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ESCUELA DE BELLAS ARTES “ATILIO TERRAGNI”· U.N.T
Cátedra. ARTE CONTEMPORÁNEO
Prof. NORMA A. JUÁREZ. 2014
ARTE POP (1947 a 1970) CENTROS: Dos centros:
I-EUROPA: INGLATERRA
-1º GENERACIÓN: 1947-1958.
INDEPENDENT GROUP
Lo conforman alumnos del Royal Collage of Art de Londres
-2º GENERACIÓN: 1959-1962
NUEVA GENERACIÓN
La conforma la nueva generación de estudiantes del Royal Collage of Art de Londres
II-NORTEAMÉRICA (1960-1970)
TÉRMINO: El término POP apareció por primera vez impreso en un artículo del
crítico ingles Lawrence Alloway en 1958. Concepto acuñado por él entre el ’54 y el
’57. Hace referencia al “fenómeno de una subcultura popular autónoma”, a la que
pertenecen especialmente los anuncios y las ilustraciones de ciencia ficción (cine)
de las revistas La historieta, la publicidad y los objetos de producción masiva
desempeñaron un papel importante en este movimiento que fue calificado, por
RICHARD HAMILTON, de “popular, pasajero, prescindible, barato, producido en
masa, joven, ingenioso, sexy, artificioso, atractivo y muy rentable”.
REACCIÓN CONTRA: Este movimiento se autoproclama como una reacción contra
el Expresionismo Abstracto (Abstracción Lírica)
Por ello recupera la referencia a los objetos cotidianos con técnicas , materiales y
herramientas: -Del cine -de la publicidad televisada -de los medios de comunicación
(diarios y revistas). Además de incorporar los objetos manufacturados y texturas
extrapictoricas a la obra (influencia Dada)
OBJETIVOS: -Reflejar la vida urbana, - Convertir el arte en la vida misma, es por
esto que este arte está lleno de las cosas “súper-reales” que bombardean nuestra vida a
diario., -Abandonar lo intuitivo de la Abstracción Lírica para llevar el fenómeno del
ilusionismo a una relación consciente, dirigible hacia una realidad objetiva mediante
una imagen figurativa.
ANTECEDENTES: 1-ARTE DADA
Marcel Duchamp con sus Ready Made (que presentan -no representa- objetos
cotidianos para manipular su aversión a las obras de arte tradicionales) aportándole
ironía al POP.
2-TRADICIÓN REALISTA
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Con la obra de artistas como la del americano Edgar Hopper (de los años ’30) donde el
objetivo era la transposición lo más exacta posible de las impresiones personales de
la naturaleza (o modelo) al cuadro artístico (o sea a la representación)
3-NEO-DADA NORTEAMERICANO
A través de la integración en la obra
*del collage, *las técnicas de assemblage, *el combine-painting
*ASSEMBLAGE:
Expansión
del
lienzo
plano
(Bidimensión)
hacia
la
Tridimensionalidad formando cuadros sobre el principio del montaje espacial. Con
materiales diversos. El “Assemblage” se desarrolla a partir del combine- painting
(Karin Thomas).
*COLLAGE: Montaje de materiales sobre una superficie o como objeto espacial
(tridimensional) (MERZ y MERZBAU de KARL SCHWITTERS respectivamente)
desarrollado a partir de los “papiers collés” de los dadaístas.
*COMBINE-PAINTING: Introducción de objetos pintados sobre el lienzo (o sea
sobre superficie bidimensional)
Este procedimiento de COLLAGE ha sido muy practicado por RAUSCHEMBERG
TEMA: Una libertad excesiva para elegir los temas., Básicamente objetos y escenas
cotidianas, Estas propuestas se presentan llenas de cosas súper-reales que bombardean
nuestra vida a diario como alusión crítico-consciente al “consumo”.
INNOVACIÓN DEL MOVIMIENTO
*EL LIENZO CON FORMA: La preocupación por el tema era tal que se prescindía
totalmente del fondo porque resultaba superfluo. La forma del tema, por Ej. Una
bandera triangular, es la forma de toda la pintura, no hay fondo o sea que los bordes
comienzan a ser irregulares
*ELIMINAR LA PROFUNDIDAD:
*ROMPER COMPLETAMENTE CON LA IDEA RENACENTISTA DE LA
PERSPECTIVA. Pero en algunas obras, los contrastes de color y sus temperaturas
crean profundidad
MORFOLOGIA:*PROPUESTAS FIGURATIVAS: Porque les interesaba lograr el
mayor parecido posible con el modelo de base.
*PROPUESTAS FRIAS Porque no les interesaba expresar sino representar y presentar
el tema.
*LOS ELEMENTOS PLÁSTICOS:
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-COLOR MODULADO: Color + color, muy intensos.
-DELIMITACIÓN DE LAS FIGURAS: POR CONTRASTE, POR PRECENCIA
DE LA LÍNEA DE CONTORNO
-COLOR MODULADO TRAMADO: Como en las obras de ROY LICHTENSTEIN,
para dar más objetividad a la obra.
TÉCNICAS: La tosquedad de los motivos se subraya, a menudo, con técnicas
fotográficas en la pintura y sobre la pintura. Este proceso se realiza con gran
minuciosidad. El acople de procesos técnicos fotográficos y pictóricos le aporta un gran
verismo a lo representado. Los materiales fruto de la tecnología moderna como el
poliéster, la goma espuma o la pintura acrílica, ocuparon un lugar destacado.
*COLLAGE: Adosando texturas y objetos al soporte convirtiendo a la obra en “un
espejo de un momento concreto de la vida cotidiana” como en las obras de TOM
WESSELMANN.
*COMBINE-PAINTING: Sobre una superficie de grandes dimensiones, que durante
el proceso de la composición, se adosan objetos, ampliando cada vez más la dimensión
de la obra.
*ASSEMBLAGE: Expansión del lienzo plano a la Tridimensión formando cuadros a
partir del principio de “montaje espacial” permitiendo que el material hable su propio
lenguaje como concreción autobiográfica del objeto. Esto se da, entre otros artistas, en
las obras de CLAES OLDEMBURG.
*OLEO,*ACRILICO,*PINTURA INDUSTRIAL
en soportes diversos como:
TELAS, MADERAS, PLÁSTICO, ETC.
*GRABADO: SERIGRAFIA: Lo que permite la reproducción múltiple de la imagen
(por el carácter multiejemplar del grabado). Uno de los artistas que más destaca en
el uso de esta técnica es ANDY WARHOL: usaba la imagen de un objeto o un retrato
(como las latas de sopa campbel o la imagen de Marilyn Monroe) y las multiplicaba en
hileras y con pequeñas diferencias de impresión. El ojo debe seguir las líneas de
repetición y capar las sutiles distorsiones
*COLLAGE, *FOTOCOLLAGE y
*MONTAGE técnicas que fueron muy
utilizadas por el POP ART
I-EUROPA: INGLATERRA
INICIOS:
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La propuesta de ARTE POP surge del interés de los artistas por la cultura popular. El
INDEPENDENT GROUP crea arte a partir de la producción llamada “cultura de
masa”.
Este grupo de Londres desarrolla su propuesta a principios de los ’50.
Este es un grupo que se reúne de modo informal en el Institute of Copntemporary
Arts (ICA).
*INTEGRANTES:
RICHARD HAMILTON, EDUARDO PAOLOZZI, PETER SMITHSON
*TEMA DE INTERÉS Y DEBATE:
La creciente cultura de masas del: -Cine, , -Los medios de comunicación, Publicidad, -Ciencia ficción, -El consumismo, -El diseño de productos, -Las nuevas
tecnologías aparecidas en Estados Unidos y que por ese momento se extendía a
todo Occidente.
Ellos estaban fascinados por: La publicidad, las artes gráficas y el diseño de
productos.
*OBJETIVO: Hacer un arte que tuviera la misma aceptación que la publicidad y
los productos de consumo masivo.
*GENERACIONES:
1º GENERACIÓN (1947-1958)
a)-1947 PAOLOZZI:
Interesado por las estrategias Dadaístas y Surrealistas realiza COLLAGES que se
consideran PROTOPOP. En ellos el azar y lo fortuito eran elementos fundamentales.
b)-TRES ARTISTAS
Que estudiaban en el ROYAL COLLEGE OF ART DE LONDRES donde PAOLOZZI
y HAMILTON enseñaban.
Estos artistas: PETER BLAKE, JOE TILSON, RICHARD SMITH
Crearon las primeras obras del ARTE POP.
*1º OBRA POP:
DE RICHARD HAMILTON (Londres. 1922):
Obra: “¿Y QUE ES LO QUE HACE A LOS HOGARES DE HOY EN DÍA TAN
DIFERENTES, TAN ATRACTIVOS?”. 1956.
Técnica: COLLAGE SOBRE PAPEL. Medidas: 26x25 cm.
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Este COLLAGE de un interior estilizado de la década de 1950 es un hito en el arte
posterior a la segunda guerra mundial. El artista ha combinado fotografías y recortes de
revistas para crear un paraíso consumista, aunque impregnado de un
ingenioso
sarcasmo. La palabra POP que aparece en el descomunal dulce es crucial, pues se trata
probablemente de la primera referencia visual a la palabra que dio nombre al
movimiento. La iconografía utilizada por HAMILTON se inscribe plenamente en el
POP ART, que utilizaba símbolos de los medios de comunicación, la cultura popular y
la publicidad del momento.
HAMILTON desempeño un papel decisivo en el desarrollo de la corriente británica del
POP ART. Esta obra se creó para una exposición en grupo denominada:
“ESTO ES EL MAÑANA”, organizada por el INDEPENDENT GROUP en 1956 en
la Galería de Arte “WHITECHAPEL” de LONDRES.
Actualmente, este artista, utiliza tecnología informática para crear obras innovadoras
OTRAS OBRAS EXPUESTAS:
Ellas presentaban, entre otras cosas, una tira de cómic y una lata de jamón que ocupaban
el lugar de un cuadro y de una escultura respectivamente.
*PROPUESTA: En general las obras de la 1º GENERACIÓN DEL POP INGLES
son claramente FIGURATIVAS
*TEMA:-Fenómeno de la propaganda industrial, -Fenómenos de la tecnología, Fenómenos de la ciencia ficción
2º GENERACIÓN (1959-1962)
Se conforma por una Nueva Generación de estudiantes del ROYAL COLLEGE OF
ART DE LONDRES.
ARTISTAS: -R. B. KITAJ (de origen EE.UU.), -DAVID HOCKNEY, -ALLEN
JONES, -JIM DINE
PROPUESTAS: También incorporaron motives de la cultura popular en sus
COLLAGES y ENSAMBLAGES.*LAS OBRAS SE INSPIRABAN EN LA
IMAGINERIA URBANA: graffitis y la publicidad CON REMINISCENCIAS
DEL:-ART BRUT de JEAN DUBUFFET (como en las obras de DAVID HOCKNEY)
-REVISTAS DE MODA O PORNOGRÁFICAS: a través de imágenes brillantes
(como en los cuadros y las esculturas de ALLEN JONES)
*EXPOSICIONES
ANUALES:
“JOVENES
CONTEMPORÁNEOS”
permitiéndoles alcanzar gran notoriedad pública.
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*PROPUESTAS: Introdujeron con frecuencia elementos abstractos en las obras
con el objetivo de utilizar como tema:
-elementos de consumo de estilo estadounidense y
-las técnicas asociadas con los pintores abstractos.
I-EL POP EUROPEO:
*Transforma todas las creaciones -anti-intelectuales y -psicológico-publicitarias
de la cultura popular en reflexiones a través del collage.
*Este arte revela el significado psicológico de la necesidad general de consumo como
autoafirmación psíquico-corporal en el marco de un vaciamiento espiritual.
*El arte se convierte en exhibición crítico consciente del comportamiento estereotipado
del individuo pero sin adoptar un rol o papel redentor.
Con este arte se intenta desmitificar el mundo del consumo industrial.
II-EL POP ART NORTEAMERICANO:
NUEVA YORK (1960-1970)
ARTISTAS: CLAES OLDEMBURG, ROY LICHTENSTEIN, ANDY WARHOL
TOM WESSELMANN, JAMES ROSENQUIST. OTROS: MEL RAMOS,
EDWARD RUSCHA, ROBERT INDIANA.
CARACTERÍSTICAS: -COLORES MODULADOS, -COLORES PROPIOS DE LA
PUBLICIDAD
MODERNA,
-OBJETOS
COMERCIALES
COMO
MEDIOS
CONSTITUTIVOS DE LA PINTURA, LE INTERESA REALIZAR LA OBRA A
PARTIR DE ESOS OBJETOS DE CONSUMO
ESTILO: FRIO Y PROPAGANDÍSTICO.
LOS ARTISTAS PROVENIAN DE DISTINTOS MOVIMIENTOS: -Neodadaísmo
(Europa: Jones y Rauschemberg), -Funk, Beat,, Arte de la Performance.
EXPOSICIONES: 1º en 1962. Galería: SIDNEY (NUEVA YORK)
En ella se vio por primera vez las serigrafías de Marilyn Monroe de Warhol, los óleos
de tiras de cómic de Lichtenstein, las enormes hamburguesas y cucuruchos de helado de
vinilo de Oldemburg y los desnudos de Wesselmann ubicados en escenas domésticas
que incorporaban objetos cotidianos como cortinas de baño, teléfonos, armarios, etc.
Estas propuestas suman a la representación la presentación de objetos.
De esta muestra participaron artistas:
Británicos, italianos, franceses, suecos y estadounidenses.
Esta muestra fue decisiva para el desarrollo y reconocimiento de este arte.
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Las producciones expuestas se agruparon por temas:
-Objetos cotidianos
-Medios de comunicación de masa
-Repetición o acumulación de objetos producidos en masa.
LA CRÍTICA: Hubo reacciones a favor y en contra
-En contra.: de aceptar la “cultura baja” y las técnicas de publicidad. Los críticos lo
declararon “no arte” o “ansiarte”.
-A favor: lo consideraron como un nuevo tipo de producción artística.
NOMBRE: En esta fase (periodo de la 1º muestra 1962), estas obras seguían recibiendo
distintos nombres: Nuevo Realismo, Neodadaísmo, Pintura de los objetos comunes.
Pero los críticos se sentían incómodos con el término Realista (por las connotaciones
políticas y morales del término) es por esto que vuelven al término británico POP ART.
CIUDADES: *NUEVA YORK y *LOS ANGELES. Fuerte apoyo de los críticos.
Consumo del público coleccionista
OBJETOS POP: -Tiras de cómic, -Productos de consumo, -Símbolos famosos, Publicidad o pornografía
TEMAS POP: -La elevación del arte “inferior” (o popular), -La herencia cultural
estadounidense, -Los suburbios y los mitos, -Las realidades del “sueño americano”
DIFUSIÓN: Este arte se difundió rápidamente por todas las ciudades de Estados
Unidos y Europa. Se realizan muchísimas muestras en Galerías y Museos.
EL TÉRMINO: 1965. El término se amplía para incluir todos los aspectos de la
cultura popular urbana. De esto surge una doble significación del término POP:
1-Limitado a las Bellas Artes
2-General: Definición cultural más amplia que englobaba: la música, la novela, la
cultura toda.
LA IMAGEN DEL ARTISTA: El artista es un personaje ligado al glamour y a la
fama propia de los artistas del cine. El artista “entra en escena”; forma parte de la vida
pública (ya no es un sujeto aislado, de perfil bajo), el es en sí mismo parte de la obra.
El artista y su comportamiento es parte de la propuesta artística. Ej.: ANDY WARHOL
artista que actuaba como un fenómeno en si mismo
EL FIN: La atención del mundo del arte se dirigió hacia otros movimientos como: OP
ART, ARTE CONCEPTUAL y el HIPERREALISMO.
Hacia la década del ’80 se renovó el interés hacia esta propuesta a través del NEO-POP
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ARTISTAS:
CLAES OLDEMBURG (Estocolmo 1929)
Obra: “HAMBURGUESA GIGANTE” 1962.
Materiales: Lona estampada, rellena de goma espuma. Medidas: 132x213 cm.
Esta imagen agigantada, absurda y kitsch de un icono del siglo XX provoca una
sensación de incredulidad. Al reproducir fuera de contexto uno de los símbolos más
poderosos de la cultura norteamericana, el artista ha acentuado su fuerza e impacto. Esta
obra se burla de todas las ideas preconcebidas sobre la escultura, no sólo por su tema,
sino también por ser blanda, en lugar de rígida y dura. Como a otros artistas POP
norteamericanos, a OLDEMBURG le interesaba hacer arte a partir de materiales y
productos comerciales. Deseaba que su arte reflejara la vida cotidiana contemporánea en
toda su complejidad y con todos sus cambios.
Esta obra se inspira en el auge del imperio estadounidense del fase-food (“comida
rápida”), que en los años ’60 crecía a velocidad increíble. En 1964, OLDEMBURG
abrió una tienda en la que vendía reproducciones en escayola (yeso cristalizado
calcinado / estuco) de alimentos y otros artículos.
Organiza los primeros Happening* multimediales de Nueva York.
Permite, por influencia surrealista y dadaísta, que el material hable su propio lenguaje
“como una concreción autobiografica del objeto”
*Happening: suceso accional improvisado a modo de “collage” de acontecimientos.
TEMAS: Alimentos típicos de la cocina norteamericana: Hamburguesas gigantescas,
trozos de tartas, salchichas. Electrodomésticos: lavabos, máquinas de escribir.
TECNICA: Realismo: Fielmente descriptas respetando colores y detalles
OBJETIVO: Acercar, a través de la obra, a los objetos de consumo masivo.
Con la alteración de las propiedades cualitativas, por ejemplo tamaño, los artistas
proponen ‘nuevas posibilidades creativas en la representación figurativa` tanto del
espacio como de los objetos.
EFECTO: Los objetos aparecen desnaturalizados ante el observador, revelándole cómo
el valor de los artículos de los negocios está fijado en su mente por las imágenes de
consumo.
OBSERVADOR-OBRA: El observador puede tocar la obra (a través del sentido del
tacto) logrando acercar el arte a la vida
ROY LICHTENSTEIN
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TEMA
Imagineria popular. Paisajes y los cómic strips hiperdimensionales (grandes
dimensiones 170x200 cm. +o-)
PALETA: Generalmente se remite a los colores primarios.
TÉCNICA: Modulación y modelación tramada. Al color de base, aplicado a modo de
pleno,
le superpone ‘tramas`
de puntos, líneas, etc. Logrando la modulación
y
modelación.
EFECTO: Imagen objetiva. Lo representado se emancipa, no transmite emoción
alguna. Los personajes se representan a través de gestualismos triviales, vacíos y
desindividualizados.
OBJETIVO: Producir efectos de estereotipos programados
cuyos elementos de
figuración se vuelven perfectamente sustituibles.
El reflexiona la fría y total desvinculación de la sociedad con la publicidad y la
literatura trivial a través de sus cómics gigantes.
Obra: “EN EL COCHE” 1963. Magna sobre lienzo. Medidas: 172x203, 5 cm.
Las viñetas ampliadas de LICHTENSTEIN producen un gran
impacto con sus
llamativos colores primarios y su estilo directo. Reproduce con fidelidad el dibujo o
boceto original, pero a un tamaño sobredimensionado. En cuanto a la técnica: imita la
técnica de impresión con tramas de puntos que se emplea en los tebeos baratos y en los
periódicos (serigrafía).
LICHTENSTEIN utiliza imágenes de historietas, y materiales y productos del entorno
industrial, sacando las imágenes de su contexto con la intención de parodiarlas. Al
magnificar y simplificar estas imágenes, no pretendía hacer un comentario social
sobre su contenido, sino hacer al público más consciente de la estética
norteamericana de los años ’60.
Este autor fue uno de los principales exponentes del POP ART NORTEAMERICANO
que utilizó como ‘ formas artísticas` artefactos y productos de la vida cotidiana y los
medios de comunicación de masa.
LICHTENSTEIN ha seguido utilizando imagineria popular en su obra. En 1993 se
realizo una exposición retrospectiva de su obra en el Museo de Arte Moderno de Nueva
York (en el MALBA Argentina en el año 2006)
ANDY WARHOL (Pittsburgh 1928- Nueva York 1987)
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Pintor, Diseñador gráfico y cineasta) En 1960 atrajo la atención con exposiciones de
imágenes muy banales tales como latas de cervezas o de estrellas de cine. La
importancia de estas imágenes reside en el hecho de que fueran objetos o celebridades
cotidianas y que, por ser impresos, podían ser repetidos mecánicamente por cantidades
numerosas.
Se integra conscientemente en el proceso de trabajo en cadena (la repetición)
TEMAS: Objetos cotidianos, Retratos de estrellas de cine, el ídolo en poses (fríos)
TECNICA: Serigrafía, Polímero sintético (plástico) Acrílico sobre lienzo.
MORFOLOGÍA: La repetición, Un cuadro dentro de otro cuadro, La fragmentación
El cuadro en serie a modo de una secuencia de película.
OBJETIVO: No representa sujetos individuales, particulares sino que se limita a la
representación concentrada de la vida y de la acción.El resultado son imágenes frívolas
Obra: “MARILYN” 1967.
Técnica: Serigrafía sobre papel. Medidas: 91,5x 91.5 cm.
E rostro de Marilyn Monroe se nos presenta transformado en una impenetrable máscara
de colores luminosos. Esta obra, presentada en diez combinaciones de colores diferentes
gracias a la técnica impersonal de la serigrafía, ofrece una imagen verdaderamente
sensacional de la
actriz. Probablemente este sea uno de los más famosos temas
abordados por WARHOL. Con esta reproducción de una imagen publicitaria pretendía
demostrar el poderío universal del personaje más trágico de Hollywood.
Este retrato de Marilyn como un producto de la cultura de masas, empaquetada para el
público como si se tratara de un artículo de consumo, es un ejemplo perfecto del
movimiento POP ART NORTEAMERICANO.
Este artista también realizó cine siguiendo su propuesta del campo de la plástica. La
serialización y la repetición eran sus características así como la improvisación en el
diálogo, la ausencia de trama y el extremado erotismo. Por otro lado realizó
publicaciones como MI FILOSOFÍA DE A A B Y DE B A A (1975) y AMÉRICA
(1985) una colección de mordaces fotografias sobre la vida en EE. UU. De 1969 hasta
su muerte publicó INTERVIU, una revista mensual con artículos ilustrados sobre las
celebridades del momento.
TOM WESSELMAN (Cincinnati 1931)
CARACTERISTICAS:
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La manipulación de símbolos eróticos y de elementos de la cultura popular de la
sociedad de consumo
Crea una síntesis de pintura y de enviroment*
Sus propuestas están en relación directa con la vida cotidiana. Assemblage de artículos
de consumo como: radios, televisores, teléfonos, etc.
Formando unos murales plástico-espaciales que sólo se distinguen de los
enviroments porque sólo pueden contemplarse de frente
Convierte la obra en un espejo de la vida cotidiana.
*Enviroment: organización artística de espacios empleando diversos materiales y
órganos de comunicación para llamar directamente la atención sobre la capacidad de
asociación y la predisposición a reflexionar del espectador
Obra: “GRAN DESNUDO AMERICANO Nº 27”. 1962.
Técnica: Pintura de esmalte y collage sobre tabla. 122x91 cm.
La erótica imagen de la modelo desnuda, con las facciones en blanco para evitar toda
posible confusión con un retrato, se yuxtapone con imágenes recortadas de helados y
batidos. Esta obra forma parte de la aserie realizada por WESSELMAN a principios de
los años ’60, en la que combinó desnudos pintados en colores planos y transparentes
con elementos de collage tomados de anuncios o catálogos. Su importancia radica en la
explicita manifestación de libertad sexual, en una época en que los desnudos aún eran
muy raros en los medios de comunicación norteamericanos, y en la inclusión de
imagineria tomada directamente de la sociedad de consumo.
En 1983 WESSELMAN renunció a la pintura en lienzo para dedicarse a la
construcción de murales hechos con piezas metálicas recortadas y basados en dibujos a
rotulador o tinta.
JAMES ROSENQUIST (Dakota del Norte 1933)
CARACTERÍSTICAS:
Utilización de la IMAGINERIA POPULAR.
Pasó los primeros años de su carrera pintando carteles y señales de gasolineria por todos
los EE. UU. Empezó a practicar la pintura artística en 1960.
Representa la iconografía POP con los efectos propios de la propaganda
Son pinturas espaciales gigantes dispuestas en varios planos que abruman al
espectador por el uso de la luz de neón (efecto deslumbrante quizás por su formación
como pintor de carteles)
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Obra: “ESTUDIO PARA MARILYN”, 1962.
Técnica: óleo sobre Lienzo. Medidas. 95x91 cm.
Esta sorprendente imagen seduce al que la contempla por sus llamativos colores y sus
connotaciones eróticas.
ROSENQUIST
ha utilizado artificios visuales típicos de la publicidad: los labios
entreabiertos, las uñas perfectamente arregladas y la provocativa posición de la barra de
labios emiten señales sugestivas, mientras que el atrevido recorte de la imagen y los
colores planos, comerciales, ejercen un impacto inmediato. Sin embargo, la trivialidad
de estas imágenes queda desmentida por la desconcertante composición del cuadro.
¿Por qué la mitad del rostro de esta mujer (se supone que es Marilyn Monroe) está
tapada por un vaso de cristal? El cuadro demuestra el poder el poder de la
publicidad, que se ha convertido en una de las bases de la sociedad urbana.
En 1962 realiza su primera exposición individual en la GREEN GALLERY DE
NUEVA YORK. Allí presentó pinturas y collages. Este autor muestra hechos reales a
través de la combinación de imágenes que lo lleva a sustituir la intención comercial de
la publicidad por un sutil análisis de la relación del hombre con su vida contemporánea.
Ha recogido declaraciones antibelicistas expresando su preocupación por el destino
social, político, económico y ambientalista del planeta.
Bibliografía:
“ARTE del siglo XX” de Ruhrberg, Schneckenburger, Fricke, Honnef
“Estilos, escuelas y movimientos” de Amy Dempsey
“Estilos en las artes plásticas en el siglo XX” de karin Thomas
“introducción a la historia del arte” de Rosemary Lambert
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