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PREGUNTAS PROBABLES EN SELECTIVIDAD Y LÁMINAS GLOBAL FINAL.
RENACIMIENTO
POSIBLES PREGUNTAS TEÓRICAS:
-
ESCULTURA DEL QUATTROCENTO . DONATELLO Y GHIBERTI.
EL CINQUECENTO Y LA CRISIS DEL MANIERISMO EN ITALIA. PINTURA: LEONARDO,
RAFAEL Y MIGUEL ÁNGEL. LA ESCUELA VENECIANA.
ESPAÑA. ARQUITECTURA: DEL PLATERESCO AL ESCORIAL.
PINTURA ESPAÑOLA. EL GRECO.
POSIBLES LÁMINAS
 LÁMINA 1: BRUNELESCHI. CÚPULA DE LA CATEDRAL DE FLORENCIA
UBICACIÓN
Decir lo que es: Cúpula de la catedral de Santa María del Fiore.
Lugar: Florencia
Datación: Proyecto presentado en 1418. Trabajos desarrollados entre 1420 y 1436. La
construcción de la linterna, según proyecto del mismo arquitecto, se inició en 1446 y concluyó
en 1461.
Autor: Filipo Brunelleschi (1377-1446).
Estilo: Arquitectura italiana del Quattrocento.
ANÁLISIS FORMAL
Tipo de edificio y función: Catedral; función religiosa.
Materiales usados: Realizada en piedra (la base), ladrillo macizo (la mayor parte de la
estructura), mortero y otros materiales, destacando el mármol de los nervios y del
revestimiento del tambor.
Elementos arquitectónicos que se observan: Cúpula de perfil apuntado y planta octogonal. Su
punto más elevado alcanza una altura sobre el suelo de 114 metros Su diámetro mayor es de
41,7 metros. Su peso se estima cercano a las 37.000 toneladas.
La cúpula de la catedral de Florencia se levanta sobre un tambor de planta octogonal realizado
en piedra. Cada uno de sus ocho lados está revestido por placas de mármol (blanco y verde) y
presenta un gran óculo central. Sobre este tambor se levanta la cúpula propiamente dicha que,
al exterior, muestra un claro perfil apuntado en el que destacan los ocho nervios realizados
con sillares de mármol blanco de cuatro metros de espesor. Todo el espacio de los plementos
existentes entre aquellos está cubierto por tejas de barro planas, de color rojizo. En el punto
de convergencia de los nervios se alza una linterna prismática, de ocho lados y 16 metros de
altura, con contrafuertes rematados por volutas y cubierta por una estructura cónica coronada
por una esfera de cobre dorado sobre la que se alza una cruz.
Ahora bien, la imagen externa descrita oculta la ingeniosa solución aplicada por Brunelleschi
para levantar la construcción sin que fuesen necesarias cimbras de madera que soportasen la
estructura durante el desarrollo de las obras. A tal efecto, el arquitecto concibió en realidad
una doble cúpula, exterior e interior, de perfiles apuntados, de modo que existiese un espacio
vacío entre ambas, siempre constante y con un sistema de vigas de refuerzo que se extienden
horizontalmente entre los nervios.
La cúpula interior, de menor tamaño, posee un total de 24 nervios construidos en ladrillo que
reciben las descargas de la estructura, dividiendo el peso de su carga y llevándolo hasta el
tambor. Recoge así el empuje de la cúpula externa, mientras ésta aleja a aquélla de la
humedad, al tiempo que sus ocho nervios visibles al exterior carecen de verdadera función
estructural. Con todo ello se reduce el peso del conjunto y se posibilita la existencia de una
galería interna entre ambas cúpulas que conduce hasta la linterna.
Por último, cabe mencionar que gracias al sistema constructivo autoportante empleado en
esta obra, realizado a base de anillos concéntricos de ladrillo que van sucediéndose en
altura, la cúpula presenta, vista desde el interior de la catedral, una superficie completamente
plana, sin nervios de ningún tipo.
COMENTARIO
Introducción histórica: Las dimensiones de esta cúpula la convierten en la construcción más
relevante del Quattrocento italiano. La obra en sí misma simboliza la importancia de Florencia
como núcleo fundamental del arte renacentista durante el siglo XV y principal ciudad de la
época, tratando de hacer visible el paralelismo entre la ciudad toscana y la brillante Roma de la
época clásica. Al mismo tiempo, el hecho de que corone el templo catedralicio la constituye en
símbolo visible de la fortaleza de la Iglesia cristiana en la sociedad florentina.
La obra de Brunelleschi es el resultado de la convocatoria de un concurso con el que se decidió
el arquitecto que llevaría a cabo la nueva cúpula que cubriría el crucero del Duomo florentino,
catedral realizada por Arnolfo di Cambio en estilo gótico. Aunque se otorgó el triunfo, de
manera conjunta a Ghiberti y Brunelleschi sería éste quien finalmente asumiría el reto de
levantar esta novedosa estructura que acabaría realzando el nombre de Florencia, en la que la
familia Médici comenzaba a destacar ya como principal linaje de una ciudad a la que las
actividades económicas (sobre todo comerciales y bancarias) estaban llevando ya a un
momento de gran esplendor, apreciable no sólo en esta magna construcción y otras realizadas
por el mismo el mismo arquitecto (basílica de San Lorenzo) sino también en otros ámbitos de
la cultura que convertirían a Florencia en el centro del humanismo del siglo XV.
Características generales del arte renacentista: El Quattrocento es la primera etapa del
Renacimiento, época en la que se descubre a los clásicos. En esta época se empieza a situar al
hombre en el centro del Universo a través de las nuevas ideas humanistas y las
manifestaciones artísticas clásicas están más acordes con esta nueva concepción del hombre y
la naturaleza que lo rodea que el Gótico, arte más espiritual e irreal.
Datos del autor y otras obras: Filippo Brunelleschi (1377-1446) comenzó siendo orfebre y
e scultor. El conocimiento de estos oficios le lleva, en 1401, a participar en el concurso para
fundir las segundas puertas del Baptisterio de Florencia, que el jurado adjudicó a Ghiberti.
Decepcionado por el fallo arbitral, marchó a Roma, junto a Donatello, con el propósito de
estudiar de cerca la escultura clásica. Pero cuando llega a Roma, se siente más atraído por la
arquitectura, que será su verdadera vocación.
En 1418 participará de nuevo con Ghiberti en el concurso para levantar la cúpula de la
catedral de Florencia. Como podemos ver, el resultado fue esta vez a favor de
Brunelleschi.
Destacan también sus siguientes obras: el "Hospital de los Inocentes" (1419-24) y las Basílicas del
"EspírituSanto"y"SanLorenzo". En este último templo levantó también la "Sacristía Vieja"
(1421-28). En 1429 edificaba la "Capilla Pazzi" en el claustro del convento franciscano de Sant
Croce, de Florencia.
Características generales arquitectónicas renacentista y otros datos de interés: Cuando
Brunelleschi levanta esta obra no dispone de ningún modelo cercano en el tiempo en el cual
pueda inspirarse, siendo su precedente más próximo la cúpula del Panteón de Roma, con la
cual mantiene sustanciales referencias. Por otra parte, la cúpula florentina inicia el desarrollo
de la gran arquitectura renacentista y, más en concreto, la serie de cúpulas que tienen su
remate más destacado en la que levantaría Miguel Ángel en la Basílica de San Pedro del
Vaticano, ya en el siglo XVI.
Desde cualquier perspectiva que se elija, la cúpula de la catedral de Florencia se eleva por
encima del viejo caserío de la ciudad, dando a ésta su perfil más característico. Con esta obra
Brunelleschi aportó interesantes novedades a la historia de la arquitectura y contribuyó
decisivamente a consolidar la imagen de Florencia como centro artístico del Quattrocento
italiano.

LÁMINA 24 BOTTICELLI. LA PRIMAVERA. Uffizi. Florencia.
UBICACIÓN
Decir lo que es: Cuadro La primavera.
Lugar: Galería de los Uffizi. Florencia.
Datación: 1477-78, aproximadamente.
Autor: Sandro Botticelli
Estilo:Pintura renacentista.
ANÁLISIS FORMAL
Técnica y soporte : La técnica usada para la realización de La Primavera es el temple (mezcla de
los pigmentos mediante huevos) sobre tabla
Describir lo que representa: En ella se representan a varias figuras mitológicas.
Las figuras están distribuidas de la siguiente manera: Venus está en el centro, junto a las tres
Gracias, que bailan a la derecha de Mercurio, que intenta tocar el cielo. En el lado izquierdo
está Flora, que recoge las flores que Cloris suelta por la boca; Flora es la única que mira
fijamente al observador. La ninfa Cloris es perseguida por Céfiro y en la parte superior nos
encontramos con Cupido, vendado de ojos y que dirige una flecha hacia una de las Gracias; en
este personaje también se aprecia la aparición de una nueva técnica: el escorzo. Venus está
representada en el centro y al aclararse la arboleda, tras ella crea una especie de aureola. Se
cree que las tres Gracias representan la voluptuosidad, la castidad y la belleza. Mediante las
distintas posiciones de las figuras se rompe la ley de frontalidad que en esta época tiende a
desaparecer. Esta obra destaca tanto por el gran realismo que encontramos en la figuras y en
el estudio tan detallado de la anatomía, como por su naturalismo; y también es un claro
ejemplo de retrato. Así, la Gracia de la derecha es Caterina Sforza, la Gracia del medio podría
ser Semiramide Appiani, mujer de Lorenzo il Popolano que está representado en el Mercurio;
esta Gracia mira fijamente a su marido (Mercurio). Y la Gracia de la derecha podría ser
Simonetta Vespucci, que fue un prototipo de belleza para Botticelli. La sensación de
movimiento de la obra viene acentuada por los sutiles movimientos de las Gracias mediante su
danza y también por Cloris y Céfiro, es decir, podemos considerar que es una obra dinámica en
gran parte.
En la obra podemos trazar una especie de triángulo: el vértice estaría en Cupido, bajando
hacia Mercurio y Céfiro, uniéndose entre las demás figuras
Los rostros de los personajes reflejan serenidad y paz, típico del clasicismo de la época.
La profundidad se vislumbra a través del paisaje de naranjos que aparece en el fondo.
Elementos: (Tratamiento de laluz, del color…) En esta obra predomina la luz , especialmente
sobre los cuerpos de los personajes y en los claros del bosque. También las flores del suelo
tienden a crear un contraste en el color oscuro del bosque. Los colores usados son tanto fríos
como cálidos: fríos en el bosque y el cuerpo de Céfiro y cálidos en los ropajes de Mercurio y
Venus. Dichos colores destacan sobre las líneas que todavía, delimitan el dibujo.
COMENTARIO
Breve comentario histórico: El siglo XV supone el renacer de Europa. Han pasado las grandes
batallas y la inestabilidad política de la Edad Media, los grandes señores feudales van
perdiendo terreno ante el avance de las ciudades. En este nuevo panorama, Florencia,
recuperada demográficamente de la peste negra y con una economía en alza,- gracias a la
industria de la lana, el comercio de tejidos y las operaciones bancarias,- será pionera y
protagonista.
La ciudad se considera heredera intelectual de Atenas y del legado institucional de Roma.
Filósofos y artistas la convierten en la capital del Renacimiento y despliegan desde allí el
Humanismo, base ideológica del Quattrocento, y fusión de los conceptos de virtud, belleza,
razón y naturaleza, tomados de la Antigüedad, a los que se une el de religión cristiana. Desde
Florencia, teóricos y artistas resucitan el antropocentrismo, la teoría de las proporciones del
cuerpo humano, y las leyes de la perspectiva.
Características generales de la pintura renacentista: La principal aportación de la pintura en el
Quattrocento fue la representación de la perspectiva.
Sí podemos seguir una influencia clara del clasicismo en el estudio de la geometría y las
proporciones, lo que daba una calidad y belleza a sus obras que ayudaron a aumentar su
consideración social: ya no eran meros pintores, sino auténticos estudiosos de su arte.
Los temas tratados también se cambian:
-Los religiosos siguen siendo importantes, pero ahora se tratan con más humanidad y cada vez
se acercan más a los fieles.
-El retrato se independiza. Representa el individualismo de la época que exalta a personajes
concretos. Influye el retrato romano de las medallas, monedas o relieves antiguos.
-Aparecen los temas mitológicos.
-El desarrollo de la filosofía neoplatónica hizo que los temas clásicos pudieran simbolizar
también valores cristianos y que convivieran con los temas religiosos.
En cuanto a las técnicas y soportes más usados, podemos decir que durante este siglo XV se
pinta al fresco y temple en los muros y al óleo sobre tabla y lienzo.
La pintura italiana del siglo XV se mueve en dos direcciones: los artistas interesados por la
línea y los preocupados por el volumen. La primera tendencia está representada por el Beato
Angélico y Sandro Botticelli, y de la segunda corriente participan Masaccio y Piero della
Francesca.
Características generales del Renacimiento y del autor: Esta obra, datada entre 1477 y 1478,
pertenece a Sandro Botticelli (1444-1510), un pintor cuya concepción de la pintura es más
poética que científica o matemática. Este célebre pintor opta por la representación de figuras
humanas dejando a un lado la perspectiva..
Es un pintor magnífico de Vírgenes, aunque también se aficionó a la pintura mitológica. Otras
obras suyas son La caluminia, El Nacimiento de Venus y el Descendimiento.
Aunque es claro ejemplo del clasicismo renacentista, al final de su vida su pintura se vio
implicada en un cambio que impuso en su mentalidad las predicaciones del fraile Savonarola,
el cuál critica el paganismo, llegando a organizar una quema pública de cuadros donde
también se eliminaron algunos de Botticelli
La Primavera de Botticelli pertenece al Renacimiento. El Renacimiento significa un nuevo
despertar del Humanismo. El hombre se siente centro del universo (antropocentrismo), y esto
tendrá una evidente plasmación en el arte, tanto en la arquitectura como en la escultura y la
pintura, donde el naturalismo y el realismo se irán imponiendo con más fuerza. La belleza de
las formas sustituye al gusto por lo expresivo del arte medieval. Se produce un retorno a las
formas artísticas propias del clasicismo.
La figura clave de este período es el humanista, el hombre universal. Nace ahora la crítica del
arte. Ello da lugar al surgimiento de tratados sobre arquitectura, escultura y pintura. El artista
empieza a cobrar conciencia de su papel en la sociedad. Es respetado por todos, se hablará de
"genios". El mecenas es el protector de los artistas. Un buen ejemplo es la familia de los
Médici.

LÁMINA 34. MIGUEL ÁNGEL. LA PIEDAD. BASÍLICA DEL VATICANO. ROMA
UBICACIÓN
Decir lo que es: La Piedad
Lugar: Vaticano
Datación: 1498-99
Autor: Miguel Ángel Buonarrotti
Estilo:Escultura renacentista. Cinquecento.
ANÁLISIS FORMAL
Tipo de escultura y función: Grupo escultórico compuesto de dos figuras de bulto redondo: la
Virgen María se haya sentada y su hijo yace muerto sobre sus piernas.
Materiales usados: Toda la escultura está realizada sobre un único bloque de mármol blanco
de Carrara.
Explicar lo que representa: Representación de la Piedad, en el momento en que María sostiene
sobre sí misma el cadáver de su hijo Jesús, recién bajado de la cruz. Realizada prácticamente a
tamaño natural y concebida para ser contemplada desde una perspectiva frontal, lo que
explica el menor detalle de la parte posterior.
Características del estilo que se observan en ella: La obra presenta una clara composición
piramidal, típica en el Renacimiento más clásico, que gustaba de las proporciones armónicas a
través de la geometría. Extrema perfección en el modelado: el escultor ha pulimentado el
conjunto hasta dejar las superficies completamente lisas. Un acabado perfecto que contrasta
con el non finito que Miguel Ángel adoptará en otras obras posteriores.
Otro detalle de puro clasicismo está en la perfección de los pliegues de la vestimenta de la
Virgen y los del santo sudario y el interés por la anatomía que muestra el cuerpo casi desnudo
de Jesús.
No se observa dolor en los rostro, para no romper el equilibrio, y se percibe en ellos una cierta
idealización, muy al gusto de los ambientes renacentistas interesados en las ideas
neoplatónicas.
COMENTARIO
Características generales del arte renacentista: El Renacimiento es la época en la que se
descubre a los clásicos. En esta época se empieza a situar al hombre en el centro del Universo
a través de las nuevas ideas humanistas y las manifestaciones artísticas clásicas están más
acordes con esta nueva concepción del hombre y la naturaleza que lo rodea que el Gótico, arte
más espiritual e irreal.
Introducción histórica: La primera mitad del siglo XVI es la época del desarrollo del capitalismo
mercantilista, del fortalecimiento político del estado moderno, de las reformas religiosas y del
protestantismo y de la colonización de América. El escenario italiano también evoluciona. Con
la caída de Lorenzo de Médici, Florencia decae y es sustituida como nuevo centro de poder y
de mecenazgo para artistas por Roma. Así, los papas Julio II (1503-1513) y León X (1513-1521)
promoverán una nueva Edad de Oro de las artes.
Características generales de la escultura renacentista: La escultura clasicista está muy
conectada con los modelos que la arqueología proporciona para los temas relacionados con la
mitología; también se verán reflejados los modelos humanos idealizados por el Quattrocento.
Realmente esta escultura clasicista que se produjo en el primer cuarto del siglo XVI estuvo
presidida por el astro genial de Miguel Ángel, cuya obra se había iniciado en la última
década del XV y se expandirá por buena parte del Cinquecento.
Autor y otras obras: Miguel Ángel Buonarroti (1475 - 1564) fue arquitecto, escultor y pintor.
Se sentía, sobre todo,escultor, así que fue en este arte donde empieza a destacar, como nos
muestra su conocida Piedad, realizada entre 1498 y 1499. En esta obra se percibe su gusto por
la geometría y la limpieza de sus obras que carácterizan su primera época.
Este gusto por el clasicismo se observa también en su David (1501-1504), en la que ya muestra
la “terribilitá”, la tensión de la que va a dotar a sus creaciones. Su especial atracción por la
escultura le hizo dar prioridad en sus edificios al volumen. Adelantó los rasgos manieristas,
como el uso del orden gigante. De 1504 será también su famosa pintura Tondo Doni, donde ya
sí se aprecia el especial tratamiento del volumen que caracterizará a su pintura, escultura y
arquitectura y que abrirá las puertas al manierismo.
Artista de renombre, es solicitado por el papa Julio II para hacer su sepulcro (1505, aunque no
se terminará hasta 1545)) y para realizar las pinturas de la bóveda de la capilla Sixtina (15081512).
Vuelve a Florencia, donde sigue un trabajo incesante, tal como lo demuestra el sepulcro que
realizó para los Médicis en la Sacristía de la Nueva Basílica de San Lorenzo (1520-1532) y la
Biblioteca Laurenciana (1530-1534).
Sus últimas grandes obras las realiza en Roma, donde vuelve a ser solicitado para completar las
pinturas de la Capilla Sixtina con el Juicio Final y para acabar el proyecto de la Basílica de San
Pedro, encargado en un primer momento a Bramante.
Cuando Miguel Ángel terminó su Piedad tenía apenas veinticuatro años. Es esta la única obra
suya que aparece firmada: una cinta en diagonal cruza el pecho de María y en ella puede
leerse con facilidad de abajo hacia arriba esta leyenda: "Miguel Ángel Buonarroti florentino,
me hizo". Podemos imaginar lo orgullos que tuvo que sentirse el joven artista de su obra, sin
saber todo lo que le quedaba aún por hacer.
LÁMINA 38. MIGUEL ÁNGEL. MOISÉS. SAN PEDRO IN VINCOLI. ROMA
UBICACIÓN
Decir lo que es: Estatua de Moisés.
Lugar: . La estatua se encuentra en Roma, pero no en el lugar para el que fue concebida
originariamente (la basílica de San Pedro) sino en otra iglesia de importancia mucho menor, la
de San Pedro in Vincoli.
Datación: 1515
Autor: Miguel Ángel
Estilo: Escultura renacentista. Cinquecento.
ANÁLISIS FORMAL
Tipo de escultura y función: Escultura de bulto redondo sedente.
Materiales usados: Tallado en un único bloque de mármol de Carrara. Alcanza una altura de
235 cm.
Explicar lo que representa: Forma parte del conjunto levantado para dar sepultura al Papa Julio
II.
Se trata de un gigantesco Moisés sentado que porta bajo su brazo derecho las tablas de la ley,
mientras con la misma mano se mesa la barba. No mira al frente, sino que gira su cabeza hacia
la izquierda, mientras el pie de ese mismo lado inicia un movimiento en leve contraposto que
rompe el equilibrio de la obra y transmite al espectador una clara imagen de energía, de
dinamismo que niega el equilibrio habitual de una estatua sentada.
Moisés ha subido al Sinaí y, tras permanecer allí cuarenta días, ha recogido el mensaje divino:
los diez mandamientos. Ha estado en contacto con la poderosa presencia del mismo Dios y de
su cabeza aún irradian rayos de luz. Vuelve hacia su pueblo confortado con el mensaje de
Yavhé y encuentra a Israel adorando falsos ídolos. Moisés entra en cólera, tensa sus músculos
y va a levantarse de su asiento. Y en ese momento lo capta Miguel Ángel: todo energía y
decisión, asombro y enfado ante la idolatría de su pueblo. Un minuto después romperá en mil
pedazos las tablas de la ley, mientras Israel se apresta a recibir el castigo divino.
Características del estilo que se observan en ella: La escultura de Miguel Ángel ha
evolucionado: ya no es la escultura perfectamente acabada de La Piedad. El acabado ha dejado
paso a ese non finito que aumenta la expresividad y el movimiento. Otra característica es la
terribilitá, el momento de tensión que precede a la acción y que Miguel Ángel sabrá desarrollar
como nunca antes se había hecho en sus esculturas.
COMENTARIO
Características generales del arte renacentista: El Renacimiento es la época en la que se
descubre a los clásicos. En esta época se empieza a situar al hombre en el centro del Universo
a través de las nuevas ideas humanistas y las manifestaciones artísticas clásicas están más
acordes con esta nueva concepción del hombre y la naturaleza que lo rodea que el Gótico, arte
más espiritual e irreal.
Breve comentario histórico: La primera mitad del siglo XVI es la época del desarrollo del
capitalismo mercantilista, del fortalecimiento político del estado moderno, de las reformas
religiosas y del protestantismo y de la colonización de América. El escenario italiano también
evoluciona. Con la caída de Lorenzo de Médici, Florencia decae y es sustituida como nuevo
centro de poder y de mecenazgo para artistas por Roma. Así, los papas Julio II (1503-1513) y
León X (1513-1521) promoverán una nueva Edad de Oro de las artes.
En este ambiente se enmarca la creación de esta escultura, cuya historia parece casi una
crónica de sucesos: en 1505, poco después de concluir el David, Miguel Ángel elaboró un
ambicioso proyecto de mausoleo para el papa Julio II, en el que a la estatua de Moisés le
correspondería un lugar en el piso intermedio de los tres niveles de los que constaría la obra,
que debía tener un total de 47 esculturas. Sin embargo la aprobación de la idea se fue
demorando; parece que hubo intrigas palatinas al respecto surgidas de Bramante, quien no
quería desviar fondos a la construcción del sepulcro, ya que impedirían financiar las obras de la
propia basílica de San Pedro. Así pues, se irían haciendo sucesivos recortes frente a la idea
original. Llegados a estas alturas Julio II falleció en 1513 y Miguel Ángel debió acordar las trazas
definitivas de la obra con sus herederos, lo que condujo a sucesivas modificaciones. De este
modo no se firmó un contrato formal hasta 1532 (17 años después de haber esculpido el
Moisés) y el sepulcro no estuvo concluido hasta 1545. Para entonces su ubicación había
quedado en la iglesia citada y la tumba se concebía ahora adosada a la pared, mucho menos
majestuosa, de menor envergadura y con una sensible reducción del número de esculturas
que la componían, hasta tal punto que sólo una de ellas resulta de la mano de Miguel Ángel.
Así que el Moisés es la historia de varias frustraciones: la del Papa que no vio su tumba
acabada, la del propio personaje que asistió a los pecados de su pueblo y la del propio artista
que lo talló cuando tenía 40 años, en plena madurez, pero que no lo vio colocado en su sitio
definitivo hasta que no había alcanzado los 70, muy lejos de su proyecto original.
Características generales de la escultura renacentista: La escultura clasicista está muy
conectada con los modelos que la arqueología proporciona para los temas relacionados con la
mitología; también se verán reflejados los modelos humanos idealizados por el Quattrocento.
Realmente esta escultura clasicista que se produjo en el primer cuarto del siglo XVI estuvo
presidida por el astro genial de Miguel Ángel, cuya obra se había iniciado en la última
década del XV y se expandirá por buena parte del Cinquecento.
Autor y otras obras: Miguel Ángel Buonarroti (1475 - 1564) fue arquitecto, escultor y pintor.
Se sentía, sobre todo,escultor, así que fue en este arte donde empieza a destacar, como nos
muestra su conocida Piedad, realizada entre 1498 y 1499. En esta obra se percibe su gusto por
la geometría y la limpieza de sus obras que carácterizan su primera época.
Este gusto por el clasicismo se observa también en su David (1501-1504), en la que ya muestra
la “terribilitá”, la tensión de la que va a dotar a sus creaciones.Su especial atracción por la
escultura le hizo dar prioridad en sus edificios al volumen. Adelantó los rasgos manieristas,
como el uso del orden gigante. De 1504 será también su famosa pintura Tondo Doni, donde ya
sí se aprecia el especial tratamiento del volumen que caracterizará a su pintura, escultura y
arquitectura y que abrirá las puertas al manierismo.
Artista de renombre, es solicitado por el papa Julio II para hacer su sepulcro (1505, aunque no
se terminará hasta 1545)) y para realizar las pinturas de la bóveda de la capilla Sixtina (15081512).
Vuelve a Florencia, donde sigue un trabajo incesante, tal como lo demuestra el sepulcro que
realizó para los Médicis en la Sacristía de la Nueva Basílica de San Lorenzo (1520-1532) y la
Biblioteca Laurenciana (1530-1534).
Sus últimas grandes obras las realiza en Roma, donde vuelve a ser solicitado para completar las
pinturas de la Capilla Sixtina con el Juicio Final y para acabar el proyecto de la Basílica de San
Pedro, encargado en un primer momento a Bramante. No vio terminada esta última obra, cuya
grandeza siempre nos recordará al genial artista.
LÁMINA 49. RAFAEL. LA ESCUELA DE ATENAS Estancia de la Signatura. Palacio del Vaticano.
Roma.
UBICACIÓN
Decir lo que es: La Escuela de Atenas
Lugar: Estancia de la Signatura, Vaticano
Datación: 1509-1510.
Autor: Rafael:
Estilo: Pintura renacentista. Cinquecento.
ANÁLISIS FORMAL
Técnica y soporte : Pintura mural al fresco.
Describir lo que representa: Se escenifica la verdad razonada en la escuela de filósofos
atenienses que Rafael imaginó en medio de un marco arquitectónico inspirado en el proyecto
de Bramante para la basílica de San Pedro, con una profundidad y perspectivas asombrosas,
que logra pintando arcos sostenidos sobre columnas (por aquello de que la verdad necesita
apoyo), dando lugar en medio a un gran pasillo-galería por donde Platón (el famoso filósofo)
pasea (con el rostro de Leonardo da Vinci; conocido de Rafael cuando vivió en Florencia) junto
a Aristóteles con su libro de Ética bajo el brazo. El artista plasma los rasgos de los pintoresescultores de su tiempo personificando a los grandes filósofos.
Toda la composición del fresco converge en el centro por donde pasean Platón y Aristóteles
discutiendo acerca de filosofía. Hasta los peldaños y la arquitectura de los arcos del pasillo
hacen que la mirada y la atención se centren plenamente en las figuras de ambos
filósofos. Rafael llenó el cuadro de los famosos filósofos griegos (y algunos no griegos) de todas
las épocas, entre ellos: Heráclito sentado solo en el suelo en primera plana del cuadro, con el
codo apoyado en un bloque de mármol escribiendo (con los rasgos faciales de Miguel Ángel),
Diógenes ( con túnica azul claro) a la derecha de Heráclito leyendo un papel, y totalmente a la
derecha, siempre en primera plana también, está Euclides (con la cara de Bramante) trazando
con un compás una figura geométrica ante la atenta mirada de sus discípulos, Jenofonte,
Esquines (o Alcibíades), Zenón, Epicuro, Zaratustra, Ptolomeo... y hasta pintó su propio
autoretrato en el cuadro.
Colocada esta escena en la pared de enfrente a La Disputa del Sacramento, que exalta la
verdad revelada,La Escuela de Atenas celebra la investigación racional de la verdad.Platón y
Aristóteles están en el centro ideal de la perspectiva de toda la composición encuadrados en el
fondo del cielo por el último arco. A la izquierda Sócrates conversando con Alejandro Magno,
armado. La configuración de la arquitectura del templo de la sabiduría, con los nichos de Apolo
y Palas Atenea, como espacio renacentista y la representación de los sabios de la antigüedad
como hombres contemporáneos de Rafael subrayan esta idea de continuidad entre el
presente y el mundo antiguo.
Elementos: (Tratamiento de laluz, del color…) En los frescos de la Estancia de la Signatura del
Vaticano es donde el arte de componer de Rafael alcanza su verdadera madurez y en esta
estancia La Escuela de Atenas es uno de los conjuntos más grandiosos de la pintura
renacentista. Para la perspectiva se inspira en Leonardo y los personajes recuerdan a Miguel
Ángel,- que en estas fechas pintaba la Capilla Sixtina,- pero la admirable composición de las
figuras es el arte propio de Rafael. También llama la atención la espectacular arquitectura
renacentista que se nos muestra en esta obra.
COMENTARIO
Breve comentario histórico: La primera mitad del siglo XVI es la época del desarrollo del
capitalismo mercantilista, del fortalecimiento político del estado moderno, de las reformas
religiosas y del protestantismo y de la colonización de América. El escenario italiano también
evoluciona. Con la caída de Lorenzo de Médici, Florencia decae y es sustituida como nuevo
centro de poder y de mecenazgo para artistas por Roma. Así, los papas Julio II (1503-1513) y
León X (1513-1521) promoverán una nueva Edad de Oro de las artes.
Características generales del arte renacentista: El Renacimiento es la época en la que se
descubre a los clásicos. En esta época se empieza a situar al hombre en el centro del Universo
a través de las nuevas ideas humanistas y las manifestaciones artísticas clásicas están más
acordes con esta nueva concepción del hombre y la naturaleza que lo rodea que el Gótico, arte
más espiritual e irreal.
Características generales de la pintura renacentista: A comienzos del siglo se sigue
desarrollando un gusto clasicista, a su vez que la influencia del neoplatonismo sigue marcando
la obra de los artistas, lo cual favorecerá la representación de los desnudos buscando en él la
monumentalidad y la belleza ideal.
Por otro lado, los escenarios y fondos dejan de tener importancia, pasando a ocupar un primer
plano las figuras. A lo largo del siglo se buscará un mayor movimiento y fuerza expresiva, que
será una característica del manierismo, triunfante ya en la segunda mitad de la centuria.
También destaca de los pintores del Cinquecento los avances que hicieron en el tratamiento
de la luz y también la introducción de la perspectiva aérea.
Autor y otras obras: Rafael Sanzio (1483 –1520) es el pintor que fue más admirado por sus
contemporáneos. Sus obras expresan el orden, la serenidad y la armonía que caracteriza al
Clasicismo del Cinquecento.
En 1499 entró en el taller de Perugino y posteriormente en el de Pinturichio. En 1504
marchó a Florencia donde aprendió de Leonardo y Miguel Ángel. En 1508 marchó a Roma y
Bramante le presentó a Julio II que le encargó la decoración de las Estancias del Vaticano.
En toda su obra muestra la capacidad de asimilar la influencia de otros pintores,
integrándola en su propia obra, bella y armónica. Podemos clasificarla en tres etapas:
-Primera etapa: Aprendizaje en Urbino y Perisa (1499-1504): Aquí aprendió a usar los
colores claros, posturas elegantes y marcos de paisaje idílico,- influencia de Perugino,también influyeron los trabajos de perspectiva que Piero della Francesca había dejado en
Urbino. De esta etapa, destaca la Coronación de la Virgen.
-Segunda etapa: Florencia (1504-1508): Aquí asimiló la composición piramidal y el sfumato
de Leonardo. De esta época destacan sus Madonnas, como La Madonna del jilguero o La
Madonna del Gran Ducca.
-Tercera etapa: Roma (1508-1520): Acude a Roma llamado por el papa Julio II, que le
encarga decorar las cuatro habitaciones que componen las Estancias Vaticanas. De aquí
destaca "La Disputa del Santísimo Sacramento" y esta obra que estamos analizando.
También destacó su actividad como retratista. Muestra de ello, son sus conocidos Retrato de
el Cardenal o el que hizo de Julio II.