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CONCIERTO
MÚSICO MÁGICO
- GUÍA DIDÁCTICA –
__Guía didáctica “Concierto Músico Mágico”________________________
ÍNDICE:
1. EL ESPECTÁCULO……………………………………….pág.3
- Música y Magia, Magia y Música
2. EL PROGRAMA……………………………………………pág.5
The Entertainer………………..S. Joplin
El aprendiz de brujo…………P. Dukas
Volver……………………………...C. Gardel
Sweet Georgia Brown……….B.Bernie y M. Pinkard
La Primavera……………………A. Vivaldi
Carmen…………………………….G. Bizet
Piratas del Caribe……………...K. Badelt
Czardas…………………………….V. Monti
El Choclo…………………………..A. G. Villoldo
Muñeira de Lugo………………Tradicional gallega
Marcha Radetzky………..Johann Strauss
3. LOS ESTILOS MUSICALES…………………………....pág.13
-
La música culta.
El jazz.
La música folclórica.
La música en el cine.
4. EL CONSERVATORIO DE MÚSICA………………...pág.16
-
El conservatorio de música.
Instrumentos de viento –madera.
Instrumentos de viento-metal.
Instrumentos de cuerda frotada.
La voz.
El piano.
Asistir a un concierto.
ACTIVIDADES………………..…………………………….pág.28
__Guía didáctica “Concierto Músico Mágico”________________________
EL ESPECTÁCULO
__Guía didáctica “Concierto Músico Mágico”________________________
MÚSICA Y MAGIA, MAGIA Y MÚSICA
Dicen los científicos una cosa rara: que la música consiste en
una serie de ondas que se transmiten a través del aire y que llegan al
tímpano. ¡Y creen llevar razón! Alguien debería plantarse seriamente
ante estos señores y señoras tan serios para decirles que eso no es la
música, que eso es sólo el sonido. Cuando uno escucha música ocurren otras cosas que los
científicos no son capaces de explicar: uno puede sonreír, mantenerse serio, reír a
carcajadas, cantar, llorar, emocionarse, bailar, volverse loco, dejar de estar loco… Yo
misma se lo diré: Miren, señores científicos, con el debido respeto, tienen ustedes aún
mucho trabajo por delante en el estudio de la música… No, no empezaré así. ¿Qué tal de este
otro modo?: Señores científicos, dense cuenta de que la música es algo más que sonido,
puesto que uno puede volverse loco… No, hoy no estoy inspirada, así que se lo diré como
hacemos en Segovia, al grano: No se preocupen en investigar sobre la música porque nunca
podrán explicar ni qué es ni cómo actúa ni qué efectos produce: Miren, señores científicos, la
música es magia, y como ustedes no creen en la magia, siempre pensarán que la música no es
verdad y dirán que tiene truco.
La magia y la música son dos artes hermanas. No se sabe qué existió primero, si la
una o la otra. Tal vez nacieron al mismo tiempo. Una vieja historia cuenta que un rey tenía
dos hijos, niño y niña. El niño tartamudeaba y la niña, más pequeña, nunca jamás había
sonreído. El rey, preocupado por los príncipes, ordenó acudir a todos los médicos del reino
para tratar de curarlos. Nadie lo consiguió. Un joven de cabello rizado y lentes chiquitas
llegó a la ciudad y pidió que le dejasen probar. Soy un mago, dijo al rey. Nadie sabía lo
que era un mago. El joven comenzó a hablar entonando las palabras, cantando, de la forma
más dulce que jamás se había oído. Y enseñó al príncipe a hablar de esta manera, pues
entonando las palabras no tartamudeaba más. La princesita, al escuchar el canto de su
hermano, comenzó a sonreír. Y cada vez que le escuchaba cantar, sonreía de nuevo. El rey
le preguntó cómo se llamaba esa forma de hablar entonando, cantando, que hacía que su
hijo no tartamudease y que su hijita sonriera: Eres un mago. ¿Es eso magia? Y el joven de
cabello rizado y lentes chiquitas respondió: Sí, es música. Pero tiene truco: Para que el
sonido se convierta en música es necesario abrir el alma al cantar o tocar. Música y magia,
por tanto, son casi una misma cosa. Y los científicos sólo lo entenderán si no tratan de
razonarlo. El rey de la historia quiso pagar al joven con una bolsa de oro, pero este dijo:
Gracias, pero preferiría esa cosa que tenéis en ese rincón, dijo, señalando a un violín viejo,
roído y polvoriento, que nadie sabía qué era, para qué servía, ni para qué podía quererlo el
joven. Al fin y al cabo, nadie puede aprender a tocar el violín por arte de magia. ¿O sí?
Al fin y al cabo,
un músico es un mago
Enrique García Revilla
Orquesta Sinfónica de Burgos
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EL PROGRAMA
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The Entertainer: a rag-time two step (SCOTT JOPLIN)
The Entertainer: a rag-time two step es un
ragtime de 1902 compuesto por Scott Joplin y
publicado por John Stark & Son. Fue elevado a
un lugar prominente como parte del
renacimiento del ragtime en los años 70
cuando fue usado en la banda sonora de la
película El golpe, ganadora de un Premio
Oscar en 1973.
Scott Joplin, nació en una familia de obreros
músicos en el noreste de Texas, y desarrolló
su conocimiento musical con la ayuda de
maestros locales. Creció en Texarkana, donde
formó un cuarteto vocal, y enseñó mandolina y
guitarra. Luego de viajar por el sur de EE.UU.
fue a Chicago para la Feria Mundial de 1893,
que desempeñó un papel importante en
popularizar el ragtime para 1897. Muere el 1
de abril de 1917, a la edad de 49 años y es
enterrado en una fosa común.
Scott Joplin
El aprendiz de brujo (PAUL DUKAS)
El aprendiz de brujo se basa en una balada de
Goethe. Es un scherzo sinfónico que describe fielmente
cada frase del texto original. La balada cuenta la historia de
un viejo mago, cuyo aprendiz está deseoso de imitar a su
maestro. El joven inexperto consigue dar vida a una escoba
a la que le ordena traer
agua. Pero pronto
El aprendiz de brujo es una de descubre que no sabe
las obras más recordadas de detener el proceso que
la película Fantasía, de 1940.
ha puesto en marcha y
que sólo corrige al final el viejo brujo. El
compositor romántico Paul Dukas (1865-1935)
se vale del fagot para dar vida al personaje de la
escoba y de un crescendo dramático
magistralmente conseguido para ilustrar las
fuerzas incontroladas que desata el aprendiz.
Paul Dukas
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“Volver” (CARLOS GARDEL/ALFREDO LE PERA)
La canción de tango Volver de
Carlos Gardel y Alfredo Le Pera es una de
las más conocidas y hermosas de la
historia.
Fue compuesto e interpretado
por Gardel pero la letra le pertenece a
Alfredo Le Pera. Desde su grabación en
1935 se consolidó como uno de los
himnos internacionales del tango.
Su letra evoca una nostalgia que le
permite tener vigencia aún hoy, mientras
que la entonación musical realizada por el
dueto lo ha hecho inmortal.
Entre sus frases encontramos una
que ha quedado marcada en el continente
americano y es utilizada como un dicho
común: “veinte años no es nada”.
Carlos Gardel
Un ejemplo de esta vigencia que
aún hoy mantiene este tango es el uso que se ha hecho de ella en otras artes, como
lo es el cine, así como las innumerables veces que ha sido versionada.
Nadie puede olvidar la versión que de esta pieza hizo Estrella Morente para
la película “Volver” de Pedro Almodóvar, en el año 2006.
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Sweet Georgia Brown (B. BERNIE Y M. PINKARD)
Count Basie y su orquesta
Sweet Georgia Brown fue compuesto en 1925 por Ben Bernie y Maceo
Pinkard, siendo la letra de Kenneth Casey. Muchos grandes artistas de jazz nos han
dejado su versión de esta obra (Ella Fitzgerald, Ray Charles, Count Basie…). Otros
grupos de música de diferentes géneros también la han versionado como por
ejemplo The Beatles.
En la música de jazz es muy frecuente la utilización de standards, piezas muy
conocidas y que sirven de base para arreglos e improvisaciones. El músico de jazz
ha de ser muy completo, ya que en la partitura suele venir la melodía y el cifrado
de los acordes básicos y a partir de
ahí los intérpretes debe mostrar sus
dotes improvisatorias y creadoras.
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La primavera. Concierto nº 1 en mi mayor, rv. 269
(ANTONIO VIVALDI)
La primavera es uno de los
conciertos solistas para violín que
forman parte de "II cimento dell´
armonía e dell´invenzione" (Ensayo
de la armonía y la invención). Esta
obra, publicada en 1726, está dividida
en dos libros, cada uno de ellos con
seis conciertos. Vivaldi introdujo en la
partitura explicaciones escritas de
aquello que describe mediante la
música: "el canto de los pájaros, los
truenos..."
Antonio Vivaldi
Esta obra está compuesta para violín
solista y orquesta barroca de cuerda: violines, violas y lo que llamamos el bajo
continuo (línea de bajo que se extiende a lo largo de toda la pieza), formado por
violonchelos, contrabajos y clavicémbalo.
Con un sonriente
tema de tres compases, la
orquesta
anuncia
la
llegada de la primavera
en
este
primer
movimiento. La aparición
del solista acompañado
por un par de violines que
imitan el canto de los
pájaros.
Luego,
ondulantes figuras de
dobles
corcheas
describen
el
agua
brotando libremente de
una
fuente.
Súbita
“Les Vessenots en Auvers”. Vincent Van Gogh, 1895.
aparición
del
solista
sugiriendo una tormenta, nuevas exposiciones del tema con eco y fin del
movimiento.
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Ópera “Carmen”. Canción del toreador.
(GEORGES BIZET)
No parece descabellado definir Carmen como la ópera
más popular de todos los tiempos. Incluso entre los poco o
nada adeptos a esta maravillosa forma de arte que es la ópera,
sus melodías son conocidas y tarareadas. Pero la popularidad
no está reñida con el arte. Bajo esa fachada de folclorismo,
tópicos y música alegre, aparece una de las obras dramáticas
fundamentales del siglo XIX, uno de los dramas
más auténticos de la historia de la ópera, que
Bizet transformó en música de forma magistral.
Una historia cruda, realista y atemporal, de
amor, celos y venganza, que tiene bien ganado
su lugar en la historia de la música. De esta
ópera destaca la Canción del Toreador,
momento por excelencia del personaje de
Escamillo, el coro entra aclamando al torero
Escamillo (Vivat! Vivat le torero!), que se
presenta con la archiconocida canción del
toreador (Votre toast, je peux vous le rendre…),
unos couplets en los que describe el ambiente
de la plaza de toros y la valentía de los toreros
para el deleite de todos los presentes.
Georges Bizet
Piratas del Caribe. (K. BADELT)
Esta banda sonora cuenta con una atractiva
mixtura de sonoridades, que van desde la orquesta
tradicional hasta el predominio muy electrónico de
sintetizadores, pasando por puntuales guitarras
eléctricas y los inevitables coros masculinos que
presagian y/o subrayan la amenaza de los piratas
del título. Badelt utiliza hábilmente todos los
elementos de percusión, alternando su
protagonismo con el de ágiles cuerdas y brillantes
metales. Se trata de una fantástica banda sonora,
épica, vibrante y emotiva, en la mejor tradición del
cine de aventuras de capa y espada.
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Czardas (VITTORIO MONTI)
Esta archiconocida obra está
inspirada en el csárdás, un baile típico
de Hungría y de las regiones cercanas
de Eslovaquia, Croacia, Eslovenia,
Transilvania o Ucrania, que se
caracteriza por tener varios cambios
de tempo. Es un baile de origen romaní.
Comienza
con
un
tempo
marcadamente lento para terminar con
un ritmo fresco y rapidísimo.
El italiano Vittorio Monti compuso esta obra en 1904, pero no fue el único
compositor romántico que encontró inspiración en el folklore húngaro. Otros
compositores como Brahms, Strauss, Tchaikovski o Liszt se dejaron seducir
igualmente por estos giros y ritmos hipnóticos que cautivan a todo el mundo.
Muñeira de Lugo (TRADICIONAL GALLEGA)
La muñeira es una danza tradicional
típica de Galicia que suele acompañarse de
gaitas, tamboril, pandereta, tambor, bombo,
charrasco, e incluso de las llamadas conchas o
vieiras. Se caracteriza porque tiene una nota
pedal (una nota grave de larga duración) que
suele ser realizada por las gaitas, sobre la cual
se toca una melodía en compás de 6/8 de
carácter ligero y festivo. El nombre, muiñeira,
significa en gallego molinera, y evoca las jornadas de trabajo en los molinos.
El Choclo (ÁNGEL G. VILLOLDO)
El Choclo es un tango criollo cuya
melodía se atribuye al violinista de raza
negra Casimiro Alcorta. Posteriormente, a
comienzos del siglo XX, fue orquestado
por Ángel Gregorio Villoldo y hoy es
considerado uno de los tangos criollos
más populares.
El tango es un género musical y
una danza típica de la región del Río de la Plata en Argentina, que nace a finales del
siglo XIX gracias a la fusión cultural que se produce en un entorno de enorme
diversidad étnica: afrorioplatense, gauchos, indígena, hispana, africana o italiana.
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Marcha Radetzky (JOHANN STRAUSS,
PADRE)
Johann Baptist Strauss I (1804 – 1849), fue un
compositor austríaco nacido en Viena, conocido
particularmente por sus valses. Fue el fundador
(sin que fuese su intención) de una dinastía
musical con sus hijos Johann Strauss (hijo), Josef
Strauss y Eduard Strauss. Su obra más famosa fue
precisamente la Marcha Radetzky.
Johann Strauss (padre)
La Marcha Radetzky es una composición
orquestal de Johann Baptist Strauss I (padre), escrita en el año 1848. Fue
compuesta en honor al Mariscal de Campo austriaco Conde Joseph Wenzel
Radetzky, que en una serie de victorias, salvó el poderío militar de Austria en el
norte de Italia durante la revolución de 1848-49. La marcha alcanzó gran
popularidad como expresión del nacionalismo austríaco. Fue ejecutada por
primera vez el 31 de Agosto de 1848.
Desde 1896 es la marcha oficial de la "Escuela Militar del General Bernardo
O'Higgins", del Ejército de Chile, pero todos la recordamos por ser la obra que
tradicionalmente cierra el concierto de año nuevo de la Orquesta Filarmónica de
Viena. También es tradición que el director haga partícipe al público dirigiendo a
los asistentes para que acompañen con palmas a los músicos.
El tradicional concierto de año nuevo en el Musikverein de Viena, Austria.
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LOS ESTILOS
MUSICALES
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LA MÚSICA CULTA
Lo que conocemos comúnmente por música “clásica” es en realidad música
culta, ya que la música “clásica” es uno de los diferentes estilos que engloba este
tipo de música según la época a la que pertenece. Está la música medieval,
renacentista, barroca, clásica, romántica, expresionista, etc.
En este concierto didáctico vamos a tener la oportunidad de escuchar
música culta de varias épocas, como La Primavera, de A. Vivaldi, perteneciente al
periodo barroco, la Marcha Radetzky, de Johan Strauss (padre), que pertenece al
periodo romántico, El Aprendiz de Brujo, de Paul Dukas, que es un poema sinfónico
de finales del s.XIX, o la famosa Canción del toreador, de la ópera Carmen de G.
Bizet, un icono de la ópera
romántica.
La diferencia entre música
culta y otros estilos radica en que
se trata de obras compuestas
expresamente para una formación
en
concreto
y
para
ser
interpretadas en forma de
concierto o recital.
EL JAZZ Y LA IMPROVISACIÓN
El jazz es uno de los géneros musicales que mayor interés provocan entre
músicos y aficionados. El lenguaje del jazz es directo, expresivo y se busca una
comunión entre el intérprete y el oyente.
Muchos de los compositores de música culta se han dejado influenciar por el
lenguaje del jazz, tomando algunos elementos armónicos o rítmicos (Debussy,
Ravel, Stravinsky, Hindemith…). También el jazz toma aspectos de referencia de la
música culta. Todo ello va a enriquecer ambos lenguajes.
En nuestro concierto tendremos dos ejemplos de ello: The Entertainer, de
Scott Joplin, que se interpreta
comúnmente dentro del repertorio
de la música culta pero tiene su
origen e inspiración en el jazz y
Sweet Georgia Brown, de B. Bernie y
M. Pinkard, un ejemplo del jazz más
auténtico, donde los intérpretes
podrán
mostrar
sus
dotes
improvisatorias.
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LA MÚSICA FOLCLÓRICA
La música folclórica es aquella música característica de una región
determinada. Todo el mundo que vive en esa región la conoce aunque nadie sea
músico profesional: conocen sus ritmos característicos, saben cómo son los bailes
que la acompañan, conocen la letra y
la melodía de las canciones y a veces
ni recuerdan cómo la aprendieron,
pues se les transmitió por tradición
oral y, en cierto modo, se grabó en
su cabeza de tanto escucharlas
cuando eran niños.
La música folclórica es tan
variada y original que ha servido de
inspiración a los grandes compositores de la música culta. En este concierto
escucharemos música típica de regiones tan alejadas como Hungría, Argentina o
Galicia.
LA MÚSICA EN EL CINE
Desde la invención del cine, la música ha sido la compañera inseparable de cada historia que
se proyectaba en la gran pantalla. En sus comienzos, las películas mudas la necesitaban como
sustituta de la palabra, para que todo el mundo pudiera entender mejor la acción. En este
concierto podremos escuchar música perteneciente al cine de épocas muy diferentes: El
aprendiz de brujo (“Fantasía”, 1940), The Entertainer (“El Golpe”, 1973), Patrick´s Reel
(“Piratas del Caribe”,2003).
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EL
CONSERVATORIO
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EL CONSERVATORIO DE MÚSICA
El Conservatorio de Música es el lugar donde se aprende a tocar un
instrumento musical. Podéis empezar a estudiar un instrumento musical desde
pequeños. Con tan sólo 8 años ya se puede ingresar en un Conservatorio de Música
para comenzar el aprendizaje de un instrumento. En el concierto al que vais a
asistir podréis ver y escuchar instrumentos de todo tipo, pertenecientes a todas las
familias instrumentales.
¿Cuál os gustaría aprender a tocar?
Auditorio “Manuel de Falla”, en el Conservatorio Profesional de Música Marcos Redondo de Ciudad Real
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INSTRUMENTOS DE VIENTO MADERA:
Los instrumentos de la orquesta de esta sección están o bien construidos en
madera o tienen una serie de lengüetas de madera, aunque por diferentes avances
técnicos, la flauta travesera y en ocasiones el flautín, se construyeran en metal. Los
sonidos se crean con el aire del instrumentista, ya sea poniendo en vibración una
lengüeta simple o doble, o como en el caso de la flauta, a través de un agujero
biselado, es decir, con un borde que corta la columna de aire y la pone en
movimiento.
En cada instrumento de viento-madera hay una serie de agujeros
taladrados a lo largo del tubo. Estos agujeros se controlan por medio de un
sistema de llaves, muelles y palancas que permiten tapar todos los agujeros, a
pesar de que no haya un dedo por cada agujero taladrado. Cuando todos los
agujeros están tapados, el instrumento produce su sonido más grave, pero si el
instrumentista va destapando agujeros, va permitiendo que salga el aire, lo que
hace que longitud de la columna de aire se acorte y se produce un sonido más
agudo.
Estos instrumentos producen sonidos una octava más agudos al soplar con
una presión mayor.
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LA FLAUTA TRAVESERA:
Se
reconoce
fácilmente dentro de los
instrumentos
de
viento
madera, ya que se sujeta de
forma lateral y no recta,
como
el
resto
de
instrumentos. El borde más
alejado del bisel corta la
corriente de aire, haciendo
que la columna de aire del
instrumento vibre y así se produce el sonido. Las primeras flautas que se usaron en
la orquesta se sujetaban verticalmente y se soplaban por uno de los extremos. Las
flautas traveseras comenzaron a formar parte de la orquesta a partir del siglo XVII.
Durante
algún
tiempo
convivieron
ambos
tipos,
aunque finalmente se acabaron
imponiendo las traveseras por
su mayor expresividad, fuerza
y variedad de sonidos.
EL OBOE:
El oboe es uno de los instrumentos de
doble caña. Dos cañas delgadas se atan
alrededor de un tubo metálico llamado
tudel. Éste encaja dentro de una base de
corcho que se fija firmemente en el extremo
superior del instrumento.
El oboísta apoya la punta de la doble caña entre sus labios y cubre con ello
los dientes. Cuando sopla, dirige su columna de aire constantemente hacia las dos
cañas, haciendo que vibren una contra otra, como cuando se hacen vibrar dos
bordes de hoja doblada. LA vibración de las dos cañas, produce la vibración de la
columna de aire interna, dándose así el sonido.
Los sonidos graves del oboe son llenos, como si fueran redondos, mientras que los
agudos son muy penetrantes.
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EL CORNO INGLÉS:
También denominado oboe contralto, se trata de un oboe de mayor tamaño,
lo que hace que tenga un registro más grave. El sistema de digitación es
exactamente el mismo que en el oboe, aunque lo que suena es una quinta por
debajo del oboe, lo que hace de este
instrumento otro instrumento
transpositor. En este caso, el corno inglés
está en fa.
Al igual que el oboe, se trata de un
instrumento de lengüeta doble, pero la
campana es un poco diferente, ya que en
este caso tiene forma de pera, abriéndose
en medio y cerrándose al final, lo que le da
un timbre un poco suave y no tan
penetrante como el del oboe.
EL CLARINETE:
De los instrumentos de viento
madera, el clarinete fue el último en
incorporarse a la orquesta . Fue
inventado por Denner, constructor de
instrumentos, en 1690. Pero fue
necesario un siglo más para que los
compositores comenzaran a incluirlo en
la orquesta.
Familia del clarinete: 1.Requinto, 2 y 3.
Clarinete en Sib y La denominado soprano,
4. Clarinete Alto, 5. Clarinete Bajo, 6.
Clarinete Contrabajo.
Tiene una caña única que encaja sobre un
agujero en la boquilla. Esta caña es mucho más fina en
su extremo final. La caña se sujeta por medio de un aro
metálico llamado abrazadera. El clarinetista se coloca el
extremo superior de la boquilla con la caña en la boca y
los sujeta entre los labios, creando un cojín para la caña
que la permite vibrar. Al soplar el aire entre la boquilla
y la caña, esta vibra y por consiguiente, también lo hace
la columna de aire que hay dentro.
El clarinete es un instrumento que no está
afinado en Do, sino en si bemol. Esto significa que
cuando en la partitura de un clarinete aparece un do, y
el instrumentista toca ese do, la nota que suena
realmente es un si bemol. De esta forma, si quiere hacer
sonar un do real, tendría que tocar un re. Esto hace del
clarinete un instrumento transpositor.
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De entre los instrumentos de viento madera, el
clarinete es el que tiene la extensión más amplia. Su timbre
es más apagado que el de la flauta y menos penetrante que
el del oboe. El clarinete se ha tocado además en otro tipo de
música, siendo un instrumento característico de la música
klezmer de los judíos azkenashies.
También tenemos el clarinete bajo, que es
exactamene el doble de largo que el clarinete normal. Suena
una octava más graves. El extremo superior del instrumento
se curva para pdoer ser tocado con más facilidad. Al igual
que pasaba con el flautín, cuando es necesario tocar el
clarinete bajo, lo hace el tercer clarinete de la orquesta.
EL FAGOT:
Está relacionado con los dos anteriores, al tratarse también de un
instrumento de viento madera de doble lengüeta. El tubo es demasiado largo como
para manejarlo, lo que ha dado a un tubo doblado como sucederá en los
instrumentos de viento metal, aunque en este caso se trate de viento madera.
La caña del fagot es un poco más ancha y más corta que la del oboe y se
coloca en la boca de la misma forma que se coloca la del oboe o la del corno inglés.
El tudel es mayor para poder así llegar con facilidad al instrumento. Como es más
grande y pesado, es necesario sujetarlo con una correa que se pasa alrededor del
cuello, como sucedía con algunos saxofones y el clarinete bajo.
Se escribe en clave de fa en cuarta, pero cuando toca notas agudas, éstas se
Partes del Fagot:
escriben normalmente en clave de do
en cuarta. Este instrumento está
afinado en do, lo que significa que no se
trata de un instrumento transpositor, y
su función principalmente es la de hacer
los sonidos más graves y sujetar así a
todos los instrumentos de viento madera,
igual que el contrabajo lo hace con los de
cuerda frotada.
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EL SAXOFÓN:
Fue inventado durante los años
1840 por un clarinetista y constructor de
instrumentos belga, llamado Adolf Sax.
Está hecho de metal, y por eso caber
pensar que por este motivo habría que
incluirlo dentro de la sección de metal de
la orquesta. Pero el hecho de que produzca
el sonido mediante una sola caña y gracias
a un sistema de llaves que abren y cierran
agujeros, hace que sus características sean
las propias de un instrumento de viento
madera.
El sistema de digitación es muy similar al
de un clarinete, por lo que cuando se necesita el saxofón en una orquesta, algo que
no ocurre muy habitualmente, lo suele tocar uno de los clarinetista. La caña o
lengüeta es sencilla y la campana relativamente amplia. Todo esto, junto a la
construcción de metal, hace que tenga un sonido muy característico, dotado
incluso de un carácter bastante
nostálgico.
Su potencial dinámico (de intensidad)
es muy amplio, lo que lo ha hecho un
instrumento extremadamente rico y
con muchas posibilidades que se ha
dedicado a indagar principalmente el
jazz. Los mejores saxofonistas han sido
músicos de jazz, como Charlie Parker,
Johnny Hodges, Coleman Hawkins o
Ornnete Coleman.
La familia del saxofón es amplia
haciedo que todos los saxofones juntos
abarquen un registro amplísimo.
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INSTRUMENTOS DE VIENTO-METAL
La familia de los instrumentos de viento-metal vienen de tiempos muy
remotos, de los cuales nos han llegado datos y testimonios desde la más primitiva
antigüedad hasta nosotros.
Están construidos en metal, generalmente latón. Son instrumentos
musicales formados por un tubo de metal, que puede estar doblado o recto; una
boquilla y una campana.
Los instrumentos principales de la familia de viento-metal son: la trompeta,
la trompa, el trombón, y la tuba. Siendo la trompeta el instrumento más pequeño y
el más agudo , y la tuba el instrumento más grande y el más grave.
El sonido se produce gracias a la vibración de los labios del instrumentista
en la boquilla a partir de la columna de aire. El aire pasa por el tubo produciendo
una serie de notas llamadas armónicos. El resto de las notas se obtienen alargando
el tubo mediante válvulas, pistones o varas deslizantes.
El trompetista Louis Armstrong
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INSTRUMENTOS DE CUERDA FROTADA.
Hacia el año 1500 la palabra viola designaba en latín medieval a un
instrumento tocado con un arco. Podríamos diferenciar dos familias dentro de los
instrumentos de cuerda frotada, la de las violas da gamba ( tienen seis cuerdas,
tienen trastes y se tocan por lo general sujetándolas entre las piernas, gamba en
italiano) y la familia de las violas da braccio (en italiano brazo). A la primera de
estas familias pertenece por su forma y afinación el contrabajo; a la de las violas da
braccio pertenecen el violín, la viola y el violoncello.
La familia de las violas da braccio aparece con posterioridad a la de las
violas da gamba. Los primeros testimonios y pruebas de su existencia los
encontramos en la iconografía, así en cuadros como el que se encuentra en
Saronno (Italia) titulado: “La señora de los naranjos” (1529) de Gaudenzio Ferrari
encontramos por primera vez representada la familia al completo.
En origen se trata de un instrumento de carácter popular, que con el tiempo,
debido a sus condiciones acústicas, capta la atención de los mejores compositores,
llegando en el periodo barroco a desbancar a la familia de las violas da gamba que
hasta entonces habían sido las preferidas.
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LA VOZ
La voz es el principal medio que tiene
el ser humano para comunicarse, si no
tuviéramos voz no podríamos hablar, por eso
es tan importante, pero además gracias a la
voz
podemos
expresar
nuestros
sentimientos, podemos hacer música.
Maria Callas
Sin importar nuestro tipo de voz todos
tenemos la habilidad de cantar. Es un deseo
que habita en el interior de cada persona.
Desde el principio de la humanidad, la voz ha
sido utilizada como el medio de expresión
por excelencia. Es el instrumento musical
más antiguo. La palabra Encantamiento
procede de cantar, ya que los antiguos creían
que gracias al canto se podía hacer magia.
Cuando cantáis la respiración se activa correctamente evitando la fatiga y
aumentando el caudal de aire. Los músculos de garganta
se relajan, la circulación sanguínea se activa. Se liberan
endorfinas, hormonas responsables de nuestro estado
anímico. Los pensamientos negativos desaparecen, ya
que cantar requiere de una gran concentración. Todo
nuestro cuerpo se ve beneficiado por una onda de
vibración sonora que pone en movimiento células,
fibras, neuronas, activando el funcionamiento de las
mismas. Cantar sin duda nos hace más felices.
EL CORO
Se denomina coro, coral o agrupación vocal a un conjunto de personas
que interpretan una pieza de música vocal de manera coordinada siguiendo unas
mismas directrices marcadas por ellas mismas o por un director.
El coro está compuesto por diferentes tipos de voces, agrupadas en cuerdas
en función del registro o tesitura: Sopranos, contraltos, tenores y bajos
(mezzosopranos y barítonos).
Cada cuerda interpreta
simultáneamente una melodía
diferente creando, a su vez,
una armonía. Históricamente
nace y toma forma en Grecia.
El Orfeón Donostiarra
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EL PIANO
Hacia el año 1700 el italiano Bartolomeo Cristofori revolucionó la historia
de los instrumentos de teclado. Fue el inventor del primer “gravicembalo col piano
e forte”, es decir, el primer clavicémbalo que podía sonar piano y fuerte. La
evolución y economía del lenguaje hizo que se quedara con el nombre actual,
piano, que significa suave.
Lo que diferenciaba a este antiguo
piano de los clavicémbalos que utilizaban los
músicos hasta ese momento era que,
conectados a las teclas, poseía unos macillos
o martillos que percutían las cuerdas en
lugar de punzarlas como en el clave. Ese es el
principio fundamental del funcionamiento
del piano, y lo que le permite obtener esa
variedad de intensidades y matices. Por eso
decimos que es un instrumento de cuerda
percutida.
El pianista tiene ante él 88 teclas entre blancas
y negras, y con sus 10 dedos y sus 2 pies sobre los
pedales, puede abordar toda la música imaginable,
como si fuera una gran orquesta. Aquel piano que
construyó Cristofori hace más de 3 siglos ha
evolucionado para convertirse en un instrumento
capaz de llenar con su sonido las más grandes salas
de concierto del mundo, y se alzó como el preferido
de compositores tan reconocidos como Chopin,
Schumann, Liszt o Rachmaninov.
__Guía didáctica “Concierto Músico Mágico”________________________
ASISTIR A UN CONCIERTO DE MÚSICA CLÁSICA
Para poder disfrutar de la música y el espectáculo, debemos ser respetuosos
y adoptar las siguientes actitudes cuando estemos en la sala de conciertos:
1. No se debe entrar o salir de la sala una vez haya comenzado la actuación.
Sólo se podrá hacer en los descansos si los hubiera.
2. No se debe transitar ni hablar por los pasillos de acceso mientras dure la
actuación.
3. Los teléfonos móviles deben estar desconectados y las alarmas de teléfonos
o relojes silenciadas.
4. No se debe acceder a la sala con comida o bebida de ningún tipo.
5. Los niños pequeños deben ir siempre acompañados de un adulto
responsable, que velará por que su comportamiento sea adecuado a la
actividad que se está desarrollando.
6. No se debe hablar o hacer ruidos durante la actuación, para no
desconcentrar a los músicos ni molestar al resto del público. Debemos
sentarnos correctamente en la butaca y escuchar con una actitud activa
pero relajada.
¡RELÁJATE Y DISFRUTA!
__Guía didáctica “Concierto Músico Mágico”________________________
ACTIVIDADES:
1.- Buscar grabaciones de las obras que se van a escuchar en el concierto y
comentarlas en clase. ¿Qué sensaciones te produce? ¿Te trae algunos recuerdos?
¿Conocías ya la obra de antemano?
2.- Imaginar qué haríamos si estuviéramos en un concierto. Practicar, escuchando
una de las grabaciones, cómo mantenernos en silencio un corto periodo de tiempo,
pero escuchando activamente.
3.- Relacionar imágenes que muestren los diferentes instrumentos con tarjetas en
las que se indique su nombre.
4.- Experimentar el contraste entre el sonido y el silencio haciendo todo el ruido
que queramos durante 30 segundos y manteniéndonos lo más silencioso posible
durante los 30 segundos siguientes. ¿Existe un silencio total? ¿Qué sonidos se
escuchan en el silencio?
5.- Aprender la coreografía del baile de la muñeira o de las czardas y practicarlo en
clase acompañados de su música.
6.- Acompañar con palmas la Marcha Radetzky.
7.- Jugar a “acierta el instrumento que estoy tocando”, intentando adivinar el
instrumento que aparenta tocar uno de tus compañeros con mímica.
8.- Aprender de oído la melodía de Sweet Georgia Brown e inventar un
acompañamiento con percusión corporal que recuerde al estilo de la música de
jazz.
9.- Escuchar “La primavera” de Vivaldi y dibujar lo que te sugieren los sonidos en el
transcurso de la audición.
10.- Dibujar tu instrumento preferido y el favorito de tu compañero de mesa. ¿A
qué familia instrumental pertenece cada uno?