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Presentación. Octavio Arbeláez 6 Teatro Colón. Manuel José Alvarez 8 Minas gerais. Marcelo Bonés 10 Un país desconocido. Fabio Rubiano 14 Espectáculos Sala Internacionales 21 Espectáculos Sala Nacionales 57 Espectáculos Calle Internacionales 83 Espectáculos Calle Nacionales 95 Eventos Especiales Palabras en Escena 113 Circulart Eje Escena 137 Sexta Feria del Libro de Manizales 145 Equipo XXXVII FIT Manizales 2015 168 Diseño y Diagramación: Humberto Jurado Grisales / DV Maria del Rosario Vallejo Gómez / DV Edición de Textos: Wilson Escobar Ramírez Fotografías: Grupo Invitados / 2015 Impresión: Litoprisma Teatro, cultura y política. Los escenarios para el posconflicto en Colombia 6 La centralidad del foro político contemporáneo y la pertinencia inmensa de la política como espacio de vida plena, se están desplazando de las instituciones más decimonónicas de la política como representación, a la política como movimiento, emergencia, y nuevos protagonismos. Esta reconfiguración de amplias consecuencias futuras, ha proyectado a la cultura como espacio de nuevas ciudadanías y a la estética como ámbito de definición de sentidos y de significaciones. Por ello, cuando hablamos de la cultura como parte de un proceso de diálogos no lo hacemos desde algún ángulo fantasmagórico o metafísico sino desde relaciones sociales que articulan procesos de intercambio muy amplios entre las personas y las comunidades, cuyo resultado son modelos de vida social y cultural. La política cultural en Colombia cuenta con una consistente institucionalidad en cuestiones relevantes y ha logrado mantener una continuidad en la gestión que hoy se encuentra por encima de otros países de América Latina. Se trata de un enfoque que ha intentado relacionar la estructura con el proceso o movimiento cultural. Sin embargo, uno de los temas más sensibles de la realidad socio-política de Colombia no es asumido con la fuerza que urge como es la lucha contra el miedo y el terror. Un aspecto que hay que resaltar en este déficit reto es el rol de la cultura como espacio para la paz, el diálogo y la participación local. Estamos frente a un país que cuenta con una larga tradición de comunidades de base y una amplia red de casas de la cultura y grupos creativos en el campo de las artes escénicas, la música, la literatura, el cine, la poética, y la elaboración intelectual, pero que al mismo tiempo vive una insuficiente vinculación entre sus redes de conversación y acción, en un contexto donde perviven niveles de exclusión en diferentes esferas, acusándose profundamente en el mundo afro e indígena. El asunto de la lucha contra la cultura del miedo no es solo una trama de la acción de las instituciones del gobierno, sino que debe ser singularmente de los movimientos sociales y creativos. El miedo como relación social expropia la energía del cuerpo y la capacidad de construir un mundo del habla, la conversación y la imaginación. Si bien en este camino se ha avanzado significativamente, la violencia continúa siendo un campo sobre el cual se habla poco y al cual, en muchos casos se le teme. Es claro que en América Latina, particularmente en aquellos países que han vivido periodos de aguda violencia, se sigue generando cultura solidaria y se articulan acciones que se sitúan frente a la violencia en todas sus formas y orígenes como actos alternativos y alterativos de esta lacerante realidad. Pero no se trata solo de generar lo anterior, es imperativo que el conjunto social asuma como centralidad las relaciones de la lógica y el consenso como formas de vivir juntos respetando la singularidad de cada cual. En este escenario, el Festival se suma al proceso que vive el país, construyendo escenarios de diálogos para pensar en la Colombia del postconflicto, y dedica esta edición a estos diálogos de nación, desde la más hermosa de las artes: el Teatro, que es como la vida. Octavio Arbeláez Tobón Director Festival Internacional de Teatro de Manizales 7 Teatro Colón 8 El Teatro Colón y el Festival Internacional de Teatro de Manizales son aliados naturales, por eso recibimos con satisfacción ser los invitados de honor a esta edición. El Colón reabrió sus puertas hace poco más de un año y en su nueva visión de teatro de producción, ha decidido salirse de los espléndidos muros patrimoniales que lo acogen para acercarse a las regiones. En el marco del Festival, aprovechamos para invitarlos a conocer este momento del Teatro con una programación incluyente, diversa y plural que favorece a todas las disciplinas de las artes escénicas y de la música. Un teatro que, gracias a la iniciativa y a la visión de la Ministra de Cultura, Mariana Garcés, se actualizó estructuralmente con una nueva caja escénica y con tecnología de punta en: iluminación, audio, video y una mecánica teatral totalmente robótica con 55 barras, controladas por una consola digital, lo cual facilitará el trabajo de los creadores y hará más versátiles los montajes escénicos de cualquier compañía nacional e internacional que nos visite. Le estamos apostando al talento colombiano, por eso inauguramos la versión XXXVII del Festival Internacional de Teatro de Manizales, con la coproducción Labio de liebre junto al Teatro Petra, dirigida por Fabio Rubiano O. Una obra que se está convirtiendo rápidamente en una pieza icónica del teatro colombiano, por sus reflexiones sobre nuestra sociedad y los hechos recientes que han marcado nuestra memoria. El estreno de Hoy envejecí diez años, coproducción de la Fundación La Maldita Vanidad y el Teatro Colón, dirigida por Jorge Hugo Marín, estamos seguros que nos generará un sentimiento especial de la Medellín de los años 80, con ritmo “chejoviano” y una adaptación muy libre de Las tres hermanas. Asimismo, el Teatro Colón tuvo el privilegio de estrenar a finales de 2014 Flowers for Kazuo Ohno (and Leonard Cohen), un poético y brillante homenaje al fundador de la danza Butoh japonesa con música de Leonard Cohen como banda sonora. La obra fue concebida por Álvaro Restrepo, director de El Colegio del Cuerpo, junto con Marie France Delieuvin, codirectora, y Ricardo Bustamante, subdirector artístico y pedagógico. Estas tres obras que el Teatro Colón presenta en esta edición, inician una larga vida por los escenarios del país y del mundo. Gracias al Festival Internacional de Teatro de Manizales, a su director Octavio Arbeláez, a la junta directiva y a su presidenta Elvira Escobar de Restrepo por esta invitación y por permitirnos presentar al Teatro Colón, el teatro de los colombianos. Manuel José Álvarez Gaviria Director Teatro Colón 9 El Teatro de Grupo de Minas Gerais Por Marcelo Bones* 10 Belo Horizonte, en el estado de Minas Gerais, Brasil, es una ciudad privilegiada por la tradición de su producción teatral; una producción desarrollada durante años que se ha cimentado en una forma muy particular de hacer teatro: el grupo de teatro. Como consecuencia de ello, nuestra escena a alcanzado un lugar destacado en el movimiento teatral brasilero exactamente por ese modo de producción. Creo que hemos desarrollado este fuerte expresión de teatro de grupo no sólo por una visión política del mundo, sino también por la necesidad de supervivencia de nuestra producción. No tenemos la fuerza motriz de los grandes recursos como los de la ciudad de São Paulo, ni la influencia de la producción televisiva del llamado mercado teatral carioca, pero sí hemos consolidado un modo muy peculiar de la producción, donde el trabajo cooperativo fue necesario para la creación y la circulación de nuestros espectáculos teatrales. En este contexto de colaboración y acompañamientos surgió PLATÓ, Plataforma de Internacionalización del Teatro. Nacido a principios de 2014, este consorcio de cuatro grupos de teatro de Belo Horizonte tiene como objetivo realizar acciones para la circulación internacional de su producción artística. Estos colectivos se destacan en la escena teatral brasileña contemporánea por su dedicación a la investigación escénica, con obras artísticas consistentes que le han merecido premios importantes, así como por una circulación constante en todo el país. Esta iniciativa surge de la constatación de que la presencia del teatro brasileño en el exterior es menor que el potencial que tenemos, desde la observación de nuestra potente y voluminosa producción y la receptividad de nuestro arte escénico en otros países. Por la importancia económica y política, por los grandes eventos deportivos y también por la descubierta diversidad de la cultura brasileña, el interés y la curiosidad de otros países sobre lo que hacemos artísticamente ha crecido mucho y nosotros tenemos todavía pocos canales para tornar este flujo más operativo. La Plataforma de Internacionalización del Teatro ya se ha presentado en varios festivales en América Latina, a través de sus grupos y de forma individual. Por acción de PLATÓ, nos presentaremos en los festivales de Pirologias, Puerto Monte, Bariloche, Caracas, entre otros. Pero fue la invitación al Festival de Manizales que más nos entusiasmó porque por primera vez presentaremos cuatro obras de los cuatro grupos en un sólo festival. Y no cualquier festival, sino en el emblemático Festival de Teatro de Manizales en sus 37 años de historia. La participación de PLATÓ en Manizales consolida el avance del trabajo colectivo y nos permite mostrar la dinámica y la expresiva producción teatral de Minas Gerais en el marco de uno de los festivales de teatro más importantes de América Latina. Otra acción muy importante que llevó a cabo la Plataforma fue el encuentro DOBLE VIA, que tuvo lugar en Belo Horizonte del 4 al 9 agosto de 2015, en virtud del cual se produjo un intercambio cultural y artístico con CETA Consorcio Exportador del Teatro Argentino- organización similar a los objetivos de nuestra plataforma. Fueron seis días de presentación de espectáculos, intercambios y debates. En esa misma dinámica, invitamos también a la Sala de Teatro “El Mura”, de Montevideo. De tal suerte que PLATÓ es ahora una herramienta internacional importante de una potente producción artística que busca intercambios con artistas e instituciones internacionales. Compañías presentes en esta edición del FIT de Manizales: Luna Lunera Fundada en 2001, la Compañía Luna Lunera busca formas diversificadas de creación a través de la investigación continua y el diálogo con otros creadores contemporáneos de teatro, danza, música y artes visuales. En sus obras busca combinar la investigación, el juego escénico, el uso de la música como parte integrante de las propuestas 11 dramatúrgicas y la inserción de los actores en la creación de la dramaturgia. En trece años de trayectoria, construyó seis obras, obteniendo amplia repercusión nacional: Perdóname por traicionarme (2000), Cumpleaños Feliz (2003), No desperdicie su única vida o... (2005), Aquellos Dos (2007), Cortiços (2008) y Placer (2012). www.cialunalunera.com.br 12 Grupo Espanca! El Espanca fue fundado en 2004 y cuenta hoy con un repertorio de cuatro obras con textos originales escritos por Grace Passô durante los procesos de creación de estos trabajos y ya fue premiado por todos los principales premios de teatro brasileros. Todos proponen una reflexión sobre los códigos del hecho teatral; la construcción de un género de arte híbrido, con obras que no son solamente trágicas o cómicas y sí trabajos que buscan representar al ser humano sin reducciones simplificadoras de su propia condición. En 2012, la compañía creó el espectáculo “El líquido Táctil”, con dirección y dramaturgia de Daniel Veronese. www.espanca.com Grupo Teatro Andante El Grupo Teatro Andante, fundado en 1990, tiene actualmente cinco obras en su repertorio activo: Olympia, Barbazul, La historia De Edipo (teatro de calle), el Grande Cello y La Quinta Sinfonía de Beethoven. El grupo se presenta por todo Brasil y ha hecho giras internacionales en Italia, Alemana, Portugal, España y Argentina. Busca siempre la investigación del lenguaje como eje conductor de sus producciones, innovando siempre en las técnicas utilizadas y en los espacios de presentación (sala, calle, espacios alternativos). www.teatroandante.com.br Grupo Teatro Invertido El Grupo Teatro Invertido surgió en 2004 con el objetivo principal de la investigación sobre el entrenamiento del actor y la creación escénica iniciada en el curso de teatro de la Universidad Federal de Minas Gerais. A cada nuevo montaje reafirma su interés por la investigación artística y la colaboración como principios éticos del trabajo creativo. La función social del teatro y su comunicación con el espectador común, son las principales motivaciones del grupo. Actualmente tiene seis obras en su repertorio: Nossa Pequena Mahagonny [2003], Lugar Cativo [2004], Medeiazonamorta [2006], Proibido Retornar [2009], Estado de Coma [2010] y Os Ancestrais [2013]. www.teatroinvertido.com.br * Marcelo Bones es actor y director. Miembro del Grupo Teatro Andante de Belo Horizonte, Minas Gerais. 13 Un país desconocido Nuestro trabajo está sostenido en la ficción. En hacer que cosas que no existen, existan. O que creamos que existan. Fabio Rubiano Orjuela* 14 Decir que Colombia va a estar en paz parece una historia fantástica, un mundo desconocido. La perspectiva de guerra es tan predominante que un territorio de paz es un universo misterioso instalado en el terreno de la ficción, de los sueños. “¿En serio cree que podemos tener paz en este país?”, dicen algunos con toda seguridad haciéndonos ver como ingenuos, y en algunos casos obscenos o descarados por abrazar con tanto fervor esa ilusión. Pero así trabajamos. Casi todos comenzamos a hacer teatro cuando nuestros padres no estuvieron de acuerdo, cuando quienes nos querían decían que “mejor hiciéramos otra cosa”, cuando la mayoría de las miradas estaban cargadas de lástima por tanta ingenuidad. Estábamos emprendiendo una carrera que no servía para nada, que sus productos no se concretaban en bienes tangibles. Todos nos miraban como a aquellos que se retiran de la realidad para caer en el abismo de la abstracto. Y no. A pesar de la ficción estábamos muy cerca de la realidad. Aunque esa realidad diera la sensación de que no lo era. Hemos vivido realidades que parecen de mentira, atrocidades que no soportan los límites del realismo, violencias que harían gritar a los trágicos, tristezas a las que no ha llegado ningún romántico, y héroes desconocidos salidos de los mismos bandos de los verdugos. Se ha hecho mucho teatro sobre la sangre y la guerra. Y muy buen teatro. Los griegos, Shakespeare, Brecht, los contemporáneos alemanes, mexicanos, canadienses, libaneses. Todos tienen sangre. Hasta los cuentos de hadas son sangrientos. Y uno llegó a ciertos límites en los que creyó que para el arte se necesita de la destrucción. O que las historias que no tuvieran que ver con el dolor estarían destinadas al fracaso. Y no. El teatro es un encuentro de contrarios. Y desde hace tiempos casi todos somos contrarios en este país. Algunos gobernantes insisten en indicar que el mejor camino es el odio hacia el otro, que quien no está conmigo está contra mi, contra los míos y contra todo lo que yo pienso. Hay contrarios, pero no hay encuentros. En el Teatro, sí. El alma de nuestra profesión son los antagonismos, las fuerzas que se oponen. Y ahí está el movimiento. No siempre tenemos que hablar de villanos. El teatro tiene la posibilidad de entrar en conflicto sin matarnos, de insultarnos con toda confianza, de ser memoria de nuestro tiempo. De recuperar lo que pasó no para perpetuarlo, sino 15 para tomarlo como referencia y construir un nueva forma de relatar la historia; para seguir adelante, y como dice Leonel Narváez no chapotear en la memoria coagulada. 16 Así como no estamos condenados a 100 años de soledad, tampoco a otros 60 de odio. La vieja estructura nos hace seguir subrayando la maldad que ha surcado nuestras tierras. A lo mejor una nueva propuesta, un riesgo en la vanguardia nos puede dar la posibilidad de narrar desde otro ángulo. Cuando la víctima y el victimario estén frente a frente en nuestras obras habrá conflicto, y memoria; pero su referente de identidad tal vez no será el odio, ni la venganza será un imperativo de honor. Nos arrodillaremos ante la sangre derramada para limpiarla, no para restregarla en la cara de quien la derramó. Nuestro trabajo es simbólico, y en ese campo reconstruimos, resignificamos. El arte inventa. Es el momento de reconstruir los conflictos, no para volver a una realidad que ya conocimos, sino para ayudar a inventar un país que como nuestro trabajo parece de ficción, un país que aun desconocemos. * Dramaturgo y director del Teatro Petra. 17 ESPECTÁCULOS SALA INTERNACIONALES Othelo Buendia Theatre Argentina Ficha artística 22 Dirección: Gabriel Chamé Elenco: Matias Bassi, Maria Justina Grande, Hernán Franco, Martín López Escenografía: Jorge Pastorino Iluminación: Jorge Pastorino Vestuario: Gisela Marchetti Asistente escenografía: Cecilia Stanovnik Asistencia: Justina Grande Producción Ejecutiva: Micaela Fariña Producción y distribución: Leila Barenboim y Gabriela Marsal (Mika Project) Duración:100 minutos La obra Siempre Shakespeare. Lo cómico es trágico y tan trágico que es cómico, o lo que se es capaz de hacer por odio y celos”. Cuatro actores, especialistas en el teatro físico, el clown y el burlesco, interpretan la famosa tragedia de William Shakespeare, Othelo. En una puesta totalmente despojada de realismo cotidiano, el juego físico y el verso blanco del maestro inglés se enfrenta y se complementa en un lenguaje lúdico, hilarante y absurdo. Respetando el texto de Othelo, su poesía, y tensión dramática, ahonda en las intenciones de los personajes a través del gag cómico, generando una ironía siniestra en la tragedia. Investiga, sin solemnidad, la relación entre lo trágico y lo cómico, como claves del teatro clásico y contemporáneo. Othelo es un espejismo maléfico en el que acercándote no ves más que arena. O tu propia tragicomedia. Sobre el espectáculo “Siempre me ha fascinado en el clown una libertad que surge inesperadamente. Que escapa a tu control, como si no te perteneciera, una energía liberada que no has buscado, que aparece cuando menos te lo esperas y te sorprende. Como si la fuerza que sale de tu cuerpo la empujara otro, otro que no eres tú, a pesar que eres quien lo ejecuta. Otro que crees conocer y recuerdas, un ser que duerme en ti y se despierta de una sacudida. Alguien con quien has convivido toda tu vida, está en libertad con toda la fuerza de la naturaleza, una fuerza vertiginosa, e infantil, que te embriaga de un estado de profunda idiotez. Esta energía desmesurada, puede ir tan lejos que su acción toma formas inéditas y de diferentes lecturas, rompe estilos preconcebidos, invade el inconsciente del público saltando toda barrera intelectual o conceptual. Esta fuerza extraordinaria, le da a tu cuerpo, libertad y placer, te sientes integrado, fluido, preciso y claro. El Clown, es un ser extravagante, que supera toda lógica y llena de una poesía extraordinaria cada acto”. (Gabriel Chamé Buendia) El Director Gabriel Chamé Buendía se inició en la Compañía Argentina de Mimo de Angel Elizondo, fue discípulo de Etienne Decroux en París, como Actor y asistente de Dirección entre 1978-84 participó de siete espectáculos censurados por la dictadura militar en Argentina. Fundador y actor de “El Clu del Claun”, compañía de clown teatral que hará descubrir y deleitar al público Iberoamericano con una nueva visión estética. Desde 1990 Gabriel Chamé Buendia extiende su trabajo por Europa desarrollando la investigación teatral, como actor, director y pedagogo. Ha dirigido numerosos cursos en España Francia y en Alemania. Fue profesor del Instituto de Teatro de Sevilla, del Estudio de J.C.Corazza, Laboratorio Layton, Estudio 3, Escuela Cristina Rota en Madrid y En France de l’Ecole Nationale du Cirque de Rosny sous Bois , el Samovar en Paris y a la Cascade. Entre 1999 y 2004 hizo parte del prestigioso Circo del Soleil, donde fue clown del espectáculo “Quidam”. 23 Aqueles Dois Compañía Luna Lunera BRASIL Minas Gerais (Invitado especial) Género: Drama 24 Ficha artística Concepción: Cia. Luna Lunera Texto: Caio Fernando Abreu Directores/Creadores: Cláudio Dias, Marcelo Souza e Silva, Odilon Esteves, Rômulo Braga y Zé Walter Albinati Elenco: Cláudio Dias, Marcelo Souza y Silva, Odilon Esteves y Guilherme Théo Actores stand-by: Fábio Dias, Frederico Bottrel, Rômulo Braga Relator del processo: Zé Walter Albinati Workshop de acciones vocales: Odilon Esteves Workshop de contacto de improvisación: Cláudio Dias Workshop de voz: Zé Walter Albinati Escenario: Núcleo de creadores del espectáculo Iluminación: Felipe Cosse e Juliano Coelho Creación gráfica: Frederico Bottrel Producción: Compañía Luna Lunera Duración: 95 minutos La obra De la rutina de una “asignación de tareas” – metáfora para cualquier ambiente inhóspito y burocrático de trabajo, se revelan lazos de complicidad entre dos de sus nuevos funcionarios, Raúl y Saúl. Y que “en un” desierto de almas también desiertas, un alma especial reconoce de inmediato a la otra. Sin embargo, esa relación acaba incomodando a los demás colegas de profesión. El espectáculo “Aquellos dos” fue creado a partir del cuento homónimo del escritor Caio Fernando Abreu (1948-1996). El texto y el espectáculo posibilitan una diversidad de lecturas y percepciones del universo “de Aquellos dos”. Los actores se turnan los papeles de Raúl y Saúl, narran algunos pasajes y sugieren los otros personajes de la “asignación de tareas” y sugieren sus propias referencias a la lectura del texto de Ciao. Se ve en la escenografía, en el vestuario, en la música y en el texto, una simultaneidad intencional que abarca varias décadas. El juego corporal entre los actores, el trabajo con el parlamento, la relación con el espacio y los objetos, recibió una importante influencia de los temas más importantes y relevantes del Observatorio de Creación de la Compañía Luna Lunera: el contacto improvisado y el método de las acciones vocales. La compañía Fundada en 2001, la compañía Luna Lunera desarrolla formas muy diversas en la creación artística, a través de una investigación continua y el diálogo con otros creadores contemporáneos de teatro, danza, música y artes visuales. Suele abrir sus espectáculos al público estableciendo desde el comienzo un espacio de diálogo con los espectadores en lo que llama Observatorio de Creación. En mayo de 2007, Luna Lunera propuso internamente un grupo de estudios sobre contacto improvisado (técnica corporal creada por Steve Paxton, basada en la comunicación entre dos o más cuerpos en movimiento que están en contacto físico y su relación combinada con las leyes físicas que rigen su movimiento -La gravedad, el impulso, la inercia. Es una técnica de trabajo físico en el que se puede experimentar con las fuerzas de la naturaleza, empujando los cuerpos al límite de sus capacidades. 25 Olympia Teatro Andante Brasil Minas Gerais (Invitado especial) Género: Teatro con máscaras 26 Ficha Artística: Concepción y Actuación: Ângela Mourão Dirección: Marcelo Bones Texto: Guiomar de Grammont Dramaturgia: Ângela y Marcelo – Grupo Teatro Andante Figurín y ejecución escenográfica: Wesley Simões Creación y confección de máscara: Márcia Torquato Música Original: Chiquinho de Assis Creación de luz: Chico Pelúcio (Grupo Galpão), Felipe Cosse y Juliano Coelho. Producción: Grupo Teatro Andante Duración: 60 minutos La obra Olympia es una obra con gran éxito de público y de crítica, con trayectoria muy significativa en todo Brasil y giras en Argentina, Venezuela, España y Portugal. Está basada en la historia de la andariega que vivió en Ouro Preto y se tornó muy famosa en Brasil, recibiendo turistas y artistas en las calles de la ciudad histórica a quienes encantaba contando historias de Brasil de manera muy graciosa. Descendiente de familia burguesa, llamada la “primera hippie de Brasil” y “abuela de la contracultura”, Olympia se decía novia del Emperador Don Pedro II, amiga de la cantante Rita Lee y del poeta Vinicius de Morais. Retratada en periódicos y revistas, incluso en la portada de la revista Life, Olympia fue fotografiada con Sartre y Beauvoir y fue tema de la escuela de samba de Mangueira, en Rio de Janeiro. La obra mezcla tradición y contemporaneidad recurriendo a diversas técnicas teatrales para tratar de temas como la mujer, la soledad, la locura, los límites entre lo real y lo imaginario y las fronteras del juego teatral, transitando entre el personaje, la narradora, la máscara y la propia actriz, que se revela en escena. Con este espectáculo, el Teatro Andante profundiza sus investigaciones: técnicas corporales para la representación, el trabajo con máscaras y la construcción de la dramaturgia, para recrear esta reina mendigo, alegoría de la exuberante identidad brasileña. El diretor Marcelo Bones Uno de los más activos directores de teatro de Minas Gerais, tiene en su repertorio, entre otros, los espectáculos “Olympia”, “A Historia de Edipo”, “Musiclown” y “Por um Triz”, con el Grupo Teatro Andante que fundó, junto con Angela Mourao, en 1990. En 2004 y 2012 fue director del FIT-BH, Festival Internacional de Teatro – Palco e Rua. Fue Director de Artes Escénicas de la Funarte - Fundación Nacional das Artes do Ministério de la Cultura de Brasil. Es consultor y programador independiente de festivales de artes escenicas. Partecipa de festivales en todo el país, América Latina y Europa. Teatro Andante El Grupo Teatro Andante trabaja profesionalmente desde 1990, con significativa actuación en el escenario teatral de Belo Horizonte, Minas Gerais y Brasil y con algunas giras internacionales, donde se incluyen Italia, Alemania, Portugal, España, Argentina y Venezuela. Busca siempre en su trabajo la investigación del lenguaje como eje conductor de sus producciones, innovando siempre en las técnicas utilizadas y en los espacios de presentación (sala, calle, espacios alternativos). 27 Os Ancestrais Grupo Teatro Invertido Brasil Minas Gerais (Invitado especial) 28 Ficha artística Texto y dirección: Grace Passô Actuación: Beatriz França, Dimítrius Possidônio, Kelly Crifer, Janaína Morse e Robson Vieira Investigación en movimiento: Kenia Dias Laboratório de voz y movimento: Cristiano Peixoto e Kenia Dias Escenario: Fernando Marés Asistente de escenografía y escenotécnico: Mateus Andreatta Vestuario: Camila Morena da Luz y el grupo Investigación de objetos y accesorios: Camila Morena da Luz Iluminación: Bruno Cerezoli Instalación sonora: Ricardo García Muñeca: Eduardo Félix / Pigmalião escultura que mexe Producción: Maria Rita Fonseca Asesoría de comunicación: Canal C Traducción a español: Jimena Castiglioni Realización: Grupo Teatro Invertido Duración: 80 minutos La obra Este, el sexto montaje del Grupo Teatro Invertido, con texto y dirección de Grace Passo, parte de una situación fantástica para abordar temas como los lazos familiares y la noción de la propiedad de la tierra en Brasil. La historia trata de las contradicciones de las relaciones familiares y el abismo existente entre los deseos individuales que conducen esa convivencia hacia una situación límite, de construcción de un nuevo orden después de una gran tragedia. Sin embargo, a través del microcosmos del hogar roto, la casa se derrumba, ampliando nuestra mirada a la construcción de la identidad brasileña, un país que lleva en su génesis la invasión, el exilio y la desigualdad. Es la superposición de estas y varias otras capas y aún más en la mezcla de todas ellas, que surgen los desechos de nuestra de la historia. La directora Directora, dramaturga y actriz formada en el Centro de Formación Artística de la Fundación Clovis Salgado y fundadora del Grupo Espanca. Trabajó en compañías de teatro de Belo Horizonte entre ellos Armatrux y Compañía Clara. Con Espanca, firma la dramaturgia de su repertorio: “Marcha para Zenturo”, “Amores Surdos”, “Para Elise” y “Congreso Internacional de miedo”, siendo directora de estos dos últimos trabajos. También dirigió “El árbol del olvido”, proyecto del Festival Arte Negra de Belo Horizonte 2007, entre otras piezas. Ha sido reconocida con el Shell Premio SP y la Asociación Paulista de Críticos de Arte Premio de APCA (Mejor Dramaturga 2005); Premio SESC SATED 2005 y 2006 (Mejor Dramaturga); Premio Usiminas Simparc (Mejor Actriz y Autora Teatral 2006). También fue nominada para SP Shell (Dramaturga / 2009), entre otros. Teatro Invertido El Grupo de Teatro Invertido, fundado en 2004 , es uno de los colectivos de teatro más activo de Minas Gerais / Brasil, con siete espectáculos en su repertorio. Sus obras circulan por las principales ciudades provinciales de Brasil y varias capitales del país, habiendo participado en importantes festivales nacionales e internacionales. En 2010 el grupo inauguró el Esquyna -espacio colectivo teatral- lugar para compartir la investigación en las artes teatrales y la difusión de espectáculos fruto de la investigación de colectivos artísticos. También lanzó el libro “Escena Invertida - Dramaturgias en proceso” que reúne las dramaturgias originales de sus espectáculos y artículos de expertos de teatro sobre el trabajo del grupo. 29 Amores Surdos Grupo Espanca Brasil Minas Gerais (Invitado Especial) Género: Drama 30 Ficha artística Dirección: Rita Clemente Dramaturgia: Grace Passô Actores: Assis Benevenuto (Joaquim), Grace Passô (Mãe), Gustavo Bones (Pequeno), Marcelo Castro (Samuel) y Mariana Maioline (Graziele) Actores de Primera formación: Paulo Azevedo (Pequeno) y Samira Ávila (Graziele) Consultoría Dramatúrgica: Adélia Nicolete Asistente de Dirección: Mariana Maioline Escenografía: Bruna Christófaro Iluminación: Cristiano Araújo y Edimar Pinto Vestuario: Paolo Mandatti Banda Sonora: Daniel Mendonça Dirección vocal: Babaya Preparación vocal: Mariana Brant y Camila Jorge Preparación corporal: Dudude Herrmann e Izabel Stewart Coreografía/Profesor de zapateado, Escenotécnico: Eurico Justino Técnico y operador de luz: Edimar Pinto Esenotécnico: Joaquim Silva Costureiras: Mércia Louzeiro e Ireni Barcelos Producción: Aline Vila Real Realización: Grupo Espanca Duración: 60 minutos La obra Un padre ausente y una madre sobreprotectora crían sus hijos con gran celo. El pequeño tiene problemas respiratorios, la adolescente se refugia en sus auriculares, Samuel tiene dificultades para salir de la casa, el mayor es sonámbulo y va al trabajo al amanecer, Junior vive muy lejos y siempre llama para revivir recuerdos. Una familia normal que vive situaciones ordinarias: toman café, discuten entre sí, alguien se enferma ... en fin, viven sus problemas cotidianos. El espectáculo habla de la capacidad del hombre que soñar incluso mientras está despierto; porque cuando está despierto, los personajes no oyen, no se ven a sí mismos, no se perciben en los rituales cotidianos que conducen a la alienación y la incomunicación. Todo va como se esperaba hasta que todos están obligados a reconocer y vivir con las consecuencias de ese amor alimentadas por todo el mundo, todos los días. Esta segunda obra del grupo trata de un silencioso acuerdo de amor que se llama intimidad. Esa es la tensión que consolida Espanca, y sitúa la historia en un ámbito de normalidad. Grupo Espanca Considerado una de las principales referencias del teatro contemporáneo brasilero, el Espanca fue fundado en el año 2004 y hoy cuenta con un repertorio de obras con texto original escritas por Grace Passo y ha sido reconocido con los principales premios de teatro brasileros. Sus obras proponen una reflexión sobre los códigos del hecho teatral, la construcción de un género de arte hibrido con obras que no son solamente trágicas o cómicas sino que también buscan representar al ser humano sin reducciones simplificadoras de su propia condición. Esta compañía teatral es considerada por la crítica teatral y por los medios de comunicación como una de las mayores innovaciones del teatro brasilero en los últimos años. 31 Otelo Viajeinmóvil Chile Género: Teatro con muñecos Ficha artística 32 Adaptación y dirección: Jaime Lorca, Teresita Iacobelli, Christián Ortega Actores: Teresita Iacobelli y Jaime Lorca Música: Juan Salinas Vestuario: Loreto Monsalve Asesoría artística: Eduardo Jiménez Iluminación: Tito Velásquez Sonido: Gonzalo Aylwin Producción: Viajeinmóvil Asistente de producción: Karla Sandoval Duración: 75 minutos Espectáculo especialmente creado para dos actores, marionetas y objetos, todos fusionados entre sí, en donde los muñecos actúan lo que los actores no pueden hacer, acción que busca potenciar la puesta en escena, haciéndola muy atractiva y potente para el espectador. Viajeinmóvil presenta el verdadero tema de Otelo: el femicidio, no los celos. El asesinato de Desdémona no puede suavizar el crimen a una dimensión romántica: “Hablad de mí como alguien que amó demasiado, alguien que por celos quedó preso de la locura”, dirá Otelo al final de la pieza. La misma disculpa que aparece en diarios sensacionalistas de nuestra época. Intentando recobrar el carácter popular que la obra tuvo en sus orígenes (Teatro el globo 1604), la compañía chilena nos sorprende con un montaje delirante, que mezcla seres humanos y marionetas, el humor y la tragedia. Un espectáculo que puede ser apreciado a partir de los diez años. Viajeinmóvil Es un colectivo de actores, músicos, escenógrafos, diseñadores, productores y técnicos dedicados al estudio y creación del teatro ligado a la materia. En dos palabras, se trata de Teatro Total, con el único requisito de instalar la materia al centro de la escena. Es un teatro que se crea tanto en el escenario como en el taller y que se nutre de ambos. Desde su nacimiento en 2005, Viajeinmóvil ha creado siete espectáculos teatrales con un denominador común: la utilización de marionetas, la animación de objetos y la presencia de escenografías móviles. La búsqueda artística de la compañía se centra en la relación del actor con las marionetas y los objetos, y en las diversas e infinitas posibilidades escénicas que esta combinación ofrece. 33 Distancia siete minutos Titzina Teatro España Género: Teatro experimental 34 Ficha artística Dramaturgia y dirección: Diego Lorca, Pako Merino Reparto: Diego Lorca, Pako Merino Dirección Técnica: Albert Anglada Diseño de sonido: Jonatan Bernabeu Diseño de escenografía: Jordi Soler i Prim Diseño de iluminación: Miguel Muñoz Administración: Ángela Rodríguez Producción: TITZINA TEATRE S.L. Fotografía: Fernando Moleres Diseño Gràfico: Jaume Llonch Duración: 90 minutos La obra Coincidiendo cronológicamente con el envío y aterrizaje del robot espacial Curiosity, Félix, un joven juez, se ve obligado a abandonar su casa, afectada por una plaga de termitas, e instalarse durante unos días en lo que fue su domicilio familiar. El entorno de los juicios donde el juez desarrolla su profesión, así como la convivencia con su padre, sacarán a relucir temas fundamentales como la justicia, la felicidad o el destino. Tiziana Teatro Da nombre a una compañía fundada por Diego Lorca y Pako Merino. Tras encontrarse en 1999 en la Escuela Internacional de Teatro Jacques Lecoq en París, en 2001 comienzan a trabajar juntos. Durante los doce años siguientes producen tres espectáculos con éxito de crítica y público, Folie a deux | Sueños de psiquiátrico (2002), Entrañas (2005), Exitus (2009). Sus obras están editadas y Folie a Deux | Sueños de psiquiátrico adaptada al cine. A lo largo de todo este tiempo, Titzina se ha consolidado como una compañía de teatro de creación con un marcado estilo propio, que algunos definen como “Sello Titzina”. Me llamo Suleimán Una Hora Menos Producciones España Género: Teatro y animación Ficha artística Autor: Antonio Lozano Actriz: Marta Viera Dirección: Mario Vega Director de audiovisuales: Juan Carlos Cruz Diseñadores audiovisuales: Marga Turnbull y Mariano Romero Animadores: María Dolores Abujas y Elvis Pedro Nsue Diseño de luces y coordinación técnica: Tomás Charte Dirección de arte: Elena Gonca Música de Salif Keita Producción ejecutiva: Pedro Carballido Social Media, Web y RRSS: Héctor Muñoz Comunicación y Prensa: Paco Medina Diseño Gráfico: unahoramenos Fotografía: Tere Ruano Asistencia en construcción de escenografías: Raquel Santana y Pepe Juan Medina Producción: unahoramenos producciones SL. Con la coproducción del Ayuntamiento de Agüimes Duración: 70 minutos La obra Una hora menos presenta la adaptación al teatro de la odisea del joven Suleimán, un chico de doce años de Mali que emprende un viaje cargado de peripecias a través del norte de África hasta llegar a España. Envuelta en todo un universo de dibujos animados creados por el animador Juan Carlos Cruz, la actriz Marta Viera nos guía en un viaje épico por todo el norte de África en busca de un futuro mejor al otro lado del mar. 35 36 El espectáculo nos lleva desde Bandiágara, en Mali, hasta la isla de Gran Canaria, pasando por el desierto del Sahara, la ciudad de Ceuta, y los campamentos de refugiados saharauis en Tinduf, Argelia. En el viaje, Suleimán tendrá que hacer uso de todo su coraje para superar las terribles dificultades que le separan de su sueño: la posibilidad de una vida mejor en España y poder ayudar a su familia. En esta adaptación de la novela de Antonio Lozano dirigida por Mario Vega, Suleimán encontrará la amistad, la rabia, la resignación, la muerte, la madurez y el amor. El Director Con casi 20 años de carrera a sus espaldas, Mario Vega es uno de los más importantes directores y productores de teatro de las Islas Canarias, cosechando espectaculares éxitos de crítica y público. Nacido en Ingenio (Gran Canaria) en 1976, Vega ha dedicado su vida al teatro y las artes escénicas. En 1995, con sólo 19 años, fundó Ekis Teatro, a la que sigue en 1997 Producciones La Republica, con la que estrenó Chatarra como actor y director. En el año 1999 fundó Producciones del Mar, que pasó a llamarse una hora menos Producciones en 2009, empresa de la que ha sido director durante toda su andadura. Vega ha sido uno de los directores teatrales de mayor éxito de Canarias, con espectáculos como Longina, emigrante de La Habana (Severiano García y Mario Vega, 2.002), El crimen de la perra Chona (Antonio Lozano y Alexis Ravelo, 2014, con los Gofiones y la Banda Municipal de Música de Las Palmas de Gran Canaria), Cuerdas en el Aire (2014, del sexteto musical Alegransa) y Ondas del Atlántico (Pedro Carballido, 2014) entre otros. Nadia La Conquesta del Pol Sud España Género: Teatro documental Ficha artística Una obra de Nadia Ghulam Dramaturgia e interpretación: Nadia Ghulam, Carles F. Giua y Eugenio Szwarcer Dirección: Carles Fernández Giua Duración: 80 minutos 37 La obra Nadia es una pieza de teatro documental sobre la experiencia de Nadia Ghulam, una joven afgana que, después de sufrir las consecuencias de la guerra civil en su país, en 2006 llegó a Barcelona. Ella es la protagonista de esta obra, que expone una historia que enlaza su pasado en Kabul con su presente en Barcelona, y proyecta una mirada de esperanza hacia el futuro. 38 Nadia Ghulam Nadia nació en Kabul hace 28 años. Cuando tenía 8, durante la guerra civil posterior a la retirada soviética, sufrió graves heridas a causa de un bombardeo. La perseverancia de su madre le salvó la vida. Instaurado el régimen de los talibanes y con graves secuelas físicas, tuvo que hacerse pasar por un chico, para mantener a su familia. Esta increíble representación duró casi diez años. En 2006, gracias al trabajo de una ONG, viaja a Barcelona, ya como mujer. Actualmente, estudia cooperación social, ha recuperado su vida y está implicada en todo tipo de actividades dedicadas a divulgar la cultura afgana y la situación de las mujeres en su país: un documental televisivo, varios libros y, ahora, esta pieza teatral en la que la propia Nadia, utilizando imágenes reales y material documental, transmite su experiencia y mira hacia el futuro. Nadia habla de Nadia, pero también de nosotros, de nuestras creencias, de la información, la amistad, la educación y la libertad. Nadia es un diálogo entre culturas. Blu Colectivo Escénico Reversión Uruguay Género: Etodrama Ficha artística Elenco: Emanuel Sobré, Andrés Reyes, Bruno Guerra Darriulat,Fernando Nieto Palladino. Vestuario: Pablo Auliso. Banda sonora: Bruno Guerra Darriulat Iluminación: Fabián Alfonso, Escenografía: Fernando Nieto Palladino Gráfica y fotografía: Mercedes Xavier Producción: Colectivo escénico REVERSIÓN Dramaturgia y dirección: Fernando Nieto Palladino Duración: 70 minutos La obra Cuatro hermanos se reencuentran después de nueve años por la muerte de su abuela, el último antecesor de su linaje. El menor de ellos, un inválido intelectual de nacimiento, depende de sus cuidados para poder vivir. Solos en el mundo y detenidos en la casa materna, se verán forzados a decidir entre los sueños propios y el amor fraterno. Tras nueve años en la ciudad, Claudio retorna a la casa materna para despedirse de su abuela agonizante, pero la lluvia corta los caminos y no le permite llegar a tiempo. Lo esperan Adelfo, el hermano mayor, Domingo y Blu, los gemelos menores de la familia. Mientras resuenan los estallidos de una guerra mundial, los hermanos se 39 40 ocupan por primera vez de los cuidados de Blu, quien nació con una marcada discapacidad intelectual. La fatal dependencia del hermano menor hace que cada decisión sea determinante para el destino de todos. La lluvia no dará tregua y pronto el alimento y el fuego harán falta para sobrevivir... Fernando Nieto Palladino El biólogo y director de teatro Fernando Nieto Palladino es el creador de la obra Blu, nominada a cinco premios Florencio, los más importantes de Uruguay. Considerado como una rara avis de la escena uruguaya, Palladino parte de la aplicación de la etología –ciencia que estudia el comportamiento animal– al mundo teatral. Su nombre comenzó a circular en 2008, cuando estrenó Quiroga con la luz prendida. Luego vino su puesta de Los siete locos, de Roberto Arlt, en 2012. Su tercera obra como director y actor, también escrita por él a partir de un trabajo de creación colectiva, fue nominada en las categorías de espectáculo, director, actor, elenco y vestuario (de Pablo Auliso). Creador de un tipo de aproximación escénica denominada etodrama, Nieto Palladino reconoce que no estudió teatro, que no va a ver obras, que prefiere no trabajar con actores (a excepción de Emanuel Sobré). A su vez, su técnica incluye un trabajo desde lo personal y recomendaciones sobre la dieta o la vida sexual de sus actores. Marx in Soho Gustavo Moraes-Moraes_Susaeta Uruguay Género: Unipersonal Ficha artística: Calificación: Todo público Autor: Howard Zinn Dirección: Juan Tocci Actúa: César Troncoso Diseño de espacio escénico, luces y vestuario: Laura Leifert. Ambiente sonoro: latejapride Diseño gráfico: Barba / Sergio Rodríguez. Fotografía: Darío Calvelo y Martín Rodríguez. Traducción: Juan Tocci. Producción: Gustavo Moraes / moraes_susaeta. Duración: 65 minutos La obra Marx ha tenido la oportunidad de regresar a la tierra, solamente por una hora. Sorpresivamente se encuentra con un público y, sediento de hablar y de reivindicar su nombre después de tantas críticas que recibió a lo largo de los últimos 30 años, comienza a discurrir frente a quienes decidieron escucharlo. Así entonces entre el humor irónico y la indignación Marx nos cuenta sus pensamientos más simples, los que nutrieron sus teorías económicas más complejas; y que no eran otra cosa que la lucha contra las injusticias que iban creciendo con la modernidad, las desigualdades que se generaban con el terrible desarrollo de la primera industria. Pero a su vez 41 42 habla de sí mismo, cuenta su propia historia, la historia de un amor único durante toda su vida hacia su esposa Jenny, sus padecimientos económicos, sus problemas de salud, la incondicional dedicación hacia sus hijos. No tuvo una vida fácil. Explica sus enfrentamientos en La Internacional Socialista, la rivalidad con Bakunin y sobre todo nos transmite su pasión por la vida. El autor Howard Zinn (24 de agosto de 1922 – 27 de enero de 2011) fue un historiador social estadounidense. Sus planteamientos incorporaron ideas procedentes del marxismo, el anarquismo y el socialismo. Desde la década de 1960, fue un referente de los derechos civiles y el movimiento antibélico en los Estados Unidos. El director Licenciado en Letras de la Universidad de Buenos Aires / Director de Teatro / Escritor Juan Tocci es profesor de literatura e investigador de la Facultad de Filosofía y Letras, de la Universidad de Buenos Aires. Fue Jefe de Trabajos Prácticos de la cátedra de “Teoría y Práctica del Hecho Teatral” Facultad de Filosofía y letras de la Universidad de Buenos Aires. Realiza cursos de dirección teatral con el regisseur David Amitín y con el director Jaime Kogan, reside en Barcelona y colabora en el “Institut de Teatre”. En 2006 estrena “4:48 Psicosis” de Sarah Kane, Premio Iris “El País”, nominada al Florencio y elegida para el Festival de Porto Alegre. En 2009 estrena “La Señora Macbeth”, de Griselda Gambaro. En Agosto 2010 estrena ”Listening Shakespeare”, en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires. En 2013 estrena “Marx in Soho” de Howard Zinn en el marco del Primer Encuentro Iberoamericano de Teatro de Montevideo. Arreola por Arreola, Bestias y Prodigios José María Arreola México Género: Teatro experimental Ficha artística Textos: Juan José Arreola Guión, dirección, y producción artística: Alonso Arreola Lectores: José María Arreola y Fernando Rivera Calderón. Músicos: Iraida Noriega y Alonso Arreola Cine a mano en vivo: Arturo López “Pío” Duración aproximada: 55 - 60 minutos Basado en el texto El Bestiario, de Juan José Arreola, se presenta este espectáculo interdisciplinario a cargo del músico Alonso Arreola, con cápsulas que en términos textuales son en “buena medida deliciosas, breves y muy contundentes”, donde se orillará al público a cuestionarse: ¿quién es el encerrado?, ¿el observado? y ¿quién es el animal? Dos son las columnas vertebrales del espectáculo, unos son los textos del Bestiario y otra es un homenaje a José Emilio Pacheco, quien en su momento ayudó a que este libro pudiera salir a la luz y en torno a eso suceden muchas cosas. Los textos tienen un tratamiento estructural tipo canción, acompañado por piezas musicales pero que se entrelazan de manera incluso científica. El baterista y escritor José María Arreola, la cantante Iraida Noriega y el cineasta de arena Arturo López “Pío” serán quienes intervengan los textos dedicados a animales, es decir, se encargarán de crear estampas con sentido del humor junto con otros escritos añadidos al libro de Arreola en ediciones posteriores. El espectáculo es un homenaje al 55 aniversario de la publicación del libro Bestiario, de Juan José Arreola (originalmente titulado Punta de Plata e ilustrado por el artista plástico Héctor Xavier, en 1959) y es el hilo conductor de este recital escénico 43 Máxima seguridad ID Studio de Nueva York - Compañía Nacional de las Artes de Bogotá USA Género: Drama realista 44 Ficha artística Autora: Piedad Bonnett, Traducción: Lucia della Paolera Actuación: Víctor Hugo Grajales, Wilmar Saldarriaga, Leonardo González Ilovik y César Morales. Dirección: Nelson Celis Coproducción: ID Studio Duración: 70 minutos La obra Crónica realista de la vida en prisión de tres internos y un guardia, y las relaciones sádicas y satíricas que se tejen entre los cuatro personajes, en medio de un laberinto de desespero y violencia. Es una obra de humor negro, audaz y provocativo, que aborda las estrategias de supervivencia y las batallas psicológicas que enfrentan quienes pasan sus días tras las rejas. En Máxima seguridad, los prisioneros son víctimas de sus errores, de su pasado turbulento, pero también de un sistema judicial y carcelario corrupto. Los tres internos sufren de enfermedades mentales, se les ofrece comida descompuesta, carecen de agua y son torturados periódicamente. La intención de Bonnett al escribir Máxima seguridad era claramente política. “Siempre me ha preocupado el tema de la atroz deshumanización de las prisiones –afirma-”. Antes de concebir la pieza, había abordado el tema en algunas columnas, donde hablaba de la perpetuación del horror y la imposibilidad de reformar a una persona en una cárcel. ID Studio Es una compañía de Nueva York que trabaja con una mezcla de actores profesionales e inmigrantes indocumentados, para crear piezas de impacto social y comunitario. Su creador y director es Germán Jaramillo, destacado actor manizaleño que se formó en el Teatro Libre de Bogotá. Piedad Bonnett Piedad Bonnett (Amalfi, Antioquia, 1951) es licenciada en Filosofía y Letras de la Universidad de los Andes y profesora de esta Universidad desde 1981. Piedad Bonnett es autora de cuatro novelas, Después de todo (2001) Para otros es el cielo (2004) Siempre fue invierno (2007) y El prestigio de la belleza (2010), y de unas memorias sobre la muerte de su hijo, Lo que no tiene nombre (2013) obras todas ellas publicadas por Editorial Alfaguara. También ha escrito cinco obras de teatro, Gato por liebre, Que muerde el aire afuera, Sanseacabó, Se arrienda pieza, y Algún día nos iremos, montadas por el Teatro Libre bajo la dirección de Ricardo Camacho. Este grupo utilizó también su versión en verso de Noche de epifanía de Shakespeare para uno de sus montajes. 45 Carmen Fundación Circo Nacional de Venezuela Venezuela Género: Circo contemporáneo 46 Ficha artística Dirección artística: Jericó Montilla Dirección técnica: Niky García Elenco: Ximena Zapata / Carmen Armando Hernández / Soldado Daniela Rojas / Tabacalera Nadia Yanez / Frasquita Alex Hernández / Don José Megan Gonzales / Tabacalera Marcos moreno / Soldado Jonnata Marchan / Lilias pastias Fernando Jiménez / Soldado Mónica Naime / Tabacalera Alfonzo Leongomez / Soldado Estephany Gabriela Rojas / Soldado Magdorys Porras / Tabacalera Gaspar Trejo / Técnico Música en vivo: Orquesta Sinfónica de Caldas Solistas: Marco Castro / Toreador Jenny moreno / Carmen Monica Henao / Micaela Duración: 75 minutos La obra Carmen, la opera escrita por el francés Georges Bizet (18381875), cuestionada por la crítica de la época por considerarla muy “realista”, se convierte sin embargo, luego de la muerte de su compositor en una obra maestra de la música universal. En esta ocasión a través de la expresión circense, se recrea la famosa historia de una pasión atormentada entre Carmen, una astuta y atractiva gitana y Don José, un ingenuo soldado enloquecido por los celos. Carmen no tardará en volcar su amor al torero Escamillo. Don José, rechazado, toma la peor decisión y desencadena un trágico final . La obra resume en dos actos esta historia de amor y traición contada con acrobacias, malabares, equilibrios y demás números circenses, que al ser acompañados por una música maravillosa, genera un espectáculo de circo contemporáneo o del llamado nuevo circo, que al igual que el circo tradicional envuelve al espectador en un rito de riesgo y fascinación. Circo Nacional de Venezuela La Fundación nace en el año 2010, desde sus inicios dedica a la difusión y promoción del arte circense como herramienta para la transformación social, desde los ámbitos de la recreación, la formación, el intercambio de saberes, el desarrollo cultural comunitario y como herramienta de motivación para niños niñas y adolescentes. Actualmente la fundación desarrolla dos proyectos de carácter social: El Semillero Circense, dedicado a la formación permanente de niñas, niños y adolescentes a partir de seis años y el Circo Social Itinerante, que consiste en realizar temporadas de circo en una carpa para 1000 personas en comunidades organizadas y comunas en construcción en todo el territorio nacional. En su repertorio cuenta con cinco creaciones: Fingiendo demencia (2011), Sueños de Pandora (2013), Carmen (2014) Funámbulo (2014) y Éxodo…voces al compañero (2015), todas enmarcadas en el llamado Nuevo Circo o circo contemporáneo, fusionando diversos géneros escénicos para la creación de los espectáculos dentro y fuera de la carpa tradicional. Directores Niky García (Caracas 1973): Artista de Circo, actor y activador cultural, comienza sus experiencia artística en 1987 como músico en la escena Punk caraqueña, luego en 1989 da sus primeros pasos en el teatro de calle con las agrupación Maroma y art-o de caracas, en 1994 se instala en Buenos aires donde cursa estudios de circo y teatro, a su regreso a Venezuela trabaja como intérprete en diversos grupos de teatro. Desde el 2006 se desempeña como gerente cultural siendo el director fundador de la Compañía Nacional de circo, actividad que lo lleva a establecer convenios con Rusia, China y Cuba. 47 48 Jericó Montilla: (Zulia, 1981) Premio Municipal de Teatro en Mejor Dirección. Directora de Teatro y Circo. Egresada del Programa de formación actoral de la Compañía Nacional de teatro. Cursó estudios en el Nordik Teater Laboratorium Odín Teatret en Holstebro/ Dinamarca y Ravena/Italia. Ha participado en diferentes Películas venezolanas como actriz y se ha destacado en el diseño y realización de vestuario para cine, circo y teatro. Orquesta Sinfónica de Caldas Institución sinfónica del departamento que desde el segundo semestre de 2012 afronta una nueva etapa en materia artística y administrativa. Luego de una inspirada y sobresaliente temporada 2012 (países, músicos y música) la OSC ha atraído a un gran número de adeptos que le reconocen como una orquesta de todos y para todos. Dirigida desde su fundación por el maestro Nelson Monroy, su proyección y manejo artístico lo encabeza actualmente el maestro Gorka Sierra, quien con la administración de la fundación Batuta Caldas, el patrocinio y respaldo de la Universidad de Caldas y entes gubernamentales municipales, departamentales y nacionales, edifican en esta noble empresa una próspera renovación sinfónico- cultural para la región y el país. Como un bolero Coproducción Casa de Teatro y Ministerio de Cultura de República Dominicana República Dominicana Género: Cabaret teatro Ficha Artística Dirección: Raúl Martín Actuación: Ernesto Báez, Cindy Galán, Laura Lebrón, María del Mar, y Diomary La Mala. Arreglos musicales: Raymond Jáquez Música en vivo: Ray Morgana. Duración: 70 minutos La obra “Como un bolero” abarca el quehacer de grandes autores e intérpretes de la música dominicana. Temas emblemáticos se escucharán en las voces de actores y jóvenes cantantes, enlazados por los textos creados por Freddy Ginebra y Rafael Morla. Con el mismo sentimiento y la misma pasión de un bolero se cantarán también las bachatas, los merengues y las salves que han animado por décadas a los dominicanos. La obra tipo cabaret pretende mostrar, con humor e histrionismo, las relaciones humanas, amorosas y sociales del dominicano de hoy. Las canciones sugirieron de textos y los textos trajeron canciones, “Aquí está este ajiaco de pasiones que cada intérprete ha hecho suyo para, a la vez, regalárselo al público cada noche, como si fuera la única noche”, destaca Raúl Martín, director del espectáculo. Casa de Teatro Todo un referente cultural en su país la Casa De Teatro está ubicada en la ciudad colonial de Santo Domingo de la República Dominicana. Inaugurado en 1974 por el conocido escritor dominicano Freddy Ginebra, en este centro cultural han nacido muchos 49 50 nuevos artistas nacionales. Cantantes, músicos, bailarines, poetas, narradores, actores, pintores, diseñadores, fotógrafos... hicieron de la vieja casa colonial su hogar. La efervescencia creativa hizo que un espacio pensado solo para teatro, se transformara en galería pictórica, sala de ensayos, escuela para niños y adultos, formación de grupos de teatro, escuela de danza, grupos de fotografía, noche de jazz, teatro de títeres, reuniones de poetas, centro de conferencistas... la casa cobró vida y se convirtió en canal para que los nuevos y jóvenes artistas pudieran sin necesidad de recursos económicos o prestigio, expresaran su talento. El canta, yo cuento Casa de Teatro República Dominicana Género: café-teatro Duración: 75 minutos La obra El canta yo cuento es un divertimento íntimo entre canciones y cuentos. José Antonio Rodríguez, laureado cantautor dominicano y Freddy Ginebra, promotor cultural y director de Casa de Teatro se dan la mano, uno con sus más bellas y reconocidas canciones, el otro, narrando las historias que durante más de diez años ha estado publicando en la última página del periódico de mayor circulación del país. En el espectáculo se mezclan la risa, la nostalgia, alguna lágrima, con boleros y canciones desgarradas en la guitarra de su autor. “El Canta, yo cuento” es un abrazo cálido de esa media isla que se llama República Dominicana a todos los colombianos y muy especialmente a los manizaleños. Freddy Ginebra Considerado uno de los principales profesionales de las Relaciones Públicas en República Dominicana, con estudios especializados de Publicidad, Gestión Cultural y Servicios de Relaciones Públicas Freddy Ginebra ha sido productor de importantes programas de televisión y articulista del Listín Diario y del Caribe. Actualmente escribe en la revista Estilo, del ¨Diario Libre¨. Es director de la Fundación Casa de Teatro, el centro cultural que fundó en 1974, donde han nacido importantes nombres del mundo artístico dominicano. Ha escrito tres piezas teatrales y siete libros que recogen anécdotas personales, titulados: “Antes de que pierda la memoria I y II” / “Secretos compartidos” / ¨Viajar sin Memoria¨y ¨Celebrando la Vida I, II y III¨. En preparación vienen dos nuevos títulos. 51 52 José Antonio Rodríguez Laureado cantautor dominicano, que en sus inicios formó parte de grupos de renombre en los años 70’s, tales como: ONDA 73, Los Paymasí y el Grupo Módulo. Desde entonces no ha dejado de cosechar exitos, como el Primer lugar en el Festival Internacional de Viña del Mar en Chile, en 1986, con la canción “Para Quererte”. Ha editado en su país siete (7) producciones discográficas al lado de importantes arreglistas, compositores y cantantes como Manuel Tejada, Jochi Sánchez, Juan Luís Guerra, Gonzalo Rubalcaba, Silvio Rodríguez, Carlos Varela, Maridalia Hernández y Patricia Pereyra. Ha compartido el escenario con destacados artistas como: Alberto Cortez, Mercedes Sosa, Raphael, Carlos Varela, Vicente Feliú, Sergio Vargas, Los Van-Van, Joan Manuel Serrat, Silvio Rodríguez, Caetano Veloso, Pablo Milanés, Charles Aznavour, entre otros. 53 ESPECTÁCULOS SALA NACIONALES LABIO DE LIEBRE (Venganza o perdón) Una coproducción del Teatro Colón de Bogotá (invitado de Honor) y Teatro Petra Colombia Género: Drama Ficha artística Elenco: Marcela Valencia Alegría de Sosa (La madre de la liebre) Liliana Escobar Roxi Romero (La periodista) Jacques Toukhmanian Granado Sosa (La liebre) Ana María Cuéllar Marinda Sosa (Hermana de la liebre) Biassini Segura Jerónimo Sosa (Hermano de la liebre) Fabio Rubiano Salvo Castello (Hombre en arresto domiciliario en Territorio Blanco) Dirección de arte: Laura Villegas Composición musical y diseño sonoro: Camilo Sanabria Diseño de video: Carlos Pérez y Diego Andrés Forero Diseño de iluminación: Adelio Leiva y Leonardo Murcia Diseño de maquillaje y peinados: Alejandro Restrepo Asistentes de dirección de arte: Santiago Orjuela y Laura Cuervo Realización de vestuario y accesorios: Servando Díaz y William de Jesús Mejía Asistente de vestuario, maquillaje y peinados: Maddalena Zanardi Realización de escenografía: H y G Studios Director de escenografía: Henry Alarcón Osorno Director de decoración: Sebastián Jiménez Cortés Director de decoración invitado: Wilson Castro (Brasil) 59 60 Escenotécnicos: Mauricio Quintero Barón, Alexander Quintero Barón y Jhon Quintero Barón Asistentes de decoración: Laura Forero, Yenni Sotelo, Cristina Gaviria, Paula Cardoso, Silvana Araoz Decoradora invitada: Jamaira Pacheco (Brasil) Asistente escenotécnico: Edwin Loaiza García Prosthetics make up: Anfibio FX y Golpe de gracia Realización de cabezas de animales: Jhon Alejandro Sánchez Realización traje Fabio Rubiano: KOLT Colaboradores del proceso: creativo Juliana Barreto, Melanie May, Angela Triviño Director asistente y productor de campo: Jonatán Cabrera Escrita y dirigida por: Fabio Rubiano O. Agradecimientos Camilo Akl, Juan Pablo Akl, Adriana Valencia, Mauricio Santos. Duración: 1 hora 15 minutos. La obra Labio de liebre es una obra sobre una de las pasiones infalibles en la narración dramática: la venganza. Pero también sobre una de las acciones más difíciles: el perdón. En esta historia contada con elementos de humor negro, Salvo Castello, un empleado eficiente, ha colaborado con firmeza en la ejecución de hechos atroces. Ha obrado por convicción, por rabia, por dolor; pero también por venganza. Se arrepiente. Pero queda en deuda. Para pagar su deuda debe enfrentarse, en su propia casa, con hechos del pasado; fragmentos olvidados por voluntad, por obligación, o por inercia. La familia Sosa, afectada años atrás, renuncia a cobrarle a don Salvo los daños del pasado. No todos. Hay algunos que no se pueden perder en la memoria, ni sepultar en los terrenos del perdón. Renunciar a la venganza como forma de justicia no significa que los afectados no reclamen otras cosas. Piden, exigen. Tanto, que a veces la exigencia es tan insistente e inalterable, que parece cruel. Cercana a la venganza. Los territorios blancos de un país lejano y frío, y los bosques y campos cálidos de otro, se encuentran de la misma manera que dos tipos de personas aparentemente irreconciliables se acercan para entender por qué pasó todo lo que pasó. Teatro Petra Fundado por Fabio Rubiano O. y Marcela Valencia en 1985, es uno de los grupos más representativos del teatro contemporáneo de Colombia. Su trabajo nace de la investigación y la escritura dramática desde el texto y el escenario. Sus piezas han ganado cuatro veces el Premio Nacional de Dramaturgia, la Mejor Obra 2011 con Sara dice y el Premio Nacional de Dirección 2013 con El vientre de la ballena, Sara dice, y Pinocho y Frankenstein le tienen miedo a Harrison Ford. En sus tres décadas de existencia, el Teatro Petra se ha hecho acreedor de múltiples becas, premios de producción, residencias y menciones en el exterior. Sus obras han sido invitadas a más de 35 festivales internacionales en Europa, Suramérica, México y Estados Unidos. Actualmente, se encuentra celebrando este aniversario con el estreno y gira internacional de Labio de liebre, coproducción con el Teatro Colón, y con el lanzamiento del libro de los 30 años del grupo. El Teatro Petra se ha caracterizado en sus montajes por tratar temas polémicos y controversiales de nuestra realidad, pero siempre, aunque naveguen por el dolor y la violencia, el humor aparece en su nivel más irónico, generando risas que duelen. Una manera de ver el mundo sin evitar la confrontación. Fabio Rubiano Orjuela Dramaturgo, director y actor. Licenciado en Arte Dramático de la Universidad del Valle. Estudió dos años en la Escuela Distrital de Teatro de Bogotá y seis en el Taller de investigación Teatral de Santiago García. Recibió el Premio Nacional de Dirección Teatral 2013. Ha escrito más de 20 obras de teatro, de las cuales cuatro han recibido el Premio Nacional de Dramaturgia: Gracias por haber venido (1996), Cada vez que ladran los perros (1997), La penúltima cena (1999) y El Natalicio de Schumann (2009). Ha sido merecedor de cinco becas de creación del Ministerio de Cultura; cuatro de sus obras han ganado premios de coproducción y dos han sido escritas gracias a residencias en el exterior (España y México). Sus obras han sido montadas por compañías de Eslovenia, Chile, México, Estados Unidos, Perú, España y Francia. Ha sido traducido al francés, inglés y esloveno. 61 Voz Exilia2 Teatro en Coproduccion con El Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá Colombia Género: Comedia Negra 62 Ficha Artística Dirección y dramaturgia: Víctor Quesada Asistente de dirección: Julián Arango Actrices: Diana Ángel Nathalia Franco Consuelo Luzardo Actores: Javier Méndez Fernando Bocanegra Edwin Maya Álvaro Bayona Fernando Bocanegra Edwin Maya Álvaro Bayona Matías Maldonado Diseño de iluminación: Humberto Hernández Diseño escenográfico: Juan Carlos Joseph Diseño de vestuario: Casandra Hernández Duración: 60 minutos La obra El universo propuesto en Voz está habitado por ocho personajes contradictorios, divertidos, con culpas irrefrenables y extraños deseos que representan una metáfora de la aceleración del ritmo de las ciudades en el siglo XXI. Los personajes presentan irónicamente sus conflictos a través de situaciones cómicas que invocan temas espinosos como el suicidio y la eutanasia. En este montaje, una ferviente devota que cuestiona su sexualidad, una joven hermosa que se habla a sí misma, una madre elegante y despistada que desprecia a su hijo, un hijo víctima del matoneo que odia a su madre, un médico delirante con insomnio y un padre que ha perdido su voz y sólo se puede comunicar a través de su parpadeo, viven universos paralelos que se entrecruzan por el anuncio de un presidente sobre el derecho a morir de una forma higiénica y estética. La obra parte de premisas y cuestionamientos fundamentales sobre la vida, la muerte y la existencia del ser humano a través de la ironía, el drama y la comedia. Esta coproducción del Iberoamericano reúne cuatro generaciones de actores colombianos guiados por el joven director y dramaturgo Víctor Quesada, quien obtuvo el estímulo otorgado por el Ministerio de Cultura de Colombia a través de las Pasantías Internacionales en 2012, lo que le permitió viajar a Río de Janeiro y escribir la obra bajo la tutoría del exitoso y reconocido dramaturgo brasilero Jô Bilac. Víctor Hugo Quesada Politólogo de la Pontificia Universidad Javeriana de Bogotá, maestro en Dirección Teatral de la Universidad de Essex- East 15 Acting School de Inglaterra. Se ha formado en actuación, dirección y dramaturgia en el GITIS de Moscú, Odin Teatret en Dinamarca, Grupo Malayerba en Ecuador y con el dramaturgo Jô Bilac en Brasil. Ganó la Beca Jóvenes Talentos 2010 del Icetex, ganó la beca para jóvenes creadores del Ministerio de Cultura de Colombia 2011 con Apesta obra que escribió y dirigió en un espacio urgente en abril del 2012. Ganó el impulso Pasantías Internacionales del Ministerio de Cultura en el 2012 escribiendo la obra “Voz” en Rio de Janeiro. Es el director artístico de la Compañía Exilia2 Teatro desde el 2010. Exilia2 Teatro Nace en 2010 bajo la dirección artística del director y dramaturgo Víctor Quesada egresado del curso de Dirección teatral de East 15 Acting School de Londres. Integrada por un grupo nutrido de actores y actrices con gran experiencia y reconocimiento en Teatro, Cine y Televisión. En la actualidad tiene cuatro montajes: Anónimos (2011) Beca jóvenes talento Icetex, Apesta (2012) Beca Jóvenes creadores Ministerio de Cultura, Voz (2014) Co-producción XIV FITB y El Avaro (2015) parte del proyecto pedagógico del Teatro Nacional. 63 Hoy Envejecí 10 Años Coproducción del Teatro Colón de Bogotá y La Maldita Vanidad Colombia Género: Drama 64 Ficha Técnica: Autor y Director: Jorge Hugo Marín Actores: Ella Becerra, Juana Arboleda, Luna Baxter, Angélica Prieto, Juan Manuel Lenis, Juan Pablo Acosta, Fernando Arroyave, Cesar Álvarez, Anton Tarasov Asistente de dirección: Daniel Díaza Dirección de Arte: El otro trapo, Manuela Pizarro, Guadalupe Errazuriz Escenografía: Mateo Rueda/por la dinámica. Musicalización: Rafael García Iluminación: Leonardo Murcia. Teatro Colón Jefe técnico: Andrés Camilo Duarte Diseño Grafico: Ernesto Herrera. Teatro Colón Fotografía: Andrés Gómez, Juan Carlos Mazo Producción Ejecutiva: Wilson L. García D. Duración:75 minutos La obra Olga: Papá murió hace justamente un año, es el primer dialogo en la obra “Tres hermanas” de Antón Chejov. Es a la vez el punto de partida para crear esta nueva obra, hecha para despedir a esos padres que la violencia de los años ochentas se llevó en Medellín. Después de la muerte de un padre que era visto como un héroe por su oficio de militar, sus hijos han quedado solos, desprotegidos, temerosos. Tres hermanas y un hermano en una casa de campo intentan sobrevivir; nunca les enseñaron a estar solos. Un “patrón” que atemorizaba al país le arrebató la vida a él y así sucesivamente a unos centenares de hombres más. Un millón de pesos pagaban por cada policía muerto. Y luego de cada cadáver en el suelo y de cada millón repartido, una familia más con miedo, un miedo normalizado en una sociedad anestesiada. Esta es una obra escrita y dirigida por el maestro en Arte Dramático Jorge Hugo Marín, ambientada en la Medellín de 1989. Diez actores en escena de la compañía teatral La Maldita Vanidad, fundada en 2009 por Marín y seis artistas más, serán los encargados de dar vida a esta historia que pone en escena uno de los momentos más trágicos de la reciente historia de Colombia. Jorge Hugo Marín Nació el 17 de enero de 1981 en Medellín- Colombia. Es maestro en Arte Dramático de la Universidad de Antioquia. Es actor, director y dramaturgo. En el año 2009 fundó junto con seis artistas más “La Maldita Vanidad Compañía Teatral” siendo autor de la trilogía Sobre algunos asuntos de familia compuestas por las obras El autor intelectual, Los autores materiales y Cómo quieres que te quiera. Morir de amor, Segundo acto inevitable: morir, es su cuarta obra que hace parte de la antología II de teatro colombiano publicada por el Ministerio de Cultura de Colombia y la editorial Paso de Gato. En el año 2013 fue ganador de la Beca de Creación del IDARTES a directores con trayectoria con su nueva obra Matando el Tiempo, primer acto inevitable: nacer. En el año 2014 estrena “Paisaje Fracturado”. La Maldita Vanidad Es una fundación compuesta por artistas colombianos, con una trayectoria de 6 años. Durante este tiempo se han sumado a la compañía más de 30 artistas permanentes y 50 invitados profesionales que han consolidado la fuerza del colectivo y lo han posicionado como un grupo de calidad y con un lenguaje escénico contundente en el oficio teatral nacional e internacional. Sus espectáculos han sido el resultado y el encuentro de un lenguaje específico caracterizado por el uso de espacios no convencionales, la exposición de micro conflictos de la realidad colombiana, la utilización de una única unidad de espacio y tiempo en un tono naturalista, la búsqueda de una narrativa que permanezca en el público, el teatro de autor y espectáculos donde el espectador es un cómplice de la escena. Este lenguaje está cargado de hiperrealismo. Hacen un tipo de teatro en donde todo está vivo y latente, y en donde los espectadores se sienten como voyeurs al vivir la realidad de cada una de las situaciones en su más elocuente expresión, al estar nuestros montajes abandonados de artificios y llenos de crudeza y verdad. 65 Flowers For Kazuo Ohno (and Leonard Cohen) El Colegio del Cuerpo Invitado especial Teatro Colón de Bogotá Colombia Género: Danza Contemporánea 66 Ficha artística Dirección general y Coreografía: Marie France Delieuvin, Álvaro Restrepo & Ricardo Bustamante Intérpretes: Ana María Bermúdez, Ricardo Bustamante, Gina Carrasquilla, Johan Gutiérrez, Jhorman Javier Jiménez, Alexis Marimón, J Elissa Marshall, Erick Pérez, Mayerlis Romero, Carolina Salinas. Diseño de Vestuario: El Colegio del Cuerpo Música Original: Todas las composiciones son de Leonard Cohen, la mayoría cantadas por él mismo o por otros intérpretes. Concepto de Espacio e Imagen: El Colegio del Cuerpo Diseño de Iluminación: Alexander Gümbel Asistente de Iluminación: Anyinson Lujan Fotografía: Fabián Álvarez Productor Técnico: Alexander Gümbel Duración: 90 minutos Obra “Este ramo de flores es un homenaje a ‘seis manos’ para uno de los padres de la danza Butoh (danza de las tinieblas post Hiroshima): Kazuo Ohno y su hijo Yoshito, a quienes conocimos durante nuestra visita al Japón en el año 2008 y es una forma de devolver las flores que ellos nos enviaron al camerino del Teatro Rokko-Kai. El 29 de octubre de ese año actuamos en Tokyo para algunos miembros de la familia imperial japonesa, cuerpo diplomático e invitados especiales para celebrar los 100 años de relaciones diplomáticas entre Colombia y Japón. Las tarjetas que acompañaban las flores que inesperadamente recibimos (para nuestra sorpresa y honor) eran de Kazuo y Yoshito Ohno. Al día siguiente fuimos a visitarlos a su casa en Yokohama, donde pasamos unos de los momentos más inolvidables de nuestras vidas: el maestro de 102 años yacía en su lecho, conectado a la vida por un fino hilo de seda... Luego de permanecer unos minutos con él, Yoshito nos condujo al estudio de danza donde nacieron muchas de sus obras emblemáticas: “Admirando a La Argentina”, “El Mar Muerto”, “Mi Madre”, “Water Lilies”, entre muchas otras. Ese día nació en mi espíritu el deseo de hacer una obra que rindiera un homenaje a estos inigualables creadores. Les propuse a Marie France Delieuvin (codirectora de eCdC) y a Ricardo Bustamante, (subdirector artístico y bailarín de la compañía) que emprendiéramos la aventura de crear colectivamente una pieza que, sin utilizar el lenguaje del Butoh, (ya que no somos bailarines de Butoh) fuera una ofrenda a partir de nuestro universo coreográfico y poético. Durante el proceso de creación tuve otro reencuentro fantástico e inesperado: la poesía y la música del gran cantautor canadiense Leonard Cohen, a quien había leído y escuchado mucho en mis años de juventud y cuyo rastro había perdido. Su disco OLD IDEAS de 2012 me puso en contacto de nuevo con otro creador que, al igual que Ohno, supo hacer de su edad una obra de arte: Cohen acaba de cumplir 80 años y los ha celebrado con el lanzamiento de su último disco POPULAR PROBLEMS. Les propuse entonces a Marie France y a Ricardo trabajar para este homenaje con música de Leonard Cohen, interpretada por él y por otros grandes artistas: Nina Simone, Antony Hegarty, las Webb Sisters, Anjani, Silvia Pérez Cruz. El vínculo entre Ohno y Cohen no es aparente y sencillo: mágicamente la figura de Federico García Lorca es la que los une: Kazuo Ohno creó su obra más conocida Admirando a La Argentina en homenaje a la gran Antonia Mercé, llamada La Argentina, bailarina de flamenco, gran amiga de Federico y sobre la que el poeta andaluz escribió un hermoso elogio. Leonard Cohen es un lorquiano consumado y así lo declaró en su célebre discurso de aceptación del Premio Príncipe de Asturias (su única hija se llama Lorca). García Lorca fue también para mí, desde antes de descubrir la danza, una figura tutelar e inspiradora: mi primer sólo, Rebis (1986), lo creé para conmemorar el cincuentenario de su asesinato.” (Alvaro Restrepo Diector de El Colegio del Cuerpo). 67 68 Los coreógrafos Alvaro Restrepo estudió filosofía y letras y teatro antes de dedicarse a la danza. En 1981 recibió una beca del gobierno colombiano para estudiar en Nueva York con Jennifer Muller, Martha Graham, Merce Cunningham y Cho KyooHyun, entre otros. En 1986 fundó su propia compañía Athanor Danza y estrena en el Teatro La Mama de la ciudad de Nueva York, su primera creación Desde la Huerta de los Mudos, homenaje a García Lorca en el cincuentenario de su asesinato. A partir de ese momento se inicia su carrera internacional como coreógrafo e intérprete de sus propias creaciones. Entre sus obras destacan Rebis (1987), Sol Níger (1989), Yo, Arbor Gonzalo (1991), Raveliana (1992), La enfermedad del ángel (1993), Ordalía(1994), El país de los ciegos (1996), La Noche de la hormiga – Tetralogía (2001). Su obra se caracteriza por una preocupación constante por la atmósfera ritual y el carácter sagrado del hecho escénico. Desde 1995 vive y trabaja en Cartagena de Indias, donde fundó en 1997 EL COLEGIO DEL CUERPO, con la bailarina, coreógrafa y pedagoga Marie France Delieuvin. Marie France Delieuvin es bailarina, coreógrafa y pedagoga francesa en Danza Contemporánea. Se formó en París con Françoise y Dominique Dupuy, y con Jérôme Andrews. Como solista en la compañía Les Ballets Modernes de Paris y continuó su formación como bailarina en Estados Unidos (Universidad de Harvard y Nueva York). Es nombrada por el Ministerio de Cultura de Francia en 1991, Directora de la Escuela Superior de Danza Contemporánea de Angers, primer Centro Coreográfico Nacional del país. Ricardo Bustamante, bailarín, coreógrafo y maestro de danza contemporánea con formación en danza Afro contemporánea y danza tradicional Afro colombiana. Empezó su formación con el maestro Wilfran Barrios en el año 1997, en el lenguaje de la danza tradicional Afro colombiana. El Mediumuerto Teatro Matacandelas Colombia Género: Tragicomedia milenarista Ficha artística Reparto: El médium Reinel Robayo: Diego Sánchez Sara, su hija: Beatríz Prada Ruth, su otra hija: María Isabel García Roger Vaughum y Omar Villa, una pareja: Juan David Correa - Jhon Ospina John Estelívar Gámez, un motociclista: Sergio Dávila Astor, otro médium: Edwin Alcides García Deyanira, ex amante de Reinel: Ángela María Muñoz Y Juan David Toro - Tatiana López Composición y dirección musical: Ángela María Muñoz Luces: Cristóbal Peláez Sonido: Jonathan Cadavid Escenario, vestuario y utilería: Matacandelas Diseño gráfico: José Domingo Garzón Dibujos animaciones: Sergio Dávila Forero Animación: Revolver Santos Films Producción: Cristóbal Peláez G. Asistente de dirección: Margarita Betancur Dramaturgia y Dirección: José Domingo Garzón Coproducción: Teatro Matacandelas - XII Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá 2010 Agradecimientos: Volantín y Andrés Sánchez Duración: 80 minutos 69 70 La obra En El mediumuerto sucede casi todo: se roza con los mitos, las creencias fundamentales de occidente, se pasea por los estereotipos de la cultura popular, se aproximan referentes a los profanos ritos de invocación a la prosperidad, representados en la tríada: salud, dinero y amor; se abordan así llamados ahora asuntos de género, se participa del fin del mundo… pero termina no pasando nada. Suma de artificios y de engaños. Engatusar al otro. El principio y el final de la ficción, de lo ficcional. Probablemente no ha cambiado mucho la actitud de las sociedades con respecto al placer, a la seducción del relato, es decir de la ficción, de la mentira. Asombro, sorpresa: eso es el engaño. Transacción oral que, más que circular sabidurías en torno a la revelación de una verdad, amplifican la fascinación por el relato mentiroso, ficticio y externo, que ha propiciado buena parte, la más significativa quizá, de la historia de las expresiones del arte. Muy seguramente siempre existió la frontera entre la “mentira” y la “verdad”. Pero, como sucede ahora ante un espectáculo teatral, una obra cinematográfica y demás representaciones de la ficción, estamos dispuestos a aceptar que aquello “no existe”, que es una convención de entretenimiento. Muy seguramente, también, estamos dispuestos a reconocer que estos ámbitos se asocian con lo que hemos acordado cercano, definitorio, a los territorios del Arte: Se miente cuanto mejor, cuanto más se fantasea y se aparta un asunto de la realidad. Realidad y verdad son fuentes de distorsión, y son legítimas, más allá de las moralidades. José Domingo Garzón Dramaturgo, director y pedagogo teatral. Miembro de la planta de directores de la Fundación Teatro Libre de Bogotá desde 1988 hasta 1998. Fundador y Director del Teatro del Torreón de la Universidad Pedagógica Nacional, de 1987 a 1995. Director General de la Fundación Índice Teatro desde 1998, hasta 2002. Fundador y Director del Proyecto Pirámide, 2003-2006. Más de 30 obras dirigidas, de autores como Aristófanes, Shakespeare, Gógol, Gorky, Brecht, Canetti, Frisch, García Lorca, Sartre, Valle Inclán, Mishima, Barnes, Camus. Teatro Matacandelas Creado en 1979 y elevado a la categoría de Patrimonio Cultural de la Ciudad de Medellín en 1991. En sus 36 años de existencia ha producido más de 50 montajes, entre ellos unos 12 pertenecientes al teatro de títeres. El Teatro Matacandelas ha ganado en los últimos años un amplio reconocimiento en el ámbito nacional e internacional y ha sido imvitado a los Festivales Internacionales de Teatro de Cádiz, Bogotá y Manizales así como la gira por algunos países europeos (Portugal, España, Francia y Bélgica), la participación como invitado especial al Festival de teatro de la frontera con presentaciones en las ciudades de Cúcuta y San Cristóbal (Venezuela) en 1995, la temporada en el Teatro Olimpia de Madrid en junio de 1997, la participación en el Festival internacional de Almada (Portugal), la Muestra internacional de teatro de Rivadavia (España) también en 1997, la invitación a Mayo teatral 2001, 2004 y 2010 en Cuba, la participación en el Festival internacional de teatro y la Feria del libro de Santo Domingo, República Dominicana en 2006 y 2007, el Festival internacional de Lima, 2006, además de participaciones frecuentes en el Festival internacional de Manizales y el Festival iberoamericano de Teatro de Bogotá. 71 Si el Río Hablara Teatro La Candelaria Colombia Género: Drama 72 Ficha artística Creación Colectiva: Nohra González Reyes, Alexandra Escobar Aillón, César Badillo P. y César Amézquita. Concepto Plástico y Realización: Mónica Bastos Música: Edson Velandia Apoyo Musical: Hernando Forero Fotos: Carlos Lema Asesoría Dramatúrgica: Felipe Vergara y grupo La Candelaria Diseño y construcción de muñecos: Hombre del Sol Castro Videos: Karen Roa Entrenamiento corporal: Diana Casas Dirección General: César A. Badillo Pérez Duración: 75 minutos La obra Si el río hablara es una travesía sin retorno de cuerpos trashumantes que dejan sus huellas inscritas en el agua, en la nada…cuerpos suspendidos en un tiempo quebrado e inconcluso. El montaje de creación colectiva, dirigido por Cesar “Coco” Badillo, presenta la historia de tres personajes quienes, a su manera, quieren salir de esa zona gris que es la pérdida del sentido de la vida, ocasionado por una guerra interminable de la cuál el Estado ha sido partícipe: Mujer, interpretada por Nora Gonzales, una madre que emprende su errancia por arduos caminos para encontrar algún rastro de su hija; Poeta, Cesar Badillo, un hombre al que se le revelará su esencia durante el viaje de la obra, y Devota -Alexandra Escobar- otra mujer que se resiste al olvido y busca en su vida la memoria de los muertos del agua. Si el rio hablara es resultado de un trabajo “fractalizado” en 3 equipos, que empezó en marzo de 2012 en el Teatro La Candelaria, con el objetivo de crear metáforas sobre el cuerpo y su relación con el mundo. Con esta apuesta el Teatro La Candelaria mantiene un espíritu que privilegia un arte crítico, poco complaciente, con una propuesta estética audaz, sorprendente pero ante todo llena de misterio. Mujer, Poeta y Devota, crearan las circunstancias para que quizás el río hable. César Badillo Cesar Badillo lleva alrededor de 30 años vinculado al Teatro La Candelaria, allí se ha desempeñado como actor, director y dramaturgo donde participó en piezas teatrales emblemáticas como: El Quijote, De Caos y Deca Caos, Nayra, Antígona y Guadalupe años Sin Cuenta. Como actor de cine participó en 10 cortos y 10 largometrajes, entre otros: La Sombra del Caminante de Ciro Guerra y Soplo de Vida de Luis Ospina, en 1999. Teatro La Candelaria Uno de los mayores exponentes del teatro emblemático de América Latina. Creado en junio de 1966 por un grupo de artistas e intelectuales provenientes de la Universidad Nacional, el Teatro La Candelaria ha sabido consolidar un trabajo de creación escénica que ha trascendido por casi medio siglo y ha impactado la escena latinoamericana desde el método de la creación colectiva. El Teatro La Candelaria ha montado 88 obras y construido su sede en la localidad de bogotana La Candelaria. Se ha destacado no solo por la creación de obras colectivas e individuales originales, sino también por sus aportes teóricos fruto del laboratorio de experimentación permanente en el lenguaje y la actuación. La Candelaria ha recibido numerosos premios y reconocimientos internacionales, entre el Premio Casa de las Américas, en dos ocasiones, el Premio Celcit y el Dionisio de Oro del Festival de Los Ángeles. 73 El Ausente Teatro R 101 Colombia Género: Comedia negra 74 Ficha artística Autor: Felipe Botero Restrepo Dirección: Hernando Parra y Ramses Ramos. Actuación: Alexandra Viteri, Cecilia Ramírez y Mónica Giraldo. Diseño de imagen, escenografía y vestuario: Mateo Rueda Producción escenográfica: Carla Zamora y Mateo Rueda Asistente de dirección: Martha Sáenz Diseño de Iluminación: Maira Salamanca Elaboración de vestuario: Luzmila Ciro Producción ejecutiva: Andrea Beltrán Duración: 90 minutos La obra Héctor Muñoz Valencia desapareció hace 10 años en extrañas circunstancias. Después de muchas desventuras regresa a casa para compartir con sus tres hijas y sus amigos más cercanos una gran celebración de reencuentro. Escrita por Felipe Botero Restrepo, EL AUSENTE es un espectáculo que nos sumerge en una casa de una familia de clase media para narrarnos, con humor e ironía, una historia estremecedora acerca de la incertidumbre, la ansiedad y el dolor de las familias que sufren la desaparición forzada de un ser querido. Teatro R 101 El 11 de febrero de 1995 fue fundado el Teatro R 101 con el propósito de abrir un espacio para que jóvenes artistas, con inquietudes acerca del oficio teatral, tuvieran la oportunidad de consolidar su vocación en un ambiente de compromiso y autodisciplina Su singular nombre, R101, nace en honor a un viejo y remodelado bloque de edificaciones que actualmente componen el campus de la Universidad de los Andes, un lugar que les dio alberge durante los primeros tres años de existencia y gracias al cual el grupo pudo dar sus primeros pasos como un colectivo con una ética y una técnica de trabajo que les permitiera consolidarse como un Teatro Profesional Independiente. En junio del 2001, los miembros del Teatro R101 encontraron una casa de estilo inglés republicano ubicada en el tradicional barrio de Quinta Camacho –declarado Sector de Interés Cultural-, la cual tomaron en alquiler y convirtieron en su sede permanente. Allí encontraron un viejo y rudimentario auditorio que se había construido tiempo atrás y sobre estas bases levantaron el actual teatro de cámara que cuenta con capacidad para 75 personas. La sala fue oficialmente inaugurada en noviembre del año 2003 con la temporada de la obra La Historia del Zoológico de Eduard Albee, dirigida por el reconocido teatrista colombiano Germán Moure. Entre sus obras destacan ¿De dónde vino este animal? (2004), Juego para dos (2005), Mi lucha – farsa (2006), A mi manera (2007), La Bienvenida (2008), Sin Mente (2009), Las Aventuras del Quijiote (2009), Jappy Hauer (2010), El Ausente (2012), Ositos de goma (2014). 75 Donde se descomponen las colas de los burros Umbral Teatro Colombia Género: drama 76 Ficha artística Autor: Carolina Vivas Dirección: Ignacio Rodríguez Actuación: Andrea Sánchez, Daniel Maldonado, José Luis Díaz, Carolina Beltrán, Alfredo Aguilar, Miguel Ángel Rodríguez, Julio Rodríguez, Fabián Mejía. Mapping: Felipe Alvarado Duración: 70 minutos La obra Es el afán de los personajes por defender a sus familias de un destino que parece inexorable: jóvenes extraviados en un presente que se les escapa, enredados en la maraña de los intereses de adultos sin rostro. Personas del común a merced de un estado ausente y autoritario a su vez, en un mundo peligroso de delaciones y recompensas, acusaciones ambiguas de delitos que tampoco resultan claros. La esperanza de recuperar a los seres queridos se desvanece, sin que quede rastro de su historia, registro de su nombre o su dolor. Donde se descomponen las colas de los burros es una propuesta multidisciplinar de carácter musical, plástico y dancístico, que usa recursos cinematográficos, intervenciones audiovisuales e instalaciones sonoras, que develan el sentido profundo del texto teatral. El grupo trabajó durante siete meses hasta encontrar el lenguaje pertinente al universo de la obra, que hace énfasis en el uso de un cuerpo no cotidiano; un montaje de vocación fragmentaria que guarda directa relación con las necesidades del mundo eclosionado de los personajes, propuesto por la autora. Umbral Teatro Nace en febrero de 1.991, conformado por teatristas y músicos profesionales, asociados bajo la modalidad de Grupo de Teatro, la opción más viable de ser un equipo de investigación y creación, que formule preguntas al oficio y al país. Umbral Teatro se ha propuesto durante estos años de trabajo la búsqueda de un teatro pertinente. Dentro de su producción ininterrumpida se cuentan: Segundos, Electra o la caída de las Máscaras de Margarite Yourcenar; Días felices de Samuel Becket, La Suite de los Espejos, creación colectiva en homenaje a Federico García Lorca; Gallina y el otro; Cuando el zapatero remendón remienda sus zapatos…, escrita y dirigida por Carolina Vivas, una coproducción con el 77 IX Festival Iberoamericano de Bogotá, ; Una Soberana calva; . De plazas juglares y cadalsos en concertación con el IDCT, dirección de Ignacio Rodríguez y dramaturgia de Carolina Vivas, a partir del Misterio Bufo de Darío Fo y del texto El culebrero del historiador colombiano Jorge Villegas, entre otras propuestas escénicas. En el Escenario Teatro Azul Colombia Género: Danza contemporánea 78 Ficha artística Actuación: Ximena Escobar Mejía, Claudia Milena Restrepo Sierra, Maria Cristina Restrepo Sierra Dramaturgia y Dirección: Leonardo Echeverri Botina Diseño de iluminación: Leonardo Echeverri Botina Duración: 60 minutos La obra “En el Escenario” es un documento escrito sobre el escenario, en el cual la danza de tres cuerpos femeninos, la música y el video se entrelazan y crean un discurso que genera un espacio de reflexión frente a una problemática que afecta a la humanidad. Partiendo de la tragedia “Antígona”, y teniendo como referente el informe General Grupo de Memoria Histórica “BASTA YA” publicado en 2013, Teatro Azul hace una comparación entre el fratricidio que esta tragedia griega relata y lo que ocurre en los conflictos armados que actualmente existen en Colombia y en el mundo, y encuentra entre ellos una increíble similitud. Teatro azul Es un grupo de teatro contemporáneo que desarrolla su trabajo en la ciudad de Armenia, donde tiene su sede. Desde sus inicios en 1998 ha adelantado un continuo proceso de investigación teatral realizando coproducciones con Cuba, Argentina, Alemania, México y España. En Teatro Azul los procesos de investigación teatral y puesta en escena han arrojado obras como: Madona y Víctor Hugo (coproducción con Teatro Mío de Cuba), Dolores Santos, Nerudianas, Ciudad Fantasía, Armando Luceros, Dos Navegantes tras el Mascarón de Proa (coproducción con Teatro Llanura de Argentina), Bolívar el Libertador Desnudo (coproducción con Mutantheater de Alemania), Una Ventana al Infinito (coproducción con Mutantheater de Alemania), Libelos y Memorias, Sin Sentido, ¿De Qué Estamos Hablando? (coproducción con Mexicali a Secas de México, Iberescena 2012/2013) 79 Como Sos Te Quiero - Letra De Tango Actores en Escena Colombia Género: Drama Ficha Artística 80 Dirección: Liliana Díaz Orozco. Actuación: Liliana Díaz Orozco, Carolina Guacaneme Mora, Manuela santa Muñoz, María Fernanda Giraldo Flórez, Javier Mauricio Naranjo Vasco, Juan Manuel Becerra Valencia, Juan David Hernández Ramírez, Alejandro Arias Díaz, Paulo Cesar Arcila. Técnicos de luces y sonido: Manuel José Astaiza, Camilo Vargas Peláez. Productor: Leonardo Arias Escobar. Duración: 60 minutos. La obra La falta de comunicación, la lucha de poderes, los celos, el engaño, la seducción, cruzadas por el tango como elemento dramático de acción, para llegar a la inexorable realidad que se vivencia en las relaciones de pareja. La directora Liliana Díaz Orozco, Actriz Licenciada en artes Representativas de la Universidad de Antioquia. Fundadora de Actores en Escena, Manizales 1994, y directora de su Escuela de Formación Actoral. Actores en Escena Es una fundación cultural que nace en Manizales en 1994, Desde su fundación cuenta con su escuela de formación de actores. Desde hace 21 años ha desarrollado un reconocido trabajo en el campo de la formación, producción y programación teatral. El Trota Calles Teatro Punto de Partida Colombia Género: Drama Ficha artística Autor: versión libre de “El Atravesado” de Andrés Caicedo Dirección: Augusto Muñoz Actuación: Jhon Mario Sepúlveda Luces y Sonido: Jhon Edwin Valencia Maquillaje: Gloria Nidia Giraldo Duracion: 75 minutos La obra Versión libre del atravesado de Andrés Caicedo, un joven que desde pequeño ha estado dentro del ambiente de la barra, de la esquina, la pelea, entra por una calle donde en cada parada encuentra personas que marcan su destino: la madre, Edgar, la tropa brava, akira Nagazaka, María del Mar; pero de los que ya solo quedan recuerdos, recuerdos que cada vez se agudizan más con el tictac del reloj que marca el tiempo de su existencia, obligándolo a refugiarse en una coraza de rebeldía donde no necesita a nadie porque se tiene a sí mismo. Lo que para los demás es soledad para él es seguridad, ya no quiere hablar más de sus amigos idos, de sus amigos muertos, andar con personas le cansa a la larga, no sabe cuál es el fin de su camino, seguirá trotando hasta que sus puños y sus pasos dejen una huella; pero hasta que eso suceda seguirá siendo el trota calles. 81 82 Andrés Caicedo Obra basada en “El Atravesado” del escritor y cineasta caleño Andrés Caicedo. Su pluma recorrió los terrenos del cuento, la poesía, los guiones y las novelas, algunos de los cuales fueron traducidos a otros idiomas. Fue crítico de cine en los periódicos Occidente, El País, El Pueblo, y en las revistas Ojo al cine (la cual fundó con Carlos Mayolo, Ramiro Arbeláez y Luis Ospina en 1974) y Hablemos de cine. Sus críticos lo concibieron como un desadaptado, desarraigo y un ser trágico. Luego de su suicidio se ha publicado gran parte de su obra en distintos libros, algunos de ellos: Angelitos empantanados o Historia para jovencitos, Destinos fatales, Berenice, Calicalabozo, Noche sin fortuna, Teatro, entre otras. El director Augusto Muñoz es actor, director y Cofundador del grupo Teatral TICH de la ciudad de Manizales, donde laboró por espacio de 18 años. Actor Profesional invitado en la Fundación Teatro Libre de Bogotá de 1992 a 1996. Fundador y director artístico de la Fundación Teatro Punto de Partida. Actualmente es profesor en la Licenciatura en Artes Escénicas de la Universidad de Caldas. Teatro Punto de Partida Nace en 1996 en Manizales con el objetivo de impartir formación pedagógica a través de la Academia de Teatro y Títeres dirigida a niños, jóvenes y adultos Desde el 2004 es Sala Concertada con el Ministerio de Cultura, desde la cual fortalece la actividad artística de la ciudad, a través de plataformas como el Festival Intercolegiado de teatro “aulas de vida, escenarios de creación”, que dirige desde 2007, y la Red Festival Iberoamericano de teatro de Muñecos, Eje Cafetero, creada en 2008. En 2007 su director Augusto Muñoz Sánchez fue destacado por el Ministerio de Cultura, el periódico EL TIEMPO, y el canal CITY T.V. entre las “Diez historias inéditas de la década en Colombia ”. ESPECTÁCULOS CALLE INTERNACIONALES Rodafonio Factoría Circular Argentina / España / Colombia Género: Pasacalle musical Ficha artística Dirección, idea y construcción: César Alvarez Bayer Asistente de dirección y producción: Andrea Cerchiaro Composición musical: Rodrigo Spagnuolo “Pilu” Arreglos musicales: Sebastián Cabra, Miguel Ramón. Músicos: Orlando Andrés Cortés, saxo tenor, Yohan Sebastian Gordon, guitarra; Fernando Diaz, batería. Actores: César Alvarez Bayer, Andrea Cerchiaro. Road manager y técnico: Juan Guillermo Quintero. Producción: Factoría Circular Duración: 40 minutos La obra Desde el mágico mundo de los inventos llega Rodafonio. Una gran rueda que recorre las calles llevando en su vientre metálico 5 bienaventurados tripulantes, que se integran a ella para darle movimiento a través de la música. Una puesta en escena arriesgada, un ingenio mecánico, que, entre fórmulas matemáticas y partituras, cobra vida para jugar con el alma carnavalesca y festiva de la calle, convirtiéndola en una evocación completa y dinámica de la feria clásica, invitándonos a formar parte de un gran viaje onírico. ¿La música mueve la mecánica o la mecánica mueve la música? Un espectáculo itinerante de calle, una geometría en movimiento que apuesta por la condensación de imagen y sonido. 85 86 César Álvarez Bayer, Director César Álvarez es músico, inventor y constructor. Ha trabajado con diversas compañías de teatro y/o música de Latinoamérica y Europa, desempeñando sus tareas como actor, músico, escenógrafo, constructor, técnico, entre otros. Residió en Barcelona más de 20 años, y es miembro-fundador de la Asociación Cultural Palo q’ Sea (Colombia), que desarrolló parte de sus creaciones teatrales en Barcelona y giró por todo el mundo con diferentes espectáculos Factoría Circular Es una compañía de artes urbanas creada en Europa en el 2010 por dos experimentados artistas y creadores, César Álvarez y Andrea Cerchiaro, en el ámbito del teatro y música de calle. El interés de los creadores es realizar espectáculos a partir de ingenios “imposibles”. Ir más allá: un ingenio es un sueño hecho realidad; una puesta en escena sobre un ingenio es sorprendente. RODAFONIO es la primera creación de Factoría Circular, pero es una ópera prima que nació con un gran bagaje de sus creadores. Para la compañía, el éxito de RODAFONIO ha comportado nuevos retos dentro de la temática de la escenografía urbana y la musical. Su objeto es incorporar diferentes disciplinas artísticas, innovando en la forma de presentarlas al público, rompiendo esquemas, con puestas en escena inéditas, con este mensaje de que “todo es posible”, incluso las concepciones más arriesgadas. En 2014 sus creadores deciden ampliar caminos, construyendo un nuevo prototipo en América. La propuesta es ir recorriendo diferentes lugares invitando, en cada sitio, músicos locales, como intercambio cultural y artistico, dándole al espectáculo matices propios de cada lugar. HS La Chouing Francia Género: Clown Ficha artística Director: Alain Bourderon Asistente de dirección: Caroline Lemignard Actores: Luc Costa, Julien LETT, Caroline Lemignard, Alain Bourderon. La obra Tres payasos, no han muerto todavía, no logran abordar el público. Hacen espacio para un espectáculo con las sobras, consejos, viejos recuerdos, astillas música. Son payasos olvidadizos que pretenden salir por última vez . Pero , ¿para qué? Tal vez para Jugar. ¿Para jugar qué? ¿jugar para quién? ¿Cuál es el propósito? Nada, pero nada es lo suficientemente bueno . Rodando en harina, transformado en polvo, van a tratar de recordar.¿Cuál es el gusto del público ? y entonces, ¿cómo hacer rollos ? y Tarzán , lo fuerte que era ? ... Entonces tocan canciones, lloran como un lobo aullando a la luna, interpretan un violín ... Luego la muerte les espera . Estos payasos intentarán retorcerle el cuello a la muerte. Ellos hacen su propia muerte, van a jugar a su manera, llenos de Chantilly y hemoglobina. Y van a desaparecer bajo la lona negra, como una pieza de una carpa de circo, como una mortaja o una hoja caliente, como un mar, un naufragio, una capa de un famoso caballero. 87 88 La Chouing Esta compañía fue fundada en 2007 por Alain Bourderon, “H S” es su cuarta creación, el primer show de payasos después de tres creaciones híbridas entre el teatro y el clown, siempre con una poética que se mueve entre la tragedia y la comedia. Sus espectáculos son invitados permanentes en los principales festivales de calle de Europa. El equipo de artistas lo conforman: Alain Bourderon, autor director y el actor cómico desde 1998. Graduado por la Escuela de Bellas Artes en 1991 , trabajó con la compañía Cacahuate desde 1998 hasta 2007. Luego creó la compañía La Chouing con el objetivo de llevar la poesía oscura al escenario, y mezclar sus experiencias con las artes visuales y el teatro. Luc Costa, Comediante desde 1985. Trabajó con más de 10 compañías de teatro de calle, como Chantiel Mobil, Givrés de Alama, Albedos, Cacahouet, Archaos, La Toupine, la CIA ... Caroline Lemignard, asistente de dirección. Es Actriz en algunos proyectos de la compañía. Directora de actores con otras compañías, creó en 1998 un primer payaso adulto; su más nueva creación en 2014 esAbisal Cabaret / V Encarnación. Julien LETT, actor. Después de su formación musical en saxo, acordeón, violonchelo, se preparó en el teatro. En sus inicios hizo para de La Toupine y luego se unió a La Chouing en 2012 para crear el trío “Que así sea ! “ . “HS “ es el segundo proyecto en el que está implicado. Irakurriz Shakti Olaizola España Género: Circo-Teatro Ficha artística Idea original: Shakti Olaizola Dirección: Lucio Baglivo Intérprete: Shakti Olaizola Coreografía: Lucio Baglivo, Stefano Fabris Colaboración artística: Maite Guevara, Stefano Fabris Diseño de iluminación: Naia Muñoz Producción: Shakti Olaizola Colabora: Pirineos de Circo, Area de Cultura del Ayuntamiento de Bilbao Escenografía: Shakti Olaizola Vestuario: Mayari Reta Fotografía: Bárbara Govan, Naia Muñoz Video: Jesús Pueyo e Iván Izaguirre Duración: 30 min Nos sumergimos en el mundo, un tanto peculiar, de una chica. A través de su lectura, nos lleva por los distintos capítulos de una historia llena de recuerdos, descubrimientos, reflejos, sueños... A través de las situaciones y los objetos que va encontrando a su paso, ella se va descubriendo y compartiendo sus historias con nosotros. Una silla, una mesa, una almohada, un libro, cobran sentido junto a ella y le acompañaran en su recorrido. Nos hará soñar y disfrutar con ella en ese mundo en el que está inmersa. Acciones y objetos cotidianos se convertirán en juego, desafió y deleite junto con el movimiento, la voz, los equilibrios, la danza y la contorsión. ¿Como terminará este viaje? 89 90 La compañía Skakti Olaizola nació en septiembre de 1987 en Gipuzkoa, País Vasco. Es licenciada en Bellas Artes. En 2006 comenzó a formarse en distintas disciplinas de circo, especialmente en contorsión, acrobacia y verticales con Ane Miren, Lucio Baglivo, entre otros. Ha sido integrante de la compañía Disparate y ha participado en proyectos con Neska Kabaret, Plataforma Tirante y Zirkun Zirko. En 2012 comienza su proyecto individual y crea un número corto llamado “Irakurtzen”, con el que ha girado por distintas geografías de España y Francia. En 2013 creó “Irakurriz”, espectáculo que estrenó en la Feria de Artistas Callejeros Umore Azoka 2014 de Leioa y con el que ha recorrido varios festivales del País Vasco y el resto de España. Callings The Carpetbag Brigade USA Género: teatro físico Ficha artística Dirección: Jay Ruby y creación colectiva por The Carpetbag Brigade Vestuario: Bad Unkl Sista, Aurelia Cohen y Helen Goodrum Sonido: Arreglado y recopilado por Isabelle Kirouac y Christopher Mankowski La obra Un homenaje poético al mar y las sirenas, tomando como inspiración el reto del cambio climático. Utilizando el arte de la acrobacia en zancos y un lenguaje metafórico el fantasma de un capitán y la sirena se enfrentan con los marineros del comercio, seduciéndolos hasta que se despierten en la conciencia de que el mar es un ser vivo. ¿Si el océano fuera enfermo, se sentiría su llanto? ¿Si las nubes fueron adivinanzas, las escucharíamos? ¿Si un marinero sobreviviera a la canción de una sirena, las palabras adornarían su lengua salina? “¿De quién son estas palabras cuando no habla nadie?” murmura el fantasma de un capitán deambulando en el suelo marino. La sirena le canta una respuesta, “¿Qué puedes ver cuando cierres los ojos?” Una tregua inquieta se hace entre lo eterno y lo olvidado, juntos conspiran a un embrujo salado de susurros, de advertencias, de invocaciones, de llamados de olas undulando incesantemente. 91 Una tempestad para dominar a los que fabrican el mundo con avaricia, ignorantes de la tormenta que está formándose en las mismas aguas donde flotan. Algo nuevo está surgiendo desde lo profundo ... ¡El mar vive! Vive, ¿no ves? Vive como tú, vive como.... 92 The Carpetbag Brigade Es un grupo multidisciplinario que crea espectáculos con una estética única que tiene como base la fusión de técnicas de acrobacia en zancos, danza butoh, danza contact, composición musical, y teatro físico. Como verdadero pioneros en el arte de la acrobacia en zancos, The Carpetbag Brigade domina un lenguaje teatral original donde coinciden el teatro, la danza, y el circo. Se levantan con belleza, se caen con gracia y evocan una magia efímera con el movimiento y acción de sus poderosos cuerpos. Un espectáculo de Carpetbag Brigade emana y late con gran elegancia y versatilidad en escenarios teatrales o al aire libre. The Carpetbag Brigade es una fuerza de integración cultural con el objetivo de presentar su trabajo en una variedad de escenarios y ambientes. El grupo aumenta la calidad, alcance e impacto de la cultura de teatro en vivo a través del entrenamiento de actores, el alcance comunitario, actividades pedagógicas, y la presentación de un trabajo estéticamente desarrollado. Involucran a personas de diferentes culturas para compartir, crear, expresar y reflexionar sobre experiencias en común. The Carpetbag Brigade utiliza el arte escénico como herramienta para superar el idioma, la clase social y ofrecer un trasfondo ambiental a sus piezas escénicas. Busca pues evolucionar el rol de la cultura teatral y la práctica de grupo como un elemento fundamental de una sociedad saludable. Desfile Imperial de Kikiristan Kikiristan Francia Género: espectáculo musical ambulante La obra “ Al reunir a los ex funcionarios de la Corte Imperial de Kigrad, el Servicio Público de entretenimiento sirve cualquier tipo de eventos ( despedidas de soltera, aumento de impuestos, despidos ... ) en una fórmula de sonido con múltiples acentos. Del Mediterráneo hasta las montañas de los Andes, de la Ruta de la Seda a la autopista 66, el Servicio de Espectáculos Públicos se complace en dar a conocer todos los estilos musicales presentes en la Corte Imperial de Kigrad” El grupo Con la ayuda de John McPellow, productor, el carismático grupo Imperial Kikiristan, creado en 2008, recorre el mundo con sus pistas de baile electrizantes. Una noche en Kikiristan es un verdadero sonido portátil que viaja constantemente renovado. Su inspiración músical para de sus recorridos improbables desde el Asia Central al norte de África: Cabarets en Orán, salones de mercados en Tel Aviv, avícolas en Kazajo y, por qué no, las búsquedas más extravagantes en YouTube, fiel espejo de la cultura alternativa. 93 Rubbish Rabbit Tony Clifton Circus Italia Género: Clown 94 Ficha artística Músicos: Colin Bosio, Emeric Chanton, Guillaume Cottin, Jean-Romain Guyot, Nicolas Mathieu, Benjamin Poulain, Florian Vidgrain. Duración: 90 minutos. La obra Rubbish Rabbit es un espectáculo anarquista, nacido para desatar la alegría de vivir y la infinita libertad que el estar vivos nos concede. Se trata de un juego frenético en el que palabras y acciones se persiguen en una carrera sin fin, una sucesión implacable de risas y tensión para el espectador. El deseo de todo payaso es encontrar el niño que está dentro de cada uno de nosotros y darle todo el espacio posible... y con Rubbish Rabbit Tony Clifton Circus lo consigue rotundamente. Pero los niños, cuando están libres, son de lo más peligroso que puede existir en el mundo, son capaces de crear caos, ruido, destrucción total y es justo esto lo que compone Rubbish Rabbit: caos, ruido y destrucción total. “En Rubbish Rabbit rompemos la mayoría de las cosas que nos pasan entre las manos, nos disparamos, nos echamos al suelo, bailamos, nos peleamos con nuestro peluche gigante... simplemente porque es la cosa que más nos divierte y podéis contar con que vernos hacer eso no va a ser para nada confortante”. ESPECTÁCULOS CALLE NACIONALES AAINJAA dice HOLA AAINJAA Colombia La obra AAINJAA es una compañía de percusionistas y bailarinas originaria de la ciudad de Bogotá-Colombia, que trabaja en el campo de la percusión, la danza y los espectáculos de calle. AAINJAA dice HOLA, es un espectáculo que tiene como protagonista la Percusión y la Danza. Un gran número de artistas multidisciplinares salen a deleitar al público con un sinfín de ritmos Afro ColomboBrasileños de gran fuerza y vitalidad logrando una excelente fusión con el movimiento, infinitas danzas y coreografías, dando como resultado un espectáculo innovador, atrevido, lleno de carácter, espontaneidad, magia y con el indudable factor de la sorpresa. El grupo Dirigido por Homero Cortés, artista reconocido de gran trayectoria, componente de la prestigiosa agrupación Colombiana CIMARRÓN (Nominada a los Grammy 2005) y ex componente de la compañía española “La Banda Del Surdo”, la cual ha participado con gran éxito en los principales festivales de música y teatro de calle que se celebran en España, y con una experiencia internacional que lo ha llevado a realizar actuaciones en Francia, Italia, Reino Unido, Bélgica, Suiza, Alemania, Rumania, Rusia, Irlanda, Países Bajos, Noruega y Marruecos. También ha colaborado en producciones y espectáculos de otras compañías, entre las que destacan Cirque du Soleil, Comediants, La Fura dels Baus o Studio Festi. 97 Yaxché Barrio Comparsa Colombia 98 La obra Yaxché nace de la necesidad de recrear diversos imaginarios y concepciones sobre la vida, de la inspiración para reencontrarnos con nuestros huesos y memoria ancestral desnudando el alma para volver a los orígenes de nuestra esencia primigenia, la vida, la respiración y la conexión con nuestros antepasados y nuestra historia. Es una creación colectiva que recrea diversos imaginarios de culturas milenarias de los pueblos de América, en la que se integra danza, música, teatro como puesta para la manifestación de la fuerza creadora de las y los jóvenes inmersos en la propuesta. Es un proceso en el que se reivindican y valoran el conocimiento, la sabiduría, las rices y la memoria de nuestros antepasados. Es una manifestación que dignifica la vida y la conexión con la tierra y el universo. En esta propuesta se articulan en diversos imaginarios y personajes para el desarrollo de las escenas. Barrio Comparsa Barrio Comparsa dotada de la Metodología Lúdica MLAPT, tuvo su aparición en Medellín en 1990, como un escenario para la convivencia y para las expresiones artísticas, cuando pensadores, artistas y gestores culturales irrumpen en el escenario social en procura de la libertad de expresar y proponer una alternativa de vida y de paz, contribuir a reparar los daños psico- sociales dejados por la confrontación y ofrecer a la niñez y la juventud nuevos referentes simbólicos para su desarrollo, en un hecho que marca la vida cultural de la ciudad. La tropa de payasos EL VIAJE Caza Retasos Colombia Ficha artística: Creación e interpretación: Alexander Devia, Daniela Narváez, Nacor Quintero, Pablo Castro, Daniel Eduardo Álzate Dirección: Daniel Eduardo Álzate Música: Corporación Caza Retasos Diseño de vestuario y escenografía: Daniela Narváez Construcción escenográfica: Corporación Caza Retasos Técnico de sonido: Edwin Narváez Duración de la obra: 50 minutos La obra Con música en vivo y un alto contenido estético y visual esta historia picaresca inicia con la representación de una tropa clown, quienes irrumpen los espacios cotidianos de la ciudad con música, juegos escénicos y coreografías, ligadas a la necesidad de transformar en un mundo ficcional la historia de diferentes individuos que tienen como necesidad dejar su pasado y buscar un futuro más próspero, inspirados en la utopía de un mundo mejor. El mundo de los sueños es el deseo de cada uno de los personajes que pretenden viajar en una estación de tren; el boleto hacia este mundo se convierte en la manzana de Adán, puesto que en ella recae el mundo soñado de cada uno de los personajes, que harán hasta lo imposible por obtenerlo sin pensar en las consecuencias de sus acciones. Es de esta forma cómo la obra devela que el mundo de los sueños no es más que un imaginario colectivo creado por la sociedad. 99 100 El director Daniel Eduardo Álzate Palma es licenciado en Artes Escénicas de la Universidad de caldas; entabló comunicación con el teatro desde el año 2002 en la agrupación Teatro y títeres la Carpa (Ibagué), con la obra de títeres: La calle de los fantasmas, Javier Villafañe (2003). Como actor ha estado en diferentes procesos académicos tale como: Cabaret Trágico, Alejandro Jodorowsky (2011), La Mala sangre, Griselda Gámbaro (2013) e Invocation of fiction, Proceso de investigación y creación presentado en Guadalajara (México) en el marco del encuentro académico DELTA IV (2012). En 2013 se vinculó a la Corporación Caza Retasos, en la cual ha ejecutado y ejecuta diferentes proyectos de creación e investigación bajo la figura de Director artístico, donde se destacan: “De Paso”, Creación colectiva, La tropa de payasos “El viaje” Creación Colectiva, “El cepillo de dientes” de Jorge Díaz. “La puerta” de Sanchis Sinisterra y como actor en “Traición” de Harold Pinter. Caza Retasos En el año 2009 nació el colectivo Circo teatro Manizales con la intención de promover propuestas escénicas basadas en las técnicas Circenses y el teatro, a partir del aprender haciendo. En el año 2012 se generó una pausa para replantear el proyecto; fue allí donde nació Caza Retasos, un colectivo artístico interdisciplinar que inauguró su primera sala de teatro, la cual fortaleció los procesos de formación y de Creación Colectiva, y dio inicio a una programación constante de espectáculos de las artes escénicas, brindándole a la ciudad un nuevo lugar para la divulgación de los procesos artísticos locales de carácter Académico, Amateur y profesional. Los cuatro elementos La Burbuja Producciones Colombia La burbuja producciones es una compañía artística multidisciplinar que trabaja de la mano con la naturaleza y el desarrollo del ser, a través de un lenguaje en el que confluyen las tecnologías digitales y las artes experimentales En 2014 realizaron el I Festival de Circo el Globo en la ciudad de Manizales, Caldas. En el año 2014 realizamos en Co-producción con la Fundación Kuri Pukuska e I Festival de las artes MINGA en la ciudad de Florencia- Caquetá. Ese mismo año fueron reconocidos con el premio INCU*ARTE. Este año hicieron parte del 14 Festival de la Imagen, Mercado Circulart + Diseño, Arte, Tecnología. 101 Abadón y la Caravana del Exterminio Teatro Inverso Colombia 102 Ficha artística Creación colectiva Autores-Creadores: Carlos Julio Jaime, Alexandra Vinasco Benavides, Bredy Yeins Gallego Giraldo, Liliana Hurtado Sáenz, Juan Camilo Molina Cruz. Dirección General: Liliana Hurtado Sáenz Musicalización e Interpretación: Juan Manuel Soto Gómez Vestuario: Luis Felipe Millán Laboratorio de Investigación Teatral La Esfinge Clínica de Intervención dramatúrgica y teatral- Carlos Alberto Sánchez Quintero- La obra Es el resultado de una indagación escénica que el grupo se propuso a partir de las diferentes formas de exterminio que se han dado en la historia de nuestro país como otra manera más de violencia, pasando por la conquista de América , el genocidio de la Unión Patriótica, la toma del Palacio de Justica, los falsos positivos, hasta el bombardeo de población civil, entre otros hechos que han transformado la vida de los colombianos. El colectivo encuentra en “el exterminio” un tema que reúne las características de los acontecimientos para abordarlos desde una perspectiva universal. Teatro Inverso Inicia actividades en el año 2010 y hace parte del Grupo de Investigación del Departamento de Artes escénicas de la Universidad de Caldas. Teatro Inverso se dedica a la continua indagación de la creación-investigación en el teatro a través de métodos de creación de estilo contemporáneo. Teatro Inverso es un grupo de artistas profesionales Investigadores del oficio teatral quienes a partir de inquietudes o situaciones de orden sociopolítico del contexto colombiano buscan alternativas estéticas que logren invertir la mirada del dolor cotidiano hacia el encuentro de la poesía del horror universal. El grupo cuenta con dramaturgos, directores, actores, bailarines, diseñadores visuales y músicos profesionales. La principal herramienta que utiliza el grupo para sus creaciones es la Creación colectiva. La Isla del Tesoro Teatro Tierra Colombia Género: teatro infantil 104 Ficha artística Dirección: Juan Carlos Moyano Elenco: Daniel Maldonado, Clara Ariza, Sandra Silva, Elkin Cubillos, Joan Jiménez, Julia Marín, David Rosero, Maryory Moreno, Ronald Ramírez. Asistente de Dirección: Andrés Martínez Composición Musical: Daniel Maldonado Vestuario: Jacqueline Rojas Producción Teatro Tierra La obra Obra de la compañía colombiana Teatro Tierra, basada en la novela de Robert Louis Stevenson. Bajo la dirección de Juan Carlos Moyano, este espectáculo comienza con la muerte del viejo Billy Bones, poseedor del mapa de la Isla del Tesoro. El joven Jim Hawkins, narrador del relato, se apodera del documento, por el cual tendrá que combatir al lado de otros personajes, contra la banda del Capitán Flint. La puesta en escena, inspirada en las islas de Providencia y Santa Catalina, traslada al espectador a un universo de piratas lleno de barcos imaginarios, mares y tempestades. Aborda valores como el coraje, el ingenio y la fuerza espiritual de los seres humanos. Sobre el proceso Primero navegamos en las páginas de la aventura y poco a poco nos fuimos metiendo en un juego donde comenzamos a ser personajes de una historia cercana, que conocimos en la época juvenil, cuando soñamos siendo piratas de barcos con aire de leyenda. Stevenson tiene el encantamiento de las palabras y nos volvió cercanos de personajes que nos dejan ver aspectos inherentes a la condición humana y que alimentan la imaginación de una manera vital. Después de viajar por el libro sentimos el deseo de jugar y comenzamos a crear una manera de contar la historia que tanto nos había gustado. La isla del tesoro tiene acción y suspenso y siempre despierta curiosa fascinación. Tal vez por eso nos emocionamos pensando en el mar y en las batallas ultramarinas que nos acompañaron en la infancia, cuando un palo era una espada y bastaba cerrar un ojo para tener un parche como cualquier bucanero. Teatro Tierra El grupo Teatro Tierra, que tiene sus orígenes en la ciudad de Bogotá, ha tenido un basto recorrido desde su conformación en 1989, entre su inspiraciones se encentran obras de Dostoievski, Henry Miller, García Márquez, José Saramago, entre otros autores de renombre en la literatura universal. 105 Edipo Rey en la Calle Ensamblaje teatro Colombia Ficha artística 106 Autor: Sófocles Versión y Dirección: Misael Torres Reparto: Santiago Montaña Edipo Ángela Maria Cano Yocasta, Tísifone, Le Erinia Gerardo Torres Tiresias, Coreuta y anciano pastor de Layo Diego Beltrán Creon, Alecto La Erinia, Pastor mensajero de Corinto Misael Torres Trujaman de los Caminos Paola Día Corifeo, Megera, La Erinia, Antígona niña Diseño escenografía Misael Torres Realización escenografía El Grupo Diseño y realización de vestuario Jackeline Cardozo Diseño y realización de máscaras Juan Pablo Ramírez Banda Sonora Igor Stravisky, Cantos y canciones populares griegos Técnico Sonido, Coordinación Logística Chamenko Sánchez Dirección General Misael Torres Director: Misael Torres Ensamblaje Teatro surge en una Fiesta creativa que duro 24 horas en el Festival Internacional de Teatro de Manizales de 1984. Desde entonces sus creaciones se han nutrido de la cultura viva de Colombia: El carnaval, la fiesta, las ferias populares, las tradiciones orales, los mitos y los eventos sacros de celebración masiva. El “Teatro y Festividad” es la línea investigativa y creativa que define a este colectivo y lo particulariza dentro del panorama teatral de Colombia y Latinoamérica. La festividad, entendida como celebración ritual , que va de lo sacro a lo profano , del jolgorio carnavalesco al ritual de muertos, de la comedia a la tragedia, de lo colombiano a lo universal. Entre sus fuentes de investigación destaca La novela “Cien años de soledad” de Gabriel García Márquez, con la que han sostenido una permanente relación creativa. Ensamblaje ha creado 5 espectáculos en torno a la novela Cien años de soledad, dos de ellos en repertorio actual: “Los Desplazados” (travesía y delirio de la familia Buendía), para calle y “Sobre-vivientes”(Un amor más allá de la muerte)para sala. Otro de sus referentes es el teatro de feria: Siguiendo el rastro al teatro medieval han retomado el espacio escénico del Tablado popular al aire libre con espectáculos como “Fausto nuestro que estás en los cielos “, inspirado en el Fausto de Goethe, para espacios no convencionales y sala de amplio formato , realizado con la herencia del teatro de farsa y cómicos de la legua. 113 PALABRAS EN ESCENA SEMINARIO CENTRAL Escenarios para el post-conflicto: propuestas y reflexiones desde la cultura y las artes Duración: 2 días, 4 horas diarias Horarios: lunes 7 y martes 8 de septiembre 8:00 am - 12:00 m Lugar: Fondo Cultural del Café, Piso 5, Torre B. Alcaldía de Manizales. Calle 19 # 21-44 Presentación 114 Uno de los temas más sensibles de la realidad socio-política de Colombia no es asumido con la fuerza que urge: la lucha contra el miedo y el terror, como sucede de manera análoga en México y otras urbes latinoamericanas. El asunto de la lucha contra la cultura del miedo no es solo una trama de la acción de las instituciones del gobierno, sino que debe ser singularmente de los movimientos sociales y creativos. El miedo como relación social expropia la energía del cuerpo y la capacidad de construir un mundo del habla, la conversación y la imaginación. Si bien en este camino se ha avanzado significativamente, la violencia continúa siendo un campo sobre el cual se habla poco y al cual, en muchos casos se le teme. Es claro que en América Latina, particularmente en aquellos países que han vivido periodos de aguda violencia se sigue generando cultura solidaria y se articulan acciones que se sitúan frente a la violencia en todas sus formas y orígenes como actos alternativos y alterativos de esta lacerante realidad. Pero no se trata solo de generar lo anterior, es imperativo que el conjunto social asuma como centralidad las relaciones de la lógica y el consenso como formas de vivir juntos respetando la singularidad de cada cual. Por otra parte, pero en relación al tema del miedo como asunto cultural, la terrible situación por la que transitan México y Centroamérica hoy no puede ser ajena a la articulación de propuestas culturales nacionales y regionales, y nuestro actual proceso debe informarse de situaciones contextuales que sirvan de referencia. Este proyecto está pensado para aportar un grano de arena a la reflexión, al diálogo, al debate sobre el conflicto colombiano y en especial sobre el post conflicto. Un aporte al encuentro, el perdón y la convivencia. En todo conflicto hay víctimas y victimarios. Pero hay un antes y un después del conflicto, y nadie habla de esos roles en el antes y el después. Se puede aprender de otras experiencias, otros encuentros, otros conflictos. Y se puede abordar esa reflexión, ese diálogo, ese debate, desde otras disciplinas que no sean las políticas y económicas. Proponemos ejercicios pedagógicos, desde el teatro y las artes escénicas, la divulgación de la ley 1448 a través de los eventos artísticos y culturales, por medio de mensajes directos al público y a los hacedores de la cultura, comunicando la importancia de contextualizarnos en el ámbito territorial del eje cafetero, como victimas y como un territorio de confluencia de actores del conflicto. 115 La cultura ha sido siempre el verdadero espacio para la reflexión de la sociedad. Literatura, teatro, música, artes plásticas o filosofía, han dado más respuestas de contracultura o de cultura de estado que las propias respuestas político-sociales. Y el teatro es una de esas respuestas. 116 El encuentro sobre el conflicto y post conflicto y su reflexión a partir de las artes escénicas es una manera importante y a la vez difícil de abordar este delicado asunto. La mirada de otras culturas, otros conflictos, otras causas, otras realidades, otras consecuencias, nos dan una visión sobre la que debatir y dialogar, sobre la que responder y reparar, sobre la que pensar, decidir y solucionar. Este es un proyecto con voluntad de mantenerse en el tiempo. De convertirse en un punto de encuentro. En un encuentro de futuro. Para esta reflexión planteamos la visión nacional e internacional, a través de dos componentes: las propuestas escénicas relacionadas con el conflicto; y las reflexiones que desde la cultura, las artes y las artes de la representación hacen los gestores y artistas. CONFERENCIAS Umbral Teatro y la memoria histórica Carolina Vivas Un país como el nuestro, azolado por un conflicto tan prolongado y complejo, ha dado origen a una variada producción teatral que aborda este tema y lo hace desde distintas formas y lugares. Reflexión en torno a cómo el grupo Umbral Teatro ha aportado con sus obras a la construcción de la memoria histórica de nuestro país, desde la guerra de los mil días, hasta las masacres paraestatales de fines del siglo pasado, compartiendo con el auditorio, aristas de los procesos de creación y algunos de los procedimientos creativos que usa el colectivo para abordar realidades tan inaprensibles. La intervención también dará cuenta del Cuerpo fiesta memoria y sanación, proyecto de Umbral Teatro realizado en zonas de conflicto, en pos de la restauración del tejido social, la reconciliación y la construcción de un relato de la tragedia nacional, en el que tenga cabida la versión de los afectados por el conflicto. Inxilio: El sendero de lágrimas Álvaro Restrepo En el año 2010, Álvaro Restrepo bailarín, coreógrafo y pedagogo, fundador de El Colegio del Cuerpo, concibe la ceremonia INXILIO: El Sendero de Lágrimas para conmemorar el Bicentenario de la Independencia. La obra es un homenaje a las víctimas del conflicto armado de Colombia, en la que participan 300 oficiantes:150 víctimas reales, 50 bailarines y actores y 100 músicos de una orquesta sinfónica. En su versión integral, fue presentada en Bogotá, Medellín y Cartagena. En su versión de cámara para 10 bailarines, ha sido presentada en Sudáfrica, Venezuela, Francia, Perú, Colombia, entre otros... Sobre esta obra y el papel del arte en los procesos de memoria y de reparación simbólica con las víctimas de la violencia, versará la intervención de Álvaro Restrepo. 117 “Creación colectiva y post conflicto” César Badillo ¿Cómo evitar que este tema del posconflicto se convierta en una moda que no deje ninguna reflexión ni solución profunda a los problemas que originaron el conflicto en nuestra sociedad? El teatro, que no sirve para mucho, en el sentido de no parar una guerra ni quitar el hambre, ¿qué puede aportar a lo que se llama el posconflicto? ¿Tiene el teatro y la creación colectiva, algo que aportar desde el punto de vista de nuestras relaciones creativas e inventivas a nuestra sociedad y la democracia? ¿Es en verdad democrática nuestra sociedad? Estas son algunas de las preguntas que uno de los actores y directores del Teatro la Candelaria, César Badillo, abordará dentro de la ponencia, “Creación colectiva y post conflicto”. Luchando Contra El Olvido, Investigación Sobre las dramaturgias del conflicto Hernando Parra 118 Durante décadas la sociedad colombiana, a través de su creación teatral, ha podido ver y reconocer los rituales y los símbolos del dolor, el miedo y el duelo de las víctimas. El conversatorio: Luchando contra el olvido, investigación sobre las dramaturgias del conflicto, versa y reflexiona sobre buena parte de las “poéticas” del conflicto armado interno, las cuales se han construido para escenificar, recrear y no olvidar los hechos ocurridos. Por medio de una serie de obras que han sido declaraciones o reclamos, ritos de comunidades o individuos que buscan expresar, y así tratar de superar, el estremecimiento y el pavor, el padecimiento y la tortura, una vasta y significativa producción teatral se gestó en distintos espacios a lo largo del territorio nacional. El conversatorio periodiza la creación encontrada de acuerdo con sus cambios estéticos, señala sus principales características y, en especial, explora su relación con los espectadores, pues son éstos los que definitivamente han influido en las peculiaridades representativas de esta “dramaturgia colombiana”. Esta recopilación y estudio de textos dramáticos es, en consecuencia, sólo una muestra de la gran cantidad de obras que se están escribiendo y escenificando en el país. ¿Post conflicto o post acuerdos? Patricia Ariza Cofundadora del Teatro La Candelaria, líder y activista de distintas plataformas escénicas, Patricia Ariza contará su amplia experiencia en estos terrenos del compromiso social del artistas; recorrerá los antecedentes de las acciones de artistas por la paz, las propuestas para una cultura de paz, la Cumbre de arte y cultura y la Cumbre de poetas Teatro, política y creación: Una aproximación al Teatro Justo Rufino Garay Lucero Millán La exposición presenta el libro: “Teatro, Política y Creación” (Una aproximación al Teatro Justo Rufino Garay)”, tesis con la que la autora obtuvo el título de Socióloga recientemente. Es una investigación que tiene como objeto de estudio al Teatro Justo Rufino Garay y a tres obras de teatro que por sus características nos dan cuenta de cómo a través de ellas se pueden ver los diferentes, o al menos los y más relevantes contextos, económicos, políticos y sociales de la revolución y de Nicaragua durante treinta años (1979-2010). Se reflexiona cómo ha influido la sociedad nicaragüense en ese período en la obra artística del Teatro Justo Rufino Garay y a su vez como el propio Teatro Justo Rufino Garay ha realizado una propuesta estética y política de esa misma realidad, proponiendo diferentes miradas, teniendo como eje transversal la relación entre teatro y sociedad para finalmente dar respuesta a la pregunta central de la investigación que gira alrededor de responder si el Teatro Justo Rufino Garay ha jugado un papel político durante treinta años en la sociedad nicaragüense (1979-2010) y si a través de su postulado estético ha propuesto la construcción de “otra mirada de la realidad”. 119 CONFERENCISTAS 120 ÁLVARO RESTREPO (Colombia) Bailarín, coreógrafo, pedagogo. Es uno de los pioneros de la Danza Contemporánea en Colombia. Su trabajo artístico, desde 1986, ha sido presentado en más de 40 países de Europa, África, Asia y las Américas. Su labor como conferencista y maestro lo ha llevado también a diferentes eventos y foros nacionales e internacionales. En 1994, siendo Director de la Academia Superior de Artes de Bogotá (ASAB), crea el primer programa de Danza Contemporánea de nivel superior en el país. En 1997 funda EL COLEGIO DEL CUERPO (eCdC) con la bailarina, coreógrafa y pedagoga francesa Marie France Delieuvin. Restrepo define a eCdC como un animal cuadrúpedo que trabaja y cabalga en cuatro dimensiones, intentando dar la misma importancia a cada una de ellas : arte, educación, sociedad y política. En el año 2010, Restrepo concibe la ceremonia INXILIO: El Sendero de Lágrimas para conmemorar el Bicentenario de la Independencia. La obra es un homenaje a las víctimas del conflicto armado de Colombia, en la que participan 300 oficiantes: 150 víctimas reales 50 bailarines y actores 100 músicos de una orquesta sinfónica. Sobre esta obra y el papel del arte en los procesos de memoria y de reparación simbólica con las víctimas de la violencia, versará la participación de Álvaro Restrepo y eCdC en el Encuentro de Manizales. CAROLINA VIVAS (Colombia) Actriz, directora y dramaturga colombiana, egresada de la Escuela Nacional de Arte Dramático, co fundadora y directora de Umbral Teatro, grupo profesional que celebra en 2016 veinticinco años de producción dramatúrgica y teatral ininterrumpida. Fue por varios años, en la década de los 80, actriz del Teatro La Candelaria de Bogotá, donde trabajó en montajes memorables como El Paso (Parábola del camino) y Maravilla Estar, bajo la dirección del maestro Santiago García, entre otros. Ha escrito textos como Donde se descomponen las colas de los burros, Vocinglería (Volcanes de sueño ligero), De peinetas que hablan y otras rarezas y dirigido con su grupo obras como La opera de tres centavos, de Bertold Brecht, Electra o la caída de las máscaras de Marguerite Yourcenar, Días felices de Samuel Beckett. Autora y directora de obras como Gallina y el otro, Cuando el zapatero remendón remienda sus zapatos, La que no fue, Filialidades, entre otras. CÉSAR BADILLO (Colombia) Integrante del Teatro La Candelaria desde 1980. Ha actuado también en el Teatro Petra, Espacio Artístico ORG y Barracuda Carmela. Ha dirigido 5 obras, la más reciente, Si El Río Hablara. Profesor invitado entre otras universidades, Academia Superior de Artes de Bogotá, Universidad del Valle, y la Universidad Pablo Olavide, Sevilla, España. Actor en 10 cortos, y en 10 largometrajes, entre otros: La Sombra del Caminante y Los Niños Invisibles. Ha publicado tres libros, uno de sus vivencias, El Actor y sus Otros, cuya segunda edición ampliada saldrá en octubre de 2015 y cinco textos para teatro: La Aclaración, Amarillo y Cómo regresa el humo al tabaco, una tríptico, escrito junto con Felipe Vergara. CÉSAR LÓPEZ (Colombia) Es un reconocido músico colombiano perteneciente a la nueva generación de jóvenes compositores, que han asumido la misión de reconstruir y recrear un nuevo sonido marcando, con ello, la tendencia musical del siglo XXI en Colombia. Ha creado una red de proyectos artísticos que, provistos de originales formas de expresión, exploran un profundo sentido humano e involucran, en su propósito y temática, un manifiesto compromiso social con el planeta de hoy. Ha sido Nombrado como MENSAJERO DE LA NO VIOLENCIA DE NACIONES UNIDAS y EMISARIO DE CONSCIENCIA DE AMNISTIA INTERNACIONAL, títulos obtenidos por su aporte social a la humanidad desde su trayectoria artística. La Escopetarra, idea por él, es un símbolo social que representa la posibilidad de transformación de comportamientos negativos y destructivos, en hechos positivos que construyen, reconcilian y sanan. Este nuevo instrumento musical técnicamente es un fusil AK47 inhabilitado, que proviene de los grupos armados ilegales del conflicto colombiano y ha sido convertido, gracias a las manos del experto luthier, Luis Alberto Paredes, en una guitarra eléctrica de excelentes especificaciones. 121 122 FABIO RUBIANO (Colombia) Dramaturgo, director y actor. Junto a Marcela Valencia funda en 1985 el Teatro Petra. Ha dirigido y escrito más de 20 obras de las cuales 4 han sido Premio Nacional de Dramaturgia: Gracias por Haber Venido (Instituto Distrital de Cultura y Turismo 1996), Cada Vez Que Ladran Los Perros (Ministerio de Cultura 1997), La Penúltima Cena (Universidad de Antioquia 1999) y El Natalicio de Schumann (Ministerio de Cultura-Embajada y Alianza Francesa 2009) 5 han sido becas de creación, 5 han ganado premios de coproducción, 2 han sido escritas gracias a residencias en el exterior (España y México) y una recibe en 1994 la primera mención del premio UNESCO para las artes escénicas. GONZALO CASTELLANOS (Colombia) Asesor de políticas y proyectos culturales en países latinoamericanos en campos del cine, industrias culturales, lectura, bibliotecas, patrimonio cultural y gestión comunitaria en cultura, entre otros. Catedrático, productor cinematográfico, escritor. Su más reciente libro es “Cinematografía en Colombia, tras las huellas de una industria”. Ganador del premio Julio González Gómez 2011 al mejor libro en ciencias sociales en países latinoamericanos con el libro “Patrimonio Cultural, integración y desarrollo en América Latina” del Fondo de Cultura Económica. Columnista del diario El Tiempo. HERNANDO PARRA (Colombia) Miembro fundador del Teatro R 101 y actual director artístico de la agrupación. Literato de la Universidad de Los Andes con opción en Humanidades Clásicas y Medievales y opción en Estudios Teatrales. Profesor de teatro, pedagogía teatral y gestión cultural en varias universidades de Bogotá. Desde 1995 ha dirigido obras clásicas y contemporáneas tanto de autores colombianos como extranjeros. Ha participado en múltiples festivales nacionales e internacionales, al igual que ha realizado numerosas giras a lo largo del territorio nacional. LUCÍA GONZÁLEZ (Colombia) Directora Museo Casa de la memoria y consejera para la vida, la reconciliación y la convivencia, Alcaldía de Medellín; fue directora del Museo de Antioquia entre 2005 y 2011; directora ejecutiva de la Orquesta Filarmónica y Estudio Polifónico de Medellín de 1988 a 1991; directora del Teatro Pablo Tobón Uribe en 1987, entre otros cargos en el sector cultural. MARIO HERNÁN LÓPEZ (Colombia) Profesor de la Universidad de Caldas. Doctor en Paz, Conflictos y Democracia. Entre sus trabajos se encuentran diversos ensayos sobre conflicto y paz publicados en revistas nacionales e internacionales. “Yo me acuerdo mal de usted” es el título de su libro más reciente. Ha sido directora de 6 Festivales Nacionales de Teatro organizados por la Corporación Colombiana de Teatro (C.C.T.), miembro del Magdalena Project. Cardiff, Wales, UK, directora del Festival de Mujeres en Escena por la Paz y del Festival de Teatro Alternativo, entre muchos otros emprendimientos culturales y artísticos. PATRICIA ARIZA (Colombia) Cofundadora de la Casa de la Cultura , hoy Teatro la Candelaria; en 1.969 fundó la Corporación Colombiana de Teatro (C.C.T.), así como de varios grupos de teatro, entre ellos el grupo RAPSODA TEATRO. Es coautora de las obras de creación colectiva del grupo La Candelaria 1.966 - 1.992: Ciudad Dorada (Mención Premio Casa de las Américas); Guadalupe Años Sin Cuenta (Premio Casa de las Américas); Los diez días que Estremecieron al Mundo” (Premio Casa de las Américas); Golpe de Suerte; El Paso,( Parábola del Camino; En la Raya ; De Caos & Deca Caos. Nayra, A Título Personal, A Manteles, Soma Mnemosine, Camilo. PAULA GAVIRIA BETANCUR (Colombia) Desde principios del 2012 es directora de la Unidad de Atención y Reparación Integral a las Víctimas desde la cual busca cumplir con el mandato de coordinar la ejecución de la política pública para las víctimas, implícito en la Ley de Víctimas y Restitución de Tierras. En el pasado lideró iniciativas privadas con la Fundación Social, dirigiendo la Asesoría de Derechos Humanos y Paz. También ejerció como jefe de comunicaciones de la Corte Constitucional, como secretaria privada del defensor del pueblo y encargada de la Dirección Nacional de Promoción y Divulgación de los Derechos Humanos de la misma entidad. 123 124 ANTONIO LOZANO (España) Nace en Tánger (Marruecos) en 1956. En 1984 se traslada a Agüimes (Canarias) y en 1987 se incorpora al equipo de gobierno municipal como concejal de Cultura y Desarrollo Local. Como tal, puso en marcha el Festival del Sur-Encuentro Teatral Tres Continentes, un evento que reúne a compañías de África, América y Europa con el fin de crear un espacio para el encuentro y el diálogo entre las culturas de los tres continentes vinculados al archipiélago canario y que dirigió hasta la vigésimo segunda edición, ocupándose actualmente de la programación de actividades paralelas. El Festival del Sur cumplió este año sus primeros 25 años de vida. Como novelista, es autor de Harraga (Zoela, 2002) -premio Novelpol a la mejor novela negra publicada en España en 2002, Mención Especial en el Memorial Silverio Cañada a la primera novela negra y Prix Marseillais du polar 2008- y de Donde Mueren los ríos (Zoela, 2003), finalista del premio Brigada 21. Su tercera novela, Preludio para una muerte, fue editada por Ediciones b en junio de 2006. En mayo de ese mismo año recibe el Premio Internacional de Novela Negra Ciudad de Carmona por su obra El caso Sankara. Su novela Las cenizas de Bagdad ganó la XXIII edición del premio de novela Benito Pérez Armas y ha sido editada por Almuzara. Su novela La sombra del Minotauro, ha sido editada por Almuzara en 2011. En Febrero de 2014, la editorial ANAYA publicó su novela Me llamo Suleimán. En febrero de 2015, Almuzara publica su novela Un largo sueño en Tánger. LUCERO MILLÁN (Nicaragua) Directora de teatro, actriz, profesora de actuación, promotora cultural y Socióloga. De origen mexicano, realiza sus estudios de teatro en Culiacán Sinaloa, donde forma parte de la compañía del Estado de Sinaloa. Posteriormente se traslada a vivir a la ciudad de México donde estudia en la Universidad Nacional Autónoma de México la carrera de “Literatura dramática y teatro”. En 1979, dirige el departamento de teatro de la Universidad Autónoma de Guerrero. Ese mismo año se traslada a vivir a Nicaragua a dos meses después de La Revolución Popular Sandinista. Tiene 35 años de vivir en Nicaragua. Funda en noviembre de 1979 el Teatro Justo Rufino Garay, uno de los grupos más consolidados y profesionales de Nicaragua y Centroamérica. Ha montado más de treinta puestas en escena a lo largo de éstos años a cargo del Justo Rufino Garay. NADIA GHULAM (Afganistán) Nadia nació hace 28 años en Kabul en el seno de una familia de clase media. Sus padres, él funcionario y ella ama de casa, tuvieron cinco hijos: cuatro chicas y un chico. Vivió su infancia en un país que sufría una guerra desde 1978. Tras la retirada de las tropas soviéticas estalló la Guerra Civil Afgana. Las hostilidades se recrudecieron en Kabul y llegó el día en que una bomba cambió la vida de Nadia Ghulam y su familia para siempre. En 1996, el Movimiento Talibán tomó el poder del país e impuso la interpretación radical de las leyes religiosas provocando una regresión de siglos en el país. Nadia tenía 8 años cuando aquella bomba la hirió gravemente. Pero resistió. Gracias a la perseverancia de su madre, pudo lidiar con el sufrimiento, asumió las secuelas y logró sobrevivir. 125 TALLERES CRÍTICA TEATRAL Tallerista: Carlos Gil (España) Dirigido a: Comunicadores, escritores, periodistas, críticos culturales y artísticos Cupo: 30 personas Duración: 3 días, 3 horas por día Horarios: miércoles 9 a viernes 11 de septiembre 8:00 am -11:00 Lugar: Sala Cumanday 1 Centro Cultural y de Convenciones Teatro Los Fundadores *La organización entrega certificación a los participantes 126 Contenidos 1) Descripción de los elementos que concurren en una puesta en escena. Anatomía de un espectáculo teatral. Definición de lo qué es teatro de una manera generalista y universal y de ahí ver con detenimiento todos los elementos que concurren en una puesta en escena 2) Análisis de cada uno de ellos dentro de un contexto (obra, espectáculo, performance elegido). Paso a paso, de forma escalonada, se analizarán cada uno de esos elementos que normalmente forman cada uno de los significantes de un espectáculo, pero avanzando en su contexto, para definir perfectamente el objeto de nuestro análisis para procurar las herramientas que lo hagan posible. 3) Técnicas de narración fundamentada de las opiniones y los discursos. Se trabajará a partir de los planteamientos teóricos diseccionados sobre un ejemplo elegido para intentar hacer el relato analítico y crítico, incorporando tanto las técnicas de narración, como de posicionamiento ante el propio hecho de hacer la crítica, considerada como una composición formal del pensamiento, inspirada a partir de una obra de teatro. CARLOS GIL Nacido en Barcelona, 1950. Estudió interpretación y dirección en la Escola D’Art Dramatic Adriá Gual (1969/71), guión de cine en la Escola d’Estudis Artistics de L’Hospitalet de Llobregat (1975/76). Ha dirigido más de una veintena de espectáculos, con obras de Dario Fo, Ignacio Amestoy, Joan Manuel Gisbert, Juan Carlos Uviedo, Enrique Buenaventura, Luis Matilla, Patxi Larrainzar, Jorge Díaz, Oswaldo Dragún, Heinrich von Kleist, y de su propia autoría. Ha actuado en numerosas obras, de autores como O’Casey, José Zorrilla, Miguel Alcaraz, Dario Fo o Elmer Rice, bajo la dirección de directores como Ventura Pons, Josep Montanyés o Ricard Salvat. Desde 1982 ejerce la crítica teatral en diversos medios de comunicación del País Vasco y desde 1997 dirige la revista ARTEZ de las Artes Escénicas, y la Editorial Artezblai, dedicada específicamente a los libros sobre Artes Escénicas, con cinco colecciones: “Textos Teatrales”, “Teoría y Práctica”, “Ambigú”, “Zubiak” y “Biblioteca Teatro Laboratorio”, con más de ciento cincuenta títulos publicados entre todas, desde donde propicia el Premio Internacional Artez Blai de Investigación de las Artes Escénicas, y el Premio de Internacional de Ensayo Teatral en colaboración con el INBA, Paso de Gato y CITRU. Es socio fundador de la Librería Yorick fundada en 2001, que actualmente tiene su sede en Madrid y está dedicada exclusivamente a las Artes Escénicas, con un fondo editorial de más tres mil títulos. 127 LAS ESTRATEGIAS DEL ENSAYO Tallerista: GUSTAVO SAFFORES (Uruguay) Dirigido a: actores/actrices profesionales y estudiantes avanzados de teatro Cupo: 20 personas Duración: 5 días, 4 horas por día Horarios: lunes 7 a viernes 11 de septiembre 8:00 am - 12:00 m Lugar: Biófilo 1 - Universidad de Caldas, sede central El último día se realizará una muestra de trabajos. *La organización entrega certificación a los participantes. 128 Contenidos Trabajo para los actores y actrices en modalidad práctica sobre la línea no representativa: el comportamiento y la opinión funcionando como organizadora de la actuación. La relación con la mirada del punto de vista y el espacio del público en el lenguaje de actuación. Se trabajarán textos clásicos y el abordaje de las tragedias trabajado en la dramaturgia de Mariana Percovich y los espectáculos de Complot Teatro con un sistema de traducción de los y las participantes guiados por Saffores. Modalidad Se enviará materiales a los participantes para que seleccionen un personaje del repertorio de la Tragedia y elegir fragmentos de textos vinculados al mismo para trabajar en el seminario. Se realizarán cinco encuentros de cuatro horas. En los encuentros se plantearán trabajos individuales y en duplas con los textos y ejercicios de entrenamiento de actuación con el objetivo de generar lenguaje propio y ampliar el imaginario actoral. Se plantearán modalidades de improvisación con el fin de establecer entradas a los textos planteados y caminos de investigación para la actuación y traducción escénica de los personajes seleccionados por los participantes. Saffores guiará al grupo de actores. El seminario/estudio culminará con una muestra de trabajos. Requisitos: actores/actrices egresados de formación actoral completa o estudiantes avanzados (segunda mitad de la carrera), actores/actrices profesionales. Se requiere enviar una carta explicando su interés en participar del estudio GUSTAVO SAFFORES Egresado de la EMAD actor de teatro y cine, Premio a Mejor Actor por la obra “Or” de Gabriel Calderón, nominado a Mejor Actor por “Algo de Ricardo”, dirigido por Percovich, es uno de los actores que más ha trabajado con la Compañía Complot Teatro de Uruguay, desde la cual viene desarrollando un estudio de entrenamiento actoral y creación escénica con actores profesionales en Montevideo. Saffores y Percovich dirigen el primer Estudio dedicado al entrenamiento actoral en las modalidades de trabajo de los directores de COMPLOT. 129 BIODRAMA / TEATRO ENCONTRADO Tallerista: VIVI TELLAS (Argentina) Dirigido a: dramaturgos, actores y directores de teatro Cupo: 15 personas Duración: 5 días, 4 horas por día Horarios: lunes 7 a viernes 11 de septiembre 8:00 am -12:00 m El último día habrá una muestra de trabajos 130 Contenidos Investigar de qué se trata la teatralidad en el escenario urbano. Recorrer la ciudad con el grupo de participantes tratando de reconocer los momentos teatrales. Llevar un diario de trabajo con reflexiones acerca de la teatralidad. Elegir los escenarios para hacer una intervención artística. Alguna de las formas para intervenir serían: interrumpir, sumar elementos, camuflaje, formar parte, momentos biográficos y todas las formas que puedan aparecer. El resultado será una intervención urbana de sitio especifico. VIVI TELLAS “La intimidad es el centro de mi trabajo. Busco la teatralidad fuera del teatro, en zonas inestables como el espacio íntimo, donde la inocencia puede aparecer. La situación de trabajo es muy frágil. La intimidad es un presente continuo donde no hay opiniones ni destrezas, una zona torpe, capaz de generar momentos desconocidos que no controlamos para nada”, confiesa Vivi Tellas, una de las directoras de teatro experimental más influyentes y reconocidas de Argentina. La artista trabaja poniendo al teatro en contacto con otros mundos, rastreando elementos teatrales como la repetición, la presencia, la situación, la audiencia, el texto, y el relato en la vida cotidiana. Su teatro documental busca fuera del teatro todo lo que se parece al teatro. FANTÁSTICO BAILABLE. HISTORIA PERSONAL DEL BAILE Tallerista: Paula Manaker (Argentina) Dirigido a: adultos mayores de 60 años, bailarines de salón profesionales y no profesionales Cupo: 25 personas Duración: 5 días, 3 horas por día Horarios: lunes 7 a viernes 11 de septiembre 1:00 pm -4:00 pm Lugar: Fonda Los Colonizadores Av. 12 de Octubre 10-15 (Chipre) El último día se realizará una muestra de trabajos. Contenidos En el taller se abordará una experiencia teatral que hace parte del universo del “Biodrama”. Estos encuentros emplazados en la mismísima pista de baile serán la base de partida del laboratorio. La experiencia teatral albergará todo lo que suceda a partir del encuentro de estas personas y la particular manera de moverse de cada uno, como las maneras de relacionarse entre los integrantes del taller a partir del baile popular. PAULA MANAKER Desde 1993 forma parte de diferentes grupos de danza y danza teatro. A partir del encuentro con diferentes artistas desarrolló una plataforma de experimentación escénica conformando equipos de trabajo en colaboración permanente. Trabaja en la docencia de la danza desde 1996 con niños y adultos en diferentes provincias de Argentina y diferentes países del mundo. 131 GESTIÓN DE LAS ARTES ESCÉNICAS Talleristas: GUSTAVO ZIDÁN (URUGUAY), NORKA CHIAPUSO (ESPEAÑA) Y MARCELINO MARTÍN (ESPAÑA). Duración: 3 días, 3 horas por día Horarios: Martes 8 a jueves 10 de de septiembre, 8.00 a 11:00 a.m. Lugar: Sala Cumanday 2. CCC Fundadores. GUSTAVO ZIDÁN Es egresado de la Escuela Multidisciplinaria de Arte Dramático Margarita Xirgu. Productor teatral independiente desde el año 1996. Ha sido Productor General de la Comedia Nacional, elenco oficial del Uruguay. 132 Fue Director Ejecutivo del Auditorio Nelly Goitiño del SODRE, Coordinador Cultural de la Alianza Cultural Uruguay EEUU, Coordinador de programación del Teatro EL GALPON. Actualmente es Director de Sala Verdi, sala de espectáculos perteneciente a la Intendencia de Montevideo. Integra REDELAE -Red Eurolatinoamericana de Artes Escénicas. NORKA CHIAPUSSO Director del Centro Cultural Loiola, Patronato Municipal de Cultura de Donostia-San Sebastián, 1987-1992. Director del Centro Cultural Lugaritz. Patronato Municipal de Cultura de Donostia-San Sebastián. 1993-1999. Feria de Teatro de Donostia-San Sebastián. Miembro de los comités organizador y artístico durante los años 1998 y 1999. Director de la misma en el año 2000. Director de la programación de artes escénicas del Patronato Municipal de Cultura de Donostia San Sebastián desde octubre de 1999. Hoy día la entidad se denomina Donostia Kultura. Colaborador de la Dirección Creación y Difusión Cultural del Departamento de Cultura del Gobierno Vasco en su apartado de teatro desde 1.996 hasta 2008. MARCELINO MARTÍN Español residente en Tenerife, Islas Canarias. Su formación inicial está relacionada con las Ciencias de la Educación en la que se gradúa en el año 1991 por la Universidad de La Laguna , aunque su vocación en temas de gestión cultural lo lleva a formarse en el campo de las políticas culturales realizando un postgrado en Gestión y Políticas Culturales en la Universidad de Barcelona en el año 1998. Su trayectoria profesional se encuentra localizada preferentemente en el Área de Cultura del Ayuntamiento de Puerto de la Cruz en Tenerife, la cual dirige desde el año 1995. En ella coordina proyectos de carácter internacional como el Festival internacional de Arte en la Calle “Mueca”, el Festival Internacional de Literatura de Viajes “Periplo” o Puerto Street Art una actividad vinculada al arte urbano que tiene como objetivo principal la creación de un museo al aire libre en la ciudad. 133 CONVERSATORIOS 30 AÑOS DE O-IlÉ Invitados: Álvaro Restrepo – Liliana Villegas (Colombia) Fecha: Jueves 10 Hora: 11:00 am Lugar: Sala Cumanday 3 - CCC Los Fundadores O-ilé es quizás el primer espectáculo multimedia que se hizo en Colombia. Liliana Villegas, tejedora y artista plástica, decidió en 1985 convocar a casi 30 artistas de diferentes disciplinas para celebrar su oficio de Penélope y construir una metáfora visual/escénica que utilizara el hilo (materia prima de su oficio) como - valga el pleonasmo - hilo conductor de un espectáculo único en la historia de las artes escénicas colombianas. 134 Un equipo internacional de bailarines, pintores, actores, video artistas, arquitectos, escenógrafos, compositores, músicos, iluminadores etc. trabajaron durante varios meses en el ensamblaje de un complejo dispositivo teatral que vio la luz en el Teatro Colón de Bogotá el 24 y 25 de Abril del año 1885. Algunos de los artistas que participaron en O-ilé, como la maestra Delia Zapata Olivella, ya no están en este mundo....otros viven fuera de Colombia... El Festival de Teatro de Manizales ha querido acoger este necesario ejercicio de memoria y de afecto para recordar/ reflexionar sobre lo que fue esta singular y efímera experiencia, que a pesar de su corta vida - marcó un hito en las artes escénicas/visuales de nuestro país. ARTES ESCÉNICAS DE MINAS GERAIS Invitados: Marcelo Bones – Ángela Mourao (Brasil) Fecha: Jueves 10 Hora: 11:00 am Lugar: Sala Cumanday 3 - CCC Los Fundadores Hoy en día el teatro hecho en el estado de Minas Gerais es uno de los más vigorosos y potentes en Brasil. Su principal característica es la forma de producción en grupo y, a partir de allí, su permanente investigación en el lenguaje y una profundización de temas contemporáneos. ENCUENTROS PREPARÁNDONOS PARA MICSUR 2016 Participan: Ángel Moreno - Octavio Arbeláez - Ricardo Gómez (Colombia) Fecha: Viernes 11 de septiembre Hora: 9:00 am 1:00 pm Lugar: Auditorio Olimpia - CCC Los Fundadores De cara a la segunda edición del Mercado de Industrias Culturales del Sur MICSUR a realizarse en Bogotá en agosto de 2016, Colombia definió una estrategia para la vinculación de empresarios de las industrias culturales y creativas de los seis subsectores del mercado, con el fin de prepararlos para la participación de este encuentro. Esta estrategia busca abarcar las principales ciudades del país y convocar a pequeños y micro empresarios de la cultura para participar en los talleres preparatorios de MICSUR. Es así como durante el 2015 el Grupo de Emprendimiento Cultural del Ministerio de Cultura y REDLAT, Red Latinoamericana de Productores Culturales, realizan mediante talleres y capacitaciones un programa a nivel nacional para la preparación de los emprendedores culturales que estén interesados en participar en la segunda edición del Mercado de Industrias Culturales del Sur, MICSUR. Esta vez el taller se desarrollará en el marco de Palabras en Escena del 37 Festival Internacional de Teatro de Manizales. Estará dirigido a micro y pequeños empresarios de los seis sectores del MICSUR: Audiovisual, Artes Escénicas, Música, Editorial, Diseño y Videojuegos, así como todos los participantes del Festival y los oferentes presentes en el Mercado. OCTAVIO ARBELÁEZ (Colombia) Ha sido gerente de las empresas Oc Marketing Cultural y Vania Latina Producciones Culturales (Colombia-España) y de los equipos de gestión del Encuentro Internacional de Artes de Medellín, de “Bogotá Capital Iberoamericana de la Cultura”, Director del Mercado del Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá VIA 2012 y 2014, del “Festival VivAmérica Bogotá” 2008 y 2009, del Foro Interamericano Cultura es Desarrollo, Medellín 2009, Director Ejecutivo del Congreso Iberoamericano de Cultura 2010. Director de los Mercados Culturales 135 de Medellín y de las Ruedas de Negocios de las Industrias Culturales organizadas por la Cámara de Comercio de Bogotá y de las ruedas de las Artes Escénicas y Altavoz en Medellín, entre otras. En 2014 fue ganador del Premio ISPA a la gestión cultural. Actualmente es presidente de REDLAT Colombia, dirige CIRCULART Mercado Cultural de Medellín, el Festival Medellín Vive la Música y el Festival Internacional de Teatro de Manizales. 136 ÁNGEL MORENO (Colombia) Comunicador Social de la Pontificia Universidad Javeriana, con formación de posgrado en ciencia política. Trabajó en el Área de Cultura del Organismo Internacional Convenio Andrés Bello desde el año 1996 hasta el 2009, haciendo parte del equipo técnico que lideró proyectos como Economía y Cultura, Legislación Cultural, Somos Patrimonio, Somos Jóvenes, Culturas Urbanas, Cultura y Desarrollo y Latinidades, entre otros. Actualmente se desempeña como Asesor del Despacho de la Ministra de Cultura de Colombia, y tiene como responsabilidad la orientación y puesta en marcha de la política en emprendimiento cultural e industrias culturales en el país. RICARDO GÓMEZ (Colombia) Director General de ENVIVO, empresa de consultoría enfocada en contribuir al desarrollo de habilidades, competencias en coaching, comunicación asertiva, empoderamiento y relacionamiento humano. Ha diseñado metodologías para el desarrollo del aprendizaje acelerado a través de la música y de la improvisación teatral. Adicionalmente, es experto en programación neurolingüística y coaching. MERCADO CIRCULART EJE ESCENA Horarios: Septiembre 8 de 2:00 pm a 5:00 pm – Septiembre 9 de 9:00 am a 12:00 m Lugar: Auditorio Olimpia - CCC Los Fundadores 137 CIRCULART EJE ESCENA - Ideas, Negocios y Oportunidades para las artes escénicas, es un mercado cultural que se realiza en el marco del XXXVII Festival Internacional de Teatro de Manizales, el cual cuenta con una Rueda de Negocios tipo Pitch, en la que participan 26 agrupaciones que se desempeñan en las distintas áreas de las artes escénicas: Teatro, danza, títeres y muñecos, circo y teatro de calle. Algunas agrupaciones residentes en el Eje Cafetero e importantes agrupaciones nacionales e internacionales que hacen parte de la programación oficial del Festival, presentan en Pitchs de siete minutos su oferta artística, ante un grupo de más de 25 programadores nacionales y extranjeros, como es el caso de nueve programadores de la National Performing Network (NPN) de Estados Unidos, El Festival Internacional de Teatro de Santodomingo, Festival de Arte en la Calle MUECA, Festival Internacional de teatro, monólogos, diálogos y más... de Nicaragua, así como otros directores de festivales, mercados y ferias, miembros de la Red Eurolatinoamericana de Artes Escénicas - REDELAE, y programadores de importantes salas y eventos del país. Durante dos intensas jornadas los días 8 y 9 de septiembre, directores de teatro, programadores, actores, productores, directores de festivales y de salas, se dan cita en el marco del tradicional Festival Internacional de Teatro de Manizales, para no solo hablar y apreciar las obras, sino para entablar relaciones comerciales, generar intercambios y dinamizar el sector de las artes escénicas latinoamericanas. PROGRAMADORES 138 Elizabeth Boone - Miami Light Project, Miami, FL Carlos Caballero - FUNDarte, Inc., Miami, FL Ever Chavez - FUNDarte, Inc., Miami, FL Elizabeth Doud - National Performance Network Debra Gallegos - El Centro Su Teatro, Denver, Colorado Edgar Miramontes - REDCAT, Los Angeles, CA Carla Perlo - Dance Place, Washington, DC Richard Pilkinton - Dance Place, Washington, DC Yolanda Cursach - MCA, Chicago Karina Noble - Festival Internacional de Teatro de Santo Domingo (República Dominicana) Marcelino Martin - Festival de Arte en la Calle MUECA (España) Norka Chiapusso - dFERIA (España) Lucero Millán - Festival Internacional de teatro, monólogos, diálogos y más... (Nicaragua) Freddy Ñáñez - Festival de Teatro de Caracas (Venezuela) Maria Alejandra López - Teatro Guillermo León Valencia (Popayán) Germán Carvajal - El Teatrico (Medellín) Lina Castaño - CasaTeatro El Poblado (Medellín) Jaiver Jurado - Fiesta de las Artes Escénicas (Medellín) Juliana Arcos - Teatro Municipal Enrique Buenaventura (Cali) Haya Lady Villada - Aleph Teatro (Pasto) Alirio León Suárez - Confa (Manizales) Uriel Giraldo - Sala de Teatro El Escondite (Manizales) Henry Cardona - Universidad de Caldas - Extensión Cultural (Manizales) Ximena Escobar - Teatro Azul (Armenia) IDARTES Carolina Ramírez Muñoz - Corporación Colombiana de Teatro (Bogotá) Carol Aza - Fundación Gilberto Alzate Avendaño (Bogotá) César Grande - Festival Invasión de Cultura Popular (Bogotá) Olga Naranjo - Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá (Bogotá) ARTISTAS Teatro Petra (Bogotá) La Maldita Vanidad (Bogotá) Teatro R-101 (Bogotá) Umbral Teatro (Bogotá) Exilia2 Teatro (Bogotá) Teatro Tierra (Bogotá) Ensamblaje Teatro (Bogotá) Barrio Comparsa (Medellín) Matacandelas (Medellín) El Colegio del Cuerpo (Cartagena) Actores en Escena (Manizales) Corporación Caza Retasos (Manizales) Los Chicos del Jardín (Manizales) Teatro Inverso (Manizales) Colectivo Andrómeda 3.0 (Manizales) Pasos Juntos (Manizales) Punto de Partida (Manizales) Maldita sea producciones (Manizales) A Cántaros Danza (Manizales) La Burbuja Producciones (Manizales) Teatro Azul (Armenia) A Toda Vela (España) Artesa (España) Platô Teatro (Brasil) Teatro Espança (Brasil) Teatro Andante (Brasil) Luna Lunera (Brasil) Teatro Invertido (Brasil) 139 146 SEXTA FERIA DEL LIBRO DE MANIZALES ENAMÓRATE DE LOS LIBROS 8 al 12 de septiembre La Universidad de Caldas, desde la Oficina de Producción Editorial, en alianza con el Festival Internacional de Teatro de Manizales, Alianza por la lectura y el Ministerio de Cultura, en su afán por fomentar la lectura en niños, jóvenes y adultos, promoviendo la oferta cultural en la ciudad y la región, viene realizando desde hace 6 años la Feria del Libro de Manizales. Un evento de ingreso gratuito que presenta al público local y de la región una variada oferta editorial, académica y cultural. INVITADOS ANTONIO LOZANO Nació en Tánger en 1956. Licenciado en Traducción e Interpretación, reside en Agüimes (Gran Canaria), municipio del que fue concejal de Cultura entre 1987 y 2003. Es director del Festival del Sur-Encuentro Teatral Tres Continentes y del Festival Internacional de Narración Oral «Cuenta con Agüimes». Su primera novela, Harraga (Zoela, 2002), fue elogiada por escritores como Manuel Vázquez Montalbán, Dulce Chacón y Fernando Marías. Ganadora del I Premio Novelpol a la mejor novela negra publicada en España, obtuvo una mención especial del Jurado del Premio Memorial Silverio Cañada 2003 a la mejor primera novela negra, convocado por la Semana Negra de Gijón. Su novela El caso Sankara (Almuzara, 2006), fue ganadora del I Premio Internacional de Novela Negra Ciudad de Carmona. También ha publicado Preludio para una muerte (Ediciones B, 2006) y Donde mueren los ríos, fue finalista del I Premio Brigada 21. ALONSO ARREOLA Nació en México, DF, 1974. Músico y periodista. Ex bajista de La Barranca —grupo con el que grabó tres discos y dio numerosos conciertos dentro y fuera de su país por seis años—, ha colaborado en numerosas grabaciones de rock y jazz y acaba de editar su primer álbum como solista para el sello Intolerancia: Música Horizontal (un proyecto del cual produjo 10 mil copias gratuitas en empaque de lujo, con numerosos músicos destacados de México y el extranjero como Trey Gunn, Michael Manring, David Fiuczynski y Jaime López). Con este proyecto se ha presentado en la Feria de San Marcos de Aguascalientes, en el Teatro Metropólitan del DF, en el Teatro Diana de Guadalajara y en el Teatro de la Ciudad de Monterrey, así como en diversos foros del resto de la República. Viene a Manizales al Festival Internacional de Teatro con el espectáculo “Arreola por Arreola. Por Bestias y Prodigios”, así mismo participará en la Feria 6a del libro de Manizales con una charla sobre el espectáculo. 147 ALBERTO JOSÉ BARRERA TYSZKA 148 Nacido en Caracas en 1960 es poeta y narrador. Es autor de la novela También el corazón es un descuido y del libro de cuentos Edición de lujo, así como de los poemarios Coyote de ventanas y Tal vez el frío. En colaboración con la periodista Cristina Marcano ha publicado la primera biografía documentada del presidente de Venezuela: Hugo Chávez sin uniforme. Una historia personal, de gran éxito internacional. Es licenciado en la Escuela de Letras de la Universidad Central de Venezuela, donde también ejerce de profesor. Durante años ha trabajado como guionista de televisión, escribiendo telenovelas en Venezuela, Argentina, Colombia y México. Varios textos suyos han aparecido en medios venezolanos y extranjeros como El País, Letras Libres, Etiqueta Negra, Gatopardo, entre otros. Desde 1996 es columnista dominical del periódico El Nacional. Editorial Anagrama ha publicado sus novelas La enfermedad (Premio Herralde 2006) y Rating (2011). FREDDY ÑÁÑEZ Petare. Venezuela 1976.) Titiritero, poeta y editor. En 2000 funda la editorial Nadie Nos Edita y la Revista literaria Sujeto Almado la cual dirige hasta el 2007. Ha publicado entre otros cuadernos de poesía: Fuego donde dice paraíso (2004. Ministerio de Cultura) Bajopalabra (2005. Dirección de Cultura y Bellas Artes Táchira) y Sombra Bajo tierra (Antología. Monteávila Editores) Con el poemario Postal de Sequía gana, en 2009, la XVII Bienal José Antonio Ramos Sucre. En la actualidad preside la Fundación para la Cultura y las Artes de la Alcaldía de Caracas. RODRIGO LA HOZ Historietista nacido en Lima. Su trabajo en cómics e ilustración ha sido incluido en diversas publicaciones peruanas e internacionales - Beeswax Magazine (EEUU), Etiqueta Negra (Perú), Carboncito, Revista Larva (Colombia), Kovra (España), How Does It Make You Feel? (Canadá), Faesthetic (EEUU), Dedo Medio (Perú), Buen Salvaje (Perú), entre otras. Desde el 2009 imprime el zine “Borde”. En 2010 publicó la novela gráfica “Islas”, ganadora del primer concurso de novela gráfica de la editorial Contracultura. El trabajo de Rodrigo la Hoz es tal vez el más sólido que se ha visto en el panorama del cómic peruano de los últimos años y una de las voces indiscutibles del denominado “nuevo cómic latinoamericano”. En el 2015 presentará oficialmente su segunda novela gráfica “Estética Unisex” (Ediciones Pictorama) en el marco del Festival Entreviñetas. PIEDAD BONNETT (Amalfi, Antioquia, 1951) Es licenciada en Filosofía y Letras de la Universidad de los Andes y profesora de esta Universidad desde 1981. Tiene una maestría en Teoría del Arte, la Arquitectura y el Diseño en la Universidad Nacional de Colombia. Ha publicado ocho libros de poemas: De círculo y ceniza (Ediciones Uniandes, 1989, reedición de 1995) con el cual recibió mención de honor en el Concurso Hispanoamericano de Poesía Octavio Paz, (Festival de Arte de Cali, Cali, Colombia), Nadie en casa (Ediciones Simón y Lola Gubereck, 1994), El hilo de los días (Premio Nacional de Poesía, 1995), Ese animal triste (1996), Todos los amantes son guerreros (1998) Tretas del débil (Alfaguara, 2004) Las herencias (Visor, 2008), y Explicaciones no pedidas (Premio Casa de América de Madrid de Poesía Americana, 2011). En 2012 recibió el Premio de Poesía Poetas del Mundo Latino Víctor Sandoval en Aguascalientes, México, por el aporte de su obra a la lengua española. Es autora de cuatro novelas, Después de todo (2001) Para otros es el cielo (2004) Siempre fue invierno (2007) y El prestigio de la belleza (2010), y de unas memorias sobre la muerte de su hijo, Lo que no tiene nombre (2013) obras todas ellas publicadas por Editorial Alfaguara. También ha escrito cinco obras de teatro, Gato por liebre, Que muerde el aire afuera, Sanseacabó, Se arrienda pieza, y Algún día nos iremos, montadas por el Teatro Libre 149 150 bajo la dirección de Ricardo Camacho. Sus cuentos y ensayos suyos han sido publicados en distintas revistas y periódicos del país y del extranjero. Ha representado a Colombia en numerosos encuentros de poesía (Granada (España), Córdoba (España), Morelia (México) Rosario (Argentina) y Medellín (Colombia), entre muchos otros, y en encuentros literarios como el Festival de Literatura de Berlín y él Hay Festival de Segovia. En 2008 fue la poeta homenajeada por la Consejería para la equidad de la Mujer de la Presidencia de la República, durante la Feria del libro de Bogotá. Sus poemas han sido traducidos al italiano, al inglés, al francés, al sueco, al griego y al portugués. RIGOBERTO GIL MONTOYA Narrador y ensayista, Doctor en Literatura de la Universidad Nacional Autónoma de México y profesor de la Universidad Tecnológica de Pereira. Ganador del premio Nacional de Novela “Aniversario Ciudad de Pereira” con El laberinto de las secretas angustias (1992), también ha publicado los libros La urbanidad de las especies (1997), Nido de cóndores: aspectos de la vida cotidiana de Pereira en los años veinte (2002), Retazos de ciudad (2002), Pereira: visión caleidoscópica (2002), Plop (2004), Guía del paseante (2005) y Territorios (2010). En 2014 obtuvo el Premio Nacional de Novela de la Universidad de Antioquia con Mi unicornio azul y fue finalista del Concurso Nacional de Novela Corta de la Pontificia Universidad Javeriana con El museo de la calle Donceles, sus más recientes publicaciones. MARIO HERNÁN LÓPEZ Profesor de la Universidad de Caldas. Administrador de Empresas de la Universidad Nacional, Magíster en Gestión Ambiental de la Universidad Javeriana y Dr. en Paz, Conflictos y Democracia de la Universidad de Granada, España. Ha publicado relatos breves en revistas culturales y en el blog La loca de la casa, creado en el año 2005. Su última obra, Yo me acuerdo mal de usted, fue publicada por la Editorial Universidad de Caldas en marzo de este año. Entre sus trabajos académicos se encuentran diversos ensayos sobre conflicto y paz publicados en revistas nacionales e internacionales, así como investigaciones sobre cuestiones ambientales y políticas públicas en el campo de la pobreza y el desplazamiento forzado por la violencia. En 2009 ganó el premio del concurso de literatura de Caldas con el libro de cuentos Palabras en la puerta. JAIME ECHEVERRI Nació en Manizales. Narrador y psicoanalista, es docente de la Maestría en Escrituras Creativas de la Universidad Nacional de Colombia y de la Maestría en Creación Literaria de la Universidad Central de Bogotá. Algunos autores de renombre en Colombia y México se han beneficiado de su tutoría en los últimos quince años, dentro y fuera del ámbito académico. De su obra cuentística, los títulos más notables son Historias reales de la vida falsa (1979), Las vueltas del baile (1992), Versiones, perversiones y otras inversiones (2009) y El mar llega a todas las playas (2010), También ha publicado las novelas Reina de picas (1992) y Corte final (2002). Varios premios nacionales de cuento, obtenidos entre 1968 y 2004, dan fe de su calidad literaria. 151 ORLANDO MEJÍA RIVERA 152 Médico internista y tanatólogo, Magíster en filosofía, docente e investigador de la Universidad de Caldas. Premio Nacional de la Academia de Medicina en 1994, Premio Nacional de Novela del Ministerio de Cultura en 1998, Premio Cámara Colombiana del Libro al mejor libro científico-técnico en 1999 y Premio Nacional de Ensayo Ciudad de Bogotá del mismo año, entre otras distinciones. Algunos de sus libros: La muerte y sus símbolos (1999), De la prehistoria a la medicina egipcia (1999), Pensamientos de guerra (2000), De clones, ciborgs y sirenas (2000), El asunto García y otros cuentos (2006), El enfermo de abisinia (2007), Recordando a Bosé (2009), En el jardín de Mendel: bioética genética humana y sociedad (2010), La biblioteca del dragón (2012). En 2002 trazó un mapa de la narrativa colombiana actual en su libro La Generación mutante. Textos suyos han sido traducidos a alemán, italiano, francés y húngaro. CLAUDIA PATRICIA LEGUIZAMÓN LONDOÑO Creció en Cali, donde se desarrolló como bailarina en el Instituto Colombiano de Ballet –Incolballet–, y realizó estudios universitarios de Arte Dramático y Educación Física en la Universidad del Valle y en la Universidad de Caldas. Ha sido directora escénica y coreógrafa del Taller de Ópera de la Universidad de Caldas por más de veinte años, al igual que del Laboratorio de Danza de la misma institución. Pertenece al grupo de investigación Teatro, Cultura y Sociedad en donde apuesta por la investigación-creación desde todos sus proyectos y procura experimentar desde la reflexión en torno a la danza dramática. HERNÁN VARGAS CARREÑO (Zapatoca, Colombia, 1960). Poeta, traductor y editor. Docente de literatura egresado de la Universidad Industrial de Santander. Creó y dirigió en Santa Marta el programa nacional Poesía Mar Abierto (1991-2008). Dirige la revista de poesía Exilio. Actualmente se desempeña como docente en el distrito de Bogotá y como tallerista en la Casa de Poesía Silva. Premio Nacional de Poesía Antonio Llanos, sus Libros publicados son: Plural (1993), País íntimo (2003, 2006 y 2007)) y sus traducciones al castellano de Edgar Lee Masters Almenas del tiempo (2003) y Emily Dickinson ¿Quién mora en estas oscuridades? (2007). RODRIGO SOTO Nació en San José de Costa Rica, en 1962. Estudió Filosofía en la Universidad de Costa Rica, y guión cinematográfico en la Universidad Autónoma de Madrid. En 1983 publicó su primer libro de cuentos, Mitomanías, Premio Nacional de Cuento de Costa Rica. Posteriormente ha publicado varias colecciones de relatos y poemarios, y las novelas Mundicia (1992), El nudo (2004), En la oscurana (2012) y Figuras en el espejo (2001 y 2009), conjunto de novelas cortas del que Editorial Periférica extrajo Gina (2006) y se tradujo al francés Los Petroglifos. Es colaborador regular en la prensa de su país. En el campo audiovisual, su trabajo se orienta a la producción de documentales de carácter educativo e institucional, relacionados con temáticas como los derechos humanos, la juventud y el medio ambiente. Algunos de ellos han recibido reconocimientos en la Muestra de Cine y Video Costarricense y se han exhibidos en festivales internacionales. 153 PHILIP POTDEVIN SEGURA 154 Philip Potdevin se formó en Cali donde leyó por primera vez a Julio Cortázar, Carlos Fuentes, Gabriel García Márquez, Guillermo Cabrera Infante, Mario Vargas Llosa, Lezama Lima, Roa Bastos y José Donoso. Comienza a publicar notas sobre cine y literatura en el suplemento dominical de El País de Cali. En 1984 se gradúa como abogado de la Universidad de San Buenaventura en Cali. En 1989 se traslada a Cartagena de Indias, donde comienza su carrera literaria escribiendo poesía y cuento, género en el que se reconoce su maestría (Magister ludi de 1992 y Estragos de la lujuria de 1997). Es allí colaborador de El Universal. En 1992 regresa a Bogotá donde comienza a escribir su primera novela Metatrón, que termina en 1994, gracias a una Beca del Ministerio de Cultura, y con la que gana el Premio Nacional de Literatura. Entre 2003 y 2004 cursa una maestría en historia en la Universidad Javeriana de Bogotá y entre 2014 y 2015 una maestría en Filosofía Contemporánea en la Universidad de San Buenaventura. Entre 2000 y 2002 dirige la editorial Ediciones Opus Magnum. En 2001 lidera un café filosófico llamado El Rinoceronte Ilustrado. Este mismo nombre reaparecerá en el 2013 en un blog literario a su cargo. Su más reciente novela, En esta borrasca formidable (2014) ha despertado el interés de la crítica y de los lectores por su aproximación a relevantes hechos de la historia nacional, ocurridos entre 1914 y 1920. CARLOS ALBERTO CASTRILLÓN Poeta y ensayista. Profesor del programa de Español y Literatura de la Universidad del Quindío y de la Maestría en Literatura de la Universidad Tecnológica de Pereira. Ha publicado los siguientes libros de poesía: El rostro de los objetos (1990), Diccionario de humana anatomía (en coautoría con Juan Aurelio García, 1998), Compendio de virtudes y alabanza (2003), El libro de las abluciones (2010) y Noticias de Gaza (2014). Entre sus publicaciones recientes se destacan: Dionisio Aymará: El asombro y la agonía (2014), Palabras reincidentes (2014), Noel Estrada: Poesía completa (2014), Baudilio Montoya: Obra poética (2012),Burlemas e infortunios en la ironía de Les Luthiers (2011). CIRO ALFONSO PÉREZ (Pamplona 1950) Maestro de la Escuela Normal Superior de la misma ciudad, Licenciado en Ciencias de la Educación, especialidad Filosofía y Letras, de la Universidad Santo Tomás (Bogotá) y Posgrado en Pedagogía de la Lengua Escrita. Miembro de la Academia de Historia de Norte de Santander, cofundador de la Sociedad Bolivariana de Cúcuta, Presidente de la Asociación de Escritores de Norte de Santander. Algunos de sus trabajos poéticos y narrativos han sido publicados en periódicos y revistas nacionales, también en la prensa del vecino Estado Táchira (Venezuela). En 2003 publicó el poemario La necesidad del olvido. Es el gestor de los Concursos Cote Lamus y Gaitán Durán de Poesía y Cuento, respectivamente, y de los Encuentros de Escritores Colombo-Venezolanos. GUIDO TAMAYO Escritor con estudios de Comunicación y con una larga trayectoria en el ámbito del libro y la gestión cultural. Recibió beca de creación literaria del Ministerio de Cultura de 2007. Es autor de los libros: El retablo del reposo y otros cuentos (1991), Porque soy un poeta. Conversaciones con el poeta Mario Rivero (2000), 40 cuentistas ecuatorianos – Estudio crítico (2006), El inquilino, con la que obtuvo el Primer Premio de Novela Corta de la Pontificia Universidad Javeriana (2010), El biombo y otros relatos (2012) y Voces desde el centro de mundo (2013), un mapa del cuento ecuatoriano de la actualidad. Ha seleccionado y prologado antologías temáticas de cuento para varias editoriales. 155 BÁRBARA JACOBS Nació en la Ciudad de México en 1947, en el seno de una familia de inmigrantes libaneses. Es licenciada en psicología por la Universidad Nacional Autónoma de México. A partir de 1970 publicó cuentos y ensayos en revistas y suplementos literarios. Fue esposa del escritor Augusto Monterroso, fallecido en 2003. Entre sus cuentos se publicó: Doce cuentos en contra (1982) y Antología del cuento triste, con Augusto Monterroso (1992). Cuenta también con ensayos: Escrito en el tiempo (1985) y Juego limpio (1997), que incluye también apostillas. Entre sus novelas destaca Las hojas muertas (1987) que ganó el Premio Xavier Villaurrutia y ha sido traducida al inglés, al italiano y al portugués. Asimismo fue seleccionada para el Correo del libro mexicano de la Secretaría de Educación Pública, en edición de treinta mil ejemplares fuera de comercio, destinada a bibliotecas de las secundarias públicas del país. 156 ANA MARÍA MESA VILLEGAS Es Twittera y bloguera. Canta y ama a los amigos y a los perros casi con la misma intensidad. Esas dos cosas la determinan, tiene muy pocas certezas más. Cuando le piden que se defina procura no tomárselo muy en serio y para lograrlo es que usa la tercera persona del singular. Coordinadora del equipo descentralizado de la Radio Nacional de Colombia en Manizales. DIANA REY Comunicadora social de la Pontificia Universidad Javeriana y especialista en gerencia de proyectos culturales de la Universidad del Rosario. Desde la Cámara Colombiana del Libro, Dirigió la Feria Internacional del Libro de Bogotá durante los últimos seis años en los cuales la feria se posicionó como una de las más importantes de América latina y el evento editorial más significativo del país. Anteriormente trabajó con la Secretaría de Cultura como asesora de literatura, acompañando el proyecto Bogotá Capital Mundial del Libro en 2007 y en la coordinación editorial de “Libro al Viento”. CÉSAR VALENCIA SOLANILLA Doctor en Literatura de la Universidad de La Sorbona, París, Francia. Profesor Titular y Director de la Maestría en Literatura de la Universidad Tecnológica de Pereira. Ensayista, crítico, autor de los libros: La identidad cultural en Juan Rulfo (1993), La escala invertida. Ensayos sobre literatura y modernidad (1996). Ensayos suyos hacen parte de los libros: Germán Espinosa: señas del amanuense (2008), Lectores del Quijote (2005), Literatura y Cultura. Narrativa colombiana del siglo XX. Diseminación, cambios, desplazamientos, Volumen II, (2000), Pensamiento pedagógico latinoamericano. Ponencias e investigaciones 1998-2000, (2000), La novela colombiana ante la crítica, (1994), Manual de literatura colombiana, Tomo II, (1988). Ha publicado artículos y ensayos de literatura en revistas especializadas nacionales e internacionales. ÓSCAR PANTOJA Autor de los guiones de las novelas gráficas Gabo, memoria de una vida mágica, Juan Rulfo y Tumaco, fue Premio Nacional de Novela Alejo Carpentier 2001 con El hijo, Beca Nacional de Cinematografía en 1998 por el mediometraje El último cuento de Edgar Allan Poe, del que fue guionista y director. Beca en 2001 por el cortometraje Un mal sueño, del que también fue guionista de director. ALEJANDRO ARANGO Alejandro Arango Agudelo, licenciado en Filosofía de la U de Caldas, magíster en Literatura de la UTP, docente ocasional de literaturas, motivador a la lectura como coordinador académico del proyecto Palabra Kadabra de la U de Caldas. 157 ADRIANA DEL PILAR ARCILA RIVERA 158 Médica y cirujana de la Universidad de Caldas (1984), Especialista en Educación Sexual (1995) en la misma Universidad. Máster en Terapia sexual (2000) de la Fundación Sexpol -Madrid; Magister en Filosofía (2010) de la Universidad de Caldas. Directora de la Especialización en Sexología Clínica y Docente adscrita al Departamento de Salud Mental de la Universidad de Caldas. Magistrada del Tribunal de Ética Médica de Caldas. Miembro de Número de la Academia de Medicina de Caldas. Conferencista y ponente en diversos congresos nacionales e internacionales sobre Sexología Médica. Autora de diversos artículos científicos y de los libros “Educación para la salud sexual” y “Comportamiento sexual. Entre la biología, la moral y del derecho” publicados por el sello Editorial Universidad de Caldas. URIEL GIRALDO ÁLVAREZ (Salamina, Caldas, 1957). Ha escrito de poesía y cuento. entre sus publicaciones están: Al borde de la vía, 1988; Visiones, 1990; Carrera 13 Calle 13, 1991; Aquel amor ya nostalgia, 1993; Todavía la vida -cuentos, 1995. A sido ganador del Premio Popol Vuh en Manizales en 1975, los concursos de cuento de los Juegos Florales de Manizales en los años 1993 y 1994, de poesía en los mismos juegos en 1996, de la misma modalidad en el Concurso Casa de Poesía Fernando Mejía en 1997 y premio de novela en los Concursos Literarios Fondo Editorial de Caldas en el año 2000. En la actualidad hace parte del departamento de literatura y lingüística de la Universidad de Caldas. CRISTIAN VALENCIA Nació en Santa Marta, en 1963. Desde 1985 realiza actividades periodísticas. Escribió la página de cine en la desaparecida revista Mamola y publicó cuentos en el magazín dominical del Diario del Caribe. De 1999 a 2002 tuvo a su cargo la página de libros de la revista Cromos. En 2000 obtuvo primera mención en el concurso de crónica convocado en Latinoamérica por la revista Gatopardo, cuyos jurados fueron Jon Lee Anderson, Juan José Millás y Juan Villoro. En la actualidad trabaja como cronista independiente para distintos medios de comunicación. En 2007 salió publicada una selección de crónicas, Hay días en que amanezco muerto, bajo el sello Random House Mondadori. Su obra narrativa, también muy destacada, fue apoyada por una beca del Ministerio de Cultura e incluye las novelas El rastro de Irene (2001) y Bitácora del dragón (2003). PABLO ROLANDO ARANGO GIRALDO Magíster en Filosofía de la Universidad de Caldas. Su principal interés dentro de la filosofía ha sido la ética y la moral, y en especial la aplicación de estas a la vida práctica. Actualmente es profesor de la Universidad de Caldas. Ha publicado tres libros: Ética y significado: una defensa del objetivismo moral; Introducción a la filosofía moral (teórica y aplicada); y De la belleza y otros caprichos de conservador. En el 2010 fue el ganador del premio Nacional de Periodismo Simón Bolívar en la categoría Educación. Ha publicado artículos de filosofía en revistas especializadas y traducciones para diferentes medios. 159 CARLOS AUGUSTO JARAMILLO 160 Es profesional en Filosofía y Letras de la U. de Caldas, con especialización en Gerencia Estratégica de Proyectos de la Universidad Nacional de Colombia, sede Manizales. También ha sido gestor y coordinador cultural en diferentes instituciones de Caldas, ha hecho el acompañamiento editorial para diferentes medios impresos y producción de contenidos periodísticos de tipo cultural. También se ha desempeñado como Director Editorial de la U. de Caldas, editor del periódico Lúmina Spargo y coordinador de casas de la Cultura de Manizales, entre otros. En la actualidad es el Gerente de la Agencia Cultural del Banco de la República en Manizales. EDD MUÑOZ Una de las jóvenes firmas del cómic nacional. Ha ido posicionándose poco a poco como uno gracias a sus fanzines y cómics en internet. Co-fundador del fanzine Dr. Fausto, ha sido clave en la circulación de publicaciones independientes en Manizales, su ciudad de origen. Hace poco fue premiado con la Beca de circulación nacional del Festival Entreviñetas 2014. NICOLÁS DUQUE BUITRAGO Profesional en Filosofía y Letras y magister en filosofía de la Universidad de Caldas. fue joven investigador de Colciencias durante dos periodos y se ha desempeñado como profesor de la Universidad Autónoma de Manizales y de la Universidad de Caldas. Actualmente es editor de la Universidad Autónoma de Manizales. Coautor del libro Obra en blanco: notas en torno a la filosofía de julio enrique blanco. Sus investigaciones se refieren específicamente al campo de la historia de la filosofía, filosofía de la cultura y la edición en literatura y filosofía. CANALÓN DE TIMBIQUÍ Esta agrupación nace en 1974 dentro de las paredes del centro docente Julio Arboleda de Timbiquí, despertando la inquietud folclórica de los estudiantes. Este grupo hace homenaje a las riquezas de su tierra y al trabajo de hombres y mujeres aguerridos que se juegan la vida en las minas buscando oro en Timbiquí. Este grupo es un fiel representante de la música del pacífico sur colombiano. Sus integrantes, todos oriundos de Timbiquí, Cauca decidieron agruparse en el 2002 y dar a conocer su exótico talento. El grupo le hace honor a sus ríos, a su oro, a sus pescadores, a sus mujeres y a través de arrullos, bundes, currulaos y muchos otros ritmos tradicionales dan a conocer la cotidianidad de su pueblo. La dulzura exuberante y el encanto de cinco voces femeninas, los cálidos tonos de la marimba, el repicar de los cununos, bombos y guasás rodean la voz de Nidia Góngora. Canalón de Timbiquí representa la riqueza musical que nace de la mezcla de tradiciones Africanas y Latinoamericanas, únicas en la costa pacífica Colombiana. 161 ALIADOS DE LA FERIA DEL LIBRO FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO DE MANIZALES 162 Creado en 1968 el Festival Internacional de Teatro de Manizales es el evento escénico más antiguo del continente. El Festival ha reunido a los más destacados grupos de teatro universitario de América Latina y a los más connotados intelectuales que marcaron la historia del evento: Pablo Neruda, Miguel Ángel Asturias, Ernesto Sabato, Alfonso Sastre, Mario Vargas Llosa, Jerzy Grotowsky, Jack Lang, entre otros destacados escritores y dramaturgos. A través de la dirección artística del evento, se hace una selección de espectáculos nacionales e internacionales presenciados en distintos lugares del mundo, para conformar la parrilla de programación en los escenarios de sala y espacios abiertos de la ciudad. www.festivaldemanizales.com REVISTA LARVA Y FESTIVAL ENTREVIÑETAS La Revista Larva es una publicación colombiana que tiene como eje central el cómic, un proyecto que se ha hecho a un espacio en el escenario cultural colombiano. Apareció en 2006 en la Universidad del Quindío como un proyecto no académico de estudiantes y ahora lidera el Festival Entreviñetas, el evento latinoamericano de mayor prestigio en la escena del cómic global. Cuenta con una programación en 5 ciudades del país. En el 2015 la Revista nos acompañará en Manizales en el marco de la 6ta Feria del Libro en donde veremos conversatorios, talleres, sesiones de dibujo en vivo y exposiciones. www.revistalarva.com www.entrevinetas.com BANCO DE LA REPÚBLICA Poco después de su creación en 1923, el Banco de la República asumió el rescate, preservación, análisis, estudio y difusión de múltiples piezas precolombinas, piezas numismáticas, libros y documentos, que conforman buena parte del patrimonio cultural de la Nación. Con el fin de fortalecer la identidad cultural del pueblo colombiano, se dio origen al Museo del Oro y a la Biblioteca Luis Ángel Arango. Los buenos resultados obtenidos en más de 80 años de trabajo, han permitido que estas actividades culturales se mantengan hasta hoy, bajo la dirección institucional de la Subgerencia Cultural del Banco de la República. www.banrepcultural.org FIESTA DEL LIBRO Y LA CULTURA DE MEDELLÍN Como momento estelar de los Eventos del libro está la Fiesta del Libro y la Cultura, certamen que se posiciona como el cuarto feriado del libro en Latinoamérica. A través de diversas actividades lúdicas, pedagógicas y creativas promueve la lectura y escritura en diferentes grupos poblacionales, además de exhibir una amplia oferta comercial y actividades académicas con reconocidos invitados nacionales e internacionales. www.fiestadellibroylacultura.com ALIANZA POR LA LECTURA La Alianza por la Lectura es una iniciativa coordinada por cuatro instituciones de Manizales: el Banco de la República, el Instituto de Cultura y turismo, Corporación cívica de Caldas, Confa y Universidad de Caldas. La Alianza tiene como misión incentivar el placer de leer y promover hábitos de lectura que aporten al desarrollo cultural y social con un radio de acción que aborde escuelas, bibliotecas, espacios públicos etc.; tanto en áreas urbanas como rurales, orientado a todos los grupos poblacionales. En la 6ta Feria del libro de Manizales será la encargada de realizar las actividades infantiles y juveniles. 163 PROGRAMACIÓN TALLERES CERTIFICADOS TALLER DE CRÓNICA: Discutir sobre las posibilidades de una escritura de hechos que se enfoque hacia la construcción de memoria. Se busca que los talleristas puedan acercarse a las propuestas éticas y a las inquietudes estéticas que se encuentran al momento de construir relatos. TALLER JÓVENES ESCRITORES: 164 Brindar herramientas teóricas y prácticas que fortalezcan la labor individual en el ejercicio de la creación literaria. El taller hace énfasis en la creación de textos breves, cuya dinámica será desarrollada en tres momentos: TALLER ILUSTRACIÓN DIGITAL: Combinar y experimentar con diversas técnicas de ilustración análoga y digital para desarrollar varias piezas gráficas que cumplan con criterios de forma, composición, color y estética visual. Los asistentes experimentarán con variadas formas de producción de imagen y técnicas de ilustración análogas y digitales, se incentivará la discusión y la toma de decisiones creativas que afectarán el producto final y se seguirá un proceso que iniciará desde la búsqueda de referentes visuales, pasando por los bocetos hasta el arte final de las piezas gráficas resultantes. TALLER ESCRITURA CIENTÍFICA: El artículo científico es la forma más efectiva para visibilizar no solo los resultados de una investigación, sino la tendencia investigativa de un grupo o una universidad. EL PUBLICADERO Feria nacional de auto publicación y fanzine. Conversatorios, dibujo en vivo, cómic, ilustración y muchos fanzines. Contaremos con: La Ramona Proyectos: Espacio Auto gestionado para la publicación, exposición y creación de las prácticas artísticas contemporáneas donde las nociones de colaboración y reflexión crítica sobre la cotidianidad configuran el cuerpo de la investigación. Dr. Fausto Publicaciones: Es un proyecto editorial auto gestionado editado por Edd Muñoz y que se dedica a la publicación de fanzines de cómic colaborativos. Desde finales del 2011 viene produciendo publicaciones breves basadas en la utilización eficaz de los recursos disponibles, experimentando con varios formatos, papeles y formas de reproducción de imagen. La huerta ediciones: Libros, libretas, fanzines, revistas, libros de artista, ediciones únicas, limitadas, independientes. Todo el paisaje de la publicación. Malacalaña: 2011, Medellín. Publicación independiente y auto gestionada que empezó como un juego (y se mantiene exactamente igual) con vocación hacia la ilustración y presuntas influencias literarias. Lleva 8 números y espera seguir editándose. Por ella han pasado ilustradores, graffiteros, escritores, cuentistas sociales y poetas. Invitados: Daniela Prado Reptil Edd Muñoz Maca Duque M. A. Noreña Santiago Rodas Santiago Pérez 165 STAND TRUEQUE DEL LIBRO Esta actividad está pensada para todos aquellos que tengan libros que ya no utilicen o que simplemente quieran cambiarlos por otros que sean de su interés, y así permitir que el flujo de lectura entre estudiantes y profesores sea mayor. La invitación es para los interesados en el intercambio y al regateo. 166 EXPOSICIÓN DISCURSOS ALTERNOS: EL FANZINE DE LOS 80s, 90s Y COMIENZO DEL NUEVO MILENIO EN COLOMBIA. Andrés Frix. ANDRÉS FRIX Su interés por la pintura, el “collage” y los impresos, le lleva a producir instalaciones, en las que cuestiona las nociones de orden, racionalidad y la idea de unidad. Su estrategia consiste en crear obras perturbadoras que en ocasiones se presentan como obras superficiales, pero que esconden serias preguntas acerca de la responsabilidad moral del artista con relación a los valores y creencias del mundo occidental. Se sirve para ello de montajes paródicos de imágenes cotidianas, en los que muchas veces incluye su propia imagen, construcciones que plantean numerosas referencias que reflejan su propio “yo”, contribuyendo esto al cinismo de su trabajo; cinismo latente en sus “frixografias” (grafías elaboradas por frixo) OFERTA EDITORIAL 50 expositores entre librerías nacionales, locales, editoriales universitarias, independientes e internacionales se dan cita en la ciudad para traer los mejores títulos y novedades literarias. EQUIPO FERIA DEL LIBRO FELIPE CÉSAR LONDOÑO Rector Universidad de Caldas ANDRÉS FELIPE BETANCOURTH Vicerrector de Proyección Universitaria OCTAVIO ESCOBAR Asesor Académico LUIS MIGUEL GALLEGO S. Editor CAROLINA GUACANEME Productora General 167 JORGE IVÁN ESCOBAR Asistente Editorial ELIANA OSORIO Jefe de Prensa JUANITA MARTÍNEZ IDÁRRAGA Coordinadora de Prensa DANIELA OSORIO Community manager ARTURO GARCÍA Fotógrafo ÁNGELA PAULINA CRUZ Asistente Administrativa LUIS OSORIO Diseñador EQUIPO FESTIVAL DE TEATRO DE MANIZALES 168 Junta Directiva Elvira Escobar de Restrepo Luz Maria Calderon Uribe Jorge Alberto Gutierrez Jaramillo Felipe Cesar Londoño López Matilde Cuartas Villegas Luz Adriana Trujillo Galvez Ana María Mesa Villegas Pedro José Delgado Gutierrez Clara Lucia López de Estrada Carlos Adolfo Escobar Holguin Octavio Escobar Giraldo Sandra Vandenenden Amador Octavio Arbelaez Tobón Natalia Marulanda Mejia Catalina Rey López Director General Octavio Arbeláez Tobón Directora Ejecutiva Pamela Jaramillo Lombana Producción General Julian Arbeláez Tobón Coordinador de Producción Sergio Arenas Guzmán Coordinadora Montajes y Escenografia Paula Leguizamón Londoño Prensa Verónica Osorio Cardenas Asistente de Prensa Jenny Zuluaga Ospina Coordinador Técnico Jose Norberto Henao Caido Coordinador de Calle Bredy Yeins Gallego Giraldo Coordinadora Comercial y de Publicidad Marcela Jaramillo Escobar Editor de contenidos/Director Periódico TEXTOS Wilson Escobar Ramírez Diseño Visual Maria del Rosario Vallejo G. Humberto Jurado G. Coord. de Hospedaje y Alimentación Martha Cecilia Giraldo Asistente Hospedaje Laura Victoria Blanco Asistente Alimentación Juan David Chica Coordinación Transporte Rafael Valencia Montoya Coordinación Utilería Luis Ariel Pineda Uribe Coordinación Bodega Damián Carmona Bermúdez Coordinación Eventos Especiales Angélica Castillo Mejía Promoción y Difusión Eventos Especiales Andrés Giraldo Ramírez Coordinación de Guías Angela Maria Yauri Aristizábal Asistente de Guías Natalia Rios Ocampo EQUIPO DE GESTIÓN CIRCULART EJE ESCENA Dirección Ejecutiva Beatriz Quintero Asistencia administrativa Beatriz García Coordinación General Milena García Coordinación Programadores Angélica Castillo Andrés González Coordinación Artistas Camila Zuluaga Coordinación Logística Olga Vásquez Diseño Visual Maria del Rosario Vallejo Humberto Jurado Plataforma Virtual César Valencia EQUIPO DE GESTIÓN PALABRAS EN ESCENA Coordinación Angélica Castillo Mejía Promoción y Difusión Andrés Giraldo Hospedaje y Alimentación Laura María Ospina García Acreditación Ana María Bedoya Espacios Maria Fernanda Valencia Transporte Clara López Transporte Juliana Arias Chica 169 TEATRO LOS FUNDADORES Jefe Técnico de Sala Alexander Tobón Garcia Operario de Luces Leonardo Soto Marín Mauricio Soto Osorio Rodrigo Rojas Delgado Julián Mauricio Herrera David Sánchez Gaviria Tramoyista Luis Gabriel Bedoya Rios Rodolfo René Jerónimo Arango Servicios generales Luz Idalba Gómez Tobón Mónica Ospina Alvarán UNIVERSIDAD NACIONAL 170 GALPÓN Jefe de sala Pablo Andrés González Tramoyista Santiago Arias Gonzáles Antonio Lopez Vallejo Servicios generales Marlin Marín Marín 8 DE JUNIO Jefe de sala Germán Camilo Diaz Fajardo Tramoyista Carlos Eduardo Giraldo Gómez Andrés Sánchez Calle Edwin Narváez Mejía Servicios generales Luz Adriana Gaviria Zuluaga Jefe de Sala Edgar Fernando Barona Tramoyista Richard Alonso Hernández Calvo Leandro Romero Meneses Servicios generales Daniela Cruz Henao ÉRASE UNA VEZ AUDITORIO CONFA OFICINA Jefe de sala Juliana Pineda Cardenas Jefe Técnico de Sala Ian Huertas Camargo Operario de Luces Jose Nicolás Osorio Álvaro Andrés Castro López Cristian David Huertas Servicios generales Francisco Javier Londoño Jefe de sala Diana María Buriticá Pineda Tramoyista Jairo Alonso Hernández Araque Servicios generales Leidy Bibiana Gonzáles Arboleda Secretaria Beatriz Herrera Salgado Contratación Isabel Gaviria Salazar Revisora Fiscal Gloria Inés Ospina Isaza Contadora Liliana Patricia Salazar Arenas Auxiliar Contable Alba Rocío Figueroa Publicidad Marcela Jaramillo Escobar Abonos Silvana Rudas Bolívar Servicios Generales Claudia María Arango Soto CALLE Asistentes Calle Manuela Giraldo Valencia Elizabeth Castillo Ivonne Cecilia Garavito Trejos Sharon Rakel Naranjo Gonzáles Luisa Mariela Velásquez Estefanía Giraldo Ramírez Jully Andrea Castillo Cadavid Natalia Rivera Alvarado Laura Marcela Menjura Acevedo Jonny Fernando Carvajal Torres Victor Alfonso Coronado Marín Iban de Jesús Alarcón Marín Daniel Eduardo Alzate Palma Oscar Eduardo Duque Echeverri Juan Camilo Gómez Palacio Jorge Hernán Moreno Culma Fernando Alberto Pérez Murcia Luis Felipe Agudelo Quintero Julian Andrés Sabogal Vanegas Fernanda Alzate Electricistas Henry Giraldo Valencia Alfonso Higuita Arias Asistentes de Utileria Katterine Rocio Upegui Carlos Eduardo Mejía Juan de la Cruz Ospina Ana María Valencia Juan Camilo Ramírez Asistentes de Bodega Sebastián Quintero Rivera Edison David Osorio Castro Ricardo Rodríguez Moreno Jeison Efraín Díaz Cardona Luis Alfonso Serna Bedoya Hernando Montes Ramírez Jeison Alexander Márquez V. José Fernando Hurtado G. Jhon David Parra Osorio Christian Maroto Aguilera Escenógrafos Diego Fernando Sánchez M. Federico Cárdenas Uribe Jorge Eduardo Cárdenas Carpinteros Giovanny Torres Muñoz D´Angelo Echeverry Acosta 171