrón de funk aportando todo el feeling que siento en el momento de tocarlo, el resultado será que tendré dinámicas y timbres sonoros diferentes en un mismo plato o tambor y los golpes no esta- | ISSUE MAR-ABR 2012 rán 100% cuadrados en la rejilla de mi sequenciador. Si lo cuantizo perderá esa esencia y ese groove y si lo re-sampleo acabara sonando a caja de ritmos con lo cual perderá todo el groove. Aun así hay estilos que requieren más groove que otros. Pero no por eso dejan de tener groove… 2-Clem tiene un problema de corazón Tocas estilos muy exigentes físicamente, ¿Cuidas tu físico para no tener sobrecargas musculares, practicas algún deporte? Es impresionante tu técnica de doubles con el doble bombo, ¿Qué nos puedes contar sobre tu técnica de pies? No practico ningún deporte y en cuanto a cuidar mi físico hago estiramientos y no toco muchas horas seguidas y si me noto sobrecargado descanso. En el estilo en el que me suelo mover hay que cuidar mucho aspectos como la alimentación y el descanso. Estando de gira si un día duermo mal el bolo tiene muchas posibilidades de salir fatal… Lo primero decir que en la mayoría de los casos toco con singles. Hay mucha gente que se confunde y se cree que toco con dobles. Sólo utilizo dobles en ca- Hace un tiempo sobre un estudio realizado a un batería de rock que decía que los baterías de rock son atletas de élite: “Las pruebas físicas llevadas a cabo con Clem Burke, el veterano baterista de Blondie, revelaron que 90 minutos de tocar la batería llegan a aumentar su ritmo cardíaco a 190 latidos por minuto”. ¿Qué opinas al respecto? Creo que es un poco exagerado. Yo la verdad es que no entiendo mucho del tema cardiaco, pero me da a pensar varias opciones: 1-La máquina con la que le hicieron la prueba estaría estropeada. 3-La información no ha sido contrastada con más músicos… Si eso fuese cierto los baterías extremos tendríamos muertes súbitas en el escenario… 21 B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N EN TREVISTA sos muy puntuales cuando me piden partes a más de 250bpm en semicorcheas. Pero suelen ser muy pocas partes. Todo ese desarrollo técnico lo he desarrollado con los ejercicios de mis 2 libros y lo único que puedo decir como consejo es: Sin prisas pero sin pausas… Desarrollar técnica es simplemente mucha repetición, muy a menudo y con el máximo relax posible. ¿Qué técnica utilizas “punta y talón” o “talón punta”?, ¿Cual crees que es la más adecuada para el metal extremo? Punta y talón, es la que yo aprendí de pequeño con mi pie derecho y es la que yo recomiendo sobretodo por que da más pegada en el bombo. He tenido varios alumnos que tocan de talón punta pero suenan muy flojos a la que les quitas los triggers. ¿Hablamos del tipo de empuñadura (grip) que realizas? Empecé tocando con grip germánico, a causa de una lesión cambie a grip americano. Tocando jazz a veces utilizo grip tradicional. Y como también me lesioné tocando con grip americano ahora combino los 2, americano y germánico. De esta manera reduzco el número de repeticiones. También según que blast beat toco lo hago de muñeca o con digitación en función de la velocidad de cada blast beat. Creo que lo importante es utilizar cuantas mas técnicas mejor. ¿Qué sonido buscas en tu batería? Desde luego un sonido en plan parche destensado en “Desarrollar técnica es simplemente mucha repetición, muy a menudo y con el máximo relax posible..” los toms como que no… No me gustan las afinaciones “metaleras” intento buscar el equilibrio y suelo utilizar una afinación que me permita tocar prácticamente de todo. Evidentemente con mi afinación no voy a tener un sonido de jazz, pero si de fusión. No suelo utilizar parches de doble capa. Me gusta afinar bien los toms y sacar el máximo rendimiento sin ponerle cinta en un parche o algún tipo de atenuador de armónicos. Utilizo parches EVANS G Plus, aunque a veces según lo que tengo que grabar monto otro tipo de parches y afino diferente. En cuanto a caja llevo una afinación totalmente Standard, ni el parche como un pierda de tenso ni con una afinación tipo Hard Rock, en cajas metálicas suelo montar el EVANS Hybrid y si son de madera o acrílicas EVANS Hd Dry. En cuanto a bombos llevo la afinación lo más grabe posible (un cuarto de vuelta a cada tornillo) ya que el pico lo consigo con los triggers y el grave lo saco del bombo acústico mezclando triggers con micro. Muchos baterías extremos caen en el error de afinar con mucha tensión los bombos para tener mas rebote, pero luego les suena igual como | ISSUE MAR-ABR 2012 si con sus pedales golpearan una bombona de butano. Yo siempre digo que hay que adaptar la técnica al sonido y no afinar (o desafinar jejeje) para poder llegar a ciertas velocidades sin necesidad de tener una técnica depurada. Háblanos de tu actual kit incluidos platos… Actualmente en el estudio tengo mi DW Collector’s Satin Oil Natural Finish Toms de 10” y 12” aéreos con profundidades Fast floor, Toms de 16” y 18” con profundidad Standard, todos los Toms con el sistema VLT (Vertical Low Timbre) de DW. Dos bombos de 22”x 18” en X Shell, caja de 14”x 5” Super Solid en acabado Exotic África Che Chen y hardware dorado. A finales de este mes tendré un nuevo set con el que haré los próximos bolos y clinics DW Performance con Toms de 10” 12” y Floor Toms de 14” y 16” bombos de 22” x 18” y caja de 14x5. En cuanto a platos suelo montar casi siempre el mismo HH y Ride. El Hi Hat es un ZILDJIAN K Custom Session Hats de 14” y el Ride un ZILDJIAN K Custom de 22” tengo 2 hi hat y 2 rides de estos iguales, para el estudio y para los bolos y así me ahorro estar montando y desmontando cada vez… En cuanto a Crash ahora en el set de estudio tengo 4 crash, un K Custom Fast de 14” a la izquierda, un K Custom Dark Crash de 17” en la parte frontal izquierda, un A Custom Projection de 16” en la parte frontal derecha y un A Custom de 20” en la parte derecha justo encima del floor tom de 18”. 22 B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N EN TREVISTA Dos chinas de la serie FX oriental china, el de 18” a la izquierda y el de16” a la derecha. Un splash A Custom de 8” aunque a veces monto un Avedis también de 8” y encima de los toms estoy utilizando unos prototipos que pedí a la gente de Zildjian los cuales denominaron Flat Bell’s, uno de ellos (el de la izquierda) esta agujereado por mi mismo. Ambos son de 9,5” más gruesos. Con eso gané mucha pegada pero perdí control, lo cual no pasa con el Longboard de Derek Roddy ni con el nuevo Laser. Actualmente estoy trabajando con la gente de Axis para desarrollar mi propio pedal y estoy impaciente para recibir los primeros prototipos. A parte tengo otros platos que suelo utilizar como: Crash Z3 Medium de 16” Crash Z3 Medium de 17” 2 x Crash A Custom Projection 18” Crash Constantinopla de 16” Crash Constantinopla de 18” Hi Hat Constantinopla de 13” Ride Constantinopla de 20” Ride A Custom Erath de 20” China K mini china de 14” China FX Oriental de 12” 2 x Splash K de 10” 2 x Zill Bell FX de 9,5” 2 x Zill Bell FX de 6” Depende del estilo… Tengo cajas de diferentes maderas, de diferentes metales y también acrílicas, aunque la caja mas versátil que tengo es la DW Supersolid. En todas siempre monto bordoneras Pure Sound ¿Qué prefieres las cajas de madera o las metálicas? ¿Qué baquetas utilizas? Hasta el momento 3drumsticks 5A, pero ahora estoy trabajando con una gran marca multinacional para sacar mis nuevas baquetas Alfred Berengena signature. | ISSUE MAR-ABR 2012 ¿Con cuantas bandas estás ahora mismo? ¿Cómo te organizas tanto repertorio? Profundis Tenebrarum – Black Metal - Estudio y directo. Baalphegor – Progresive Death Metal – Estudio y directo. Numen – Black Metal – Directo. Nebulah – Brutal Death – Estudio y directo. Olvido – Rock Gótico – Estudio y directo. Recientemente he grabado lo que será el próximo disco de Exquisite Pus - Death Metal- y también el de The Murder Industry – Brutal Death. Y en este momento estoy barajando la posibilidad de cubrir los directos de 3 bandas más de estilos diferentes. Los repertorios de Profundis Tenebrarum, Baalphegor, Numen, Nebulah y Olvido ya me los sé. Los voy tocando a menudo para mantenerlos frescos y pongo mas hincapié cuando se acerca algún bolo. Ten en cuenta que a pesar de estar en “tantos grupos” en este estilo no se hacen muchos bolos, con lo cual lo compagino todo sin problemas. Parches suelo utilizar Evans EMAD en los bombos resonante y batidor, G Plus en toms como batidor y Evans Resonant como resonante. En cuanto a las grabaciones suelo trabajar los temas durante un mes, a veces dos depende del trabajo que tenga y una vez está a punto lo grabo… Los pedales son fundamentales para el estilo en el que te mueves, ¿Qué tal con “Axis”? Háblanos de tus libros “Essential Double Bass Drumming” y del último “Advanced Double Bass Drumming” ¿Están teniendo buena respuesta del público? Bien. Durante muchos años he tocado con los Axis A, hace unos meses los “tuneé” modificándolos a los 21º y montando los muelles de longboard que son Muchísima y especialmente el Advanced con el cual he contado con la opinión de grandes baterías como 23 B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N EN TREVISTA son Marco Pitruzzella, Romain Goulon, Derek Roddy, Marco Mineman… Todas ellas súper positivas. ¿En que estilo te encuentras más a gusto, que música escuchas? Buff, escucho un pilón de estilos diferentes, una sesión aleatoria de mi iPod es un desmadre… Puedo estar escuchando un tema de Meshuggah y luego saltar a uno de Bill Evans. Metal, Jazz, Latin, Pop, Funk, Reggae, Rock… Si claro, pero la mayoría del trabajo que hago en él es grabar pistas de batería y enviarlas. Muchas veces completamente solo, como en el caso de esta ultima con The Murder Industry. Aún no los conozco personalmente, pero vamos manteniendo contacto permanente, voy mandando pistas y videos para que vean como toco sus temas y vamos trabajando… ISSUE MAR-ABR 2012 El estudio en sí me permite trabajar de una forma cómoda y practica. No tengo que desmontar y montar, cargar ni descargar, ni sonorizar cada vez que tengo que grabar algo. Y gracias a él puedo trabajar más y mejor. lo que haya podido ganar en la música lo he vuelto a reinvertir en música con lo cual no es que yo viva de la música, si no que más bien vivo para ella. Es el resultado de muchos años de trabajo esfuerzo y dedicación y ha sido completamente auto financiado. Entregar el material de The Murder Industry. ¿Se puede vivir de la batería tocando lo que te gusta? Hay que ser muy pluriempleado y dedicar muchísi- En cuanto a estilos me siento muy cómodo tocando Funk o Fusión, quizás por que no vaya tan al limite como tocando metal. Tengo que decir que la sensación que tengo después de tocar un bolo de metal extremo o de un ensayo no la tengo con ningún otro estilo. Aunque también hay que decir que de bolos que no sean de metal extremo realmente he hecho pocos y me gustaría abrir un poco el abanico de estilos y que gente me tuviera en cuenta para tocar otros estilos. Háblanos de tu estudio de grabación ¿Estás produciendo grupos? | Cuéntanos tus proyectos a corto plazo… Empezar a trabajar en el próximo álbum de Olvido y Baalphegor. En verano si todo va bien grabar el próximo álbum de Profundis Tenebrarum. Seguir dando clases tanto a alumnos de aquí como a gente de fuera con el programa intensivo, seguir haciendo bolos, clinics, mezclas, producción... Seguir grabando videos didácticos para mi web. Y tocar cada día mañana y tarde… Muchísimas gracias por cederme este espacio y decir a todos los lectores que pueden mantenerse al día de toda mi actividad musical en los siguientes enlaces: mo tiempo, si no te importa que el 90% del trabajo que haces para sacar los repertorios o mantenerte “en forma” sea por “amor al arte” se puede vivir. Aun así siempre existirá el envidioso de turno con la frase celebre: ‘Este toca por la pasta…’ No hay que ser muy inteligente para saber que de pasta el metal extremo genera más bien poca. Yo llevo ya unos cuantos años en esto y la clave ha sido austeridad incluso en los “años de bonanza”. Todo www.alfredberengena.com www.myspace.com/alfredberengena www.facebook.com/alfredberengena www.twitter.com/alfredberengena www.youtube.com/alfredberengena www.reverbnation.com/alfredberengenadrummer ¡Un saludo! 24 B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N | ISSUE MAR-ABR 2012 REVIEWS WINCENT DRUMSTICKS Asensio Ros “Wally” Chequeamos una selección de baquetas No podemos hablar de las baquetas como un elemento menor en el set de elementos que integran el equipo del batería, es cierto que es posiblemente el más bajo de precio, sin embargo es el nexo de unión entre el músico y el instrumento, el contacto físico más importante y parte de las sensaciones que sentimos al tocar pasan por las baquetas. Existen unas normas para clasificarlas y reconocerlas, de sobras conocidas por todos y que vamos a recordar. Se identifican por una letra y un número que forman un código, el número hace referencia al grosor de la baqueta siguiendo una escala descendente entre 8 y 1 siendo 8 el de mínimo grosor 1 el máximo y la letra se refieren al tamaño de la punta siendo estas A, B y S. La A indica Acoustic tamaño pequeño, la B indica Band tamaño medio y la S Street para señalar gran tamaño. Por otro lado hay que considerar que una buena baqueta debe estar proporcionada en su estructura para estar equilibrada y facilitar una empuñadura ni alta ni baja, por lo que obliga a mantener una relación entre peso y tamaño de la punta con su longitud. Si creemos que todas las baquetas por el hecho de tener tamaño, peso y madera iguales van a sonar igual, estaremos simplificando mucho el pensamiento y además a poco que investiguemos comprobaremos que esto no es así. Cada uno debe investigar la que mejor se adapta a su estilo y forma de tocar y decidir entre la variedad de propuestas que nos ofrece el mercado ahora mismo. Hemos realizado una selección de algunos de los modelos de Wincent para este pequeño análisis. Wincent es un fabricante sueco que ofrece una gama completa de baquetas para todos los estilos y maneras de ejecutar, con el objeto de ayudar a crear un sonido propio. Realizadas por artesanos suecos, parten de una selección de la madera y durante el proceso de fabricación conforman la punta a base de un lijado con arena que no deteriora las fibras de ésta y así evitar las roturas. Tanto el cuello como la punta están diseñados para asegurar el mejor golpe, rebote y feel. El acabado a base de ceras (ellos las denominan “especiales”) asegura comodidad en tacto, agarre y durabilidad. Por último, antes de ser emparejadas se chequea el grano, veteado y peso para lograr el dúo más adecuado. Otra particularidad de las Wincent es encontrar el código del modelo rotulado en su base, algo que resulta muy cómodo para identificarlas en mitad de una actuación a la hora de cambiar de baqueta y buscarlas en nuestra bolsa. Veamos pues algunos de los modelos más relevantes. Hickory 7A Con una longitud de 395mm y 13.6 mm de diámetro se la puede considerar como fina, con buen rebote, nos encontramos con una baqueta delicada en la construcción del sonido, capaz de producir muchos matices en los platos lo que la hace perfecta para estilos como el jazz o la bossa, ideal para trabajar en el ride. También se encuentra la 7A XL con una longitud algo mayor de 407 y las mismas características 25 B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N | ISSUE MAR-ABR 2012 REVIEWS Maple 5B Maple 5A Hickory 5A Este modelo ofrece un sonido claro con tendencia a destacar frecuencias agudas además de una rápida respuesta, un buen rebote. Sus dimensiones son una longitud de 406 mm y un diámetro de 14.3 mm. Igualmente son equilibradas, tienen un peso menor que aumenta la sensación de ligereza, rapidez y pegada manteniendo el buen “agarre” del hickory. Mucha versatilidad estilística se puede conseguir con ella. Similar a la 5B al respecto de sus características generales, aunque tal vez indicada para estilos más suaves, rapidez y ligereza para crear matices sonoros serían sus principales virtudes lo que nos lleva a clasificarla como perfecta para trabajos con platos. Con una longitud de 406mm y un diámetro de 14.4 estas baquetas producen unas sonoridades claras, golpes rápidos y sensación de equilibrio, la punta de lágrima ayuda a conseguir buen sonido con los platos y buena definición en el resto de la batería. Adaptable a la mayoría de estilos musicales. Hickory 5B Las medidas 406mm y 15mm de diámetro, la hacen un poco más gruesa que la 5ª, muy apropiadas para rock o estilos musicales que requieran una buena proyección de sonido y una respuesta rápida. La versión XXL de las mismas se enfocan mejor en contextos que requieran un extra de pegada y mayor volumen. Hickory 55 Fushion Dual Stick Estas 55 Fusion se encuadran en unas dimensiones intermedias entre las 5A y las 5B, como su nombre indica son especialmente adaptables para estilos como el fusión, que van a necesitar a la vez tanto de sutileza en ciertos pasajes como de pegada en otros. Con unas medidas de 406mm de longitud y 14.7 de diámetro facilitan la adaptación a ese enfoque. También están disponibles en su versión XL de 420mm de longitud que las dotan de mayor alcance y pegada. Las Dual Sticks se caracterizan por tener en el mismo stick maza y baqueta, de manera que si estamos interpretando un pasaje con mazas los platos y demos podemos cambiar rápidamente a las baquetas solo con dar la vuelta al Dual Stick conseguido. El hecho de que el fieltro sea suave y no de un golpe muy “tap-sound” la hace específica para tocar en platos con golpes suaves. Hemos seleccionado estos modelos como toma de contacto con Wincent Drumsticks y la impresión no ha podido ser mejor, la experiencia muy positiva. Es difícil no encontrar un modelo que cubra tus necesidades como baterista y no sólo eso, si le sumas que la durabilidad es grande incluso si eres el fiera del rimshot, es inevitable ir a tu tienda favorita a probarlas. 26 16 B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N DIDÁCTICA SIMPLE O COMPUESTO | ISSUE MAR-ABR 2012 POR RAÚL GUZMÁN ¡He ahí el dilema! En percusión no todo es coordinación, independencia y polirritmia. Siendo la batería un instrumento rítmico, es de crucial importancia para el músico comprender y dominar la rítmica como herramienta de trabajo. En esta oportunidad guardaremos las baquetas y las cambiaremos por el lápiz. Veremos que la teoría no sólo fue desarrollada para complicarnos la vida, en realidad es una herramienta incluso más útil que los sagrados paradiddles. Al principio de la música se dan indicaciones al ejecutante para la correcta lectura e interpretación de la música escrita. La primera información que se proporciona es la clave, que puede ser de varios tipos. En la música para percusión se usa la Clave de Fa en Cuarta Linea o la Clave de Percusión. A continuación se indica o no la Armadura de Clave y por último, la cifra indicadora de compás. Esta cifra tiene la forma de número fraccionario, donde el número superior es el numerador y el inferior es el denominador. La música es un arte que se aprecia en el tiempo. En música, el tiempo es relativo. La unidad temporal arbitraria es la redonda. El resto de las duraciones se derivan de esta dividiendo en dos partes iguales cada figura de duración mayor. Así, la mitad de la redonda es la blanca y la mitad de esta es la negra. En la música escrita se ha hecho norma indicar las diferentes duraciones por el número que indica en cuantas partes iguales se ha dividido la unidad. Entonces, la redonda se indica con el número 1, la blanca se indica con el número 2, la negra con el número 4 y así sucesivamente (ver Imagen 1). En la música, la duración absoluta del tiempo la proporciona el metrónomo. La música se divide en diferentes partes para su escritura y ejecución, llamadas compases. El compás se divide en dos, tres o cuatro períodos de tiempo de igual duración que se llaman tiempos. Existe entonces: el compás de dos tiempos; el compás de tres tiempos; y el compás de cuatro tiempos. Los tiempos del compás no tienen todos la misma importancia desde el punto de vista de la acentuación. Unos han de 27 Imagen 1 ser articulados con más fuerzas que otros; los primeros se llaman tiempos fuertes y los segundos, tiempos débiles. Los tiempos fuertes son: el primer tiempo de cada compás y el tercer tiempo del compás de cuatro tiempos. Así, en el compás de dos tiempos, el primer tiempo es fuerte y el segundo es débil. En el compás de tres tiempos, el primer tiempo es fuerte, el segundo y el tercero son débiles. Cada uno de estos tiempos, a su vez, puede subdividirse en varias partes: la primera parte de un tiempo es fuerte con relación a las otras, que en consecuencia son débiles. B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N | ISSUE MAR-ABR 2012 DIDÁCTICA El compás simple es aquel en que la suma de los valores que forma cada uno de sus tiempos equivale siempre a un signo de valor simple, o sea: una redonda, una blanca, una negra o una corchea. Este compás es por consiguiente aquel cuyos tiempos son divisibles por dos (tiempos binarios). En los compases simples, la cifra inferior (denominador) indica la duración que ocupa un tiempo. Luego, si en cada uno de los tiempos de estos compases no puede entrar más que una redonda, una negra, o una corchea, resulta que esta cifra inferior ha de ser precisamente el 1 el 2, el 4 o el 8. La cifra superior (numerador) indica la cantidad de estos valores y por consiguiente el número de tiempos. Por consiguiente, si los compases no pueden ser más que de dos, tres o cuatro tiempos, la cifra superior será el 2, el 3 o el 4. un compás simple en compás compuesto, se ha de añadir un puntillo a la figura de nota que forma un tiempo del compás simple. Para transformar un compás compuesto en compás simple, se invierte la operación, es decir, se suprime el puntillo que sigue a cada figura de nota que forma un tiempo del compás compuesto. Para hallar las cifras indicadoras de un compás compuesto correspondiente a un compás simple, se ha de multiplicar por 3 la cifra superior de este mismo compás simple, por 2, su cifra inferior. Para hallar las cifras indicadoras de un compás simple correspondiente a un compás compuesto, se invierte la operación, es decir, se divide por 3 la cifra superior de este mismo compás compuesto, y por 2, su cifra inferior. El compás compuesto es aquel en que la suma de los valores que forma cada uno de sus tiempos equivale siempre a un signo de valor con puntillo, o sea: una redonda con puntillo, una blanca con puntillo o una negra con puntillo. Este compás es por lo tanto aquel cuyos tiempos son divisibles por tres (tiempos ternarios). Recordemos que el puntillo aumenta la duración de la nota original en 50 %. En los compases compuestos, la cifra inferior (denominador), indica la duración que ocupa un tercio de tiempo. Si en cada uno de los tiempos de estos compases no puede entrar más que una redonda con puntillo, una blanca con puntillo, una negra con puntillo o una corchea con puntillo, esta cifra inferior no será otra que el 2, el 4, el 8 o el 16. La cifra superior (numerador), al igual que en los compases simples, indica la cantidad de estos valores. Por consiguiente, si los compases no pueden ser más que de dos, tres o cuatro tiempos, la cifra superior será el 6, el 9 o el 12 ¿esto significa que los compases compuestos tienen más tiempos que los compases simples? Responderemos esta pregunta a continuación. Reglas mnemotécnicas Todo lo anterior parece un poco engorroso para recordarlo cuando estemos frente a música escrita, pero no es tan complicado como parece. Cuando nos encontremos por primera vez a una partitura podemos analizarla rápidamente siguiendo estos pasos al chequear la indicación de compás: 1.En los compases simples el número superior solo puede ser 2, 3 ó 4. 2.En los compases simples el número inferior indica la subdivisión de la unidad que ocupa un tiempo. 3.En los compases compuestos el número superior solo puede ser 6, 9 ó 12. 4.En los compases compuestos el número inferior indica la subdivisión de la unidad que ocupa un tercio de tiempo. Usos prácticos Relación entre los compases simples y compuestos Cada compás simple corresponde a un compás compuesto y viceversa. Los dos compases que se corresponden tienen siempre el mismo número de tiempos (produciendo tiempos binarios). En el compás compuesto correspondiente, entra la misma figura de nota con puntillo en cada tiempo (produciendo tiempos ternarios). Para transformar Las anteriores definiciones tienen usos prácticos en el día a día del músico, tanto para comprender al compositor, como para comunicarnos con el resto de nuestros compañeros de orquesta y mejorar nuestra ejecución. Veamos algunos ejemplos de aplicación: Supongamos que queremos tocar un patrón rítmico en 6/8 midiendo cada tiempo. 28 B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N | ISSUE MAR-ABR 2012 DIDÁCTICA Sabemos que los compases solo se pueden medir a dos, tres y cuatro tiempos. Entonces, ¿Como mido el compás 6/8? Sencillo, por la relación que existe entre el compás 6/8 y el compás 2/4 ¿Como supe que estos dos compases estan relacionados? Bueno, de la siguiente manera: en la indicación del compás 6/8, dividí la cifra superior por tres y la inferior por dos, de lo que resulta la indicación 2/4. En consecuencia, el compás 6/8 tiene dos tiempos, por lo tanto, se mide a dos tiempos. Esta respuesta no solo es teóricamente correcta, sino que mejora la ejecución en lo relativo a la acentuación de los tiempos del compás. El siguiente ejemplo ilustrará más este punto. En el ejemplo de la figura 2, se muestra el mismo patrón escrito bajo diferentes indicaciones de compás. Observandolo, podemos preguntarnos: ¿cual esta escrito correctamente? ¿se ejecutan de igual manera? Y ¿como debe medirse el tiempo del patrón? Analicemos el patrón un momento. Si buscamos la relación entre estos dos compases no la encontraremos-compruebalo tu mismo. Aunque se escriban igual en el papel, no se dejen engañar, son diferentes. La diferencia no solo es teórica sino práctica. El mismo patrón escrito en 3/4 tiene tres tiempos, por tanto, uno es fuerte y los demás débiles. Escrito en 6/8 el patrón tiene solo dos tiempos, uno fuerte y otro débil. En uno de ellos, el bombo y la caja coincidiran con “el pulso” del compás, en el otro el bombo se ejecutará en “el pulso” y la caja en la parte débil del segundo tiempo. Todo lo cual cambia el “espíritu” del patrón, no solo su métrica. No te preocupes si no lo comprendes a la primera, a mi me tomó tiempo. La experiencia, sumada al conocimiento te daran la respuesta. Solo manten estas ideas en mente cuando toques en diferentes compases, así lo pillarás. Un sencillo análisis de la escritura musical desde el punto de vista teórico mejora nuestra comprensión tanto de la ejecución baterística, como de la labor de nuestros compañeros de orquesta o banda. Mejorar la ejecución solo con la mente, buen negocio para ti. Luego continuaremos conversando sobre teoría y sus usos prácticos. Éxitos. 29 B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N DIDÁCTICA La Mano Tonta | ISSUE MAR-ABR 2012 POR DAVID GONZÁLEZ Una de las cosas que más me llama la atención en mis alumnos -o en mi mismo hace unos cuantos años- es lo “tonta” que tenemos la mano izquierda (evidentemente para los zurdos me refiero a la derecha) y lo importante que llega a ser para tener una buena técnica en nuestro instrumento. Lo mejor para hacer que se ponga a la altura de la otra mano, es sin duda practicar ejercicios en caja o pad, de combinaciones de manos y/o acentos, intentando que “suene igual”, con la misma intención, con una mano que con otra. A estas alturas no hablaré del mítico Stick Control, súper aconsejable aunque “un poco tostón”, al menos para críos de 9 o 10 años que aún no tienen muy claro todo esto de la batería y que lo que quieren es pasarlo en grande… mentira funciona, le estamos dando trabajo a la mano. Y para mí una de las mejores formas de espabilar la mano es tocando “en abierto” o Open-handed drumming. O es una cosa mía o ¿Cada día hay más gente que toca con esa técnica?, ¿Quizá porque a veces queda molón? Sea como sea hay bateristas que llevan años tocando de esta manera como el gran Simon Phillips con el que Agus estuvo hablando en el primer número. Simon lo lleva a niveles estratosféricos pero haced la prueba. Coged el ritmo más fácil que conozcáis, posiblemente sea este: Pero ¿Cómo lo hacemos para conseguir nuestro objetivo? Hará un par de años descubrí un método que me encanta: Great hands for a life time de Tommy Igoe. Se trata de un DVD con horas de metraje del mismo Igoe hablando y mostrándonos como agarrar las baquetas, y como practicar en un pad. Del cual me encanta este pequeño ejercicio con el que en tan solo cuatro compases podemos “resumir” unas cuantas páginas de la Biblia. Y es sólo el principio de un montón de ejercicios. Pero no pretendo hablar de este método así que continuemos buscando maneras de trabajar la mano izquierda sin que se nos haga pesado. Hay quienes optan por “incorporar” la mano tonta a la vida diaria. Tratad de abrir las puertas, peinaos, coged el ratón del ordenador con la otra mano. Aunque parezca Que no os de vergüenza que el grupo del local de al lado os oiga tocando este ritmo con la de años que hace que tocáis… Ahora desplazad la mano con la que tocáis la caja al Hi-hat y viceversa, ¿Cómo suena ahora el ritmo? ¿Tiene el mismo groove? A partir de aquí, podéis ir complicando la cosa (al igual que cuando empezasteis) con golpes de caja y de bombo a la contra pero siempre manteniendo ese groove en el Hi-hat que tan bien suena cuando lo tocáis con la otra mano. Para los chavales y para los que no, les será mucho más divertido este tipo de ejercicios que horas y horas de golpear el pad ¿o no? *A mi modo de ver el aprendizaje de un instrumento (al menos del de la batería) no existe ninguna “verdad absoluta”, podemos partir de unas bases o dar algunas directrices, pero creo que cada uno se tiene que hacer a si mismo absorbiendo un poco de aquí, un poco de allá… por lo que en este artículo he querido dar mi punto de vista o una manera diferente de conseguir un mismo fin. Y por último, ¡Utilizad la red para aprender, leed mucho y mirad que y como lo hacen los grandes! Por ejemplo y a lo que a tocar en abierto se refiere: Simon Phillips, Billy Cobham, Carter Beauford, Mike Mangini…y muchos más. ¡Saludos! ¡Os espero en Facebook para hablar de ello! 30 B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N DIDÁCTICA Groovadiddles | ISSUE MAR-ABR 2012 POR ELÍAS GARGALLO Transforma los paradiddles más comunes en interesantes grooves e incorpóralos a tu repertorio. Aplica tus propias creaciones, descubre nuevas texturas y ponte nuevos retos. El resultado puede ser de lo más interesante y variado. Hola a tod@s y bienvenid@s a una nueva edición de Batería Percusión. Como de costumbre me gusta conectar cada articulo con el anterior, me gusta la idea de que haya un hilo conductor por fino que sea. No espero que recordéis de que iba mi último artículo pero si que podéis echar un vistazo rápido si tenéis el anterior número de la revista a mano. En la ultima sección menciono y doy un pequeño apunte sobre un patrón afro en el ride al mismo tiempo que mantenemos un ostinato sencillo en bombo y caja. !" & $ # %! &( ) '! & & ) %! & & '! &( Lo más lógico sería que ahora hablara del afro y introdujera algunos conceptos y patrones relacionados con este apasionante estilo (si es que se le puede encerrar en un termino tan reducido). En primera instancia es lo que iba a hacer pero me pareció demasiado previsible ¡Ja! Así que he decidido dejarlo para otra edición y dirigirme hacia el apasionante mundo de los paradiddles aplicados en forma de grooves. O como los he acuñado para la ocasión, Groovadiddles. Si leéis entre líneas en el patrón anterior podéis ver un paradiddle escondido, quizás no es obvio a primera vista pero si rellenamos cada silencio de corchea con la mano izquierda en la caja obtenemos un doble paradiddle “corriente y moliente”. Lo único que estamos haciendo es trasladar la mano derecha al ride y acentuar algunos de los golpes en la caja de forma distinta para obtener la sensación de groove. Es importante hacer hincapié en la dinámica interna en la caja, ya que al ser cuidadosos con los acentos y dejando que haya una diferencia de intensidad clara entre las notas de relleno y las acentuadas, conseguimos un resultado mucho mejor. Camina, fluye, gusta al oído y se compenetra fácilmente con la sucesión de tiempos fuertes y débiles del compás (Bombo en 1 y 3, caja en 2 y 4). Por supuesto no siempre vamos a quedarnos en esta distribución de acentos pero es importante ser capaz de diferenciar las intensidades desde el principio para conseguir un resultado óptimo, conforme vayamos avanzando y complicándonos la vida con bombos y cajas. Un buen ejercicio es acompañar cada uno de los golpes de la mano derecha con el bombo. Cuando lo hagas sigue intentando darle una importancia especial al bombo en el primer tiempo del compás. Si ya lo tienes, juega con la dinámica interna del bombo tal y como lo hacemos con la caja. Si le damos la misma presencia a todas y cada una de las notas el resultado será llano y duro (a no ser que ese sea el sonido que estemos buscando por supuesto), sin embargo de la otra forma el groove da mucho más juego y se presta a una mayor variedad de interpretaciones. 31 B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N | ISSUE MAR-ABR 2012 DIDÁCTICA Puedes trabajarlo de forma que desplaces los acentos cada vez a un lugar distinto dentro del compás, con dos bombos consecutivos acentuados, acentuando uno de cada dos, etc. Otra buena aplicación de paradiddle en forma de groove es el single paradiddle, el primero, el de toda la vida vamos, y sus múltiples desplazamientos. En este caso el marco será el compás de 4/4. Trasladamos la mano derecha al Hi-hat de la siguiente manera: Esta vez en vez de asociar al bombo con cada golpe de la mano derecha porque no vamos un poco mas allá, introduciendo patrones de bombo independientes de las combinaciones de manos que hemos preestablecido. Para ello es bueno que primero interiorices el paradiddle en caja y Hi-hat antes de meternos de lleno en materia con el bombo. Si ya lo tienes:¡vamos allá! Primer paso, bombo en 1 y 3. Esto no debería suponer ningún problema… si lo ves claro y no le ves ninguna complicación prueba a introducir un bombo en la primera de cada grupo de dobles golpes en la mano derecha (es decir, en la segunda corchea de los tiempos 1 y 3. Este seria el primer nivel de exploración, el desplazamiento del bombo por valor de corchea dentro del compás. Cuando hayas agotado las posibilidades (o estés aburrido, que también es una posibilidad jeje) prueba colocando un bombo en la segunda de cada grupo de dobles (es decir, en la última semicorchea de los tiempos 1 y 3). Esta combinación ya es más exigente técnicamente pero el resultado es muy interesante. Prueba desplazando esta vez por valores de semicorchea y añade un segundo golpe de bombo. Si las combinaciones ya son múltiples y variadas prueba haciendo un desplazamiento del single paradiddle en Hi-hat y caja. Como por ejemplo el siguiente: Simplemente con una pequeña variación en el ostinato que mantenemos en las manos, se puede apreciar un cambio significativo en la sonoridad del Groovadiddle conseguido. 39 B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N | ISSUE MAR-ABR 2012 DIDÁCTICA Las mismas notas en el bombo que estábamos tocando con el primer paradiddle van a sonar totalmente diferentes. Ahora que ya dominas distintas posibilidades el siguiente paso sería mezclarlas en un solo groove, ya sea mediante improvisación o poniendo un patrón previo que quieras trabajar. Este sería un ejemplo: En este caso he empezado con un paradiddle simple, seguido de un paradiddle doble empezando con la izquierda, después con la derecha pero modificando las últimas cuatro semicorcheas de forma que sean una reproducción del desplazamiento del single paradiddle que hemos visto antes. Mi propuesta de bombo sería empezar acompañando los acentos y después añadir la semicorchea previa al acento también. Por supuesto esto son sólo algunas ideas y propuestas para que tu tires del hilo. Si consigues interiorizar esta tres combinaciones y aplicarlas con las dinámicas adecuadas, siendo capaz de desplazar los bombos a tu gusto según las necesidades del tema el que lo apliques… ¡estás hecho un crack! Mi intención es generar otras vías por las que explorar nuestras limitaciones sin dar vueltas siempre a los mismos ejercicios, un día detrás de otro. Es interesante exigirnos combinaciones que nos sean extrañas al principio y que por lo tanto nos obliguen a trabajar en direcciones en las que quizás nunca hubiésemos enfocado la práctica y que por lo tanto nunca llegaríamos a interiorizar. Una vez trabajadas de forma aislada y especifica, las probabilidades de que nos salgan con naturalidad durante ensayos, solos o periodos de composición de temas aumentan exponencialmente. Aquí he dado tres pero no te pongas límites, explora mil combinaciones diferentes y encuentra nuevos grooves con los que te sientas cómodo y notes que aportan cosas nuevas a tu forma de tocar y a tu personalidad con el instrumento. Buenos exponentes y posibles fuentes motivación e inspiración, son artistas como The Cinematic Orchestra, Bonobo o Amon Tobin. Muchos de sus temas incluyen este tipo de grooves y te pueden dar ideas. ¡Échales un vistazo si te interesa seguir trabajando en esta línea! 40 B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N | ISSUE MAR-ABR 2012 DIDÁCTICA Room 335 (Larry Carlton. Batería: Jeff Porcaro) Un acercamiento a los grandes de la fusión (4) Textos y transcripción : Pablo Posa El tema del que nos ocuparemos en esta ocasión es “Room 335” de Larry Carlton, un clásico de la fusión de los setenta. La canción lleva este título como referencia a los estudios del mismo nombre donde se grabó el disco en 1978. También hay que decir que a Larry Carlton se le conoce como Mr. 335 por haber conseguido su sonido tan personal utilizando una Gibson ES-335. Entre los músicos que grabaron este disco hay nombres legendarios en lo que se refiere al trabajo en estudio como Abe Laboriel (bajo), Gregg Mathieson (teclados), Paulinho da Costa (percusión) y el grande entre los grandes:Jeff Porcaro a la batería. El disco se conoce como Larry Carlton (The Album). Fue su primer trabajo para Warner Bros. y supuso un punto de inflexión en la carrera del guitarrista de California ya que hasta entonces se le conocía sobre todo por su trabajo con The Crusaders y como músico de sesión. Ahora que nos hemos situado en el tiempo, nos centraremos en el tema. El aire setentero está presente por todas partes: la sección de cuerdas, el piano Fender, etc... En lo que se refiere a la batería, el tipo de patrones que se van sucediendo poco tienen que ver con lo que entendemos por batería tipo fusión en la actualidad, en cuanto que la improvisación y la complejidad están supeditadas al mantenimiento de un groove casi bailable en algunos momentos. El concepto de producción del tema está en la línea comercial de la época. Nada que ver con el tema Nite Club del último número de la revista (por ejemplo). La partitura está pensada como guión, no como una transcripción exacta del instrumento. Partiendo de esta base, podemos tocar con cierto margen de libertad siempre que respetemos la esencia del patrón que estamos interpretando y por supuesto la forma y los arreglos. El patrón de la Intro y la A tiene unas notas entre paréntesis que implican la opción de tocarlas o no. No son ghost notes. En los solos, Jeff Porcaro se anima y todo camina con un aire más funky que en el tema. El desarrollo de los solos se presta a ello. La parte del Vamp del final está escrita de forma abierta esperando la señal del solista, en la onda de la interpretación de directo. Esperamos que disfrutéis con el tema. ¡A seguir fusioneando! Room 335 ÷c Ó 3 A ÷ 8 (Larry Carlton) ¿ ¿(¿)¿ ¿ ¿ ¿ ¿ ¿ ¿ Œ. ÛÛ Û Û. Û Û Û ( ) ‰J 34 ¿ . ¿ ‰ ¿ ¿ ¿ . 6 Û. Û Û Û Û. J o > > ‘ ‘ ‘ ¿. ¿ ¿ ¿ Û. Û‰ Û Û ¿ ¿ ¿ Û‰ Û Û J J ¿ ¿¿¿ ¿ ¿ ¿ ¿ ¿ ÷ ’ ’ ’ c Û ÛÛ Û ÛÛ ’’’’ ’’’’ ’’’’ ’’’’ ’’’’ B fill simile HH_ ˙ ˙ ˙ Û Û ÷ ’ ’ ’ ’ ’’’ ’ j ¿ ÷ ’’’’ ¿ ¿ Û Û Œ ¿ ¿ ¿ ¿ o o o o ¿¿ ¿¿ ¿¿ ¿¿ ÷ Û ÛÛ Û ÛÛ ‘ 7 % interlude cymbals: fill ’ ¿ ’ ¿ ’ ¿ ’ ¿ ’ ¿ ’ ¿ ’ ¿ ’ ¿ j Ó ‰Û Œ .. ’ ’ ’ ’ ’’’’ ’’’’ ’ ’ ’ ’ .. solos simile A x4 ‘ ‘ pattern A Û Û ‰ Û Û J fill fill ÷ Û . Û ‰ Û ’ ’ Û . Û ‰ Û ’ ’ Û . Û‰ Û ’ ’ 24 ’ J J J fill B ÷c ¿. ¿. ’ ’ Û Û. Û Û. 7 interlude ÷Œ ¿ Œ ¿ cymbal fills ‘ 7 ‘ ’ A la S-Keys solo- j ¿o vamp on A y solo on cue a CodaÓ ‰ ¿ Œ Û . Ó Œ . ‘ ’’’’ ’’’’ ’’’’ ’’’’ .. Û Coda U ÷ 34 Û . Û ‰ Û ’ Û . Û ‰ Û ’ Û . Û ‰ Û . J J End Transcripción:Pablo Posa 34 B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N | ISSUE MAR-ABR 2012 BUEN TEMPO Por José Antonio Pereira Debido a mi labor docente a veces contactan conmigo músicos en busca de un batería para su banda. Buscan alguien que esté aprendiendo, con ilusión e intereses musicales afines para llevar a cabo un proyecto común. Suelen pedirme que les ponga en contacto con algún alumno y casi siempre me dicen “no hace falta que toque mucho pero que tenga muy buen tempo”. Si preguntásemos a todos los músicos que conocemos cual es la principal característica que debe tener un buen batería es probable que la respuesta mayoritaria sea “buen tempo”. La batería es un instrumento con muchas posibilidades aunque la principal es acompañar y crear una base sólida para que los demás instrumentos hagan su trabajo, pero sin buen tempo esto es imposible. Que la batería se encargue de generar esa base para los demás se debe en parte a que posee una voz muy particular, potente y definida. Parece por tanto que el batería es el candidato perfecto para el puesto de “mantenedor del tempo” dentro de cualquier banda. Conseguir un perfecto control del tempo y un reloj interno a prueba de bombas es una máxima que todos los baterías debemos tener como principal objetivo. No obstante, a veces no tenemos muy claro cual es la mejor estrategia para lograrlo e incluso ni siquiera sabemos a ciencia cierta en que consiste un “buen tempo” de verdad. A lo largo de este artículo intentaré arrojar algo de luz sobre este tema para que, en la medida de lo posible, tengamos más claro que es un buen tempo y como conseguirlo. B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N | ISSUE MAR-ABR 2012 TEMPO Y GROOVE Tempo no es lo mismo que groove. Esto es lo primero que debemos tener bien presente porque es muy habitual confundir estos términos en el lenguaje coloquial. Para comenzar hemos de saber que el concepto tempo se divide en “medida” y “subdivisión”. Para entender estos términos pensemos en un batería tocando un patrón. Cada caja y bombo que coinciden con los tiempos del compás son la “medida” y los charles, notas fantasma y notas de adorno que hay entre ellas son la “subdivisión”. No sirve de mucho que sea capaz de ajustarse perfectamente al metrónomo si la subdivisión se mueve o da tirones y, de la misma manera, no es muy útil una buena subdivisión si el patrón se acelera o ralentiza progresivamente respecto del beat. En cualquiera de los dos casos el groove será deficiente. Pero ¿qué es groove? Esta palabra es utilizada habitual y mayoritariamente con dos significados distintos. La primera es cuando utilizamos el término “groove” como sinónimo de “patrón”. De esta forma decimos “un groove de pop” en lugar de “un patrón de pop”. Esta acepción no es la que nos interesa por el momento. La otra utilización del término “groove” es cuando queremos expresar que algo suena bien, camina correctamente y tiene el sentido interpretativo adecuado. Groove es algo más que buen tempo, de hecho se puede tener buen tempo y no tener groove. Escuchad el tema “Chamaleon” de Herbie Hancok y los Headhunters. Probad a medir el tempo en los primeros diez segundos. Ahora escuchad la canción en el minuto diez y volved a medir el tempo. Varía mucho porque han acelerado a lo largo del tema pero… ¿alguien se atreve a decir que no tiene groove? Lo mismo sucede con temas como Stairway to Heaven de Led Zeppelín y tantos otros. EL TEMPO Y EL LOCAL DE ENSAYO Como ya he mencionado, existe la idea de que el batería es el que debe mantener el tempo de la banda. Su misión es vigilar que el tempo sea el correcto y no varíe durante la ejecución del tema. Se suele decir que si el batería no es bueno, la banda nunca llegará a sonar bien. Estoy bastante de acuerdo con esto y en que el grado de responsabilidad del 36 B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N SO N SO NID OS batería dentro de la banda es alto. Pero lo que también debemos tener en cuenta es que el tempo es tarea de todos; bajistas, guitarristas, etc. Todos deben ayudar a que las canciones suenen lo mejor posible, cada uno desde su lugar. Es cierto que, debido a la sonoridad del instrumento, el batería tiene un lugar privilegiado para el mantenimiento de éste, pero no es motivo para que los demás miembros de la banda se relajen y deleguen esta misión en uno solo. A veces he encontrado casos entre mis alumnos en los que se sentían profundamente consternados porque no conseguían mantener constante la velocidad de los temas. Yo les he pedido la grabación de un ensayo y he podido comprobar como los demás componentes de la banda no tenían desarrollado el sentido del tempo en absoluto. Es soberanamente difícil, incluso para un profesional, mantener un tempo sólido cuando los demás músicos “tiran” de uno para todos lados. Incluso resulta paradójico como el que más se queja del tempo del batería es el que peor tempo posee. No obstante, no debemos tomarnos estas situaciones como un problema sino como un desafío para aprender y mejorar. Como baterías debemos poseer un sentido del tempo lo más desarrollado posible y así, entre otras cosas, podremos ayudar a que también lo desarrollen los demás compañeros del grupo. Una vez aceptado que el batería es el principal mantenedor del tempo, aunque no el único, podemos pasar a otros asuntos. Una de las cuestiones que más sue- | ISSUE MAR-ABR 2012 len preguntar los alumnos es si conviene ensayar con metrónomo. Cuando se usa alguna clase de secuencia grabada la respuesta es, por supuesto, si. Para que la grabación o secuencia coincida con la ejecución en vivo es obligado el uso del metrónomo. Pero si no hay pistas grabadas, la elección dependerá del grupo. Si los temas suenan bien, en principio no hace falta el uso del metrónomo. Puede suceder que sólo usemos el metrónomo para encontrar la velocidad adecuada del tema durante la composición o que, simplemente, comprobemos algunas partes que sospechamos no “andan bien”. Hay bandas que prefieren usar el metrónomo sólo para conseguir que los temas suenen siempre igual. Esto último no es mala idea porque, ensayo tras ensayo, el grupo consolida su sentido del tempo. Lo principal es con- 37 B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N SO N SO NID OS seguir que la banda suene empastada. No sirve de nada que el batería siga un “clic” si no puede escuchar a sus compañeros. Por eso, a veces, alguien me ha comentado que los temas suenan mejor cuando no se usa metrónomo. La explicación radica en que intentan seguirse unos a otros y el resultado es de una mejor conjunción. Cuando no hay costumbre en el empleo del metrónomo lo que sucede es que el batería persigue el “clic”, los demás persiguen al batería y nadie toca con nadie. Por esto aconsejo que, si el batería va a utilizar el metrónomo con el grupo, debe practicar antes él solo para acostumbrarse. Hay otro factor importante para la buena marcha de la banda; los modales. No importa que seamos “punkis”, “funkys” o “jazzeros”, la educación se nos supone. Si el batería tiene problemas de tempo y los demás no, la misión de estos últimos es ayudar a su compañero con paciencia. He visto como algunos grupos pretenden que el batería mejore su tempo mediante la táctica de “acoso y derribo”. Esto hace un flaco favor al bienestar del grupo. Lo mismo digo para los baterías; ayudad a los demás miembros del grupo, hacedles ver donde se atrasan o adelantan y dejadles vuestro metrónomo si hace falta. Si, por ejemplo, el bajista de vuestra banda no respeta el tempo, regaladle un metrónomo para su cumpleaños pero no le agobiéis. Creo que actitudes como “yo voy bien, tú vas mal” no colaboran en la mejora del sonido en absoluto, pero sí delatan un comportamiento arrogante. Si tocar música es lo que más os gusta no dejéis que la mala educación o la impaciencia lo estropeen. EL TEMPO Y EL ESTUDIO DE GRABACIÓN Hemos creado con nuestra banda un puñado de buenas canciones, hemos ensayado bastante y alguien sugiere que es el momento de entrar en estudio. El trabajo de estudio es realmente fascinante. Quizás el directo tenga una carga de energía inmediata mayor pero la ejecución se disuelve en el aire, en cambio, las grabaciones de estudio quedan para la posteridad. Grabar por primera vez puede plantear interrogantes como; ¿Debo usar metrónomo o no?. En principio, es realmente aconsejable su empleo, sobre todo por las posibilidades de edición posterior. Si el batería ha cuadrado su interpretación con un metrónomo, resulta más fácil para los demás grabar posteriormente. Actualmente se utiliza la grabación y edición digital que puede corregir los posibles desfases del batería pero es mucho más cómodo para todos trabajar con una ejecución correcta de entrada. Si hemos decidido grabar con metrónomo debemos ensayar antes con él. No cometáis el error de entrar en estudio por primera vez pretendiendo tocar en unas condiciones totalmente nuevas para vosotros. Grabar en un estudio por primera vez puede generar nervios, si a esto le sumamos la novedad del metrónomo, el resultado puede ser catastrófico. En algunos casos puede derivar en frustración por no sentiros capaces de controlar la situación, pero debéis otorgaros un margen y no sentiros mal. Lo que sí podéis hacer es preparar la grabación bien de antemano. Practicar los temas con metrónomo y estudiar en que partes puede haber “tirones” de tempo para que luego no os pillen por sorpresa. Vamos a suponer que, por desconocimiento o falta de medios, llegáis al estudio sin haber tocado nunca con metrónomo. En esta situación yo preferiría grabar sin él para que, por lo menos, el sonido sea similar al que | ISSUE MAR-ABR 2012 conseguís en el local. Una vez más, es preferible que sonéis empastados aunque con desfases de tempo, a que intentéis seguir un “clic” que os distraiga de escuchar a los demás. A algunos esto les puede parecer mal pero, muchas veces, vemos grupos que, aunque no tocan con un tempo homogéneo, suenan bien por que “van todos a una”. El productor o el técnico del estudio puede que no estén muy de acuerdo con la idea de grabar sin metrónomo dado que complica mucho la edición posterior del material y, por tanto, su trabajo. En estos casos debemos confiar en que aceptarán la opción que mejor resultado final comporte en lugar de la que les sea más cómoda para trabajar. Intentad siempre que el tempo sea lo más correcto posible pero no olvidéis que el éxito se consigue con buenas canciones y no con ejecuciones maestras, aunque estas ayuden. EL TEMPO Y EL NEGOCIO DE LA MÚSICA La música se ha convertido en un negocio de proporciones mundiales hace muy poco tiempo. Antes, la música estaba destinada a acompañar festejos, celebraciones religiosas, etc. De esta forma, la música de un pueblo era de consumo reducido y propio y no tenían porque entenderla los del pueblo de al lado. Pero para vender muchos millones de discos, los autores y productores deben encontrar una estructura musical que pueda enganchar rápidamente a los millones de posibles consumidores que, por supuesto, pertenecen a culturas muy distintos. Aquí entra en escena ese maravilloso “bombo a negras” y patrones simplones que, perfectamente cuantizaditos, dan base a casi todos los “hit singles” veraniegos. La 38 B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N SO N SO NID OS idea es sencilla, si doy a la música un “acento” (por ejemplo) brasileño puede que halla ciudadanos de otras regiones que no lo identifiquen o no lo entiendan y, por tanto, no compren el disco así que “le pongo un bombo en negras” y ya todo el mundo lo puede entender, bailar fácilmente y, lo más importante, se “enganchen” desde la primera escucha. Quizás sea un ejemplo exagerado pero la realidad no dista mucho de esto. cas basan parte de su idiosincrasia en la “imperfección” entendida como el acento propio de cada pueblo. Escuchar y estudiar la música de diferentes culturas os dará un control verdadero del tempo, en el que tú decides la distancia entre las notas en función del estilo musical. Ni que decir tiene que esto modifica la forma de tocar. Como batería debo de ser capaz de tocar lo más pegado posible al metrónomo para satisfacer las demandas de un mercado que exige unos arreglos de batería “clavados”. Numerosas veces tendremos que tocar sobre secuencias pregrabadas, por lo que mi tempo se tendrá que ajustar lo más posible al de la maquina. Es importante no olvidar que esto es sólo una parte del negocio de la música. Otros muchos artistas graban sus discos con un toque totalmente humano y experimentan con las variaciones de tempo para realzar la expresión. Probablemente no venderán tanto como Lady Gaga pero no importa demasiado porque las prioridades son diferentes. No es mi intención desonzar el consumo musical de masas, como tampoco creo que el que hace música experimental sea un santo varón. Lo que sí que tengo claro es que, como profesional de la batería, tendré que lidiar con unos y con otros. El control del tempo pasa por ser perfecto como un metrónomo unas veces, e “impreciso” y complejo otras. Cualquier forma de expresión musical no es mejor ni peor que otra, solamente emplea recursos distintos para lograr transmitir “su verdad”. Retomemos y ahondemos en el concepto “groove” que introduje al comienzo. Como dije antes, tener buen groove es algo más que tener buen tempo. Posiblemente un flamenco lo traduciría por duende y un latino por sabor. Cuando la base rítmica rueda perfectamente creando una base sólida y empastada decimos que tiene groove. Ser capaz de tocar igual que un metrónomo no es sinónimo de buen groove. Cada estilo musical se caracteriza, entre otras cosas, por interpretar el tempo de una forma diferente. Unas veces la tendencia a “tirar hacia delante” definirá el groove correcto y en otros casos será al contrario. Algunas culturas subdividen de una manera particular e “incorrecta” y eso hace que tenga el groove apropiado. Por todo esto, el estudio del groove comienza por la escucha detenida y “consciente”. Intentad analizar que es lo que sucede en todos esos discos que os gustan. Es tremendamente aconsejable escuchar otros estilos musicales, aunque no nos agraden demasiado. La música es un idioma maravilloso con muchos dialectos diferentes así que no nos quedemos en uno sólo. Precisamente, muchos de los músicos que admiramos se han desarrollado bebiendo de muchas fuentes. Escuchando estilos de música distintos enriqueceremos nuestra visión del tempo y del groove. Es fundamental estudiar con metrónomo y ser capaces de parecer máquinas porque nos lo van a exigir en según que situaciones. Pero no olvidéis que muchas músi- Como ya hemos mencionado en apartados anteriores, a veces se hace necesario tocar las cosas “justo en el clic”. EL TEMPO Y LA PRÁCTICA | ISSUE MAR-ABR 2012 Si nos acostumbramos a usar el metrónomo no tendremos problemas para seguir una secuencia o grabar con claqueta. Pero ¿Cómo usar el metrónomo?. Lo primero es no desanimarse. Casi nadie se siente cómodo con él al principio. Siempre debéis de tener en cuenta que, por muy complicado que os resulte, si trabajáis con constancia vuestro tempo mejorará. La paciencia es nuestro principal aliado en esta empresa. Para comenzar a practicar necesitamos un metrónomo que podamos escuchar con claridad. No se trata de reventarse los oídos con él sino de tenerlo presente para notar las posibles fluctuaciones. En este tema cada músico es un mundo. Hay a quien le gusta escucharlo muy fuerte y a quien no, vosotros mismos encontraréis como os sentís más a gusto. Un buen ejercicio para comenzar es practicar patrones básicos a tempos muy lentos (60 bpm) e ir bajando a medida que lo dominéis y os sintáis cómodos. Contar en voz alta os ayudará a internalizar el tempo además de desarrollar la coordinación mente-cuerpo. Comenzad escuchando el metrónomo, después intentad contar en voz alta encima y, al final, tocad algo sencillo sin dejar de contar. Es primordial que toquéis durante periodos de tiempo prolongados para ir, poco a poco, ajustando y perfeccionando la sincronía con el metrónomo. No se trata de perseguir el clic sino de tocar a la vez. Si practicáis habitualmente este último ejercicio notaréis mejoría pero no son pocas las personas que se acostumbran a tocar así y cuando prueban a tocar sin metrónomo se sienten como un trapecista sin red. La inseguridad se adueña de ellos porque no tienen la referencia habitual que les dice que todo va bien. Para desarrollar la confianza y el tempo interno suelo practicar de la siguiente forma: abro una sesión del programa de 39 grabación o secuenciador que utilice. Programo un ciclo de cuatro compases en los que los tres primeros tengan metrónomo mientras que el cuarto esté vacío. Esto me obliga a tocar sin referencia durante el cuarto compás y, por tanto, a confiar en mi propia intuición y tempo. Cuando compruebo que siempre entro perfectamente sincronizado en el compás uno, elimino el metrónomo del compás tres. Ahora estaré dos compases con clic y dos sin él. Así sucesivamente hasta que toco sólo un compás con clic y tres sin él. Este ejercicio fortaleza la confianza en nuestro propio tempo interno. No os preocupéis porque puede ser un poco desesperante al principio pero tened paciencia porque el beneficio que os espera merece la pena. Además de patrones, probad añadiendo breaks procurando no acelerar, lo cual es muy habitual al principio. Un ejercicio que a mi personalmente me encanta es tocar con el metrónomo suponiendo que eso que suena no son las negras del compás (o los tiempos del compás). Por ejemplo, comenzad escuchando el clic y contando en voz alta como si ese clic fuera la segunda corchea de cada tiempo. Cuando estéis cómodos con la cuenta comenzad a tocar. El clic sonará como contratiempos de lo que tocáis. Si domináis esto comenzad de nuevo pero esta vez tomad el clic como si fuera la cuarta semicorchea de cada tiempo. Notaréis que la cosa se complica. Este ejercicio no es nada sencillo al principio y requiere mucha concentración y paciencia pero reporta unos beneficios tremendos a vuestro tempo interno y todo esto se traduce en mayor seguridad a la hora de tocar. Puedo decirte que lo que estás buscando, está a tu alcance, no quedarás defraudado. WWW.IBERDRUM.COM CONCLUSIÓN Es necesario mantener en todo momento una actitud positiva ante los problemas, ya que esto nos ayuda a encontrar las soluciones con más facilidad. El tempo es una herramienta de expresión muy poderosa que podemos aprovechar en nuestras interpretaciones. No convirtáis el metrónomo en vuestro enemigo aunque estéis recibiendo mucha presión por parte de los demás porque no os ayudará en absoluto. Una buena dosis de paciencia y optimismo es necesaria para alcanzar vuestras metas. Haced del metrónomo vuestro aliado y disfrutad de vuestra gran pasión; tocar la batería. SALUD Y SUERTE. Lug Lock TM C/ Josefina Aldecoa Nº 6 - Illescas - Toledo - 45200 - España 8dio Taiko Solo + Ensemble Para que te escuchen los dioses El taiko es un instrumento legendario de la cultura japonesa, donde los samurais y guerreros los hacían sonar con la idea de que era el único instrumento que los dioses podían escuchar, debido a su gran resonancia y tamaño y poder así conseguir su protección frente al enemigo. Este tipo de librerias, muy dependientes de un sonido orgánico de base, necesitan que para conseguir el éxito hayan sido grabadas en el ambiente correcto, por los instrumentistas correctos y por los ingenieros correctos. A la hora de llevar a cabo una producción de este calado no te puedes arriesgar a que suene artificial y “barato”. 8Dio es una compañía especialista en enfocar bien los proyectos que tienen entre manos para después ofrecer un producto de extrema calidad a precios más que económicos. En esta ocasión, el equipo encabezado por el galardonado Troels Folmann, dirigió una sesión de grabación del combinado Emmeryville Taiko de Susan Holm, con los que se grabó material para constituir dos librerias diferentes, que son las que hoy nos ocupan, Solo Taiko y Taiko Ensemble. Solo Taiko dispone de más de 4.200 samples distribuidos en 60 patches tocados en un formato más minimalista, para conseguir sonoridades más pequeñas. Los instrumentos de los que dispondremos a la hora de usar esta librería son 5 tipos diferentes de Taikos, de diferentes tamaños y afinaciones, así como también 4 diferentes shimes en diferentes afinaciones. Todo ello estará bajo nuestro control gracias al interfaz Kontakt de Native Instruments, todo un clásico. Por Agus González-Lancharro Pulsa sobre la imagen para ver el vídeo. 42 A parte de los grandes tambores, esta librería cuenta también con el intrumento de metal Tekkan, para añadirle otro timbre más zen a nuestras composiciones. Como todos los productos que manufactura 8dio, la perfecta programación de sus Round Robins hace que la sonoridad orgánica de todas sus librerías sean marca de la casa. Solo Taiko y Ensemble disponen estos samples de taiko colectivamente e individualmente, para poder manejarlos a tu gusto dependiendo de las necesidades de tu proyecto. El otro objeto de review es Taiko Ensemble, grabado con el mismo equipo en el mismo emplazamiento que Solo Taiko, por lo tanto, los sonidos de dichas librerias son absolutamente compatibles y empastan 100% entre ellas, haciendo de la adquisición de dichos productos (unos 250 dólares conjuntamente) la inversión perfecta para tener a tu control el espiritu guerrero samurai. En este caso, los sonidos se basan en la potencia de un gran combo de personas percutiendo sin piedad enormes tambores como los Daikos, Shimes y tambores de diversos tamaños. En Taiko Ensemble, al igual que en Solo Taiko, no solo de las pieles del tambor vive el guerrero, también podemos contar con las sonoridades creadas por las mazas tocando los aros así como también enérgicos gritos de los instrumentistas para dar vida a las piezas que creemos. En el vídeo demostración que adjuntamos en este artículo se puede comprobar lo bien que confluyen ambas librerias juntas. Las interfaces de ambos productos son idénticas, contando con botones muy útiles como el Stepping, que nos permitirá cambiar 24 veces de afinación, podiendo buscar así cualquier registro que se nos pueda ocurrir. Esto sin duda nos ayuda a ser creativos en la producción ya que tendremos a nuestra disposición un espectro tonal elevado. Controles de Attack y Release son a la par comúnes y útiles. El control Wetness nos permitirá añadir más mezcla de la reverb de convolución que también viene incluida en el pack y que podremos controlar desde la pestaña “select an impulse”. Aunque originalmente las librerias fueron grabadas en una catedral, estos impulsos nos pueden transportar a los músicos a un bunker, a un garage o a un hall, entre otros. No es nada fácil componer para este tipo de intrumentos, ya que nuestro soporte no son las melodías, así que nuestra capacidad rítmica y conocimiento del estilo y del instrumento son básicos para que salga algo convincente de nuestra mente. Conclusión 10/10. Una de los puntos fuertes de 8dio es que sus librerías rezuman tanta vida y el rango dinámico es tan grande, que enseguida encontraremos inspiración creativa. La programación es impecable, el look es sencillo y efectivo. Sus opciones de interfaz hacen de estas librerías una gran herramienta, no sólo para tratar con Taikos en sí, sino para avivar cualquier otro tipo de percusión con el que ya cuentes en tu arsenal. Punto extra para las magníficas reverbs que incluye el producto, extremadamente naturales y que nos ayudarán a salir del apuro si no estamos contentos con los resultados de nuestras reverbs cotidianas. 43 morbo que el primer astronauta que pisó la Luna, buscando algo que no sabemos lo que es. Igual, los astronautas todavía siguen sin saber para qué fueron a la Luna. de estomago, lo cual es casi peor; y los que piensan lo segundo, se aburren tanto que empiezan a decorar sus baterías con miles de platillos. Los médicos recomiendan mantener una alternancia entre estas dos formas de vida, evitando siempre los extremos. Pero por alguna razón, solemos desconfiar de los consejos de los hombres con bata blanca, tal vez porque aunque suenan sabios y sensatos, siempre resultan imposibles de llevar a cabo.Algunos bateristas no dan mucha importancia a la colocación o altura de sus platillos no porque sean descuidados, sino porque utilizan más el oído que la vista, lo cual les convierte en músicos. También les hay que colocan geométricamente sus cien mil platillos como dando a entender que sólo se comunican con seres superiores y por telepatía tántrica, cuando la verdad es que con todos esos platos es imposible cualquier contacto visual con el exterior. Salimos al espacio exterior a escuchar los demás instrumentos igual que entramos en una aventura amorosa: cargados de ilusión aunque llenos también de preguntas sin respuesta. Todo sea por la música o por el amor. El caso es que nos lanzamos a escuchar esa vida más allá de los platos con la certeza de que es lo único que podemos hacer, sin cuestionarnos si esa vida será inteligente o si le hará bien a lo que nosotros tocamos. Julián Hernández, gran músico, vividor y cantante de Siniestro Total publicó un libro con el inquietante título: ¿Hay vida inteligente en el rocanrol? El texto aclara muchas cuestiones, pero no despeja la incógnita de si el rocanrol y la inteligencia son en verdad sinónimos o antónimos. Los que viven creyendo en lo primero o mueren jóvenes o viven con ardor El problema de abusar de estas láminas de metal, es que la imagen de muchos platos puede crear una ilusión óptica por la cuál hay algunos guitarristas que en lugar de platillos empiezan a ver ovnis, con sus marcianos verdes y todo, que les hablan en idiomas que no entienden. Y acaban tocando música demasiado rara, y sus novias les dejan, y van perdiendo sus amistades, y poco a poco se van quedando calvos, y para justificarse, es muy común que le echen las culpas a su batería, porque dicen que siempre va un pelín lento o un pelín rápido, vamos, que no tiene groove. Lo peor es que después, el pobre batería para entender el groove empieza a leer libros de autoayuda, que le recomiendan, valga la parajoda, no ser tan obsesivo con el tempo y vivir el momento. ¿HAY VIDA MÁS ALLÁ DE LOS PLATILLOS? por José Bruno Reconozcámoslo, los baterías tardamos años en darnos cuenta que hay vida más allá de los platillos, que esos tipos que están de pie delante del bombo, están tocando la misma canción que nosotros y que tal vez deberíamos escucharles. Al principio nos da miedo desviar nuestro oído de la órbita del hi-hat, pero cuando lo hacemos, nos divertimos tanto como esos días que no queríamos salir pero que al final no queremos volver. ¿Acaso a los baterías nos cuesta escuchar lo que suena afuera porque gozamos de una interesante vida interior? ¿Tal vez porque crecemos con un miedo latente a molestar a los vecinos y no queremos escuchar los golpes en la pared? ¿O por que hay platillos tan preciosos de mirar que se nos clava la vista en ellos como en un pibón cuya presencia no nos deja disfrutar de la fiesta, igual que en el dicho: los árboles no nos dejan ver el bosque? Empezamos escuchando a los demás con el mismo 44 Dime qué escuchas/ves/estudias y te diré quién eres. Textos: Danko Compta Hirnyj. Discos, directos, métodos, websites, y curiosidades en los que parar, ya sea un ratito o para que formen parte de tus incunables. CD los créditos nos asombre en todos los instrumentos. A la batería, concretamente, el compañero Didac Fernández, el cual os recomiendo no os perdáis siempre que tengáis ocasión de disfrutar, grabado o en directo, le llaman “el pintor de la batería” si le veis, lo entenderéis. Joan‐Pau Chaves: Voz, piano, teclados y bajo a “Cul del món” Oriol Cusó: Saxo 8.30 a.m. Este álbum de Carlos Goñi, en su proyecto Revolver, contenía en su edición limitada un DVD con la toma de los 6 primeros tracks del disco, además de un making off, y el videoclip del single “Eso de saber”. En esta edición en vídeo podremos disfrutar del Groove maestro de Ángel Celada en temas míticos del autor como “Lo que Ana no ve”, “Odio”, etc. Un vídeo intimista, cálido, suave, en el que podemos apreciar el peso de este maestro que, por su lista de grabaciones, giras, conciertos y demás resulta nuestro “Vinnie Colaiuta” a nivel nacional. CRÉDITOS Jordi Franco: Bajo Carlos Goñi: Compositor, productor, cantante y guitarra Dídac Fernàndez: Batería y percusiones Quique Morales: Ingeniero de Sonido Joan Pau Chaves Sergi Claret: Violín EL MELIC DEL MON Francesc Puche: Violín Las Marcadas influencias de: Steely Dan, Harry Connick Jr, Ben Folds, The Yellow Jackets,… motivan que un personal exquisito en RevolveR David Muñoz “Gnaposs”: Guitarra Neus Jaume: Voces El álbum debut de este pianista/teclista mallorquín afincado en Barcelona se presenta, con sus propias palabras, como: “diez canciones de un corte Jazz/Rock que pretenden explicar esa sensación inevitable, inofensiva y absurdamente vital de creernos protagonistas de las cosas que pasan, olvidando que, simplemente, somos personajes del reparto en un mundo inmensamente grande pero que la cotidianeidad nos la vuelve accesiblemente pequeño” VÍDEOS Ángel Celada: batería Laurent Vernerey: bajo Laia Martí: Viola Pau Chafer: piano, Fender Rhodes y coros Maria Bou: Violoncelo Josvi Muñoz: saxofón Arreglos de viento y cuerda: Joan--‐Pau Chaves Lalo Jordá: órgano Todas las canciones escritas por Joan--‐Pau Chaves excepto “Torna enrere”, letra de Lluís Gavaldà i Joan--‐Pau Chaves. Pepe Canto: percusión Producción: Joan--‐Pau Chaves y Jesús Rovira Grabado, mezclado y masterizado en La Casamurada durante el mes de diciembre del 2010 por Jesús Rovira. Assistente: Arturo Torres. Fotografía y grafismo: Àlvaro Sanz y Sur la Route. Cuco Pérez: acordeón Cristina González: coros Arantxa Domínguez: coros David Herrington: trompeta 45 En Pro-Drumming System, David Barcos, trabaja el crecimiento técnico de una manera piramidal y muy exponencial, siempre con secuencias de ejercicios que van aplicando lo afianzado de uno a otro. Trabajando técnica de manos y de doble bombo (doble pedal) también, un método muy enriquecedor hagas el estilo que hagas. MÉTODO INSTRUCCIONAL (DVD/ LIBRO/AUDIO CD) David Barcos – Pro Drumming System Os recomiendo encarecidamente que busquéis vídeos de David en la red, prima la elegancia y la fluidez de influencias características de bateristas como Weckl y Donati en su manera de tocar. Velocidad, definición y técnicas distribuidas de manera muy inteligible! Siempre influenciados por los que nos enseñan desde otros lugares del globo, va siendo hora que conozcamos algún método de firma nacional. David Barcos, un baterista tremendamente limpio y veloz en la técnica, y con una personalidad y filosofías de aprendizaje y comunicación asombrosos. Licenciado por Berklee Collage of Music en Performance, Master en Programación-Neurolinguista, Endorser Internacional para Sabian Cymbals, Remo Drum Heads, Pearl Drums y Vic Firth Sticks. Autor del Método de Batería Pro-Drumming System (228 paginas con 2 CD, audio y video) Co-Fundador y Director General de Elite Pro-Seminars. Actualmente se dedica a la comunicación y a compartir sus conocimientos sobre filosofía de autopotenciación a nivel personal, al estilo “coaching”. WEB SITE www.quientocaque.com En esta ocasión: website que considero el acierto de la temporada, y le debemos las gracias al compañero Miguel Ballester por esta iniciativa. En el segundo número de “Batería y Percusión” hablamos de www.drummerworld.com, portal con un listado de los baterías más reconocidos a nivel internacional; pues con www.quientocaque.com, Miguel Ballester nos ofrece la lista de los bateristas más reconocidos de nuestro panorama nacional. Una lista que, además, crece semana tras semana gracias al esfuerzo que aúnan los integrantes y visitantes de la propia web y de la página en Facebook de Quién Toca Qué. TV - (PROGRAMA / CADENA) 7º de Caballería Miguel Bosé Este programa que se emitió durante dos emporadas con unos 21 capítulos por temporada estaba dirigido y presentado por Miguel Bosé y fue emitido por Televisión Española. En un principio, esta incursión del artista en la pantalla catódica fue saludada con agrado por la crítica y el público. El programa, admitió todo tipo de artistas y estilos musicales, alternando las actuaciones con las entrevistas que Bosé efectuaba a los diferentes 46 cantantes y músicos. Pese a haber sido galardonado en 1999 con el Premio de la Música al Mejor Programa Televisivo, El Séptimo de Caballería empezó a quedar relegado en las preferencias de los telespectadores. Bosé, antes de que se apagasen definitivamente los ecos del programa, editó un disco en el que recopilaba las mejores actuaciones de los artistas con los que había compartido plató. echamos en falta en la televisión nacional hoy en día) por la posibilidad de disfrutar de artistas y músicos desde un prisma más fresco y cercano como ofrecía un programa así. Recomendable inspección en la red de varios extractos del programa (Alejandro Sanz, Enrique Bunbury, Santana, Javier Vargas, Raimundo Amador, Madonna, Mikel Erentxun, Ismael Serrano, REM, etc…) además de por su apuesta musical en televisión (cosa que Y para hacerlo a través de una radio directamente deberemos sintonizar el dial: 93.2 en Madrid, del 97.5 al 105.01 en Barcelona. En nuestro ánimo de expandir nuestros conocimientos musicales os animamos a que si conocéis programas o cadenas de televisión y de radio nos escribáis para descubrírnoslas y así poder recomendarlas a todos. Buscad el Canal Facebook de la revista BATERÍA Y PERCUSIÓN y mandadnos un post con vuestras ideas o mandadme un mensaje interno a mi página en Facebook. Gracias. RADIO - (PROGRAMA / CADENA) Radio 3 Seguimos con la inquietud de encontrar emisoras o programas de radio que nos proporcionen el alimento a la escucha de nuevas propuestas fuera del sector comercial para descubrir música y músicos o artistas alternativos. Un buen ejemplo es Radio 3, que se mantienen en su programación radiofónica y a través de los conciertos en su programa de televisión, que ya comentaremos próximamente en la sección programa/emisora de tv. A través de su portal web podemos escuchar su programación radiofónica: http://www.rtve.es/radio/radio3/ 47 Colaboradores Jefe de Redacción Artículos y Entrevistas Diseño Gráfico Asensio Ros “Wally” Agus González-Lancharro ComoPezEnLaRed José Manuel López Gil Roberto Cappa Raúl Guzmán José Bruno David González Danko Compta Hirnyj Pablo Posa José Antonio Pereira Nota Legal: La empresa editora de Batería & Percusión Magazine advierte que las opiniones y contenidos aquí expuestos son responsabilidad única y exclusivamente de sus autores.